აბსტრაქტული კომპოზიცია (ადამიანის შეგრძნებების ჩვენების პრინციპები). აბსტრაქტული ხელოვნება - რა არის ეს? აბსტრაქციონიზმი ფერწერაში: წარმომადგენლები და ნამუშევრები რა არის აბსტრაქციონიზმი ხელოვნებაში

(ლათ. abstractio მოცილება, ყურადღების გადატანა) არაობიექტური, არაფიგურალური ხელოვნება ვიზუალური აქტივობის ფორმა, რომელიც არ ისახავს მიზნად ვიზუალურად აღქმული რეალობის მიბაძვას ან ჩვენებას. აბსტრაქტული ფერწერა, გრაფიკა, ქანდაკება გამორიცხავს ასოციაციებს ცნობად ობიექტებთან.

აბსტრაქტული ფერწერის წარმოშობა და პირველი აბსტრაქტული მხატვრობის შექმნის დრო დადგენილი არ არის. მხოლოდ დარწმუნებით შეგვიძლია ვთქვათ, რომ 1910-1915 წლებში ბევრმა ევროპელმა მხატვარმა სცადა ძალები არაობიექტურ, არაფიგურალურ კომპოზიციებში (მხატვრობა, ნახატი, ქანდაკება). მათ შორის: R. Delaunay, M. F. Larionov, F. Picabia, F. Kupka, P. Klee, F. Mark, A. G. Yavlensky, U. Bocioni, F. Marinetti და სხვები.ყველაზე ორიგინალური და ცნობილი V.V.Kandinsky, P.Mondrian , კ.ს.მალევიჩი. კანდინსკის ჩვეულებრივ აბსტრაქციის „გამომგონებელს“ უწოდებენ, რაც გულისხმობს მის 1910–1912 წლების აკვარელებს და მის თეორიულ ნამუშევრებს, რომლებიც ობიექტურად მოწმობენ ხელოვნების თვითკმარობას და მიუთითებენ მის უნარზე შექმნას ახალი რეალობა საკუთარი საშუალებებით. როგორც პრაქტიკაში, ასევე თეორიაში, კანდინსკი იყო ყველაზე გადამწყვეტი და თანმიმდევრული მათ შორის, ვინც იმ დროს მიუახლოვდა ფიგურატიულობას აბსტრაქციისგან გამიჯნულ ხაზს. გაურკვეველი კითხვა, ვინ იყო პირველი, ვინც გადაკვეთა ეს ხაზი, არ არის ფუნდამენტური მნიშვნელობა, რადგან მე-20 საუკუნის პირველ წლებში. ევროპული ხელოვნების უახლესი ტენდენციები ძალიან მიუახლოვდა ამ ზღვარს და ყველაფერი იმაზე მეტყველებდა, რომ ის გადატრიალდებოდა.

აბსტრაქცია, პოპულარული რწმენის საწინააღმდეგოდ, არ არის სტილისტური კატეგორია. ვიზუალური შემოქმედების ეს სპეციფიკური ფორმა რამდენიმე მიმართულებით ხვდება. გეომეტრიული აბსტრაქცია, ლირიული აბსტრაქცია, ჟესტური აბსტრაქცია, ანალიტიკური აბსტრაქცია და უფრო კონკრეტული მოძრაობები, როგორიცაა სუპრემატიზმი, არანფორმელი, ნუგეიზმი და ა.შ.

აბსტრაქტული ხელოვნების სტილები შედგება იმავე სტილის ფორმირების ელემენტებისაგან, როგორც ფიგურული ხელოვნების სტილები. ამას მოწმობს, კერძოდ, ის ფაქტი, რომ მონოქრომული მხატვრობა - ერთ ტონალობაში დახატული ტილო - სტილთან იმავე ნეიტრალურ მიმართებაშია, როგორც აბსოლუტურად ნატურალისტური ფიგურული გამოსახულება. აბსტრაქტული ფერწერა არის ვიზუალური აქტივობის განსაკუთრებული ტიპი, რომლის ფუნქციები შედარებულია აუდიო სივრცეში მუსიკის ფუნქციებთან.

ხელოვნებაში ესთეტიკური დამოკიდებულების დაჩქარებული ცვლილება სათავეს იღებს მე-20 საუკუნის კულტურაში, მეცნიერებასა და ტექნოლოგიაში რევოლუციურ გარდაქმნებში. ხელოვნებაში ახალი ტენდენციები შესამჩნევი გახდა უკვე XIX საუკუნის პირველ ნახევარში. ამ დროს ევროპულ მხატვრობაში ერთდროულად ჩანს ნატურალისტური ტექნიკის დახვეწა (ჯ. ინგრესი, ჯ.-ლ. დევიდი, ტ. ჩასერიო) და მზარდი მიდრეკილება პირობითობისკენ (C. Corot, E. Delacroix, F. Goya. ); ეს უკანასკნელი განსაკუთრებით ხაზს უსვამს ინგლისურ მხატვრობას R.O. Bonington და განსაკუთრებით W. Turner, რომლის ნახატები მზე ამოდის ნისლში(1806), მუსიკალური საღამო(18291839) და ზოგიერთი სხვა ნაშრომი წარმოადგენს ყველაზე გაბედულ განზოგადებებს, რომლებიც ესაზღვრება აბსტრაქციას. მივაქციოთ ყურადღება მისი ერთ-ერთი ბოლო ნაწარმოების ფორმას, მაგრამ ასევე სიუჟეტს წვიმა, ორთქლი, სიჩქარე, რომელიც ასახავს ორთქლის ლოკომოტივს, რომელიც ნისლსა და წვიმის ფარდაში ჩქარობს. 1848 წელს დახატული ეს ნახატი მე-19 საუკუნის პირველი ნახევრის ხელოვნებაში კონვენციის უმაღლესი საზომია.

მე-19 საუკუნის შუა ხანებიდან. ფერწერა, გრაფიკა, ქანდაკება ეხება იმას, რაც მიუწვდომელია პირდაპირი გამოსახვისთვის. სულ უფრო ინტენსიური ხდება ახალი ვიზუალური საშუალებების, ტიპიზაციის მეთოდების, გაზრდილი გამოხატვის, უნივერსალური სიმბოლოების და შეკუმშული პლასტიკური ფორმულების ძიება. ერთის მხრივ, ეს მიზნად ისახავს ადამიანის შინაგანი სამყაროს წარმოჩენას მისი ემოციური ფსიქოლოგიური მდგომარეობის შესახებ, მეორეს მხრივ, ობიექტური სამყაროს ხედვის განახლებას. 1900-იან წლებში პრიმიტიული და, ცოტა მოგვიანებით, ტრადიციული („პრიმიტიული“) ხელოვნების აღმოჩენამ, ჯერ ესპანეთში, შემდეგ კი საფრანგეთში, გადამწყვეტად შეცვალა იდეა ვიზუალურ ხელოვნებაში ჩვეულებრივი ფორმების მნიშვნელობის შესახებ.

მდგომარეობას, რომელშიც ხელოვნებაა ამ დროს, შეიძლება ეწოდოს მუდმივი ესთეტიკური რევოლუცია; მთავარი მოვლენები საფრანგეთში ხდება. 1900 წლის უნივერსალური საერთაშორისო გამოფენა პარიზში, ნიკოლოზ II-ის გამზირზე, იყო პირველი ოფიციალური გამოფენა, რომელშიც შედიოდა იმ დროისთვის ჯერ კიდევ „სკანდალური“ მხატვრების ნამუშევრები: ე. მანე, კ. მონე, ო. რენუარი და სხვა იმპრესიონისტები. როგორც პ. გოგენი და პ. .სეზანი. 1904 წელს გერმანიაში ნაჩვენები უახლესმა ფრანგულმა ნახატმა განსაცვიფრებელი შთაბეჭდილება მოახდინა გერმანელ მხატვრებზე და გახდა იმპულსი ახალგაზრდული კავშირის შესაქმნელად, რომელშიც შედიოდნენ მომავალი ცნობილი ექსპრესიონისტები: E.L. Kirchner, K. Schmidt-Rottluff და სხვები.

1905 წლიდან 1910 წლამდე დასავლეთ ევროპის ხელოვნებაში მოხდა კლასიკური ფერწერული სისტემის თანმიმდევრული „დეკონსტრუქცია“ და ესთეტიკური დამოკიდებულების რადიკალური ცვლილება. მას შემდეგ, რაც იმპრესიონიზმმა პირველად ხელოვნების ისტორიაში შემოიტანა სტრუქტურული (არასტილისტური) ცვლილებები ფერწერაში, ფრანგმა ფოვისტებმა და გერმანელმა ექსპრესიონისტებმა შეცვალეს დამოკიდებულება ფერისა და ნახატის მიმართ, რომლებიც საბოლოოდ გამოვიდნენ ბუნების დაქვემდებარებიდან. შემდეგ კუბიზმი ათავისუფლებს მხატვრობას ნარატიული სიუჟეტის ნარატივისაგან.

თუ მხატვრობა, ისევე როგორც სხვა ხელოვნება, არის არა იმდენად უნარის დემონსტრირება, ნაწარმოების შექმნა, არამედ თვითგამოხატვის საშუალება, მაშინ აბსტრაქტული ხელოვნება ვიზუალური აქტივობის ყველაზე მოწინავე ეტაპად უნდა იქნას აღიარებული. ამ „აღმართს“ ასახავს აბსტრაქტული ხელოვნების პიონერის კანდინსკის შემოქმედებითი ევოლუცია, რომელიც გადის რიგ ეტაპებს, მათ შორის აკადემიურ ნახატსა და რეალისტურ ლანდშაფტის ფერწერას, სანამ აღმოჩნდება ფერისა და ხაზის თავისუფალ სივრცეში. აბსტრაქტული კომპოზიცია არის ბოლო, მოლეკულური დონე, რომელზედაც მხატვრობა კვლავ ფერწერად რჩება. შემდგომი დაშლა.

"ჩემი არსებობის დასტური, - ამბობს ერთ-ერთი თანამედროვე მხატვარი, - არა ჩემი სახელი, ჩემი სხეული; ისინი გაქრება დროის ოკეანეში, არამედ ფიქცია, გარეგნობის შექმნა" (Francllin C. Jean Le Gac. ციტატა. საწყისი: ფეტვი კ. . მინსკი, 1995, გვ. 235).

კრეატიულობა ყველაზე ინტიმური, ავთენტური გზაა თვითდადასტურება,რომელიც ადამიანს სასწრაფოდ სჭირდება. ეს მოთხოვნილება მოიცავს ადამიანთა სულ უფრო დიდ მასებს (როგორც დასტურდება, კერძოდ, ავთენტურობის კოლექტიური და ინდივიდუალური მტკიცების სულ უფრო ხშირი და სასტიკი მეთოდებით).

აბსტრაქტული ხელოვნება არის ყველაზე ხელმისაწვდომი და კეთილშობილური გზა პიროვნული არსებობის აღსაბეჭდად და ფაქსიმილის მსგავსი ფორმით. ამასთანავე, ეს არის თავისუფლების პირდაპირი რეალიზება.

შეერთებულ შტატებში აბსტრაქტული ხელოვნების აღზევება დაიწყო უკვე 1940-იანი წლების შუა ხანებში. ამ დროს პირველი გამორჩეული ფიგურები, პ.მონდრიანის მოსწავლის ჯ.პოლოკის გარდა, იყვნენ ბ.დილერი, მ.ტობი, ბ.ვ.ტომლინი, ა.გორკი. მათ შორის, რომელთა ნამუშევრებმა შემდგომში გავლენა მოახდინა ევროპულ მხატვრობაზე, არიან ბ.ნიუმენი, მ.როტკო, ფ.კლინი, რ.რაუშენბერგი, ვ.კუნინგი, ა.რაინჰარდტი.

ერთ-ერთი პირველი ომისშემდგომი ფრანგი აბსტრაქციონისტი, რომელმაც მიიღო ამერიკული ფერწერის გაკვეთილები, P. Soulages. მისი არცთუ საუკეთესო ნამუშევრები მოგვაგონებს ფ.კლინის ექსპრესიულ აბსტრაქციებს. გ.ჰარტუნგის ნამუშევრები უფრო ახლოსაა ევროპული აბსტრაქციის თავდაპირველ წყაროსთან – კანდინსკისთან. ომისშემდგომ წლებში დამოუკიდებლად აბსტრაქციონიზმამდე მისულ ევროპელ მხატვრებს შორის არიან ჯ. ფოტრიე, ჟ. მატიე, ჟ. და ჯ.ბაზინი. ჟ.ბაზინი და რ.ბისიერი განსაკუთრებით გავლენიანი იყვნენ საფრანგეთში ომის შემდგომ წლებში. ნ. დე სტეელის ნახატმა ყველას გადააჭარბა და აგრძელებს ფასსა და პოპულარობის ზრდას, მერყევი, ბისიერის და ნაწილობრივ ბაზინის ნახატის მსგავსად, სრულ აბსტრაქციასა და ფიგურულობის მინიშნებას შორის.

1950 წელს პარიზში გაჩნდა პირველი სახელოსნო, სადაც მხატვრებმა ჟ. დევანიმ და ე. პილეტმა ახალგაზრდებს ასწავლეს რეალისტური ხედვისგან თავის დაღწევა, სურათის შექმნა ექსკლუზიურად ფერწერული საშუალებებით და კომპოზიციაში არაუმეტეს სამი ტონის გამოყენება, რადგან ” ფერი განსაზღვრავს ფორმას” (ადამიანი უნდა ეცადოს ზუსტი ფერის პოვნას). 50-იანი წლების დასაწყისში ა.მატისმა შექმნა აბსტრაქტული კომპოზიციები. დევანის აბსტრაქტული ნახატი მარატის აპოთეოზი(1951) დიდი ენთუზიაზმით შეხვდნენ. კრიტიკოსები წერდნენ, რომ ეს არ არის მხოლოდ ცეცხლოვანი ტრიბუნის ინტელექტუალური პორტრეტი, არამედ, გარდა ამისა, „სუფთა ფერის ზეიმი, მოსახვევებისა და სწორი ხაზების დინამიური თამაში“, „ეს არის იმის დასტური, რომ აბსტრაქცია გამოხატავს არა მხოლოდ სულიერ ფასეულობებს, არამედ ფიგურულ ხელოვნებასაც შეუძლია მიმართოს ისტორიულ და პოლიტიკურ მოვლენებს“.

50-იანი წლების დასაწყისში ჟ.მატიუს „ლირიკული აბსტრაქცია“ პოპულარული გახდა საფრანგეთში. მას აქვს განცხადება, რომელიც ასახავს ხელოვნებისადმი ახლებურ მიდგომას: „სემანტიკის კანონები მოქმედებს ინვერსიის პრინციპზე: ვინაიდან ნივთი მოცემულია, მისთვის ნიშანია, თუ ნიშანი მოცემულია, ის ამტკიცებს საკუთარ თავს, თუ პოულობს. რაც განსახიერებულია“. ანუ ჯერ იქმნება ნიშანი, შემდეგ მოიძებნება მისი მნიშვნელობა. კლასიკურ ხელოვნებაში, მნიშვნელობა ეძებს განსახიერებას (პირველადი აღმნიშვნელი).

50-იანი წლების დასაწყისში ნიუ-იორკში, ბეტი პარსონის გალერეაში გამოჩნდა ახალი სახელები, სადაც 40-იანი წლების ბოლოს პირველად გამოიფინა ჰანს ჰოფმანისა და ჯ. პოლოკის ნამუშევრები: ბარნეტ ნიუმენი და რობერტ რაუშენბერგი.

50-იანი წლების ამერიკული აბსტრაქციის სტილი განსხვავებულია სწორხაზოვანი გეომეტრია: ბ. დილერი, ა. რაინჰარდტი, ვ. კუნინგი, ფ. კლინი, მ. როტკო, ბ. ნიუმენი, რ. რაუშენბერგი (გამონაკლისია ა. გორკი, ნაწილობრივ მ. ტობი და ა. გოტლიბი). ეს სტილი დაკავშირებულია ნიუ-იორკის სკოლასთან, რომელიც მოულოდნელად იძენს საერთაშორისო პოპულარობას.

ხელოვნება ყოველთვის იყო, ამა თუ იმ ხარისხით, თვითგამოხატვის საშუალება. ინდივიდი, რომელმაც ირიბად ჩაიბეჭდა თავი დიდი სტილის ნორმატიულ სტრუქტურებში, თანამედროვე დროში სწორედ ასეთ სტრუქტურებს ქმნის თავისთვის.

აბსტრაქციაში შესვლით შემოქმედებითმა ადამიანმა მოიპოვა თავისუფლება. სხვის მიერ შეუსწორებელი ხაზი, ფერი, ტექსტურა ხდება ავტორის ფაქსიმილური პრინტი. თეორიულად, არაფერი უშლის ხელს პიროვნების აღბეჭდვას პლასტიკურ, გრაფიკულ, ფერწერულ პროექციებში, რომელშიც Როგორდა ხუთ o შერწყმა ("ჩემი ნახატი ჩემი ემოციების პირდაპირი და სუფთა განსახიერებაა", - ამბობს მატისი. Aventure du XX siècle. Paris, 1998. გვ. 511).

მეორე მხრივ, გაუცხოების ზომა, რომელსაც აბსტრაქცია იძლევა, აღემატება ყველაფერს, რაც ადრე არსებობდა. სუპრემატიზმის ფერწერული დიზაინერი საკუთარ შესაძლებლობებში ესთეტიკური მოთხოვნილებების უპრეცედენტო დაკმაყოფილებას ითვალისწინებს.

როგორც სტილის ფორმირების ფაქტორი, აბსტრაქცია უსასრულოდ აფართოებს ორი დაპირისპირებული არსის: უნიკალურისა და უნივერსალურის განსახიერების შესაძლებლობებს. ყველა დროის ტექსტები და ხელოვნების ნიმუშები მიუთითებს იმაზე, რომ ავტორი, ამა თუ იმ ხარისხით, ყოველთვის ლაპარაკობდა საკუთარ თავზე, მაგრამ მაინც არასდროს ისე შეგნებულად, საფუძვლიანად და ღიად, როგორც მე-20 საუკუნეში.

იმ ფაქტორების ჯამში (ფოტოგრაფიის გამოგონება, ფერისა და სინათლის სამეცნიერო და კვაზი-მეცნიერული თეორიები და ა.შ.), რომლებმაც განსაზღვრეს თანამედროვეობის ხელოვნების ცვლილებების მთავარი ვექტორი - მოძრაობა ნატურალიზმიდან აბსტრაქციამდე, პირველი ადგილი უკავია. შემოქმედების ინდივიდუალიზაციით - მისი ტრანსფორმაცია პიროვნების პირდაპირ პროექციად.

ტემპერამენტიანი ჟესტური მხატვრობის პირდაპირი პროექცია ამერიკაში დაიბადა. ამერიკაში ახალი ხელოვნების გამარჯვება შეიძლება მოულოდნელად მოგვეჩვენოს, თუ გავიხსენებთ ამერიკელების აღშფოთებას, რომლებმაც პირველად ნახეს ევროპული ავანგარდის დიდი გამოფენა 1913 წელს. ომისა და ომის შემდგომ პერიოდში ამერიკელებმა დაინახეს, რომ ხელოვნებაში ინვესტიციები საიმედო და მომგებიანი იყო. ყველას, ვინც დროულად გააცნობიერა თანამედროვე ხელოვნების მომგებიანობა, ჰქონდა შანსი გამხდარიყო ზღაპრული მდიდარი (პეგი გუგენჰაიმი, ბეტი პარსონი და ა.შ.). ევროპული ავანგარდის თითქმის ყველა კლასიკოსი ამერიკის შეერთებულ შტატებში ომის დროს ემიგრანტების პოზიციაზე აღმოჩნდა. ამერიკელი აბსტრაქტული მხატვრებიდან ყველაზე ცნობილი პოლოკია, მონდრიანის სტუდენტი, მისი წარმატება კი ბეტი პარსონის გალერეის წარმატებაა.

1960-იანი წლების დასაწყისში აბსტრაქტული ხელოვნება ამერიკიდან ევროპაში განახლებული სახით დაბრუნდა. „ეს აღმოჩენად იქცევა, – წერს კ. მილეტი, – მათთვის, ვისაც ჯერ კიდევ ბოლომდე არ განუვითარებია თავისი მხატვრული კრედო... პირველი, აბსტრაქტული ხელოვნება (ყველაზე ხშირად ამერიკული) შეისწავლება რეპროდუქციებიდან“. „დევადი იუმორით აღნიშნავს, რომ ამერიკულ მხატვრობაზე წვდომით მხოლოდ ჟურნალ Artforum-ის ფოტოებით, მან აირჩია საფოსტო მარკის ფორმატი თავისი ნამუშევრებისთვის, ხოლო ვიალა, პირიქით, ფიქრობს, რომ ჯექსონ პოლოკი დიდ ფორმატს იყენებს, სულ უფრო აფართოებს ფორმატს. მისი ნამუშევრებიდან მხოლოდ რამდენიმემ, მაგალითად, დევადემ ან ბურენმა და პარმენტიემ, შეძლო ამერიკული მხატვრობის საკუთარი თვალით დანახვა" (Mille K. საფრანგეთის თანამედროვე ხელოვნება. მინსკი, 1995, გვ. 156).

პარიზში ამერიკული მხატვრობის პირველი გამოფენები მოეწყო 60-იანი წლების დასაწყისში; ყველაზე წარმომადგენლობითი, "რეალობის ხელოვნება" (1968), რომელიც გაიმართა გრანდ პალეში, მთლიანად დაეთმო აბსტრაქტულ ამერიკულ ხელოვნებას. ამერიკული გავლენა ევროპულ ხელოვნებაზე ცივი ომის პერიოდიდან იწყება. ამ ათწლეულების განმავლობაში ჰორიზონტალურად ორგანიზებული დემოკრატიული სტრუქტურა მკაცრად ეწინააღმდეგებოდა ვერტიკალურად ორგანიზებულ კომუნისტურ სტრუქტურას. აბსტრაქტული ანტინორმატიული ხელოვნება, ძირითადად სსრკ-ში მისი უარყოფის გამო, ხდება თავისუფალი შემოქმედების სიმბოლო, რომელიც ეწინააღმდეგება ფიგურულ ნორმატიულ „სოციალისტურ რეალიზმს“. ცივი ომის დროს, ინტელექტუალისთვის ცენტრალიზებული სტრუქტურა, რომელიც სულაც არ არის მარცხნივ ან მარჯვნივ, ასოცირდება ინდივიდის დათრგუნვის იდეასთან. სახელმწიფო დონეზე, იდეალურად ორგანიზებული სტრუქტურის განსახიერება არის გიგანტური სამხედრო მონსტრები, რომლებიც ერთმანეთს ეწინააღმდეგებიან, რომლებიც ემუქრებიან ყველა ცოცხალი არსების სიკვდილს. შესაძლოა, აქ არის აბსტრაქტული ხელოვნების ახალი ტენდენციების ქვეცნობიერი წარმოშობა - მიდრეკილება დაშლისა და დეცენტრალიზაციისკენ. ეს სენტიმენტები ასახულია ამერიკულ ყოვლისმომცველ ფერწერაში, რომელიც გამორიცხავს სურათის ჩარჩოს კომპოზიციას, აქცევს ფერწერას ფერად ველად ან უბრალოდ შეღებილ ზედაპირზე (ფერადი ველი, მყარი კიდე, მინიმალური ხელოვნება).

მხატვრული სივრცის პოლიცენტრული მდგომარეობა გულისხმობს ძლიერი შემოქმედებითი პიროვნების ავტონომიურ არსებობას, რომელსაც თავად შეუძლია ჩამოაყალიბოს საკუთარი ინდივიდუალური სტილი, მეთოდი, მიმართულება (გახსოვდეთ, რომ 50-იან წლებში ავანგარდის პირველი ეშელონის უდიდესი ოსტატები იყვნენ. ჯერ კიდევ მუშაობენ A. Matisse, A. Derain, J. Marriage, P. Picasso და ა.შ.).

50-იანი წლების მეორე ნახევარში გამოჩნდა პირველი აბსტრაქტული ქანდაკება, რომელიც აღჭურვილი იყო "ელექტრონული ტვინით". Cysp Iნიკოლა შოფერი. ალექსანდრე კალდერი, წარმატებული "მობილურების" შემდეგ, ქმნის საკუთარ "თავლებს". ჩნდება აბსტრაქციონიზმის ერთ-ერთი ცალკეული მიმართულება – ოპ არტი.

ამავდროულად, თითქმის ერთდროულად ინგლისსა და აშშ-ში გაჩნდა პირველი კოლაჟები მასობრივი წარმოების პროდუქტების, ფოტოების, რეპროდუქციების და ახალი პოპ-არტის სტილის მსგავსი ობიექტების ეტიკეტების გამოყენებით. ამ ფონზე მოკრძალებული ექსპრესიონისტის ბერნარ ბაფეტის წარმატება მოულოდნელად გამოიყურება. მისი სტილი (ფორმების განსაზღვრა, დაბალანსებული კომპოზიცია) კორელაციაშია ისეთ მოვლენებთან, როგორიცაა იკარუსის დაცემაპიკასო იუნესკოს სასახლეში, ფ.ჰუნდერტვასერის აბსტრაქტული ნახატები, კ.კლაპეკის მონუმენტური სტილი, მონოქრომული დიზაინები M.E. ვიერა და სილვა.

პოსტკლასიკური მხატვრული შემოქმედების სტრუქტურული ანალიზის ერთ-ერთი პირველი მცდელობა ეკუთვნის უმბერტო ეკოს. ჯ.პოლოკის ჟესტიკული ნახატი, ეკოს აზრით, მაყურებელს ინტერპრეტაციის სრულ თავისუფლებას უტოვებს. 50-იანი წლების ბოლოს „მობილურებთან“, პოეზიის სემანტიკურ თამაშებთან და მუსიკალური კომპოზიციების შედარებისას ეკო ცდილობს დაადგინოს „თავისუფალი აფეთქების“ საერთო სტრუქტურა, რომელშიც, მისი აზრით, არის „ელემენტების მსგავსი შერწყმა. ტრადიციული პოეზიის მიერ საუკეთესოდ გამოყენებული, როდესაც ბგერა და მნიშვნელობა, ბგერის ჩვეულებრივი მნიშვნელობა და ემოციური შინაარსი ერთდება. ეს შერწყმა არის ის, რასაც დასავლური კულტურა თვლის ხელოვნების თვისებად: ესთეტიკურ ფაქტად“, წერს ეკო უ. L'Oeuvre ouverte. Paris, 1965 წ. ციტატა. ავტორი: L"Aventure de l"art au XX-e siecle. Paris, 1988. R. 597).

60-იანი წლების ხელოვნება არის ინოვაციების აფეთქება და მუზეუმების მიერ 50-იან წლებში გაჩენილი სხვადასხვა არატრადიციული ფენომენის საბოლოო აღიარება.

ცნობილი ნიუ-იორკის ფერწერის სკოლა, რომელიც გახდა უმაღლესი ავტორიტეტი თავის სფეროში 50-იან წლებში, დაიწყო აბსტრაქციისადმი მიმართვით მისი დამფუძნებლების: ჯ.პოლოკის, მ.როტკოს, ვ. 40-იანი წლების მეორე ნახევრამდე ამერიკული მხატვრობა შეუმჩნეველი რჩებოდა. მისი პროვინციალიზმი და კონსერვატიზმი არ შეიცავდა რაიმე კონკრეტულს, გარდა გარკვეული თავშეკავებისა, სიცივისა და ასკეტიზმისა. მოგვიანებით, პურიტანიზმის ამ მემკვიდრეობამ აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის სტილში იპოვა გზა.

გარდა აღნიშნულისა, 50-იანი წლების ამერიკული მხატვრობა წარმოდგენილია ბ.დილერის, ა. რეინჰარდტის, მ. ტობის, ბ.ვ.ტომლინის, კ.სტილის, ფ.კლინის, ა.გოტლიბის, ბ.ნიუმანის, გ. ჰოფმანი, ჯ.ალბერსი, რ.კროუფორდი. მიმართულებებისა და ინდივიდუალური მანერების მკაფიო განსხვავებებით, 50-იანი წლების ამერიკული მხატვრობა აჩვენებს სიცხადეს, დარწმუნებულობას, ერთმნიშვნელოვნებას და ნდობას. ხანდახან გარკვეული სიჭარბით იღებს აგრესიულ ხასიათს. ამ თაობის არტისტებმა იციან რა უნდათ, დარწმუნებულნი არიან საკუთარ თავში და მტკიცედ ამტკიცებენ საკუთარი თავის გამოხატვის უფლებას.

60-იანი წლების მხატვრობაში ამ პერიოდიდან შემორჩენილია ყველაზე ნაკლებად აგრესიული, სტატიკური ფორმა – მინიმალიზმი. ამერიკული გეომეტრიული აბსტრაქციის ფუძემდებელი ბარნეტ ნიუმენი და კიდევ უფრო აშკარა ფორმით ა.ლიბერმანი, ა.ჰელდი, კ.ნოლანდი, ისევე როგორც ცოტა ადრე ბ.დილერი, წარმატებით ავითარებენ ნეოპლასტიციზმისა და სუპრემატიზმის იდეებს.

ამერიკული ფერწერის ახალი მოძრაობა, სახელწოდებით „ქრომატული“ ან „პოსტ-მხატვრული“ აბსტრაქცია, მოდის ფოვიზმისა და პოსტიმპრესიონიზმის ჰორიზონტიდან. ე.კელის, ჯ.იუნგერმანის, ფ.სტელას ნამუშევრების მკაცრი სტილი, ხაზგასმული მკვეთრი კონტურები თანდათან ადგილს უთმობს ჩაფიქრებული მელანქოლიური ხასიათის ნახატებს.

ჰელენ ფრანკენტალერისა და მორის ლუის სტილი გამოირჩევა რბილი კონტურებით, ფერთა დახვეწილი ნიუანსებითა და ბუნდოვანი კონტურებით. გეომეტრიული აბსტრაქციაც გადადის მომრგვალებულ ფორმათა რეესტრში (A. Liberman, A. Held).

70-იანი წლების ამერიკული მხატვრობა ფიგურატიულობას უბრუნდება. ითვლება, რომ 70-იანი წლები არის ჭეშმარიტების მომენტი ამერიკული მხატვრობისთვის, რომელიც თავისუფლდება ევროპული ტრადიციებისგან, რომელიც კვებავდა მას და ხდება წმინდა ამერიკული.ის, რაც ხდება, ასე გამოიყურება, თუ გავითვალისწინებთ, რომ აბსტრაქცია უცხოა ამერიკული „ნაციონალური სულისთვის“. საგულისხმოა, რომ აბსტრაქტულ ხელოვნებასთან ოპოზიცია, რომელიც არსებითად კოსმოპოლიტურია და მსოფლიო ცივილიზაციას განეკუთვნება, როგორც წესი, მოდიოდა და მოდის ინდივიდის დათრგუნვის კოლექტივისტური იდეოლოგიებიდან.

სტილის მუდმივი ტრანსფორმაციის თვალსაზრისით (ხისტი გეომეტრიიდან ბიომორფიზმამდე), მომხდარი ცვლილებები უნდა იქნას განმარტებული, პირიქით, როგორც გადახვევა ფუნდამენტური პურიტანული ღირსებებიდან - ასკეტიზმი, განსაზღვრა, სიმტკიცე, დარწმუნებულობა.

ითვლება, რომ 70-იანი წლების ამერიკული მხატვრობა უფრო "სულიერია", ვიდრე "სულიერი". „სამოცდაათიანი წლების ნახატი, - წერს ბარბარა როუზი, - სინამდვილეში არა მხოლოდ უფრო მრავალფეროვანი, უფრო ჰეტეროგენული და პლურალისტურია, ვიდრე სამოციანი წლების ნახატი, არამედ ის ასევე ბევრად უფრო ინტიმური, უფრო პოეტური და უფრო პიროვნულია. ნახატი კვლავ ივსება უნიკალური და სუბიექტური შინაარსით“ (როუზ ბ. La Peinture americaine le XX Ciecle. Paris Zurich, 1992. გვ. 126).

80-იანი წლების მხატვრობაში ისინი ხედავენ თითქმის სრულ „დაბრუნებას რეალისტური ხელოვნების ესთეტიკაში“. თუმცა, ტრადიციული ფორმების დაბრუნების მიუხედავად, პორტრეტიდან ისტორიამდე და ჟანრულ მხატვრობამდე, არაფერი ქრება, რაც წინა ათწლეულებში გამოჩნდა. გადალახულია არა აბსტრაქცია, არამედ მისი კანონიზაცია, აკრძალვები ფიგურულ ხელოვნებაზე, „დაბალ“ ჟანრებზე, ხელოვნების სოციალურ ფუნქციებზე.

ამავდროულად, აბსტრაქტული და აბსტრაქტულ-ფიგურალური მხატვრობის სტილი იძენს მანამდე არარსებულ რბილობას, გამარტივებულ მოცულობებს, ბუნდოვან კონტურებს, ნახევარტონების სიმდიდრეს, ფერთა დახვეწილ ჩრდილებს (შდრ. E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. მორლი, ლ. ჩეზი, ა. ბიალობროდა). მძიმე სტილი მთლიანად არ ქრება; იგი უკანა პლანზე ქრება და აგრძელებს არსებობას უფროსი თაობის გეომეტრიკოსებისა და ექსპრესიონისტი მხატვრების შემოქმედებაში (ჰ. ბუჩვალდი, დ. აშბაუ, ჯ. გარეტი და სხვ.).

მხატვრობა, როგორც თვითგამოხატვის საშუალება, არ ჩამოუვარდება მუსიკას „გამოუთქმელის“ განსახიერებაში და, საჭიროების შემთხვევაში, შეიძლება იყოს უფრო კონკრეტული, ვიდრე სიტყვა. მთლიანად ფლობს ხატვის საშუალებებს და ქანდაკების პლასტიკურ შესაძლებლობებს, ხელახლა ქმნის რეალური და ფანტასტიკური სივრცის ილუზიას, მნიშვნელოვნად აჭარბებს ქანდაკებას მოცულობით მანიპულირების უნარში, ფერწერას აქვს თავისი უნიკალური საშუალება - ფერი.

ფრანგი იმპრესიონისტების მიერ გამოვლენილი ფერების შესაძლებლობები კიდევ უფრო გაფართოვდა ფერწერის აბსტრაქციად გაჩენით. მოსაზრება, რომ დღეს მხატვრობა ანაქრონიზმია, არსებობს იმიტომ, რომ ჩვენი საუკუნე მუსიკის საუკუნეა და ასევე იმიტომ, რომ მხატვრობაზე ფიქრისას წარმოიდგინონ საკაცეზე გადაჭიმული პრიმირებული ტილო, საღებავით და ლაქით დაფარული, ერთგვარი მუზეუმი. გამოფენა.. მაგრამ მხატვრობა არის პროცესი, ღია შესაძლებლობების სამყარო, გაყინული მომენტები, სანატრელი სურათების გამოჩენა, თავგადასავალი, დაპირისპირება, ასახვა, სიჭარბისგან განთავისუფლება, უკმარისობის შევსება, თვითდადასტურების აქტი და ინტუიციის პირდაპირი პროექცია. ოსტატობის დემონსტრირება და აღმოჩენის შესაძლებლობა. ეს განსაკუთრებით კარგად იციან მათ, ვისაც გაუმართლა თავისუფლად გააცნობიერა ეს შესაძლებლობა აბსტრაქტული მხატვრობის სამყაროში შესვლისთანავე.

ვასილი კანდინსკი. ნინას ცოლის ვილემ დე კუნინგის პორტრეტი. აბსტრაქცია

სეუფორ მ. Dictionaire de la peinture abstrite. პარიზი, 1957 წ
პონენტე ნ. თანამედროვე თანამედროვე. ტენდენციები თანამედროვე. 19401960 წ. სკირა, 1960 წ
ვალიე დ. L"ხელოვნების აბსტრაქტი. პარიზი, 1967 წ
ხელოვნება 1998 წ. ჩიკაგო საზღვაო პიერზე. ჩიკაგო, 1998 წ

იპოვეთ "აბსტრაქციონიზმი".

ერთი ლულის ნიმუში, უილიამ მორისი

"აბსტრაქტული ხელოვნება", რომელსაც ასევე უწოდებენ "არაფიგურულ ხელოვნებას", "არაფიგურულ ხელოვნებას", "არარეპრეზენტაციულ", "გეომეტრიულ აბსტრაქციას" ან "კონკრეტულ ხელოვნებას", არის საკმაოდ ბუნდოვანი ქოლგა ტერმინი ნებისმიერი ნახატისა თუ ქანდაკებისთვის. არ ასახავს ცნობად ობიექტებს ან სცენებს. თუმცა, როგორც ვხედავთ, არ არსებობს მკაფიო კონსენსუსი აბსტრაქტული ხელოვნების განმარტებასთან, ტიპებთან ან ესთეტიკურ მნიშვნელობასთან დაკავშირებით. პიკასოს ეგონა, რომ ასეთი რამ საერთოდ არ არსებობდა, ხოლო ზოგიერთი ხელოვნებათმცოდნე თვლის, რომ ყველა ხელოვნება აბსტრაქტულია - იმიტომ, რომ, მაგალითად, არცერთ ნახატს არ შეუძლია იმედი ჰქონდეს, რომ იქნება უფრო მეტი, თუ არა უხეში შეჯამება იმისა, რასაც ხედავს მხატვარი. გარდა ამისა, არსებობს აბსტრაქციის მოცურების მასშტაბი, ნახევრად აბსტრაქტულიდან სრულად აბსტრაქტამდე. ასე რომ, მიუხედავად იმისა, რომ თეორია შედარებით მკაფიოა - აბსტრაქტული ხელოვნება მოწყვეტილია რეალობისგან - აბსტრაქტული ნაწარმოებებისაგან გამოყოფის პრაქტიკული ამოცანა შეიძლება ბევრად უფრო პრობლემური იყოს.

რა არის აბსტრაქტული ხელოვნების იდეა?

დავიწყოთ ძალიან მარტივი მაგალითით. ავიღოთ რაიმე ცუდი (არაბუნებრივად) ნახატი. გამოსახულების შესრულება სასურველს ტოვებს, მაგრამ თუ მისი ფერები ლამაზია, დიზაინმა შეიძლება გაგვაოცოს. ეს გვიჩვენებს, თუ როგორ შეუძლია ფორმალურმა ხარისხმა (ფერმა) გადალახოს წარმომადგენლობითი ხარისხი (ნახატი).
მეორე მხრივ, მაგალითად, სახლის ფოტორეალისტურ ნახატზე შეიძლება გამოჩნდეს შესანიშნავი გრაფიკა, მაგრამ თემატიკა, ფერის სქემა და საერთო კომპოზიცია შეიძლება სრულიად მოსაწყენი იყოს.
მხატვრული ფორმალური თვისებების დაფასების ფილოსოფიური დასაბუთება გამომდინარეობს პლატონის მტკიცებიდან, რომ: „სწორი ხაზები და წრეები... არა მხოლოდ ლამაზია, არამედ მარადიული და აბსოლუტურად ლამაზი“.

კონვერგენცია, ჯექსონ პოლოკი, 1952 წ

არსებითად, პლატონის ნათქვამი ნიშნავს, რომ არანატურალისტურ გამოსახულებებს (წრეები, კვადრატები, სამკუთხედები და ა.შ.) აქვთ აბსოლუტური, უცვლელი სილამაზე. ამრიგად, ნახატი შეიძლება დაფასდეს მხოლოდ მისი ხაზისა და ფერის გამო, მას არ სჭირდება ბუნებრივი ობიექტის ან სცენის გამოსახვა. ფრანგი მხატვარი, ლითოგრაფი და ხელოვნების თეორეტიკოსი მორის დენის (1870-1943) იგივეს ფიქრობდა, როდესაც წერდა: „გახსოვდეთ, რომ სურათი არის, სანამ ის გახდება ომის ცხენი ან შიშველი ქალი... არსებითად დაფარულია ბრტყელი ზედაპირი. გარკვეული თანმიმდევრობით შეგროვებული ფერით“.

ფრენკ სტელა

აბსტრაქტული ხელოვნების სახეები

იმისათვის, რომ ყველაფერი მარტივი იყოს, ჩვენ შეგვიძლია დავყოთ აბსტრაქტული ხელოვნება ექვს ძირითად ტიპად:

• მრუდი
• ფერის ან სინათლის საფუძველზე
• გეომეტრიული
• ემოციური თუ ინტუიციური
• ჟესტიკულაცია
• მინიმალისტური

ამ ტიპებიდან ზოგიერთი ნაკლებად აბსტრაქტულია, ვიდრე სხვები, მაგრამ ყველა მათგანი გულისხმობს ხელოვნების განცალკევებას რეალობისგან.

მრუდი აბსტრაქტული ხელოვნება

ცხრატყავა, უილიამ მორისი, 1876 წ

ეს ტიპი მჭიდროდ არის დაკავშირებული კელტურ ხელოვნებასთან, რომელიც იყენებს აბსტრაქტულ მოტივებს, მათ შორის კვანძებს (რვა ძირითადი ტიპი), შეჯვარების ნიმუშებსა და სპირალებს (მათ შორის ტრისკელი ან ტრისკელიონი). ეს მოტივები კელტებმა არ გამოიგონეს; მრავალი სხვა ადრეული კულტურა იყენებდა ამ კელტურ ნიმუშებს საუკუნეების განმავლობაში. თუმცა, სამართლიანად უნდა ითქვას, რომ კელტმა დიზაინერებმა ახალი სიცოცხლე შეიტანეს ამ ნიმუშებს, რაც მათ უფრო რთულ და კომპლექსურს ხდიდა. ისინი მოგვიანებით დაბრუნდნენ მე-19 საუკუნეში და განსაკუთრებით გამოიკვეთა წიგნების ყდებში, ქსოვილებში, შპალერებსა და ჩინტის დიზაინებში, როგორიცაა უილიამ მორისის (1834-96) და არტურ მაკზმურდოს (1851-1942) ნამუშევრები. მრუდი აბსტრაქციას ასევე ახასიათებს „უსასრულო ფერწერის“ კონცეფცია - ისლამური ხელოვნების ფართოდ გავრცელებული თვისება.

აბსტრაქტული ხელოვნება ფერზე ან სინათლეზე დაფუძნებული

წყლის ლილი, კლოდ მონე

ამ ტიპის მაგალითია ტერნერისა და მონეს ნამუშევრები, რომლებიც იყენებენ ფერს (ან სინათლეს) ისე, რომ განასხვავონ ხელოვნების ნიმუში რეალობისგან, რადგან ობიექტი იშლება პიგმენტის მორევში. მაგალითებია კლოდ მონეს (1840-1926) ნახატები წყლის შროშანი, ტალიმენი (1888, ორსეის მუზეუმი, პარიზი), პოლ სერუზიერი (1864-1927). კანდინსკის რამდენიმე ექსპრესიონისტული ნახატი Der Blaue Reiter-თან მუშაობის დროს ძალიან ახლოს არის აბსტრაქციასთან. ფერთა აბსტრაქცია კვლავ გამოჩნდა 1940-იანი წლების ბოლოს და 50-იანი წლების ბოლოს მარკ როტკოს (1903-70) და ბარნეტ ნიუმენის (1905-70) მიერ შემუშავებული ფერადი მხატვრობის სახით. 1950-იან წლებში საფრანგეთში გაჩნდა ფერთან დაკავშირებული აბსტრაქტული ფერწერის პარალელური მრავალფეროვნება, რომელიც ცნობილია როგორც ლირიკული აბსტრაქცია.

ტალიმენი, პოლ სერუზიერი

გეომეტრიული აბსტრაქცია

ბუგი-ვუგი ბროდვეიზე, პიტ მონდრიანი, 1942 წ

ინტელექტუალური აბსტრაქტული ხელოვნების ეს ტიპი არსებობს 1908 წლიდან. ადრეული ელემენტარული ფორმა იყო კუბიზმი, კონკრეტულად ანალიტიკური კუბიზმი, რომელიც უარყოფდა ხაზოვან პერსპექტივას და სივრცითი სიღრმის ილუზიას ფერწერაში, რათა ფოკუსირება მოახდინოს მის ორგანზომილებიან ასპექტებზე. გეომეტრიული აბსტრაქცია ასევე ცნობილია როგორც კონკრეტული ხელოვნება და უობიექტო ხელოვნება. როგორც მოსალოდნელია, მას ახასიათებს არანატურალისტური გამოსახულებები, როგორც წესი, გეომეტრიული ფორმები, როგორიცაა წრეები, კვადრატები, სამკუთხედები, მართკუთხედები და ა. აბსტრაქციის ფორმა. შეიძლება ითქვას, რომ კონკრეტული ხელოვნება არის აბსტრაქტული ხელოვნებისთვის, რაც ვეგანიზმია ვეგეტარიანელობისთვის. გეომეტრიულ აბსტრაქციას წარმოადგენს შავი წრე (1913, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, სანკტ-პეტერბურგი), დახატული კაზიმირ მალევიჩის (1878-1935 წწ.) (სუპრემატიზმის ფუძემდებელი); ბუგი-ვუგი ბროდვეიზე (1942, MoMA, ნიუ-იორკი) პიტ მონდრიანი (1872-1944) (ნეოპლასტიციზმის დამფუძნებელი); და კომპოზიცია VIII (ძროხა) (1918, MoMA, ნიუ-იორკი) თეო ვან დოზბურგის (1883-1931) (De Stijl-ისა და Elementarism-ის დამფუძნებელი). სხვა მაგალითებს მიეკუთვნება ჯოზეფ ალბერსის (1888-1976) ნამუშევრები „მიმართვა მოედანზე“ და ვიქტორ ვაზარელის ოპ-არტი (1906-1997).

შავი წრე, კაზიმირ მალევიჩი, 1920 წ

VIII კომპოზიცია, თეო ვან დოესბურგი

ემოციური ან ინტუიციური აბსტრაქტული ხელოვნება

ამ ტიპის ხელოვნება მოიცავს სტილის კომბინაციას, რომლის საერთო თემაა ნატურალისტური ტენდენცია. ეს ნატურალიზმი გამოდის გამოყენებული ფორმებსა და ფერებში. გეომეტრიული აბსტრაქციისგან განსხვავებით, რომელიც თითქმის ბუნების საწინააღმდეგოა, ინტუიციური აბსტრაქცია ხშირად ასახავს ბუნებას, მაგრამ ნაკლებად რეპრეზენტაციული სახით. ამ ტიპის აბსტრაქტული ხელოვნების ორი მნიშვნელოვანი წყაროა: ორგანული აბსტრაქცია (ასევე უწოდებენ ბიომორფულ აბსტრაქციას) და სიურეალიზმი. ალბათ ყველაზე ცნობილი მხატვარი, რომელიც სპეციალიზირებული იყო ამ ხელოვნების ფორმაში, იყო რუსეთში დაბადებული მარკ როტკო (1938-70). სხვა მაგალითებია კანდინსკის ნახატები, როგორიცაა კომპოზიცია No. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) და კომპოზიცია VII (1913, ტრეტიაკოვის გალერეა); ქალი (1934, პირადი კოლექცია) ჯოან მიროს (1893-1983) და განუსაზღვრელი გაყოფა (1942, ოლბრაიტ-ნოქსის ხელოვნების გალერეა, ბაფალო) ივ ტანგუის (1900-55).

განუსაზღვრელი გაყოფა, ივ ტანგი

ჟესტალური (ჟესტური) აბსტრაქტული ხელოვნება

უსათაურო, D. Pollock, 1949 წ

ეს არის აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის ფორმა, სადაც ნახატის შექმნის პროცესი ჩვეულებრივზე უფრო მნიშვნელოვანი ხდება. მაგალითად, საღებავი გამოიყენება უჩვეულო გზით, შტრიხები ხშირად ძალიან ფხვიერი და სწრაფია. ჟესტალური ფერწერის ცნობილი ამერიკელი ექსპონენტები არიან ჯექსონ პოლოკი (1912-56), Action-Painting-ის გამომგონებელი და მისი მეუღლე ლი კრასნერი (1908-84), რომელმაც შთააგონა მას საკუთარი ტექნიკის, ე.წ. „წვეთოვანი ფერწერა“ გამოგონება; უილემ დე კუნინგი (1904-97), ცნობილი თავისი ნამუშევრებით სერიალში ქალი; და რობერტ დედაუელი (1912-56). ევროპაში ამ ფორმას წარმოადგენს კობრა ჯგუფი, კერძოდ კარელ აპელი (1921-2006).

მინიმალისტური აბსტრაქტული ხელოვნება

ხატვის სწავლა, ედ რეინჰარდტი, 1939 წ

ამ ტიპის აბსტრაქცია იყო ერთგვარი ავანგარდული ხელოვნება, მოკლებული ყოველგვარი გარეგანი მითითებისა და ასოციაციებისაგან. ეს არის ის, რაც თქვენ ხედავთ - და მეტი არაფერი. ის ხშირად იღებს გეომეტრიულ ფორმას. ამ მოძრაობაში დომინირებენ მოქანდაკეები, თუმცა მასში ასევე შედის ისეთი დიდი მხატვრები, როგორებიცაა ად რეინჰარდტი (1913-67), ფრენკ სტელა (დ. 1936), რომელთა ნახატები მასშტაბურია და მოიცავს ფორმისა და ფერის კლასტერებს; შონ სკალი (დაიბადა 1945) ირლანდიელი ამერიკელი მხატვარი, რომლის ფერის მართკუთხა ფორმები თითქოს მიბაძავს პრეისტორიული სტრუქტურების მონუმენტურ ფორმებს. ასევე ჯო ბაერი (დ. 1929), ელსვორტ კელი (1923-2015), რობერტ მანგოლდი (დ. 1937), ბრაის მარდენი (დ. 1938), აგნეს მარტინი (1912-2004) და რობერტ რაიმანი (ბ. 1930).

ელსვორთ კელი

ფრენკ სტელა

„როდესაც სამკუთხედის მკვეთრი კუთხე ეხება წრეს, ეფექტი არანაკლებ მნიშვნელოვანია, ვიდრე მიქელანჯელოს, როდესაც ღმერთის თითი ეხება ადამის თითს“, - თქვა ვ. კანდინსკიმ, პირველი ავანგარდული ხელოვნების ლიდერმა. მე-20 საუკუნის ნახევარი.

- ვიზუალური აქტივობის ფორმა, რომელიც არ ისახავს მიზნად ვიზუალურად აღქმული რეალობის ჩვენებას.
ხელოვნებაში ამ მიმართულებას ასევე უწოდებენ "არაობიექტურს", რადგან. მისმა წარმომადგენლებმა უარყვეს რეალობასთან მიახლოებული სურათი. ლათინურიდან თარგმნილი სიტყვა "აბსტრაქცია" ნიშნავს "მოცილებას", "გაფანტვას".

ვ. კანდინსკი "კომპოზიცია VIII" (1923)
აბსტრაქტული მხატვრები თავიანთ ტილოებზე ფერთა გარკვეულ კომბინაციებსა და გეომეტრიულ ფორმებს ქმნიდნენ, რათა მნახველში სხვადასხვა ასოციაციები გამოეწვიათ. აბსტრაქციონიზმი არ მიზნად ისახავს ობიექტის ამოცნობას.

აბსტრაქტული ხელოვნების ისტორია

აბსტრაქტული ხელოვნების ფუძემდებლად ითვლება ვასილი კანდინსკი, კაზიმირ მალევიჩი, ნატალია გონჩაროვა და მიხაილ ლარიონოვი, პიეტ მონდრიანი. კანდინსკი იყო ყველაზე გადამწყვეტი და თანმიმდევრული მათ შორის, ვინც იმ დროს წარმოადგენდა ამ მიმართულებას.
მკვლევარები ამბობენ, რომ აბსტრაქციონიზმის ხელოვნებაში სტილად მიჩნევა მთლად სწორი არ არის, რადგან ეს არის სახვითი ხელოვნების სპეციფიკური ფორმა. იგი იყოფა რამდენიმე მიმართულებად: გეომეტრიული აბსტრაქცია, ჟესტური აბსტრაქცია, ლირიკული აბსტრაქცია, ანალიტიკური აბსტრაქცია, სუპრემატიზმი, არანფორმელი, ნუაჟიზმი და ა.შ. მაგრამ არსებითად, ძლიერი განზოგადება არის აბსტრაქცია.

ვ.კანდინსკი „მოსკოვი. წითელი მოედანი""
უკვე მე-19 საუკუნის შუა ხანებიდან. ფერწერა, გრაფიკა, ქანდაკება ეფუძნება იმას, რაც მიუწვდომელია პირდაპირი გამოსახვისთვის. იწყება ახალი ვიზუალური საშუალებების ძიება, ტიპიზაციის მეთოდები, გაზრდილი გამოხატულება, უნივერსალური სიმბოლოები და შეკუმშული პლასტიკური ფორმულები. ეს, ერთი მხრივ, მიზნად ისახავს ადამიანის შინაგანი სამყაროს - მისი ემოციური ფსიქოლოგიური მდგომარეობის ჩვენებას, მეორეს მხრივ, ობიექტური სამყაროს ხედვის განახლებას.

კანდინსკის შემოქმედება გადის რამდენიმე ეტაპს, მათ შორის აკადემიურ ნახატსა და რეალისტურ ლანდშაფტის ფერწერას და მხოლოდ ამის შემდეგ შედის ფერისა და ხაზის თავისუფალ სივრცეში.

ვ. კანდინსკი "ლურჯი მხედარი" (1911)
აბსტრაქტული კომპოზიცია არის ის ბოლო, მოლეკულური დონე, რომელზედაც მხატვრობა კვლავ ფერწერად რჩება. აბსტრაქტული ხელოვნება არის ყველაზე ხელმისაწვდომი და კეთილშობილური გზა პიროვნული ყოფიერების დასაჭერად და ამავდროულად თავისუფლების უშუალო რეალიზებაა.

მურნაუ "ბაღი" (1910)
პირველი აბსტრაქტული ნახატი ვასილი კანდინსკიმ დახატა 1909 წელს გერმანიაში, ერთი წლის შემდეგ კი აქ გამოსცა წიგნი "სულიერების შესახებ ხელოვნებაში", რომელიც მოგვიანებით გახდა ცნობილი. ამ წიგნის საფუძველი იყო მხატვრის აზრები, რომ გარეგანი შეიძლება იყოს შემთხვევითი, მაგრამ შინაგანად აუცილებელი, სულიერი, რომელიც წარმოადგენს ადამიანის არსს, შეიძლება კარგად იყოს განსახიერებული სურათში. ეს მსოფლმხედველობა დაკავშირებულია ჰელენა ბლავატსკის და რუდოლფ შტაინერის თეოსოფიურ და ანთროპოსოფიულ ნაშრომებთან, რომლებიც კანდინსკიმ შეისწავლა. მხატვარი აღწერს ფერს, ფერების ურთიერთქმედებას და მათ გავლენას ადამიანებზე. „საღებავების ფსიქიკური ძალა... იწვევს სულიერ ვიბრაციას. მაგალითად, წითელ ფერს შეუძლია გამოიწვიოს ცეცხლის მსგავსი გონებრივი ვიბრაცია, რადგან წითელი ამავე დროს ცეცხლის ფერია. თბილი წითელი ფერი აქვს მასტიმულირებელი ეფექტი; ასეთი ფერი შეიძლება გაძლიერდეს მტკივნეულ, მტანჯველ ხარისხში, შესაძლოა, მისი მსგავსების გამო, რომელიც მიედინება სისხლს. წითელი ფერი ამ შემთხვევაში კიდევ ერთი ფიზიკური ფაქტორის მეხსიერებას აღვიძებს, რაც, რა თქმა უნდა, მტკივნეულად მოქმედებს სულზე“.

ვ.კანდინსკი "ბინდი"
„...იისფერი ფერი არის გაცივებული წითელი, როგორც ფიზიკური, ასევე გონებრივი გაგებით. ამიტომ მას აქვს რაღაც მტკივნეული, ჩამქრალი, რაღაც სევდიანი თავისთავად. ტყუილად არ არის მიჩნეული ეს ფერი ძველი ქალის კაბებისთვის შესაფერისად. ჩინელები ამ ფერს უშუალოდ სამგლოვიარო სამოსისთვის იყენებენ. მისი ჟღერადობა წააგავს ინგლისური საყვირის, ფლეიტის ხმებს და სიღრმით ხის ჩასაბერი ინსტრუმენტების დაბალ ტონებს (მაგალითად, ფაგოტს).

ვ.კანდინსკი "ნაცრისფერი ოვალური"
”შავი ფერი შინაგანად ჟღერს, როგორც არაფერი შესაძლებლობების გარეშე, როგორც მკვდარი.”
”ნათელია, რომ ამ მარტივი ფერების ყველა მოცემული აღნიშვნა მხოლოდ ძალიან დროებითი და ელემენტარულია. იგივე გრძნობებია, რასაც ფერებთან დაკავშირებით ვახსენებთ - სიხარული, სევდა და ა.შ. ეს გრძნობებიც მხოლოდ სულის მატერიალური მდგომარეობაა. ფერების ტონებს, ისევე როგორც მუსიკას, ბევრად უფრო დახვეწილი ხასიათი აქვს; ისინი იწვევენ ბევრად უფრო დახვეწილ ვიბრაციებს, რომლებიც სიტყვებით ვერ გამოიხატება“.

ვ.ვ. კანდინსკი (1866-1944)

გამოჩენილი რუსი მხატვარი, გრაფიკოსი და სახვითი ხელოვნების თეორეტიკოსი, აბსტრაქტული ხელოვნების ერთ-ერთი ფუძემდებელი.
დაიბადა მოსკოვში, ბიზნესმენის ოჯახში, ძირითადი მუსიკალური და მხატვრული განათლება მიიღო ოდესაში, როდესაც ოჯახი იქ გადავიდა 1871 წელს. ბრწყინვალედ დაამთავრა მოსკოვის სახელმწიფო უნივერსიტეტის იურიდიული ფაკულტეტი.
1895 წელს მოსკოვში მოეწყო ფრანგი იმპრესიონისტების გამოფენა. კანდინსკის განსაკუთრებით გააოცა კლოდ მონეს ნახატმა "თივის დასტა" - ასე რომ, 30 წლის ასაკში მან მთლიანად შეცვალა პროფესია და გახდა მხატვარი.

ვ. კანდინსკი "ჭრელი ცხოვრება"
მისი პირველი ნახატი იყო "ჭრელი ცხოვრება" (1907). ის წარმოადგენს ადამიანის არსებობის განზოგადებულ სურათს, მაგრამ ეს უკვე მისი მომავალი შემოქმედების პერსპექტივაა.
1896 წელს გადავიდა მიუნხენში, სადაც გაეცნო გერმანელი ექსპრესიონისტების მოღვაწეობას. პირველი მსოფლიო ომის დაწყების შემდეგ იგი დაბრუნდა მოსკოვში, მაგრამ გარკვეული პერიოდის შემდეგ კვლავ გაემგზავრა გერმანიაში, შემდეგ კი საფრანგეთში. ის ბევრს მოგზაურობდა, მაგრამ პერიოდულად ბრუნდებოდა მოსკოვსა და ოდესაში.
ბერლინში ვასილი კანდინსკი ასწავლიდა მხატვრობას და გახდა ბაუჰაუსის სკოლის (კონსტრუქციისა და მხატვრული დიზაინის უმაღლესი სკოლა) თეორეტიკოსი - საგანმანათლებლო დაწესებულება გერმანიაში, რომელიც არსებობდა 1919 წლიდან 1933 წლამდე. ამ დროს კანდინსკიმ მიიღო მსოფლიო აღიარება, როგორც აბსტრაქტული ხელოვნების ერთ-ერთი ლიდერი.
გარდაიცვალა 1944 წელს პარიზის გარეუბანში, ნეი-სურ-სენში.
აბსტრაქტული ხელოვნება, როგორც მხატვრული მოძრაობა ფერწერაში, არ იყო ერთგვაროვანი ფენომენი - აბსტრაქტულმა ხელოვნებამ გააერთიანა რამდენიმე მოძრაობა: რაიონიზმი, ორფიზმი, სუპრემატიზმი და ა.შ., რომელთა შესახებ უფრო დეტალურად შეგიძლიათ გაიგოთ ჩვენი სტატიებიდან. მე-20 საუკუნის დასაწყისი - სხვადასხვა ავანგარდული მოძრაობის სწრაფი განვითარების დრო. აბსტრაქტული ხელოვნება ძალიან მრავალფეროვანი იყო, მასში შედიოდნენ აგრეთვე კუბო-ფუტურისტები, კონსტრუქტივისტები, არაობიექტივისტები და ა.შ. მაგრამ ამ ხელოვნების ენა გამოხატვის სხვა ფორმებს მოითხოვდა, მაგრამ ისინი არ იყო მხარდაჭერილი ოფიციალური ხელოვნების ფიგურებით, უფრო მეტიც, წინააღმდეგობები გარდაუვალი იყო. თავად ავანგარდული მოძრაობა. ავანგარდული ხელოვნება გამოცხადდა ანტიხალხურად, იდეალისტურად და პრაქტიკულად აკრძალული იყო.
აბსტრაქციონიზმმა ფაშისტურ გერმანიაში ვერ იპოვა მხარდაჭერა, ამიტომ გერმანიიდან და იტალიიდან აბსტრაქციონიზმის ცენტრები ამერიკაში გადავიდა. 1937 წელს ნიუ-იორკში შეიქმნა არაობიექტური ფერწერის მუზეუმი, რომელიც დააარსა მილიონერი გუგენჰაიმის ოჯახის მიერ, ხოლო 1939 წელს როკფელერის სახსრებით შექმნილი თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმი.

ომისშემდგომი აბსტრაქტული ხელოვნება

მეორე მსოფლიო ომის შემდეგ ამერიკაში პოპულარული იყო „ნიუ-იორკის სკოლა“, რომლის წევრები იყვნენ აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის შემქმნელები დ.პოლოკი, მ.როტკო, ბ.ნეუმანი, ა.გოტლიბი.

დ.პოლოკი "ალქიმია"
ამ მხატვრის ნახატს რომ უყურებ, გესმის: სერიოზული ხელოვნება არ იძლევა მარტივ ინტერპრეტაციას.

მ.როტკო „უსახელო“
1959 წელს მათი ნამუშევრები გამოიფინა მოსკოვში აშშ-ს ეროვნული ხელოვნების გამოფენაზე სოკოლნიკის პარკში. რუსეთში "დათბობის" დაწყებამ (1950-იანი წლები) გახსნა ახალი ეტაპი შიდა აბსტრაქტული ხელოვნების განვითარებაში. გაიხსნა სტუდია „ახალი რეალობა“, რომლის ცენტრი იყო ელი მიხაილოვიჩ ბელიუტინი.

სტუდია მდებარეობდა აბრამცევოში, მოსკოვის მახლობლად, ბელუტინის დაჩაზე. აქცენტი გაკეთდა კოლექტიურ მუშაობაზე, რომლისკენაც მე-20 საუკუნის დასაწყისის ფუტურისტები იბრძოდნენ. "ახალმა რეალობამ" გააერთიანა მოსკოვის მხატვრები, რომლებსაც განსხვავებული შეხედულებები ჰქონდათ აბსტრაქციის აგების მეთოდოლოგიაზე. „ახალი რეალობის“ სტუდიიდან გამოვიდნენ მხატვრები ლ.გრიბკოვი, ვ.ზუბარევი, ვ.პრეობრაჟენსკაია, ა.საფოხინი.

E. Belyutin "დედობა"
რუსული აბსტრაქციის განვითარების ახალი ეტაპი იწყება 1970-იან წლებში. ეს არის მალევიჩის, სუპრემატიზმისა და კონსტრუქტივიზმის დრო, რუსული ავანგარდის ტრადიციები. მალევიჩის ნახატებმა გამოიწვია ინტერესი გეომეტრიული ფორმების, ხაზოვანი ნიშნებისა და პლასტიკური სტრუქტურების მიმართ. თანამედროვე ავტორებმა აღმოაჩინეს რუსი ფილოსოფოსებისა და თეოლოგების, თეოლოგებისა და მისტიკოსების ნაშრომები და გაეცნენ ამოუწურავ ინტელექტუალურ წყაროებს, რომლებმაც ახალი მნიშვნელობით შეავსეს მ.შვარცმანის, ვ.იურლოვის, ე.შტეინბერგის ნაშრომები.
1980-იანი წლების შუა ხანებში რუსეთში აბსტრაქციის განვითარების შემდეგი ეტაპი დასრულდა. მე-20 საუკუნის დასასრული გამოკვეთა არაობიექტური ხელოვნების განსაკუთრებული „რუსული გზა“. მსოფლიო კულტურის განვითარების თვალსაზრისით, აბსტრაქციონიზმი, როგორც სტილის მოძრაობა დასრულდა 1958 წელს. მაგრამ მხოლოდ პოსტპერესტროიკის რუსულ საზოგადოებაში გახდა აბსტრაქტული ხელოვნება სხვა მოძრაობების ტოლფასი. მხატვრებს საშუალება მიეცათ გამოეხატათ თავი არა მხოლოდ კლასიკურ ფორმებში, არამედ გეომეტრიული აბსტრაქციის ფორმებშიც.

თანამედროვე აბსტრაქტული ხელოვნება

თეთრი ფერი ხშირად ხდება აბსტრაქციის თანამედროვე ენა. მოსკოველებისთვის მ.კასტალსკაია, ა.კრასულინი, ვ.ორლოვი, ლ.პელიხი თეთრის სივრცე (უმაღლესი ფერის დაძაბულობა) სავსეა გაუთავებელი შესაძლებლობებით, რაც საშუალებას იძლევა გამოიყენოს როგორც მეტაფიზიკური იდეები სინათლის სულიერი და ოპტიკური კანონების შესახებ. ანარეკლი.

M. Kastalskaya "Sleepy Hollow"
თანამედროვე ხელოვნებაში „სივრცის“ ცნებას განსხვავებული მნიშვნელობა აქვს. მაგალითად, არის ნიშნის, სიმბოლოს სივრცე. არის უძველესი ხელნაწერების სივრცე, რომლის გამოსახულება ერთგვარ პალიმფსესტად იქცა ვ.გერასიმენკოს კომპოზიციებში.

ა. კრასულინი "სკამი და მარადისობა"

აბსტრაქტული ხელოვნების ზოგიერთი ტენდენცია

რაიონიზმი

ს. რომანოვიჩი "ჯვრიდან დაშვება" (1950-იანი წლები)
მიმართულება რუსულ ავანგარდულ მხატვრობაში 1910-იანი წლების ხელოვნებაში, დაფუძნებული სინათლის სპექტრისა და სინათლის გადაცემის ცვლაზე. აბსტრაქციონიზმის ერთ-ერთი ადრეული სფერო.
რაიმენის შემოქმედების საფუძველია "სხვადასხვა ობიექტების ასახული სხივების გადაკვეთის" იდეა, რადგან ის, რასაც ადამიანი რეალურად აღიქვამს, არ არის თავად ობიექტი, არამედ "შუქის წყაროდან მომდინარე სხივების ჯამი, ობიექტიდან არეკლილი და ჩვენს ხედვაში ჩავარდნას“. ტილოზე სხივები გადაეცემა ფერადი ხაზების გამოყენებით.
მოძრაობის დამფუძნებელი და თეორეტიკოსი იყო მხატვარი მიხეილ ლარიონოვი. მიხაილ ლე-დანტუ და ჯგუფის "ვირის კუდის" სხვა მხატვრები მუშაობდნენ რაიონიზმში.

რაიონიზმმა განსაკუთრებული განვითარება მიიღო ს.მ. რომანოვიჩის შემოქმედებაში, რომელმაც რაიონიზმის კოლორისტული იდეები ფიგურალური ნახატის ფერადი ფენის „სივრცულობის“ საფუძვლად აქცია: „მხატვრობა ირაციონალურია. ის მოდის ადამიანის სიღრმიდან, როგორც წყარო, რომელიც მიედინება მიწისქვეშეთში. მისი ამოცანაა ხილული სამყაროს (ობიექტის) გარდაქმნა ჰარმონიის მეშვეობით, რაც ჭეშმარიტების ნიშანია. მუშაობა - დაწერე ჰარმონიაში - შეუძლია გააკეთოს მას, რომელშიც ის ცხოვრობს - ეს არის ადამიანის საიდუმლო."

ორფიზმი

მოძრაობა ფრანგულ მხატვრობაში მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ჩამოყალიბებული R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, M. Duchamp. სახელი 1912 წელს ფრანგმა პოეტმა აპოლინერმა დაარქვა.

R. Delaunay "Mars of Champs: Red Tower" (1911-1923)
ორფისტი მხატვრები ცდილობდნენ გამოხატონ მოძრაობის დინამიკა და რიტმების მუსიკალურობა სპექტრის ძირითადი ფერების ურთიერთშეღწევის და მრუდი ზედაპირების გადაკვეთის გზით.
ორფიზმის გავლენა ჩანს რუსი მხატვრის არისტარხ ლენტულოვის, ასევე ალექსანდრა ექსტერის, გეორგი იაკულოვის და ალექსანდრე ბოგომაზოვის შემოქმედებაში.

ა.ბოგომაზოვი "კომპოზიცია No2"

ნეოპლასტიკა

ამ სტილს ახასიათებს არქიტექტურაში მკაფიო მართკუთხა ფორმები (პ. აუდას „საერთაშორისო სტილი“) და აბსტრაქტული მხატვრობა დიდი მართკუთხა სიბრტყეების განლაგებით, რომლებიც შეღებილია სპექტრის ძირითად ფერებში (პ. მონდრიანი).

"მონდრიანის სტილი"

აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმი

მხატვრების სკოლა (მოძრაობა), რომლებიც სწრაფად და დიდ ტილოებზე ხატავენ, იყენებენ არაგეომეტრიულ შტრიხებს, მსხვილ ფუნჯებს, ზოგჯერ აწვეთებენ საღებავს ტილოზე ემოციების სრულად გამოსავლენად. მხატვრის მიზანი ამ შემოქმედებითი მეთოდით არის შინაგანი სამყაროს (ქვეცნობიერის) სპონტანური გამოხატვა ლოგიკური აზროვნებით არაორგანიზებულ ქაოტურ ფორმებში.
მოძრაობამ განსაკუთრებული იმპულსი მოიპოვა 1950-იან წლებში, როდესაც მას ხელმძღვანელობდნენ დ.პოლოკი, მ.როტკო და ვილემ დე კუნინგი.

დ.პოლოკი "სხვადასხვა ნიღბების ქვეშ"
აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის ერთ-ერთი ფორმაა Tachisme; ორივე ეს მოძრაობა პრაქტიკულად ემთხვევა იდეოლოგიასა და შემოქმედებით მეთოდს, თუმცა, მხატვრების პირადი შემადგენლობა, რომლებიც საკუთარ თავს ტაჩისტებს ან აბსტრაქტულ ექსპრესიონისტებს უწოდებდნენ, სრულებით არ ემთხვევა.

ტაჩისმე

ა.ორლოვი "სულში ნაწიბურები არასოდეს იშლება"
ეს არის ხატვა ლაქებით, რომლებიც არ აღადგენს რეალობის სურათებს, არამედ გამოხატავს მხატვრის არაცნობიერ საქმიანობას. შტრიხები, ხაზები და ლაქები ტაჩიზმში ტილოზე ვრცელდება ხელის სწრაფი მოძრაობებით წინასწარ გააზრებული გეგმის გარეშე. ტაჩიზმთან ახლოს არიან ევროპული ჯგუფი „COBRA“ და იაპონური ჯგუფი „გუტაი“.

A. Orlov "სეზონები" P.I. ჩაიკოვსკი

განმარტებით, ჩვენ ვეთანხმებით ვიკიპედიას, აბსტრაქტულ ხელოვნებას (ლათ. ააბსტრაქციო n - მოცილება, ყურადღების გაფანტვა) ან არაფიგურალურიან უაზროხელოვნების მიმართულება, რომელმაც მიატოვა რეალობასთან მიახლოებული ფორმების გამოსახვა ფერწერაში, გრაფიკასა და ქანდაკებაში.

პირველი აბსტრაქციონისტების ესთეტიკური კონცეფცია ეფუძნებოდა რეალური ფორმის უარყოფას, რაც მაყურებლისგან ერუდიციას და ლოგიკურ გააზრებას მოითხოვს, სულ მცირე, სუფთა ემოციური გზავნილის გამოხატვის სასარგებლოდ. როგორც მაქსიმუმ, ვარაუდობდნენ, რომ მხატვრული შემოქმედება ასახავს სამყაროს კანონებს, რომლებიც იმალება რეალობის გარეგანი, ზედაპირული ფენომენების მიღმა. ეს ნიმუშები, ინტუიციურად გააზრებული მხატვრის მიერ, გამოიხატა აბსტრაქტული ფორმების (ფერადი ლაქები, ხაზები, მოცულობები, გეომეტრიული ფორმები) ურთიერთმიმართებით.

ბრინჯი. 1. ვ.ვ.კანდინსკი. პირველი აბსტრაქტული აკვარელი. 1910 წ

ფართოდ გამოყენებული ტერმინი აბსტრაქტული კომპოზიცია იზრდება განათლების სფეროდან, სადაც ის განსაზღვრავს სასწავლო სავარჯიშოს ფორმულირებას. სიტყვა „კომპოზიცია“ გამოიყენება არა კომპოზიციის, არამედ დასრულებული ნაწარმოების ასპექტში. უფრო სწორი იქნება, რა თქმა უნდა, კომპოზიციაზე საუბარი აბსტრაქტულ ხელოვნებაში. როგორც „პირადი გამოცდილების“ ხელოვნება, აბსტრაქციონიზმი შოკში აყენებდა მაყურებელს თავისი არსებობის სხვადასხვა პერიოდში, წარმოადგენდა ხელოვნების ავანგარდს, შემდეგ დასცინოდნენ, გმობდნენ და ცენზურას ახდენდნენ, როგორც უაზრო და გადაგვარებული ხელოვნება. თუმცა, ახლა აბსტრაქციონიზმი არსებობს ხელოვნების ყველა სხვა ფორმასთან ერთად და, უფრო მეტიც, განსაკუთრებულ პოზიციას იკავებს მისაღები გამოცდებში საგანმანათლებლო დაწესებულებებში არქიტექტურული და დიზაინის სპეციალობების მისაღებად. როგორც განმცხადებლის შემოქმედებითი შესაძლებლობების ტესტი, აბსტრაქციის ტესტი ძალიან პროდუქტიულია, რადგან ნათლად ავლენს შემოქმედებით აზროვნებას, კომპოზიციურ ცოდნას და თემის გამოხატვის უნარს გარემომცველი სამყაროს ცნობადი ფორმების აკრძალვის რთულ პირობებში. ყოველივე ამის შემდეგ, ისტორიულად, ხელოვნების ენის ძირითად ელემენტებთან მუშაობისას (ის გეომეტრიული ფორმები, საიდანაც, ფიგურულ ხელოვნებაში ჭარბი მოჭრით, შეიძლება ვიზუალური სამყაროს ობიექტების მიღება), აბსტრაქციონისტებმა მიმართეს კომპოზიციურ პრინციპებს, რომლებიც საერთოა ყველასთვის. ხელოვნება. გასაკვირი არ არის, რომ აბსტრაქციონისტებმა თავიანთი არარეპრეზენტაციული ფორმების გამოყენება იპოვეს ინდუსტრიულ ესთეტიკაში (დიზაინში), მხატვრულ დიზაინში, არქიტექტურაში ("სტილის" ჯგუფის საქმიანობა ნიდერლანდებში და ბაუჰაუსის სკოლა გერმანიაში; კანდინსკის ნამუშევარი VKHUTEMAS-ში. მალევიჩის არქიტექტორები და დიზაინის პროექტები; ალექსანდრე კალდერის „მობილურები“; ვლადიმერ ტატლინის დიზაინები, ნაუმ გაბოს და ანტუან პევზნერის ნამუშევრები). აბსტრაქციონისტების საქმიანობამ ხელი შეუწყო თანამედროვე არქიტექტურის, დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნებისა და დიზაინის განვითარებას.

პირადად, ავტორი დაინტერესებულია აბსტრაქტული კომპოზიციით მხოლოდ იმიტომ, რომ ჩვეულებრივი აბსტრაქტული ფორმების მაგალითის გამოყენებით, უფრო ადვილია მაყურებლის მიერ გამოსახულების აღქმის ფსიქოფიზიოლოგიური კანონების გაგება და მათი გამოყენება ნაწარმოებში ავტორის აზრების იდენტიფიცირებისთვის. ყოველივე ამის შემდეგ, იმისათვის, რომ თქვენი იდეები მაყურებლისთვის გასაგები იყოს, ლოგიკურია კომუნიკაცია მაყურებლისთვის და მხატვრისთვის გასაგები ვიზუალური ენით, როგორც ამის შესახებ წერდა ხელოვნების ისტორიის დოქტორი G.P. სტეპანოვი. (ხელოვნების სინთეზის კომპოზიციური პრობლემები, 1984). რ.არნეიმის ფსიქიკის უნივერსალური ადამიანური გეშტალტების ენაზე (Art and Visual Perception. 1974), ტვინის მიერ დანახულის ნახვისა და დამუშავების ფიზიოლოგიის გათვალისწინებით, რაც განზოგადდა მხატვრებისთვის მის წიგნში გ.ი. პანქსენოვი (მხატვრობა. ფორმა, ფერი, გამოსახულება, 2007). ეს თემა დეტალურად არის აღწერილი ავტორის მიერ სტატიებში "" და "", რაც გაზრდის ამ სტატიის გაგებას. ყურადღება მივაქციოთ იმ ფაქტს, რომ მაშინაც კი, როდესაც ობიექტის პირველი იდეები (ჟანრი ან სიუჟეტი, ასოციაციურ-სიურრეალისტური, დეკორატიული და ა.შ.) კომპოზიცია* ესკიზდება, მასში არსებული ყველა ობიექტი გამოკვეთილია როგორც ჩვეულებრივი ლაქები ან მასები, რომლებიც შემდეგ ცნობად ფორმებამდე მიყვანილი ჭარბი „მოჭრის“ მეთოდით . კომპოზიციის თეორია ნათლად გვკარნახობს, რომ დიდი და პატარა, ბნელი და მსუბუქი ჩვეულებრივი მასებში პირველი იმპლიციტური ჩანახატების სტადიაზე უნდა მოიძებნოს ურთიერთქმედება, ჰარმონია, კომპოზიციური ცენტრი, გამოხატვის საშუალებები და ყურადღებით შეინახოს ბოლომდე. სამუშაოზე მუშაობა.

ბრინჯი. 2. ნახატების ესკიზები. ა) I.I. ლევიტანი. Პლატფორმა. მოახლოებული მატარებელი. ესკიზი. 1879. ტრეტიაკოვის გალერეა. ბ) Spiridonov V. M. მრავალფიგურიანი კომპოზიცია. ჩანახატი 1941 ჩუვაშური სახელმწიფო. მუზეუმი. V)
Kiparisov P.G. Mariyki მოდიან. ესკიზები ნახატისთვის "როცა იასამნები ყვავის". ჩუვაშთა სახელმწიფო მუზეუმი.

ეს მიდგომა ჰგავს კომპოზიციის ყველა ფორმას (ჟანრი, აბსტრაქტული ასოციაციური, დეკორატიული და ა.შ.). რა თქმა უნდა, აბსტრაქციაში მხოლოდ მაყურებლის დაახლოება შეგვიძლია რაღაც ფსიქოლოგიურ გამოცდილებასთან, განწყობასთან, შეგრძნებასთან, მაგრამ ეს სულაც არ არის მცირე ობიექტური ხასიათის ნაწარმოებისთვის. მაშასადამე, კომპოზიციის აბსტრაქციაში გაგება გააფართოვებს ფიგურატიულ ხელოვანთა ჰორიზონტს. სწორედ ამ პოზიციებიდან წამოვაყენებთ ჰიპოთეზას, რომ ფსიქოლოგიურსა და ვიზუალურს შორის კავშირის გაგება კომპოზიციურ ცოდნაში გარკვეული შეგრძნებების გამოხატვის ძირითადი პრინციპი უნდა გახდეს. ეს საშუალებას მისცემს მხატვარს უფრო ზუსტად გამოხატოს თავისი აზრები და შექმნას უფრო ძლიერი ემოციური გავლენა მაყურებელზე როგორც ფიგურალური, ისე არაფიგურალური ხასიათის ნაწარმოებში.

თუმცა, ყველა მხატვარს ესმის არაობიექტურ კომპოზიციაში გარკვეული შეგრძნებების, ამა თუ იმ ასოციაციის, განწყობის გამოვლენის პრინციპები, რომელი კოდირებული ენით უნდა დაუკავშირდნენ ავტორს და მაყურებელს გამოსახულების საშუალებით?

*მთელი სახვითი ხელოვნება შეიძლება დაიყოს ობიექტურად და არაობიექტურად. ორივე განყოფილება შეიძლება წარმოდგენილი იყოს როგორც მიმართულებათა ერთობლიობა ხელოვნებაში, მაგალითად, აბსტრაქტულ ხელოვნებაში არის ორი დიდი მიმართულება: გეომეტრიული აბსტრაქცია, რომელიც დაფუძნებულია პირველ რიგში მკაფიოდ განსაზღვრულ კონფიგურაციებზე (მალევიჩი, მონდრიანი) და ლირიკული აბსტრაქცია, რომელშიც კომპოზიცია ორგანიზებულია. თავისუფლად მიედინება ფორმები (კანდინსკი). მათ ფარგლებში შეიძლება განვასხვავოთ ვიწრო მოძრაობები, მაგალითად, ტაჩიზმი (ლაქებით ხატვა, რომელიც გამოხატავს მხატვრის არაცნობიერ საქმიანობას), სუპრემატიზმი (უმარტივესი გეომეტრიული მონახაზების მრავალფეროვანი სიბრტყეების კომბინაციები), ნეოპლასტიციზმი (ხატვა მოწყობაში). დიდი მართკუთხა სიბრტყეები, შეღებილი სპექტრის ძირითადი ფერებით) და ა.შ. დ. საგნების მხატვრობაში ერევა ყველაზე რეალისტური ფორმის, მოქმედების, დროისა და სივრცის გამოსახვის სხვადასხვა მიდგომა. მაგალითად, ჟანრული რეალისტური კომპოზიცია, ე.ი. ხელოვნების გარკვეული ჟანრის ასახვა (პორტრეტი, ნატურმორტი, პეიზაჟი, ანიმალისტური, ისტორიული, საბრძოლო, ყოველდღიური და ა.შ.) აშკარად ემორჩილება არისტოტელესურ ერთობებს - დროს, ადგილს, მოქმედებას. ასეთ ხელოვნებაში გარკვეული პერსონაჟები დროის გარკვეულ მომენტში რეალურ სივრცეში ერთიანდებიან ერთი მოქმედებით. თუმცა, ობიექტურ ხელოვნებაში ისტორიულად განვითარდა ისეთი ტენდენციები, როგორიცაა სიურეალიზმი, კუბიზმი, ფუტურიზმი და სხვა "ობიექტური" ავანგარდული მოძრაობები, სადაც მიმდებარე სამყაროს ობიექტები სტილისტური მნიშვნელოვანი ხარისხით (დეფორმაცია, გამარტივება, სირთულე და ა.შ.) ან მის გარეშე გამოსახულია არა რეალური ფიზიკური სამყაროს პირობებში, არამედ თითქოს ავტორის ასოციაციური ასახვის ნაკადში. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, არსებობს რეალური ობიექტები, მაგრამ დრო და სივრცე შეიძლება იყოს შერეული, ფერის ინტერპრეტაცია შეიძლება პირობითად და ფორმა შეიძლება მნიშვნელოვნად დეფორმირებული იყოს. მე-19-20 საუკუნეების მიჯნაზე უკვე პროტოავანგარდის პერიოდი ხასიათდება, როგორც რღვევა, არისტოტელეს კლასიკური ესთეტიკიდან გადასვლა, მიმესისი არაკლასიკურ, ანტიარისტოტელეურ ტრადიციაზე. მაგრამ, ამ ყველაფერთან ერთად, კანონები, წესები, პრინციპები, გამოხატვის საშუალებები ერთნაირია ყველა გამოვლინებისთვის და აწარმოებენ ავტორის მიერ განზრახულ ეფექტს ობიექტური თუ არაობიექტური გამოსახულების ნებისმიერ ვარიანტში.

ამ სტატიის მიზანია შეეცადოს აღწეროს ადეკვატური პრინციპები, რომლებითაც ადამიანის შეგრძნებები ვლინდება აბსტრაქტულ კომპოზიციაში და ამავდროულად ახსნას კომპოზიციაში ცხოვრებისეული შეგრძნებების გამოხატვის აზროვნების მეთოდოლოგია ტაქტილური, გემო, ვესტიბულური მაგალითის გამოყენებით. და ა.შ., შემადგენლობისა და ფორმის ფორმირების საგანმანათლებლო ამოცანების სტანდარტი.სენსაციები. ამისათვის მოდით გავაანალიზოთ კომპოზიციის მახასიათებლები აბსტრაქტულ ხელოვნებაში და მოვიყვანოთ რამდენიმე მაგალითი ილუსტრაციებით.

კომპოზიციაში სტატიკის გამოხატულება ხასიათდება:

მძიმე ქვედა და მსუბუქი ზედა არის ფურცელში ძალთა ბალანსის ფსიქოლოგიური მოლოდინი (მოლოდინი), რომელიც განისაზღვრება ცხოვრების ფიზიკური რეალობებით. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, თქვენი ფეხების ქვეშ საიმედო მხარდაჭერის შეგრძნების ჩვევისგან და თქვენს თავზე მსუბუქი, ნათელი ცა. ამიტომ, უმჯობესია კომპოზიციური ცენტრი მოათავსოთ ფურცლის გეომეტრიული ცენტრის ქვემოთ, რათა ქვედა გამაგრდეს და კომპოზიცია ნაგულისხმევი პლატფორმისკენ გაიწიოს. ასოციაციური საყრდენი ფართობი, რომელიც იგრძნობა ფურცლის ქვედა კიდეზე, უნდა იყოს დიდი ფიზიკური კანონის გამო, რომ დიდი თვითმფრინავი იძლევა უფრო დიდ ხახუნის ძალას. წონასწორობის სტაბილური მდგომარეობების პოვნის ცხოვრებისეულ გამოცდილებასთან დაკავშირებით, აუცილებელია ხაზგასმით აღვნიშნოთ ვერტიკალები და ჰორიზონტები, როგორც კომპოზიციური გასაღები ან კომპოზიციაში დომინანტური პრინციპი. არაფრის კუთხეში დადებას აზრი არ აქვს. კომპოზიციების სამკუთხედებიც კი, რომლებიც თავიანთ გვერდებთან დიაგონალებს შემოაქვს, უნდა განთავსდეს ფართო ფუძეზე, ტოლფერდა და მართკუთხა სამკუთხედებისკენ მიდრეკილი. ავტორის აზრით, ფერი არ მოქმედებს ვესტიბულურ შეგრძნებებზე.

კომპოზიციაში დინამიკის გამოხატულება ხასიათდება:

ფსიქიკის დადგენილ „არნჰაიმის“ გეშტალტთან დაკავშირებით, შეგიძლიათ იგრძნოთ მსუბუქი, ნათელი ცა თქვენს თავზე; ხშირად, ფერწერული სიბრტყის ყურებისას, ფურცლის ზედა ნაწილში მოთავსებული საგნები თითქოს დაფრინავს ან ეცემა. აქედან გამომდინარე, უმჯობესია კომპოზიციური ცენტრი დინამიურ კომპოზიციებში მოათავსოთ ფურცლის გეომეტრიული ცენტრის ოდნავ ზემოთ, რათა მაყურებლისთვის აქცენტი გადაიტანოთ, როგორც ეს იყო, "ცაზე". ჩვენ გავბედავთ ვივარაუდოთ, რომ მუქი და დიდი ობიექტები, რომლებიც დაკავშირებულია სიმძიმესთან, თითქოს ცვივა, ხოლო მსუბუქი და მსუბუქი ობიექტები, ფუმფულას, თოვლის, ორთქლის და ა.შ. ანალოგიით, თითქოს დაფრინავენ. ფურცლის ქვედა კიდეზე დამხმარე ადგილი აბსოლუტურად არასაჭიროა. სტატიკური კომპოზიციებისგან განსხვავებით, დინამიური კომპოზიციის სტრუქტურა ყველაზე ხშირად დიაგონალია. შეიძლება იყოს სპირალი, მაგრამ სპირალთან ერთად მუდმივი მანძილისა და ფრენის შთაბეჭდილება უნდა იყოს „დაჭერილი“ რიტმით და მასშტაბით. გთხოვთ გაითვალისწინოთ, რომ დინამიკა არ ნიშნავს ქაოტურ მოძრაობას, არამედ ვექტორზე მიმართულ მოძრაობას, თითქოს მოცემული აჩქარებით. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, გამოსახული ობიექტები უნდა ჩანდეს, რომ მიფრინავდნენ (ძალით აგდებულნი) კონკრეტული სამიზნისკენ. ისეთი სტატიკური ფორმები, როგორიცაა სხვადასხვა მართკუთხედები, უნდა განთავსდეს კუთხით, დიაგონალზე. გამოხატვის მთავარი საშუალებაა რიტმი. ერთი დახატული ობიექტიდან მეორემდე მანძილის შეცვლით, მხატვარს შეუძლია შექმნას აჩქარების ან შენელების განცდა, იმისდა მიხედვით, თუ რა მანძილზე სჭირდება თვალს ერთი ობიექტიდან მეორეზე გადახტომა. ამავდროულად, მფრინავი ობიექტების პერსპექტიული შემცირების ეფექტი ასევე კარგი დახმარება იქნება. ფერი, ავტორის აზრით, არ მოქმედებს ვესტიბულურ შეგრძნებებზე.

ბრინჯი. 3. სტატიკისა და დინამიკის გამოსახულების მაგალითები გეომეტრიულ აბსტრაქტულ კომპოზიციაში. ა) იულდაშევა ე. ბ) ლაზარევა ვ. გ) ლაზარევა ვ.

კომპოზიციაში მასიურობის გამოხატულება ხასიათდება:

ფურცელში სიმძიმის გამოსახატავად უმჯობესია კომპოზიციური ცენტრი გეომეტრიულზე ოდნავ დაბლა მოათავსოთ. უმჯობესია აირჩიოთ ჰორიზონტალური ფორმატი, თითქოს "დედამიწაზე". კონკრეტულ შემთხვევებში, მასიურობისთვის საყრდენი არე უნდა იყოს და რაც უფრო დიდია, მით უკეთესი (რამდენიმე მძიმე საგნის ჯამური ჩათვლით) იმის გამო, რომ მძიმე მასა უფრო ძლიერად იზიდავს მიწას. თქვენ უნდა დააჭიროთ სურათს ფურცლის ქვედა კიდეზე. თუმცა, შეიძლება არსებობდეს სხვადასხვა მხატვრული ამოცანები, რომლებშიც მასივი არ უნდა იყოს დაკავშირებული მიწასთან, მაშინ ღირს შეზღუდოთ თავი ფურცელში მხოლოდ დიდი მასშტაბით და მუქი ტონით. ალბათ არ არსებობს მკაფიოდ განსაზღვრული სტრუქტურა მასიური კომპოზიციების შესაქმნელად, მაგრამ საინტერესოა სიმძიმის, სისუსტის და წნევის განცდის გაძლიერება იმის გამო, რომ გრაფიკულად შეგიძლიათ პატარა საგანი მსხვილთან შეკუმშვა ან დაფქვა, ნანგრევების ანალოგიით. შეეცადეთ მჭიდროდ გამოსახოთ ობიექტები, მათ შორის ხილული ხარვეზების გარეშე. წონის შეგრძნებისთვის ტონი - ღია ან მუქი - ბევრად უფრო მნიშვნელოვანია ვიდრე ფერი. ასე რომ, მასიურობის განცდის გამოსავლენად, მუქი ტონები უნდა მოვიდეს სამაშველოში. ეს ისევ ცხოვრებისეული გამოცდილებით არის განპირობებული, რომელიც ასოციაციურად აკავშირებს მძიმე ტონებს გამოცდილებამდე მოსალოდნელ სიმძიმესთან (აპრიორი). კერძოდ, სიბნელე ფიგურალურად ასოცირდება ადამიანის რთულ ემოციურ მდგომარეობასთან. და რადგან ფერთა მეცნიერების კურსიდან ცნობილია, რომ თითოეული ფერისთვის შეგიძლიათ აირჩიოთ სიძლიერის შესაბამისი ტონი, მაშინ მუქი ფერები ყავისფერი, ლურჯი, იისფერი, მუქი მწვანე, მუქი შინდისფერი და სხვა მუქი ფერები ბუნებრივად შესაფერისია მასიურისთვის. . მთავარი გამოხატვის საშუალებაა მასშტაბი. ეს ისევ ცხოვრებისეული გამოცდილებით არის განპირობებული, რომელიც ასოციაციურად აკავშირებს უზარმაზარ ზომას ობიექტის მოსალოდნელ სიმძიმესთან.

კომპოზიციაში სიმსუბუქის განცდის შესაქმნელად დამახასიათებელია:

სიმსუბუქისთვის, უმჯობესია კომპოზიციური ცენტრის დაპროექტება ფურცლის გეომეტრიული ცენტრის ზემოთ, რათა კომპოზიციაში ყველაზე მნიშვნელოვანი რამ დააკავშიროთ რაღაც ამაღლებულთან და ამაღლებულთან. ფორმატიც კი, სავარაუდოდ, ვერტიკალური უნდა იყოს არჩეული. სტატიკასთან ან სტაბილურობასთან დაკავშირებულ სპეციალურ შემთხვევებში, საჭირო იქნება საყრდენი წერტილები, მაგრამ მსუბუქი სტრუქტურების უფრო მეტი გამოხატვისთვის ისინი უნდა იყოს წერტილოვანი (არა მყარი), ვიზუალურად თხელი საყრდენები, მიუხედავად საყრდენი ფართობისა. თუმცა, შეიძლება არსებობდეს დინამიური ხასიათის სხვადასხვა მხატვრული ამოცანები. მაშინ უნდა შემოიფარგლოთ იდეის გამოხატვით მასშტაბისა და მსუბუქი ტონის გამოყენებით. აზრი არ აქვს აქ კომპოზიციის მკაფიოდ განსაზღვრული სტრუქტურის ხაზგასმა, მაგრამ საინტერესოა სიმსუბუქის განცდის გაძლიერება გამოსახულების ობიექტებს შორის „ჰაერის“ სიმრავლით. ამავდროულად, სიმსუბუქის ხაზგასმის შესანიშნავი მხატვრული ტექნიკა იქნება ეგრეთ წოდებული „გადახაზვა“ ან „საგნის მეშვეობით“, რაც ქმნის გამოსახული ობიექტების გამჭვირვალობის შთაბეჭდილებას. ასევე კარგია ობიექტების ღრუ გამოსახვა, რაც ასოციაციურად ანათებს მათ მასას. სიმსუბუქის განცდის გამოსავლენად, ცხოვრებისეული რეალობის ანალოგიით, შესაფერისია ღია ფერები, ანალოგიით ფუმფულა, თოვლი, ორთქლი და ა.შ. და რადგან ფერების მეცნიერების კურსიდან ცნობილია, რომ თითოეული ფერისთვის შეგიძლიათ აირჩიოთ სიძლიერის შესაბამისი ტონი, მაშინ ბუნებრივად სინათლე ასოცირდება ფერების ღია ფერებთან: ყვითელი, ვარდისფერი, ნარინჯისფერი, ლურჯი, ღია მწვანე. მთავარი გამოხატვის საშუალებაა მასშტაბი. ეს ისევ ცხოვრებისეული გამოცდილებით არის განპირობებული, რომელიც ასოციაციურად აკავშირებს მცირე ზომას საგნის აშკარად ცნობილ სიმსუბუქეს.

ბრინჯი. 4. მასიური და მსუბუქი გამოსახულების მაგალითები გეომეტრიულ აბსტრაქტულ კომპოზიციაში. ა) ბელიაევა ე., ბ) ლაზარევა ვ., გ) იულდაშევა ე.

კომპოზიციაში სტაბილურობისა და არასტაბილურობის განცდის შესაქმნელად მნიშვნელოვანია:

ეს ორი თემა განუყოფლად არის დაკავშირებული ადამიანის იდეასთან დედამიწის სიბრტყის, იატაკის, პოდიუმის, საყრდენის შესახებ. რა თქმა უნდა, ეს სიბრტყეები სულაც არ უნდა იყოს დახატული, მაგრამ მათი ნაგულისხმევი და ხაზგასმა შესაძლებელია ხაზების კონცენტრაციით. სტაბილური სტატიკურისგან მხოლოდ იმით განსხვავდება, რომ სტატიკა საუკუნეებს გაგრძელდება, სტაბილურობა კი წარმავალი ფენომენია. თუ სტატიკური, როგორც გვესმის, ძნელია განადგურება, მაშინ თავლა ნადგურდება მცირე ძალისხმევით. იმისათვის, რომ გრაფიკულ დიზაინში სტაბილურობის განცდა კატეგორიულად იყოს წარმოდგენილი, საყრდენი ფართობი (მათ შორის რამდენიმე ობიექტის საერთო რაოდენობა) შეიძლება არ იყოს დიდი, მაგრამ მთლიანი სტრუქტურის კომპოზიციური ცენტრის მთლიანი პროექცია სავარაუდო სიბრტყეზე. "სართული" უნდა მოხვდეს დამხმარე ზონაში. პირიქით, თუ სიმძიმის ცენტრის პროექცია სცილდება მხარდაჭერის არეალს, მაშინ ჩნდება ნგრევის, დაცემის და განადგურების განცდა. ჩვენ გირჩევთ აირჩიოთ ვერტიკალური ფორმატი. TOკომპოზიციური ცენტრი უნდა განთავსდეს გეომეტრიულის ზემოთ.

ბრინჯი. 5. აბსტრაქტულ გეომეტრიულ კომპოზიციაში სტაბილური და არასტაბილური გამოსახულების მაგალითები. ა) ლაზარევა ვ., ბ) იულდაშევა ე.

კომპოზიციისთვის მჟავე გემოვნების გამოხატვისთვის მნიშვნელოვანია:

ავტორის აზრით, ფერი უდიდეს როლს თამაშობს გემოვნების შეგრძნებების გამოხატვაში. ლიმონის, ცაცხვის, ანანასის, გრეიფრუტის და ა.შ ნათელი ფერები ცხოვრებაში მჟავე ნივთებთან ასოცირდება, ამიტომ ჩვენთვის შესაფერისია ყვითელი, მწვანე, ზურმუხტისფერი, ლურჯი, ინდიგო, იისფერი ყველა მაგარი ელფერი. ბუნებრივია, ჩამოთვლილი ფერები შესაძლოა არ იყოს საკმარისი ავტორი-კომპოზიტორის იდეისთვის. ამავდროულად, არ უნდა ამოწუროთ თქვენი შემადგენლობა ჩამოთვლილი ფერებით. უნდა გახსოვდეთ მხოლოდ ერთი წესი - ცივი მჟავე ყვავილების 75% და სხვების 25%. თქვენ ნათლად უნდა გესმოდეთ, რომ რაც უფრო მეტ ელემენტს შეჰყავთ კომპოზიციაში საპირისპირო შეგრძნებებიდან, მით უფრო მეტი გარე ასოციაციები გაქვთ, რაც ეწინააღმდეგება კომპოზიციის მთლიანობის პრინციპებს, როდესაც თითოეული ელემენტი უნდა მუშაობდეს ავტორის ზოგადი იდეის გამოხატვაზე. . კომპოზიციაში ფორმის ფორმირება კვლავ ხდება რეალური ცხოვრების სურათების გამო. INგაიხსენეთ, როგორ გრძნობდით ლიმონის ჭამას. პირის ღრუ თითქოს ჭრის, იკეცება, იკუმშება, ამიტომ კომპოზიციაში ფორმები უნდა იყოს დაკბილული, ნემსისმაგვარი, ბასრი და ხახვი.

კომპოზიციისთვის ტკბილეულის გემოვნების შეგრძნების გამოხატვისთვის მნიშვნელოვანია:

ყვითელი, მწვანე, ასევე ნარინჯისფერი, წითელი და ყავისფერი თბილი ჩრდილები ასოცირდება ტკბილეულთან ცხოვრებაში. რაც შეეხება სხვა ფერებს, ზუსტად იგივე წესი მოქმედებს: 75% ასოცირდება ტკბილ გემოსთან და 25% სხვა ფერებთან. კომპოზიციაში საგნების ფორმის შესაქმნელად, გახსოვდეთ თქვენი გრძნობები ტკბილეულის ჭამისგან, თუნდაც ავადმყოფური სიტკბოსგან. მყისიერად მახსენდება რბილი ნიმუშიანი მოსახვევები, ბლანტი, წვეთოვანი ფორმები; შეიძლება წარმოიშვას ასოციაციები მურაბების გამოწურვასთან, მრავალშრიან ნამცხვრებს შორის მოქცეული კრემისებური ფენებით. თქვენ უბრალოდ უნდა დაიწყოთ საკუთარი მოგონებების ანალიზი და გარდაქმნა ობიექტებიდან აბსტრაქტულ ხაზებად და ფერებად.

ბრინჯი. 6. აბსტრაქტულ ლირიკულ კომპოზიციაში მჟავე და ტკბილი გრძნობების გამოხატვის მაგალითები ა) შავ-თეთრ გრაფიკაში, ბ) ფერადში. იკონნიკოვა ე.

როგორ გამოვხატო სიხარული და სევდა კომპოზიციაში

სევდანახატში - ეს არის მუქი, სქელი აქრომატული ან აქრომატული ფერებისკენ მიდრეკილი, გარკვეული უპიროვნება ან მოწყენილობა, რომელიც გამოხატულია ერთფეროვანი ფორმებით და მათ შორის თანაბარი მანძილით, ვერტიკალური რიტმები, შაბლონური მოსახვევები, ქმნის „ნისლის“ ეფექტს, ნისლეულს სპეციალური ტექნიკით. მაგალითად, პოინტელა. სიხარული– ეს არის დინამიური კომპოზიცია, ასიმეტრიული, მუდმივად იცვლება რიტმები, სასწორები. ყველა ელემენტი ასრულებს თავის საქმეს: საშუალო ფორმები ფორმატთან მიმართებაში, როგორც წესი, ატარებენ მთავარ სემანტიკურ დატვირთვას და ქმნიან მთავარ მოქმედებას; კომპოზიციის დიდ ელემენტებს აქვთ უნარი გააერთიანონ საშუალოები სისტემაში, დაქვემდებარებული განსხვავებული ელემენტები; მცირე. ისინი თითოეული კომპოზიციის "ქიშმიშია". გააზრებული პლასტიკური ფრაზებით ისინი ამშვენებს კომპოზიციას, როგორც პატარა დეკორაციები გარდერობში. ისევ დაიმახსოვრეთ დღესასწაულის ატრიბუტები და მოაწყვეთ წერტილოვანი ხაზები ფეიერვერკის, წვიმის, კონფეტის, ლენტების, ტაშის, ციმციმის და ა.შ. ფერები შესაბამისად უნდა იყოს ღია, ნათელი.

ბრინჯი. 7. გამოსახულების მაგალითები აბსტრაქტულ კომპოზიციაში ა) ტაქტილური, ბ) ტაქტილური, გ) სმენითი და სხვა შეგრძნებები. იკონნიკოვა ე.

ჩვენ დიდი სამუშაო გავაკეთეთ, რომლის სრულყოფილად შესრულებაც ინდივიდუალური აღქმის გამო თითქმის შეუძლებელია. ჩვენ არ შევეხებით ადამიანთა კულტურულ, რელიგიურ და სოციალურ გაერთიანებებს, მხოლოდ ფიზიკურ და ფიზიოლოგიურ გაერთიანებებს - საერთო, ალბათ, მთელი მსოფლიოს მოსახლეობისთვის. აქ კიდევ უფრო მნიშვნელოვანი იყო მსჯელობის მეთოდის წარმოდგენა, რომელიც მომავალში შეიძლება გამოვიყენოთ ისეთ ამოცანებზე, როგორიცაა სიცხისა და სიცივის გამოხატვა, ხმიანობა და სიყრუე, აგრესია ან სიმშვიდე, მღელვარება და სიმშვიდე და ა.შ. სტატია ეხება მნიშვნელოვან საკითხებს. კომპოზიციური ცოდნა, რადგან არქიტექტურული და მხატვრული ციკლის მასწავლებლობის პროფესიებში არის ამოცანები გრძნობების აბსტრაქციულად გამოხატვის მიზნით, მაგრამ ავტორმა არ იცის ის ფაქტი, რომ არსებობს მკაფიო დამხმარე თეორია. მაშასადამე, მცდელობა იყო დამყარებულიყო საფუძველი ავტორის პირადი განვითარებიდან ინდივიდუალური რეფლექსიისთვის, მოძიებულიყო ავტორის ტექნიკა დამწყები მხატვრებისთვის. მოდით, მკითხველის ყურადღება მივაქციოთ იმ ფაქტს, რომ სტატიაში მოცემულია ძირითადი პრინციპები, რომლებიც, რა თქმა უნდა, გასაგებია გამოცდილებისა და ანალიტიკური აზროვნების მქონე პროფესიონალებისთვის. და რადგან კომპოზიციის ერთ-ერთი პრინციპი სიახლეა (არა იმ გაგებით, რომ ნებისმიერი ავტორის განვითარება, რომელიც ადრე არ არსებობდა, თავისთავად ახალია, არამედ იმ თვალსაზრისით, რომ მისი კომპოზიცია რადიკალურად უნდა გამოირჩეოდეს ცალკეული აღმოჩენებით ერთფეროვანი მასიდან), მაშინ. ამის საფუძველზე თითოეულმა ავტორმა უნდა მოძებნოს საკუთარი ინდივიდუალური მიღწევები. რჩება იმის თქმა, რომ წარმოდგენილი ავტორის კონცეფცია არ არის საბოლოო ჭეშმარიტება, ისწავლეთ საკუთარი გამოცდილებიდან, გაანალიზეთ, სინთეზირეთ. თქვენი შინაგანი ხმის მოსმენა, უცნაურად საკმარისია, ძალიან მნიშვნელოვანია, ისევე როგორც მნიშვნელოვანია საკუთარ თავს გაცემული პასუხის გაანალიზება და შეეცადეთ გაიგოთ, როგორ გაასწოროთ ის, რაც არ მოგწონთ, ან როგორ არ გააფუჭოთ ის, რაც მოგწონთ. ასე რომ, პოზიტიურ პასუხთან დაკავშირებული ტექნიკა და დასკვნები წლების განმავლობაში გროვდება უზარმაზარ პროფესიულ ბარგში, რომელიც ასევე გაწმენდილია წარუმატებელი მცდელობებისგან, რომლებიც დაკავშირებულია ნეგატიურ პირად გამოცდილებასთან და მასწავლებლების გამოხმაურებასთან.

ა.ს. ჩუვაშოვი

ბიბლიოგრაფია:

1. კრიუჩკოვა V. A. აბსტრაქციონიზმი // დიდი რუსული ენციკლოპედია / S. L. Kravets. მოსკოვი: დიდი რუსული ენციკლოპედია, 2005. T. 1. P. 42-43. 768 გვ.

2. სარუხანიანი A.P. „მოდერნიზმის“ და „ავანგარდის“ ცნებებს შორის ურთიერთობის შესახებ // ავანგარდი მეოცე საუკუნის კულტურაში (1900-1930): თეორია. ამბავი. პოეტიკა: 2 წიგნში. / რედ. იუ.ნ.გირინა. - M.: IMLI RAS, 2010. - T. 1. - P. 23.

აბსტრაქციონიზმი შედარებით ახალგაზრდა ხელოვნების მოძრაობაა. მისი დაბადების წელი ოფიციალურად აღიარებულია 1910 წელს, როდესაც მხატვარმა ვასილი კანდინსკიმ გამოფინა პირველი ტილო ახალი ტექნიკით, დახატული აკვარელი.

აბსტრაქტული ხელოვნების წარმომადგენლები იღებენ მარტივ და რთულ ფორმებს, ხაზებს, სიბრტყეებს, როგორც საფუძველს საკუთარი შედევრების შესაქმნელად და თამაშობენ ფერთან. რაც საბოლოოდ გამოდის, არაფერ შუაშია რეალურ ობიექტებთან. ეს არის ნამუშევარი, რომელიც მხოლოდ ზეცნობიერისთვის არის ხელმისაწვდომი ინდივიდის სენსორული სამყაროს მეშვეობით.

ამ სტილის პირველი ნაწარმოების გამოჩენიდან ათწლეულების განმავლობაში, აბსტრაქციონიზმმა განიცადა სხვადასხვა ცვლილებები და აქტიურად დაინერგა სხვა ავანგარდულ მოძრაობებში.

(აბსტრაქცია კეროლ ჰეინის მიერ)

აბსტრაქტული ხელოვნების ფარგლებში, ხელოვნების ადამიანებმა შექმნეს მრავალი ფერწერა, ქანდაკება და ინსტალაცია. გარკვეული ელემენტები იქნა გამოყენებული და წარმატებით ინერგება, მათ შორის თანამედროვე შენობების ინტერიერში.

დღეს ხელოვნებაში აბსტრაქტული მოძრაობა იყოფა გეომეტრიულ და ლირიკულ აბსტრაქციად. აბსტრაქციონიზმის გეომეტრიული მიმართულება ხასიათდება მკაცრი და მკაფიო ხაზებით და სტაბილური მდგომარეობებით. ლირიკულ აბსტრაქციას ახასიათებს თავისუფალი ფორმა და ოსტატის ან ხელოვანის მიერ დადგენილი დინამიკის დემონსტრირება.

აბსტრაქტული ხელოვნება ფერწერაში

აბსტრაქციონიზმმა დაიწყო განვითარება მხატვრობით. ტილოზე და ქაღალდზე ის სამყაროს გამოეცხადა ფერებითა და ხაზების თამაშით, ხელახლა შექმნა ისეთი რამ, რასაც ანალოგი არ ჰქონდა რეალურ ობიექტურ სამყაროში.

(...და უფრო ნათელი აბსტრაქცია კეროლ ჰეინის მიერ)

აბსტრაქტული ხელოვნების თვალსაჩინო წარმომადგენლები არიან:

• კანდინსკი;
• მალევიჩი;
• მონდრიანი.

მოგვიანებით მათ ბევრი მიმდევარი ჰყავდათ, რომელთაგან თითოეულმა შეიტანა საკუთარი მხატვრული წვლილი, გამოიყენა საღებავის გამოყენების ახალი ტექნიკა და აბსტრაქტული კომპოზიციის შექმნის ახალი პრინციპები.

(ვასილი ვასილიევიჩ კანდინსკი "კომპოზიცია IV")

მოძრაობის დამფუძნებლები, რომლებიც ქმნიდნენ თავიანთ შედევრებს ტილოზე, ეყრდნობოდნენ ახალ სამეცნიერო და ფილოსოფიურ თეორიებს. მაგალითად, კანდინსკიმ, საკუთარი მხატვრული შემოქმედების გასამართლებლად, მიმართა ბლავატსკის თეოსოფიურ ნაწარმოებებს. მონდრიანი ნეოპლასტიკის წარმომადგენელი იყო და თავის ნამუშევრებში აქტიურად იყენებდა სუფთა ხაზებსა და ფერებს. მისი ნახატები არაერთხელ გადაწერა ფერწერისა და ხელოვნების სფეროს ბევრმა წარმომადგენელმა. მალევიჩი იყო სუპრემატიზმის თეორიის მგზნებარე მომხრე. ოსტატმა ფერწერის ხელოვნებაში უპირატესობა მიანიჭა ფერს.

(კაზიმირ მალევიჩი "გეომეტრიული ფიგურების კომპოზიცია")

ზოგადად, აბსტრაქციონიზმი ფერწერაში ორმხრივი მიმართულება აღმოჩნდა ჩვეულებრივი ადამიანებისთვის. ზოგი ასეთ ნამუშევრებს ჩიხად თვლიდა, ზოგი კი გულწრფელად აღფრთოვანებული იყო იმ იდეებით, რომლებსაც მხატვრები თავიანთ შემოქმედებაში აყენებდნენ.

მიუხედავად ხაზების, ფორმებისა და ფერების ქაოტური ბუნებისა, ნახატები და ხელოვნების ნიმუშები აბსტრაქციონიზმის სტილში ქმნის ერთიან კომპოზიციას, რომელიც ჰოლისტურად აღიქმება აუდიტორიის მიერ.

ხელოვნების მოძრაობები აბსტრაქტული ხელოვნება

აბსტრაქტული ხელოვნების სტილში ნამუშევრები ძნელია მკაფიოდ კლასიფიცირებული, რადგან ამ მიმართულებას ბევრი მიმდევარი ჰყავს, რომელთაგან თითოეულმა საკუთარი ხედვა შეიტანა განვითარებაში. ზოგადად, ის შეიძლება დაიყოს ხაზების ან ტექნიკის უპირატესობის ტიპის მიხედვით. დღეს არის:

• ფერთა აბსტრაქციონიზმი. ამ ნამუშევრებში მხატვრები თამაშობენ ფერებთან და ფერებთან, თავიანთ ნამუშევრებში აქცენტს აკეთებენ მნახველის გონების მიერ მათ აღქმაზე;
• გეომეტრიული აბსტრაქციონიზმი. ამ ტენდენციას აქვს თავისი მკაცრი დამახასიათებელი განსხვავებები. ეს არის მკაფიო ხაზები და ფორმები, სიღრმისა და ხაზოვანი პერსპექტივების ილუზია. ამ მიმართულების წარმომადგენლები არიან სუპრემატისტები, ნეოპლასტიკოსები;
• ექსპრესიული აბსტრაქციონიზმი და ტახიზმი. ამ დარგებში აქცენტი კეთდება არა ფერებზე, ფორმებსა და ხაზებზე, არამედ საღებავის გამოყენების ტექნიკაზე, რომლის მეშვეობითაც დგინდება დინამიკა, გადმოიცემა ემოციები და აისახება ხელოვანის არაცნობიერი, რომელიც მუშაობს წინასწარი გეგმის გარეშე;
• მინიმალისტური აბსტრაქციონიზმი. ეს ტენდენცია უფრო ახლოსაა ავანგარდთან. მისი არსი ემყარება რაიმე ასოციაციებზე მითითებების არარსებობას. ხაზები, ფორმები და ფერები გამოიყენება მოკლედ და მინიმუმამდე.

აბსტრაქციონიზმის, როგორც მოძრაობა ხელოვნებაში გაჩენა იყო იმ ცვლილებების შედეგი, რომლებიც ჰაერში იყო გასული საუკუნის დასაწყისში, ასოცირებული იყო მრავალ ახალ აღმოჩენასთან, რომლებმაც დაიწყეს კაცობრიობის წინსვლა. ყველაფერი ახალი და ჯერ კიდევ გაუგებარი მოითხოვდა იგივე ახსნას და გადაწყვეტას, მათ შორის ხელოვნების საშუალებით.