რა არის პროგრამის სიმფონია? სიმფონიის ისტორია

სიმფონია

სიმფონია(ბერძნულიდან" თანხმობა”) არის სიმფონიური ინსტრუმენტული მუსიკის ჟანრი ფუნდამენტური იდეოლოგიური შინაარსის მრავალნაწილიანი კანონიზებული ფორმისა.

სიმფონია ჩვეულებრივ არის კომპოზიცია ორკესტრისთვის, რომელიც ჩვეულებრივ შედგება რამდენიმე მოძრაობისგან. ეს არის ევროპული მუსიკის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი ჟანრი. თანამედროვე გაგებით, სიტყვა "სიმფონია" შედარებით ცოტა ხნის წინ, 70-იან წლებში შემოვიდა. XVIII საუკუნეში, მაგრამ თავად ძალიან უძველესი წარმოშობისაა.

"სიმფონია" ბერძნულად ნიშნავს "ჰარმონიას". ძველ დროში ასე ეძახდნენ გუნდის ან ანსამბლის უნისონში სიმღერას, ისევე როგორც ტონების ნებისმიერ ჰარმონიულ, ევფონიურ კომბინაციას. შუა საუკუნეებში სიტყვა ხმარებიდან გაქრა და მისი ახალი ცხოვრება რენესანსში დაიწყო. მაგრამ ახლა სიტყვა "სიმფონია" სხვა მნიშვნელობა ჰქონდა. რენესანსის მუსიკაში გავრცელებული იყო მრავალხმიანი ვოკალური კომპოზიციები - მადრიგალები, კანზონები. ისინი, როგორც წესი, ინსტრუმენტული შესავლით იხსნებოდნენ, რომელსაც სიმფონია ერქვა. როცა მე-17 საუკუნეში. როდესაც ოპერა გაჩნდა, ის ასევე დაიწყო სიმფონიით - მოგვიანებით ასეთი შესავალი გადაიზარდა უვერტიურაში.

მე-18 საუკუნეში სიმფონია თანდათან გამოეყო ვოკალურ მუსიკას და დაიწყო თავისი დამოუკიდებელი არსებობა. კლასიკური სახე მან 1780-1790 წლებში შეიძინა. დიდი ავსტრიელი კომპოზიტორების ჯ.ჰაიდნისა და ვ.ა.მოცარტის შემოქმედებაში. ამ დროიდან დაიწყო სიმფონიის ბრწყინვალე გზა ევროპულ და მსოფლიო მუსიკაში, სწორედ მაშინ გახდა მუსიკალური შემოქმედების ყველაზე მნიშვნელოვანი, ცენტრალური ჟანრი.

კლასიკური სიმფონია შედგება ოთხი კონტრასტული მოძრაობისგან. ისინი ერთად ქმნიან სონატა-სიმფონიურ ციკლს. ციკლური სტრუქტურა კომპოზიტორს საშუალებას აძლევს გამოხატოს მრავალფეროვანი გრძნობები და განწყობები, შექმნას ეპოქის მუსიკალურად განზოგადებული სურათი. მოცარტის, ლ. ბეთჰოვენის, ლ.ი. ჩაიკოვსკის, ჯ. ბრამსის, გ. მალერის, დ.დ. შოსტაკოვიჩის სიმფონიები გვაძლევს შესაძლებლობას განვიცადოთ დროის უნიკალური ატმოსფერო, ისევე როგორც რომანი ან თეატრალური სპექტაკლი.

კლასიკური სიმფონიის პირველი ნაწილი არის ენერგიული, ეფექტური, სწრაფი ტემპით და, როგორც წესი, ციკლში დომინანტურ პოზიციას იკავებს. ამისთვის კომპოზიტორები ირჩევენ ერთ-ერთ ყველაზე რთულ ფორმას - სონატას. სონატის ფორმა საშუალებას იძლევა შევადაროთ კონტრასტული, თუნდაც კონფლიქტური სურათები - გმირული და ლირიული, პირქუში და ნათელი, საზეიმო და ნაზი. ეს სურათები შემდეგ ვითარდება, იცვლება და შედეგად იძენს ახალ ხასიათს, ახალ თვისებებს. ამიტომ სიმფონიის პირველი ნაწილი განსაკუთრებით გამოირჩევა თავისი მრავალფეროვნებითა და სიმდიდრით.

მეორე ნაწილი ჩვეულებრივ ნელია. მისი ხასიათი განისაზღვრება ლირიკული, ჩაფიქრებული განწყობილებებით, შეიცავს სიმღერებთან და რომანებთან მიახლოებულ მელოდიებს. ეს არის შესვენება პირველი ნაწილის ტურბულენტური მოვლენების შემდეგ. მაგრამ ასევე არის გადახრები. მაგალითად, ჰაიდნის ერთ-ერთ სიმფონიაში და ბეთჰოვენის „ეროიკულ სიმფონიაში“ მეორე ნაწილში, სამგლოვიარო მარში ჟღერს, სამგლოვიარო და დიდებული.

ჰაიდნისა და მოცარტის სიმფონიებში მესამე ნაწილი არის მინუეტი. კლასიკურ სიმფონიებში მინუეტები ჰგავს ჩანახატებს, ნახატებს ბუნებიდან. ჰაიდნის მინუეტები სავსეა ხალხური გართობით, გლეხური ცეკვების მახლობლად; მოცარტში ისინი ლირიკულები არიან, ზოგჯერ დრამატული სერიოზულობით. ბეთჰოვენმა შეცვალა მენუეტი სჩერზოთი - სწრაფი, ცოცხალი ბუნების მუსიკით, ხშირად იუმორისტული ელფერებით.

მეოთხე ნაწილი არის ფინალი. პირველის მსგავსად სწრაფი ტემპით არის დაწერილი, მაგრამ შინაგანად არც ისე კონტრასტულია. თუ პირველი ნაწილის მნიშვნელობა მდგომარეობს სურათების კონფლიქტურ შედარებაში და მოქმედების დრამატულ განვითარებაში, მაშინ ფინალში წინა პლანზე გამოდის განცხადება და შეჯამება. შემთხვევითი არ არის, რომ ფინალი ხშირად იწერება რონდოს სახით, ერთი და იმავე თემის წრიულ დაბრუნებაზე, ანუ ერთი და იგივე მუსიკალური აზრის გამოცხადებაზე. სონატა-სიმფონიური ციკლის პარალელურად ჩამოყალიბდა საორკესტრო კომპოზიცია, რომლისთვისაც შეიქმნა სიმფონიები - სიმფონიური ორკესტრი.
ბეთჰოვენის შემოქმედება სამართლიანად ითვლება სიმფონიის ისტორიული განვითარების მწვერვალად. მისი თითოეული სიმფონია ჟანრის ახალი, ინდივიდუალური ვერსიაა, თითოეული მათგანი შეიცავს ფილოსოფიურ იდეების მთელ სამყაროს და კომპოზიტორის შრომისმოყვარეობის შედეგია.

ბეთჰოვენის მე-9 სიმფონია, რომელიც დაგვირგვინდა მის კარიერას, ხსნის ახალ ფურცელს ჟანრის ისტორიაში. ბოლო ნაწილში ჟღერს ფ. შილერის ოდა „სიხარულს“, რომელიც ადასტურებს კაცობრიობის საყოველთაო ძმობის იდეას. ეს იდეა, რომელიც ცენტრალური იყო ბეთჰოვენის შემოქმედებაში, გამოცხადებულია გუნდისა და ორკესტრის ძლიერ ხმაში. ასე ხდება სიმფონია ვოკალური. იგი მემკვიდრეობით მიიღეს მომდევნო თაობის კომპოზიტორებმა: ვოკალური სიმფონიები დაწერეს გ.ბერლიოზის, მალერის, ა.ნ. სკრიაბინის, ი.ფ.სტრავინსკის, შოსტაკოვიჩის მიერ.

პოეტური ტექსტი უფრო კონკრეტულს ხდის სიმფონიის შინაარსს და ასეთი ნაწარმოებები პროგრამულ მუსიკას ეკუთვნის. პროგრამის სიმფონია ასევე შეიძლება გახდეს პროგრამა, თუ კომპოზიტორი უბრალოდ დაარქმევს მას სათაურს. ჰაიდნს ასევე ჰქონდა მსგავსი ნამუშევრები, მაგალითად ორიგინალური "გამომშვიდობების სიმფონია", რომელიც მთავრდება მუსიკოსების თანდათანობით წასვლით. ბეთჰოვენის მე-6 (პასტორალურ) სიმფონიაში ხუთივე მოძრაობა დასახელებულია. ჩვენ ვხედავთ, რომ პროგრამულმა გეგმამ აიძულა ბეთჰოვენი გაეზარდა სიმფონიის ნაწილების რაოდენობა და ციკლის კლასიკურ კონსტრუქციას ჩამოშორებოდა. მოგვიანებით კომპოზიტორები კიდევ უფრო თავისუფლად ეპყრობოდნენ სიმფონიის ფორმას, გაზარდეს ნაწილების რაოდენობა ან, პირიქით, ციკლი ერთ მოძრაობაში შეკუმშეს. ყოველ ჯერზე ეს დაკავშირებულია კომპოზიციის იდეასთან, ინდივიდუალურ გეგმასთან.
ბეთჰოვენის შემდეგ უდიდესი სიმფონისტები არიან ფ.შუბერტი, ბრამსი, ა.ბრუკნერი, ა.დვორჟაკი, მალერი.

რუსი კომპოზიტორების - ჩაიკოვსკის, ა.პ. ბოროდინის, ა.გ.გლაზუნოვის, სკრიაბინის, ს.ვ.რახმანინოვის სიმფონიური მემკვიდრეობა მსოფლიო მნიშვნელობისაა. მათმა დიდმა ტრადიციებმა მიიღო მდიდარი და ძლიერი განვითარება ყველა თაობის საბჭოთა კომპოზიტორების - ნ.ია. მიასკოვსკის, ს.ს. პროკოფიევის შემოქმედებაში. ა.ი.ხაჩატურიანი, ტ.ნ.ხრენიკოვა, კ.ა.კარაევი, ი.ა.ივანოვი, ფ.მ.ამიროვი და სხვა ოსტატები. ჩვენი დროის უდიდესი სიმფონისტი იყო შოსტაკოვიჩი. მისი 15 სიმფონია მე-20 საუკუნის ნამდვილი ქრონიკაა.

სონატასთან სტრუქტურაში მსგავსების გამო, სონატა და სიმფონია გაერთიანებულია ზოგადი სახელწოდებით "სონატ-სიმფონიური ციკლი". კლასიკურ სიმფონიას (როგორც წარმოდგენილია ვენის კლასიკოსების - ჰაიდნის, მოცარტისა და ბეთჰოვენის ნაწარმოებებში) ჩვეულებრივ აქვს ოთხი მოძრაობა. პირველი მოძრაობა, სწრაფი ტემპით, დაწერილია სონატის სახით; მე-2, ნელი მოძრაობით, იწერება ვარიაციების სახით, რონდო, რონდო სონატა, რთული სამმოძრაობიანი, ნაკლებად ხშირად სონატის სახით; მე -3 - სკერცო ან მინუეტი - სამნაწილიანი სახით da capo ტრიოთი (ანუ A-trio-A სქემის მიხედვით); მე-4 მოძრაობა, სწრაფი ტემპით - სონატის სახით, რონდოს ან რონდო სონატის სახით.

საპროგრამო სიმფონია არის ის, რომელიც ასოცირდება პროგრამაში მოცემულ ცნობილ შინაარსთან (გამოხატული, მაგალითად, სათაურში ან ეპიგრაფში), მაგალითად, ბეთჰოვენის „პასტორალური სიმფონია“, ბერლიოზის „ფანტასტიკური სიმფონია“ და ა.შ. დანერგეს პროგრამა სიმფონიაში დიტერსდორფი, როზეტი და ჰაიდნი.

საიტის სექციები

ელექტრონული მუსიკის ფორუმი

რა არის ტოკატა

ტოკატა (იტალიური toccata საწყისი toccare - შეხება, ბიძგი) - თავდაპირველად ნებისმიერი ნამუშევარი კლავიატურის ინსტრუმენტებისთვის, თანამედროვე გაგებით - თანაბარი მოკლე ხანგრძლივობის სწრაფი, მკაფიო მოძრაობის ინსტრუმენტული ნაწილი. ჩვეულებრივ, ტოკატა იწერება ფორტეპიანოსთვის ან ორღანისთვის, მაგრამ ასევე არსებობს...

სიტყვა "სიმფონია"ბერძნულიდან ითარგმნა როგორც "თანხმობა". და მართლაც, ორკესტრში მრავალი ინსტრუმენტის ხმას შეიძლება ეწოდოს მუსიკა მხოლოდ მაშინ, როდესაც ისინი შერწყმულია და თითოეული თავისით არ გამოსცემს ბგერებს.

ძველ საბერძნეთში ასე ეძახდნენ ბგერების სასიამოვნო კომბინაციას, რომლებიც ერთად მღეროდნენ უნისონში. ძველ რომში ანსამბლს ან ორკესტრს ასე უწოდებდნენ. შუა საუკუნეებში ზოგადად საერო მუსიკას და ზოგიერთ მუსიკალურ ინსტრუმენტს სიმფონიას უწოდებდნენ.

სიტყვას სხვა მნიშვნელობები აქვს, მაგრამ ყველა მათგანი ატარებს კავშირის, ჩართულობის, ჰარმონიული კომბინაციის მნიშვნელობას; მაგალითად, სიმფონიას ასევე უწოდებენ ბიზანტიის იმპერიაში ჩამოყალიბებულ ეკლესიასა და საერო ძალაუფლებას შორის ურთიერთობის პრინციპს.

მაგრამ დღეს ჩვენ მხოლოდ მუსიკალურ სიმფონიაზე ვისაუბრებთ.

სიმფონიის ჯიშები

კლასიკური სიმფონია- ეს არის მუსიკალური ნაწარმოები სონატის ციკლური ფორმით, რომელიც განკუთვნილია სიმფონიური ორკესტრის შესასრულებლად.

სიმფონია (სიმფონიური ორკესტრის გარდა) შეიძლება შეიცავდეს გუნდს და ვოკალს. არის სიმფონიები-სუიტები, სიმფონია-რაფსოდიები, სიმფონია-ფანტაზიები, სიმფონია-ბალადები, სიმფონია-ლეგენდები, სიმფონია-ლექსები, სიმფონია-რეკვიემები, სიმფონია-ბალეტები, სიმფონია-დრამა და თეატრალური ტიპის თეატრები.

კლასიკურ სიმფონიას ჩვეულებრივ აქვს 4 მოძრაობა:

პირველი ნაწილი - ში სწრაფი ტემპი(ალეგრო ) , სონატის სახით;

მეორე ნაწილი - ში ნელი ტემპით, ჩვეულებრივ ვარიაციების სახით, რონდო, რონდო სონატა, რთული სამმოძრაობიანი, ნაკლებად ხშირად სონატის სახით;

მესამე ნაწილი - სჩერზო ან მინუეტი- სამნაწილიანი სახით da capo ტრიოთი (ანუ A-trio-A სქემის მიხედვით);

მეოთხე ნაწილი - ში სწრაფი ტემპი, სონატის სახით, რონდო ან რონდო სონატას სახით.

მაგრამ არის სიმფონიები ნაკლები (ან მეტი) ნაწილით. ასევე არის ერთმოძრავიანი სიმფონიები.

პროგრამის სიმფონიაარის კონკრეტული შინაარსის სიმფონია, რომელიც გადმოცემულია გადაცემაში ან გამოხატულია სათაურში. თუ სიმფონიას აქვს სათაური, მაშინ ეს სათაური არის მინიმალური პროგრამა, მაგალითად, გ. ბერლიოზის "Symphony Fantastique".

სიმფონიის ისტორიიდან

ითვლება სიმფონიის და ორკესტრის კლასიკური ფორმის შემქმნელად ჰაიდნი.

სიმფონიის პროტოტიპი კი იტალიურია უვერტიურა(ინსტრუმენტული საორკესტრო ნაწარმოები შესრულებული ნებისმიერი წარმოდგენის დაწყებამდე: ოპერა, ბალეტი), რომელიც განვითარდა მე-17 საუკუნის ბოლოს. სიმფონიის განვითარებაში მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა მ მოცარტიდა ბეთჰოვენი. ამ სამ კომპოზიტორს „ვენის კლასიკოსებს“ უწოდებენ. ვენის კლასიკოსებმა შექმნეს ინსტრუმენტული მუსიკის მაღალი ტიპი, რომელშიც ფიგურალური შინაარსის მთელი სიმდიდრე სრულყოფილ მხატვრულ ფორმაშია გამოსახული. ამ დროს დაემთხვა სიმფონიური ორკესტრის - მისი მუდმივი კომპოზიციისა და საორკესტრო ჯგუფების ჩამოყალიბების პროცესიც.

ვ.ა. მოცარტი

მოცარტიწერდა მის ეპოქაში არსებულ ყველა ფორმასა და ჟანრში, განსაკუთრებულ მნიშვნელობას ანიჭებდა ოპერას, მაგრამ ასევე დიდ ყურადღებას აქცევდა სიმფონიურ მუსიკას. გამომდინარე იქიდან, რომ მთელი ცხოვრების მანძილზე პარალელურად მუშაობდა ოპერებსა და სიმფონიებზე, მისი ინსტრუმენტული მუსიკა გამოირჩევა საოპერო არიის მელოდიურობათა და დრამატული კონფლიქტით. მოცარტმა შექმნა 50-ზე მეტი სიმფონია. ყველაზე პოპულარული იყო ბოლო სამი სიმფონია - No. 39, No. 40 და No. 41 („იუპიტერი“).

კ.შლოსერი "ბეთჰოვენი სამსახურში"

ბეთჰოვენიშექმნა 9 სიმფონია, მაგრამ სიმფონიური ფორმისა და ორკესტრირების განვითარების თვალსაზრისით მას შეიძლება ეწოდოს კლასიკური პერიოდის უდიდესი სიმფონიური კომპოზიტორი. მის მეცხრე სიმფონიაში, ყველაზე ცნობილში, მისი ყველა ნაწილი ერთ მთლიანობად არის შერწყმული ჯვარედინი თემით. ამ სიმფონიაში ბეთჰოვენმა შემოიტანა ვოკალური ნაწილები, რის შემდეგაც სხვა კომპოზიტორებმა დაიწყეს ამის გაკეთება. სიმფონიის სახით თქვა ახალი სიტყვა რ.შუმანი.

მაგრამ უკვე XIX საუკუნის მეორე ნახევარში. დაიწყო სიმფონიის მკაცრი ფორმების შეცვლა. ოთხნაწილიანი სისტემა არჩევითი გახდა: გამოჩნდა ერთნაწილიანისიმფონია (მიასკოვსკი, ბორის ჩაიკოვსკი), სიმფონია დან 11 ნაწილი(შოსტაკოვიჩი) და კიდევ 24 ნაწილი(ჰოვანესი). კლასიკური ფინალი სწრაფი ტემპით ჩაანაცვლა ნელი ფინალით (P.I. ჩაიკოვსკის მეექვსე სიმფონია, მალერის მესამე და მეცხრე სიმფონია).

სიმფონიების ავტორები იყვნენ ფ. შუბერტი, ფ. მენდელსონი, ჯ. ბრამსი, ა. დვორაკი, ა. ბრუკნერი, გ. მალერი, ჟან სიბელიუსი, ა. ვებერნი, ა. რუბინშტეინი, პ. ჩაიკოვსკი, ა. ბოროდინი, ნ. რიმსკი-კორსაკოვი, ნ.მიასკოვსკი, ა.სკრიაბინი, ს.პროკოფიევი, დ.შოსტაკოვიჩი და სხვები.

მისმა კომპოზიციამ, როგორც უკვე ვთქვით, ფორმა მიიღო ვენის კლასიკოსების ეპოქაში.

სიმფონიური ორკესტრის საფუძველია ინსტრუმენტების ოთხი ჯგუფი: მშვილდი სიმები(ვიოლინოები, ალტი, ჩელო, კონტრაბასი), ხის ქარები(ფლეიტა, ჰობოე, კლარნეტი, ფაგოტი, საქსოფონი ყველა თავისი ჯიშით - უძველესი ჩამწერი, შალი, შალუმო და ა.შ., ასევე არაერთი ხალხური საკრავი - ბალბანი, დუდუკი, ჟალეიკა, ფლეიტა, ზურნა). სპილენძის(რქა, საყვირი, კორნეტი, ფლუგელჰორნი, ტრომბონი, ტუბა), დასარტყამები(ტიმპანი, ქსილოფონი, ვიბრაფონი, ზარები, დასარტყამი, სამკუთხედი, ციმბალი, ტამბური, კასტანეტები, ტომ-ტომი და სხვა).

ზოგჯერ სხვა ინსტრუმენტები შედის ორკესტრში: არფა, ფორტეპიანო, ორგანო(კლავიატურა-ჩასაბერი მუსიკალური ინსტრუმენტი, მუსიკალური ინსტრუმენტის ყველაზე დიდი სახეობა), სელესტა(პატარა კლავიატურაზე დასარტყამი მუსიკალური ინსტრუმენტი, რომელიც ფორტეპიანოს ჰგავს და ზარებს ჰგავს), კლავესინი.

კლავესინი

Დიდისიმფონიურ ორკესტრში შეიძლება იყოს 110-მდე მუსიკოსი , პატარა- არაუმეტეს 50.

დირიჟორი წყვეტს, როგორ დაჯდეს ორკესტრი. შემსრულებლების მოწყობა თანამედროვე სიმფონიურ ორკესტრში მიზნად ისახავს თანმიმდევრული ჟღერადობის მიღწევას. 50-70 წლებში. XX საუკუნე ფართოდ გავრცელდა "ამერიკული დასაჯდომი":პირველი და მეორე ვიოლინო მოთავსებულია დირიჟორის მარცხნივ; მარჯვნივ არის ალტი და ჩელო; სიღრმეში არის ხის და სპილენძის ქარები, ორბასები; მარცხნივ არის დასარტყამი.

სიმფონიური ორკესტრის მუსიკოსების ჯდომის მოწყობა

სიმფონია

(ბერძნულიდან - თანხმობა) - მუსიკალური ნაწარმოები სიმფონიური ორკესტრისთვის, დაწერილი ციკლური სონატის ფორმით. ჩვეულებრივ შედგება 4 ნაწილისგან. სიმფონია ჩამოყალიბდა რამდენიმე საუკუნის განმავლობაში და მე-18 საუკუნეში. დამოუკიდებელ საკონცერტო ჟანრად იქცა; მის განვითარებაზე გავლენა მოახდინა საორკესტრო მუსიკის სხვა ჟანრებმა.

მუსიკალური ტერმინების ლექსიკონი. 2012

აგრეთვე იხილეთ ინტერპრეტაციები, სინონიმები, სიტყვის მნიშვნელობა და რა არის SYMPHONY რუსულად ლექსიკონებში, ენციკლოპედიებსა და საცნობარო წიგნებში:

• სიმფონია დიდ ენციკლოპედიურ ლექსიკონში:
  (ბერძნული სიმფონიიდან - თანხმობა) მუსიკალური ნაწარმოები სიმფონიური ორკესტრისთვის, დაწერილი ციკლური სონატის სახით; ინსტრუმენტული მუსიკის უმაღლესი ფორმა. ჩვეულებრივ…
• სიმფონია დიდ საბჭოთა ენციკლოპედიაში, TSB:
  (ბერძნული სიმფონიიდან - თანხმობა, სინიდან - ერთად და ტელეფონი - ხმა), მუსიკალური ნაწარმოები სონატა ციკლური ფორმით, განკუთვნილი ...
• სიმფონია ბროკჰაუზისა და ეუფრონის ენციკლოპედიურ ლექსიკონში:
  სიმფონია (ბერძნული კონსონანსი) არის საორკესტრო კომპოზიციის სახელწოდება რამდენიმე ნაწილად. საკონცერტო საორკესტრო მუსიკის სფეროში ყველაზე ვრცელი ფორმაა ს. მსგავსებიდან გამომდინარე, მიხედვით...
• სიმფონია თანამედროვე ენციკლოპედიურ ლექსიკონში:
  
• სიმფონია
  (ლათინური სიმფონია, ბერძნულიდან symphonia - თანხმობა, შეთანხმება), ნაწარმოები სიმფონიური ორკესტრისთვის, ინსტრუმენტული მუსიკის ერთ-ერთი მთავარი ჟანრი. კლასიკური სიმფონია…
• სიმფონია ენციკლოპედიურ ლექსიკონში:
  და, ვ. 1. დიდი მუსიკა ორკესტრისთვის. ს.შოსტაკოვიჩი. სიმფონიური - ასოცირდება სიმფონიის ფორმასთან, დიდი მუსიკალური ...
• სიმფონია ენციკლოპედიურ ლექსიკონში:
  , -ი, ვ. 1. დიდი (ჩვეულებრივ ოთხმოძრავიანი) მუსიკა ორკესტრისთვის. 2. გადაცემა ჰარმონიული ნაერთი, რაღაცის კომბინაცია. (წიგნი). ...
• სიმფონია დიდ რუსულ ენციკლოპედიურ ლექსიკონში:
  სიმფონია (ბერძნული სიმფონიიდან - თანხმობა), მუსიკა. მუშაობა სიმფონიისთვის ორკესტრი, დაწერილი სონატის ციკლის სახით; უმაღლესი ფორმა instr. მუსიკა. ...
• სიმფონია კოლიერის ლექსიკონში:
  მუსიკალური ნაწარმოები ორკესტრისთვის, ჩვეულებრივ სამ ან ოთხ მოძრაობაში, ზოგჯერ ხმების ჩათვლით. წარმოშობა. ბაროკოს ეპოქის ბოლოს მრავალი...
• სიმფონია სრულ აქცენტირებულ პარადიგმაში ზალიზნიაკის მიხედვით:
  სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, სიმფონია, ...
• სიმფონია რუსული ენის პოპულარულ განმარტებით ენციკლოპედიურ ლექსიკონში:
  -ი, ვ. 1) დიდი მუსიკალური ნაწარმოები სიმფონიური ორკესტრისთვის, დაწერილი სონატის ციკლური ფორმით. სიბელიუსის სიმფონიები. 2) გადაცემა , რა …
• სიმფონია უცხო სიტყვების ახალ ლექსიკონში:
  (გრ. სიმფონიური კონსონანსი) 1) ინსტრუმენტული მუსიკის უმაღლესი სახეობა, ქ. arr. სიმფონიური ორკესტრისთვის; თან. ჩვეულებრივ შედგება 4 ნაწილისგან; ...
• სიმფონია უცხოური გამონათქვამების ლექსიკონში:
  [ 1. ინსტრუმენტული მუსიკის უმაღლესი სახე, წ. arr. სიმფონიური ორკესტრისთვის; თან. ჩვეულებრივ შედგება 4 ნაწილისგან; 2. * ჰარმონიული...
• სიმფონია აბრამოვის სინონიმთა ლექსიკონში:
  ნახე ჰარმონია,...
• სიმფონია რუსული სინონიმების ლექსიკონში:
  ჰარმონია, სიმფონიეტა,...
• სიმფონია ეფრემოვას რუსული ენის ახალ განმარტებით ლექსიკონში:
  და. 1) ა) დიდი მუსიკა ორკესტრისთვის, რომელიც ჩვეულებრივ შედგება 3-4 ნაწილისგან, რომლებიც განსხვავდება ერთმანეთისგან მუსიკის ბუნებით და ...
• სიმფონია ლოპატინის რუსული ენის ლექსიკონში:
  სიმფონია, -ი (ლექსიკონი-ინდექსი სასულიერო...
• სიმფონია რუსული ენის სრულ ორთოგრაფიულ ლექსიკონში:
  სიმფონია და...
• სიმფონია მართლწერის ლექსიკონში:
  სიმფონია, -ი (ლექსიკონი-ინდექსი წმინდა ...
• სიმფონია მართლწერის ლექსიკონში:
  სიმფონია და...
• სიმფონია ოჟეგოვის რუსული ენის ლექსიკონში:
  დიდი (ჩვეულებრივ ოთხნაწილიანი) მუსიკა ორკესტრის სიმფონიისთვის რაღაც Lib C. ფერების ჰარმონიული კომბინაცია. ხატავს ს. თან.…
• სიმფონია დალის ლექსიკონში:
  ცოლები , ბერძენი , მუსიკა ჰარმონია, ბგერათა შეთანხმება, მრავალხმიანი თანხმოვნება. | პოლიფონიური მუსიკალური კომპოზიციის განსაკუთრებული სახეობა. ჰეიდენის სიმფონია. | სიმფონია...
• სიმფონია თანამედროვე განმარტებითი ლექსიკონში, TSB:
  (ბერძნული სიმფონიიდან - თანხმობა), მუსიკალური ნაწარმოები სიმფონიური ორკესტრისთვის, დაწერილი ციკლური სონატის სახით; ინსტრუმენტული მუსიკის უმაღლესი ფორმა. ჩვეულებრივ…

სიმფონია(ბერძნულიდან" თანხმობა”) არის სიმფონიური ინსტრუმენტული მუსიკის ჟანრი ფუნდამენტური იდეოლოგიური შინაარსის მრავალნაწილიანი კანონიზებული ფორმისა.

სიმფონია ჩვეულებრივ არის კომპოზიცია ორკესტრისთვის, რომელიც ჩვეულებრივ შედგება რამდენიმე მოძრაობისგან. ეს არის ევროპული მუსიკის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი ჟანრი. თანამედროვე გაგებით, სიტყვა "სიმფონია" შედარებით ცოტა ხნის წინ, 70-იან წლებში შემოვიდა. XVIII საუკუნეში, მაგრამ თავად ძალიან უძველესი წარმოშობისაა.

"სიმფონია" ბერძნულად ნიშნავს "ჰარმონიას". ძველ დროში ასე ეძახდნენ გუნდის ან ანსამბლის უნისონში სიმღერას, ისევე როგორც ტონების ნებისმიერ ჰარმონიულ, ევფონიურ კომბინაციას. შუა საუკუნეებში სიტყვა ხმარებიდან გაქრა და მისი ახალი ცხოვრება რენესანსში დაიწყო. მაგრამ ახლა სიტყვა "სიმფონია" სხვა მნიშვნელობა ჰქონდა. რენესანსის მუსიკაში გავრცელებული იყო მრავალხმიანი ვოკალური კომპოზიციები - მადრიგალები, კანზონები. ისინი, როგორც წესი, ინსტრუმენტული შესავლით იხსნებოდნენ, რომელსაც სიმფონია ერქვა. როცა მე-17 საუკუნეში. როდესაც ოპერა გაჩნდა, ის ასევე დაიწყო სიმფონიით - მოგვიანებით ასეთი შესავალი გადაიზარდა უვერტიურაში.

მე-18 საუკუნეში სიმფონია თანდათან გამოეყო ვოკალურ მუსიკას და დაიწყო თავისი დამოუკიდებელი არსებობა. კლასიკური სახე მან 1780-1790 წლებში შეიძინა. დიდი ავსტრიელი კომპოზიტორების ჯ.ჰაიდნისა და ვ.ა.მოცარტის შემოქმედებაში. ამ დროიდან დაიწყო სიმფონიის ბრწყინვალე გზა ევროპულ და მსოფლიო მუსიკაში, სწორედ მაშინ გახდა მუსიკალური შემოქმედების ყველაზე მნიშვნელოვანი, ცენტრალური ჟანრი.

კლასიკური სიმფონია შედგება ოთხი კონტრასტული მოძრაობისგან. ისინი ერთად ქმნიან სონატა-სიმფონიურ ციკლს. ციკლური სტრუქტურა კომპოზიტორს საშუალებას აძლევს გამოხატოს მრავალფეროვანი გრძნობები და განწყობები, შექმნას ეპოქის მუსიკალურად განზოგადებული სურათი. მოცარტის, ლ. ბეთჰოვენის, ლ.ი. ჩაიკოვსკის, ჯ. ბრამსის, გ. მალერის, დ.დ. შოსტაკოვიჩის სიმფონიები გვაძლევს შესაძლებლობას განვიცადოთ დროის უნიკალური ატმოსფერო, ისევე როგორც რომანი ან თეატრალური სპექტაკლი.

კლასიკური სიმფონიის პირველი ნაწილი არის ენერგიული, ეფექტური, სწრაფი ტემპით და, როგორც წესი, ციკლში დომინანტურ პოზიციას იკავებს. ამისთვის კომპოზიტორები ირჩევენ ერთ-ერთ ყველაზე რთულ ფორმას - სონატას. სონატის ფორმა საშუალებას იძლევა შევადაროთ კონტრასტული, თუნდაც კონფლიქტური სურათები - გმირული და ლირიული, პირქუში და ნათელი, საზეიმო და ნაზი. ეს სურათები შემდეგ ვითარდება, იცვლება და შედეგად იძენს ახალ ხასიათს, ახალ თვისებებს. ამიტომ სიმფონიის პირველი ნაწილი განსაკუთრებით გამოირჩევა თავისი მრავალფეროვნებითა და სიმდიდრით.

მეორე ნაწილი ჩვეულებრივ ნელია. მისი ხასიათი განისაზღვრება ლირიკული, ჩაფიქრებული განწყობილებებით, შეიცავს სიმღერებთან და რომანებთან მიახლოებულ მელოდიებს. ეს არის შესვენება პირველი ნაწილის ტურბულენტური მოვლენების შემდეგ. მაგრამ ასევე არის გადახრები. მაგალითად, ჰაიდნის ერთ-ერთ სიმფონიაში და ბეთჰოვენის „ეროიკულ სიმფონიაში“ მეორე ნაწილში, სამგლოვიარო მარში ჟღერს, სამგლოვიარო და დიდებული.

ჰაიდნისა და მოცარტის სიმფონიებში მესამე ნაწილი არის მინუეტი. კლასიკურ სიმფონიებში მინუეტები ჰგავს ჩანახატებს, ნახატებს ბუნებიდან. ჰაიდნის მინუეტები სავსეა ხალხური გართობით, გლეხური ცეკვების მახლობლად; მოცარტში ისინი ლირიკულები არიან, ზოგჯერ დრამატული სერიოზულობით. ბეთჰოვენმა შეცვალა მენუეტი სჩერზოთი - სწრაფი, ცოცხალი ბუნების მუსიკით, ხშირად იუმორისტული ელფერებით.

მეოთხე ნაწილი არის ფინალი. პირველის მსგავსად სწრაფი ტემპით არის დაწერილი, მაგრამ შინაგანად არც ისე კონტრასტულია. თუ პირველი ნაწილის მნიშვნელობა მდგომარეობს სურათების კონფლიქტურ შედარებაში და მოქმედების დრამატულ განვითარებაში, მაშინ ფინალში წინა პლანზე გამოდის განცხადება და შეჯამება. შემთხვევითი არ არის, რომ ფინალი ხშირად იწერება რონდოს სახით, ერთი და იმავე თემის წრიულ დაბრუნებაზე, ანუ ერთი და იგივე მუსიკალური აზრის გამოცხადებაზე. სონატა-სიმფონიური ციკლის პარალელურად ჩამოყალიბდა საორკესტრო კომპოზიცია, რომლისთვისაც შეიქმნა სიმფონიები - სიმფონიური ორკესტრი.
ბეთჰოვენის შემოქმედება სამართლიანად ითვლება სიმფონიის ისტორიული განვითარების მწვერვალად. მისი თითოეული სიმფონია ჟანრის ახალი, ინდივიდუალური ვერსიაა, თითოეული მათგანი შეიცავს ფილოსოფიურ იდეების მთელ სამყაროს და კომპოზიტორის შრომისმოყვარეობის შედეგია.

ბეთჰოვენის მე-9 სიმფონია, რომელიც დაგვირგვინდა მის კარიერას, ხსნის ახალ ფურცელს ჟანრის ისტორიაში. ბოლო ნაწილში ჟღერს ფ. შილერის ოდა „სიხარულს“, რომელიც ადასტურებს კაცობრიობის საყოველთაო ძმობის იდეას. ეს იდეა, რომელიც ცენტრალური იყო ბეთჰოვენის შემოქმედებაში, გამოცხადებულია გუნდისა და ორკესტრის ძლიერ ხმაში. ასე ხდება სიმფონია ვოკალური. იგი მემკვიდრეობით მიიღეს მომდევნო თაობის კომპოზიტორებმა: ვოკალური სიმფონიები დაწერეს გ.ბერლიოზის, მალერის, ა.ნ. სკრიაბინის, ი.ფ.სტრავინსკის, შოსტაკოვიჩის მიერ.

პოეტური ტექსტი უფრო კონკრეტულს ხდის სიმფონიის შინაარსს და ასეთი ნაწარმოებები პროგრამულ მუსიკას ეკუთვნის. პროგრამის სიმფონია ასევე შეიძლება გახდეს პროგრამა, თუ კომპოზიტორი უბრალოდ დაარქმევს მას სათაურს. ჰაიდნს ასევე ჰქონდა მსგავსი ნამუშევრები, მაგალითად ორიგინალური "გამომშვიდობების სიმფონია", რომელიც მთავრდება მუსიკოსების თანდათანობით წასვლით. ბეთჰოვენის მე-6 (პასტორალურ) სიმფონიაში ხუთივე მოძრაობა დასახელებულია. ჩვენ ვხედავთ, რომ პროგრამულმა გეგმამ აიძულა ბეთჰოვენი გაეზარდა სიმფონიის ნაწილების რაოდენობა და ციკლის კლასიკურ კონსტრუქციას ჩამოშორებოდა. მოგვიანებით კომპოზიტორები კიდევ უფრო თავისუფლად ეპყრობოდნენ სიმფონიის ფორმას, გაზარდეს ნაწილების რაოდენობა ან, პირიქით, ციკლი ერთ მოძრაობაში შეკუმშეს. ყოველ ჯერზე ეს დაკავშირებულია კომპოზიციის იდეასთან, ინდივიდუალურ გეგმასთან.
ბეთჰოვენის შემდეგ უდიდესი სიმფონისტები არიან ფ.შუბერტი, ბრამსი, ა.ბრუკნერი, ა.დვორჟაკი, მალერი.

რუსი კომპოზიტორების - ჩაიკოვსკის, ა.პ. ბოროდინის, ა.გ.გლაზუნოვის, სკრიაბინის, ს.ვ.რახმანინოვის სიმფონიური მემკვიდრეობა მსოფლიო მნიშვნელობისაა. მათმა დიდმა ტრადიციებმა მიიღო მდიდარი და ძლიერი განვითარება ყველა თაობის საბჭოთა კომპოზიტორების - ნ.ია. მიასკოვსკის, ს.ს. პროკოფიევის შემოქმედებაში. ა.ი.ხაჩატურიანი, ტ.ნ.ხრენიკოვა, კ.ა.კარაევი, ი.ა.ივანოვი, ფ.მ.ამიროვი და სხვა ოსტატები. ჩვენი დროის უდიდესი სიმფონისტი იყო შოსტაკოვიჩი. მისი 15 სიმფონია მე-20 საუკუნის ნამდვილი ქრონიკაა.

სონატასთან სტრუქტურაში მსგავსების გამო, სონატა და სიმფონია გაერთიანებულია ზოგადი სახელწოდებით "სონატ-სიმფონიური ციკლი". კლასიკურ სიმფონიას (როგორც წარმოდგენილია ვენის კლასიკოსების - ჰაიდნის, მოცარტისა და ბეთჰოვენის ნაწარმოებებში) ჩვეულებრივ აქვს ოთხი მოძრაობა. პირველი მოძრაობა, სწრაფი ტემპით, დაწერილია სონატის სახით; მე-2, ნელი მოძრაობით, იწერება ვარიაციების სახით, რონდო, რონდო სონატა, რთული სამმოძრაობიანი, ნაკლებად ხშირად სონატის სახით; მე -3 - სკერცო ან მინუეტი - სამნაწილიანი სახით da capo ტრიოთი (ანუ A-trio-A სქემის მიხედვით); მე-4 მოძრაობა, სწრაფი ტემპით - სონატის სახით, რონდოს ან რონდო სონატის სახით.

საპროგრამო სიმფონია არის ის, რომელიც ასოცირდება პროგრამაში მოცემულ ცნობილ შინაარსთან (გამოხატული, მაგალითად, სათაურში ან ეპიგრაფში), მაგალითად, ბეთჰოვენის „პასტორალური სიმფონია“, ბერლიოზის „ფანტასტიკური სიმფონია“ და ა.შ. დანერგეს პროგრამა სიმფონიაში დიტერსდორფი, როზეტი და ჰაიდნი.

მრავალრიცხოვან მუსიკალურ ჟანრებსა და ფორმებს შორის ერთ-ერთი ყველაზე საპატიო ადგილი სიმფონიას ეკუთვნის. როგორც გასართობი ჟანრი გაჩნდა, მე-19 საუკუნის დასაწყისიდან დღემდე, ის ყველაზე მგრძნობიარედ და სრულად, ისევე როგორც სხვა მუსიკალური ხელოვნების არც ერთი სახეობა, ასახავს თავის დროს. ბეთჰოვენისა და ბერლიოზის, შუბერტისა და ბრამსის, მალერისა და ჩაიკოვსკის, პროკოფიევისა და შოსტაკოვიჩის სიმფონიები არის ფართომასშტაბიანი ანარეკლები ეპოქასა და პიროვნებაზე, კაცობრიობის ისტორიასა და სამყაროს გზებზე.

სიმფონიური ციკლი, როგორც ჩვენ ვიცით მრავალი კლასიკური და თანამედროვე მაგალითიდან, ჩამოყალიბდა დაახლოებით ორას ორმოცდაათი წლის წინ. თუმცა ამ ისტორიულად მოკლე პერიოდის განმავლობაში სიმფონიურმა ჟანრმა დიდი გზა გაიარა. ამ გზის სიგრძე და მნიშვნელობა განისაზღვრა ზუსტად იმით, რომ სიმფონია შთანთქავდა თავისი დროის ყველა პრობლემას, შეეძლო აესახა რთული, წინააღმდეგობრივი ეპოქები სავსე კოლოსალური აჯანყებებით და განასახიერა ადამიანების გრძნობები, ტანჯვა და ბრძოლა. საკმარისია წარმოვიდგინოთ საზოგადოების ცხოვრება XVIII საუკუნის შუა ხანებში – და გავიხსენოთ ჰაიდნის სიმფონიები; მე-18 საუკუნის ბოლოს - მე-19 საუკუნის დასაწყისის დიდი აჯანყებები და ბეთჰოვენის სიმფონიები, რომლებიც მათ ასახავს; რეაქცია საზოგადოებაში, იმედგაცრუება - და რომანტიული სიმფონიები; დაბოლოს, ყველა ის საშინელება, რაც კაცობრიობას მე-20 საუკუნეში მოუწია - და შეადარეთ ბეთჰოვენის სიმფონიები შოსტაკოვიჩის სიმფონიებს, რათა ნათლად დაინახოს ეს უზარმაზარი, ზოგჯერ ტრაგიკული გზა. დღესდღეობით ცოტას ახსოვს, როგორი იყო დასაწყისი, რა იყო ამ ურთულესი წმინდა მუსიკალური ჟანრების წარმოშობა, რომელიც არ იყო დაკავშირებული სხვა ხელოვნებასთან.

მოდით, მოკლედ გადავხედოთ მუსიკალურ ევროპას მე-18 საუკუნის შუა წლებში.

იტალიაში, ხელოვნების კლასიკურ ქვეყანაში, ევროპის ყველა ქვეყნის ტენდენციურად, ოპერა სუფევს. დომინირებს ე.წ ოპერის სერიალი („სერიოზული“). მასში არ არის ნათელი ინდივიდუალური სურათები, არ არის ნამდვილი დრამატული მოქმედება. ოპერის სერია არის სხვადასხვა ფსიქიკური მდგომარეობის მონაცვლეობა, რომელიც განსახიერებულია ჩვეულებრივი პერსონაჟებით. მისი ყველაზე მნიშვნელოვანი ნაწილია არია, რომელშიც ეს მდგომარეობებია გადმოცემული. არის ბრაზისა და შურისძიების არიები, ჩივილის არიები (ლამენტო), სამწუხარო ნელი არიები და მხიარული ბრავურები. ეს არიები იმდენად განზოგადებული იყო, რომ სპექტაკლის ყოველგვარი დაზიანების გარეშე შეიძლებოდა მათი გადატანა ერთი ოპერიდან მეორეში. სინამდვილეში, კომპოზიტორები ამას ხშირად აკეთებდნენ, განსაკუთრებით მაშინ, როცა სეზონზე რამდენიმე ოპერის დაწერა უწევდათ.

საოპერო სერიის ელემენტი მელოდია იყო. აქ თავისი უმაღლესი გამოხატულება მიიღო იტალიური ბელკანტოს ცნობილმა ხელოვნებამ. არიებში კომპოზიტორებმა მიაღწიეს კონკრეტული სახელმწიფოს განსახიერების ნამდვილ სიმაღლეებს. სიყვარული და სიძულვილი, სიხარული და სასოწარკვეთა, ბრაზი და მწუხარება მუსიკამ ისე ნათლად და დამაჯერებლად გადმოსცა, რომ ტექსტის მოსმენა არ დაგჭირდა იმის გასაგებად, თუ რას მღეროდა მომღერალი. ამან, არსებითად, საბოლოოდ მოამზადა ნიადაგი უტექსტური მუსიკისთვის, რომელიც შექმნილია ადამიანის გრძნობებისა და ვნებების განსახიერებისთვის.

ინტერლუდებიდან - ჩადეთ ოპერის სერიის აქტებს შორის შესრულებული სცენები და არ არის დაკავშირებული მის შინაარსთან - წარმოიშვა მისი მხიარული და, კომიკური ოპერის ბუფე. შინაარსით დემოკრატიული (მისი გმირები იყვნენ არა მითოლოგიური გმირები, მეფეები და რაინდები, არამედ ჩვეულებრივი ხალხი ხალხიდან), იგი შეგნებულად ეწინააღმდეგებოდა სასამართლო ხელოვნებას. ოპერის ბუფა გამოირჩეოდა ბუნებრიობით, მოქმედების სიცოცხლითა და მუსიკალური ენის სპონტანურობით, ხშირად უშუალოდ ფოლკლორთან. მასში წარმოდგენილი იყო ვოკალური პატერები, კომიკური პაროდიული კოლორატურები და ცოცხალი და მსუბუქი საცეკვაო ჰანგები. მოქმედებების ფინალი ვითარდებოდა ანსამბლების სახით, რომლებშიც პერსონაჟები ზოგჯერ ერთდროულად მღეროდნენ. ზოგჯერ ასეთ დაბოლოებებს ეძახდნენ "ჩახლართულობას" ან "დაბნეულობას", რადგან მოქმედება მათში სწრაფად შემოიჭრა და ინტრიგა დამაბნეველი აღმოჩნდა.

ინსტრუმენტული მუსიკა ასევე განვითარდა იტალიაში და უპირველეს ყოვლისა ოპერასთან ყველაზე მჭიდროდ დაკავშირებული ჟანრი - უვერტიურა. როგორც საორკესტრო შესავალი საოპერო სპექტაკლში, ის ოპერიდან ნასესხები იყო ნათელი, ექსპრესიული მუსიკალური თემები, არიების მელოდიების მსგავსი.

იმდროინდელი იტალიური უვერტიურა შედგებოდა სამი ნაწილისგან - სწრაფი (ალეგრო), ნელი (ადაჯიო ან ანდანტე) და ისევ სწრაფი, ყველაზე ხშირად მთელი მენუეტი. უწოდეს სინფონია - ბერძნულიდან თარგმნილი - თანხმობა. დროთა განმავლობაში უვერტიურების შესრულება დაიწყო არა მხოლოდ თეატრში ფარდის გახსნამდე, არამედ ცალკე, როგორც დამოუკიდებელი საორკესტრო ნაწარმოებები.

მე-17 საუკუნის ბოლოს და მე-18 საუკუნის დასაწყისში იტალიაში გაჩნდა ვირტუოზი მევიოლინეების ბრწყინვალე გალაქტიკა, რომლებიც ასევე ნიჭიერი კომპოზიტორები იყვნენ. ვივალდი, იომელი, ლოკატელი, ტარტინი, კორელი და სხვები, რომლებიც თავისუფლად ფლობდნენ ვიოლინოს - მუსიკალური ინსტრუმენტი, რომლის გამომხატველობა შეიძლება შევადაროთ ადამიანის ხმას - შექმნეს ვიოლინოს ვრცელი რეპერტუარი, ძირითადად სონატებისგან (იტალიური სონარიდან - ხმა). ). მათში, ისევე როგორც დომენიკო სკარლატის, ბენედეტო მარჩელოსა და სხვა კომპოზიტორების კლავიატურის სონატებში, განვითარდა ზოგიერთი საერთო სტრუქტურული თავისებურება, რომელიც მოგვიანებით გადაიქცა სიმფონიაში.

საფრანგეთის მუსიკალური ცხოვრება სხვაგვარად ჩამოყალიბდა. მათ დიდი ხანია უყვართ სიტყვებთან და მოქმედებებთან დაკავშირებული მუსიკა. მაღალი განვითარება მიიღო საბალეტო ხელოვნებამ; კულტივირებული იყო ოპერის განსაკუთრებული ტიპი - ლირიკული ტრაგედია, კორნელისა და რასინის ტრაგედიების მსგავსი, რომელსაც ჰქონდა სამეფო კარის სპეციფიკური ცხოვრების, მისი ეტიკეტის, დღესასწაულების ანაბეჭდი.

ფრანგი კომპოზიტორები ასევე მიზიდულნი იყვნენ მუსიკის სიუჟეტის, პროგრამისა და ვერბალური განმარტებებისკენ ინსტრუმენტული ნაწარმოებების შექმნისას. "მფრინავი ქუდი", "რეპერები", "ტამბური" - ასე ერქვა კლავესინის ნაწარმოებებს, რომლებიც იყო ან ჟანრული ჩანახატები ან მუსიკალური პორტრეტები - "გრაციული", "ნაზი", "შრომისმოყვარე", "ფლირტა".

რამდენიმე ნაწილისგან შემდგარ უფრო დიდ ნამუშევრებს სათავე ცეკვაში ჰქონდათ. მკაცრი გერმანული ალემანდი, მობილური, როგორც მოცურებული ფრანგული ზარი, დიდებული ესპანური სარაბანდე და სწრაფი ჯიგი - ინგლისელი მეზღვაურების ცეცხლოვანი ცეკვა - დიდი ხანია ცნობილია ევროპაში. ისინი საფუძვლად დაედო ინსტრუმენტული სუიტის ჟანრს (ფრანგული სუიტიდან - თანმიმდევრობა). ხშირად სხვა ცეკვები შედიოდა კომპლექტში: მინუეტი, გავოტი, პოლონეზი. ალემანდის წინ შესავალი პრელუდია ჟღერდა; სუიტის შუაში გაზომილი საცეკვაო მოძრაობა ხანდახან თავისუფალი არიას წყვეტდა. მაგრამ სუიტის ბირთვი - სხვადასხვა ხალხის ოთხი მრავალფეროვანი ცეკვა - რა თქმა უნდა, უცვლელი თანმიმდევრობით იყო წარმოდგენილი, ოთხ განსხვავებულ განწყობას ასახავდა, რაც მსმენელს საწყისი მშვიდი მოძრაობიდან ამაღელვებელ, სწრაფ ფინალამდე მიჰყავდა.

ბევრმა კომპოზიტორმა დაწერა სუიტები და არა მხოლოდ საფრანგეთში. მათ დიდი პატივისცემა გადაუხადა დიდმა იოჰან სებასტიან ბახმაც, რომლის სახელთან, ისევე როგორც ზოგადად იმდროინდელ გერმანულ მუსიკალურ კულტურასთან, მრავალი მუსიკალური ჟანრი ასოცირდება.

გერმანული ენის ქვეყნებში, ანუ მრავალრიცხოვან გერმანულ სამეფოებში, სამთავროებში და ეპისკოპოსებში (პრუსია, ბავარიული, საქსონი და ა. - ჰაბსბურგების მიერ დამონებული ჩეხეთი - ინსტრუმენტული მუსიკა დიდი ხანია კულტივირებულია. ყველა პატარა ქალაქს, ქალაქს ან თუნდაც სოფელს ჰყავდა თავისი მევიოლინე და ვიოლონჩელისტები, საღამოობით კი იყო სოლო და ანსამბლის ნაწარმოებები მოყვარულთა მიერ ენთუზიაზმით შესრულებული. ეკლესიები და მათი სკოლები, როგორც წესი, მუსიკის შექმნის ცენტრებად იქცნენ. მასწავლებელი, როგორც წესი, საეკლესიო ორღანისტიც იყო, დღესასწაულებზე მუსიკალურ ფანტაზიებს თავისი შესაძლებლობების ფარგლებში ასრულებდა. დიდ გერმანულ პროტესტანტულ ცენტრებში, როგორიცაა ჰამბურგი ან ლაიფციგი, ასევე განვითარდა მუსიკის შექმნის ახალი ფორმები: ორღანის კონცერტები ტაძრებში. ამ კონცერტებში წარმოდგენილი იყო პრელუდიები, ფანტაზიები, ვარიაციები, საგუნდო არანჟირება და რაც მთავარია, ფუგა.

ფუგა არის პოლიფონიური მუსიკის ყველაზე რთული სახეობა, რომელმაც პიკს მიაღწია I.S.-ის შემოქმედებაში. ბახი და ჰენდელი. მისი სახელი მომდინარეობს ლათინური fuga-დან - სირბილი. ეს არის ერთ თემაზე დაფუძნებული პოლიფონიური ნაწარმოები, რომელიც გადადის (გადის!) ხმიდან ხმაზე. თითოეულ მელოდიურ ხაზს ხმა ეწოდება. ასეთი სტრიქონების რაოდენობის მიხედვით, ფუგა შეიძლება იყოს სამ-, ოთხ-, ხუთხმიან და ა.შ. ფუგის შუა ნაწილში, მას შემდეგ რაც თემა მთლიანად გაჟღერდება ყველა ხმაში, ის იწყებს განვითარებას: ჯერ მისი დასაწყისი. გამოჩნდება და ისევ გაქრება, შემდეგ გაფართოვდება (მისი შემადგენელი თითოეული ნოტი ორჯერ გრძელი გახდება), შემდეგ შემცირდება - ამას ჰქვია თემა ზრდაში და თემა კლებაში. შეიძლება მოხდეს, რომ თემის ფარგლებში, დაღმავალი მელოდიური სვლები გახდეს აღმავალი და პირიქით (თემა მიმოქცევაში). მელოდიური მოძრაობა ერთი გასაღებიდან მეორეზე გადადის. ხოლო ფუგის ბოლო მონაკვეთში - Reprise - თემა ისევ უცვლელად ჟღერს, როგორც დასაწყისში, უბრუნდება პიესის მთავარ ტონალობას.

კიდევ ერთხელ შეგახსენებთ: საუბარია მე-18 საუკუნის შუა ხანებზე. არისტოკრატიული საფრანგეთის სიღრმეში აფეთქება მწიფდება, რომელიც ძალიან მალე წაართმევს აბსოლუტურ მონარქიას. მოვა ახალი დრო. და მაშინ, როცა რევოლუციური განწყობები ჯერ კიდევ ლატენტურად მზადდება, ფრანგი მოაზროვნეები საუბრობენ არსებული წესრიგის წინააღმდეგ. ისინი ითხოვენ ყველა ადამიანის თანასწორობას კანონის წინაშე და აცხადებენ თავისუფლებისა და ძმობის იდეებს.

ხელოვნება, რომელიც ასახავს ცვლილებებს სოციალურ ცხოვრებაში, მგრძნობიარეა ევროპის პოლიტიკური ატმოსფეროს ცვლილებების მიმართ. ამის მაგალითია ბომარშეს უკვდავი კომედიები. ეს ასევე ეხება მუსიკას. სწორედ ახლა, კოლოსალური ისტორიული მნიშვნელობის მოვლენებით სავსე რთულ პერიოდში, ძველი, დიდი ხნის დამკვიდრებული მუსიკალური ჟანრებისა და ფორმების სიღრმეში იბადება ახალი, მართლაც რევოლუციური ჟანრი - სიმფონია. ის ხდება ხარისხობრივად, ფუნდამენტურად განსხვავებული, რადგან განასახიერებს აზროვნების ახალ ტიპს.

უნდა ვიფიქროთ, რომ შემთხვევითი არ არის, რომ ევროპის სხვადასხვა რეგიონში წინაპირობების არსებობით, საბოლოოდ გერმანული ენის ქვეყნებში ჩამოყალიბდა სიმფონიური ჟანრი. იტალიაში ოპერა იყო ეროვნული ხელოვნება. ინგლისში, იქ მიმდინარე ისტორიული პროცესების სული და მნიშვნელობა ყველაზე სრულად აისახა ჯორჯ ჰენდელის ორატორიებში, წარმოშობით გერმანელი, რომელიც გახდა ეროვნული ინგლისელი კომპოზიტორი. საფრანგეთში წინა პლანზე წამოიწია სხვა ხელოვნება, კერძოდ ლიტერატურა და თეატრი, რომლებიც უფრო კონკრეტულად წარმოადგენდნენ, პირდაპირ და ნათლად გამოხატავდნენ ახალ იდეებს, რომლებიც აღაფრთოვანებდა მსოფლიოს. ვოლტერის ნაწარმოებები, რუსოს „ახალი ჰელოიზა“, მონტესკიეს „სპარსული წერილები“, დაფარული, მაგრამ საკმაოდ გასაგები ფორმით, მკითხველს აძლევდა მძაფრ კრიტიკას არსებული წესრიგის მიმართ და შესთავაზეს საკუთარი ვარიანტები საზოგადოების სტრუქტურისთვის. .

როდესაც რამდენიმე ათეული წლის შემდეგ საქმე მუსიკას მოჰყვა, სიმღერა შეუერთდა რევოლუციური ჯარების რიგებს. ამის ყველაზე ნათელი მაგალითია რაინის არმიის სიმღერა, რომელიც ღამით შეიქმნა ოფიცრის რუჟე დე ლისლის მიერ, რომელიც მსოფლიოში ცნობილი გახდა მარსელიზის სახელით. სიმღერის შემდეგ გაჩნდა მუსიკა მასობრივი ზეიმებისა და გლოვის ცერემონიებისთვის. და ბოლოს, ეგრეთ წოდებული „ხსნის ოპერა“, რომელსაც შინაარსი ჰქონდა ტირანის მიერ გმირის ან გმირის დევნა და მათი გადარჩენა ოპერის ფინალში.

სიმფონია სულ სხვა პირობებს მოითხოვდა როგორც ჩამოყალიბებისთვის, ასევე სრული აღქმისთვის. ფილოსოფიური აზროვნების „სიმძიმის ცენტრი“, რომელიც ყველაზე სრულად ასახავდა იმ ეპოქის სოციალური ცვლილებების ღრმა არსს, აღმოჩნდა გერმანიაში, სოციალური ქარიშხლებისგან შორს.

იქ ჯერ კანტმა და შემდეგ ჰეგელმა შექმნეს თავიანთი ახალი ფილოსოფიური სისტემები. ფილოსოფიური სისტემების მსგავსად, სიმფონია - მუსიკალური შემოქმედების ყველაზე ფილოსოფიური, დიალექტიკურ-პროცესული ჟანრი - საბოლოოდ ჩამოყალიბდა, სადაც მხოლოდ მოახლოებული ჭექა-ქუხილის შორეული ექო აღწევდა. სადაც უფრო მეტიც, განვითარდა ინსტრუმენტული მუსიკის ძლიერი ტრადიციები.

ახალი ჟანრის გაჩენის ერთ-ერთი მთავარი ცენტრი იყო მანჰაიმი, პალატინატის ბავარიული ელექტორატის დედაქალაქი. აქ, ელექტორ კარლ თეოდორის ბრწყინვალე სასამართლოში, XVIII საუკუნის 40-50-იან წლებში იყო შესანიშნავი ორკესტრი, ალბათ იმ დროს საუკეთესო ევროპაში.

იმ დროისთვის სიმფონიური ორკესტრი მხოლოდ ფორმას იღებდა. სასამართლოს სამლოცველოებში და საკათედრო ტაძრებში არ არსებობდა საორკესტრო ჯგუფები სტაბილური შემადგენლობით. ყველაფერი დამოკიდებული იყო მმართველის ან მაგისტრატის ხელთ არსებულ საშუალებებზე, მათ გემოვნებაზე, ვისაც შეეძლო ბრძანების გაცემა. თავდაპირველად ორკესტრი ითამაშა მხოლოდ გამოყენებითი როლი, თან ახლდა სასამართლო სპექტაკლებს ან ფესტივალებსა და ცერემონიებს. და ითვლებოდა, უპირველეს ყოვლისა, როგორც საოპერო ან საეკლესიო ანსამბლი. თავდაპირველად ორკესტრი მოიცავდა ვიოლებს, ლუტას, არფებს, ფლეიტას, ჰობოებს, რქებს და დასარტყამებს. თანდათან გაფართოვდა კომპოზიცია, გაიზარდა სიმებიანი საკრავების რაოდენობა. დროთა განმავლობაში ვიოლინოებმა შეცვალეს უძველესი ვიოლინო და მალევე დაიკავეს წამყვანი პოზიცია ორკესტრში. ცალკე ჯგუფად გაერთიანდა ხის ჩასაბერი საკრავები - ფლეიტა, ჰობოები, ფაგოტები და გამოჩნდა სპილენძის საკრავებიც - საყვირები, ტრომბონები. ორკესტრში სავალდებულო ინსტრუმენტი იყო კლავესინი, რომელიც ქმნიდა ბგერის ჰარმონიულ საფუძველს. მის უკან, როგორც წესი, ორკესტრის ლიდერი იდგა, რომელიც დაკვრის დროს ერთდროულად იძლეოდა შესავალი მითითებებს.

მე-17 საუკუნის ბოლოს ფართოდ გავრცელდა ინსტრუმენტული ანსამბლები, რომლებიც არსებობდნენ დიდებულთა სასამართლოებში. ფრაგმენტული გერმანიის მრავალრიცხოვან პატარა პრინცს სურდა ჰქონოდა საკუთარი სამლოცველო. დაიწყო ორკესტრების სწრაფი განვითარება და გაჩნდა საორკესტრო დაკვრის ახალი ტექნიკა.

მანჰეიმის ორკესტრი შედგებოდა 30 სიმებიანი ინსტრუმენტისგან, 2 ფლეიტასგან, 2 ჰობოისგან, კლარნეტისგან, 2 ფოგოტისგან, 2 საყვირისგან, 4 საყვირისგან, ტიმპანისაგან. ეს არის თანამედროვე ორკესტრის ხერხემალი, კომპოზიცია, რომლისთვისაც შემდგომი ეპოქის ბევრმა კომპოზიტორმა შექმნა თავისი ნამუშევრები. ორკესტრს ხელმძღვანელობდა გამოჩენილი ჩეხი მუსიკოსი, კომპოზიტორი და ვიოლინოს ვირტუოზი იან ვაცლავ სტამიცი. ორკესტრის არტისტებს შორის იყვნენ ასევე თავიანთი დროის უდიდესი მუსიკოსები, არა მხოლოდ ვირტუოზი ინსტრუმენტალისტები, არამედ ნიჭიერი კომპოზიტორები ფრანც ქსავერ რიხტერი, ანტონ ფილცი და სხვები. მათ დაადგინეს ორკესტრის საშემსრულებლო უნარების შესანიშნავი დონე, რომელიც ცნობილი გახდა თავისი საოცარი თვისებებით - ვიოლინოს დარტყმების მანამდე მიუღწეველი თანაბარი, დინამიური ჩრდილების საუკეთესო გრადაციები, რომლებიც ადრე საერთოდ არ იყო გამოყენებული.

თანამედროვე, კრიტიკოსი ბოსლერის თქმით, „ფორტეპიანოს, ფორტეს, რინფორზანდოს ზუსტი დაცვა, ხმის თანდათანობითი გაფართოება და გაძლიერება და შემდეგ ისევ მისი სიძლიერის დაქვეითება ძლივს გასაგონ ბგერამდე - ეს ყველაფერი მხოლოდ მანჰეიმში ისმოდა“. ბერნი, ინგლისელი მუსიკის მოყვარული, რომელიც მოგზაურობდა ევროპაში მე-18 საუკუნის შუა წლებში, ეხმიანება მას: „ამ არაჩვეულებრივ ორკესტრს აქვს საკმარისი სივრცე და ასპექტები, რათა წარმოაჩინოს მთელი თავისი შესაძლებლობები და შექმნას შესანიშნავი ეფექტი. სწორედ აქ იომელის თხზულებებით შთაგონებულმა სტამიციმ პირველად გასცდა ჩვეულებრივ საოპერო უვერტიურებს... ყველა ის ეფექტი, რაც ბგერების ასეთ მასას შეეძლო გამოეწვია. სწორედ აქ დაიბადა კრესჩენდო და დიმინუენდო და ფორტეპიანო, რომელიც ადრე ძირითადად გამოიყენებოდა როგორც ექო და ჩვეულებრივ მისი სინონიმი იყო, ხოლო ფორტე აღიარებული იყო მუსიკალურ ფერებად საკუთარი ჩრდილებით ... "

სწორედ ამ ორკესტრში მოისმინეს პირველად ოთხნაწილიანი სიმფონიები - ნაწარმოებები, რომლებიც ერთი ტიპის მიხედვით იყო აგებული და ჰქონდათ ზოგადი პრინციპები, რომლებიც შთანთქავდა ადრე არსებული მუსიკალური ჟანრებისა და ფორმების ბევრ მახასიათებელს და დნებოდა მათ თვისობრივად განსხვავებულში; ახალი ერთობა.

პირველი აკორდები გადამწყვეტია, სრული ხმით, თითქოს ყურადღებისკენ იპყრობს. შემდეგ ფართო, ფართო მოძრაობები. ისევ აკორდები, ჩანაცვლებული არპეგიური მოძრაობით, შემდეგ კი ცოცხალი, ელასტიური მელოდია, როგორც გაშლილი ზამბარა. როგორც ჩანს, ის შეიძლება უსასრულოდ განვითარდეს, მაგრამ ის უფრო სწრაფად მიდის, ვიდრე ამას ჭორები უნდა: როგორც სტუმარი, რომელიც სახლის მეპატრონეებს დიდი მიღების დროს წარუდგინეს, ის შორდება მათ და გზას უთმობს უკან სხვებს. ზოგადი მოძრაობის მომენტის შემდეგ ჩნდება ახალი თემა - უფრო რბილი, ქალური, ლირიკული. მაგრამ ეს დიდხანს არ ჟღერს, იშლება პასაჟებად. გარკვეული პერიოდის შემდეგ, ჩვენ კვლავ ვხედავთ პირველ თემას, ოდნავ შეცვლილ, ახალ კლავიშში. მუსიკალური ნაკადი სწრაფად მიედინება, უბრუნდება სიმფონიის ორიგინალურ, მთავარ ტონალობას; მეორე თემა ორგანულად მიედინება ამ ნაკადში, ახლა უფრო უახლოვდება პირველს ხასიათითა და განწყობით. სიმფონიის პირველი ნაწილი სრულდება მხიარული აკორდებით.

მეორე მოძრაობა, ანდანტე, ნელა და მელოდიური ვითარდება, რაც სიმებიანი ინსტრუმენტების ექსპრესიულობას ავლენს. ეს არის ერთგვარი არია ორკესტრისთვის, რომელშიც დომინირებს ლირიზმი და ელეგიური რეფლექსია.

მესამე მოძრაობა არის ელეგანტური გალანტური მინუეტი. ის ქმნის დასვენებისა და დასვენების განცდას. შემდეგ კი, როგორც ცეცხლოვანი ქარიშხალი, ცეცხლოვანი ფინალი იფეთქებს. ეს, ზოგადად, იმდროინდელი სიმფონია იყო. მისი წარმოშობა შეიძლება ძალიან ნათლად მოიძებნოს. პირველი ნაწილი ყველაზე მეტად წააგავს ოპერის უვერტიურას. მაგრამ თუ უვერტიურა მხოლოდ შესრულების ზღურბლია, მაშინ აქ მოქმედება თავად ბგერებში ვითარდება. უვერტიურის, როგორც წესი, საოპერო მუსიკალური გამოსახულებები - გმირული ფანფარები, შეხებით ლომენტოები, ბუფონების მშფოთვარე გართობა - არ არის დაკავშირებული კონკრეტულ სასცენო სიტუაციებთან და არ ახასიათებს დამახასიათებელ ინდივიდუალურ მახასიათებლებს (გახსოვდეთ, რომ როსინის "სევილიელი დალაქის" ცნობილ უვერტიურასაც კი აქვს არაფერ შუაშია ოპერის შინაარსთან და საერთოდ, ის თავიდან სხვა ოპერისთვის იყო დაწერილი!), დაშორდა ოპერის სპექტაკლს და დაიწყო დამოუკიდებელი ცხოვრება. ისინი ადვილად ამოსაცნობია ადრეულ სიმფონიაში - პირველ თემებში გმირული არიების გადამწყვეტი, გაბედული ინტონაციები, რომელსაც მთავარს უწოდებენ, მეორეში ლირიკული არიების ნაზი კვნესა, ე.წ. მეორეხარისხოვანი თემები.

ოპერის პრინციპები ასევე აისახება სიმფონიის ტექსტურაში. თუ ადრე ინსტრუმენტულ მუსიკაში დომინირებდა პოლიფონია, ანუ პოლიფონია, რომელშიც ერთდროულად ჟღერდა რამდენიმე დამოუკიდებელი მელოდია, გადაჯაჭვული, აქ სხვადასხვა ტიპის მრავალხმიანობა დაიწყო განვითარება: ერთი მთავარი მელოდია (ყველაზე ხშირად ვიოლინო), ექსპრესიული, მნიშვნელოვანი, თანხლებით. აკომპანემენტი, რომელიც ხაზს უსვამს მის ინდივიდუალობას. ამ ტიპის მრავალხმიანობა, რომელსაც ჰომოფონიური ეწოდება, მთლიანად დომინირებს ადრეულ სიმფონიაში. მოგვიანებით სიმფონიაში ჩნდება ფუგადან ნასესხები ტექნიკა. თუმცა, მე-18 საუკუნის შუა ხანებში ის უფრო მეტად შეიძლებოდა შეეწინააღმდეგა ფუგას. იყო, როგორც წესი, ერთი თემა (არსებობს ორმაგი, სამმაგი და მეტი ფუგა, მაგრამ მათში თემები არ ეწინააღმდეგებიან, არამედ ადარებენ). ბევრჯერ განმეორდა, მაგრამ არაფერი ეწინააღმდეგებოდა. ეს იყო, არსებითად, აქსიომა, თეზისი, რომელიც არაერთხელ იყო ნათქვამი მტკიცების გარეშე. საპირისპიროა სიმფონიაში: სხვადასხვა მუსიკალური თემებისა და გამოსახულების გარეგნობაში და შემდგომ ცვლილებებში შეიძლება მოისმინოს კამათი და წინააღმდეგობები. ალბათ სწორედ აქ იჩენს თავს დროის ნიშანი ყველაზე ნათლად. სიმართლე აღარ არის მოცემული. საჭიროა მოძიება, დამტკიცება, დასაბუთება, განსხვავებული აზრის შედარება, სხვადასხვა თვალსაზრისის გარკვევა. ასე აკეთებენ ენციკლოპედიისტები საფრანგეთში. გერმანული ფილოსოფია, კერძოდ, ჰეგელის დიალექტიკური მეთოდი, ამაზეა აგებული. და ქვესტი ეპოქის სული აისახება მუსიკაში.

ასე რომ, სიმფონიამ ბევრი რამ მიიღო საოპერო უვერტიურადან. კერძოდ, უვერტიურა ასახავდა კონტრასტული სექციების მონაცვლეობის პრინციპს, რომელიც სიმფონიაში დამოუკიდებელ ნაწილებად იქცა. მის პირველ ნაწილში არის სხვადასხვა მხარე, ადამიანის განსხვავებული განცდები, ცხოვრება მის მოძრაობაში, განვითარება, ცვლილებები, კონტრასტები და კონფლიქტები. მეორე ნაწილში არის რეფლექსია, კონცენტრაცია და ზოგჯერ ლექსები. მესამეში - დასვენება, გართობა. და ბოლოს, ფინალი - მხიარულების, მხიარულების და ამავდროულად - მუსიკალური განვითარების შედეგი, სიმფონიური ციკლის დასრულება.

ასე განვითარდებოდა სიმფონია მე-19 საუკუნის დასაწყისისთვის, ასე იქნებოდა, ყველაზე ზოგადი თვალსაზრისით, მაგალითად, ბრამსი ან ბრუკნერი. და დაბადების დროს მან, როგორც ჩანს, ისესხა მრავალჯერადი მოძრაობები ლუქსიდან.

Allemande, courante, sarabande და gigue არის ოთხი სავალდებულო ცეკვა, ოთხი განსხვავებული განწყობა, რომელიც ადვილად ჩანს ადრეულ სიმფონიებში. მათში ცეკვის ხარისხი ძალიან მკაფიოდ არის გამოხატული, განსაკუთრებით ფინალებში, რომლებიც მელოდიის ბუნებით, ტემპით და ბიტის ზომითაც კი ხშირად გიგას ემსგავსება. მართალია, ზოგჯერ სიმფონიის ფინალი უფრო ახლოს არის ოპერის ბუფას ცქრიალა ფინალთან, მაგრამ მაშინაც კი, მისი ნათესაობა ცეკვასთან, მაგალითად, ტარანტელასთან, უდაოა. რაც შეეხება მესამე ნაწილს, მას მენუეტი ჰქვია. მხოლოდ ბეთჰოვენის შემოქმედებაში შეიცვლება ცეკვა - გალანტური თავაზიანი თუ უხეში ჩვეულებრივი - სჩერზოთი.

ახალშობილთა სიმფონია ამგვარად შთანთქა მრავალი მუსიკალური ჟანრისა და სხვადასხვა ქვეყანაში დაბადებული ჟანრის მახასიათებლებს. და სიმფონიის ჩამოყალიბება მოხდა არა მხოლოდ მანჰეიმში. იყო ვენის სკოლა, რომელსაც წარმოადგენდა, კერძოდ, ვაგენსელი. იტალიაში ჯოვანი ბატისტა სამმარტინიმ დაწერა საორკესტრო ნაწარმოებები, რომლებსაც სიმფონია უწოდა და განზრახული იყო საკონცერტო წარმოდგენისთვის, რომელიც არ იყო დაკავშირებული ოპერის სპექტაკლთან. საფრანგეთში ახალგაზრდა კომპოზიტორი, წარმოშობით ბელგიელი, ფრანსუა-ჟოზეფ გოსეკი, ახალ ჟანრს მიუბრუნდა. მის სიმფონიებს არ ჰქონია გამოხმაურება და აღიარება, რადგან პროგრამულმა დომინირებდა ფრანგულ მუსიკაში, მაგრამ მისმა ნამუშევრებმა როლი ითამაშა ფრანგული სიმფონიის ჩამოყალიბებაში, სიმფონიური ორკესტრის განახლებასა და გაფართოებაში. ჩეხი კომპოზიტორი ფრანტიშეკ მიხა, რომელიც ერთ დროს ვენაში მოღვაწეობდა, ბევრი ექსპერიმენტი ჩაატარა სიმფონიური ფორმის ძიებაში. მის ცნობილ თანამემამულე იოზეფ მისლევიჩს საინტერესო ექსპერიმენტები ჰქონდა. თუმცა, ყველა ეს კომპოზიტორი მარტოხელა იყო, მაგრამ მანჰეიმში ჩამოყალიბდა მთელი სკოლა, რომელსაც ასევე ჰქონდა პირველი კლასის "ინსტრუმენტი" - ცნობილი ორკესტრი. ბედნიერი შანსის წყალობით, რომ პფალცის ამომრჩეველი მუსიკის დიდი მოყვარული იყო და საკმარისი ფული ჰქონდა მასზე უზარმაზარი ხარჯების გასაკეთებლად, პფალცის დედაქალაქში შეიკრიბნენ ძირითადი მუსიკოსები სხვადასხვა ქვეყნიდან - ავსტრიელები და ჩეხები, იტალიელები და პრუსიელები - თითოეული. რომელთაგანაც წვლილი შეიტანა ახალი ჟანრის შექმნაში. იან სტამიცის, ფრანც რიხტერის, კარლო ტოესკის, ანტონ ფილცისა და სხვა ოსტატების ნაწარმოებებში სიმფონია წარმოიშვა მისი ძირითადი მახასიათებლებით, რომლებიც შემდეგ გადავიდა ვენის კლასიკოსების - ჰაიდნის, მოცარტის, ბეთჰოვენის შემოქმედებაში.

ასე რომ, ახალი ჟანრის არსებობის პირველი ნახევარი საუკუნის განმავლობაში გაჩნდა მკაფიო სტრუქტურული და დრამატული მოდელი, რომელიც იტევდა მრავალფეროვან და ძალიან მნიშვნელოვან შინაარსს. ამ მოდელის საფუძველი იყო ფორმა სახელწოდებით სონატა, ან სონატა ალეგრო, რადგან ის ყველაზე ხშირად იწერებოდა ამ ტემპით და მოგვიანებით დამახასიათებელი იყო როგორც სიმფონიისთვის, ასევე ინსტრუმენტული სონატასთვის და კონცერტისთვის. მისი თავისებურება სხვადასხვა, ხშირად კონტრასტული მუსიკალური თემების ერთმანეთთან შეთავსებაა. სონატის ფორმის სამი ძირითადი მონაკვეთი - ექსპოზიცია, განვითარება და რეპრიზა - ჰგავს კლასიკური დრამის დასაწყისს, მოქმედების განვითარებას და დეუემენტს. მოკლე შესავლის შემდეგ ან ექსპოზიციის დაწყებისთანავე მაყურებლის წინაშე წარდგება პიესის „გმირები“.

პირველ მუსიკალურ თემას, რომელიც ნაწარმოების მთავარ კლავიშში ჟღერს, მთავარი თემა ეწოდება. უფრო ხშირად - მთავარი თემა, მაგრამ უფრო სწორად - მთავარი ნაწილი, რადგან ძირითადი ნაწილის შიგნით, ანუ მუსიკალური ფორმის გარკვეული სეგმენტი, რომელიც გაერთიანებულია ერთი ტონალობისა და ფიგურალური საზოგადოების მიერ, დროთა განმავლობაში, არა ერთი, არამედ რამდენიმე განსხვავებული თემა. - დაიწყო მელოდიების გამოჩენა. ძირითადი სერიის შემდეგ, ადრეულ ნიმუშებში პირდაპირი შედარების გზით, ხოლო შემდეგში მცირე შემაერთებელი ჯგუფის მეშვეობით, იწყება მეორადი პარტია. მისი თემა ან ორი-სამი განსხვავებული თემა ეწინააღმდეგება მთავარს. ყველაზე ხშირად, გვერდითი ნაწილი უფრო ლირიკული, რბილი და ქალურია. ის ჟღერს სხვა კლავიშით, ვიდრე მთავარი, მეორადი (აქედან გამომდინარე, ნაწილის სახელი). ჩნდება არასტაბილურობის და ზოგჯერ კონფლიქტის განცდა. გამოფენა მთავრდება ბოლო ნაწილით, რომელიც ან არ არის ადრეულ სიმფონიებში, ან თამაშობს წმინდა დამხმარე როლს, როგორც ერთგვარი წერტილი, ფარდა პიესის პირველი მოქმედების შემდეგ და შემდგომში, მოცარტიდან დაწყებული, იძენს მნიშვნელობას. დამოუკიდებელი მესამე გამოსახულება მთავარ და მეორეხარისხოვანთან ერთად.

სონატის ფორმის შუა მონაკვეთი არის განვითარება. როგორც სათაურიდან ჩანს, მასში განვითარებულია მუსიკალური თემები, რომლებსაც მსმენელები გაეცნენ გამოფენაზე (ანუ ადრე გამოფენილი), ექვემდებარება ცვლილებას და განვითარებას. ამავდროულად, ისინი ნაჩვენებია ახალი, ზოგჯერ მოულოდნელი მხარეებიდან, შეცვლილია და მათგან იზოლირებულია ინდივიდუალური მოტივები - ყველაზე აქტიური, რომლებიც მოგვიანებით ერთმანეთს ეჯახება. განვითარება მკვეთრად ეფექტური განყოფილებაა. დასასრულს დგება კულმინაცია, რომელსაც მივყავართ რეპრიზამდე - ფორმის მესამე მონაკვეთი, დრამის ერთგვარი დაშლა.

ამ განყოფილების სახელი მომდინარეობს ფრანგული სიტყვიდან reprendre - განახლება. ეს არის განახლება, ექსპოზიციის გამეორება, მაგრამ შეცვლილი: ახლა ორივე ნაწილი ჟღერს სიმფონიის მთავარ კლავიშში, თითქოს შეთანხმებულია განვითარების მოვლენებით. ზოგჯერ არის სხვა ცვლილებები განმეორებით. მაგალითად, მისი შეკვეცა (ექსპოზიციაში გაჟღერებული რომელიმე თემის გარეშე), სარკისებური (ჯერ ჟღერს გვერდითი ნაწილი და მხოლოდ ამის შემდეგ ძირითადი ნაწილი). სიმფონიის პირველი ნაწილი ჩვეულებრივ მთავრდება კოდათი - დასკვნა, რომელიც ადგენს სონატა ალეგროს მთავარ ტონალობას და მთავარ გამოსახულებას. ადრეულ სიმფონიებში კოდი პატარაა და, არსებითად, გარკვეულწილად განვითარებული საბოლოო ნაწილია. მოგვიანებით, მაგალითად, ბეთჰოვენში, ის მნიშვნელოვან პროპორციებს იძენს და ხდება ერთგვარი მეორე განვითარება, რომელშიც დადასტურება კიდევ ერთხელ მიიღწევა ბრძოლით.

ეს ფორმა მართლაც უნივერსალური აღმოჩნდა. სიმფონიის დღეებიდან დღემდე, მან წარმატებით განასახიერა ყველაზე ღრმა შინაარსი, გადმოსცა სურათების, იდეებისა და პრობლემების ამოუწურავი სიმდიდრე.

სიმფონიის მეორე ნაწილი ნელია. ეს ჩვეულებრივ ციკლის ლირიკული ცენტრია. მისი ფორმა განსხვავებულია. ყველაზე ხშირად ის სამნაწილიანია, ანუ აქვს მსგავსი გარე განყოფილებები და კონტრასტული შუა მონაკვეთი, მაგრამ ის ასევე შეიძლება დაიწეროს ვარიაციების ან სხვა ფორმით, სონატამდე, რომელიც სტრუქტურულად განსხვავდება პირველი ალეგროსგან. მხოლოდ ნელი ტემპით და ნაკლებად ეფექტური განვითარებით.

მესამე ნაწილი არის მინუეტი ადრეულ სიმფონიებში, ხოლო სკერცო ბეთჰოვენიდან თანამედროვეობამდე, როგორც წესი, რთული სამნაწილიანი ფორმა. ამ ნაწილის შინაარსი ათწლეულების განმავლობაში შეიცვალა და რთულდებოდა, ყოველდღიური თუ სასამართლო ცეკვიდან მე-19 საუკუნის მონუმენტურ მძლავრ სკერცოებამდე და მის ფარგლებს გარეთ, ბოროტებისა და ძალადობის საშიშ სურათებამდე შოსტაკოვიჩის, ჰონეგერის და სხვა სიმფონისტების სიმფონიურ ციკლებში. მე-20 საუკუნის. XIX საუკუნის მეორე ნახევრიდან დაწყებული, სკერცო სულ უფრო იცვლის ადგილებს ნელი მოძრაობით, რაც სიმფონიის ახალი კონცეფციის შესაბამისად ხდება ერთგვარი სულიერი რეაქცია არა მხოლოდ პირველი ნაწილის მოვლენებზე, არამედ. სკერცოს ფიგურულ სამყაროს (კერძოდ, მალერის სიმფონიებში).

ფინალი, რომელიც ციკლის შედეგია, ადრეულ სიმფონიებში ხშირად იწერება რონდო სონატის სახით. მხიარული ეპიზოდების მონაცვლეობა მხიარულებით მუდმივი საცეკვაო რეფრენით - ასეთი სტრუქტურა ბუნებრივად მოჰყვა ფინალის სურათების ბუნებიდან, მისი სემანტიკიდან. დროთა განმავლობაში, სიმფონიის პრობლემების გაღრმავებასთან ერთად, მისი ფინალის სტრუქტურის ნიმუშები შეიცვალა. ფინალებმა დაიწყო სონატის სახით, ვარიაციების სახით, თავისუფალი სახით და ბოლოს, ორატორიოს მახასიათებლებით (გუნდის ჩართვით). შეიცვალა მისი სურათებიც: არა მხოლოდ ცხოვრების დადასტურება, არამედ ზოგჯერ ტრაგიკული შედეგიც (ჩაიკოვსკის მეექვსე სიმფონია), სასტიკ რეალობასთან შერიგება ან მისგან გაქცევა ოცნებების სამყაროში, ილუზიები გახდა სიმფონიური ციკლის ფინალის შინაარსი. ბოლო ასი წელი.

მაგრამ დავუბრუნდეთ ამ ჟანრის დიდებული გზის საწყისს. მე-18 საუკუნის შუა ხანებში გაჩენის შემდეგ მან მიაღწია კლასიკურ დასრულებას დიდი ჰაიდნის შემოქმედებაში.