პრეზენტაციის გადახედვის გამოსაყენებლად შექმენით Google ანგარიში და შედით მასში: https://accounts.google.com

სლაიდის წარწერები:

როკოკოს მხატვრობა „გალანტური ჟანრის ოსტატები“ ანტუან ვატო ბუშე ფრანსუა ისტორიის, სოციალური მეცნიერებების მასწავლებელი, MHC MBOU „საშუალო სკოლა No. 48“, ვლადივოსტოკი სვეტლანა ნიკოლაევნა შაბალინა

როკოკოს სტილი ჟან ანტუან ვატო (1684 – 1721) ბუშე ფრანსუა (1703–1770) გეგმა

ტერმინი "როკოკო", რომელიც მომდინარეობს ფრანგული "rocaille"-დან (სიტყვასიტყვით: ალმასის და ჭურვის დეკორაცია), გამოჩნდა მე -18 საუკუნის ბოლოს. როკოკოს ახასიათებს ცხოვრებიდან გადასვლა ფანტაზიის, თეატრალური თამაშის, მითოლოგიური სიუჟეტებისა და ეროტიული სიტუაციების სამყაროში. როკოკო

არისტოკრატიის დახვეწილი ცხოვრება "გალანტური დღესასწაულები" სურათები "მწყემსი ცხოვრების ხელუხლებელი ბუნების ფონზე ადამიანის ცხოვრება მომენტალურად წარმავალია და ამიტომ უნდა გამოვიყენოთ "ბედნიერი მომენტი" როკოკოს მხატვრობის მთავარი თემები

ჟან ანტუან ვატო (1684 - 1721) ვატოს ნახატები უკიდურესად ხასიათდება თეატრალური და მასკარადული ელემენტებით. სწორედ გალანტურმა სცენებმა მოუტანა მას პოპულარობა. ”გალანტს შეიძლება ეწოდოს ელეგანტური უსაქმური კამპანია ადამიანების ერთად ატარებენ თავისუფალ დროს, რომლის მნიშვნელოვანი ელემენტია ფლირტი და სასიყვარულო ურთიერთობა. რა თქმა უნდა, კომედია დელ არტის პერსონაჟების ჩართვა ასეთი სცენების კომპოზიცია ბრწყინვალე გამოგონებად უნდა ჩაითვალოს.. პიერო, კოლუმბინი, არლეკინი დაეხმარნენ მხატვარს, წაეშალა ზღვარი თეატრსა და გარესამყაროს შორის, ფიქციასა და რეალობას, განზრახვასა და მოქმედებას შორის.

სიყვარულის გამა (დაახლოებით 1715), ეროვნული გალერეა, ლონდონი

ცხოვრების სიხარული

გალანტი არლეკინი და კოლუმბინი 1716-1718 წწ. უოლასის კოლექცია, ლონდონი.

ფრანგული კომედია (1716)

ვენეციური ფესტივალი (დაახლოებით 1718 წ.)

ფრანსუა ბუშე (1703–1770) ფრანსუა ბუშე, რომელიც, გარდა მხატვრობისა, მუშაობდა ყველა სახის დეკორატიულ და გამოყენებით ხელოვნებაში: ქმნიდა მუყაოებს გობელენისთვის, ნახატებს სევრის ფაიფურისთვის, ხატავდა გულშემატკივრებს, ასრულებდა მინიატურებსა და დეკორატიულ ნახატებს, მოგვიანებით კი ხატავდა. აბაჟურები, პანელები, ნახატები მითოლოგიური, პასტორალური, ჟანრული სცენებით, ელეგანტური და ფლირტიანი პორტრეტები, იდილიური პეიზაჟები, შექმნილი რბილ ვერცხლისფერ-მწვანე ტონებში

პეიზაჟი ბოვეს მიდამოებში 1740-1745 წწ. ერმიტაჟი, პეტერბურგი.

მარკიზ დე პომპადურის პორტრეტი 1756 წ. Alte Pinakothek, მიუნხენი

წისქვილი ჩარატონში 1750 წ. ხელოვნების მუზეუმი, ორლეანი.

მხატვარი თავის სახელოსნოში, 1730 წ. ლუვრის მუზეუმი, პარიზი.

Milliner 1746. ეროვნული მუზეუმი, სტოკჰოლმი.

ევროპის გაუპატიურება 1732-1734 წწ. უოლასის კოლექცია, ლონდონი.

მხატვრის მეუღლის მარი-ჟან ბუზოს პორტრეტი 1743 წ. Frick Collection, New York.

საუზმე 1739. ლუვრის მუზეუმი, პარიზი.

როკოკოს მხატვრობის მთავარი თემებია სასამართლო არისტოკრატიის დახვეწილი ცხოვრება, "გალანტური დღესასწაულები", "მწყემსის" ცხოვრების იდილიური სურათები ხელუხლებელი ბუნების ფონზე, რთული სასიყვარულო ურთიერთობების სამყარო და გენიალური ალეგორიები. ადამიანის სიცოცხლე მყისიერი და წარმავალია და ამიტომ უნდა გამოვიყენოთ „ბედნიერი მომენტი“, ვიჩქაროთ ცხოვრება და განცდა. „მომხიბლავი და ჰაეროვანი პატარა ნივთების სული“ (მ. კუზმინი)ხდება "სამეფო სტილის" მრავალი მხატვრის შემოქმედების ლაიტმოტივი.

როკოკოს მხატვრების უმეტესობისთვის ვენერა, დიანა, ნიმფები და კუპიდები ყველა სხვა ღვთაებას აბნელებენ. ყველა სახის "ბანაობა", "დილის ტუალეტები" და მყისიერი სიამოვნება ახლა თითქმის მთავარი საგანია გამოსახულება. მოდაშია ეგზოტიკური ფერის სახელები: "შეშინებული ნიმფის ბარძაყის ფერი" (ხორცი), "რძით მცურავი ვარდის ფერი" (მკრთალი ვარდისფერი), "დაკარგული დროის ფერი" (ლურჯი). კლასიციზმის აშკარად გააზრებული, ჰარმონიული კომპოზიციები ადგილს უთმობს ელეგანტურ და დახვეწილ დიზაინებს.

ანტუან ვატოს (1684-1721) მისმა თანამედროვეებმა უწოდეს "უდარდელი დასვენების პოეტი" და "გალანტური დღესასწაულები", "მადლისა და სილამაზის მომღერალი". თავის ნამუშევრებში მან აღბეჭდა პიკნიკები მარადმწვანე პარკებში, მუსიკა და თეატრალური კონცერტები ბუნების კალთაში, ვნებიანი აღსარება და მოყვარულთა ჩხუბი, იდილიური პაემნები, ბურთები და მასკარადები. ამავე დროს, მისი ნახატები შეიცავს მტკივნეულ სევდას, მშვენიერების წარმავლობის განცდას და მომხდარის ეფემერულობას.

მხატვრის ერთ-ერთი ცნობილი ნახატია "მომლოცველობა კუნძულ კიტერაში". საყვარელი ქალბატონები და გალანტური ბატონები შეიკრიბნენ ზღვის ყურის ყვავილებით მოფენილ სანაპიროზე. ისინი მიცურავდნენ კუნძულ კიტერას - სიყვარულისა და სილამაზის ქალღმერთის ვენერას კუნძულზე, სადაც, ლეგენდის თანახმად, იგი

ანტუან ვატო.პილიგრიმობა კუნძულ კითერაზე. 1717 ლუვრი, პარიზი

აღმოცენდა ზღვის ქაფიდან. სიყვარულის ფესტივალი იწყება ქანდაკებაზე, რომელიც ასახავს ვენერას და კუპიდებს, რომელთაგან ერთ-ერთი ქვევით აღწევს და დაფნის გვირგვინი ათავსებს ყველაზე ლამაზ ქალღმერთებს. ქანდაკების ძირში დაწყობილია იარაღი, ჯავშანი, ლირა და წიგნები - ომის, ხელოვნებისა და მეცნიერების სიმბოლოები. ისე, სიყვარულს ნამდვილად შეუძლია ყველაფრის დაპყრობა!

მოქმედება ფილმის მსგავსად ვითარდება, თანმიმდევრულად მოგვითხრობს თითოეული შეყვარებული წყვილის სიარულის შესახებ. პერსონაჟებს შორის ურთიერთობაში მინიშნებების ენა სუფევს: უეცარი მზერა, გულშემატკივრის მოწვევის ჟესტი გოგონას ხელში, შუა წინადადებაში მოწყვეტილი მეტყველება... ყველაფერში იგრძნობა ადამიანისა და ბუნების ჰარმონია.

მაგრამ უკვე საღამოა, ოქროსფერი მზის ჩასვლა აფერადებს ცას. სიყვარულის დღესასწაული ქრება, შეყვარებული წყვილების უდარდელი გართობა სევდით ავსებს. ძალიან მალე ისინი დაბრუნდებიან თავიანთ გემზე, რომელიც მათ არარეალური სამყაროდან ყოველდღიური რეალობის სამყაროში გადაიყვანს. მშვენიერი მცურავი გემი - სიყვარულის გემი - მზად არის გასასვლელად. თბილი, რბილი საღებავები, მდუმარე ფერები, ფუნჯის მსუბუქი შტრიხები, რომლებიც ტილოს ძლივს ეხებიან - ეს ყველაფერი ხიბლისა და სიყვარულის განსაკუთრებულ ატმოსფეროს ქმნის.

და ისევ მიყვარს დედამიწა იმიტომ

რატომ არის მზის ჩასვლის სხივები ასე საზეიმო,

რა მსუბუქი ფუნჯი ანტუან ვატო

ერთხელ გულზე შემეხო.

გ.ივანოვი

ერთ-ერთი ნამდვილი შედევრია ვატოს ნახატი "ჟილსი" ("პიერო"), რომელიც შექმნილია მოგზაური კომიკოსების სპექტაკლების ნიშნად.

ჟილი არის ნიღბების ფრანგული კომედიის მთავარი და საყვარელი პერსონაჟი, პიეროს მსგავსი, იტალიური კომედია დელ არტეს გმირი. მოუხერხებელი, გულუბრყვილო არსება თითქოს სპეციალურად არის შექმნილი ჭკვიანი და ცბიერი არლეკინის მუდმივი დაცინვისა და ხრიკებისთვის. ჟილესი გამოსახულია ტრადიციულ თეთრ კოსტუმში, კეპით და მრგვალი ქუდით. ის გაუნძრევლად და დაკარგული დგას მაყურებლის წინაშე, სხვა კომიკოსები კი დასასვენებლად სახლდებიან. ის თითქოს საკუთარ თავს ეძებს ადამიანი, რომელსაც შეუძლია მისი მოსმენა და გაგება. არის რაღაც შემაშფოთებელი და დაუცველი კომიკოსის აბსურდულ პოზაში, რომელსაც მტვრევად აქვს ჩამოკიდებული მკლავები და დაფიქსირებული მზერა. ჯამბაზის დაღლილ და სევდიან გარეგნობაში იმალება ფიქრი კაცის მარტოობაზე, რომელიც იძულებულია გაერთოს და გაართოს მოწყენილი აუდიტორია. გმირის ემოციური გახსნილობა მას მსოფლიო მხატვრობის ისტორიაში ერთ-ერთ ყველაზე ღრმა და გასაოცარ სურათად აქცევს.

მხატვრულად, ნახატი ბრწყინვალედ არის შესრულებული. მოტივისა და კომპოზიციის უკიდურესი სიმარტივე აქ შერწყმულია ზუსტ დიზაინთან და საგულდაგულოდ გააზრებულ ფერებთან. მოჩვენებითი თეთრი ხალათი მოხატულია ფრთხილად და ამავდროულად თამამი ფუნჯის მოძრაობებით. მოციმციმე მკრთალი ვერცხლისფერი, ნაცრისფერ-იასამნისფერი, მონაცრისფრო-ოხერის ტონები მიედინება, ანათებს ერთმანეთში, იშლება ასობით აკანკალებულ ხაზში. ეს ყველაფერი ქმნის საოცარ ატმოსფეროს სურათის ღრმა ფილოსოფიური მნიშვნელობის აღქმისთვის. როგორ შეიძლება არ დაეთანხმო მისი ერთ-ერთი თანამედროვეს განცხადებას: "ვატო ხატავს არა საღებავებით, არამედ თაფლით, გამდნარი ქარვით."

ფრანსუა ბუშე (1703-1770) თავს ვატოს ერთგულ სტუდენტად თვლიდა. ზოგი მას "მადლთა მხატვარს", "მხატვრობის ანაკრეონს", "სამეფო მხატვარს" უწოდებდა. სხვები მას აღიქვამდნენ როგორც „თვალთმაქც“ მხატვარს, „რომელსაც ყველაფერი აქვს სიმართლის გარდა“. სხვები კი სკეპტიკურად აღნიშნავდნენ: „მისი ხელი აგროვებს ვარდებს, სადაც სხვები მხოლოდ ეკლებს პოულობენ“.

მხატვარმა დახატა მეფე ლუი XV-ის ფავორიტის, მარკიზ დე პომპადურის არაერთი საზეიმო პორტრეტი. ცნობილია, რომ იგი მფარველობდა ბუშეს და არაერთხელ შეუკვეთა მას რელიგიური საგნების ნახატები ქვეყნის რეზიდენციებისთვის და პარიზის სასახლეებისთვის. ნახატში "Madame de Pompadour" ჰეროინი წარმოდგენილია მიმოფანტული ყვავილებით და მდიდრული საგნებით, რომლებიც ახსენებს მის მხატვრულ გემოვნებასა და ჰობიებს. იგი რეგულარულად იწვა აყვავებულ, საზეიმო ფარდების ფონზე. წიგნი მის ხელში არის ნათელი მინიშნება განმანათლებლობისა და ინტელექტუალური მისწრაფებებისადმი.

ფრანსუა ბუშე.მადამ დე პომპადური. 1756 Alte Pinakothek, მიუნხენი

მარკიზმა დე პომპადურმა გულუხვად გადაუხადა მადლობა მხატვარს, დანიშნა იგი ჯერ გობელინის მანუფაქტურის დირექტორად, შემდეგ კი სამხატვრო აკადემიის პრეზიდენტად და მიანიჭა მას "მეფის პირველი მხატვრის" ტიტული.

ფრანსუა ბუშემ არაერთხელ მიუბრუნდა არასერიოზული სცენების გამოსახვას, რომელთა მთავარი გმირები იყვნენ მიმზიდველი, მორცხვი მწყემსები ან მსუქანი შიშველი ლამაზმანები მითოლოგიური ვენერებისა და დიანას სახით. მისი ნახატები სავსეა ორაზროვანი მინიშნებით, პიკანტური დეტალებით (მწყემსი ქალის ატლასის ქვედაკაბის აწეული კეფი, მობანავე დიანას კოკეტურად აწეული ფეხი, ტუჩებზე დაჭერილი თითი, მჭევრმეტყველი, მიმზიდველი მზერა, ცხვრები ფეხებთან ჩახუტებული. შეყვარებულები, სიმბოლურად კოცნიან მტრედებს და ა.შ.). ისე, მხატვარმა კარგად იცოდა თავისი ეპოქის მოდა და გემოვნება!

მსოფლიო მხატვრობის ისტორიაში ფრანსუა ბუშე კვლავ რჩება ფერების და დახვეწილი დიზაინის ბრწყინვალე ოსტატად. გენიალურად შემუშავებული კომპოზიციები, პერსონაჟების უჩვეულო კუთხეები, თითქმის თეატრალური პეიზაჟების უცნაური სილუეტები, მდიდარი ფერის აქცენტები, გამჭვირვალე საღებავების ნათელი ანარეკლები, რომლებიც გამოიყენება პატარა, მსუბუქი შტრიხებით, გლუვი, დინამიური რიტმები - ეს ყველაფერი ფ. ბუჩერს აქცევს ფერწერის შეუდარებელ ოსტატად. მისი ნახატები გადაიქცევა დეკორატიულ პანელებად, ამშვენებს დარბაზებისა და საცხოვრებელი ოთახების მდიდრულ ინტერიერს, ისინი მოუწოდებენ ბედნიერების, სიყვარულისა და ლამაზი ოცნებების სამყაროს.

კითხვები და ამოცანები

1. რატომ უწოდებენ ნ.პუსენის შემოქმედებას ფერწერაში კლასიციზმის მწვერვალს? რა და როგორ გამოხატა მან სილამაზის იდეალი? ეთანხმებით თუ არა მხატვრის განცხადებას, რომ მისი ყველა ნამუშევარი თემატურად შეიძლება დაიყოს „ბაქანალიად“ და „ამაღლებულ გმირებად“? ნ.პუსენის ნახატებიდან რომელი გაინტერესებდათ ყველაზე მეტად? რატომ?

2. შესაძლებელია თუ არა დაეთანხმოთ თანამედროვეთა მოსაზრებას, რომ ა. კანოვას სკულპტურულ ნაწარმოებებში „თვითონ სიცოცხლე პულსირებს“? Განმარტე შენი პასუხი. როგორ ფიქრობთ, რატომ მიმართავენ ა. კანოვა და ბ. ტორვალდსენი უფრო ხშირად მითოლოგიურ საგნებსა და გამოსახულებებს? რა არის ა.ჰუდონის შემოქმედებითი სტილის დამახასიათებელი ნიშნები?

3. გვიამბეთ A. Watteau-სა და F. Boucher-ზე - როკოკოს მხატვრობაში „გალანტური ჟანრის“ უდიდესი ოსტატები. რა არის მათი შემოქმედების მთავარი მოტივები?

კრეატიული სახელოსნო

შეადარეთ პუსინის ნახატი "პარნასი" რაფაელის ამავე სახელწოდების ფრესკას. რა მსგავსება და განსხვავებაა ამ მხატვრების შემოქმედებით სტილებს შორის?

მოამზადეთ სლაიდ-შოუ ლექციისთვის თემაზე "კლასიციზმის სკულპტურული შედევრები". თქვენს მიერ არჩეულ მასალას დაერთეთ მოკლე ანოტაციებით.

მოამზადეთ სტატია ილუსტრირებული ხელოვნების ჟურნალისთვის "გალანტური ჟანრის" უდიდესი ოსტატების შესახებ (ა. ვატო, ფ. ბუშე და ო. ფრაგონარდი). შეეცადეთ ასახოთ მასში თითოეული ამ ოსტატის მხატვრული სტილის გამორჩეული თვისებები.

დაწერეთ მოკლე ესსე თემაზე „რაზე შეიძლება იოცნებონ და ისაუბრონ ანტუან ვატოს ნახატების გმირებმა? "

4. გალანტური ხანის მხატვრობა

"გალანტური" მხატვრობა საფრანგეთში არსებობდა რომაულ-ელინისტური მოძრაობისა და ადრეული რომანტიზმის პარალელურად, წარმოშობით შოტლანდიური სკოლიდან და დომინირებდა საფრანგეთის დიდ რევოლუციამდე.

მხატვრულმა ცხოვრებამ მაშინ დაიწყო ფორმირება ფერწერის სფეროში იმ ფორმებში, რომლებშიც ის დღესაც ჩნდება. თავისუფალ მხატვრულ განვითარებაზე დიდი გავლენა იქონია აკადემიებმა, გამოფენებმა და ხელოვნების კრიტიკამ. სამეფო აკადემიასთან ერთად, რომელიც საუკეთესო ძალებს იზიდავდა, აკადემია წმ. ლუკას პარიზში, მხატვართა ძველი გილდიიდან გარდაქმნილი, მხოლოდ იშვიათად შეიძლებოდა დაიკვეხნოს ბრწყინვალე სახელით; და, პარიზის აკადემიასთან ერთად, პროვინციულ უმაღლეს სამხატვრო სკოლებს, რომელთაგან პირველი ადგილი ტულუზის, მონპელიესა და ლიონის აკადემიებმა დაიკავეს, როგორც წესი, მხოლოდ ადგილობრივი მხატვრული საჭიროებების დაკმაყოფილებას შეეძლო. ლუვრის „სალონში“ გამოფენის უფლება მხოლოდ პარიზის სამეფო აკადემიაში „დაგზავნილებს“ ჰქონდათ; რამდენიმე წლის შემდეგ, „სურათის დაშვების უფლების“ წარდგენის შემდეგ, მათ მიიღეს რიგითი აკადემიკოსის წოდება. თუმცა ეს აკადემია ცალმხრივობის საყვედურს არ იმსახურებს. მან თავის თანამოაზრეებს შორის მიიღო კლოდ ჟილო, უოტოს მასწავლებელი, როგორც "მოდური საგნების მხატვარი", თავად ვატო, როგორც "დღესასწაულების მხატვარი", გრუზი "ჟანრის მხატვარი"; მის სიაში სხვა მხატვრები არიან დასახელებული, როგორც ლანდშაფტის მხატვრები, ცხოველების მხატვრები, ყვავილები და ა.შ. აკადემიური გამოფენების პარალელურად „კვადრატულ სალონში“ და ლუვრის „დიდი გალერეაში“, რომლებიც რეგულარულად მეორდებოდა 1737 წლიდან და მიაღწიეს უმაღლესს. ლიმიტი 1789 წელს, ასევე და აკადემიის წმ. ლუკიმ და ახალგაზრდულმა კავშირმა მოაწყვეს საკუთარი გამოფენები.

ყველა მხატვრიდან, რომლებიც მიჰყვებოდნენ "გალანტურ კანონებს", ტრადიციულად გამოირჩევიან რამდენიმე ყველაზე მნიშვნელოვანი ფიგურა.

5. ჟან-მარკ ნატიე (1685-1766 წწ.)

ნატიე ერთ-ერთი უძველესი "გალანტური" მხატვარია და მის შემოქმედებაში აღწერილი მიმართულება ნაკლებად გამოიხატა.

დაიბადა მხატვრების ოჯახში: მამამისი მარკი იყო პორტრეტის მხატვარი, დედამისი მარი კურტუა ხატავდა მინიატურებს, ხოლო ძმამ ჟან-ბატისტმა შექმნა ნახატები ისტორიულ თემებზე დაფუძნებული.

ჟან-მარკ ნატიემ პირველი ფერწერის გაკვეთილები მამისგან მიიღო, შემდეგ კი სამეფო აკადემიაში ხატვის კურსებს დაესწრო. თხუთმეტი (!) წლის ასაკში ნატიეს მიენიჭა პარიზის აკადემიის პირველი ხელოვნების პრემია.

1717 წელს ნატიე გაემგზავრა ჰოლანდიაში, შეხვდა პეტრე I ამსტერდამში და დახატა ცარის და რუსეთის იმპერატრიცა ეკატერინეს პორტრეტები. პეტრემ მოიწვია ნატიე, დაეტოვებინა საფრანგეთი და წასულიყო მასთან რუსეთში, მაგრამ სამშობლოს სიყვარულის გამო, მხატვარმა უარყო მისი შეთავაზება. ჟან-მარკ ნატიემ თითქმის მთელი ცხოვრება პარიზში გაატარა.

ჟან-მარკ ნატიე არის მხატვრობის ახალი სტილის შემქმნელი - ისტორიული პორტრეტი (ფრანგული პორტრეტის ისტორია), რომელიც ძირითადად ასახავს ფრანგული წარსულის ცნობილ ფიგურებს.

"პრინცი A.B. კურაკინი", "ცარ პეტრე I", "ეკატერინე I" დასრულდა პეტერბურგისთვის. მათში, ისევე როგორც ცნობილ „მადამ დე პომპადურში დიანა მონადირის გამოსახულებაში“, ისეთი თვისებები, როგორიცაა გამოსახულების გარეგნობის იდეალიზაცია, პორტრეტი უძველესი გმირის ან ღმერთის გამოსახულებით (კოსტუმის პორტრეტი) და უკვე ჩანს ფერის რბილობა. ქრება პერსონაჟების ფსიქოლოგიური მახასიათებლები, პირდაპირ თუ სიმბოლურად გამოხატული. "ეპოქის სახე" არის მშვიდობიანი სახის გამომეტყველების მქონე ადამიანი, რომელიც არ ასახავს მის შინაგან სამყაროს (რაც, თუმცა, მხატვარმა ვერ მიაღწია წარმატებას ან არ სურდა მიაღწიოს "პრინცესა ე.დ. გოლიცინაში", რომელიც გამოხატავს გოგონას აშკარა ნარცისიზმს. ); ამ ასპექტში ჩანს ახალი სტილის უარყოფითი მხარე: ჰაეროვან „როკაილს“ ღრმა ფიქრები არ სჭირდება.

6. ჟან ანტუან ვატო (1684-1721)

ვატო ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი მხატვარია მსოფლიო ხელოვნების ისტორიაში და არის "გალანტური ჟანრის" უდიდესი ოსტატი. მისი ნახატებით გადმოცემული განწყობისა და პერსონაჟების მრავალფეროვნება (და ეს არ არის იმ მარტივი „გალანტურობის“ საზიანოდ, რომელსაც მისი თანამედროვეები აფასებდნენ!) ხშირად უპირისპირდება როკოკოს სხვა, „დაუფიქრებელ“ ნამუშევრებს (განსაკუთრებით F. Boucher, განმანათლებლობის ფილოსოფოსების აზრით, "სიცოცხლისგან შორს").

ვატო პარიზში 1702 წელს ჩავიდა ჩრდილოეთ საფრანგეთიდან, ვალენსიენიდან, სადაც ოდესღაც სახურავის პატრონის ოჯახში დაიბადა. 1703 წლიდან 1708 წლამდე ვატო მუშაობდა კლოდ ჟილოს სახელოსნოში, კოპირებდა და ასახავდა იტალიური კომედიის ნაკვეთებს. მხატვრის შემოქმედებითი ფორმირების ამ მნიშვნელოვანი ეტაპიდან შემორჩენილია მხოლოდ ერთი ფერწერული მტკიცებულება - მოსკოვის ნახატი "სატირა ექიმებზე".

მომდევნო წლებში ვატომ სცადა თავი სხვადასხვა ჟანრში; ამ პერიოდის რამდენიმე შემორჩენილი ნაწარმოების საკამათო ქრონოლოგია არ გვაძლევს საშუალებას გამოვიტანოთ გარკვეული დასკვნები მისი ინტერესების ევოლუციის შესახებ, მაგრამ მისი მანერა უფრო თავისუფალი ხდება, მისი ფუნჯი უფრო ახალი და მსუბუქი ხდება. .

1710 წლიდან, ვალენსიენში მოკლე მოგზაურობის შემდეგ, ვატო კვლავ ცხოვრობდა პარიზში, ფერწერის, მუსიკისა და თეატრის ატმოსფეროში, რომელიც მას ასე უყვარდა. მის ახლო მეგობრებს შორის არიან ფრანგული მერკურიის მწერალი და რედაქტორი ანტუან დე ლა როკი, ნახატების, ჩარჩოებისა და მინის დილერები გერსენი და სიროა, იტალიური კომედიის მსახიობები, პოეტები და მუსიკოსები.

ჩამოყალიბებული მკაცრად რეგულირებული აკადემიური სისტემის მიღმა, ვატო მშვიდად ფიქრობდა და ირჩევდა საგნებს, რომლებიც მას ხიბლავდა, ჟანრების იერარქიაზე ფიქრის გარეშე და თავისუფლად ემორჩილებოდა გრძნობებისა და წარმოსახვის ნებას. მას არ უყვარდა შეკვეთით მუშაობა, ამჯობინებდა დიზაინის თავისუფლებას და ფანტაზიის თამაშს. ის ხატავდა პეიზაჟებს, მასკარადებს ჟილოს სულისკვეთებით, იტალიელი მსახიობების პორტრეტებს, არდადეგებს პარკებში, უფრო მეტად ზრუნავდა სცენის განწყობაზე, ემოციურ და ფერწერულ სიმდიდრეზე, ვიდრე სკრუპულოზური პორტრეტების მსგავსებაზე ან საზეიმო სიდიადეზე. „გალანტური ხელოვნების“ გავლენა მასზე გარკვეულწილად გვიან განხორციელდა, ვიდრე ნატიეზე და ამიტომ იგი ამ ნაწარმოებში ამ უკანასკნელზე გვიან არის მოხსენიებული.

დახვეწილი, მაგრამ მკაფიო ფსიქოლოგიური მახასიათებლები ჩანს მის პორტრეტებში, როგორიცაა „მისტერ პატერის პორტრეტი“. ასე რომ, მასში ჩვენ ვხედავთ უკიდურესად კონცენტრირებულ ინგლისელს, რომელიც არც კი იყურება მაყურებლის მიმართულებით - თავისი ერის ზომიერად პრიმიტიულ წარმომადგენელს. სურათის ქვედა მარჯვენა ნაწილში გამოსახული ქალის სკულპტურული პორტრეტი, როგორც ჩანს, მიუთითებს მამაკაცის პროფესიაზე - ის არის მოქანდაკე.

ჩვენ იგივეს ვხედავთ, მაგრამ უნივერსალური განწყობის მასშტაბით, რომელიც ერთდროულად ბევრ ადამიანს მოიცავს, ცნობილ „გალანტურ ფესტივალებში“: „მომლოცველობა კუნძულ ციტერაში“ და „სიყვარულის ფესტივალი“.

უნდა ითქვას, რომ ვატო ასახავდა საფრანგეთის ყველა კლასს და თავადაზნაურობის პორტრეტებზე არანაკლებ დამაჯერებელია "სავოიარი მარმოტთან ერთად" და "ჟილი" (მოხეტიალე მუსიკოსი) და მრავალი მოგზაური, მუშა, გლეხი - პერსონაჟები მოგზაურობის ესკიზები - ის ხალხი, საიდანაც მოვიდა ვატო.

ვატო ამჯობინებდა დაზგური მხატვრობას, მაგრამ ის ასევე იყო დეკორატიული ხელოვნების ოსტატი, მან თავად დაამზადა ორნამენტული პანელები სასახლეების ინტერიერისთვის, დახატა ვაგონის კარები, კლავესინები და გულშემატკივრები, რამაც გავლენა მოახდინა როკოკოს არქიტექტურულ დეკორზე.

როგორც დეკორატიული ნამუშევრები, ასევე დიდი ტილოები გამოირჩევა ვატოსთვის დამახასიათებელი თვისებებით: საოცარი მხატვრობა, პატივმოყვარეობა და ნაზი, წარმავალი განწყობის საუკეთესო დიაპაზონი, ხატვის ტექნიკის გამოყენება ფერწერაში (იხ. ვირტუოზი კომპოზიციის უნარი.

7. ფრანსუა ბუშე (1703-1770 წწ.)

„მისმა გარყვნილებამ უნდა დაიპყრო დენდიები, უაზრო ქალები, ახალგაზრდები, საზოგადოების ხალხი, ანუ ყველა, ვისთვისაც უცხოა ნამდვილი გემოვნება და სიმართლე“.

ფრანსუა ბუშე დაიბადა პარიზში, მხატვრის ნიკოლას ბუშეს ოჯახში, რომელმაც იგი გაგზავნა სასწავლებლად თავის მეგობართან ფრანსუა ლემუანთან.

ჩვიდმეტი წლის ასაკში ბუშე შევიდა გრავიურის ჟან-ფრანსუა კარსის სახელოსნოში, რამაც საშუალება მისცა მას საკუთარი საარსებო წყარო გამოემუშავებინა, ასევე სასარგებლო კონტაქტები დაემყარებინა მისი მენტორის მაღალი რანგის კლიენტებთან.

დისერტაციისთვის იღებს გამორჩევის პირველ წოდებას - აკადემიური პრემია. აქ და შემდგომში, ბუშე წერის ულტრა გლუვი, თუნდაც გარკვეულწილად „დახვეწილი“ სტილის მიმდევარია, რამაც გაახარა მისი თანამედროვეები და აშკარად განასხვავებს მას ვატოსგან. 1722-1723 წლებში მონაწილეობა "ჟულიენის კოლექციისთვის" ოქროპირების შექმნაში, რომელშიც ცნობილი წინამორბედის ყველა ნამუშევარი იყო რეპროდუცირებული გრავიურაზე, საშუალება მისცა მას გაეცნო ამ მხატვრის ნამუშევრები და გაეცნო მისი კომპოზიციური ტექნიკა.

1723 წელს - რომის პრემია. იტალიაში მოგზაურობისას ახალგაზრდა მხატვარი დაეუფლა კორტონას რბილ ქიაროსკუროს სტილს, ლანფრანკოსა და ტიეპოლის ხატვის ძლიერ პრინციპებს, თუმცა ფუნდამენტურად არ მიიღო ამ უკანასკნელის ნამუშევრების ღრმა კონტრასტი და კომპოზიციური დინამიკა - ეს ყველაფერი ეწინააღმდეგებოდა გემოვნებას. საფრანგეთის სასამართლოს. ყველა თავის ნამუშევარში ბუჩერი ავლენს მიდრეკილებას არა ფერთა მრავალფეროვნებისკენ, არამედ დიდი ადგილობრივი ლაქების გამოყენებისკენ, მაგრამ მათ შორის დახვეწილი გადასვლებით. პეიზაჟები "ტივოლის ხედი" (ხელოვნებისა და არქიტექტურის მუზეუმი, Boulogne-sur-Mer) და "ფარნეზის ბაღების ხედი" (მეტროპოლიტენის მუზეუმი, ნიუ-იორკი) დაფუძნებულია იტალიურ შთაბეჭდილებებზე.

აღიარებასთან და დიდებასთან ერთად, ბუშემ ასევე მიიღო მრავალი შეკვეთა დეკორატიული ხელოვნების ნიმუშებზე, რომლებიც მას სიცოცხლის ბოლომდე არ დაუტოვებია.

ბუშერის შემდგომ ნაშრომში ორი რამ უნდა აღინიშნოს. პირველი არის ფერწერის ტექნიკის შემდგომი დახვეწა, სტილიზაციის ტექნიკის დაუფლება გ.ტიეპოლოს ექსპრესიულ ბაროკოს სტილში ("კუპიდონის ვარჯიში", "ლედა და გედი" და მრავალი სხვა ნამუშევარი მითოლოგიურ თემებზე), ფაიფურში ( "ვენერა მანუგეშებელი კუპიდონი", "იუპიტერი დიანას სახით, აცდუნებს კალისტოს"). და მეორე არის მისი ნამუშევრების იდეოლოგიური კომპონენტის უცვლელობა, იგივე გარკვეულწილად გადაჭარბებული „გალანტურობა“, რისთვისაც ვოლტერი და დიდრო აკრიტიკებდნენ მის სტილს. ბუშეს ფსიქოლოგიური და ემოციური დახასიათება სრულიად არ აქვს, მის ადგილს იკავებს საკუთარი დამოკიდებულება იმის მიმართ, რაც გამოსახულია გაურთულებელი მახასიათებლებით. ამრიგად, „ვენერას ვიზიტი ვულკანში“ მხატვარი არანაკლებ მოხიბლულია ჰეროინით, ვიდრე ეს უკანასკნელი, და ეს გადმოცემულია მისი სიარულის მადლითა და ხუჭუჭა თავის ფლირტით (და ეს ვენერა უფრო თანამედროვე ბუშეა. მოდაში). ბუშეს გარკვეული უუნარობა (და შესაძლოა უხალისობა, რომელიც შეესაბამებოდა სასამართლოს გემოვნებას) მისი ნამუშევრების შინაგანი ფსიქოლოგიზმის მიმართ დრამას ართმევს ისეთ სცენებს, როგორებიცაა „პან და სირინგა“ და „იუპიტერი დიანას ნიღბით, რომელიც აცდუნებს კალისტოს“. ეხება ტრაგიკული სიუჟეტის მქონე ისტორიებს. თუმცა, უმეტეს შემთხვევაში, მისი ნამუშევრები აღიქმება არა როგორც მშვენიერი სურათები, არამედ როგორც დამამშვიდებელი ტილოები, როგორც მადლის ნიმუშები.

რამდენიმე პუნქტი უნდა აღინიშნოს ბუშეს სამყაროს ჟანრულ მრავალფეროვნებაში.

უპირველეს ყოვლისა, რაც მისი შემოქმედების შეუცვლელი მახასიათებელია, გამოსახულთა გარეგნობის იდეალიზაცია, ძირითადად ქალები (მადამ დე პომპადურის პორტრეტების სერია, „მადამ ბერჟერეს პორტრეტი“). მეორეც, უძველესი ქალღმერთების სახეების მოდერნიზაცია მითოლოგიურ ნამუშევრებში (ამ მხრივ ყველაზე დამახასიათებელია ნახატი "ვენერას ტუალეტი" 1751 წლიდან: მუქი ფერფლის კულულები, მოდური მხატვრის დროს, ნუშის ფორმის, ოდნავ ვიწრო თვალები, გულის ფორმის პირი, პატარა სხეული - და უკვე არ მჯერა, რომ ეს არის პერსონაჟი უძველესი მითოლოგიიდან). ეს ყველაფერი იმაზე მეტყველებს, თუ რა გავლენას ახდენდა იმ დროს ფართოდ გავრცელებული პორტრეტის ჟანრის ავტორზე, რომლის ერთ-ერთი მთავარი ფიგურა თავადაც იყო. "ოდალისკების" სერიებთან ერთად (ახალგაზრდა გოგონების შიშველი პორტრეტები), რომელთაგან გამოირჩევა 1745 წლის "მუქითმიანი ოდალისკი" და 1752 წლის "ქერა თმიანი ოდალისკი", ეს ყველაფერი მეტყველებს ქალის სილამაზის და მნიშვნელობაზე. სექსუალობა ბუშეს შემოქმედებაში (არასოდეს, თუმცა ვულგარულობასთან ახლოსაც კი).

და მესამე პუნქტი იყო ბუშეს გარკვეულწილად ბრტყელი და „თეატრალური“ მიდგომა პეიზაჟისადმი, მრავალი შემდგომი მხატვრის აზრით (რაც, სხვათა შორის, საერთო იყო იმდროინდელი მხატვრების უმეტესობისთვის). შედარებით მკაფიოდ გამოირჩევა მისი „სცენა“ და „ფარდა“; ეს ნაკლებად ვლინდება მხოლოდ მის ადრეულ „იტალიურ“ პეიზაჟებში. მცენარეულობისა და არქიტექტურის დახვეწის ხარისხის მიუხედავად (იხ. „პეიზაჟი ბოვეს მიდამოებში“, „წისქვილი“, „ხიდის გადაკვეთა“), ბუშეს პეიზაჟები დასახლებულია სრულიად არარეალური შტაბებით, „მისი „გლეხები“ დიდებულები არიან, მისი ხარები. არიან როგორც ზევსი ევროპის გატაცებამდე“ და ამინდი მშვიდი, ოდნავ მოღრუბლული დღეა, მიუხედავად გამოსახული ადგილისა. იმისდა მიუხედავად, რომ ლანდშაფტის მთავარი ნამუშევარი ბუშესთვის, ისევე როგორც მისი დროის სხვა მხატვრებისთვის, შესრულდა სტუდიაში, ეს ძალიან "გალანტური თეატრალური მიდგომა" არასოდეს აძლევს ოსტატს საშუალებას მიაღწიოს ადგილის რეალობის განცდას ( რაც არის ის ამოცანა, რომელსაც ის აყენებს თავის წინაშე, მთელი ხილვადობის მანძილზე და არ დაუყენებია). "მისი საფრანგეთი არის "პატარა არკადია", უსასრულოდ შორს რეალობისგან და თუმცა ლამაზი."

ნაწარმოებში თითქმის არაფერია ნათქვამი მხატვრის ჟანრულ სცენებზე.

ამრიგად, ფრანსუა ბუშე შევიდა ხელოვნების მსოფლიო ისტორიაში, როგორც „გალანტური“, შაქრიანი ფერწერის მხატვარი, აბსოლუტურად რეალისტური გამოსახვის მანერით და თანაბრად არარეალური გამოსახულის არჩევისას; როგორც დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების შესანიშნავი სტილისტი და ოსტატი.

მისმა ყველაზე ნიჭიერმა სტუდენტმა J.O. Fragonard-მა მისგან მემკვიდრეობით მიიღო გარეგანი მადლი, კომპოზიციის თავისუფლება და ფერების გამბედაობა, მაგრამ ის ცდილობდა მათ უფრო დიდ ემოციურ შინაგან სიღრმეს შეეთავსებინა სურათებისა და საგნების გადმოცემაში; აშკარა ფერის კონტრასტის ტექნიკა, რომელიც თითქმის არ არსებობს ბუჩერში, უფრო ხშირად გამოიყენება; მეტი ყურადღება ეთმობა სინათლისა და ჩრდილის კონტრასტს. ფუნჯის დარტყმა გაცილებით დიდია ვიდრე ბუშესას, მაგრამ ეს იგრძნობა მხოლოდ უფრო მჭიდრო დათვალიერებისას; შედარებითი სიგლუვის ეფექტი მემკვიდრეობით მიიღება მასწავლებლისგან. მაგრამ მის შემოქმედებაზე ყურადღებას არ გავამახვილებთ, რადგან ზემოაღნიშნულის გარდა, ისევე როგორც ჟანრული სცენის მითოლოგიურზე უპირატესობის გარდა, მისი ხელოვნება გაჰყვა ბუშეს მიერ დასახულ „გზას“ დასასვენებლად და მაყურებლის მოხიბვლისთვის.

თანამედროვე ფრანგული ხელოვნების კრიტიკა არ აფასებს ბუშეს ხელოვნებას მაღალ დონეზე. კრიტიკოსები, მხატვრის შესანიშნავი ტექნიკის აღიარებისას, აღნიშნავენ მისი ნამუშევრების „სიტკბოებას“, მის ხშირად არასრულყოფილ მხატვრულ გემოვნებას (გვიანდელი პერიოდის ნამუშევრები, ძირითადად ნაკლებად ცნობილი, შეიცავს გადაჭარბებული კონტრასტის მსგავსი ფერების შეხამებას), ასევე ზოგადს. მისი სტილის „ბურჟუაზიული“ ბუნება.

8. მორის კვენტინ დე ლატური (1704-1788)

დე ლატური - "პასტელების მეფე"

"სამეფო მდივნის დუვალ დე ლ'ეპინეის პორტრეტზე"

დე ლატური თავმდაბალ ოჯახში დაიბადა. ცხრამეტი წლის ასაკში მან დატოვა მშობლიური ქალაქი სენ-კვენტენი და ჩავიდა პარიზში, სადაც სწავლობდა უღიმღამო მხატვარ დიპუშთან და სხვა მხატვრებთან.

ლატურის საჯაროდ გამოფენილმა პირველმა ორმა ნამუშევარმა (თავისი და მხატვარი ბუშეს მეუღლის პორტრეტები), რომელიც გამოიფინა პარიზის სალონში 1737 წელს, მიანიჭა მას სამხატვრო აკადემიის ასოცირებული წევრის წოდება; 1746 წელს აირჩიეს მის სრულ წევრად, ხოლო 1750 წელს მიიღო სამეფო მხატვრის წოდება, რომელიც შეინარჩუნა 23 წლის განმავლობაში. 1780 წელს იგი გადავიდა მშობლიურ ქალაქში.

განმანათლებლობის იდეოლოგიის გავლენის გამო, რომელსაც ახორციელებდნენ ჯ. მაგრამ როგორც თვითონ განიცადა მისი გარკვეული გავლენა და არანაკლებ გავლენა მოახდინა მასზე.

M. C. de Latour არის ადამიანი, რომელმაც ვენეციელი მხატვრის როსალბა კარიერას ხელკეტი გადასცა სახვითი ხელოვნებისთვის მნიშვნელოვან საკითხში - პასტელი ფანქრების ვიზუალური შესაძლებლობების გაფართოებაში, სხვადასხვა ხარისხის სირბილის პასტელებთან ნახატის გავრცელებაში, პოპულარიზაციაში. პასტელი მხატვრობა, როგორც სახვითი ხელოვნების სახეობა, რომელიც საშუალებას აძლევს ადამიანს გამოხატოს გამოუხატავი ზეთის საღებავები. რისი გამოხატვაა ასე რთული ზეთის ტექნიკით? მაგალითად, ზეთის მხატვრობაში აბსოლუტური გლუვი მხატვრობა ხშირად იწვევს "გაპრიალებას", გამოსახულების გარკვეულ "სიკვდავს", რომელსაც მე -17 საუკუნის ჰოლანდიელი "გლუვი მხატვრები" ყოველთვის ვერ აცილებდნენ. პასტელში სრული გლუვი შეღებვა, პირიქით, საშუალებას გაძლევთ მიაღწიოთ მაქსიმალურ ნატურალიზმს საჭიროების შემთხვევაში, ხოლო (!) მის შემადგენლობაში ლაქის არარსებობა არ ადარებს, მაგალითად, ასეთ ნამუშევრებში ხილს დუმს, ხოლო სახეებს თოჯინებს. ”ორი წელი რომ გაატარა ხატვაში თავის გაუმჯობესებაში, ამ გზით [დე ლატურმა] მიაღწია ისეთ ოსტატობას პასტელის ჟანრში, რომელსაც არ გაუტოლდა არც ერთი მას წინამორბედი პასტელისტი და, ალბათ, მათ, ვინც მას მიჰყვებოდა.

მისი პოპულარობა უფრო და უფრო იზრდებოდა, რასაც ასევე ხელი შეუწყო პასტელის მოდამ, რომელიც გავრცელდა მაშინდელ ფრანგულ საზოგადოებაში." დე ლატურიდან დაწყებული, პასტელი აღიქმებოდა ფრანგი, განსაკუთრებით სასამართლო მხატვრების მიერ, არა მხოლოდ როგორც დამხმარე, არამედ როგორც დამოუკიდებელი ტექნიკა.

თავის მხრივ, დე ლატურმა განიცადა როკოკოს პირდაპირი გავლენა: მისი ნახატების ფერის სირბილე, გამოსახული გამოსახულება, თუმცა არა იდეალიზებული, მაგრამ ამაღლებული განწყობით, მოეწონა ფრანგ თავადაზნაურობას არანაკლებ სულისკვეთება. განმანათლებლობა და ფსიქოლოგიზმი მის შემოქმედებაში - თავისი დროის ლიტერატურათმცოდნეებისა და ფილოსოფოსების მიერ.

„ლატურის თანამედროვეთა ჩვენებით, ის, როგორც იშვიათად ვინმე სხვას, ესმოდა მსგავსებას; ამ თვისებასთან იყო შერწყმული ფერების სიმტკიცე, ჰარმონია და სასიამოვნო ფერები, რომლებიც დღემდეა შემორჩენილი მის პორტრეტებში, მიუხედავად მათი ასაკისა. ბევრი მათგანი სენ-კვენტინის მუზეუმშია, ასევე ბევრია თავმოყრილი პარიზის ლუვრის მუზეუმში. ლატურის ბევრი ნამუშევარი ამოტვიფრულია მისი დროის გამოჩენილმა ოსტატებმა. და მიუხედავად იმისა, რომ დე ლა ტური ტრადიციულად არ არის დახასიათებული, როგორც "გალანტური" სტილის მხატვარი, მისი "ურთიერთგაკვეთა" როკოკოსთან გვაძლევს საშუალებას აღვნიშნოთ ეს შესანიშნავი მხატვარი.

სახვითი ხელოვნების სახეები და ტექნიკა

მხატვრობა ბრტყელი სახვითი ხელოვნებაა, რომლის სპეციფიკა არის ზედაპირზე დატანილი საღებავების გამოყენებით რეალური სამყაროს გამოსახულების წარმოდგენა, მხატვრის შემოქმედებითი ფანტაზიით გარდაქმნილი...

მე-20 საუკუნის კულტურისა და ხელოვნების წვლილი მსოფლიო ცივილიზაციაში

რუსული კულტურის ისტორიაში, XX საუკუნის დასაწყისი. მიიღო რუსული კულტურის "ვერცხლის ხანის" სახელი, რომელიც იწყება "ხელოვნების სამყაროთი" და მთავრდება სიმბოლიზმით. "ხელოვნების სამყარო" არის ორგანიზაცია, რომელიც გაჩნდა 1898 წელს...

გოთური. წარსულის გაყინული ეპოქა

გოთური მოძრაობა ფერწერაში განვითარდა რამდენიმე ათეული წლის შემდეგ, რაც გამოჩნდა სტილის ელემენტები არქიტექტურასა და ქანდაკებაში. ვიტრაჟი გოთური ფერწერის ერთ-ერთ მთავარ ტენდენციად იქცა...

ვერსალის სასამართლოს მოთხოვნების გავლენა იგრძნობოდა ძირითადად სახვითი, დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნებისა და არქიტექტურის სფეროში. დაზგური მხატვრობის, ფაიფურის, ფანებისა და მოდის გარდა, "გალანტური" სტილი შეაღწია სასახლეების ინტერიერში...

კ.ა. სომოვი. გალანტური ჟანრის კულტივირება

2.1 "გალანტური" ჟანრის გაჩენა როკოკოს ეპოქაში მე-20 საუკუნის დასაწყისი აღინიშნა ნოსტალგიური "დაბრუნებით" როკოკოს ესთეტიკაში, ლუი XIV-ის დროინდელ გამოსახულებებში, სამუდამოდ წარსულ გალანტულ ეპოქაში. ...

კულტურული რევოლუცია სსრკ-ში (1922-1941 წწ.)

„პარტიის პროგრამა ხელოვნების სფეროში წინააღმდეგობას შეხვდა ბურჟუაზიასთან მჭიდროდ დაკავშირებული ხელოვანების წინააღმდეგ, რომლებიც ეწინააღმდეგებოდნენ საბჭოთა ხელისუფლებას. რეაქციონერმა მხატვრებმა და ხელოვნების თეორეტიკოსებმა მიმართეს ბოლშევიკების ცილისწამებას და ადანაშაულებდნენ მათ...

ეროვნული კულტურის არაჩვეულებრივი აღმავლობა XIX საუკუნის პირველ ნახევარში. საშუალება მოგვცა ამ დროს "ოქროს ხანა" დავარქვათ. თუ ეკონომიკურ და სოციალურ-პოლიტიკურ განვითარებაში რუსეთი ჩამორჩებოდა მოწინავე ევროპულ სახელმწიფოებს...

XIX საუკუნის პირველი ნახევრის რუსული პორტრეტული მხატვრობა და გრაფიკა

წმიდა ინკვიზიცია შუა საუკუნეებში და მისი ასახვა ხელოვნებაში

შუა საუკუნეებში მხატვრობა ხელოვნების ერთ-ერთ ყველაზე მნიშვნელოვან ფორმად იქცა. მხატვრობისადმი ახალ დამოკიდებულებას შეუწყო ხელი არაერთმა რელიგიურმა სიახლემაც...

უკან წინ

ყურადღება! სლაიდების გადახედვა მხოლოდ საინფორმაციო მიზნებისთვისაა და შესაძლოა არ წარმოადგენდეს პრეზენტაციის ყველა მახასიათებელს. თუ გაინტერესებთ ეს ნამუშევარი, გთხოვთ გადმოწეროთ სრული ვერსია.

მე-18 საუკუნის სახვით ხელოვნებას, საუკეთესო ნაწარმოებებში, ახასიათებს ადამიანთა ყველაზე დახვეწილი გამოცდილების ანალიზი, გრძნობებისა და განწყობების ნიუანსების რეპროდუქცია. სიახლოვე, გამოსახულების ლირიზმი, მაგრამ ასევე ანალიტიკური დაკვირვება მე-18 საუკუნის ხელოვნების დამახასიათებელი ნიშნებია, როგორც პორტრეტის ჟანრში, ასევე ყოველდღიურ ფერწერაში. ცხოვრების მხატვრული აღქმის ეს თვისებები არის მე-18 საუკუნის წვლილი მსოფლიო მხატვრული კულტურის განვითარებაში, თუმცა უნდა ვაღიაროთ, რომ ეს მიღწეული იქნა სულიერი ცხოვრების ასახვის საყოველთაო სისრულის დაკარგვის ფასად, მთლიანობაში. საზოგადოების ესთეტიკური შეხედულებების განსახიერება, დამახასიათებელია რუბენსის, ველასკესის, რემბრანდტის, პუსენის მხატვრობისთვის.

როკოკო („უცნაური“, „კაპრიზული“; ფრანგული როკოკო ქვების როკაილის ფრაგმენტებიდან, ჭურვიდან), სტილის მოძრაობა, რომელიც დომინირებდა ევროპულ ხელოვნებაში მე-18 საუკუნის პირველ სამ მეოთხედში. იგი წარმოადგენდა არა იმდენად დამოუკიდებელ მხატვრულ ფენომენს, რამდენადაც პანეევროპული ბაროკოს სტილის ფაზას, გარკვეულ ეტაპს. ტერმინი "როკოკო" წარმოიშვა საფრანგეთში მე -18 საუკუნის ბოლოს, კლასიციზმის აყვავების პერიოდში, როგორც საზიზღარი მეტსახელი მე -18 საუკუნის ყველა მანერული და პრეტენზიული ხელოვნებისთვის: მრუდი, კაპრიზული ხაზი, რომელიც მოგვაგონებს მონახაზს. ჭურვი, მისი მთავარი მახასიათებელი. როკოკოს ხელოვნება არის მხატვრული და ინტიმური გამოცდილების სამყარო, დეკორატიული თეატრალურობა, დახვეწილობა, დახვეწილი დახვეწილობა; მასში ადგილი არ არის გმირობისა და პათოსისთვის; მათ ანაცვლებს სიყვარულის თამაში, ფანტაზია და მომხიბვლელი წვრილმანები. როკოკოს მხატვრობის მთავარი თემებია სასამართლო არისტოკრატიის დახვეწილი ცხოვრება, "მწყემსის" ცხოვრების იდილიური სურათები ხელუხლებელი ბუნების ფონზე, რთული სასიყვარულო ურთიერთობების სამყარო და გენიალური ალეგორიები. ადამიანის სიცოცხლე მყისიერი და წარმავალია და ამიტომ უნდა გამოვიყენოთ „ბედნიერი მომენტი“, ვიჩქაროთ ცხოვრება და განცდა. "მომხიბლავი და ჰაეროვანი პატარა ნივთების სული" ხდება "სამეფო სტილის" მრავალი მხატვრის შემოქმედების ლაიტმოტივი.

ფრანსუა ბუშე ფრანსუა ბუშე (1703-1770)თავს ვატოს ერთგულ სტუდენტად თვლიდა. ზოგი მას "მადლთა მხატვარს", "მხატვრობის ანაკრეონს", "სამეფო მხატვარს" უწოდებდა. სხვები მას ხედავდნენ როგორც ხელოვანს - "თვალთმაქცს", რომელსაც "ყველაფერი აქვს სიმართლის გარდა". სხვები კი სკეპტიკურად აღნიშნავდნენ: „მისი ხელი აგროვებს ვარდებს, სადაც სხვები მხოლოდ ეკლებს პოულობენ“. ფრანსუა ბუშე (1703-1770) თავს ვატოს ერთგულ სტუდენტად თვლიდა. მხატვარმა დახატა მეფე ლუი XV-ის ფავორიტის, მარკიზ დე პომპადურის არაერთი პორტრეტი. ცნობილია, რომ იგი მფარველობდა ბუშეს და არაერთხელ შეუკვეთა მას რელიგიური საგნების ნახატები ქვეყნის რეზიდენციებისთვის და პარიზის სასახლეებისთვის. ნახატში "Madame de Pompadour" ჰეროინი წარმოდგენილია მიმოფანტული ყვავილებით და მდიდრული საგნებით, რომლებიც ახსენებს მის მხატვრულ გემოვნებასა და ჰობიებს. იგი რეგულარულად იწვა აყვავებულ, საზეიმო ფარდების ფონზე. წიგნი მის ხელში არის ნათელი მინიშნება განმანათლებლობისა და ინტელექტუალური მისწრაფებებისადმი. მარკიზამ გულუხვად გადაუხადა მადლობა მხატვარს. დანიშნა ის გობელინის ქარხნის დირექტორად და შემდეგ მიანიჭა "მეფის პირველი მხატვრის" წოდება.

ფრანსუა ბუშემ არაერთხელ მიუბრუნდა არასერიოზული სცენების გამოსახვას, რომელთა მთავარი გმირები იყვნენ მიმზიდველი, მორცხვი მწყემსები ან მსუქანი შიშველი ლამაზმანები მითოლოგიური ვენერებისა და დიანას სახით. მისი ნახატები სავსეა ორაზროვანი მინიშნებით, პიკანტური დეტალებით (მწყემსი ქალის ატლასის ქვედაკაბის აწეული კეფი, მბანავი დიანას კოკეტურად აწეული ფეხი, ტუჩებზე დაჭერილი თითი, მჭევრმეტყველი, მიმზიდველი მზერა, სიმბოლურად კოცნა მტრედები და ა.შ. ) მხატვარმა მშვენივრად იცოდა თავისი ეპოქის მოდა და გემოვნება!

ფერწერის ისტორიაში ფრანსუა ბუშე რჩება ფერების და დახვეწილი დიზაინის ბრწყინვალე ოსტატად. მახვილგონივრული კომპოზიციები, პერსონაჟების არაჩვეულებრივი კუთხეები, თითქმის თეატრალური პეიზაჟების უცნაური სილუეტები, მდიდარი ფერის აქცენტები, გამჭვირვალე საღებავების ნათელი ანარეკლი, გამოყენებული პატარა, მსუბუქი შტრიხებით, გლუვი დინამიური რიტმები - ეს ყველაფერი ფ. ბუჩერს აქცევს ფერწერის შეუდარებელ ოსტატად. მისი ნახატები გადაიქცევა დეკორატიულ პანელებად, ამშვენებს დარბაზებისა და საცხოვრებელი ოთახების მდიდრულ ინტერიერს, ისინი მოუწოდებენ ბედნიერების, სიყვარულისა და ლამაზი ოცნებების სამყაროს.

ფრაგონარდი ჟან ონორეფრანგი ფერმწერი და გრავიორი, ლუი XVI-ის ეპოქის უდიდესი ოსტატი. ცნობილი გახდა თავისი ოსტატურად შესრულებული გალანტური და ყოველდღიური სცენებით, რომლებშიც როკოკოს ელეგანტურობა შერწყმულია ბუნებისადმი ერთგულებასთან, მსუბუქი ჰაერის ეფექტების დახვეწილობასთან და დიდებული უძველესი ნანგრევებით. რეალური დაკვირვების საფუძველზე შექმნილ ნამუშევრებთან ერთად ის იმპროვიზებულ პასტორალებსაც ქმნის, სცენას ისეთი ცოცხლად ასახავს, ​​თითქოს ცხოვრებიდან დახატულია.

ანტუან ვატო- თანამედროვეებმა მას უწოდეს "უდარდელი დასვენების პოეტი" და "გალანტური დღესასწაულები", "მადლისა და სილამაზის მომღერალი". თავის ნამუშევრებში იგი ასახავდა პიკნიკებს მარადმწვანე პარკებში, მუსიკასა და თეატრალურ კონცერტებს ბუნების კალთაში, ვნებიანი აღსარებასა და შეყვარებულთა ჩხუბს, იდილიურ პაემნებს, ბურთებს და მასკარადებს. ამავე დროს მისი ნახატები მტკივნეულ სევდას შეიცავს. მშვენიერების დროებითი განცდა და მომხდარის ეფემერულობა.

ვატომ პარიზში ჩასვლისას აღმოაჩინა თავი, მისი თემა: ეს არის ეგრეთ წოდებული გალანტური დღესასწაულები - არისტოკრატული საზოგადოება პარკში, რომელიც უკრავს მუსიკას, ცეკვავს, უსაქმურობს; ნახატი, რომელშიც თითქოს არ არის მოქმედება ან შეთქმულება - უდარდელი ცხოვრების სცენები, გადმოცემული დახვეწილი მადლით. ამ ყველაფერს თითქოს გარედან ხედავს დახვეწილი, ოდნავ ირონიული დამკვირვებელი მელანქოლიისა და სევდის შეხებით. ვატოს შეღებვა - მისი ნიჭის ერთ-ერთი ყველაზე ძლიერი თვისება - აგებულია ნაცრისფერი, ყავისფერი, ღია იასამნისფერი, ყვითელ-ვარდისფერი ტონების დახვეწილ ნიუანსებზე. ვატოს ნახატებში არასოდეს არის სუფთა ტონი. როგორ არის მოცემული სიყვარულის ყველა ყველაზე დახვეწილი ელფერი ფერში. 1717 წელს მხატვარმა შექმნა თავისი ერთ-ერთი უდიდესი ნამუშევარი "მომლოცველობა კუნძულ კიტერაში". ეს სურათი ასახავს გრძნობების ყველაზე დახვეწილ პალიტრას, რომელიც, უპირველეს ყოვლისა, თავად ფერის მიერ არის შექმნილი. მაგრამ ეს ყველაფერი არ არის სიყვარული, არამედ სიყვარულის თამაში, თეატრი.

ფედორ სტეპანოვიჩ როკოტოვი- ცნობილი რუსი პორტრეტი, პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიის მხატვრობის აკადემიკოსი (1765 წ.). მე-18 საუკუნის ყველაზე პოეტური პორტრეტის მხატვრის ფიოდორ სტეპანოვიჩ როკოტოვის ცხოვრება დიდი ხნის განმავლობაში საიდუმლოდ დარჩა. მხატვარი, რომელიც სიცოცხლეშივე სარგებლობდა უზარმაზარი პოპულარობით, მისი გარდაცვალებიდან მთელი საუკუნის განმავლობაში დავიწყებას მიეცა.
მისი ნახატები რუსეთის დიდ და პატარა ქალაქების ბევრ მუზეუმშია და, სამწუხაროდ, მის ლამაზ პორტრეტებს "უცნობი ქალის პორტრეტს" უწოდებენ. როკოტოვის პიროვნების ჩამოყალიბებაზე გავლენა იქონია მისმა გაცნობამ მ.ვ.ლომონოსოვთან. როგორც ჩანს, ადამიანის ღირსების თემა, რომელიც ასე ნათლად ჟღერს როკოტოვის პორტრეტებში, განისაზღვრა არა იმ ბრწყინვალე მეცნიერისა და მწერლის გავლენის გარეშე, როგორიც ლომონოსოვი იყო. მხოლოდ მე-20 საუკუნემ დაუბრუნა F.S. Rokotov-ის სახელი რუსულ ხელოვნებას. მაგრამ ახლაც ბევრმა იცის მის შესახებ, როგორც ერთი-ორი ნახატის ავტორი.

უილიამ ჰოგარტი- ინგლისელი გრაფიკოსი და ჟანრის მხატვარი, მხატვრობის ეროვნული სკოლის დამფუძნებელი და მთავარი წარმომადგენელი, ჰოგარტი - გამოჩენილი ილუსტრატორი, სატირული გრავიურების ავტორი, ახალი ჟანრების აღმომჩენი ფერწერასა და გრაფიკაში. იგი ცნობილი გახდა თავისი სატირული ნახატებითა და რეალისტური პორტრეტებით. მხატვარმა, რომელიც განმანათლებლობის ფილოსოფოსების იდეების გავლენის ქვეშ იყო, თავისი მრავალი ნამუშევარი დაუქვემდებარა მხატვრული შემოქმედებით ადამიანში მორალური პრინციპის აღზრდას და მანკიერებების აღმოფხვრას.

უილიამ ჰოგარტის ყველაზე ცნობილი ნამუშევრები:გრავიურების სერია "მოდური ქორწინება", "მეძავი კარიერა", "მხარჯავი კარიერა", "საპარლამენტო არჩევნები", გრავიურა "ლუდის ქუჩა", "ჯინ ლეინი", "პერსონაჟები და კარიკატურები", ნახატები "ავტოპორტრეტი" , "კაპიტან კორემის პორტრეტი", "გოგონა კრევეტებით".

ალბათ, სახვითი ხელოვნების ყველა სტილში და ჟანრში შეიძლება დასახელდეს ის წარმომადგენლები, რომლებიც მათი პერსონიფიკაციაა. ასე, მაგალითად, რენესანსის მხატვრობაში მიქელანჯელო და რაფაელი ტრიუმფია, ბაროკოში - პიტერ პოლ რუბენსი, არტ ნუვოში - გუსტავ კლიმტი და ალფონს მუჩა.
და თუ ვსაუბრობთ როკოკოს სახვით ხელოვნებაზე, მაშინ პირველ რიგში მახსენდება ისეთი ოსტატების სახელები, როგორიცაა ანტუან ვატო და ფრანსუა ბუჩერი.

ანტუან ვატო

ფრანსუა ბუშერი

ეს პოსტი ეძღვნება როკოკოს ფერწერას და ამ სტილის ყველაზე ცნობილ ოსტატებს, რომელსაც ყველა ხელოვნების მოყვარულს ვურჩევ.

როკოკოს მხატვრობის მთავარი თემებია სასამართლო არისტოკრატიის დახვეწილი ცხოვრება, „გალანტური დღესასწაულები“, ხელუხლებელი ბუნების ფონზე „მწყემსური“ ცხოვრების იდილიური ნახატები (ე.წ. თავადაზნაურობის ლიდერის იპოლიტ მატვეევიჩ ვორობიანინოვის სახლში, რომლის შესახებაც დაუვიწყარი ოსტაპ ბენდერი ვითომ ახსოვს არქივისტ კორობეინიკოვთან შეხვედრისას?), რთული სასიყვარულო ინტრიგებისა და მზაკვრული ალეგორიების სამყარო.

ადამიანის სიცოცხლე ხანმოკლე და ხანმოკლეა, ამიტომ უნდა გამოიყენო "ბედნიერი მომენტი", იჩქარო და იგრძნო - ასე სწამდა მე -18 საუკუნის ბევრი ფრანგი არისტოკრატი, განმანათლებლობის ფილოსოფოსების იდეებისგან შორს, რომლებმაც მიახლოეს რა მოხდა. 1789 წ. ჰედონიზმსა და ეპიკურეიზმში ჩაძირულებმა ვერ შეძლეს რევოლუციური ტალღის წინააღმდეგობის გაწევა, რომელმაც წაიღო როგორც ისინი, ისე მათ მიერ შეჩვეული „დახვეწილი სიამოვნებების“ სამყარო. და შემთხვევითი არ არის, რომ 1789 წლის საფრანგეთის რევოლუციისა და იაკობინის ტერორის შემდეგ ხელოვნებამ კვლავ მკვეთრი შემობრუნება მოახდინა, რის შედეგადაც წარმოიშვა ისეთი სტილი, როგორიც იმპერიის სტილი იყო.

სხვათა შორის, ისტორიული პარალელები აშკარა არ არის?

წინა პოსტში როკოკოს სტილის შესახებ უკვე დავწერე, რომ მისი მემკვიდრე, საუკუნეზე მეტი ხნის შემდეგ, შეიძლება ჩაითვალოს არტ ნუვო. არტ ნუვოს არაჩვეულებრივი პოპულარობა რუსეთში მე-20 საუკუნის დასაწყისში ყველაფერში, არქიტექტურიდან და სახვითი ხელოვნებით დამთავრებული ლიტერატურით და მოდამდე, ძირითადად აიხსნება იმავე ჰედონიზმით, ამჯერად რუსული არისტოკრატიისა და ინტელიგენციის (ბოლოს და ბოლოს, მე-20 საუკუნე, არა მე-18). ამას გარდა, მეოცე საუკუნის დასაწყისის რუსეთის ახალგაზრდებში ასევე არის დეკადანსი, უკიდურესად მოდური. პოეტი მ.კუზმინი, რომელიც ადიდებდა რუსეთში გასული საუკუნის დასაწყისში „ლამაზი და ჰაეროვანი წვრილმანის სულს“, რა თქმა უნდა, იმავე სემანტიკურ ტალღაშია ლუი XV-ის ფავორიტთან, მარკიზ პომპადურთან, რომელმაც განაცხადა: "ჩვენს შემდეგ შეიძლება წყალდიდობა იყოს."

მოგეხსენებათ, ეს „წყალდიდობა“ არ დააყოვნა არც რევოლუციამდელ საფრანგეთში და არც რევოლუციამდელ რუსეთში. და ის ფაქტი, რომ საბოლოოდ სსრკ-ში, კორბუზიეს სულისკვეთებით კონსტრუქტივიზმის ექსპერიმენტების შემდეგ, გაიმარჯვა არსებითად ეკლექტურმა სტილმა, სახელწოდებით "სტალინური იმპერიის სტილი", ასევე ბევრს ამბობს (თუმცა, რა თქმა უნდა, რასაც ე.წ. „სტალინური იმპერიის სტილი“, არქიტექტურული თვალსაზრისით, არც თუ ისე იმპერიული სტილით).

თუმცა, ამან გარკვეულწილად მიმიყვანა კულტურულ და ისტორიულ პარალელიზმში. დავუბრუნდეთ როკოკოს მხატვრობას, ანუ მე-18 საუკუნეს.

როკოკოს მხატვრების უმეტესობისთვის ვენერა, დიანა, ნიმფები და კუპიდები აბნელებენ ძველი მითოლოგიის ყველა სხვა ღვთაებას, რომ აღარაფერი ვთქვათ ქრისტიანულ თემებზე, რომლებიც სრულიად უგულებელყოფილია. ყველა სახის „ბანაობა“, „დილის ტუალეტები“ და მყისიერი სიამოვნება ახლა ალბათ სურათის მთავარი თემაა.
მოდაშია ეგზოტიკური ფერის სახელები: „შეშინებული ნიმფის ბარძაყის ფერი“ (ხორცი), „რძით მცურავი ვარდის ფერი“ (მკრთალი ვარდისფერი), „დაკარგული დროის ფერი“ (ლურჯი) და ა.შ. კლასიციზმის აშკარად გააზრებული, ღირსეული კომპოზიციები ადგილს უთმობს ელეგანტურ და დახვეწილ დიზაინს.

ანტუან ვატო (1684 - 1721) თანამედროვეებმა მას უწოდეს "უდარდელი დასვენების პოეტი", "მადლისა და სილამაზის მომღერალი". თავის ნამუშევრებში იგი ასახავდა პიკნიკებს მარადმწვანე პარკებში, მუსიკალურ და თეატრალურ კონცერტებს ბუნების კალთაში, მოყვარულთა ვნებიანი აღსარებასა და ჩხუბს, იდილიურ პაემნებს, ბურთებს და მასკარადებს. ამავე დროს, მისი ნახატები შეიცავს მტკივნეულ სევდას, მშვენიერების გარდამავალ გრძნობას და მომხდარის ეფემერულ ბუნებას.

მაგრამ ანტუან ვატოს ეს ნახატი, რომელიც შეიქმნა 1720 წელს, როგორც მოგზაური კომიკოსების სპექტაკლების ნიშანი, მისი ნამდვილი შედევრია. მას ეძახიან "ჟილსი."

ჟილი არის ნიღბების ფრანგული კომედიის ერთ-ერთი მთავარი გმირი, პიეროსთან, იტალიური კომედია დელ არტეს გმირთან. მოუხერხებელი, გულუბრყვილო არსება, თითქოს სპეციალურად შექმნილი ჭკვიანი და ცბიერი არლეკინის მუდმივი დაცინვისა და ხრიკებისთვის. მაყურებლის წინაშე დაკარგული და გაუნძრევლად მდგომი კომიკოსის უხერხულ პოზაში იგრძნობა მისი ამაო ძებნა თანამოსაუბრისკენ, რომელსაც შეუძლია მისი მოსმენა და გაგება. მაგრამ ამაოდ. ჯამბაზის დაღლილ და სევდიან გარეგნობაში იმალება ფიქრი კაცის მარტოობაზე, რომელიც იძულებულია გაერთოს და გაართოს მოწყენილი აუდიტორია. ამ სურათზე ანტუან ვატო, როგორც ჩანს, ცდილობდა გადაელახა ჰედონისტური ზნე-ჩვეულებები, რომლებიც გაბატონებულია მის თანამედროვე საზოგადოებაში, სწორედ აქ არის მისი ნიჭის სიდიადე.

„ჟილსი“ - ანტუან ვატოს მთავარი შედევრი, რომელიც გარდაიცვალა 36 წლის ასაკში, მან სიკვდილამდე ცოტა ხნით ადრე დაწერა. ვფიქრობ, ამაზე კომენტარის გაკეთება საჭირო არ არის.

ფრანსუა ბუშერი (1703 - 1770) თავს ანტუან ვატოს ერთგულ სტუდენტად თვლიდა. ზოგი მას "მადლთა მხატვარს", "მხატვრობის ანაკრეონს", "სამეფო მხატვარს" უწოდებდა. ამ უკანასკნელმა მასში დაინახა "მხატვარი ფარისევლი", "რომელსაც ყველაფერი აქვს სიმართლის გარდა". სხვები კი სკეპტიკურად აღნიშნავდნენ: „მისი ხელი აგროვებს ვარდებს, სადაც სხვები მხოლოდ ეკლებს პოულობენ“.

ფრანსუა ბუშემ ლუი XV-ის ცნობილი ფავორიტის რამდენიმე საზეიმო პორტრეტი დახატა მარკიზ პომპადური, რომელიც მფარველობდა მხატვარს.

ფ. ბუშეს მარკიზის ყველაზე ცნობილი სურათი ნახატია "მადამ დე პომპადური" 1756 წელი, რომელშიც ჰეროინი წარმოდგენილია მის მხატვრულ გემოვნებასა და გატაცებებს ახსენებს საგნებით გარშემორტყმული. ამავე დროს, წიგნი მის ხელში არის ნათელი მინიშნება განმანათლებლობისა და ინტელექტუალური მისწრაფებებისადმი („ჩვენს შემდეგ, წარღვნაც კი!“ გახსოვთ? ის ასევე ინტელექტუალია და განმანათლებლობის მომხრე!!!)

პომპადურის მარკიზამ გულუხვად გადაუხადა მადლობა მხატვარს, ჯერ გობელენის ქარხნის დირექტორად დანიშნა (კარგი, დიახ, თორემ საიდან მოვიდოდა ცნობილი „მწყემსი“ გობელენი?), შემდეგ კი სამხატვრო აკადემიის პრეზიდენტი და მიანიჭა მას ტიტული. "მეფის პირველი მხატვარი."

საფრანგეთის სამეფო კარის ბრძანებების შესრულების გარდა, ფრანსუა ბუშე მუდმივად მიმართავდა სხვადასხვა სახის არასერიოზული სცენების გამოსახვას, რომელთა მთავარი გმირები იყვნენ მიმზიდველი, მორცხვი მწყემსები ან მსუქანი შიშველი ლამაზმანები მითოლოგიური ვენერებისა და დიანას სახით.
მისი ნახატები სავსეა ორაზროვანი მინიშნებებით, პიკანტური დეტალებით (მწყემსი ქალის კალთის აწეული ღერი, მობანავე დიანას კოკეტურად აწეული ფეხი, ტუჩებზე დაჭერილი თითი, მჭევრმეტყველი, მიმზიდველი მზერა, შეყვარებულების ფეხებთან მოკალათებული ცხვრები, კოცნა. მტრედები და ა.შ.).

ისე, ფრანსუა ბუშემ კარგად იცოდა თავისი ეპოქის მოდა და გემოვნება!

მსოფლიო მხატვრობის ისტორიაში ფრანსუა ბუშე კვლავ რჩება ფერისა და დახვეწილი ნახატის ბრწყინვალე ოსტატად, რომლის ნახატები მოუწოდებს ბედნიერების, სიყვარულისა და ლამაზი ოცნებების სამყაროს.

მაგრამ ყველასთვის, ვინც ყურადღებით კითხულობს ამ პოსტს, გასაგები უნდა იყოს, სად მიგვიყვანს ეს ოცნებები საბოლოოდ.

Მადლობა ყურადღებისთვის.
სერგეი ვორობიევი.