იმპრესიონიზმი, როგორც მხატვრული მოძრაობა. საუკეთესო იმპრესიონისტული ნახატები სახელებითა და ფოტოებით

დღეს ძნელია შეხვდე კულტურულ ადამიანს, რომელიც არ იცნობს დეგას მოხდენილ ბალერინებს, რენუარის ბუსუს ლამაზმანებს ან კლოდ მონეს წყლის შროშანების პეიზაჟებს. იმპრესიონიზმი წარმოიშვა საფრანგეთში მე-19 საუკუნის ბოლოს - მე-20 საუკუნის დასაწყისში და შემდგომში გავრცელდა მთელ მსოფლიოში. ახლა იმპრესიონისტები კლასიკოსებთან არიან, რომელთა წინააღმდეგაც ოდესღაც აჯანყდნენ, მაგრამ ერთ დროს ეს იყო პროგრესული და რევოლუციური მოძრაობა ფერწერაში.

ხელოვნების კრიზისი XIX საუკუნეში

XIX საუკუნის შუა ხანებში მხატვრობაში სამი სტილი იბრძოდა - კლასიციზმი, რომანტიზმი და რეალიზმი. ყველა მათგანი მოითხოვდა მხატვარს ხატვისა და გამოსახული საგნის ზუსტი გადაწერის დიდ ოსტატობას. იმავდროულად, კლასიციზმმა და რომანტიზმმა აჩვენა სამყარო ზედმეტად იდეალიზებულად, ხოლო რეალიზმი, პირიქით, ზედმეტად ამქვეყნიური იყო.

იმისათვის, რომ საფრანგეთში დამწყებ ხელოვანს მიაღწიოს წარმატებას, მას აუცილებლად უნდა გაევლო ტრენინგი სახვითი ხელოვნების სკოლაში ან ცნობილ მხატვრებთან და გამოფენა სალონში - სახელმწიფოს მიერ დაფინანსებული გამოფენა აღიარებული აკადემიკოსების სახით. თუ მხატვარს სურდა გაყიდვა და საზოგადოებაში წარმატებული ყოფილიყო, მას სჭირდებოდა სალონის ჯილდოს მიღება, ანუ მომთხოვნი კომისიის გემოვნების სიამოვნება. თუ ჟიური უარს იტყოდა ნამუშევარზე, მხატვარი შეიძლება დათმობდნენ როგორც აღიარებულ მედიდურობას.

1863 წელს, მას შემდეგ რაც სალონის ჟიურიმ უარყო დაახლოებით 3000 ნახატი, მხატვრების აღშფოთებამ პიკს მიაღწია. საჩივრებმა მიაღწია იმპერატორ ნაპოლეონ III-ს და მან ბრძანა, მოეწყოთ უარყოფილი ნამუშევრების გამოფენა, რომელსაც ეწოდა "უარყოფილთა სალონი". გამოფენას ესწრებოდნენ ისეთი ავტორები, როგორებიც არიან ედუარ მანე, კამილ პისარო, პოლ სეზანი. ალტერნატიული გამოფენა დიდი წარმატება იყო. მართალია, საზოგადოების დიდი ნაწილი იქ წავიდა, რათა დასცინოდა "არაფორმატირებული" მხატვრები.

ედუარდ მანე დიდხანს ითვლებოდა ასეთ რენეგატად. მისმა ნახატებმა "ლანჩი ბალახზე" და "ოლიმპია" შოკში ჩააგდეს პატივსაცემი საზოგადოება. ავტორს მორალური დამცველების კრიტიკისა და აღშფოთების ზვავი მოჰყვა.

რა შუაშია ეს ნამუშევრები? თანამედროვე გადმოსახედიდან, ნახატები საკმაოდ ტრადიციულია, შიშველი ქალები ადრეც იყო დახატული. მანეს დროის მაყურებლისთვის გამოწვევაა. „საუზმე ბალახზე“ ისინი სრულიად შიშველი ქალის იმიჯმა დააბნია ჩაცმული მამაკაცების გარემოცვაში. ჯორჯონეს მსგავსი სიუჟეტი აქვს ფილმში "სოფლის კონცერტი", ხოლო "ოლიმპია" არის ტიციანის "ურბინოს ვენერას" გადამუშავებული ასლი. ჟორჟონისა და ტიციანის შიშველი ქალბატონები იდეალიზებულები არიან, ისინი სადღაც შორს არიან, სხვა სამყაროებში. მანეს ნახატებზე კი გამოსახულია კურტიზანები, თანამედროვე და ცხოვრებით კმაყოფილი. ამან შოკში ჩააგდო ბურჟუაზიული საზოგადოება, რომელიც შეჩვეულია მოხატულ ქალღმერთებსა და დედოფლებს.

ყოველივე ეს მოწმობდა მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის საფრანგეთის ხელოვნების გარდაუვალ კრიზისზე. იმპრესიონიზმი იყო ახალი გზის პოვნის მცდელობა, თუმცა ბევრისთვის ეს შოკური თერაპიის მსგავსი აღმოჩნდა.

იმპრესიონიზმის ფონი

არ შეიძლება ითქვას, რომ იმპრესიონიზმი თავისით გაჩნდა. პირველი გამოფენის მომენტისთვის, მონაწილეთაგან ბევრი უკვე სრულწლოვანებაში იყო და მათ უკან მრავალი წლის მხატვრობა სწავლობდა.

ამ ახალი მოძრაობის წინაპირობები, სურვილის შემთხვევაში, შეგიძლიათ ნახოთ რენესანსის ოსტატებში ველასკესში, ელ გრეკოში, გოიაში, რუბენსში, ტიციანსა და რემბრანდტში. მაგრამ იმპრესიონისტებზე პირდაპირ გავლენას ახდენდნენ ისეთი თანამედროვე მხატვრები, როგორებიც არიან დელაკრუა, კურბე, დოუბინი და კორო.

იმპრესიონისტების სტილზე გავლენას ახდენდა იაპონური მხატვრობაც, რომლის გამოფენები მუდმივად იმართებოდა პარიზში. უტამაროს, ჰოკუსაის და ჰიროშიგეს დახვეწილმა ნამუშევრებმა პოეტური გახადა ცხოვრების ყოველი მომენტი, რაც ასე დამახასიათებელია აღმოსავლური მენტალიტეტისთვის. იაპონურ გრავიურებში გამარტივებულმა ფორმამ, გადაცვლილმა კომპოზიციამ და ფერის სისუფთავე მოხიბლა ახალგაზრდა მხატვრები და გაუხსნა ახალი ჰორიზონტები.

გარდა ამისა, იმპრესიონისტების შემოქმედებაზე გავლენა მოახდინა ფოტოგრაფიის გაჩენამ. მისი დახმარებით შესაძლებელი გახდა მოულოდნელი კუთხეების, ახლო ხედებისა და სურათების გადაღება მოძრაობაში. ფოტოგრაფია იქცა მომენტის აღბეჭდვის ხელოვნებად; ეს არის ის, რაც ახლოს იყო ინოვაციურ მხატვრებთან. ფოტოგრაფიის მოსვლასთან ერთად უკვე შეუძლებელი იყო სურათის სიზუსტის თვალყურის დევნება, მაგრამ უპირატესობა მიენიჭა შინაგან მდგომარეობას და ემოციურ შეღებვას. სპონტანურობა ახალი ნახატის ერთ-ერთ წესად იქცა.

იმპრესიონიზმის თავისებურებები

კრიტიკოსების პრეტენზიები იყო არა მხოლოდ ნახატების თემატიკაზე, არამედ იმპრესიონისტების ხატვის სტილზეც. ის რადიკალურად განსხვავდებოდა იმისგან, რასაც ასწავლიდნენ პარიზის სახვითი ხელოვნების სკოლაში.

იმპრესიონისტები არ იცავდნენ მკაფიო მონახაზს; ისინი უყურადღებოდ იყენებდნენ შტრიხებს, არ აინტერესებდათ თითოეული ობიექტის ფრთხილად დახატვა. საღებავები პირდაპირ ტილოზე იყო შერეული, რაც ჩრდილის სისუფთავეს მიაღწია. პერსპექტივა აგებული იყო არა გეომეტრიული კანონების მიხედვით, არამედ საღებავის ტონის სიღრმის გამო, ფერის ინტენსივობის შემცირების გამო, როდესაც ობიექტი შორდება.

მათ მიატოვეს კიაროსკუროს კონტრასტული სურათი. შავი, თეთრი, ნაცრისფერი, ყავისფერი ფერები მათი სუფთა სახით გაქრა მათი პალიტრიდან. ჩრდილები შეიძლება იყოს მწვანე, ლურჯი ან მეწამული, იმისდა მიხედვით, თუ როგორ ხედავდა ისინი მხატვარს.

იმპრესიონისტები ფართოდ იყენებდნენ ოპტიკური შერევის ტექნიკას: ტილოზე გვერდიგვერდ იდება ორი ფერის შტრიხები, რომლებიც მაყურებლის ნახვისას მესამეს ეფექტს იძლევა. მაგალითად, მწვანე და ყვითელი იქცევა ლურჯად, ლურჯი და წითელი იქცევა მეწამულად და ა.შ.

ნახატების საგნები იყო არა მითოლოგია ან ისტორიული მოვლენები, არამედ პეიზაჟები, პორტრეტები, ნატურმორტები - ეს ყველაფერი "დაბალ" ჟანრად ითვლებოდა. მხატვრები ცდილობდნენ გამოეხატათ ბუნება ან ობიექტი დროის გარკვეულ მომენტში, გადმოეცათ ძლიერი ემოცია. ასე გაჩნდა ნამუშევრების სერია, სადაც ერთი და იგივე მოტივი იყო გამოსახული, ოღონდ წელიწადის სხვადასხვა დროს ან დღის სხვადასხვა განათების ქვეშ. მაგალითად, კლოდ მონეს ნამუშევრები: „თივის ღეროები“, „ვერხვები“, „რუანის ტაძარი“ და ა.შ.

ამ მიზნის მისაღწევად, იმპრესიონისტები ხშირად ხატავდნენ ცხოვრებიდან, პირდაპირ ეთერში, რათა ზუსტად დაეფიქსირებინათ ის, რაც ნახეს. აკადემიკოსები დროის უმეტეს ნაწილს სტუდიაში ატარებდნენ, ხატვის ტექნიკის დახვეწაში.

ამ მიდგომამ ნახატები უფრო ემოციური, პოეტური გახადა, შესაძლებელი გახადა სილამაზის დანახვა ყველაზე ჩვეულებრივ ნივთებში და აფასებდა მომენტის სიმარტივეს, ცხოვრების ყოველ წუთს. ჩვეულებრივი ნივთების გამოსახვა მხატვრის აღქმის პრიზმაში თითოეულ ნახატს უნიკალურს ხდიდა.

ნაკადის ისტორია

1874 წლის 15 აპრილს ახალგაზრდა ინოვაციური მხატვრების კომპანიამ გამოფენა მოაწყო ფოტოგრაფ ფელიქს ნოდარს სალონში პარიზში, კაპუცინის ბულვარში.

დამოუკიდებელი გამოფენის იდეა, ოფიციალური სალონის გვერდის ავლით, უკვე მეამბოხე იყო, მაგრამ საზოგადოებისთვის ნაჩვენები ნახატებმა კიდევ უფრო მეტი აღშფოთება გამოიწვია. ყოველივე ამის შემდეგ, ისინი ეწინააღმდეგებოდნენ ყველა აკადემიურ კანონს და განსხვავდებოდნენ კლასიციზმის ან რომანტიზმის წარმომადგენლების იდეალიზებულ ნამუშევრებს, რომლებიც მაშინ პოპულარული იყო საფრანგეთში.

გამოფენაზე წარმოდგენილი იყო 30 მხატვარი და 165 ნამუშევარი. მათ შორის იყვნენ მონე, რენუარი, პისარო, სისლი, მანე, დეგა, სეზანი, ბერტე მორისო. გარკვეული პერიოდის შემდეგ, მათ ნახატებს აძლევდნენ სიმდიდრეს, მაგრამ შემდეგ კრიტიკის ქარიშხალი დაეცა მამაც სულებს. საზოგადოების ყურადღების მიქცევის მიზნით მათ შოკისმომგვრელობაში ადანაშაულებდნენ, საყვედურობდნენ „უსაქმურობის“, „დაუმთავრებელი“ სამუშაოს და კიდევ უზნეობისთვის.

ცნობილი კრიტიკოსი და ჟურნალისტი ლუი ლეროი სატირულ სტატიაში აღწერს კლოდ მონეს ნახატს „შთაბეჭდილება. ამომავალი მზე“ მხატვრებს იმპრესიონისტებს უწოდებს (ფრანგული შთაბეჭდილებიდან - შთაბეჭდილება). ამის ცოდნის გარეშე, მსოფლიო მხატვრობაში მთელ მოძრაობას დაარქმევს სახელს.

მეორე გამოფენა გაიმართა ლეგენდარული პირველიდან ორი წლის შემდეგ - 1876 წლის აპრილში. მან კიდევ უფრო დიდი უარყოფა გამოიწვია კრიტიკოსებისა და საზოგადოების მხრიდან. მხატვრები ფსიქიკურად დაავადებულ ადამიანებს ადარებდნენ. ამ გაბედულების გამბედაობითა და თავდაჯერებულობით მხოლოდ გაოცება შეიძლება, რომლებიც, ფულის უქონლობის მიუხედავად, მუდმივი დაცინვისა და ბულინგის ატმოსფეროში განაგრძობდნენ შექმნას.

1875 წლის მარტში გაიმართა სისლის, მონეს, რენუარის და ბერტ მორისოს ნამუშევრების აუქციონი. ეს იყო სკანდალი, მაყურებელმა გააღიზიანა გასაყიდად წარმოდგენილი ნახატები. ბევრი ნახატი თითქმის არაფრად გაიყიდა. მხატვრებს და მათ მეგობრებს ნამუშევრების ნაწილი თავად უნდა ეყიდათ, ვიდრე სრულიად ტყუილად დაეთმოთ.

თუმცა, იმპრესიონისტებს ერთგული გულშემატკივრებიც ჰყავდათ. მათ შორის იყო გალერის მფლობელი და კოლექციონერი პოლ დიურან-რუელი, რომელიც უცვლელად ეხმარებოდა მხატვრებს გამოფენების მოწყობაში და ნახატების გაყიდვაში. და ასევე კოლექციონერი ვიქტორ ჩოკეტი, რომელსაც ერთი შეხედვით შეუყვარდა იმპრესიონისტების ნამუშევრები.

1877 წლიდან 1886 წლამდე საფრანგეთში კიდევ 6 იმპრესიონისტული გამოფენა გაიმართა. ყველა მათგანი, ამ უკანასკნელის გარდა, კრიტიკისა და დაცინვის ქარცეცხლში მოექცა.

ამასობაში, უთანხმოება წარმოიშვა თავად მხატვრებს შორის. ამრიგად, მანემ და რენუარმა მონაწილეობა მიიღეს სალონის გამოფენებში 1879 და 1880 წლებში. მათი ნახატები შერჩეულმა ჟიურიმ. კლოდ მონემ თავისი ნამუშევრები სალონისთვისაც წარადგინა, მაგრამ მისი ნახატები არ მიიღეს. ამას მოჰყვა დეგას ზიზღი და დაგმობა სხვა მხატვრების მხრიდან.

1885 წლის შემოდგომაზე დიურან-რუელმა მიიღო შეთავაზება ნიუ-იორკში იმპრესიონისტების გამოფენის მოწყობის შესახებ. თავიდან მხატვრები სკეპტიკურად უყურებდნენ ამ იდეას. მაგრამ 1886 წლის მარტში დიურან-რუელი საფრანგეთიდან ამერიკაში გაემგზავრა თავისი პროტეჟების ნახატების კოლექციით. შეერთებულ შტატებში იმპრესიონისტების ნამუშევრებს ინტერესით ეპყრობოდნენ და გამოფენა დიდი პოპულარობით სარგებლობდა. პრესაში იყო როგორც დადებითი, ასევე უარყოფითი მიმოხილვები. რამდენიმე ნახატი ადგილობრივ კოლექციონერებს მიჰყიდეს.

ამასობაში, იმპრესიონისტებს შორის უთანხმოება გაიზარდა. მონემ დაიწყო ჩხუბი დიურან-რუელთან და მისი ნახატების გაყიდვა ხელოვნების სხვა დილერებთან. მონეს შეუერთდნენ პისარო და რენუარი. მხატვრები ერთმანეთსაც დაუპირისპირდნენ.

იმპრესიონისტთა ჯგუფმა, ოდესღაც აკადემიზმის წინააღმდეგ ბრძოლაში გაერთიანებული, საერთო იდეა დაკარგა და არსებობა შეწყვიტა.

1886 წლის ბოლო გამოფენაზე წარმოდგენილი იყო მხატვრები, რომლებსაც პოსტ-იმპრესიონისტები ეძახდნენ. ესენი არიან ჟორჟ სეურა და პოლ სინიაკი. პოსტიმპრესიონისტებს შორის არიან ისეთი ოსტატები, როგორებიც არიან ვინსენტ ვან გოგი, პოლ გოგენი, ანრი მატისი და სხვები.

იმპრესიონიზმის იდეამ გადააჭარბა მის სარგებლობას, მაგრამ მან გზა გაუხსნა მე-19 საუკუნის ბოლოს და მე-20 საუკუნის დასაწყისის სხვა, კიდევ უფრო ინოვაციურ ხელოვნებას.

იმპრესიონისტი მხატვრები

შეუძლებელია იმპრესიონიზმის განხილვა თვით ოსტატების ბედისგან იზოლირებულად. მოდით გადავხედოთ რამდენიმე მხატვრის მოკლე ბიოგრაფიას.

ედუარდ მანე

მანე დაიბადა 1832 წელს ადვოკატისა და დიპლომატის ქალიშვილის პატივსაცემი ოჯახში. ბიჭი არ იყო ძლიერი სწავლაში, მაგრამ დაინტერესდა ხატვისადმი. თუმცა, მისმა მშობლებმა არ დაუჭირეს მხარი მის ჰობი. მამამისს სურდა, რომ ედუარდი მის კვალს გაჰყოლოდა. მისი ბიძა დაეხმარა ახალგაზრდას, მან გადაიხადა ხელოვნების კურსები.

1847 წელს ახალგაზრდა მამაკაცი გადაწყვეტს საზღვაო სკოლაში ჩაბარებას, მაგრამ გამოცდას ჩააბარა. როგორც კაბინაში ბიჭი, ის მიდის გემით სამხრეთ ამერიკაში. მოგზაურობისას უამრავ ნახატსა და ჩანახატს აკეთებს.

საფრანგეთში დაბრუნების შემდეგ ედვარდი გადაწყვეტს მხატვრობას. 6 წელია ტომ კუტურის სახელოსნოში სწავლობს. პარალელურად მოგზაურობს ევროპაში, ეცნობა ხელოვნების ძეგლებს. იმპრესიონისტებს შორის მანე ყველაზე "აკადემიურ" მხატვრად ჩაითვლება. ის თავის ნამუშევრებში არაერთხელ განმარტავს რენესანსის ოსტატების შემოქმედებას. მისი საყვარელი მხატვრები იყვნენ ველასკესი, ტიციანი და გოია.

მანე ბევრჯერ სთავაზობს სალონის ჟიურის თავის ნამუშევრებს და უცვლელად უარს ეუბნება. შედეგად, იგი მონაწილეობს გამოფენაში "უარყოფილთა სალონი". იქ მისმა ნახატმა „საუზმე ბალახზე“ დიდი სკანდალი გამოიწვია. იმავე 1863 წელს მხატვარმა დახატა თავისი კიდევ ერთი შოკისმომგვრელი ნახატი "ოლიმპია". მანე უცვლელად აღმოჩნდა კრიტიკის ქარცეცხლში. მხატვრის დასაცავად მისი მეგობარი ემილ ზოლა დადგა. მისი კიდევ ერთი ახლო მეგობარი იყო შარლ ბოდლერი.

1866 წელს მანე დაუმეგობრდა იმპრესიონისტებს, რომლებიც ასევე უარყვეს აკადემიკოსებმა. თვითონ არასოდეს თვლიდა თავს ერთ-ერთ მათგანს. ის თავის პალიტრაში შავ ფერს იყენებდა და არ ცნობდა ფერწერის დივიზიონისტურ სტილს. მაგრამ სწორედ ედუარ მანე ითვლება იმპრესიონიზმის ფუძემდებლად.

მანე, რომელიც არ იღებდა აკადემიზმს, მაინც უცვლელად აგზავნიდა თავის ნამუშევრებს სალონში. მას უჭირდა მაყურებლის უარი და გულგრილობა მისი ნამუშევრების მიმართ. მხატვარი უამრავ პორტრეტსა და ჟანრულ სცენას ხატავს, მისი პალიტრა არც ისე ხალისიანია, როგორც სხვა იმპრესიონისტების. ღია ცის ქვეშაც მუშაობს და ნატურმორტებს ხატავს.

70-იანი წლების ბოლოს ედუარ მანეს შემოქმედება თანდათან აღიარებას იძენს. მისი ნამუშევრები სალონებშია გამოფენილი, ერთ დროს მედალსაც კი იღებს. 1881 წელს მანეს საპატიო ლეგიონის ორდენი მიენიჭა. ამ დროისთვის მხატვარს უკვე ატაქსია (მოძრაობების კოორდინაციის ნაკლებობა) აწუხებდა. დიდი ტილოების დახატვა აღარ შეეძლო.

1883 წელს მანეს ფეხი მოკვეთეს განგრენის გამო, მაგრამ ოპერაციამ არ უშველა. რამდენიმე თვის შემდეგ მხატვარი გარდაიცვალა.

კლოდ მონე

კლოდ მონე დაიბადა 1840 წელს სასურსათო ვაჭრის ოჯახში. ბიჭი ცნობილი გახდა მშობლიურ ლე ჰავრში, კარიკატურებისა და კარიკატურების ხატვის წყალობით. 17 წლის ასაკში ბედმა იგი მხატვარ ევგენი ბუდინთან ერთად მოიყვანა. ბუდინმა ახალგაზრდა მონე თან წაიყვანა პლეინ ეთერზე და ჩაუნერგა მას ფერწერის სიყვარული.

1859 წელს კლოდ მიდის პარიზში. ის იწყებს სწავლას სუისის აკადემიაში, შემდეგ კი გაკვეთილებს იღებს ჩარლზ გლეირისგან. 1865 წელს მონემ გამოიფინა სალონში. მისი ნამუშევარი საკმაოდ დადებითად იქნა მიღებული. შემდეგ ის ხვდება თავის მომავალ მეუღლეს კამილას.

მონე ხშირად გამოდიოდა ღია ცის ქვეშ რენუართან და სხვა იმპრესიონისტებთან ერთად; პეიზაჟების მხატვრობა მას უფრო და უფრო იპყრობდა.

1870 წელს მონე გაემგზავრა ლონდონში. ინგლისში ის ხვდება პოლ დიურან-რუელს. 2 წლის შემდეგ, საფრანგეთში დაბრუნების შემდეგ, მონე დასახლდა არჟენტეილში. ამ მყუდრო ადგილას ცხოვრების 4 წლის განმავლობაში მონემ მრავალი ნამუშევარი დაწერა.

1874 წელს კლოდ მონემ მონაწილეობა მიიღო პირველ იმპრესიონისტულ გამოფენაში. მისი ნახატები კრიტიკული იყო, ისევე როგორც სხვა მონაწილეთა ნამუშევრები.

1878 წელს მონეს ოჯახი ქალაქ ვიტეში დასახლდა. იქ ის ბევრ ნახატს ქმნის. მაგრამ ერთი წლის შემდეგ მისი ცოლი კამილა კვდება. გარკვეული პერიოდის განმავლობაში, მწუხარებამ მონემ მიატოვა პეიზაჟები, ხატავდა ნატურმორტებს სტუდიაში.

1883 წელს მონემ საბოლოოდ იპოვა ადგილი, სადაც 40 წელზე მეტი იცხოვრებდა. ეს ადგილი თურმე სახლია გივერნიში. ახალი მეპატრონე იქ საოცარ ბაღს გააშენებს და ცნობილ აუზს გააკეთებს, რომელიც დაუღალავად დაწერს მზის ჩასვლისას.

1892 წელს კლოდ მონე ცოლად შეირთო თავისი მეგობრის ქვრივზე ალისა ჰოშედეტზე.

მონე ხატავს ნამუშევრების სერიას, რომელიც ასახავს ერთსა და იმავე ხედს წელიწადისა და დღის სხვადასხვა დროს, სხვადასხვა განათების ქვეშ. მას საკმაოდ ბევრი აქვს ასეთი სერიები: "თივის ღერო", "ვერხვები", "ტბა წყლის შროშანებით", "რუანის ტაძარი" და ა.შ. კლოდ მონე ოსტატურად გადმოსცემს სხვადასხვა ფერის ჩრდილებს, ის ასახავს უხერხულ მომენტს პრიზმაში. მისი აღქმა. მისი ნახატები წარმატებულია და ხალისით ყიდულობენ კოლექციონერებს, მათ შორის საფრანგეთის ფარგლებს გარეთ.

მთელი თავისი ცხოვრების განმავლობაში მონე ხატავდა ბუნებას. სიცოცხლის ბოლოს მან კონცენტრირება მოახდინა ჟივერნის ბაღზე, რომელიც მან ხელოვნების კიდევ ერთ ნაწარმოებად აქცია. ოსტატი დაუღალავად ხატავს თავის ხედებს: ყვავილებს, დაჩრდილულ ხეივნებს და ცნობილ აუზს. 1919 წელს მონემ სახელმწიფოს შესწირა 12 დიდი ნახატი "ნიმფეების" სერიიდან. ორანჟერიის მუზეუმში მათთვის ორი პავილიონი იყო გამოყოფილი.

ამასობაში მხატვარმა დაიწყო დაბრმავება. 1925 წელს თვალის ოპერაციის შემდეგ, მან შეძლო სამსახურში დაბრუნება. კლოდ მონე გარდაიცვალა 1926 წელს, იგი გახდა კლასიკური მხატვარი სიცოცხლის განმავლობაში. ის იყო არა მხოლოდ იმპრესიონიზმის ფუძემდებელი, არამედ აბსტრაქტული ხელოვნების წინამორბედიც, თავის დროზე წინ და გახსნა მთელი ეპოქა თავისი შემოქმედებით.

ოგიუსტ რენუარი

ოგიუსტი 1841 წელს დიდ, ღარიბ ოჯახში დაიბადა. მოზარდობისას კერძებს ხატავდა. 1862 წელს იგი შევიდა სახვითი ხელოვნების სკოლაში და ასევე დაესწრო გაკვეთილებს ჩარლზ გლეირთან. 1864 წელს მისი ნახატები დამტკიცდა სალონში მონაწილეობისთვის. თავის იმპრესიონისტ მეგობრებთან ერთად რენუარი მიდის პლეინ ეთერებზე. მხატვარი ავითარებს საკუთარ უნიკალურ სტილს - თამამი, ფართო შტრიხები, სინათლისა და ფერის ხალისიანი თამაში.

იმპრესიონისტების პირველი გამოფენის შემდეგ რენუარი დაუნდობელი კრიტიკის ქვეშ იყო. შემდგომში მან მონაწილეობა მიიღო კიდევ 3 გამოფენაში. 1879 წელს მან გამოფინა სალონში, მიუხედავად მისი მეგობრების საყვედურებისა. მისმა ნახატმა "Madame Charpentier ბავშვებთან ერთად" აღიარება მიიღო და მხატვრის ბიზნესი აღზევდა. მდიდარმა ქალაქელებმა დაიწყეს მისთვის პორტრეტების შეკვეთების მიცემა. რენუარი განსაკუთრებით კარგად ასახავდა ქალის გამოსახულებებს; მან ასევე დახატა მრავალი ბავშვის პორტრეტი. ისინი განსაკუთრებულ სითბოს და სიმსუბუქეს გრძნობენ.

1870-80-იანი წლები მხატვრის შემოქმედების აყვავების პერიოდია. ის ხატავს რთულ, დიდ ტილოებს მრავალი პერსონაჟით. მისი ცნობილი ნახატები "ბურთი მულენ დე ლა გალეტზე" და "ნიჩბოსნების საუზმე" ამ პერიოდიდან თარიღდება. რენუარი თვლიდა, რომ მხატვრობამ უნდა დაამშვენოს ადამიანების ცხოვრება. მისი ხელოვნება იყო ნათელი, გულწრფელი, მზიანი, როგორც თავად საფრანგეთი.

1890 წელს ის დაქორწინდა თავის მოდელ ალინა შარიგოზე და მათ შეეძინათ სამი შვილი. 1881 წელს რენუარი მიემგზავრება იტალიაში. როდესაც დაბრუნდა, მან შეცვალა ხატვის სტილი უფრო "აკადემიურზე". ამ პერიოდს განეკუთვნება ნახატები „ქოლგები“ და „დიდი აბანოები“. რენუარი დიდ ყურადღებას აქცევდა შიშველს. იმპრესიონიზმის პრინციპებს რომ დაუბრუნდა, მან დახატა ნახატების სერია მბანავეებთან - ოდა ქალის სილამაზისა და მადლობისა.

რენუარმა, ბევრი იმპრესიონისტისგან განსხვავებით, აღიარება სიცოცხლეშივე მიიღო. მას კრიტიკოსები აფასებდნენ, ბევრი მომხმარებელი ჰყავდა და მისი ნახატები კარგად იყიდებოდა. სიბერეში რენუარს ართრიტი აწუხებდა. ის წერდა რევმატიზმისგან დამახინჯებული ფუნჯების ხელებზე შეკვრით. "ტკივილი გადის, მაგრამ სილამაზე რჩება", - თქვა მხატვარმა. ოგიუსტ რენუარი გარდაიცვალა 1919 წელს ფილტვის დაავადებით.

კამილ პისარო

დაიბადა კარიბის ზღვის კუნძულ სენტ თომაზე 1831 წელს. 25 წლის ასაკში გადავიდა საფრანგეთში, პარიზში და სწავლობდა სუისსა და კოროსთან. მონაწილეობდა "უარყოფილთა სალონში". პარალელურად გაიცნო მანე, სეზანი, მონე და სისლეი. პისარო ხატავდა პეიზაჟებს, დიდ ყურადღებას აქცევდა ობიექტების განათებას. 1868 წელს მან გამოფინა სალონში. მომდევნო წელს ომის დაწყების გამო იძულებული გახდა ლონდონში წასულიყო. იქ პისარო შეხვდა თავის მეგობარს კლოდ მონეს. ისინი ერთად წავიდნენ ღია ცის ქვეშ, შეისწავლეს ინგლისის ბუნება.

საფრანგეთში დაბრუნების შემდეგ კამილ პისარო პონტუაზში დასახლდა. 1872 წელს მასთან მივიდა სეზანი და მისი ოჯახი. მხატვრები განუყრელი მეგობრები ხდებიან. და 1881 წელს მათ შეუერთდა პოლ გოგენი. პისარო ხალისით ეხმარებოდა ახალგაზრდა მხატვრებს და უზიარებდა მათ გამოცდილებას. მან მოუწოდა, დიდი ყურადღება არ მიაქციოთ საგნების მოხაზულობის დახატვას, მთავარია არსის გადმოცემა. თქვენ უნდა დაწეროთ ის, რასაც ხედავთ და გრძნობთ, ტექნიკის სიზუსტეზე ფოკუსირების გარეშე. მხოლოდ ბუნებას შეუძლია იყოს მასწავლებელი, რომელთანაც ყოველთვის უნდა გაიაროთ კონსულტაცია.

პონტუაზში ცხოვრების განმავლობაში პისარომ შეძლო ფერწერის საკუთარი განსაკუთრებული სტილის განვითარება. მხატვარი იქ 10 წელი ცხოვრობდა. ხშირად მიმართავდა სოფლის ცხოვრებიდან ისტორიებს. მისი ნამუშევრები სავსეა სინათლითა და ლირიკულობით.

თუმცა, პისაროს ნახატები ცუდად გაიყიდა და მას უჭირდა თავისი მრავალშვილიანი ოჯახის უზრუნველყოფა. 1884 წელს მხატვარი დასახლდა სოფელ ერაგნიში, დროდადრო სტუმრობდა პარიზს თავისი ნახატების გაყიდვის ან მფარველის პოვნის იმედით. ასეთი ადამიანი იყო პოლ დიურან-რუელი, რომელმაც მიიღო მონოპოლიური უფლება ოსტატის ნამუშევრების გამოსყიდვის შესახებ.

1885 წელს კამილ პისარომ გადაწყვიტა შეუერთდეს პოსტიმპრესიონისტებს ჟორჟ სეურატსა და პოლ სინიაკს, მან სცადა ახალი მიმართულება - პოანტილიზმი. იმპრესიონისტების მერვე გამოფენაში სეურატისა და სინიაკის მონაწილეობის გამო, პისარო ეჩხუბება მონეს, რენუარს და სისლის. შედეგად, პისარო და მისი ახალი მეგობრები გამოფენდნენ ცალკე ოთახში. თუმცა საზოგადოებამ არ დააფასა ახალი მიმართულება.

1889 წელს პისარომ მიატოვა პოინტილიზმი და დაუბრუნდა თავის ძველ სტილს. წერტილებით ხატვა ვერ დააკმაყოფილებდა მის სურვილს, გადმოეცა შინაგანი შეგრძნების სპონტანურობა და სიახლე. ხალხი ისევ იწყებს მისი ნახატების ყიდვას. დიურან-რუელი აწყობს მხატვრის რამდენიმე გამოფენას.

სიცოცხლის ბოლო წლებში პისარო სერიოზულად დაინტერესდა გრაფიკით, ლითოგრაფიითა და ოქროგრაფიით. მხატვარი პარიზში 73 წლის ასაკში გარდაიცვალა. სიცოცხლის განმავლობაში მას სახელმწიფოსგან არანაირი ჯილდო არ მიუღია. პისარო ყოველთვის ეხმარებოდა ახალგაზრდა მხატვრებს და ცდილობდა მეომარი იმპრესიონისტების შერიგებას. ის ერთადერთი იყო, ვინც მონაწილეობა მიიღო მათ ყველა გამოფენაში.

ედგარ დეგასი

დეგა დაიბადა 1834 წელს. მამამისმა ბანკირმა ედგარს ხატვის შესწავლის უფლება მისცა. 21 წლის ასაკში. ახალგაზრდა შევიდა სახვითი ხელოვნების სკოლაში. 1865 წელს დეგას ნახატი "სცენა შუა საუკუნეების ცხოვრებიდან" დამტკიცდა სალონში გამოფენაზე. იმპრესიონისტებთან გაცნობა ცვლის მხატვრის მსოფლმხედველობას. ის შორდება აკადემიზმს. დეგას ურჩევნია ჟანრული მხატვრობა, რომელიც ასახავს მის გარშემო მყოფ ჩვეულებრივ ადამიანებს.

1870-იანი წლებიდან დეგას ცდილობდა პასტელებში ხატვა. მხატვარს მოეწონა ეს მასალა, რადგან ის აერთიანებდა ფერწერას გრაფიკასთან. დეგას სტილი განსხვავდებოდა სხვა იმპრესიონისტებისაგან, რომლებიც პირველ ადგილზე აყენებდნენ სინათლეს. გარდა ამისა, დეგას არ დადიოდა პლეინ ეთერებზე, ამჯობინებდა ესკიზების გაკეთებას კაფეებში, დოღებსა და მაღაზიებში. იგი ცდილობდა გამოხატოს გამოხატვა ხაზისა და ნახატის საშუალებით, რაც ყოველთვის არ ესმოდათ სხვა იმპრესიონისტებს.

დეგა ყოველთვის აქტიურ მონაწილეობას იღებდა საფრანგეთში იმპრესიონისტული გამოფენების მოწყობაში. იდეოლოგიური მიზეზების გამო მხოლოდ ერთი გამოტოვა. თუმცა, ის თავად არ თვლიდა თავს იმპრესიონისტად.

დეგას ნამუშევრები არც ისე სასიხარულოა, როგორც მისი ამხანაგების ნახატები. ის ხშირად ასახავდა ცხოვრებას გაფორმების გარეშე, როგორც ფილმში "აბსენტის მსმელები".

დეგას ირგვლივ შეიკრიბა ახალგაზრდა მხატვრების წრე - ვიდალი, კასეტი, რაფაელი, ტილო, ფორენი და სხვები, რამაც გამოიწვია განხეთქილება იმპრესიონისტულ საზოგადოებაში და გამოიწვია გარდაუვალი კონფლიქტი და, საბოლოოდ, პარტნიორობის დაშლა.

1880-იან წლებში დეგამ შექმნა ნამუშევრების სერია: "ქუდების მაღაზიაში", "შიშველი ქალები ტუალეტში". პასტელების უახლესმა სერიამ გამოიწვია საზოგადოების აღშფოთება, რადგან ქალები ყოველდღიურ საქმიანობაში რეალისტურად და მჭიდროდ იყვნენ გამოსახული.

სერიებმა "ცხენები" და "მოცეკვავეები" მხატვარს ნახატის მოძრაობაში გადმოცემის საშუალება მისცა. ბალეტის თემა დეგასთან ახლოს იყო. ვერავინ გადმოსცემდა ცეკვის არსს, როგორც მას. ედგარმა დახატა მყიფე მოცეკვავეები სცენაზე და კულისებში. სტუდიაში მეხსიერებიდან ნახატებს ხშირად აკეთებდა, რაც ასევე უჩვეულო იყო იმპრესიონისტებისთვის.

დეგას არასოდეს შეუქმნია ოჯახი. იგი განთქმული იყო რთული, ჩხუბი ხასიათით. მისი ერთადერთი გატაცება იყო ხელოვნება, რომელსაც მთელი თავისი დრო დაუთმო.

1890 წლის შემდეგ დეგას თვალის დაავადება დაემართა და ნაწილობრივ დაკარგა მხედველობა. ოსტატი მიმართავს ქანდაკებას. მან თიხისგან და ცვილისგან გამოძერწა მოცეკვავეები და ცხენები, მაგრამ მისი მრავალი ფიგურა შემდგომში დაიღუპა მასალის სისუსტის გამო. თუმცა, მხატვრის გარდაცვალების შემდეგ დარჩენილი 150 ნამუშევარი გადაკეთდა ბრინჯაოში.

დეგამ თავისი ბოლო წლები ბრმა გაატარა. ეს მისთვის დიდი ტრაგედია იყო. ედგარ დეგა გარდაიცვალა 1917 წელს პარიზში და დატოვა დიდი მემკვიდრეობა ნახატების, ნახატებისა და ქანდაკებების სახით.

მხატვრების ცხოვრებისეული ისტორიებიდან გამომდინარე, ცხადია, რომ იმპრესიონიზმს მრავალი ასპექტი აქვს. ერთ დროს ის გახდა რევოლუცია საფრანგეთისა და მთელი მსოფლიოს ხელოვნებაში, რამაც მრავალი ახალი მიმართულების გაჩენის შესაძლებლობა გახსნა. მაგრამ ერთი რამ აერთიანებდა ყველა იმპრესიონისტს. ეს არის იმ მომენტების მყიფე, მიუწვდომელი სილამაზის გამოსახვის სურვილი, საიდანაც შენდება ცხოვრება.

ტერმინი "იმპრესიონიზმი" წარმოიშვა ჟურნალ "Le Charivari"-ს კრიტიკოსის ლუი ლეროის მსუბუქი ხელიდან, რომელმაც დაასახელა თავისი ფელეტონი უარყოფილთა სალონის შესახებ "იმპრესიონისტების გამოფენა", საფუძვლად აიღო კლოდ მონეს ნახატის სათაური ". შთაბეჭდილება. ამომავალი მზე "(ფრანგ. Impression, soleil levant). თავდაპირველად, ეს ტერმინი გარკვეულწილად დამამცირებელი იყო, რაც მიუთითებდა შესაბამის დამოკიდებულებაზე მხატვრების მიმართ, რომლებიც ხატავდნენ ახალი "უყურადღებო" მანერით.

იმპრესიონიზმი ფერწერაში

წარმოშობა

1880-იანი წლების შუა პერიოდისთვის იმპრესიონიზმმა თანდათან შეწყვიტა არსებობა, როგორც ერთიანი მოძრაობა და დაიშალა, რამაც შესამჩნევი ბიძგი მისცა ხელოვნების ევოლუციას. მე-20 საუკუნის დასაწყისისთვის რეალიზმისგან დაშორებულმა ტენდენციებმა იმპულსი მოიპოვა და ხელოვანთა ახალი თაობამ თავი დაანება იმპრესიონიზმს.

სახელის წარმოშობა

იმპრესიონიზმი (ფრ. იმპრესიონიზმი, დან შთაბეჭდილება- შთაბეჭდილება) - მოძრაობა მე -19 საუკუნის ბოლო მესამედის - მე -20 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნებაში, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში და შემდეგ გავრცელდა მთელ მსოფლიოში, რომლის წარმომადგენლები ცდილობდნენ შეიმუშაონ მეთოდები და ტექნიკა, რამაც შესაძლებელი გახადა ყველაზე ბუნებრივად და ნათლად გადაღება. რეალურ სამყაროს თავისი მობილურობითა და ცვალებადობით, გადმოსცეს თავისი წარმავალი შთაბეჭდილებები. ჩვეულებრივ, ტერმინი "იმპრესიონიზმი" ეხება ფერწერის მიმართულებას (მაგრამ ეს, უპირველეს ყოვლისა, მეთოდების ჯგუფია), თუმცა მისმა იდეებმა ასევე განასახიერეს ლიტერატურასა და მუსიკაში, სადაც იმპრესიონიზმი ასევე გამოჩნდა მეთოდთა გარკვეულ კომპლექსში და. ლიტერატურული და მუსიკალური ნაწარმოებების შექმნის ტექნიკა, რომელშიც ავტორები ცდილობდნენ ცხოვრების სენსუალური, პირდაპირი ფორმით გადმოცემას, როგორც მათი შთაბეჭდილებების ასახვას.

იმ დროს მხატვრის ამოცანა იყო რეალობის რაც შეიძლება დამაჯერებლად გამოსახვა, მხატვრის სუბიექტური გრძნობების ჩვენების გარეშე. თუ მას შეუკვეთეს საზეიმო პორტრეტი, მაშინ საჭირო იყო მომხმარებლის ჩვენება ხელსაყრელი შუქით: დეფორმაციების, სულელური სახის გამომეტყველების გარეშე და ა.შ. თუ ეს რელიგიური შეთქმულება იყო, მაშინ საჭირო იყო მოწიწების და გაოგნების გრძნობის აღძვრა. თუ ეს პეიზაჟია, მაშინ აჩვენე ბუნების სილამაზე. თუმცა, თუ მხატვარი ზიზღით იგდებდა მდიდარ კაცს, რომელმაც შეუკვეთა პორტრეტი, ან იყო ურწმუნო, მაშინ არჩევანი არ იყო და დარჩა მხოლოდ საკუთარი უნიკალური ტექნიკის განვითარება და იღბლის იმედი. თუმცა, მეცხრამეტე საუკუნის მეორე ნახევარში ფოტოგრაფია აქტიურად განვითარდა და რეალისტური ფერწერა თანდათან განზე გადავიდა, რადგან მაშინაც კი ძალიან რთული იყო რეალობის ისეთივე დამაჯერებლად გადმოცემა, როგორც ფოტოზე.

ბევრი თვალსაზრისით, იმპრესიონისტების მოსვლასთან ერთად, ცხადი გახდა, რომ ხელოვნებას შეიძლება ჰქონდეს ღირებულება, როგორც ავტორის სუბიექტური წარმოდგენა. ყოველივე ამის შემდეგ, თითოეული ადამიანი განსხვავებულად აღიქვამს რეალობას და რეაგირებს მასზე საკუთარი გზით. მით უფრო საინტერესოა, როგორ აისახება რეალობა სხვადასხვა ადამიანის თვალში და რა ემოციებს განიცდიან ისინი.

მხატვარს ახლა აქვს წარმოუდგენელი რაოდენობის შესაძლებლობა თვითგამოხატვისთვის. უფრო მეტიც, თვითგამოხატვა ბევრად უფრო თავისუფალი გახდა: აიღეთ არასტანდარტული სიუჟეტი, თემა, თქვით რაიმე სხვა რელიგიური ან ისტორიული თემების გარდა, გამოიყენეთ თქვენი უნიკალური ტექნიკა და ა.შ. მაგალითად, იმპრესიონისტებს სურდათ გამოეხატათ წარმავალი შთაბეჭდილება, პირველი ემოცია. ამიტომაა მათი ნამუშევარი ბუნდოვანი და ერთი შეხედვით დაუმთავრებელი. ეს გაკეთდა იმისთვის, რომ ეჩვენებინა მყისიერი შთაბეჭდილება, როდესაც საგნებს ჯერ კიდევ არ ჰქონდათ ფორმა მიღებული გონებაში და ჩანდა მხოლოდ მსუბუქი ბზინვარება, ნახევარტონები და ბუნდოვანი კონტურები. ახლომხედველები გამიგებენ) წარმოიდგინეთ, რომ თქვენ ჯერ არ გინახავთ მთლიანი ობიექტი, ხედავთ მას შორიდან ან უბრალოდ არ უყურებთ, მაგრამ თქვენ უკვე შექმენით რაიმე სახის შთაბეჭდილება მასზე. თუ ამის გამოსახვას ცდილობთ, სავარაუდოა, რომ იმპრესიონისტული ნახატების მსგავსი აღმოჩნდებით. ერთგვარი ესკიზი. ამიტომ აღმოჩნდა, რომ იმპრესიონისტებისთვის უფრო მნიშვნელოვანი იყო არა ის, თუ რა იყო გამოსახული, არამედ როგორ.

ამ ჟანრის მთავარი წარმომადგენლები ფერწერაში იყვნენ: მონე, მანე, სისლი, დეგა, რენუარი, სეზანი. ცალკე, აუცილებელია აღინიშნოს უმლიამ ტერნერი, როგორც მათი წინამორბედი.

სიუჟეტზე საუბრისას:

მათი ნახატები წარმოადგენდა მხოლოდ ცხოვრების პოზიტიურ ასპექტებს, სოციალურ პრობლემებზე შეხების გარეშე, მათ შორის შიმშილს, დაავადებასა და სიკვდილს. მოგვიანებით ამან გამოიწვია განხეთქილება თავად იმპრესიონისტებს შორის.

ფერადი სქემები

იმპრესიონისტებმა დიდი ყურადღება დაუთმეს ფერს, ძირეულად მიატოვეს მუქი ჩრდილები, განსაკუთრებით შავი. მათი ნამუშევრების ფერთა სქემისადმი ასეთმა ყურადღებამ თავად ფერი მიიყვანა სურათში ძალიან მნიშვნელოვან ადგილზე და აიძულა მხატვრებისა და დიზაინერების შემდგომი თაობები ყურადღებიანად მოეკიდონ ფერს, როგორც ასეთს.

კომპოზიცია

იმპრესიონისტების კომპოზიცია აგონებდა იაპონურ მხატვრობას; გამოყენებული იყო რთული კომპოზიციური სქემები და სხვა კანონები (არა ოქროს თანაფარდობა ან ცენტრი). ზოგადად, სურათის სტრუქტურა უფრო ხშირად ხდება ასიმეტრიული, უფრო რთული და საინტერესო ამ თვალსაზრისით.

იმპრესიონისტებს შორის კომპოზიციამ დაიწყო უფრო დამოუკიდებელი მნიშვნელობა; იგი გახდა ფერწერის ერთ-ერთი საგანი, კლასიკურისგან განსხვავებით, სადაც ის უფრო ხშირად (მაგრამ არა ყოველთვის) ასრულებდა სქემის როლს, რომლის მიხედვითაც შენდებოდა ნებისმიერი ნამუშევარი. . მე-19 საუკუნის ბოლოს გაირკვა, რომ ეს იყო ჩიხი და თავად კომპოზიციას შეეძლო გარკვეული ემოციების გადატანა და სურათის შეთქმულების მხარდაჭერა.

წინამორბედები

ელ გრეკო - იმიტომ, რომ მან მსგავსი ტექნიკა გამოიყენა საღებავის გამოყენებისას და ფერმა მისთვის სიმბოლური მნიშვნელობა შეიძინა. იგი ასევე გამოირჩეოდა ძალიან ორიგინალური მანერით და ინდივიდუალურობით, რისკენაც იმპრესიონისტებიც ისწრაფოდნენ.

იაპონური გრავიურა - იმიტომ, რომ მან იმ წლებში დიდი პოპულარობა მოიპოვა ევროპაში და აჩვენა, რომ სურათის აგება შესაძლებელია სრულიად განსხვავებული წესებით, ვიდრე ევროპული ხელოვნების კლასიკური კანონები. ეს ეხება კომპოზიციას, ფერის გამოყენებას, დეტალებს და ა.შ. ასევე, იაპონურ და ზოგადად აღმოსავლურ ნახატებსა და გრავიურებში ბევრად უფრო ხშირად იყო გამოსახული ყოველდღიური სცენები, რაც თითქმის არ იყო ევროპულ ხელოვნებაში.

მნიშვნელობა

იმპრესიონისტებმა ნათელი კვალი დატოვეს მსოფლიო ხელოვნებაში, შეიმუშავეს წერის უნიკალური ტექნიკა და დიდი გავლენა მოახდინეს ხელოვანთა ყველა მომდევნო თაობაზე თავიანთი ნათელი და დასამახსოვრებელი ნამუშევრებით, პროტესტი კლასიკური სკოლის წინააღმდეგ და ფერადი უნიკალური ნამუშევარი. მაქსიმალური უშუალობისა და სიზუსტისკენ სწრაფვა. ხილული სამყაროს გადმოცემისას მათ დაიწყეს ხატვა ძირითადად ღია ცის ქვეშ და წამოჭრეს ესკიზების მნიშვნელობა ცხოვრებიდან, რომელმაც თითქმის ჩაანაცვლა სტუდიაში ფრთხილად და ნელა შექმნილი ფერწერის ტრადიციული ტიპი.

თანმიმდევრულად აზუსტებდნენ თავიანთ პალიტრას, იმპრესიონისტებმა გაათავისუფლეს ფერწერა მიწიერი და ყავისფერი ლაქებისა და საღებავებისგან. მათ ტილოებში ჩვეულებრივი, „მუზეუმის“ სიბნელე ადგილს აძლევს რეფლექსებისა და ფერადი ჩრდილების უსაზღვროდ მრავალფეროვან თამაშს. მათ განუზომლად გააფართოვეს სახვითი ხელოვნების შესაძლებლობები, გამოავლინეს არა მხოლოდ მზის, სინათლისა და ჰაერის სამყარო, არამედ ლონდონის ნისლების სილამაზე, დიდი ქალაქის ცხოვრების მოუსვენარი ატმოსფერო, მისი ღამის განათების გაფანტვა და განუწყვეტელი მოძრაობის რიტმი.

ღია ცის ქვეშ მუშაობის თავად მეთოდის გამო, ლანდშაფტს, მათ შორის მათ აღმოჩენილ ქალაქის ლანდშაფტს, ძალიან მნიშვნელოვანი ადგილი ეკავა იმპრესიონისტების ხელოვნებაში. თუმცა არ უნდა ვივარაუდოთ, რომ მათ მხატვრობას ახასიათებდა მხოლოდ რეალობის „პეიზაჟური“ აღქმა, რისთვისაც მათ ხშირად აკრიტიკებდნენ. მათი შემოქმედების თემატური და სიუჟეტური დიაპაზონი საკმაოდ ფართო იყო. ხალხისადმი ინტერესი და, კერძოდ, საფრანგეთის თანამედროვე ცხოვრებით, ფართო გაგებით, დამახასიათებელი იყო ამ ტენდენციის არაერთი წარმომადგენლისთვის. მისი ცხოვრების დამამტკიცებელი, ფუნდამენტურად დემოკრატიული პათოსი აშკარად ეწინააღმდეგებოდა ბურჟუაზიულ მსოფლიო წესრიგს.

ამავდროულად, იმპრესიონიზმი და, როგორც მოგვიანებით დავინახავთ, პოსტიმპრესიონიზმი არის ორი მხარე, უფრო სწორად, ორი თანმიმდევრული დროის ეტაპი იმ ფუნდამენტური ცვლილებისა, რომელიც ხაზს უსვამდა საზღვარს ახალი და თანამედროვე დროის ხელოვნებას შორის. ამ გაგებით, იმპრესიონიზმი, ერთის მხრივ, ასრულებს ყველაფრის განვითარებას რენესანსის ხელოვნების შემდეგ, რომლის წამყვანი პრინციპი იყო გარემომცველი სამყაროს ასახვა თავად რეალობის ვიზუალურად საიმედო ფორმებში, ხოლო მეორე მხრივ, ის არის რენესანსის შემდეგ სახვითი ხელოვნების ისტორიაში უდიდესი რევოლუციის დასაწყისი, რომელმაც საფუძველი ჩაუყარა თვისობრივად ახალ ხელოვნებას. სცენა -

მეოცე საუკუნის ხელოვნება.

ყველაფერს თავისი სათავე აქვს სადღაც წარსულში, მათ შორის ნახატები, რომლებიც დროთა განმავლობაში შეიცვალა და მიმდინარე ტენდენციები ყველასთვის გასაგები არ არის. მაგრამ ყველაფერი ახალი კარგად დავიწყებული ძველია და თანამედროვე მხატვრობის გასაგებად, არ არის საჭირო უძველესი დროიდან ხელოვნების ისტორიის ცოდნა, უბრალოდ უნდა გაიხსენო მე-19 და მე-20 საუკუნეების მხატვრობა.

XIX საუკუნის შუა პერიოდი იყო ცვლილებები არა მხოლოდ ისტორიაში, არამედ ხელოვნებაშიც. ყველაფერი, რაც ადრე იყო: კლასიციზმი, რომანტიზმი და განსაკუთრებით აკადემიზმი - გარკვეული საზღვრებით შემოსული მოძრაობები. საფრანგეთში 50-60-იან წლებში მხატვრობის ტენდენციები დაწესდა ოფიციალური სალონის მიერ, მაგრამ ტიპიური "სალონური" ხელოვნება ყველას არ უხდებოდა, რამაც აიხსნა ახალი ტენდენციები, რომლებიც წარმოიშვა. იმდროინდელ მხატვრობაში მოხდა რევოლუციური აფეთქება, რომელმაც დაარღვია მრავალსაუკუნოვანი ტრადიციები და საფუძვლები. და ერთ-ერთი ეპიცენტრი იყო პარიზი, სადაც 1874 წლის გაზაფხულზე ახალგაზრდა მხატვრებმა, რომელთა შორის იყვნენ მონე, პისარო, სისლეი, დეგა, რენუარი და სეზანი, მოაწყეს საკუთარი გამოფენა. იქ წარმოდგენილი ნამუშევრები სრულიად განსხვავდებოდა სალონისგან. მხატვრები სხვა მეთოდს იყენებდნენ - რეფლექსები, ჩრდილები და სინათლე გადმოცემული იყო სუფთა საღებავებით, ინდივიდუალური შტრიხებით, თითოეული ობიექტის ფორმა თითქოს ჰაერ-მსუბუქ გარემოში იხსნება. მხატვრობის სხვა მიმართულებამ არ იცოდა ასეთი მეთოდები. ეს ეფექტები დამეხმარა მაქსიმალურად გამომეხატა ჩემი შთაბეჭდილებები მუდმივად ცვალებად საგნებზე, ბუნებაზე და ადამიანებზე. ერთმა ჟურნალისტმა უწოდა ჯგუფს "იმპრესიონისტები", რითაც სურდა გამოეჩინა თავისი ზიზღი ახალგაზრდა მხატვრების მიმართ. მაგრამ მათ მიიღეს ეს ტერმინი და ის საბოლოოდ გაიდგა ფესვებს და შევიდა აქტიურ გამოყენებაში, დაკარგა უარყოფითი მნიშვნელობა. ასე გაჩნდა იმპრესიონიზმი, მე-19 საუკუნის მხატვრობის ყველა სხვა ტენდენციისგან განსხვავებით.

თავდაპირველად, რეაქცია ინოვაციაზე მტრული იყო. არავის სურდა ძალიან თამამი და ახალი ნახატების ყიდვა და ეშინოდათ, რადგან ყველა კრიტიკოსი იმპრესიონისტებს სერიოზულად არ აღიქვამდა და იცინოდათ. ბევრმა თქვა, რომ იმპრესიონისტ მხატვრებს სურდათ სწრაფი პოპულარობის მიღწევა, ისინი უკმაყოფილო იყვნენ კონსერვატიზმთან და აკადემიზმთან მკვეთრი შეწყვეტით, ასევე ნამუშევრის დაუმთავრებელი და "დაუმუშავებელი" გარეგნობით. მაგრამ შიმშილმა და სიღარიბემაც კი ვერ აიძულა მხატვრები დაეტოვებინათ თავიანთი რწმენა და ისინი განაგრძობდნენ მანამ, სანამ მათი ნახატები საბოლოოდ არ იქნა აღიარებული. მაგრამ აღიარების მოლოდინს ძალიან დიდი დრო დასჭირდა; ზოგიერთი იმპრესიონისტი მხატვარი ცოცხალი აღარ იყო.

შედეგად, 60-იან წლებში პარიზში წარმოშობილ მოძრაობას უდიდესი მნიშვნელობა ჰქონდა XIX-XX საუკუნეებში მსოფლიო ხელოვნების განვითარებისთვის. ყოველივე ამის შემდეგ, ფერწერის მომავალი მიმართულებები დაფუძნებული იყო ზუსტად იმპრესიონიზმზე. ყოველი მომდევნო სტილი ჩნდებოდა ახლის ძიებაში. პოსტიმპრესიონიზმი დაბადება იმავე იმპრესიონისტებმა, რომლებმაც გადაწყვიტეს, რომ მათი მეთოდი შეზღუდული იყო: ღრმა და პოლისემანტიური სიმბოლიზმი იყო პასუხი მხატვრობაზე, რომელმაც „მნიშვნელობა დაკარგა“, ხოლო მოდერნიზმი, თუნდაც მისი სახელით, რაღაც ახლისკენ მოუწოდებს. რა თქმა უნდა, ხელოვნებაში მრავალი ცვლილება მოხდა 1874 წლიდან, მაგრამ მხატვრობის ყველა თანამედროვე ტენდენცია, ამა თუ იმ გზით, ემყარება პარიზულ წარმავალ შთაბეჭდილებას.

იმპრესიონიზმი- მოძრაობა მე-19 საუკუნის ბოლო მესამედის - მე-20 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნებაში, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში და შემდეგ გავრცელდა მთელ მსოფლიოში, რომლის წარმომადგენლები ცდილობდნენ ყველაზე ბუნებრივად და მიუკერძოებლად აღებეჭდათ რეალური სამყარო მისი მობილურობითა და ცვალებადობით, გადმოეცათ მათი წარმავალი შთაბეჭდილებები. როგორც წესი, ტერმინი „იმპრესიონიზმი“ ეხება მოძრაობას ფერწერაში, თუმცა მისმა იდეებმა ასევე იპოვეს განსახიერება ლიტერატურასა და მუსიკაში.

ფერწერა.

იმპრესიონიზმი წარმოიშვა საფრანგეთში მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარში. ახალგაზრდა მხატვრებს სურდათ გასცლოდნენ კლასიკურ ფერწერას. რაც არც ისე ადვილი იყო: არც კრიტიკოსებს და არც საზოგადოებას არ სურდათ მიეღოთ ნახატები, რომლებიც ასე განსხვავდებოდა ჩვეულებრივი აკადემიური მხატვრობისგან "ძველი" სტილით.

ახალი მოძრაობის მხატვრების ნახატები არც კი ითვლებოდა ნახატებად, ისინი იმდენად ჰგავდნენ სწრაფ ჩანახატებს.

მაგრამ ეს იყო ახალი მიმართულების არსი - მომენტის დაჭერა, ცხოვრების ჩვენება ისეთი, როგორიც არის. იმპრესიონისტები არ იგონებენ საგნებს, ისინი იღებენ მათ ყოველდღიურ ცხოვრებიდან: ეს არის ყველაფერი, რისი დანახვაც ყველას შეუძლია მხოლოდ გარეთ გასვლისას.

მხატვრებმა დაიწყეს სრულიად ახალი ფერწერის ტექნიკის გამოყენება. საღებავები არ იყო შერეული მოლბერტზე, არამედ ტილოზე ცალ-ცალკე შტრიხებით. ამიტომ, სურათის სრული სურათის მისაღებად, ისინი ახლო მანძილიდან უნდა ნახოთ და არა ახლოდან. ამ აღქმით, მკაფიო ცალკეული შტრიხები შეუფერხებლად გარდაიქმნება ერთმანეთში და ყალიბდება სურათის იდეა.

წინა წლის ოსტატებისგან განსხვავებით, იმპრესიონისტები არ მუშაობდნენ სახელოსნოებში, ასრულებდნენ და აუმჯობესებდნენ თავიანთ ესკიზებს. სწორედ მათ შორის ხდება პოპულარული plein air ტექნიკა - ანუ ღია ცის ქვეშ მუშაობა. მხატვრები მოგზაურობდნენ გარეუბნებში (განსაკუთრებით პოპულარული იყო ფონტენბლოს ტყე), სადაც ისინი ასახავდნენ პიკნიკებს ან ასახავდნენ პარიზის ცხოვრების სცენებს: მონე და რენუარი ხშირად ასახავდნენ სცენებს სენას სანაპიროებზე და რენუარის ნახატების სერიას მულენიდან. ცნობილია აგრეთვე დე ლა გალეტი.

მაგრამ იმპრესიონისტები ყოველთვის არ იყვნენ დაინტერესებულნი ადამიანებით ან ბუნებით. გაცილებით საინტერესო იყო, მაგალითად, ჰაერის მოძრაობის ან მზის დაცემის გადმოცემა. მაგალითად, მონეს ნახატში "გარე სენ-ლაზარე" გამოსახულების მთავარი თემა თავად სადგური ან მატარებელი კი არ არის, არამედ კვამლი, რომელიც ღრუბლებში ამოდის მწეველი საკვამურიდან.

ახალი მოძრაობა განსხვავდებოდა აკადემიური მხატვრობისგან, როგორც ტექნიკურად, ასევე იდეოლოგიურად. უპირველეს ყოვლისა, იმპრესიონისტებმა მიატოვეს კონტური, შეცვალეს იგი მცირე, ცალკე და კონტრასტული შტრიხებით. მზის სხივი დაყოფილია კომპონენტებად: იისფერი, ლურჯი, ცისფერი, მწვანე, ყვითელი, ნარინჯისფერი, წითელი, მაგრამ რადგან ლურჯი ლურჯის სახეობაა, მათი რიცხვი ექვსამდე მცირდება. ერთმანეთის გვერდით მოთავსებული ორი ფერი აძლიერებს ერთმანეთს და, პირიქით, შერევისას კარგავენ ინტენსივობას. გარდა ამისა, ყველა ფერი იყოფა პირველად, ან ძირითად, და ორმაგად ან წარმოებულებად, რომელთაგან თითოეული ორმაგი ფერი ავსებს პირველს:

ლურჯი - ნარინჯისფერი

წითელი მწვანე

ყვითელი - იისფერი

ზოგადად, ბევრი ოსტატი მუშაობდა იმპრესიონიზმის სტილში, მაგრამ მოძრაობის საფუძველი იყო ედუარდ მანე, კლოდ მონე, ოგიუსტ რენუარი და დეგა. თუმცა, მანე ყოველთვის საკუთარ თავს "დამოუკიდებელ მხატვარს" უწოდებდა და არასოდეს მონაწილეობდა გამოფენებში, და მიუხედავად იმისა, რომ დეგა მონაწილეობდა, ის არასოდეს ხატავდა თავის ნამუშევრებს პირდაპირ ეთერში.

მხატვრები. (ბევრი, მაგრამ საკმარისია მოკლედ იცოდეთ მათი მუშაობის შესახებ)

რამდენად ორგანულად ერწყმოდა ტრადიცია და ინოვაცია იმპრესიონისტების ხელოვნებაში, მოწმობს, პირველ რიგში, მე-19 საუკუნის გამოჩენილი მხატვრის შემოქმედება. ედუარდ მანე. იმავდროულად, ამ ნამუშევრებში, ისევე როგორც მის შემდგომ ნამუშევრებში, მხატვარი ეყრდნობა კლასიკური ხელოვნების გამოცდილებას. თანამედროვე ცხოვრების ესთეტიურად გააზრების მცდელობისას მანე იყენებს რენესანსის მხატვრების დიდებულ კომპოზიციურ სქემებს, ჟორჟიონედან და ტიციანიდან ველასკესთან და გოიამდე. მისი ნახატები, 1860-იანი წლების არაერთი პორტრეტი და სხვა ნამუშევრები დაიწერა ტრადიციული ფერწერული მანერით, რომელიც ჯერ კიდევ ბოლომდე არ იყო დაძლეული, თუმცა აქაც უკვე იგრძნობა ღია ფერისა და ბუნებრივი სინათლის სურვილი. მოგვიანებით მანეს პალიტრა შესამჩნევად მსუბუქი ხდება. ის იყო ერთ-ერთი პირველი, ვინც დაიწყო ხატვა სუფთა თეთრ მიწაზე, ან "დატვირთა" იგი ნათელი მზიანი ფერების მდიდარი შტრიხებით, ან დაფარა იგი კეთილშობილური ვარდისფერი და რუხი-ნაცრისფერი ჩრდილების საუკეთესო ნახევარტონებით. მას გააჩნდა ფერთა გაუთავებელი სიმდიდრისა და ობიექტური სამყაროს ცოცხალი შიშის გადმოცემის ნიჭი, რაც განსაკუთრებით მკაფიოდ გამოიხატა ნატურმორტში - „მანეს არცერთ თანამედროვეს არ შეეძლო მასზე უკეთესად დახატვა ნატურმორტი“. მანეს ინოვაცია მდგომარეობდა იმაში. რომ მან შეძლო ახალი, მიუკერძოებელი შეხედვა მის გარშემო არსებულ რეალობაზე და გაეფართოებინა ფენომენების სპექტრი, რომელსაც სახვითი ხელოვნება მიმართავდა. მას არ ეშინოდა ჭეშმარიტად მაღალი ხელოვნების საგანი გაეკეთებინა და სრულყოფილ ფერწერულ ფორმებში განესახიერებინა ცხოვრების ისეთი ასპექტები და ადამიანური ურთიერთობები, რომლებზეც მის წინაშე მხატვრები ზურგს აქცევდნენ ან ვერ ამჩნევდნენ.

ხელოვნების ცენტრში ედგარ დეგასიადამიანი ყოველთვის იდგა, ხოლო პეიზაჟი, ალბათ იმპრესიონისტების წამყვანი ჟანრი, არ თამაშობდა მის შემოქმედებაში მნიშვნელოვან როლს. ინგრესის დიდი თაყვანისმცემელი, განსაკუთრებულ მნიშვნელობას ანიჭებდა ნახატს. იტალიაში აღფრთოვანებული იყო მანტენია, ფრანგ მხატვრებს შორის დაინტერესებული იყო პუსენით და კოპირებდა მის ნახატებს. დეგა მანეს გავლენით მოძრაობს თანამედროვე ცხოვრების სცენების გამოსასახად. მისი მთავარი თემები ბალეტისა და დოღის სამყაროა, მხოლოდ იშვიათ შემთხვევებში სცილდება მათ, მიუბრუნდება პარიზის ბოჰემის ცხოვრებას, ასახავს მილანერებს, უთოებს და მრეცხავებს. დეგას ინოვაცია მოძრაობის გადმოცემაში განუყოფლად არის დაკავშირებული მის კომპოზიციურ ოსტატობასთან. მასში, კიდევ უფრო მძაფრად, ვიდრე მანეში, იგრძნობა უნებლიეობა, უბედური შემთხვევა, ცხოვრების დინებისგან ცალკე ეპიზოდის გატაცება. ამას ის აღწევს მოულოდნელი ასიმეტრიით და უჩვეულო ხედვით (ხშირად ზემოდან ან გვერდიდან, კუთხით), სივრცის „ამობურცვით“ თითქოს სარკეში ჩანს, ექსპრესიული კადრებით და ჩარჩოს თამამი ჭრილებით. ბუნებრიობის და სრული თავისუფლების ეს განცდა მიღწეული იყო შრომისმოყვარეობით, ზუსტი გათვლებით და ზუსტი კომპოზიციური კონსტრუქციით.

ძნელი წარმოსადგენია დეგას ხელოვნების უფრო დიდი ანტითეზა, ვიდრე მხატვრობა ოგიუსტ რენუარისაფრანგეთის ერთ-ერთი ყველაზე მზიანი და სიცოცხლის დამამტკიცებელი მხატვარი, რომელსაც A.V. Lunacharsky უწოდა "ბედნიერების მხატვარი". რენუარის უდიდესი მიღწევები დაკავშირებული იყო ქალებისა და ბავშვების გამოსახვასთან. მისი საყვარელი ტიპია ქალები ხვეული ფიგურებით, დაბერილი ტუჩებით, დახრილი ცხვირითა და მომხიბვლელად დაუფიქრებელი თვალებით. ხატავს მათ ჩაცმული და შიშველი, გარეთ წვიმაში, საქანელაზე ბაღში, ცურვისას ან საუზმის დროს გარუჯულ გემებთან ერთად. მისი მოდელები არიან გოგონები ხალხიდან და ღარიბი ბურჟუა ქალები, ჯანსაღი და სუფთა, არ აცვიათ კორსეტი და არ რცხვენიათ მათი სიშიშვლით.