რენესანსის მუსიკალური კულტურა. მუსიკალური ლიტერატურის გაკვეთილი "რენესანსის მუსიკა"

რენესანსი(ფრანგული) რენესანსი) - ეპოქა დასავლეთ ევროპის კულტურულ-ისტორიულ ცხოვრებაში XV-XVI სს. (იტალიაში - XIV-XVI სს.). ეს არის კაპიტალისტური ურთიერთობების გაჩენისა და განვითარების, ერების, ენების, ეროვნული კულტურების ჩამოყალიბების პერიოდი. რენესანსი არის დიდი გეოგრაფიული აღმოჩენების, ბეჭდვის გამოგონებისა და მეცნიერების განვითარების დრო.

ეპოქამ მიიღო სახელი იმის გამო აღორძინებაინტერესი ანტიკურიხელოვნება, რომელიც იდეალად იქცა იმდროინდელი კულტურის მოღვაწეებისთვის. კომპოზიტორები და მუსიკის თეორეტიკოსები - ჯ. ტინქტორისი, გ. ცარლინო და სხვები - სწავლობდნენ ძველბერძნულ მუსიკალურ ტრაქტატებს; მიქელანჯელოსთან შედარებული ჯოსკინ დესპრეს მუსიკალურ ნაწარმოებებში „ძველი ბერძნების დაკარგული სრულყოფილება გაიზარდა“; გამოჩნდა XVI საუკუნის ბოლოს - XVII საუკუნის დასაწყისში. ოპერა ორიენტირებულია ანტიკური დრამის კანონებზე.

რენესანსის ხელოვნების საფუძველი იყო ჰუმანიზმი(ლათინური "humanus" - ჰუმანური, ჰუმანური) - შეხედულება, რომელიც აცხადებს ადამიანს უმაღლეს ფასეულობად, იცავს ადამიანის უფლებას რეალობის ფენომენების საკუთარი შეფასებისთვის, აყენებს მოთხოვნას მეცნიერული ცოდნისა და ფენომენების ადეკვატური ასახვის შესახებ. რეალობა ხელოვნებაში. აღორძინების ეპოქის იდეოლოგები შუა საუკუნეების თეოლოგიას მიწიერი გრძნობებითა და ინტერესებით გამსჭვალული ადამიანის ახალ იდეალს უპირისპირებდნენ. ამავდროულად, რენესანსის ხელოვნებამ შეინარჩუნა წინა ეპოქის თვისებები (არსებითად საერო იყო, გამოიყენებოდა შუა საუკუნეების ხელოვნების გამოსახულებები).

რენესანსი ასევე იყო ფართო ანტიფეოდალური და ანტიკათოლიკური რელიგიური მოძრაობების დრო (ჰუსიტიზმი ჩეხეთში, ლუთერანიზმი გერმანიაში, კალვინიზმი საფრანგეთში). ყველა ეს რელიგიური მოძრაობა გაერთიანებულია საერთო კონცეფციით: პროტესტანტიზმი"(ან" რეფორმაცია»).

რენესანსის დროს ხელოვნება (მათ შორის მუსიკა) სარგებლობდა უზარმაზარი საჯარო ავტორიტეტით და ძალიან ფართოდ გავრცელდა. სახვითი ხელოვნება (ლ. და ვინჩი, რაფაელი, მიქელანჯელო, იან ვან ეიკი, პ. ბრიუგელი და სხვ.), არქიტექტურა (ფ. ბრუნელესკი, ა. პალადიო), ლიტერატურა (დანტე, ფ. პეტრარქი, ფ. რაბელე, მ. სერვანტესი. , W. Shakespeare), მუსიკა.

რენესანსის მუსიკალური კულტურის დამახასიათებელი ნიშნები:

სწრაფი განვითარება საერომუსიკა (საერო ჟანრების ფართო გავრცელება: მადრიგალები, ფროტოლები, ვილანელები, ფრანგული „შანსონები“, ინგლისური და გერმანული პოლიფონიური სიმღერები), მისი შემოტევა საერო კულტურის პარალელურად არსებულ ძველ საეკლესიო მუსიკალურ კულტურაზე;

რეალისტურიმუსიკის ტენდენციები: ახალი საგნები, ჰუმანისტური შეხედულებების შესაბამისი სურათები და, შედეგად, მუსიკალური გამოხატვის ახალი საშუალებები;

ხალხური მელოდიაროგორც მუსიკალური ნაწარმოების წამყვანი დასაწყისი. ხალხური სიმღერები გამოიყენება როგორც cantus firmus (მთავარი, უცვლელი მელოდია ტენორში მრავალხმიან ნაწარმოებებში) და მრავალხმიან მუსიკაში (მათ შორის საეკლესიო მუსიკაში). მელოდია ხდება უფრო რბილი, მოქნილი და მელოდიური, რადგან... არის ადამიანის გამოცდილების პირდაპირი გამოხატულება;

ძლიერი განვითარება მრავალხმიანიმუსიკა, მათ შორის. და " მკაცრი სტილი" (წინააღმდეგ შემთხვევაში -" კლასიკური ვოკალური პოლიფონია“, რადგან ორიენტირებულია ვოკალურ და საგუნდო შესრულებაზე). მკაცრი სტილი გულისხმობს დადგენილი წესების სავალდებულო დაცვას (მკაცრი სტილის ნორმები ჩამოაყალიბა იტალიელმა გ. ზარლინომ). მკაცრი სტილის ოსტატებმა აითვისეს კონტრაპუნქტის, იმიტაციისა და კანონიკის ტექნიკა. მკაცრი მწერლობა ეფუძნებოდა დიატონური ეკლესიის რეჟიმის სისტემას. თანხმოვნები დომინირებს ჰარმონიაში, დისონანსების გამოყენება მკაცრად შეზღუდული იყო სპეციალური წესებით. დამატებულია ძირითადი და მცირე რეჟიმები და საათის სისტემა. თემატური საფუძველი იყო გრიგორიანული გალობა, მაგრამ გამოყენებული იყო საერო მელოდიებიც. მკაცრი სტილის კონცეფცია არ მოიცავს რენესანსის ყველა პოლიფონიურ მუსიკას. იგი ძირითადად ორიენტირებულია პალესტრინისა და ო. ლასოს მრავალხმიანობაზე;

ახალი ტიპის მუსიკოსის ჩამოყალიბება - პროფესიონალი, რომელმაც მიიღო ყოვლისმომცველი სპეციალიზებული მუსიკალური განათლება. „კომპოზიტორის“ ცნება პირველად ჩნდება;

ეროვნული მუსიკალური სკოლების ფორმირება (ინგლისური, ჰოლანდიური, იტალიური, გერმანული და სხვ.);

პირველი შემსრულებლების გამოჩენაზე ლუტი, ვიოლინო, ვიოლინო, კლავესინი, ორღანი;სამოყვარულო მუსიკალური შემოქმედების აყვავება;

მუსიკის ბეჭდვის გაჩენა.

რენესანსის ძირითადი მუსიკალური ჟანრები

რენესანსის უდიდესი მუსიკალური თეორეტიკოსები:

იოჰან ტინტორისი (1446 - 1511),

გლარიანი (1488 - 1563),

ჯოზეფო ზარლინო (1517 - 1590 წწ).

აღორძინება

მუსიკა ერთ მხატვრულ ეპოქაში

უფრო გვიან ვითარდება ვიდრე სხვა ხელოვნება.

მისი უმაღლესი მიღწევები ჩვეულებრივ თარიღდება ეპოქის ბოლოს.

ეს ბუნებრივია რენესანსისთვის, ბაროკოსა და კლასიციზმისთვის.

მხატვრული იდეალი

დიდი ხნის განმავლობაში უძველესი პრინციპები ითვლებოდა ადამიანის ხელოვნების უმაღლეს მიღწევად, როგორც ნიმუშად, ხოლო შუა საუკუნეების პრინციპები განიხილებოდა, როგორც გადაგვარება და დაცემა, უნარების დაკარგვის შედეგად, ამის დასაძლევად რენესანსის ხელოვნებას მოუწოდებდნენ. არასრულფასოვნებას.

რენესანსის მუსიკაან რენესანსის მუსიკა, ეხება პერიოდს დაახლოებით 1400-დან 1600 წლამდე. რენესანსმა თავი გამოიჩინა ყველაზე ადრე და ყველაზე ნათლად იტალიის ხელოვნებაში მე-14 საუკუნეში. სიძველე იქვე ნანგრევებში იწვა. იტალიამ აღმოაჩინა თავისი წარსული და იპოვა თავისი აწმყო.

ჰოლანდიური სკოლა ჩამოყალიბდა და პირველ მწვერვალს მიაღწია მე-15 საუკუნეში. საფრანგეთში, რენესანსის ნიშნები აშკარად გამოჩნდა მე -16 საუკუნეში. ხელოვნების აღზევება გერმანიაში, ინგლისში და რენესანსის ორბიტაში შემავალ ზოგიერთ სხვა ქვეყანაში მე-16 საუკუნით თარიღდება.

დაიბადა ახალი მსოფლმხედველობა - ჰუმანიზმიდა ხელოვნებამ პირი შეაქცია ადამიანისკენ, სამყაროს გრძნობადი სილამაზისკენ. მუსიკოსები თანდათან შორდებიან კომპოზიციის მკაცრ საეკლესიო წესებს და ქმნიდნენ მუსიკას საკუთარი გემოვნებით. სწორია ის, რაც კარგად ჟღერს და ბევრს მოსწონს.

აღორძინება მოხდა ადამიანის საქმიანობის ყველა სფეროში: კოლუმბისა და ვასკო და გამას დიდმა გეოგრაფიულმა აღმოჩენებმა, მეცნიერულმა აღმოჩენებმა და ნ.კოპერნიკის სამყაროს ჰელიოცენტრულმა სისტემამ შეცვალა იდეები დედამიწისა და სამყაროს შესახებ. რენესანსის მხატვრებმა აღმოაჩინეს პერსპექტივა (ლეონარდო და ვინჩი) და შეძლეს თავიანთ ნახატებს მიეცათ სამგანზომილებიანი განცდა.

ახალი ადამიანი აღარ არის მორჩილი მონა, არამედ თავმოყვარე, თავისი წარსულით და აწმყოთი ამაყი. რენესანსმა სამყაროს ბრწყინვალე და მრავალნიჭიანი ხალხი მისცა: დანტე, პეტრარქა, ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი, მიქელანჯელო, პარაცელსუსი და ა.შ.

ეკონომიკაში ყალიბდებოდა ახალი, კაპიტალისტური ურთიერთობები, ვითარდებოდა ვაჭრობა და ხელოსნობა, ბეჭდვის გამოგონებამ ხელი შეუწყო განათლების გავრცელებას. სკ მუსიკაში არის მაჟორული და მინორი რეჟიმები და გვიანდელი მუსიკის დამახასიათებელი რიტმების საათის სისტემა.
რენესანსის მუსიკას აქვს გრძნობების განსაკუთრებული სტრუქტურა - ამაღლებული, ჰარმონიული, მშვიდი და დიდებული. ტექსტსა და მუსიკას შორის კავშირი უფრო მჭიდრო ხდება, მუსიკა იწყებს განწყობის გადმოცემას, ან, როგორც მაშინ ამბობდნენ, ტექსტის ზემოქმედების გადმოცემას.

რენესანსის მუსიკა განვითარდა ორი მიმართულებით - საეკლესიო და საერო. იმდროინდელმა საეკლესიო მრავალხმიანობამ მოგვიანებით მიიღო სახელი "მკაცრი სტილი". მკაცრი სტილის მუსიკა კომპოზიტორის ამაღლებული აბსტრაქტული აზროვნების შედეგია. ეს იყო მუსიკა ღვთისთვის.

საეკლესიო მუსიკის მთავარ ჟანრად რჩება მასობრივი.

რენესანსის მუსიკალური ინსტრუმენტები

ინსტრუმენტებს შორის უპირატესობა ორღანს მიენიჭა. რენესანსის საკონცერტო ცხოვრებაში მთავარი ინსტრუმენტი იყო ორღანი, მაგრამ დროთა განმავლობაში მუსიკალური ინსტრუმენტების შემადგენლობა მნიშვნელოვნად გაფართოვდა. გაჩნდა ვიოლები - მშვილდოსანი სიმების ოჯახი. ფორმაში ისინი წააგავს თანამედროვე ვიოლინოებს, ვიოლებს და ჩელოს და მათ უშუალო წინამორბედებად ითვლებიან.

თუმცა, ჯერ კიდევ არის განსხვავება და მნიშვნელოვანი. ვიოლებს აქვთ რეზონანსული სიმების სისტემა; როგორც წესი, არის იმდენი, რამდენიც მთავარი (ექვსიდან შვიდამდე). რეზონანსული სიმების ვიბრაციები ვიბრაციებს ხდის რბილს და ხავერდოვანს, მაგრამ ინსტრუმენტი ძნელი გამოსაყენებელია ორკესტრში, რადგან სიმების სიმრავლის გამო ის სწრაფად იშლება.

აღორძინების ეპოქის მოწყვეტილ საკრავებს შორის მთავარი ადგილი უკავია ლუტი. იგი ევროპაში ახლო აღმოსავლეთიდან შემოვიდა XIV საუკუნის ბოლოს და XVI საუკუნის დასაწყისისთვის ამ ინსტრუმენტის უზარმაზარი რეპერტუარი იყო; უპირველეს ყოვლისა, ლუტის თანხლებით მღეროდნენ სიმღერები. თორმეტი სიმი დაჯგუფებულია წყვილებად და ხმა წარმოიქმნება როგორც თითებით, ასევე სპეციალური ფირფიტით - შუამავლით.

მე-15-16 საუკუნეებში გაჩნდა სხვადასხვა ტიპის კლავიატურა. ასეთი ინსტრუმენტების ძირითადი ტიპებია: კლავესინი, კლავიკორდი, ციმბალი, ქალწული- აქტიურად იყენებდნენ რენესანსის მუსიკაში, მაგრამ მათი ნამდვილი აყვავება მოგვიანებით მოვიდა.

საერო მუსიკის განვითარებას ხელი შეუწყო სამოყვარულო მუსიკის განვითარებამ. მუსიკა ყველგან ჟღერდა: ქუჩებში, მოქალაქეების სახლებში, დიდგვაროვან დიდებულთა სასახლეებში. პირველი საკონცერტო ვირტუოზი შემსრულებლები გამოჩნდნენ ლუიტაზე, კლავესინზე, ორღანზე, ვიოლაზე და სხვადასხვა სახის გრძივი ფლეიტებზე. თავიანთ სიმღერებში (მადრიგალი იტალიაში, შანსონი საფრანგეთში) კომპოზიტორები საუბრობდნენ სიყვარულზე და ყველაფერზე, რაც ცხოვრებაში ხდება.

XV-XVI სს. ღირებულება იზრდება საცეკვაო ხელოვნება, გამოჩნდა მრავალი ტრაქტატი და პრაქტიკული სახელმძღვანელო ქორეოგრაფიისა და საცეკვაო მუსიკის კრებულებზე, რომლებიც მოიცავდა იმ დროის პოპულარულ ცეკვებს - ბას ცეკვას, ბრანლეს, პავანეს, გალიარდს.
რენესანსის დროს ჩამოყალიბდა პირველი ეროვნული მუსიკალური სკოლები. მათგან ყველაზე დიდი ჰოლანდიური (ფრანგულ-ფლამანდური) პოლიფონიური სკოლაა. მისი წარმომადგენლები არიან G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. სხვა ეროვნულ სკოლებს მიეკუთვნება იტალიური (J.P. Palestrina), ესპანური (T.L. de Victoria), ინგლისური (W. Bird) და გერმანული (L. Senfl).
რენესანსი მთავრდება ახალი მუსიკალური ჟანრების გაჩენით: სოლო სიმღერა, ორატორიო, ოპერა, რომელთა ნამდვილი აყვავება მოგვიანებით მოდის.

იმ დროის საუკეთესო იტალიელი კომპოზიტორი იყო ჯოვანი პალესტრინა(1526-1594 წწ.). მან შეადგინა ძირითადად უპატრონო საეკლესიო გუნდები (a cappella) და უკვე იმ შორეულ დროს აღმოაჩინა შესანიშნავი ჰარმონიები, რომლებიც მის მუსიკას განსაკუთრებულ სინაზესა და სულიერებას ანიჭებს. მისი მრავალხმიანობა არ აბნელებდა სიტყვების მნიშვნელობას - მთავარია ქრისტიანულ ღვთისმსახურებაში. რომის პაპმა პალესტრინას საეკლესიო მუსიკის სტილი სამაგალითოდ აღიარა. პალესტრინას მუსიკა თანამედროვეებმა შეადარეს რაფაელ სანტის ნახატებს. 30 წელზე მეტი ხნის განმავლობაში პალესტრინას ეკავა რომის წმინდა პეტრეს ბაზილიკის სამლოცველოს წინამძღვრის საპატიო თანამდებობა. ეკლესიისადმი გაწეული სამსახურისთვის იგი პაპებივით იქ დაკრძალეს. მისი მუსიკალური სტილი არის მოდელი კომპოზიტორთა ყველა მომდევნო თაობისთვის.

პალესტრინა იყო კათოლიკური მასების შეუდარებელი კომპოზიტორი. მასა- კათოლიკური ეკლესიის მთავარი ღვთისმსახურება. მართლმადიდებლურ ტრადიციაში იგი ლიტურგიას შეესაბამება. წირვის დროს აღევლინება ევქარისტია. მესა არის ღვთის ძის იესო ქრისტეს ტანჯვის, ჯვარზე სიკვდილისა და აღდგომის ხსოვნა.

მასის ხუთი ძირითადი ნაწილია. მათ დაარქვეს ტესტების პირველი სიტყვები.

მესა იხსნება ლოცვით „უფალო, შემიწყალე!“ ("Kyrie Eleison"). ის მღერის არა ლათინურად, არამედ ბერძნულად. Kyrie Eleison (ღმერთო, შეიწყალე).

გლორია (დიდება ღმერთს უმაღლესში);

კრედო (მე მწამს ერთი ღმერთის, ყოვლისშემძლე მამა);

Sanctus და benedictus (წმიდაა უფალი ღმერთი ლაშქართა და კურთხეულია უფლის სახელით მომავალი);

აგნუს დეი (ღვთის კრავი, რომელმაც წაართვა სამყაროს ცოდვები).

მასის მუსიკა კომპოზიტორებმა შეადგინეს როგორც ერთი ციკლი, როგორც ერთი დიდი საგუნდო სიმფონია.

პანაშვიდი ე.წ რეკვიემი. რეკვიემს აქვს დამატებითი ნაწილები. 1.იღუპება გაბრაზება (რისხვის დღე, განკითხვის დღე);

2. Tuba Mirum (მშვენიერი საყვირი, რომელიც ცოდვილებს ღვთის სამსჯავროსკენ მოუწოდებს);

3.ლაკრიმოზა (ცრემლე).

მასის მუსიკა შეასრულა თითქმის ყველა დიდმა დასავლელმა კომპოზიტორმა, არა მხოლოდ კათოლიკეებმა, არამედ პროტესტანტებმაც (მაგალითად, ჯ.ს. ბახი).

რენესანსული მუსიკის გამორჩეული თვისებაა საერო პროფესიული მუსიკის გაჩენა. იტალიაში გავრცელდა ყოველდღიური მუსიკალური შემოქმედება - სხვადასხვა ინსტრუმენტზე დაკვრა; გაჩნდა მუსიკის მოყვარულთა წრეები.

საერო მუსიკაში მრავალხმიანობა უკანა პლანზე გაქრა. იგი შეცვალა ექსპრესიულმა ერთხმიანმა მელოდიამ აკორდის თანხლებით. ასეთ მუსიკას ჰომოფონურ-ჰარმონიულს უწოდებენ.

საერო მუსიკის წამყვანი ჟანრი გახდა მადრიგალი(matricale - "სიმღერა მშობლიურ ენაზე"). მადრიგალის ლიტერატურული საფუძველია რენესანსის ლირიკული პოეზია, ყველაზე ხშირად პეტრარქის სონეტები. იტალიური მადრიგალიმუსიკაში, რომელმაც იცხოვრა ხანმოკლე, მაგრამ ბრწყინვალე ცხოვრებით. მადრიგალის ლიტერატურულ ტექსტს ფუნდამენტური მნიშვნელობა აქვს, ამიტომ ეს ჟანრი შეიძლება განისაზღვროს როგორც მუსიკალური და პოეტური. მადრიგალების ტექსტები გამოირჩეოდა მაღალი მხატვრული დამსახურებით. მადრიგალურ პოეზიაში ორი მოტივია: პირველი არის სიყვარული სევდის ელფერით; მეორე - დახვეწილი პეიზაჟები ფსიქოლოგიური ელფერებით, „...სადაც ხმოვანი მხატვრობის ელემენტები - წყლის მოძრაობა, ფოთლების შრიალი, ქარის ხმა და ა.შ. - იყო არა იმდენად ფერწერული პრინციპის მატარებელი, რამდენადაც ლირიკული განწყობა თავის დახვეწილ, ხშირად დახვეწილ ფერებში“. "მშვენიერი ყვავილები ჩემს ირგვლივ, ბალახი, ჰაერი, ტალღები მაძლევს ნუგეშს, დასვენებას და სიხარულს." „ბინდი ავსებს გულს სიმშვიდითა და სიმშვიდით. მაგრამ მხოლოდ გამთენიისას გაქრება ყველა წუხილი, საზრუნავი და შიში (ღამის შესახებ). "Გამიშვი! მე ერთი სიცოცხლე მაქვს და ჩემი ადგილი ყვავილებს, ბალახს, ტალღებს და ცას შორისაა."

მადრიგალის დამახასიათებელი თვისებაა მუსიკასა და პოეზიას შორის მჭიდრო კავშირი. მუსიკა მოქნილად მიჰყვებოდა ტექსტს და ასახავდა მასში აღწერილ მოვლენებს. თანდათან ჟანრმა შეიძინა დახვეწილი არისტოკრატული დახვეწილობის თვისებები. კლასიკური მადრიგალი დაიწერა 5 შერეული ხმისთვის.

მდიდარ სახლებში იმ დროს დამკვიდრებული ტრადიციის თანახმად, ჭამის შემდეგ სტუმრებს მადრიგალის ექსპრომტი შესრულებისთვის ნოტები მოჰქონდათ. თვითმხილველის თქმით, „...არავინ შეიძლება ჩაითვალოს კარგად განათლებულად, თუ ის იმდენად განვითარებული არ იყო მუსიკაში, რომ შეეძლო თავისი ნაწილის დანახვა“. ზოგჯერ, მადრიგალის შესრულებასთან ერთად, მისი შეთქმულებაც თამაშდებოდა. მადრიგალი გახდა მადრიგალის კომედიის საფუძველი, რომელმაც მოამზადა ოპერის გარეგნობა.

გაცილებით მოგვიანებით, უკვე მე-19 საუკუნის ბოლოს და მე-20 საუკუნის დასაწყისში, კომპოზიტორებმა მიმართეს მკაცრი სტილის კომპოზიციის ტექნიკას, რათა მათ კომპოზიციებს განსაკუთრებული უძველესი მუსიკალური არომატი მისცეს, ზოგჯერ რელიგიური მისტიკის შეხებით.

დღესდღეობით მკაცრი სტილი ისწავლება როგორც აკადემიური დისციპლინა კონსერვატორიებში.

იმ დროის საუკეთესო პოლიფონისტები იყვნენ კომპოზიტორები ნიდერლანდებიდან - მე-15 საუკუნის ყველაზე მოწინავე ევროპული ქვეყანა (იმდროინდელი ამერიკა). სახელწოდება „ნიდერლანდები“, რაც გერმანულად „დაბალ მიწას“ ნიშნავს, სრულად შეესაბამება ქვეყნის გეოგრაფიულ მდებარეობას. ჭაობიანი ვაკე მე-15 საუკუნის დასაწყისში ჰოლანდიელი ხალხის ხანგრძლივი და თავდადებული შრომის შედეგი იყო. გადაიქცა აყვავებულ და უხვად მიწად. ამსტერდამისა და ანტვერპენის პორტები ყველაზე დიდი იყო მსოფლიოში. ეკონომიკურმა კეთილდღეობამ დიდწილად განსაზღვრა ხელოვნების უპრეცედენტო აღმავლობა და აყვავება ნიდერლანდებში. ევროპისა და ამერიკის მუზეუმებსა და კერძო კოლექციებში სამი ათასი ნახატია შესრულებული მხოლოდ რუბენსის სახელოსნოში (1577-1640). ჰოლანდიურ მხატვრობაში გაჩნდა ახალი ჟანრი - ნატურმორტი.

მეჩვიდმეტე საუკუნის დასაწყისიდან. ნიდერლანდები გახდა ევროპის მთავარი სათბური ტიტების მოყვანისა და გაყიდვისთვის. ეს იყო სიგიჟე და დიდი ბიზნესი. ჰუმანიზმის იდეალებმა ადგილი დაუთმეს კომერციას. ბრწყინვალე რემბრანდტი თავის დღეებს სიღარიბესა და გაურკვევლობაში ამთავრებს და ჰოლანდიური მუსიკა, რომელიც ახლახანს ცნობილია მთელ მსოფლიოში, სულ უფრო და უფრო ნაკლებად ისმის.

ჰოლანდიური სკოლის აყვავების ხანა დასრულდა დიდი კომპოზიტორის ცხოვრება და მოღვაწეობა ორლანდო ლასო.ეს არის ლეონარდო და ვინჩი მუსიკაში. ო. ლასოს მრავალი ნამუშევარი დღემდე ამშვენებს საუკეთესო გუნდების საკონცერტო პროგრამებს.

გუნდი "ეხო" აშკარად დაიწერა კომპოზიტორის საკუთარ ტექსტზე. მოკლე ფრაზები, მონაცვლეობითი იმპერატიული, კითხვითი და ზოგჯერ „სათხოვარი“ ინტონაციების საფუძველს ქმნის ონომატოპოეური დიალოგის. კანონის სახით დაწერილი გუნდი შედგება ორი ჰომოფონიური ჰარმონიული ფენისგან - მთავარი გუნდი და სოლისტების ანსამბლი, რომელიც წარმოადგენს ექოს. დინამიური კონტრასტები, მოქნილი ფრაზები, ექსპრესიული ბგერის ჩაქრობა ნაწარმოების ბოლოს და რაც მთავარია, გუნდისა და სოლისტების ანსამბლის ხმის შედარება ქმნის ნათელ და ცოცხალ მუსიკალურ გამოსახულებას. როგორც მუსიკაში ხმის ვიზუალიზაციის შესანიშნავი მაგალითი, ეს გუნდი დღესაც აოცებს მსმენელს თავისი ორიგინალურობით, სიახლისა და ხმის სიკაშკაშით.

კომპოზიტორები იმ დროს არა მხოლოდ ქმნიდნენ, არამედ ხელმძღვანელობდნენ სასამართლო სიმღერების გუნდებს, მათთან ერთად ავარჯიშებდნენ მათ კომპოზიციებს, ჰქონდათ შესაძლებლობა ექსპერიმენტების ჩატარება და მათი შემოქმედებითი ექსპერიმენტების შედეგების პრაქტიკაში გამოცდა. ასე გამოჩნდნენ ბანდის მესვეურები.

, მადრიგალი, ქალწული, ალტი, ვოლტი, პავანა, გალიარდს, ფლორენციული კამერა, გესუალდო დი ვენოსა, ჯაკოპო პერი

პრეზენტაცია გაკვეთილისთვის

უკან წინ

ყურადღება! სლაიდების გადახედვა მხოლოდ საინფორმაციო მიზნებისთვისაა და შესაძლოა არ წარმოადგენდეს პრეზენტაციის ყველა მახასიათებელს. თუ გაინტერესებთ ეს ნამუშევარი, გთხოვთ გადმოწეროთ სრული ვერსია.

გაკვეთილი ტარდება მუსიკალური ლიტერატურის შესწავლის მე-2 კურსზე მე-5 კლასის მოსწავლეებისთვის.

გაკვეთილის მიზანი: მოსწავლეთა ესთეტიკური კულტურის აღზრდა მუსიკის გაცნობის გზითრენესანსი.

გაკვეთილის მიზნები:

• მუსიკისა და მუსიკის შემოქმედების როლის წარმოდგენა რენესანსის ადამიანთა ცხოვრებაში;
• მუსიკალური ინსტრუმენტების, ჟანრების, რენესანსის კომპოზიტორების გაცნობა;
• ევროპული რენესანსის მუსიკალური ნაწარმოებების გაცნობა;
• სმენითი მუსიკის ანალიზის ძირითადი უნარ-ჩვევების განვითარება;
• ხელოვნების სხვადასხვა ტიპებს შორის ურთიერთმიმართების გააზრების ჩამოყალიბება;
• ხელოვნების ნიმუშების ემოციური აღქმის აღზრდა;
• მოსწავლეთა აზროვნებისა და მეტყველების განვითარება;
• თქვენი ჰორიზონტის გაფართოება.

გაკვეთილის ტიპი:გაკვეთილი ახალი თემის შესწავლაზე.

საგაკვეთილო აღჭურვილობა:მულტიმედიური პრეზენტაცია, კომპიუტერი.

მუსიკალური მასალა:

• W. Bird's piece for virginal "Volta";
• F. da Milano “Fantasia” No6 ლუიტისთვის;
• სცენა ფილმიდან "ელიზაბეტი": დედოფალი ცეკვავს ვოლტას (ვიდეო);
• ი. ალბერტი „პავანე და გალიარდ“ (ვიდეო);
• ინგლისური ხალხური სიმღერა "Greensleeves";
• ჯ.პ. პალესტრინა „პაპ მარჩელოს მესა“, „აგნუს დეის“ ნაწილი;
• O. Lasso “Echo”;
• G. di Venosa madrigal “Moro, lasso, al mio duolo”;
• ჯ.პერის სცენა ოპერიდან "ევრიდიკე".

გაკვეთილების დროს

I. საორგანიზაციო მომენტი

II. ცოდნის განახლება

ბოლო გაკვეთილზე ვისაუბრეთ რენესანსის კულტურასა და ფერწერაზე.

– რა ჰქვია ამ ეპოქას (ფრანგულად „რენესანსი“)?
- რომელ საუკუნეებს მოიცავს რენესანსი? რომელი ეპოქა შეცვალა?

- საიდან მოდის ამ ეპოქის სახელი? რისი "აღორძინება" სურდათ?

- რომელ ქვეყანაში დაიწყო რენესანსი უფრო ადრე, ვიდრე სხვა?

რომელ იტალიურ ქალაქს უწოდებენ "რენესანსის აკვანს"? რატომ?

- რომელი დიდი მხატვრები ცხოვრობდნენ ფლორენციაში? გაიხსენეთ მათი საქმე.

– რით განსხვავდება მათი შემოქმედება შუა საუკუნეების ხელოვნებისგან?

III. ახალი თემის სწავლა

დღეს ჩვენ ვუბრუნდებით რენესანსის ეპოქას. ჩვენ გავიგებთ, როგორი იყო მუსიკა ამ დროს. გავეცნოთ რენესანსის მუსიკალურ ინსტრუმენტებს, ვნახოთ და მოვისმინოთ მათი ავთენტური ხმა. ასევე შევხვდებით რენესანსის ეპოქის გამოჩენილ კომპოზიტორებს და მათ შედევრებს.

IV. პრეზენტაციასთან მუშაობა

სლაიდი 1.სათაურის გვერდი.

სლაიდი 2.ჩვენი გაკვეთილის თემაა "რენესანსის მუსიკა". ვადები: XIV–XVI სს.

სლაიდი 3.გაკვეთილის ეპიგრაფი. როგორ გესმით ეს სიტყვები?

... დედამიწაზე ცოცხალი არსება არ არსებობს
ისეთი მკაცრი, მაგარი, ჯოჯოხეთურად ბოროტი,
ისე რომ ერთი საათიც ვერ მოვახერხე
მასში მუსიკა რევოლუციას ახდენს.
(Უილიამ შექსპირი)

სლაიდი 4.რენესანსის დროს იზრდება ხელოვნების როლი საზოგადოების კულტურულ ცხოვრებაში. მხატვრული განათლება აღიარებულია, როგორც კეთილშობილი ადამიანის განვითარების მნიშვნელოვანი ასპექტი, კარგი აღზრდის პირობა.

საეკლესიო კონტროლი საზოგადოებაზე სუსტდება, მუსიკოსები უფრო მეტ თავისუფლებას იღებენ. ავტორის პიროვნება და შემოქმედებითი ინდივიდუალობა სულ უფრო და უფრო თვალსაჩინო ხდება მის ნაწერებში. რენესანსის დროს, თავად კონცეფცია " კომპოზიტორი».

ის ძალიან მნიშვნელოვანი გახდა მუსიკის განვითარებისთვის მუსიკის ბეჭდვის გამოგონებამე-15 საუკუნის ბოლოს. 1501 წელს იტალიელმა გამომცემელმა ოტავიანო პეტრუჩიმ გამოაქვეყნა სახლის მუსიკის პირველი კრებული. ახალი ნამუშევრები ძალიან სწრაფად გამოიცა და გავრცელდა. ახლა ნებისმიერი საშუალო შემოსავლის მქონე ქალაქის მცხოვრებს შეეძლო ეყიდა მუსიკა. შედეგად, ურბანული მუსიკის შექმნა იწყებს სწრაფად განვითარებას, რაც უფრო და უფრო მეტ ადამიანს აღწევს.

სლაიდი 5. მუსიკალური ინსტრუმენტებირენესანსი. ქარები, სიმები, კლავიატურები.

სლაიდი 6. ლაიტი- რენესანსის ყველაზე საყვარელი ინსტრუმენტი. იგულისხმება სიმებიანი მოწყვეტილი ინსტრუმენტები. თავიდან ლაუთაზე უკრავდნენ პლეკტრუმით, მაგრამ მე-15 საუკუნეში მათ დაიწყეს თითებით თამაში.

სლაიდი 7.მისი სხეული ორად გაჭრილ მსხალს ჰგავს. ლაუთას აქვს მოკლე კისერი ფრთებით, მოხრილი მარჯვენა კუთხით.

სლაიდი 8.ლუტი მომდინარეობს არაბული საკრავიდან, სახელად ალ-უდი (არაბული ნიშნავს "ხის"). VIII საუკუნეში უდი ევროპაში ჩრდილოეთ აფრიკიდან ესპანეთის არაბთა დაპყრობის დროს შევიდა და მრავალი ესპანელი დიდებულის კარზე გაიდგა ფესვი. დროთა განმავლობაში ევროპელებმა უდს დაამატეს ფრეტები (განყოფილებები დაფაზე) და უწოდეს მას "ლუტი".

სლაიდი 9.ლაითზე უკრავდნენ კაცებიც და ქალებიც.

სლაიდი 10.ლაიტი იყო კომპაქტური, მსუბუქი და ყველგან შეგიძლიათ თან წაიღოთ.

სლაიდი 11.ლაიტის მუსიკა იწერებოდა არა ნოტებით, არამედ ტაბლატურის დახმარებით. შეხედე: ლაიტის ტაბლატურა შედგება 6 სტრიქონისგან, რომელიც მიუთითებს სიმებს. რიცხვები მიუთითებს ფრთებზე, ხანგრძლივობა ზევით არის.

სლაიდი 12. მშვილდოსანი სიმებიანი საკრავები. თუ ლაითზე სხვადასხვა კლასის ხალხი უკრავდა, მაშინ მხოლოდ ძალიან მდიდარ ადამიანს შეეძლო შეეძინა ინსტრუმენტი ვიოლის ოჯახიდან. ალტი ძვირი ღირდა; ისინი მზადდებოდა ძვირფასი ხისგან და მორთული ელეგანტური დიზაინითა და სამკაულებით. ალტი სხვადასხვა ზომის იყო. ამ ნახატში ანგელოზები უკრავენ ვიოლების ყველაზე პოპულარულ ტიპებს - da gamba და da braccia.

სლაიდი 13. ალტიიტალიურად - "იისფერი". ალტის ხმა ძალიან სასიამოვნო იყო: რბილი, ნაზი და მშვიდი.

სლაიდები 14, 15.სახელი viola da braccia იტალიურიდან ითარგმნება როგორც "ხელი, მხრები". ასე ეძახიან პატარა ვიოლებს, რომლებიც დაკვრის დროს მხარზე ეჭირათ.

სლაიდი 16.ვიოლა და გამბა - "ფეხი". ის დიდი ზომის იყო და თამაშისას მუხლებს შორის უნდა ეჭირა ან თეძოზე მოთავსებულიყო. ამ ვიოლებს ჩვეულებრივ მამაკაცები უკრავდნენ.

სლაიდი 17.შეგიმჩნევიათ, რომელ კლასიკურ ინსტრუმენტებს ჰგავს ვიოლი? ვიოლინო, ჩელო. მოდით შევადაროთ ვიოლა და გამბა ჩელოს.

ვიოლის ხმას ცოტა მოგვიანებით გავიგებთ.

სლაიდი 18.ვირჯინელი. მართკუთხა კლავიატურის ინსტრუმენტი, როგორც წესი, ფეხების გარეშე. მოწყობილობის პრინციპის მიხედვით, ის იყო ფორტეპიანოს ერთ-ერთი წინამორბედი. მაგრამ ხმის ხარისხის თვალსაზრისით ის უფრო ახლოს იყო არფასთან და ლაუტასთან. მისი ტემბრი გამოირჩეოდა რბილობითა და სინაზით.

სლაიდი 19.ვინ იცის რას ნიშნავს ინგლისური სიტყვა? ქალწული? ქალწული, გოგო. გამოიცანით, რატომ ეწოდა ამ ინსტრუმენტს "გოგონური"?ყველაზე ხშირად, ქალწულს თამაშობდნენ კეთილშობილური წარმოშობის ახალგაზრდა გოგონები. ცნობილია, რომ ინგლისის დედოფალ ელიზაბეტ I-საც კი ძალიან უყვარდა ქალწული და კარგად თამაშობდა.

სლაიდი 20. უილიამ ბერდი- ელიზაბეთის დროის უდიდესი ინგლისელი კომპოზიტორი, ორღანისტი და კლავესინი. დაიბადა 1543 წელს, გარდაიცვალა 1623 წელს. მსახურობდა სასამართლო ორგანისტად. მან შეადგინა მრავალი წმინდა ნაწარმოები, მადრიგალები და ნაწარმოებები ქალწულებისთვის.

Მოდი მოვუსმინოთ: W. ჩიტის ნაჭერი ქალწული "ვოლტასთვის"

სლაიდი 21-24.რენესანსის მხატვრები ხშირად ასახავდნენ ანგელოზებს, რომლებიც მუსიკას უკრავდნენ თავიანთ ნახატებში. რატომ? Რას ნიშნავს ეს? რატომ სჭირდებათ ანგელოზებს მუსიკა? რაც შეეხება ხალხს?

სლაიდი 25.ნახეთ, რამდენად დიდია მუსიკოსთა ჯგუფი. რას თამაშობენ? როგორ გრძნობენ თავს? კარგები არიან ერთად? შეესაბამება თუ არა ვ. შექსპირის სიტყვები ამ სურათს? რა არის საკვანძო სიტყვა ამ ლექსებში? ერთიანობა, შეთანხმება.

მოუსმინეთ, რამდენად მეგობრულია სიმები
ისინი შედიან ფორმირებაში და იძლევიან ხმას, -
თითქოს დედა, მამა და ახალგაზრდა ბიჭი
ისინი ბედნიერ ერთობაში მღერიან.
კონცერტზე სიმების შეთანხმება გვეუბნება,
რომ მარტოხელა გზა სიკვდილს ჰგავს.

სლაიდი 26. ინსტრუმენტული ჟანრებირენესანსი დაყოფილი იყო 3 ტიპად: ვოკალური ნაწარმოებების ტრანსკრიფცია, იმპროვიზაციული ხასიათის ვირტუოზული პიესები (რისერკარი, პრელუდია, ფანტაზია), საცეკვაო პიესები (პავანე, გალიარდ, ვოლტა, მორესკა, სალტარელა).

სლაიდი 27. ფრანჩესკო და მილანო- მე-16 საუკუნის ცნობილი იტალიელი ლუტენისტი და კომპოზიტორი, რომელსაც მისმა თანამედროვეებმა "ღვთაებრივი" უწოდეს. ის ფლობს უამრავ ლუტის ნამუშევრებს, რომლებიც გაერთიანებულია სამ კოლექციაში.

Მოდი მოვუსმინოთ: F. da Milano “Fantasia” ლაუტისთვის

სლაიდი 28. რენესანსის ცეკვები. რენესანსის დროს შეიცვალა ცეკვისადმი დამოკიდებულება. ცოდვილი, უღირსი საქმიანობიდან ცეკვა სოციალური ცხოვრების სავალდებულო აქსესუარად იქცევა და კეთილშობილი ადამიანის ერთ-ერთ აუცილებელ უნარად იქცევა. ბურთები მტკიცედ არის დამკვიდრებული ევროპული არისტოკრატიის ცხოვრებაში. როგორი ცეკვები იყო მოდაში?

სლაიდი 29. ვოლტა– იტალიური წარმოშობის მე-16 საუკუნის პოპულარული ცეკვა. სახელწოდება ვოლტა მომდინარეობს იტალიური სიტყვიდან voltare, რაც ნიშნავს "მობრუნებას". ვოლტას ტემპი სწრაფია, ზომა სამი დარტყმაა. ცეკვის მთავარი მოძრაობა: ჯენტლმენი მკვეთრად აწევს მაღლა და აბრუნებს მასთან ერთად მოცეკვავე ქალბატონს ჰაერში. უფრო მეტიც, ეს მოძრაობა უნდა შესრულდეს ნათლად და მოხდენილად. და მხოლოდ გაწვრთნილ მამაკაცებს შეეძლოთ გაუმკლავდნენ ამ ცეკვას.

მოდით შევხედოთ:ფრაგმენტი ვიდეო ფილმიდან "ელიზაბეტი"

სლაიდი 30. პავანა- ესპანური წარმოშობის საზეიმო ნელი ცეკვა. სახელი პავანა მომდინარეობს ლათინური პავო - ფარშევანგიდან. ფავანის ზომა ორბატიანია, ტემპი ნელი. ისინი ცეკვავდნენ, რათა სხვებისთვის ეჩვენებინათ თავიანთი სიდიადე და მდიდრული კოსტუმი. ხალხი და ბურჟუაზია არ ასრულებდნენ ამ ცეკვას.

სლაიდი 31.გალიარდი(იტალიურიდან - მხიარული, მხიარული) - აქტიური ცეკვა. გალიარის პერსონაჟი ინახავს ხსოვნას ცეკვის ხალხური წარმოშობის შესახებ. მისთვის დამახასიათებელია ხტომა და უეცარი მოძრაობები.

პავანე და გალიარდს ხშირად ასრულებდნენ ერთმანეთის მიყოლებით, ქმნიდნენ ერთგვარ სუიტას.

ახლა თქვენ ნახავთ ფრაგმენტს უძველესი მუსიკის ანსამბლის "Hesperion XXI"-ის კონცერტისგან. მისი ლიდერია ჟორდი სავალი- ესპანელი ვიოლონჩელისტი, აზარტული მოთამაშე და დირიჟორი, დღეს ერთ-ერთი ყველაზე ავტორიტეტული მუსიკოსი, რომელიც ავთენტურად ასრულებს ძველ მუსიკას (როგორც ჟღერდა მისი შექმნის დროს).

სლაიდი 32. შეხედე:ი.ალბერტი „პავანე და გალიარდ“.

ასრულებს ანტიკური მუსიკის ანსამბლი "Hespèrion XXI", რეჟისორი. ჯ.სავალი.

სლაიდი 33. ვოკალური ჟანრებირენესანსი იყოფა საეკლესიო და საერო. რას ნიშნავს "საერო"? ტაძარში წირვა და მოტე იყო. ეკლესიის გარეთ - კაჩია, ბალატა, ფროტოლა, ვილანელი, შანსონი, მადრიგალი.

სლაიდი 34.საეკლესიო გალობა განვითარების პიკს აღწევს. ეს არის „მკაცრი მწერლობის“ მრავალხმიანობის დრო.

რენესანსის ყველაზე გამორჩეული კომპოზიტორი-პოლიფონისტი იყო იტალიელი ჯოვანი პიერლუიჯი და. პალესტრინა. მან მიიღო მეტსახელი - პალესტრინა - იმ ქალაქის სახელიდან, რომელშიც დაიბადა. მუშაობდა ვატიკანში და ეკავა მაღალი მუსიკალური თანამდებობები პაპის ტახტის ქვეშ.

მასა- მუსიკის ნაწარმოები, რომელიც შედგება ლოცვებისგან ლათინურ ენაზე, გაისმა კათოლიკურ ეკლესიაში ღვთისმსახურების დროს.

Მოდი მოვუსმინოთ: J.P. da Palestrina "პაპ მარჩელოს მესა", "აგნუს დეის" ნაწილი

სლაიდი 35.საერო სიმღერები. ინგლისური ბალადა "მწვანე სახელოები"- დღეს ძალიან პოპულარულია. ამ სიმღერის სიტყვები მიეწერება ინგლისის მეფე ჰენრი VIII-ს. მან ეს ლექსები თავის საყვარელ ანა ბოლეინს მიმართა, რომელიც მოგვიანებით მისი მეორე ცოლი გახდა. იცი რაზეა ეს სიმღერა?

სლაიდი 36.სიმღერის "Green Sleeves" ტექსტი თარგმნა S.Ya. Marshak.

Მოდი მოვუსმინოთ:ინგლისური ბალადა "Greensleeves"

სლაიდი 37. ორლანდო ლასო- ჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლის ერთ-ერთი გამორჩეული წარმომადგენელი. დაიბადა ბელგიაში, ცხოვრობდა იტალიაში, ინგლისსა და საფრანგეთში. სიცოცხლის ბოლო 37 წლის განმავლობაში, როდესაც მისი სახელი უკვე ცნობილი იყო მთელ ევროპაში, ის ხელმძღვანელობდა სასამართლოს სამლოცველოს მიუნხენში. მან შექმნა რელიგიური და საერო ხასიათის 2000-ზე მეტი ვოკალური ნაწარმოები.

სლაიდი 38.შანსონი "ეხო" დაიწერა ორი ოთხხმიანი გუნდისთვის. პირველი გუნდი კითხვებს სვამს, მეორე გუნდი მას ექოსავით პასუხობს.

Მოდი მოვუსმინოთ: O. Lasso Chanson "Echo"

სლაიდი 39. მადრიგალი(იტალიური სიტყვიდან madre - "დედა") - სიმღერა მშობლიურ, დედათა ენაზე. მადრიგალი არის პოლიფონიური (4 ან 5 ხმისთვის) სიმღერა, ლირიკული შინაარსით და ამაღლებული ხასიათით. ეს ვოკალური ჟანრი აყვავდა მე-16 საუკუნეში.

სლაიდი 40.გესუალდო დი ვენოსა- მე-16 საუკუნის იტალიელი კომპოზიტორი, საერო მადრიგალის ერთ-ერთი უდიდესი ოსტატი. ის იდუმალი ადამიანი იყო. მდიდარი თავადი, ქალაქ ვენოსას მმართველი. მას შემდეგ, რაც დაიჭირა თავისი ლამაზი ცოლი ღალატში, გესუალდომ, ეჭვიანობის გამო, სიცოცხლე წაართვა. პერიოდულად ვარდებოდა სევდაში და ყველას ემალებოდა თავის ციხესიმაგრეში. გარდაიცვალა 47 წლის ასაკში, დაბინდულ გონებაში...

სიცოცხლის განმავლობაში მან გამოსცა ხუთხმიანი მადრიგალების 6 კრებული. G. di Venosa-ს სტილის თავისებურებაა მისი დროისთვის უნიკალური მუსიკის გაჯერება, ქრომატიზმითა და დისონანსური აკორდების ფერადი შეხამებით. ასე რომ, გესუალდომ მუსიკაში თარგმნა თავისი საშინელი ფსიქიკური ტკივილი და სინდისის ქენჯნა.

მის თანამედროვეებს არ ესმოდათ მისი მუსიკა, ისინი საშინლად და უხეში თვლიდნენ. მე-20 საუკუნის მუსიკოსებმა დააფასეს იგი, გადაიღეს ფილმი გ.დი ვენოსაზე, იწერება წიგნები და კომპოზიტორმა ა.შნიტკემ მას მიუძღვნა ოპერა „გესუალდო“.

სლაიდი 41.მადრიგალი "Moro, lasso, al mio duolo" არის G. di Venoz-ის ერთ-ერთი უახლესი ქმნილება. მას ეკუთვნის როგორც მუსიკა, ასევე ტექსტი:

ოჰ! ვკვდები დარდით
ვინც ბედნიერებას დაჰპირდა
თავისი ძალით მომკლავს!
ო, მწუხარების ბოროტი ქარიშხალი!
ის, ვინც სიცოცხლეს დაჰპირდა
სიკვდილმა მომცა.

Მოდი მოვუსმინოთ: G. di Venosa “Moro, lasso, al mio duolo”

სლაიდი 42.მე -16 საუკუნის ბოლოს წარმოიშვა ფლორენციაში ფლორენციული კამერა- მუსიკოსებისა და პოეტების წრე, რომლებსაც სურდათ ძველი ბერძნული ტრაგედიის აღორძინება ტექსტის გამოთქმის თანდაყოლილი განსაკუთრებული მანერით (რაღაც მეტყველებასა და სიმღერას შორის).

სლაიდი 43. ოპერის დაბადება.ამ ექსპერიმენტების შედეგად დაიბადა ოპერა. 1600 წლის 6 ოქტომბერს ფლორენციაში შედგა პირველი ოპერის, რომელიც დღემდე შემორჩენილია, ევრიდიკეს პრემიერა. მისი ავტორი კომპოზიტორი და მომღერალი ჯაკოპო პერია.

Მოდი მოვუსმინოთ: J. Peri სცენა ოპერიდან "ევრიდიკე"

V. გაკვეთილის შეჯამება

- რა ახალი გაიგეთ დღეს რენესანსის შესახებ?

- რომელი ინსტრუმენტის ხმა მოგეწონა? Როგორ?

– რა თანამედროვე საკრავებს ჰგავს ლუტი, ვიოლი და ქალწული?

- რას მღეროდა ხალხი რენესანსის დროს? სად? Როგორ?

– რატომ ასახავდნენ რენესანსის მხატვრები ასე ხშირად მუსიკოსებს?

- დღეს კლასში რა მუსიკა გაისმა და დაიმახსოვრე?

VI. საშინაო დავალება (სურვილისამებრ):

• ნოტებიდან იმღერეთ სიმღერა „მწვანე ყდის“, მსურველებს შეუძლიათ აირჩიონ აკომპანიმენტი;
• იპოვეთ რენესანსის მხატვრების მუსიკალური ნახატები და ისაუბრეთ მათზე.

ორიგინალური იტალიური სიტყვა რენესანსისთვის არის "rinascita", რომელიც შექმნილია ჯორჯო ვაზარის მიერ. მან პირველად გამოიყენა ტერმინი თავის ნაშრომში „ბიოგრაფიები“ „ხელოვნების აყვავების“ მნიშვნელობით იმ პერიოდის აღსანიშნავად, როდესაც მხატვრები თავიანთ ნამუშევრებში განთავისუფლდნენ ბერძნულ-ბიზანტიური და რომაულ-ლათინური კანონიკური ფორმებისგან.

მე-14-დან მე-17 საუკუნეებამდე ევროპაში კულტურული მოძრაობის განსასაზღვრად, ტერმინი „აღორძინება“ ან „აღორძინება“ (იტალიური ზმნიდან „rinascere“ „ხელახლა დაბადებიდან“) გამოიყენებოდა მე-19 საუკუნეში ნაშრომში „ისტორია. საფრანგეთი“ ფრანგი ისტორიკოსის ჟიულ მიშელეს მიერ.

ცოტა რამ ზოგადად რენესანსის შესახებ

რენესანსს ახასიათებს კლასიკური (იგულისხმება ბერძნულ-რომაული კლასიციზმი) კულტურის მელიორაცია. ბევრი მკვლევარი თვლის, რომ რენესანსის იდეები სათავეს იღებს მე-13 საუკუნის ბოლოს ფლორენციაში ლიტერატურასა და ვიზუალურ ხელოვნებაში და დაკავშირებულია განსაკუთრებით დანტე ალიგიერის, ფრანჩესკო პეტრარქის ნამუშევრებთან და ჯოტო დი ბონდონეს ფრესკებთან.

უფრო მეტიც, რენესანსის პოეტები, მხატვრები და ფილოსოფოსები არანაკლებ რელიგიური იყვნენ, ვიდრე მათი წინამორბედები.

ისინი ცდილობდნენ საღვთისმეტყველო პრაქტიკის ახალ სულისკვეთებას - მეცნიერულ კვლევას (ფილოსოფია ჰუმანიზმი, რომელიც მთელ ეპოქას სცდება). ეს იყო სწავლების გააქტიურების, მეცნიერული მიღწევებისა და დიდი გეოგრაფიული აღმოჩენების დრო. მუსიკაში, რომელიც გახდებოდა რელიგიური, სამოქალაქო და სასამართლო ცხოვრების განუყოფელი ნაწილი, დრამატული ცვლილებები მოხდა XV საუკუნიდან.

რენესანსის მუსიკის პერიოდიზაცია და ევოლუცია

მუსიკის ისტორიკოსთა უმეტესობა თვლის, რომ რენესანსული მუსიკის ევოლუცია 200 წლიან პერიოდს მოიცავს. ტრადიციულად იყოფა:

• ადრეული რენესანსის მუსიკა, 1400 წლიდან 1467 წლამდე;
• რენესანსის შუა პერიოდის მუსიკა, 1467 წლიდან 1534 წლამდე;
• გვიანი (ან მაღალი) რენესანსის მუსიკა, 1534 წლიდან 1600 წლამდე.

ეს პერიოდიზაცია, თავის მხრივ, დაკავშირებულია დასავლეთ ევროპაში სხვადასხვა კომპოზიციური სკოლების აყვავებასთან და გაბატონებასთან. სტილისტური მახასიათებლები, რომლებიც განსაზღვრავს რენესანსის მუსიკას, არის მრავალხმიანი ტექსტურა, რომელიც ექვემდებარება კონტრაპუნქტის კანონებს და რეგულირდება შუა საუკუნეებიდან მემკვიდრეობით მიღებული გრიგორიანული გალობის მოდალური სისტემით.

რენესანსის მუსიკალური კულტურა ხანდახან პროპაგანდაა, როგორც "საგუნდო მუსიკის ოქროს ხანა". ფაქტობრივად, მუსიკის ჰორიზონტები მნიშვნელოვნად გაფართოვდა.

თუ შუა საუკუნეებში კომპოზიტორები და მუსიკოსები ძირითადად ეკლესიისთვის მუშაობდნენ, მაშინ რელიგიური და საერო განხეთქილების გამო, რომელიც მოხდა დასავლეთ ევროპაში რენესანსის დროს, მუსიკამ რამდენიმე მფარველი იპოვა: კათოლიკური და პროტესტანტული ეკლესიები, სამეფო კარები, მდიდარი არისტოკრატები და ახალი ბურჟუაზიული კლასი. ყველა მათგანი გახდა კომპოზიტორების შემოსავლის წყარო, მათ შორის, რა თქმა უნდა, მელოტიპი: რენესანსის მუსიკალური კულტურა მჭიდროდ არის დაკავშირებული ახალ ტექნოლოგიებთან (იოჰანეს გუტენბერგის მიერ მოძრავი შრიფტით ბეჭდვის გამოგონება).

რენესანსის მუსიკის ესთეტიკური მახასიათებლები

სხვა ხელოვნების მსგავსად, მუსიკაზეც დიდი გავლენა იქონია მოვლენებმა, რომლებმაც განსაზღვრეს რენესანსი მთლიანობაში: ჰუმანისტური აზროვნების აღზევება, ბერძნულ-რომაული კლასიკური მემკვიდრეობის აღდგენა და ინოვაციური აღმოჩენები. ძველი ტექსტები გადაიხედა, კვლავ შესწავლის ობიექტად იქცა და ასევე რედაქტირდა, მაგრამ მხოლოდ განვითარებადი მეცნიერებების შესაბამისად.

მიუხედავად იმისა, რომ ყველა ხელოვნება და მეცნიერება ძველ ბერძნულ კულტურაში ურთიერთდაკავშირებულად ითვლებოდა, რენესანსის ჰუმანისტებმა ისინი გამოყოფდნენ, ხაზს უსვამდნენ და სწავლობდნენ მათ ინდივიდუალურ თვისებებს. მუსიკა, კერძოდ, განიხილებოდა, როგორც ექსპრესიული ხელოვნება, რომელსაც შეუძლია გავლენა მოახდინოს ემოციებსა და გრძნობებზე, რაც გაუგონარი იყო შუა საუკუნეებში.

მუსიკაში ცოდნის ორგანიზების მცდელობები მოიცავდა სასწორების მოწყობას ისე, რომ ურთიერთობა დამყარებულიყო ნოტებსა და ადამიანურ ემოციებს შორის.

ასევე მნიშვნელოვანია, რომ რენესანსის მუსიკალური კულტურა ხასიათდება ჰუმანიზმის კონცეფციით. მისი წყალობით მოხდა ინტელექტუალური აქცენტის ცვლა - რელიგიური აზრის ფართო გაბატონებიდან საერო პიროვნების შესაძლებლობებსა და მიღწევებზე. ადამიანის ინდივიდუალური შემოქმედებითი გენიოსი გაცილებით მაღალ პოზიციაზე იყო. ეს იმასაც ნიშნავდა, რომ ბევრი კომპოზიტორი იქნა აღიარებული.

თუმცა, უფრო მეტად, რენესანსის მუსიკა ჯერ კიდევ სულიერი იყო, როგორც შუა საუკუნეებში, მაგრამ "ჰუმანისტურმა" ცვლილებებმა გავლენა მოახდინა მასში უფრო ნათელი ექსპრესიულობის ძიებაზე - სრულყოფილების მისაღწევად.

ადრეული რენესანსის მთავარი მუსიკა, რომელიც დაიწერა მნიშვნელოვანი ეკლესიებისა და სამეფო სამლოცველოებისთვის, არის პოლიფონიური მასები და მოტეტები ლათინურ ენაზე. მაგრამ რელიგიური რეფორმების ფონზე, წარმოიშვა სასულიერო მუსიკის ახალი ტიპები; უფრო მეტიც, საეკლესიო სცენაზე ასეთმა უზარმაზარმა აჯანყებამ განაპირობა ის, რომ საერო მუსიკა იძენს რეალურ ძალას და უკვე შეეძლო კონკურენცია გაუწიოს თავის "წმინდა" კოლეგას.

რენესანსის კომპოზიციური სკოლები

XV საუკუნის დასაწყისში გაჩნდა პოლიფონისტების ინგლისური სკოლა ჯონ დანსტაბლის მეთაურობით. ახალმა ინგლისურმა სტილმა, რომელიც დაფუძნებულია მუსიკალური რიტმით ნაკარნახევი ტრიადების გამოყენებაზე (თითოეული ვოკალური ხაზი ერთად მოძრაობს "ვერტიკალურ" სტილში), დიდი გავლენა მოახდინა ბურგუნდიულ კომპოზიციურ სკოლაზე.

ბურგუნდიული სკოლის კომპოზიტორთა შორის ყველაზე მნიშვნელოვანი იყო გიომ დიუფაი, რომლის მუსიკალური ნაწარმოებები მოიცავდა საგალობლებს, მასებს და საერო ნაწარმოებებს, რომლებიც ხასიათდებოდა მელოდიური ლირიზმით.

მოძრაობა, სახელწოდებით ფრანკო-ფლამანდური სკოლა, ხასიათდება მრავალხმიანი ვოკალურ-მუსიკალური კომპოზიციის ძლიერი განვითარებით, რამაც საფუძველი ჩაუყარა თანამედროვე ჰარმონიას. მისი ყველაზე ცნობილი წარმომადგენლები არიან "სამი ფრანგი მეფის კომპოზიტორი": იოჰანეს ოკეგემი და იაკობ ობრეხტი.

მე-16 საუკუნის პირველ ნახევარში რენესანსის მუსიკალური კულტურა ხასიათდება იმით, რომ მასში კვლავ დომინირებდნენ ფრანკო-ფლამანდიელი კომპოზიტორები, რომელთა შორის ყველაზე ცნობილი იყო ჟოსკინ დესპრე, რომლის სტილიც ბევრმა კომპოზიტორმა გადაწერა. ჯოსკინის პოლიფონიურ მუსიკაში გამოიყენებოდა კანონები, მანამდე არსებული კომპოზიციური სტრუქტურები, მაგრამ შეუფერხებლად შერწყმულია მელოდიებთან, რომლებიც ხაზს უსვამდნენ პოეტურ ხაზებს და არა მათ ნიღბავს.

იმ ეპოქისთვის საკმაოდ გავრცელებული ითვლებოდა, რომ წამყვანი კომპოზიტორები ბევრს მოგზაურობდნენ, მუშაობდნენ სხვადასხვა მფარველებთან იტალიაში, ესპანეთში, გერმანიასა და საფრანგეთში. მუსიკალური იდეების გაცვლამ ჩამოაყალიბა, ასე ვთქვათ, პირველი საერთაშორისო სტილი გრიგორიანული გალობის შემდეგ მე-9 საუკუნეში.

მე-16 საუკუნის მეორე ნახევრიდან იტალიელმა კომპოზიტორებმა მიაღწიეს შეუდარებელ ოსტატობას მუსიკის ხელოვნებაში. საკულტო ფიგურებს შორისაა ჯოვანი პიერლუიჯი და პალესტრინა.

რენესანსის მუსიკის ჟანრები

სასულიერო ვოკალური ჟანრები მასობრივი და მოტეულია. საერო ჟანრები - მადრიგალი (იტალიაში და ინგლისში), შანსონი (საფრანგეთში), წამყვანი (გერმანიაში).

იმისდა მიუხედავად, რომ მთელი ეპოქის მუსიკა ძირითადად ვოკალზე იყო დამოკიდებული, ინსტრუმენტები უფრო და უფრო იწყებენ გამოყენებას. ინსტრუმენტების შემსრულებლები ხანდახან თან ახლდნენ მომღერლებს და დროდადრო ცვლიდნენ ზოგიერთ ხმას, თუ არ იყო მომღერლები.

ინსტრუმენტები მერყეობდა მსხვილიდან, როგორიცაა ორღანი და კლავესინი, ვიოლა დე გამბა, პატარები - არფა (მოგვიანებით ლაიტი), ჩამწერი (ჩამწერი). თანდათან კომპოზიტორები იწყებენ ნაწარმოებების წერას მხოლოდ ინსტრუმენტებისთვის ვოკალისტების გარეშე.

მუსიკამ ასევე დიდი გავლენა მოახდინა სასამართლო ცეკვებზე, შემოიღო ინსტრუმენტების ფართო სპექტრი მათ თანხლებით. ინსტრუმენტებს იყენებდნენ ეკლესიაში, სადღესასწაულო და სოციალური ღონისძიებების დროს, თეატრალურ წარმოდგენებში და კერძო სახლებში.

მე-16 საუკუნეში დაიწყო ინსტრუმენტული მუსიკის სხვადასხვა ჟანრის განვითარება. სიმღერისა თუ ცეკვის მუსიკალური აკომპანიმენტი სულ უფრო და უფრო რთული ხდება და იძენს საკუთარ მელოდიას მარტივი აკორდებისგან განსხვავებით, რომლებიც ადრე მხოლოდ მთავარ მოქმედებას გვერდით აყენებდნენ. ანსამბლში ინსტრუმენტების შერჩევა დაიწყო ადამიანის ხმის სხვადასხვა ტემპებს შორის ნაწილების განაწილების პრინციპის მიხედვით (ტრიბლი ან სოპრანო, ალტო, ტენორი, ბასი). ამით აიხსნება გამოჩენა მე-15 საუკუნის ბოლოს. მუსიკოსების მთელი ოჯახი, რომლებსაც შეეძლოთ აეწყოთ მთელი „დიალოგები“ ხმებსა და ინსტრუმენტებს შორის. ამგვარად, ფლეიტების, ვიოლების ან მილების კვარტეტს შეუძლია გააგრძელოს ვოკალური პარტიტურა, განავითაროს და შეავსოს ხმის ორიგინალური მელოდია.

რენესანსის მუსიკალური ინსტრუმენტები

რენესანსის დროს მუსიკალური ინსტრუმენტების შემადგენლობა მნიშვნელოვნად გაფართოვდა, არსებულ სიმებს და სასულეებს ახალი ჯიშები დაემატა. მათ შორის განსაკუთრებული ადგილი უჭირავს ვიოლებს - მშვილდ სიმების ოჯახს, რომელიც აოცებს მათი ხმის სილამაზითა და კეთილშობილებით. ფორმაში ისინი წააგავს თანამედროვე ვიოლინოს ოჯახის ინსტრუმენტებს (ვიოლინო, ალტი, ჩელო) და მათ უშუალო წინამორბედებადაც კი ითვლებიან (ისინი მუსიკალურ პრაქტიკაში თანაარსებობდნენ მე-18 საუკუნის შუა ხანებამდე). თუმცა, ჯერ კიდევ არის განსხვავება და მნიშვნელოვანი. ვიოლებს აქვთ რეზონანსული სიმების სისტემა; როგორც წესი, არის იმდენი, რამდენიც მთავარი (ექვსიდან შვიდამდე). რეზონანსული სიმების ვიბრაცია ალტის ხმას რბილს და ხავერდოვანს ხდის, მაგრამ ინსტრუმენტი ძნელი გამოსაყენებელია ორკესტრში, რადგან სიმების დიდი რაოდენობის გამო ის სწრაფად იშლება. დიდი ხნის განმავლობაში ვიოლინოს ხმა მუსიკაში დახვეწილობის მოდელად ითვლებოდა. ალტის ოჯახში სამი ძირითადი ტიპია. ვიოლა და გამბა არის დიდი ინსტრუმენტი, რომელსაც შემსრულებელი ვერტიკალურად აყენებს და გვერდებიდან აჭერს ფეხებს (იტალიური სიტყვა გამბა ნიშნავს "მუხლს"). ორი სხვა ჯიში - viola da braccio (იტალიური braccio-დან - "წინამხარი") და viole d'amour (ფრანგ. viole d'amour) - "სიყვარულის viola") იყო ორიენტირებული ჰორიზონტალურად, ხოლო დაკვრისას მათ მხარზე აჭერდნენ. ვიოლა და გამბა ხმოვანი დიაპაზონით ახლოსაა ვიოლონჩელოსთან, ვიოლა და ბრაჩიო ვიოლინოსთან ახლოს, ვიოლა დამორი კი ვიოლასთან ახლოს. აღორძინების ეპოქის მოწყვეტილ ინსტრუმენტებს შორის მთავარი ადგილი უჭირავს ლუტას (პოლონური ლუტნია, არაბული "alud" - "ხე"). იგი ევროპაში მე-16 საუკუნის ბოლოს მოვიდა ახლო აღმოსავლეთიდან, ამ ინსტრუმენტისთვის იყო უზარმაზარი რეპერტუარი; უპირველეს ყოვლისა, ლუტის თანხლებით მღეროდნენ სიმღერები. ლაუთას აქვს მოკლე სხეული; ზედა ნაწილი ბრტყელია, ქვედა კი ნახევარსფეროს წააგავს. კისერი მიმაგრებულია ფართო კისერზე, დაყოფილია ფრთებით, ხოლო ხელსაწყოს თავი უკან არის მოხრილი თითქმის სწორი კუთხით. სურვილის შემთხვევაში, ლუტის გარეგნობაში თასთან მსგავსება შეგიძლიათ ნახოთ. თორმეტი სიმი დაჯგუფებულია წყვილებად და ხმა წარმოიქმნება როგორც თითებით, ასევე სპეციალური ფირფიტით - შუამავლით. მე-15-16 საუკუნეებში გაჩნდა სხვადასხვა ტიპის კლავიატურა. ასეთი ინსტრუმენტების ძირითადი ტიპები - კლავესინი, კლავიკორდი, ციმბალი, ვირჯინელი - აქტიურად გამოიყენებოდა რენესანსის მუსიკაში, მაგრამ მათი ნამდვილი აყვავება მოგვიანებით დადგებოდა.