უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა - გალატური, მემარცხენე. „უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა“ ი

შემდგენელებისგან
ეს წიგნი არის სახელმძღვანელო იმ ისტორიული პერიოდის მუსიკალური ლიტერატურის შესახებ, რომელიც იწყება მე-19 საუკუნის ბოლო ათწლეულებით. ასეთი სახელმძღვანელო პირველად ჩნდება: მეხუთე გამოცემა მთავრდება, როგორც ცნობილია, კ-დებიუსისა და მ. რაველის ნაწარმოებებით.
წიგნი მოიცავს სხვადასხვა ეროვნული მუსიკალური სკოლების მახასიათებლებს, რამაც განსაზღვრა მისი საერთო სტრუქტურა. პირველი ნაწილი ახასიათებს ზოგად პროცესებს, რომლებიც თავისებურად განხორციელდა სხვადასხვა ქვეყნის მუსიკალურ ხელოვნებაში და სხვადასხვა ინდივიდის კომპოზიტორთა შემოქმედებაში. ყოველი მომდევნო ნაწილი შედგება მოცემული ქვეყნის მუსიკალური კულტურის მიმოხილვისგან, ასევე მონოგრაფიული განყოფილებისგან, რომელიც ეძღვნება ამ სკოლის ყველაზე მნიშვნელოვანი კომპოზიტორების შემოქმედებას. სტრუქტურით განსხვავდება მხოლოდ ი. სტრავინსკის შემოქმედებისადმი მიძღვნილი მონაკვეთი: ის არ შეიცავს შესავალ მიმოხილვას. და ეს გასაგებია: ბოლოს და ბოლოს, განსაკუთრებული გარემოებების გამო ცხოვრების უმეტესი ნაწილი გაატარა რუსეთის გარეთ, სტრავინსკი დარჩა რუსი ოსტატი და არ ეკუთვნოდა არცერთ უცხოურ სკოლას. მისი შემოქმედებითი პრინციპების გადამწყვეტი გავლენა ჩვენი საუკუნის თითქმის ყველა წამყვან მუსიკოსზე არ იძლევა სტრავინსკის ამოღებას მე-20 საუკუნის მუსიკალური ხელოვნების განვითარების ზოგადი სურათიდან. ამ მონოგრაფიული თავის ჩართვა უცხოური მუსიკალური ლიტერატურის სახელმძღვანელოში ასევე განპირობებულია სკოლის საგანმანათლებლო პროგრამების თავისებურებებით: მე-20 საუკუნის უცხოური მუსიკის შესწავლისას მოსწავლეები ჯერ კიდევ არ იცნობდნენ არც პიროვნებას. ან ი.სტრავინსკის მუსიკა. მუსიკალური ხელოვნების ამ გვერდს ისინი მხოლოდ IV კურსის ბოლოს გადაუხვევენ, სადაც კომპოზიტორის შემოქმედების მხოლოდ პირველი, რუსული პერიოდია განხილული.

სახელმძღვანელოს შემდგენელთა და ავტორთა ყურადღება გამახვილებულია როგორც განსახილველი პერიოდის ზოგადი მუსიკალური და ისტორიული პროცესების ჩვენებაზე, ასევე ჩვენი საუკუნის კლასიკად ქცეული ყველაზე გამორჩეული ნაწარმოებების ანალიზზე. მე-20 საუკუნის მუსიკალური ხელოვნების მოვლენების განსაკუთრებული სირთულის, მათი წინააღმდეგობრივი ხასიათის, ურთიერთგადაკვეთებისა და მათი სწრაფი ცვლილების გამო, მიმოხილვის თავებმა გაცილებით დიდი ადგილი დაიკავეს ამ წიგნში, ვიდრე წინა გამოცემებში. მიუხედავად ამისა, საგნის მეთოდოლოგიური პრინციპების შესაბამისად, შემდგენლები ცდილობდნენ შეენარჩუნებინათ აქცენტი მუსიკალური ნაწარმოებების ანალიზზე, რომლებიც ამ შემთხვევაში მიზნად ისახავს გამოავლინოს შემოქმედებითი მეთოდების მრავალფეროვნება, აზროვნების გზები, განსხვავებული სტილისტური გადაწყვეტილებები და მრავალფეროვნება. ჩვენი საუკუნის ოსტატების კომპოზიციური ტექნიკა.

იმის გამო, რომ წიგნი იძლევა მუსიკალური ხელოვნების ფართო პანორამას და ანალიზი ხშირ შემთხვევაში ძალიან რთულია (რაც დიდწილად წინასწარ არის განსაზღვრული თავად მასალის მიერ), შემდგენელები შესაძლებლად თვლიან ამ სახელმძღვანელოს მიმართონ არა მხოლოდ შემსრულებელ სტუდენტებს. , არამედ მუსიკალური სკოლების თეორიული განყოფილებების. წიგნის შინაარსი სასწავლო პროცესში მის მიმართ შერჩევითი მიდგომის საშუალებას იძლევა; თავების შესწავლის სიღრმეს და დეტალებს თავად მასწავლებლები განსაზღვრავენ, რაც დამოკიდებულია სტუდენტების მზადყოფნის დონეზე, სასწავლო პროცესის მატერიალურ აღჭურვილობაზე მუსიკის ნოტებითა და ჩანაწერებით და სასწავლო გეგმით გამოყოფილი საათების რაოდენობაზე. კურსის ეს ნაწილი.
ამ წიგნზე ავტორთა დიდი ჯგუფი მუშაობდა. აქედან გამომდინარეობს მასალის წარმოდგენის სხვადასხვა გზების გარდაუვალობა; ამავე დროს, მისადმი მიდგომისას, შემდგენელები ცდილობდნენ შეენარჩუნებინათ ერთიანი მეთოდოლოგიური პრინციპები.

შინაარსი
შემდგენლებისგან
XX საუკუნის უცხოური მუსიკალური ხელოვნების განვითარების გზები.
ავსტრიის მუსიკალური კულტურა
გუსტავ მაჰლერი
ვოკალური შემოქმედება. "მოხეტიალე შეგირდის სიმღერები"
სიმფონიური შემოქმედება. პირველი სიმფონია
არნოლდ შენბერგი
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
"გადარჩენილი ვარშავიდან"
ალბან ბერგი
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
მუსიკალური დრამა "ვოცეკი"
კონცერტი ვიოლინოსა და ორკესტრისთვის
ანტონ ვებერნი.
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
გერმანიის მუსიკალური კულტურა
რიჩარდ სტრაუსი
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
სიმფონიური შემოქმედება. სიმფონიური ლექსები "დონ ხუანი" და "ეულენშპიგელამდე"
პოლ ჰინდემიტი
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
სიმფონიური შემოქმედება. სიმფონია "მხატვარი მათისი".
CARL ORF
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
კარლ ორფის შემოქმედების ძირითადი ჟანრები და მათი თავისებურებები.
ოპერა "ჭკვიანი გოგონა"
"კარმინა ბურანა"
იგორ სტრავინსკი
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
"ფსალმუნების სიმფონია"
ოპერა "ოიდიპოს რექსი"
საფრანგეთის მუსიკალური კულტურა.
არტურ ჰონეგერი
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
თეატრალური და ორატორიული შემოქმედება. ორატორიო "ჟოან დ არკი კოცონზე"
სიმფონიური შემოქმედება. მესამე სიმფონია ("ლიტურგიული")
დარიუს მილო
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
ვოკალურ-ინსტრუმენტული, კრეატიულობა. "ცეცხლის ციხე"
ფრენსის პულენსი
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
ოპერა "ადამიანის ხმა"
ესპანეთის მუსიკალური კულტურა
მანუელ დე ფალა
ცხოვრება და შემოქმედებითი გზა
ბალეტი "სიყვარული ჯადოქარი"
ოპერა "მოკლე სიცოცხლე"

მუსიკალური ბიბლიოთეკა მოხარული ვართ, რომ ჩვენს მუსიკალურ ბიბლიოთეკაში იპოვეთ და გადმოწერეთ თქვენთვის საინტერესო მასალები. ბიბლიოთეკა მუდმივად განახლდება ახალი ნამუშევრებითა და მასალებით და შემდეგ ჯერზე აუცილებლად იპოვით თქვენთვის რაიმე ახალს და საინტერესოს. პროექტის ბიბლიოთეკა შედგენილია როგორც სასწავლო გეგმის, ასევე სტუდენტების ტრენინგისა და ჰორიზონტის გაფართოებისთვის რეკომენდებული მასალების საფუძველზე. როგორც მოსწავლეები, ასევე მასწავლებლები აქ იპოვიან სასარგებლო ინფორმაციას, რადგან... ბიბლიოთეკა ასევე შეიცავს მეთოდოლოგიურ ლიტერატურას. ჩვენი შინაური ცხოველები კომპოზიტორები და შემსრულებლები თანამედროვე მხატვრები აქ ასევე ნახავთ გამოჩენილი მხატვრების, კომპოზიტორების, ცნობილი მუსიკოსების ბიოგრაფიებს, ასევე მათ ნამუშევრებს. სამუშაო განყოფილებაში ვდებთ სპექტაკლების ჩანაწერებს, რომლებიც დაგეხმარებათ სწავლაში, გაიგებთ როგორ ჟღერს ეს ნამუშევარი, ნაწარმოების აქცენტები და ნიუანსები. გელოდებით classON.ru-ზე. V.N. ბრაიანცევა იოჰან სებასტიან ბახი 1685 – 1750 ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი 1756 – 1791 ფრანც შუბერტი 1797 – 1828 www.classon.ru ჯოზეფ ჰაიდნი 1732 – 1809 ლუდვიგ 181 ჩოპინ ბეეტი 1949 ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ინფორმაცია ამის შესახებ სულ უფრო და უფრო უხვად ხდებოდა დაახლოებით ჩვენს წელთაღრიცხვამდე მე-10 საუკუნიდან. სახვითი ხელოვნება ვითარდება - და მხატვრები ასახავს მუსიკოსებს, რომლებიც თან ახლავს რელიგიურ რიტუალებს, სამხედრო კამპანიებს, ნადირობას, საზეიმო მსვლელობას და ცეკვას სიმღერასა და ინსტრუმენტებზე დაკვრით. ასეთი გამოსახულებები შემორჩენილია, კერძოდ, გათხრების დროს აღმოჩენილი ტაძრებისა და კერამიკული ვაზების კედლებზე. ჩნდება მწერლობა - და ხელნაწერების ავტორები სიმღერებსა და საგალობლებს პოეტურ ტექსტებს ამატებენ და საინტერესო ინფორმაციას აწვდიან მუსიკალური ცხოვრების შესახებ. დროთა განმავლობაში მწერლები დიდ ყურადღებას აქცევენ მუსიკის შესახებ ფილოსოფიურ დისკუსიებს, მის მნიშვნელოვან სოციალურ, მათ შორის საგანმანათლებლო როლს, აგრეთვე მისი ენის ელემენტების თეორიულ შესწავლას. ამ ინფორმაციის უმეტესობა მუსიკის შესახებ შემონახულია ძველი სამყაროს ზოგიერთ ქვეყანაში, მაგალითად, ძველ ჩინეთში, ძველ ინდოეთში, ძველ ეგვიპტეში და განსაკუთრებით ეგრეთ წოდებულ ძველ ქვეყნებში - ძველ საბერძნეთსა და ძველ რომში, სადაც საფუძვლები იყო ჩაეყარა ევროპული კულტურა2. შესავალი მუსიკა უძველესი დროიდან J. S. Bach-მდე ძვირფასო ბიჭებო! შარშან უკვე გქონდათ მუსიკალური ლიტერატურის გაკვეთილები. მათ განიხილეს მუსიკალური ენის ძირითადი ელემენტები, ზოგიერთი მუსიკალური ფორმა და ჟანრი, მუსიკის გამომხატველი და ვიზუალური შესაძლებლობები და ორკესტრი. ამასთან, საუბარი თავისუფლად მიმდინარეობდა სხვადასხვა ეპოქაზე - ხან სიძველეზე, ხან თანამედროვეობაზე, ხან ჩვენგან ნაკლებად ან უფრო შორეულ საუკუნეებში დაბრუნებაზე. ახლა კი დროა გავეცნოთ მუსიკალურ ლიტერატურას ქრონოლოგიურად თანმიმდევრობით - ისტორიული - თანმიმდევრობით1. ძველ საბერძნეთში მუსიკის შესახებ რა გზით მოაღწია ჩვენამდე ცნობები ძველი სამყაროს მუსიკის შესახებ ანტიკურობის დიდი კულტურული და ისტორიული როლის დამაჯერებელი მტკიცებულებაა ის ფაქტი, რომ ძველ საბერძნეთში ძვ. - დაიბადნენ. და ორი საუკუნის შემდეგ, იქ დაიწყო მუსიკალური შეჯიბრებების ჩატარება - პითიას თამაშები, რომლებიც შეიძლება ჩაითვალოს თანამედროვე შეჯიბრებების შორეულ წინაპრებად. პითიას თამაშები იმართებოდა ხელოვნების მფარველის, მზისა და სინათლის ღმერთის, აპოლონის პატივსაცემად აგებულ ტაძარში. მითების თანახმად, მან, რომელმაც დაამარცხა ამაზრზენი გველი პითონი, თავად დააწესა ეს თამაშები. ცნობილია, რომ ერთხელ მათზე გაიმარჯვა არგოსელმა საქადმა, უკრავდა აულოსზე, ჩასაბერ ინსტრუმენტზე ჰობოესთან ახლოს, საპროგრამო ნაწარმოები აპოლონისა და პითონის ბრძოლის შესახებ. ძველ ბერძნულ მუსიკას დამახასიათებელი კავშირი ჰქონდა პოეზიასთან, ცეკვასთან და თეატრთან. . იგალობეს ლეგენდარულ პოეტ ჰომეროსს მიკუთვნებული გმირული ეპიკური ლექსები „ილიადა“ და „ოდისეა“. მომღერლები, როგორც წესი, მითოლოგიური ორფეოსის მსგავსად, იყვნენ როგორც პოეტური ტექსტის, ასევე მუსიკის ავტორები, და ისინი თავად ახლდნენ ლირაზე. დღესასწაულებზე შესრულდა საგუნდო საცეკვაო სიმღერები პანტომიმური ჟესტებით. ძველ ბერძნულ ტრაგედიებსა და კომედიებში დიდი როლი ეკუთვნოდა გუნდს: იგი აკეთებდა კომენტარს მოქმედებაზე, გამოხატავდა თავის დამოკიდებულებას. გათხრების დროს არქეოლოგებმა აღმოაჩინეს უმარტივესი მუსიკალური ინსტრუმენტები (მაგალითად, ჩასაბერი ინსტრუმენტები - ცხოველების ძვლები გაბურღული ნახვრეტებით) და დაადგინა, რომ ისინი დაახლოებით ორმოცი ათასი წლის წინ გაკეთდა. შესაბამისად, მუსიკალური ხელოვნება მაშინ უკვე არსებობდა. მას შემდეგ, რაც 1877 წელს გამოიგონეს ფონოგრაფი, ხმის მექანიკური ჩაწერისა და რეპროდუქციის პირველი აპარატი, მუსიკოს-მკვლევარებმა დაიწყეს მოგზაურობა მსოფლიოს იმ კუთხეებში, სადაც ზოგიერთმა ტომმა ჯერ კიდევ შეინარჩუნა თავისი პრიმიტიული ცხოვრების წესი. ასეთი ტომების წარმომადგენლებისგან, ფონოგრაფის გამოყენებით, მათ ჩაწერეს სიმღერისა და ინსტრუმენტული ჰანგების ნიმუშები. მაგრამ ასეთი ჩანაწერები, რა თქმა უნდა, იძლევა მხოლოდ სავარაუდო წარმოდგენას იმის შესახებ, თუ როგორი იყო მუსიკა იმ ძველ დროში. სიტყვა „ქრონოლოგია“ (იგულისხმება „ისტორიული მოვლენების თანმიმდევრობა დროში“) მომდინარეობს ორი ბერძნული სიტყვიდან - „ქრონოსი“ („დრო“) და „ლოგოსი“ („სწავლება“). 1 ლათინური სიტყვა "antiguus" ნიშნავს "უძველეს". მისგან მიღებული განმარტება „ანტიკური“ ეხება ძველი საბერძნეთისა და ძველი რომის ისტორიასა და კულტურას. 2 2 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში გმირების ქმედებებზე. თანამედროვე მუსიკათმცოდნეებს აქვთ გარკვეული ინფორმაცია ძველი სამყაროს მუსიკის შესახებ და მაინც შურს სხვა ხელოვნების ისტორიკოსებს. უძველესი არქიტექტურის დიდებული ძეგლების დიდი რაოდენობით შემონახულია უძველესი სახვითი ხელოვნება, განსაკუთრებით ქანდაკება; აღმოჩენილია მრავალი ხელნაწერი დიდი უძველესი დრამატურგების ტრაგედიებისა და კომედიების ტექსტებით. მაგრამ ამავე ეპოქაში შექმნილი და კიდევ უფრო გვიანდელი მუსიკალური ნაწარმოებები ჩვენთვის არსებითად უცნობი რჩება. რატომ მოხდა ასე? ფაქტია, რომ მუსიკალური აღნიშვნის (ნოტაციის) საკმარისად ზუსტი და მოსახერხებელი სისტემის გამოგონება, რომელიც თითოეულ თქვენგანს დაეუფლა მუსიკის სწავლის დაწყებისას, ძალიან რთული ამოცანა აღმოჩნდა. მის ამოხსნას მრავალი საუკუნე დასჭირდა. მართალია, ძველმა ბერძნებმა გამოიგონეს ასოების აღნიშვნა. მათ განსაზღვრეს მუსიკალური რეჟიმების ხარისხები ანბანის გარკვეული ასოებით. მაგრამ რიტმული სიმბოლოები (ტირეებიდან) ყოველთვის არ იყო დამატებული. მხოლოდ მე-19 საუკუნის შუა ხანებში მეცნიერებმა საბოლოოდ ამოიცნეს ამ ნოტაციის საიდუმლოებები. თუმცა, თუ მათ შეძლეს ძველ ბერძნულ მუსიკალურ ხელნაწერებში სიმაღლის ბგერების თანაფარდობის გაშიფვრა, მაშინ ხანგრძლივობის თანაფარდობა მხოლოდ დაახლოებით იყო. და ასეთი ხელნაწერები ძალიან ცოტაა ნაპოვნი და შეიცავს მხოლოდ რამდენიმე ერთხმიანი ნაწარმოების ჩანაწერებს (მაგალითად, საგალობლებს) და უფრო ხშირად - მათ ნაწყვეტებს. საკმარისი ხილვადობა. ამიტომ, მუსიკოსები დიდი ხანია იყენებენ დამხმარე მინიშნებების ხატებს. ეს ხატები მოთავსებული იყო საგალობლების სიტყვების ზემოთ და განსაზღვრავდა ცალკეულ ბგერებს ან მათ მცირე ჯგუფებს. მათ არ მიუთითეს ბგერების ზუსტი კავშირი არც სიმაღლეში და არც ხანგრძლივობაში. მაგრამ თავისი მოხაზულობით შეახსენეს შემსრულებლებს მელოდიის მოძრაობის მიმართულება, რომლებმაც ის ზეპირად იცოდნენ და ერთი თაობიდან მეორეზე გადასცემდნენ. დასავლეთ და ცენტრალური ევროპის ქვეყნებში, რომელთა მუსიკაზეც მოგვიანებით იქნება განხილული ამ სახელმძღვანელოში, ასეთ ხატებს ნეუმას უწოდებდნენ. ნეუმას იყენებდნენ ძველი კათოლიკური ლიტურგიული გალობის ჩაწერისას - გრიგორიანული გალობა. ეს საერთო სახელი მომდინარეობს პაპ გრიგოლ I3-ის სახელიდან. ლეგენდის თანახმად, მან VI საუკუნის ბოლოს შეადგინა ამ მონოფონიური გალობის ძირითადი კრებული. საეკლესიო მსახურების დროს მხოლოდ მამაკაცები და ბიჭები იმღერებენ - სოლო და გუნდი ერთხმად, ისინი იწერება ლათინურ ტექსტებზე 4. გრიგორიანული გალობის ადრეული უცვლელი ჩანაწერების გაშიფვრა შეუძლებელია. მაგრამ მე-11 საუკუნეში იტალიელმა ბერმა გუიდო დ'არეცომ („არეცოდან“) გამოიგონა აღნიშვნის ახალი მეთოდი, რომელიც მონასტერში ასწავლიდა მომღერლებს და სურდა მათთვის სულიერი გალობის დამახსოვრება გაადვილებულიყო. ნეუმების განთავსება დაიწყო ჰორიზონტალურ ხაზზე, მის ზემოთ და ქვემოთ. ეს ხაზი შეესაბამებოდა ერთ კონკრეტულ ხმას და ამით ადგენდა ჩანაწერის მიახლოებით სიმაღლეს. და გვიდოს გაუჩნდა იდეა ოთხი პარალელური ხაზის გაყვანის შესახებ. „მმართველები“) ერთმანეთისგან ერთსა და იმავე მანძილზე და მათზე და მათ შორის ნეუმების განთავსებაზე. ასე წარმოიშვა წინაპარი თანამედროვე მუსიკალური ნოტაცია - მკაცრად დახატული მონახაზის მსგავსად, რამაც შესაძლებელი გახადა ზუსტად მიეთითებინა ბგერების სიმაღლის მიმართება ტონებში. და ნახევარტონები. და ამავე დროს, მუსიკალური აღნიშვნა უფრო ვიზუალური გახდა - ნახატის მსგავსად, რომელიც ასახავს მელოდიის მოძრაობას, მის მოხვევებს. გვიდომ ხაზების შესატყვისი ბგერები დანიშნა ლათინური ასოებით. მათმა კონტურებმა შემდგომში დაიწყო ცვლილება და საბოლოოდ. გადაიქცა ნიშნებად, რომლებსაც გასაღებს ეძახდნენ, ხოლო სახაზავებზე და მათ შორის „მჯდარი“ ნეუმები დროთა განმავლობაში ცალკეულ ნოტებად გადაიქცა, რომელთა თავებს თავიდან კვადრატის ფორმა ჰქონდა. კითხვები და ამოცანები 1. მეცნიერთა აზრით, როდის დამზადდა უძველესი მუსიკალური ინსტრუმენტები? Რას ნიშნავს ეს? 2. რა არის ფონოგრაფი, როდის გამოიგონეს ის და როგორ დაიწყეს მკვლევარებმა მისი გამოყენება? 3. ანტიკური სამყაროს რომელი ქვეყნების მუსიკის შესახებ არის ყველაზე მეტი ინფორმაცია შემონახული? რუქიდან დაადგინეთ, რომელი ზღვის ირგვლივ მდებარეობდა ეს სამი ქვეყანა. 4. როდის და სად დაიწყო უძველესი მუსიკალური შეჯიბრებები - პითიის თამაშები? 5. რომელ ხელოვნებასთან იყო მჭიდროდ დაკავშირებული მუსიკა ძველ საბერძნეთში? 6. რა აღნიშვნა გამოიგონეს ძველმა ბერძნებმა? როგორ არის არაზუსტი? ტიტული „პაპი“ ატარებს სასულიერო პირს, რომელიც ხელმძღვანელობს კათოლიკურ ეკლესიას, როგორც საერთაშორისო სულიერ ორგანიზაციას. კათოლიციზმი ერთ-ერთი ქრისტიანული სარწმუნოებაა მართლმადიდებლობასთან და პროტესტანტიზმთან ერთად. 4 ძველი რომაელები ლათინურად საუბრობდნენ. 476 წელს რომის იმპერიის დაცემის შემდეგ ლათინურ ენაზე თანდათან შეწყდა ლაპარაკი. მისგან წარმოიშვა ეგრეთ წოდებული რომანული ენები - იტალიური, ფრანგული, ესპანური, პორტუგალიური. 3 როგორ იქმნებოდა მოსახერხებელი აღნიშვნა შუა საუკუნეებში (ამ ისტორიული პერიოდის დასაწყისად ითვლება ჩვენი წელთაღრიცხვით მე-6 საუკუნე), ასოების აღნიშვნა თითქმის დავიწყებას მიეცა. ის არ შეიცავდა 3 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ჭორები აღნიშვნის ახალი მეთოდის შესახებ - რაღაც სასწაულის მსგავსად - მიაღწია პაპ იოანე XIX-ს. მან დაიბარა გვიდო და იმღერა მისთვის უცნობი მელოდია გამოგონილი ჩანაწერიდან. შემდგომში პარალელური ხაზების რაოდენობა ბევრჯერ შეიცვალა, ზოგჯერ თვრამეტიც კი გაიზარდა. მხოლოდ მე-17 საუკუნის მიწურულს "გაიმარჯვა" ახლანდელმა ხუთხაზიანმა შტაბმა. ჩვენ ვიყენებდით სხვადასხვა გასაღებს. მხოლოდ მე-19 საუკუნეში გახდა ყველაზე ხშირად გამოყენებული ტრიბლისა და ბასის კლავიშები. გვიდო დ'არეცოს გამოგონების შემდეგ მათ დიდი დრო დაუთმეს კიდევ ერთი რთული პრობლემის გადაჭრას - როგორ გაეუმჯობესებინათ აღნიშვნა ისე, რომ იგი მიუთითებდეს ბგერების ზუსტ ურთიერთობაზე არა მხოლოდ სიმაღლეში, არამედ ხანგრძლივობაშიც. გარკვეული პერიოდის შემდეგ ისინი მოვიდნენ. ამისთვის განსხვავებული ფორმის ნოტების სიმბოლოების გამოყენების იდეით. .მაგრამ თავდაპირველად ამას დაემატა მრავალი ჩვეულებრივი წესი, რაც ართულებდა პრაქტიკაში გამოყენებას. და რამდენიმე საუკუნის განმავლობაში, თანდათან განვითარდა უფრო მოსახერხებელი აღნიშვნა - ზუსტად ის, რისი გამოყენებასაც ახლა ვაგრძელებთ. მე-17 საუკუნის დაწყების შემდეგ იგი მხოლოდ დეტალურად გაუმჯობესდა და მისი რიტმული პრინციპი, რომელსაც ამდენი ხანი ვეძებდით, ახლა თითქოს იყოს უმარტივესი რამ, რაც არსებობს: ის მდგომარეობს იმაში, რომ მთელი ნოტი ხანგრძლივობით ყოველთვის უდრის ორ ნახევარს - სხვები სტილით, ერთი ნახევარი - ორი მეოთხედი, ერთი მეოთხედი - ორი მერვე და ასე შემდეგ. მე-16 საუკუნეში ზოლების განცალკევება, ხოლო მუსიკალური ნოტაციის დასაწყისში ზომის მითითება უშეცდომოდ მე-17 საუკუნიდან დაიწყო. თუმცა იმ დროს არსებობდა არა მხოლოდ მუსიკალური ხელნაწერები, არამედ ბეჭდური მუსიკაც. მუსიკის ბეჭდვა დაიწყო ბეჭდვის გამოგონებიდან მალევე - მე -15 საუკუნის ბოლოს. ძველ სამყაროში და დიდი ხნის განმავლობაში შუა საუკუნეებში მუსიკა, როგორც წესი, მონოფონიური იყო. იყო მხოლოდ რამდენიმე მარტივი გამონაკლისი. მაგალითად, მომღერალმა შეასრულა სიმღერა და დუბლიკატი გაუკეთა (ანუ ერთდროულად გაამრავლა) რომელიმე ინსტრუმენტზე დაკვრის დროს. ამ შემთხვევაში, ხმა და ინსტრუმენტი შეიძლება ხანდახან ოდნავ განსხვავდებოდეს, გადაუხვიოს ერთმანეთს და მალე კვლავ გადაიზარდოს. ამრიგად, მონოფონიური ხმის ნაკადში გაჩნდა და გაქრა ორხმიანი „კუნძულები“. მაგრამ ჩვენი წელთაღრიცხვის პირველი და მეორე ათასწლეულების მიჯნაზე, პოლიფონიურმა სტილმა დაიწყო თანმიმდევრული განვითარება და შემდგომ გახდა დომინანტი პროფესიულ მუსიკალურ ხელოვნებაში. ეს რთული და გრძელვადიანი წარმონაქმნი ძირითადად კონცენტრირებული იყო კათოლიკური საეკლესიო მუსიკის სფეროში. საქმე დაიწყო შემდეგი ტექნიკის გამოგონებით (ვის მიერ - უცნობია). ერთმა მომღერალმა (ან რამდენიმე მომღერალმა) შეასრულა მთავარი ხმა - გრიგორიანული გალობის ნელი, ნაკადი მელოდია. მეორე ხმა კი მკაცრად პარალელურად მოძრაობდა - ზუსტად იმავე რიტმში, მხოლოდ მუდმივად ოქტავის, მეოთხე ან მეხუთე მანძილზე. ახლა ჩვენს ყურში ძალიან ცუდად ჟღერს, "ცარიელად". მაგრამ ათასი წლის წინ, ასეთი სიმღერა, რომელიც ეხმიანება ეკლესიის ან ტაძრის თაღებს, გაოცებული და აღფრთოვანებული იყო, ხსნიდა მუსიკის ახალ გამომხატველ შესაძლებლობებს. გარკვეული პერიოდის შემდეგ, ეკლესიის მუსიკოსებმა დაიწყეს მეორე ხმის ჩატარების უფრო მოქნილი და მრავალფეროვანი მეთოდების ძებნა. და შემდეგ მათ დაიწყეს უფრო და უფრო ოსტატურად შერწყმა სამი, ოთხი ხმა და მოგვიანებით ზოგჯერ კიდევ უფრო მეტი ხმა. კითხვები და ამოცანები 1. რატომ იყო ასოების აღნიშვნა პრაქტიკაში მოუხერხებელი? 2. რას უთხრეს ნეუმებმა შუა საუკუნეების მომღერლებს? 3. რა არის გრიგორიანული გალობა და რატომ ჰქვია ასე? 4. ახსენით გვიდო დ'არეცოს გამოგონების არსი 5. რა იყო შემდეგი პრობლემა, რომლის გადაჭრა სჭირდებოდა გვიდოს გამოგონების შემდეგ 6. როდიდან აღარ შეცვლილა აღნიშვნა მნიშვნელოვნად გრძელი გალობა სამი და ოთხი ხმით, რომელიც უკვე იყო ერთმანეთისგან აშკარად განსხვავებულები მე-13 საუკუნის დასაწყისში შეიქმნა საეკლესიო მუსიკოსი პეროტინი, რომელიც იყო სასიმღერო ხელოვნების გამორჩეული წარმომადგენელი - პარიზული "ნოტრ დამის სკოლა" ("ჩვენი ღვთისმშობლის სკოლა"). პეროტინის გალობა ჟღერდა ქ. საოცარი სილამაზის შენობა. ეს არის შუა საუკუნეების გოთური არქიტექტურის ცნობილი ძეგლი, რომელიც აღწერილია მე-19 საუკუნის ფრანგმა მწერალმა ვიქტორ ჰიუგომ ცნობილ რომანში "პარიზის ღვთისმშობლის ტაძარი". როგორ დაიწყო მრავალხმიანობა მუსიკაში. ასე დაიწყო მრავალხმიანობა. ბერძნულიდან თარგმნილი, ეს სიტყვა ნიშნავს „მრავალხმიანობას“. მაგრამ მრავალხმიანობა არის მხოლოდ მრავალხმიანობის სახეობა, რომელშიც ერთდროულად ჟღერს ორი ან მეტი თანაბარი ხმა, უფრო მეტიც, თითოეულ მათგანს აქვს საკუთარი დამოუკიდებელი მელოდიური ხაზი. თუ ერთი ხმა უძღვება მთავარს. მელოდია და სხვები მას ექვემდებარება (ახლოვდეს, ახლდეს), მერე ეს არის ჰომოფონია - სხვა. სანოტო გაუმჯობესების წყალობით თანდათან, განსაკუთრებით მე-13 საუკუნიდან, მუსიკალური ხელნაწერები უფრო და უფრო ზუსტი გაშიფვრა ხდება. ამან შესაძლებელი გახადა არა მხოლოდ მუსიკალური კულტურის შესახებ ინფორმაციის გაცნობა, არამედ თავად წარსული ეპოქების მუსიკაც. შემთხვევითი არ იყო, რომ ნოტაციის წარმატებები დაემთხვა მრავალხმიანობის განვითარების დაწყებას - მნიშვნელოვანი ეტაპი მუსიკალური ხელოვნების ისტორიაში. 4 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში, მასა გახდა მთავარი მუსიკალური ჟანრი. რეგულარული მესია 5 მოიცავს ექვს მთავარ გალობას, რომელიც დაფუძნებულია ლათინურ ლოცვის ტექსტებზე. ესენია "Kyriyo eleizon" ("უფალო, შემიწყალე"), "Gloria" ("დიდება"), "Credo" ("მე მჯერა"), "Sanctus" ("წმინდა"), "Benedictus" ("კურთხეული" ) და "აგნუს დეი" ("ღვთის კრავი"). თავდაპირველად გრიგორიანული გალობა მასებში მონოფონიურად ჟღერდა. მაგრამ დაახლოებით მე-15 საუკუნეში, მასა გადაიქცა რთული პოლიფონიური ნაწილების ციკლად 6. ამავდროულად, იმიტაციების გამოყენება ძალიან ოსტატურად დაიწყო. ლათინურიდან თარგმნილი, "imitatio" ნიშნავს "იმიტაციას". მუსიკაში ზოგჯერ შეიძლება მიბაძოს ზედმეტ მუსიკალურ ხმებს, მაგალითად, ბულბულის ტრიალი, გუგულის გუგული ან ზღვის ტალღების ხმა. ამას მაშინ უწოდებენ ონომატოპეას ან ხმის გამოსახულება. და მუსიკაში მიბაძვა არის ტექნიკა, როდესაც მელოდიის შემდეგ, რომელიც მთავრდება ერთი ხმით, სხვა ხმა ზუსტად (ან არც თუ ისე ზუსტად) იმეორებს მას სხვა ბგერიდან. შემდეგ სხვა ხმები შეიძლება შევიდნენ იმავე გზით. ჰომოფონიურ მუსიკაში იმიტაცია შეიძლება მოკლედ გამოჩნდეს. და პოლიფონიურ მუსიკაში ეს არის განვითარების ერთ-ერთი მთავარი ტექნიკა. ეს ხელს უწყობს მელოდიური მოძრაობის თითქმის უწყვეტობას: პაუზები და კადენციები ერთდროულად ყველა ხმაში ხდება პოლიფონიურ მუსიკაში მხოლოდ იშვიათი გამონაკლისის სახით7. იმიტაციების სხვა პოლიფონიურ ტექნიკასთან შერწყმით, კომპოზიტორებმა თავიანთი მასები შექმნეს დიდი საგუნდო ნაწარმოებები, რომლებშიც ოთხი ან ხუთი ხმა ერთმანეთში ერწყმის რთულ ხმის ტექსტურას. მასში უკვე ძნელად ამოსაცნობია გრიგორიანული გალობის მელოდია და ისეთივე რთულია ლოცვითი სიტყვების მოსმენა. იყო კიდეც მასები, სადაც ძირითადი საერო სიმღერების მელოდიები გამოიყენებოდა. ამ ვითარებამ შეაშფოთა უმაღლესი კათოლიკური საეკლესიო ხელისუფლება. მე-16 საუკუნის შუა ხანებში საეკლესიო მსახურების დროს მრავალხმიანი გალობის სრულად აკრძალვას აპირებდა. მაგრამ ასეთი აკრძალვა არ მომხდარა მშვენიერი იტალიელი კომპოზიტორის პალესტრინას წყალობით, რომელმაც თითქმის მთელი ცხოვრება გაატარა რომში და ახლოს იყო პაპის სასამართლოსთან (მისი სრული სახელია ჯოვანი პიერლუიჯი და პალესტრინა, ანუ "პალესტრინადან" - ა. პატარა ქალაქი რომიდან შორს). პალესტრინამ თავისი მასებით (და მან დაწერა ასზე მეტი მათგანი) მოახერხა მიაღწია მრავალხმიანობის ტიპს. ვინაიდან აკომპანემენტს აქვს აკორდულ-ჰარმონიული საფუძველი, მუსიკალური წარმოდგენის ჰომოფონიურ სტრუქტურას ჰომოფონურ-ჰარმონიულსაც უწოდებენ. კითხვები და ამოცანები 1. როდიდან დაიწყო მუსიკალური ხელნაწერების უფრო ზუსტად გაშიფვრა? 2. მუსიკალური ხელოვნების ისტორიაში რომელ ახალ ეტაპს დაემთხვა სანოტო წარმატებები? 3. როდის, რომელ მუსიკაში და რა მელოდიების საფუძველზე დაიწყო მრავალხმიანობის თანმიმდევრული ფორმირება? 4. რა იყო პარალელური ორხმიანი? იმღერეთ ერთად რამდენიმე პარალელური მეოთხედი, მეხუთე და ოქტავა. 5. რა განსხვავებაა მრავალხმიანობასა და ჰომოფონიას შორის? როგორ აგრძელებდა მრავალხმიანობის განვითარებას სანამ მრავალხმიანობა დაიწყო საეკლესიო გალობაში განვითარება, მონოფონია კვლავ დომინირებდა საერო მუსიკაში. მაგალითად, გაშიფრულია ერთხმიანი სიმღერების მრავალი ჩანაწერი, რომლებიც შედგენილი და შესრულებული იყო შუა საუკუნეების პოეტებისა და მომღერლების მიერ XII-XIV საუკუნეებში. საფრანგეთის სამხრეთით, პროვანსში მათ ტრუბადურებს უწოდებდნენ, ჩრდილოეთ საფრანგეთში - trouvères, გერმანიაში - minnesingers. ბევრი მათგანი ცნობილი რაინდი იყო და მათ სიმღერებში ხშირად მღეროდნენ „მშვენიერი ქალბატონის“ სილამაზესა და სათნოებას, რომელსაც თაყვანს სცემდნენ. ამ პოეტ-მომღერლების სიმღერების მელოდიები ხშირად ახლოს იყო ხალხურ ჰანგებთან, მათ შორის საცეკვაო ჰანგებთან და რიტმი ექვემდებარებოდა პოეტური ტექსტის რიტმს. მოგვიანებით, მე-14-16 საუკუნეებში, გერმანელი პოეტ-მომღერლები ხელოსანთა გილდიებად გაერთიანდნენ და საკუთარ თავს მეისტერსინგერებს უწოდებდნენ („მაისტერსინგერები“). ხმები, რომლებიც დაემატა გრიგორიანულ გალობას სულიერ გალობაში, შესამჩნევი გახდა საერო სიმღერების გავლენა (მაგალითად, ტრუბადურებისა და ტრუვერების სიმღერები). ამავდროულად, XIII საუკუნის ბოლოს, წმინდა საერო პოლიფონიური ნაწარმოებები გამოჩნდა. საფრანგეთი, სადაც ყველა ხმის ნაწილი ეფუძნებოდა სიმღერის ბუნების მელოდიებს და ტექსტები შედგენილი იყო არა ლათინურად, არამედ ფრანგულად. დროთა განმავლობაში კათოლიკურ საეკლესიო მუსიკაში ასევე იმართება სპეციალური მასები, რომლებიც ეძღვნება საეკლესიო დღესასწაულებს. გავიხსენოთ. რომ ციკლი არის რამდენიმე ცალკეული ნაწილის (ან პიესის) ნაწარმოები, გაერთიანებული საერთო კონცეფციით. განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში იმის დასამტკიცებლად, რომ მრავალხმიანი კომპოზიციები, მიუხედავად იმისა, რომ ძალიან ოსტატურად რჩება, შეუძლიათ გამჭვირვალე ჟღერდეს და ლიტურგიული ტექსტები ნათლად მოისმინოს. პალესტრინას მუსიკა ეგრეთ წოდებული მკაცრი სტილის უძველესი საგუნდო მრავალხმიანობის ერთ-ერთი მწვერვალია. ის მიგვიყვანს განმანათლებლური, ამაღლებული ჭვრეტის სამყაროში - თითქოს თანაბარ, მშვიდობიან ბზინვარებას გამოსცემს. პოეტები, მუსიკოსები, მეცნიერები და ხელოვნების მოყვარულები. ისინი მოხიბლული გახდნენ ახალი ტიპის ექსპრესიული სოლო სიმღერის აკომპანიმენტით შექმნისა და თეატრალურ მოქმედებასთან შერწყმის იდეით. ასე დაიბადა პირველი ოპერები, რომელთა სიუჟეტები ძველი მითოლოგიიდან იყო აღებული. პირველი არის "Daphne", კომპოზიტორი Jacopo Peri (ჯ. კორეასთან ერთად) და პოეტი O. Rinuccini. იგი შესრულდა 1597 წელს ფლორენციაში (ნაწარმოები მთლიანობაში არ შემორჩენილა). ძველ ბერძნულ მითოლოგიაში დაფნე არის მდინარის ღვთაების ლადონისა და დედამიწის ქალღმერთის გეას ქალიშვილი. აპოლონის დევნისგან გაქცეული, იგი ღმერთებს ევედრებოდა დახმარებას და გადაიქცა დაფნად (ბერძნულად "დაფნე" - "დაფნა") - აპოლონის წმინდა ხე. მას შემდეგ, რაც აპოლონი ითვლებოდა ხელოვნების მფარველ ღმერთად, პითიის თამაშების გამარჯვებულები, რომელთა დამაარსებლად ითვლებოდა აპოლონი, დაფნის გვირგვინით დაგვირგვინება დაიწყეს. დაფნის გვირგვინი და ცალკე დაფნის ტოტი გამარჯვების, დიდებისა და ჯილდოს სიმბოლოდ იქცა. 1600 წელს შექმნილ ორ სხვა ოპერას (ერთი ჯ. პერის, მეორე გ. კაჩინის მიერ), ორივეს „ევრიდიკე“ ჰქვია, რადგან ორივე იყენებს ერთსა და იმავე პოეტურ ტექსტს, რომელიც დაფუძნებულია ლეგენდარული მომღერლის ორფეოსის ძველ ბერძნულ მითზე. პირველი იტალიური ოპერები შესრულდა დიდგვაროვანთა სასახლეებსა და სახლებში. ორკესტრი შედგებოდა რამდენიმე უძველესი ინსტრუმენტისგან. მას ხელმძღვანელობდა მუსიკოსი, რომელიც უკრავდა ციმბალზე (იტალიური სახელწოდება კლავესინისთვის). ჯერ უვერტიურა არ ყოფილა და სპექტაკლის დაწყება საყვირის ფანფარებმა დააანონსა. ხოლო ვოკალურ ნაწილებში ჭარბობდა რეჩიტატივი, რომელშიც მუსიკალური განვითარება ექვემდებარებოდა პოეტურ ტექსტს. თუმცა მალე მუსიკამ ოპერებში სულ უფრო დამოუკიდებელი და მნიშვნელოვანი მნიშვნელობის შეძენა დაიწყო. ამის დიდი დამსახურებაა პირველი გამოჩენილი საოპერო კომპოზიტორი - კლაუდიო მონტევერდი. მისი პირველი ოპერა ორფეოსი დაიდგა 1607 წელს მანტუაში. მისი გმირი ისევ იგივე ლეგენდარული მომღერალია, რომელმაც თავისი ხელოვნებით დაამშვიდა მიცვალებულთა ქვესკნელის ღმერთი ჰადესი და დედამიწაზე გაათავისუფლა ორფეოსის საყვარელი ცოლი ევრიდიკე. მაგრამ ჰადესის პირობა - ერთხელაც არ შეხედოს ევრიდიკეს სამეფოს დატოვებამდე - ორფეოსმა დაარღვია და ისევ, სამუდამოდ დაკარგა იგი. მონტევერდის მუსიკამ არნახული ლირიკული და დრამატული ექსპრესიულობა მისცა ამ სევდიან ამბავს. ვოკალური ნაწილები, გუნდები და საორკესტრო ეპიზოდები ბევრად უფრო მრავალფეროვანი გახდა მონტევერდის ორფეოსში. ამ ნაწარმოებში ჩამოყალიბება დაიწყო მელოდიური არიატიული სტილი - იტალიური საოპერო მუსიკის ყველაზე მნიშვნელოვანი გამორჩეული თვისება. ფლორენციის მაგალითზე დაიწყო ოპერების შედგენა და შესრულება არა მხოლოდ მანტუაში, არამედ იტალიის ისეთ ქალაქებში, როგორებიცაა რომი, ვენეცია ​​და ნეაპოლი. ახალი ჟანრისადმი ინტერესი დაიწყო ევროპის სხვა ქვეყნებში და მათი კითხვები და ამოცანები 1. ვინ არიან ტრუბადურები, ტრუვერები, მაღაროელები და მეისტერსინგერები? 2. არის თუ არა კავშირი ძველ საეკლესიო მრავალხმიანობასა და საერო სიმღერის მელოდიებს შორის? 3. დაასახელეთ რეგულარული მასის ძირითადი ნაწილები. 4. მოიყვანეთ ონომატოპეის მაგალითები მუსიკაში. 5. რას ჰქვია მუსიკაში იმიტაცია? 6. რას მიაღწია პალესტრინამ თავის მასებში? ოპერის დაბადება. ორატორიო და კანტატა მხოლოდ მე -17 საუკუნის დასაწყისამდე - ისტორიული პერიოდის პირველი საუკუნე, რომელსაც თანამედროვე ეპოქა ეწოდა - მუსიკის ხელოვნებაში განსაკუთრებული მნიშვნელობის მოვლენა მოხდა: ოპერა დაიბადა იტალიაში. მუსიკა უძველესი დროიდან ისმოდა სხვადასხვა თეატრალურ წარმოდგენებში. მათში ინსტრუმენტულ და საგუნდო ნომრებთან ერთად შეიძლებოდა შესრულებულიყო ინდივიდუალური ვოკალური სოლოები, მაგალითად სიმღერები. და ოპერაში მომღერლები და მომღერლები გახდნენ მსახიობები და მსახიობები. მათმა სიმღერამ ორკესტრის თანხლებით, სასცენო მოქმედებასთან ერთად, დაიწყო წარმოდგენის ძირითადი შინაარსის გადმოცემა. მას ავსებს დეკორაციები, კოსტიუმები და ხშირად ცეკვებიც - ბალეტი. ამრიგად, ოპერაში მუსიკამ განაპირობა სხვადასხვა ხელოვნების მჭიდრო თანამშრომლობა. ამან მას ახალი დიდი მხატვრული შესაძლებლობები გაუხსნა. ოპერის მომღერლებმა უპრეცედენტო ძალით დაიწყეს ადამიანების პირადი ემოციური გამოცდილების გადმოცემა - როგორც მხიარული, ასევე მწუხარება. ამავე დროს, ოპერაში ყველაზე მნიშვნელოვანი გამოხატვის საშუალება იყო სოლო სასიმღერო ხმის ჰომოფონიური კომბინაცია ორკესტრის თანხლებით. და თუ მე-17 საუკუნემდე დასავლეთ ევროპაში პროფესიული მუსიკა ძირითადად საეკლესიო ვითარდებოდა და ყველაზე დიდი ჟანრი იყო მასობრივი, მაშინ მუსიკალური თეატრი გახდა მთავარი ცენტრი, ხოლო ყველაზე დიდი ჟანრი ოპერა. მე -16 საუკუნის ბოლოს, იტალიის ქალაქ ფლორენციაში, წრემ შეკრიბა 6 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში, მმართველებმა ჩვეულებად აქციეს იტალიელი მუსიკოსების მოწვევა სასამართლო სამსახურში. ამან ხელი შეუწყო იმ ფაქტს, რომ იტალიური მუსიკა დიდი ხნის განმავლობაში გახდა ყველაზე გავლენიანი ევროპაში. საფრანგეთში მე-17 საუკუნეში გაჩნდა საკუთარი ეროვნული ოპერა, იტალიურისგან განსხვავებული. მისი დამფუძნებელი, ჟან-ბატისტ ლიული, წარმოშობით იტალიელია. მიუხედავად ამისა, მან სწორად შეიგრძნო ფრანგული კულტურის თავისებურებები და შექმნა უნიკალური ფრანგული საოპერო სტილი. ლულის ოპერებში დიდი ადგილი ეკავა, ერთი მხრივ, რეჩიტატივებსა და რეჩიტატიური ხასიათის მცირე არიებს, ხოლო მეორე მხრივ, ბალეტის ცეკვებს, საზეიმო მსვლელობასა და მონუმენტურ გუნდებს. მითოლოგიურ სიუჟეტებთან, აყვავებულ კოსტიუმებთან და თეატრალური მანქანების დახმარებით ჯადოსნური სასწაულების გამოსახვასთან ერთად, ეს ყველაფერი შეესაბამებოდა სასამართლო ცხოვრების ბრწყინვალებას და ბრწყინვალებას საფრანგეთის მეფის ლუი XIV-ის დროს. პირველი ოპერა გერმანიაში „დაფნე“ (1627) შექმნა ბახის წინა ეპოქის უდიდესმა გერმანელმა კომპოზიტორმა ჰაინრიხ შუტცმა. მაგრამ მისი მუსიკა არ არის შემონახული. მაგრამ ქვეყანაში ოპერის ჟანრის განვითარების პირობები ჯერ კიდევ არ არსებობდა: ისინი მართლაც მხოლოდ მე-19 საუკუნის დადგომასთან ერთად გაჩნდნენ. შუცის შემოქმედებაში კი მთავარი ადგილი სულიერ ტექსტებზე დაფუძნებულ ექსპრესიულ ვოკალურ-ინსტრუმენტულ კომპოზიციებს ეკავა. 1689 წელს ლონდონში შესრულდა შესანიშნავი ნიჭის მქონე კომპოზიტორის, ჰენრი პერსელის პირველი ინგლისური ოპერა "დიდო და ენეასი". ამ ოპერის მუსიკა იპყრობს თავისი გულწრფელი ლექსებით, პოეტური ფანტაზიით და ფერადი ხალხური გამოსახულებებით. თუმცა, პერსელის გარდაცვალების შემდეგ, თითქმის ორი საუკუნის განმავლობაში ინგლისელ კომპოზიტორებს შორის არ არსებობდა გამოჩენილი მუსიკალური შემქმნელები. XVI-XVII საუკუნეების მიჯნაზე, ოპერასთან და ასევე იტალიაში, კანტატის დაბადება. ისინი ოპერის მსგავსია იმით, რომ მათ ასევე ასრულებენ სოლისტები, გუნდი და ორკესტრი, ასევე შეიცავს არიებს, რეჩიტატივებს, ვოკალურ ანსამბლებს, გუნდებს და საორკესტრო ეპიზოდებს. მაგრამ ოპერაში ჩვენ ვსწავლობთ მოვლენების განვითარებას (სიუჟეტი) არა მხოლოდ იმით, თუ რას მღერიან სოლისტები, არამედ იმაზე, თუ რას აკეთებენ ისინი და რა ხდება ზოგადად სცენაზე. მაგრამ ორატორიოში და კანტატაში არ არის სასცენო მოქმედება. ისინი შესრულებულია საკონცერტო გარემოში, კოსტიუმებისა და დეკორაციების გარეშე. მაგრამ ასევე არის განსხვავება ორატორიოსა და კანტატას შორის, თუმცა ყოველთვის არ არის მკაფიო. ჩვეულებრივ, ორატორიო უფრო დიდი ნაწარმოებია, უფრო განვითარებული რელიგიური შეთქმულებით. მას ხშირად ეპიკურ-დრამატული ხასიათი აქვს. ამასთან დაკავშირებით, ორატორიო ხშირად მოიცავს მომღერალ-მთხრობელის ნარატიულ რეჩიტატიულ ნაწილს. სულიერი ორატორიის განსაკუთრებული ტიპია „ვნება“ ან „პასიური“ (ლათინურიდან ითარგმნება როგორც „ტანჯვა“). ვნება მოგვითხრობს ჯვარზე ჯვარცმული იესო ქრისტეს ტანჯვასა და სიკვდილზე. 7 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში კანტატები, სიტყვიერი ტექსტის შინაარსიდან გამომდინარე, იყოფა სულიერ და საერო. მე-17 საუკუნეში და მე-18 საუკუნის დასაწყისში იტალიაში წარმოიშვა მრავალი პატარა, კამერული კანტატა. ისინი შედგებოდა ორი ან სამი რეჩიტატივის მონაცვლეობით ორი ან სამი არიისგან. შემდგომში ფართოდ გავრცელდა უპირატესად საზეიმო ხასიათის კანტატები. გერმანიაში უდიდესი განვითარება მიიღო სულიერმა კანტატებმა და სხვადასხვა კონსტრუქციების „ვნებებმა“. არიები და მომხიბლავია ვირტუოზული გადასასვლელი მოძრაობის განლაგება. კორელისა და ვივალდის მემკვიდრეობაში დიდი ადგილი ეკუთვნის ტრიო სონატას ჟანრს. ტრიო სონატების უმეტესობაში, ორ ძირითად ნაწილს ასრულებენ ვიოლინოები, ხოლო მესამე ნაწილს, თანმხლებ ნაწილს, ასრულებს კლავესინი ან ორღანი, ბასის ხმა გაორმაგებულია ჩელოს ან ფაგოტის მიერ. ტრიო სონატის შემდეგ გამოჩნდა ვიოლინოს ან სხვა ინსტრუმენტის სონატა, რომელსაც თან ახლავს კლავესინი. ასევე კონცერტო გროსო - კონცერტი ორკესტრისთვის (პირველი სიმებიანი). ამ ჟანრის ბევრ ნაწარმოებს ახასიათებს უძველესი სონატის ფორმა. ჩვეულებრივ, ეს არის ოთხი ნაწილისგან შემდგარი ციკლი „ნელი-სწრაფი-ნელი-სწრაფის“ ტემპის თანაფარდობით. ცოტა მოგვიანებით, უკვე მე-18 საუკუნეში, ვივალდიმ დაიწყო სოლო კონცერტების შედგენა ვიოლინოსა და სხვა ინსტრუმენტებისთვის ორკესტრის თანხლებით. იქ შეიქმნა სამნაწილიანი ციკლი: „სწრაფი-ნელი-სწრაფი“. კითხვები და ამოცანები 1. სად და როდის დაიბადა ოპერა? ახსენით, როგორ განსხვავდება ოპერა თეატრალური წარმოდგენისგან მუსიკით. 2. რა არის ყველაზე მნიშვნელოვანი გამოხატვის საშუალება საოპერო მუსიკაში? 3. რა ჰქვია კლაუდიო მონტევერდის პირველ ოპერას და რა თვისებები გამოიკვეთა მის მუსიკაში? 4. მოგვიყევით ძველი ფრანგული ოპერების თავისებურებებზე. 5. დაასახელეთ გერმანიაში დაწერილი პირველი ოპერა და ინგლისში დაწერილი პირველი ოპერა. 6. რა არის მთავარი განსხვავება ორატორიოსა და კანტატას შორის ოპერისგან? 7. რა არის „ვნებები“ („პასიური“)? ორღანმა თავისი მრავალსაუკუნოვანი ისტორია ჯერ კიდევ ძველ ეგვიპტეში დაიწყო. მე-17 საუკუნისთვის იგი გახდა ძალიან რთული ინსტრუმენტი ფართო მხატვრული შესაძლებლობებით. მცირე ორგანოების პოვნა კერძო სახლებშიც კი შეიძლებოდა. მათ იყენებდნენ საგანმანათლებლო აქტივობებისთვის და მათზე ასრულებდნენ ვარიაციები ხალხური სიმღერისა და ცეკვის მელოდიებზე. და დიდი ორგანოები მილების ცქრიალა რიგებით, ჩუქურთმებით მორთული ხის სხეულებით, ჟღერდა, როგორც ახლა, ეკლესიებსა და ტაძრებში. დღესდღეობით, ორღანი ასევე ხელმისაწვდომია ბევრ საკონცერტო დარბაზში. თანამედროვე ორგანოებს აქვთ რამდენიმე ათასი მილი და შვიდამდე კლავიატურა (ინსტრუქციები), რომლებიც განლაგებულია ერთმანეთის ზემოთ - კიბის საფეხურის მსგავსი. იმდენი მილებია, რადგან დაყოფილია ჯგუფებად - რეგისტრებად. რეგისტრების ჩართვა და გამორთვა ხდება სპეციალური ბერკეტების გამოყენებით ხმის განსხვავებული ფერის (ტემბრის) მისაღებად. ორგანოები ასევე აღჭურვილია პედლებით. ეს არის მთელი ფეხის კლავიატურა მრავალი დიდი კლავიშით. მათი ფეხებით დაჭერით ორგანისტს შეუძლია წარმოქმნას და ასევე შეინარჩუნოს ბასის ხმები დიდი ხნის განმავლობაში (ასეთ მდგრად ბგერებს ასევე უწოდებენ პედალს ან ორგანის წერტილს). ტემბრების სიმდიდრის თვალსაზრისით, უმსუბუქესი პიანისიმოს ჭექა-ქუხილის ფორტისიმოს შედარების უნარი, ორღანს არ აქვს თანაბარი მუსიკალურ ინსტრუმენტებს შორის. მე-17 საუკუნეში ორგანულმა ხელოვნებამ განსაკუთრებით მაღალ მწვერვალს მიაღწია გერმანიაში. როგორც სხვა ქვეყნებში, გერმანელი საეკლესიო ორგანისტები იყვნენ კომპოზიტორებიც და შემსრულებლებიც. ისინი არა მხოლოდ სულიერ გალობას ახლდნენ, არამედ სოლოებსაც ასრულებდნენ. მათ შორის იყო ბევრი ნიჭიერი ვირტუოზი და იმპროვიზატორი, რომლებიც თავიანთი დაკვრით იზიდავდნენ ხალხის მთელ ბრბოს. მათ შორის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული დიტრიხ ბუქსტეჰუდია. ახალგაზრდა იოჰან სებასტიან ბახი სხვა ქალაქიდან ფეხით ჩამოვიდა მის დაკვრის მოსასმენად. ბუქსტეჰუდის მრავალფეროვანი და ვრცელი შემოქმედება წარმოადგენს იმ დროის ორგანული მუსიკის ძირითად ტიპებს. ერთის მხრივ, ეს არის პრელუდიები, ფანტაზიები და მე -17 საუკუნის ინსტრუმენტული მუსიკის შესახებ, მისი ჟანრები და ფორმები დიდი ხნის განმავლობაში, ინსტრუმენტებზე დაკვრა ყველაზე ხშირად იმეორებდა ხმოვან ნაწილებს ვოკალურ ნაწარმოებებში ან თან ახლავს ცეკვებს. გავრცელებული იყო ვოკალური კომპოზიციების ინსტრუმენტული ტრანსკრიფციებიც. ინსტრუმენტული მუსიკის დამოუკიდებელი განვითარება მხოლოდ მე-17 საუკუნეში გაძლიერდა. ამავე დროს, იგი აგრძელებდა მხატვრული ტექნიკის განვითარებას, რომელიც განვითარდა ვოკალურ მრავალხმიანობაში. ისინი გამდიდრდა ჰომოფონიური ელემენტებით, რომლებიც დაფუძნებულია სიმღერასა და ცეკვაზე. ამავდროულად, საოპერო მუსიკის ექსპრესიული მიღწევების გავლენა ინსტრუმენტულ კომპოზიციებზე დაიწყო. ვიოლინოს ბრწყინვალე ვირტუოზულ შესაძლებლობებთან ერთად ძალიან მელოდიური ხმა აქვს. და სწორედ ოპერის სამშობლოში, იტალიაში დაიწყო ვიოლინოს მუსიკის განვითარება განსაკუთრებით წარმატებით. მე-17 საუკუნის ბოლოს არკანჯელო კორელის მოღვაწეობა აყვავდა და დაიწყო ანტონიო ვივალდის შემოქმედებითი მოღვაწეობა. ამ გამოჩენილმა იტალიელმა კომპოზიტორებმა შექმნეს მრავალი ინსტრუმენტული ნაწარმოები ვიოლინოს მონაწილეობით და წამყვანი როლით. მათში ვიოლინოს შეუძლია იმღეროს ისეთივე ექსპრესიულად, როგორც ადამიანის ხმა საოპერო ტოკატაში. მათში პოლიფონიური ეპიზოდები თავისუფლად ენაცვლება იმპროვიზაციულს - პასაჟებსა და აკორდებს. მეორეს მხრივ, ეს უფრო მკაცრად აგებული ნაწილებია, რამაც გამოიწვია ფუგა, იმიტირებული მრავალხმიანობის ყველაზე რთული ფორმა. ბუქსტეჰუდემ ასევე შეასრულა პროტესტანტული გალობის მრავალი ორგანული წყობა საგუნდო პრელუდიების სახით. გრიგორიანული გალობისგან განსხვავებით, ეს არის სულიერი გალობის ზოგადი სახელი არა ლათინურად, არამედ გერმანულად. ისინი გამოჩნდნენ მე-16 საუკუნეში, როდესაც კათოლიციზმს გამოეყო ახალი ტიპის ქრისტიანული დოქტრინა, პროტესტანტიზმი. პროტესტანტული გუნდის მელოდიური საფუძველი იყო გერმანული ხალხური სიმღერები. მე-17 საუკუნეში პროტესტანტული ქორა დაიწყო გუნდში ყველა მრევლის მიერ ორღანის მხარდაჭერით. ასეთი საგუნდო არანჟირებისთვის დამახასიათებელია ოთხხმიანი აკორდის სტრუქტურა ზედა ხმაში მელოდიით. შემდგომში, ასეთ სტრუქტურას ქორალე ეწოდა, თუნდაც ის ინსტრუმენტულ ნაწარმოებში იყოს. ორგანისტები სიმებიანი კლავიატურის ინსტრუმენტებზეც უკრავდნენ და მათთვის კომპოზიციას ასრულებდნენ. ამ ინსტრუმენტების ნამუშევრების ზოგადი სახელწოდებაა კლავიატურის მუსიკა8. სიმებიანი კლავიატურის საკრავების შესახებ პირველი ცნობები მე-14-15 საუკუნეებით თარიღდება. მე-17 საუკუნისთვის მათგან ყველაზე გავრცელებული იყო კლავესინი. ასე ეძახიან საფრანგეთში, იტალიაში კლავესინი, გერმანიაში კეელფლუგელი, ინგლისში კლავესინი. საფრანგეთში უფრო მცირე ზომის ინსტრუმენტების სახელია ეპინე, იტალიაში - ინგლისის სპინეტები - ვირჯინელი. კლავესინი არის ფორტეპიანოს წინაპარი, რომელიც მე-18 საუკუნის შუა ხანებში დაიწყო. როდესაც კლავესინზე კლავიშებს აჭერთ, ბუმბულები ან ღეროებზე დამაგრებული ტყავის ენები თითქოს სიმებს აჭერენ. შედეგი არის მკვეთრი, ზარის და ამავდროულად ოდნავ შრიალი ხმები. კლავესინზე ხმის სიძლიერე არ არის დამოკიდებული კლავიშებზე დარტყმის ძალაზე. მაშასადამე, მასზე კრესჩენდოს და დიმინუენდოს დამზადება შეუძლებელია - ფორტეპიანოსგან განსხვავებით, რომელზედაც ეს შესაძლებელია კლავიშების უფრო მოქნილი კავშირის გამო, ჩაქუჩებთან, რომლებიც ურტყამს სიმებს. კლავესინს შეიძლება ჰქონდეს ორი ან სამი კლავიატურა და მოწყობილობა, რომელიც საშუალებას გაძლევთ შეცვალოთ ხმის ფერი. კიდევ ერთი პატარა კლავიშიანი ინსტრუმენტის - კლავიკორდის ხმა უფრო სუსტია, ვიდრე კლავესინი. მაგრამ კლავიკორდზე უფრო მელოდიური დაკვრაა შესაძლებელი, რადგან მისი სიმები არ წყდება, არამედ ლითონის ფირფიტებია დაჭერილი. უძველესი კლავესინის მუსიკის ერთ-ერთი მთავარი ჟანრი არის რამდენიმე სრული მოძრაობის კომპლექტი, რომელიც დაწერილია იმავე გასაღებით. თითოეული ნაწილი ჩვეულებრივ იყენებს რაიმე სახის საცეკვაო მოძრაობას. უძველესი სუიტის საფუძველი შედგება სხვადასხვა, არა ყოველთვის მკაფიოდ გამოვლენილი ეროვნული წარმოშობის ოთხი ცეკვისგან. ეს არის ნელი ალემანდი (შესაძლოა წარმოშობით გერმანიიდან), უფრო აქტიური კურანტი (წარმოშობით საფრანგეთიდან), ნელი სარაბანდე (წარმოშობით ესპანეთიდან) და სწრაფი გიგა (წარმოშობით ირლანდიიდან ან ინგლისიდან). მე-17 საუკუნის ბოლოდან, პარიზელი კლავესინების მაგალითზე, სუიტებში დაიწყო ისეთი ფრანგული ცეკვების შევსება, როგორებიცაა მინუეტი, გავოტი, ბურე და პასიერი. ისინი ჩასვეს მთავარ ცეკვებს შორის, ქმნიან შუალედურ სექციებს (ლათინურიდან თარგმნილი "ინტეგ" ნიშნავს "შორს"). ძველი ფრანგული კლავესინის მუსიკა გამოირჩევა ელეგანტურობით, გრაციოზულობითა და მცირე მელოდიური ორნამენტების სიუხვით, როგორიცაა მორდენტები და ტრილები. ფრანგული კლავესინის სტილი აყვავდა ფრანსუა კუპერინის (16 68 - 1733) შემოქმედებაში, მეტსახელად დიდი. მან შექმნა ორასი ნახევარი სპექტაკლი და გააერთიანა ისინი ოცდაშვიდ ლუქსში. მათში თანდათანობით დაიწყო გაბატონება სხვადასხვა პროგრამის სათაურებით. ყველაზე ხშირად ეს ქალების მინიატურულ კლავესინურ პორტრეტებს ჰგავს - გარკვეული ხასიათის მახასიათებლის, გარეგნობის, ქცევის შესაბამისი ხმოვანი ჩანახატები. ასეთია, მაგალითად, პიესები "პირქუში", "შეხება", "მოხერხებულობა", "აბსტრაქტული", "ცელქი". მისმა დიდებულმა თანამედროვემ იოჰან სებასტიან ბახმა დიდი ინტერესი გამოავლინა ფრანგული კლავესინის მუსიკის მიმართ, მათ შორის ფრანსუა კუპერინის პიესებით. კითხვები და ამოცანები 1. როდის გააქტიურდა ინსტრუმენტული ჟანრების დამოუკიდებელი განვითარება? 2. დაასახელეთ არკანჯელო კორელისა და ანტონიო ვივალდის საყვარელი ინსტრუმენტი. 3. გვიამბეთ ორგანოს აგებულების შესახებ. 4. რომელ ქვეყანაში მიაღწია ორგანულმა ხელოვნებამ განსაკუთრებით მაღალ მწვერვალს? რა არის პროტესტანტული გუნდი? 5. გვიამბეთ კლავესინის აგებულების შესახებ. რა საცეკვაო მოძრაობებია გამოყენებული უძველესი კლავესინის კომპლექტის ძირითად ნაწილებში? ასე რომ, სახელმძღვანელოს შესავალ განყოფილებაში მოკლედ იყო წარმოდგენილი მუსიკის სამყაროში უძველესი დროიდან მოყოლებული რამდენიმე მნიშვნელოვანი მოვლენა. ეს იყო ისტორიული „ექსკურსია“, რომლის მიზანი იყო მე-18 და მე-19 საუკუნეებში მოღვაწე დასავლეთ ევროპელი დიდი მუსიკოსების მემკვიდრეობის შემდგომი გაცნობა. გარკვეული პერიოდის განმავლობაში, კლავიატურის მუსიკა ეწოდებოდა მუსიკას ყველა კლავიშიანი ინსტრუმენტისთვის, მათ შორის კლავიატურის ჩასაბერი ინსტრუმენტის - ორღანის ჩათვლით. 8 9 www.classon.ru ბავშვთა განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ცხოვრების გზა იოჰან როდი, ოჯახი, ბავშვობა. იოჰან სებასტიან ბახი დაიბადა 1685 წელს ტურინგიაში, ცენტრალური გერმანიის ერთ-ერთ რეგიონში, პატარა ქალაქ ეიზენახში, ტყეებით გარშემორტყმულ. ტურინგიაში კვლავ იგრძნობოდა ოცდაათწლიანი ომის (1618-1648) საშინელი შედეგები, რომელშიც ერთმანეთს შეეჯახა ევროპული ძალების ორი დიდი დაჯგუფება. იოჰან სებასტიანის წინაპრებს, რომლებიც მჭიდროდ იყვნენ დაკავშირებულნი გერმანელ ხელოსნურ და გლეხურ გარემოსთან, უნდა გადარჩენილიყვნენ ამ დამანგრეველ ომში. მისი დიდი ბაბუა, სახელად ვეიტი, მცხობელი იყო, მაგრამ მას ისე უყვარდა მუსიკა, რომ არასოდეს შორდებოდა წიპწას, ინსტრუმენტს, რომელიც მანდოლინის მსგავსია, მაშინაც კი, როცა ფქვილს ასხამდნენ წისქვილში მოგზაურობის დროს. და მის შთამომავლებს შორის, რომლებიც დასახლდნენ ტურინგიასა და მეზობელ რეგიონებში, იმდენი მუსიკოსი იყო, რომ ყველას, ვინც ამ პროფესიას ეწეოდა, "ბახი" ეწოდა. ესენი იყვნენ საეკლესიო ორღანისტები, მევიოლინეები, ფლეიტისტები, საყვირი, ზოგიერთმა გამოავლინა კომპოზიტორის ნიჭი. ისინი ემსახურებოდნენ საქალაქო მუნიციპალიტეტებს და მცირე სამთავროებისა და საჰერცოგოების მმართველთა სასამართლოებს, რომლებშიც გერმანია იყო დანაწევრებული. სებასტიან ბახი 1685-1750 ამ დიდი გერმანელი კომპოზიტორის მუსიკის ბედი, მისი დაბადებიდან სამასზე მეტი წლის შემდეგ, გასაოცარია. სიცოცხლეშივე მოიპოვა აღიარება ძირითადად, როგორც ორგანისტისა და მუსიკალური ინსტრუმენტების მცოდნე, ხოლო სიკვდილის შემდეგ რამდენიმე ათეული წლის განმავლობაში თითქმის დავიწყებას მიეცა. მაგრამ შემდეგ მათ თანდათან დაიწყეს მისი ნამუშევრების ხელახლა აღმოჩენა და აღფრთოვანება, როგორც ძვირფასი მხატვრული საგანძური, შეუდარებელი ოსტატობით, ამოუწურავი მისი შინაარსის სიღრმეში და ადამიანურობაში. „არა ნაკადი! "ზღვა უნდა იყოს მისი სახელი." ასე თქვა ბახზე კიდევ ერთი მუსიკალური გენიოსი - ბეთჰოვენი9. ბახმა თავად მოახერხა თავისი ნაწარმოებების მხოლოდ ძალიან მცირე ნაწილის გამოქვეყნება. ახლა მათგან ათასზე მეტია გამოქვეყნებული (ბევრი დაკარგულია). ბახის ნამუშევრების პირველი სრული კრებულის დაბეჭდვა დაიწყო გერმანიაში მისი გარდაცვალებიდან ასი წლის შემდეგ და დაიკავა ორმოცდაექვსი მოცულობითი ტომი. მაგრამ უხეში გამოთვლაც კი შეუძლებელია, ბახის მუსიკის რამდენი ცალკეული გამოცემა დაიბეჭდა და რამდენი აგრძელებს ბეჭდვას სხვადასხვა ქვეყანაში. იმდენად დიდია მასზე მუდმივი მოთხოვნა. რადგან მას ვრცელი და საპატიო ადგილი უჭირავს არა მხოლოდ მსოფლიო საკონცერტო რეპერტუარში, არამედ საგანმანათლებლო რეპერტუარშიც. იოჰან სებასტიან ბახი აგრძელებს მუსიკაში ჩართული ფაქტიურად ყველას მასწავლებელი. ის არის სერიოზული და მკაცრი მასწავლებელი, რომელიც მოითხოვს კონცენტრაციის უნარს, რათა დაეუფლოს მრავალხმიანი ნაწარმოებების შესრულების ხელოვნებას. მაგრამ ვისაც არ ეშინია სიძნელეების და ყურადღებიანია მისი მოთხოვნების მიმართ, მისი სიმძიმის მიღმა იგრძნობს იმ ბრძნულ და გულწრფელ სიკეთეს, რომელსაც ის ასწავლის თავისი მშვენიერი უკვდავი შემოქმედებით. სახლი ეიზენახში, სადაც J. S. Bach დაიბადა 9 "ბახი" გერმანულად ნიშნავს "ნაკადს". 10 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსული ხელოვნების სფეროში იოჰან სებასტიანის მამა იყო მევიოლინე, ქალაქისა და სასამართლოს მუსიკოსი ეიზენახში. მან უმცროსი ვაჟისთვის მუსიკის სწავლება დაიწყო და საეკლესიო სკოლაში გაგზავნა. მშვენიერი მაღალი ხმით, ბიჭი მღეროდა სკოლის გუნდში. როდესაც ის ათი წლის იყო, მისი მშობლები გარდაიცვალნენ. უფროსი ძმა, საეკლესიო ორღანისტი მეზობელ ქალაქ ოჰრდუფში, უვლიდა ობლებს. მან თავისი უმცროსი ძმა ადგილობრივ ლიცეუმში გაგზავნა და თავად ასწავლიდა ორღანის დაკვრის გაკვეთილებს. მოგვიანებით იოჰან სებასტიანი ასევე გახდა კლავესინი, მევიოლინე და მევიოლისტი. და ბავშვობიდანვე დაეუფლა მუსიკალურ კომპოზიციას, გადაწერდა სხვადასხვა ავტორის ნაწარმოებებს. მას უნდა გადაეწერა ერთი რვეული, რომელიც განსაკუთრებით აინტერესებდა მთვარის ღამეებში, უფროსი ძმისგან მალულად. მაგრამ როდესაც ხანგრძლივი, რთული სამუშაო დასრულდა, მან აღმოაჩინა ეს, გაბრაზდა იოჰან სებასტიანზე მისი არასანქცირებული მოქმედებისთვის და უმოწყალოდ წაართვა ხელნაწერი მას. დამოუკიდებელი ცხოვრების დასაწყისი. ლუნებურგი. თხუთმეტი წლის ასაკში იოჰან სებასტიანმა გადამწყვეტი ნაბიჯი გადადგა - იგი გადავიდა შორეულ ჩრდილოეთ გერმანიის ქალაქ ლუნებურგში, სადაც შევიდა სამონასტრო ეკლესიის სკოლაში, როგორც გუნდის მოსწავლე. სკოლის ბიბლიოთეკაში მან შეძლო გაეცნო გერმანელი მუსიკოსების ნაწარმოებების დიდი რაოდენობით ხელნაწერები. ლუნებურგსა და ჰამბურგში, სადაც ის სოფლის გზებზე დადიოდა, ნიჭიერი ორგანისტების დაკვრის მოსმენა შეეძლო. შესაძლებელია, რომ ჰამბურგში იოჰან სებასტიანი ეწვია ოპერის თეატრს - იმ დროს გერმანიაში ერთადერთი, რომელიც წარმოდგენებს არა იტალიურად, არამედ გერმანულად. მან წარმატებით დაასრულა სკოლა სამი წლის შემდეგ და დაიწყო სამუშაოს ძებნა მშობლიურ მიწასთან უფრო ახლოს. ვაიმარი. მოკლედ მსახურობდა სამ ქალაქში მევიოლინე და ორღანისტი, ბახი 1708 წელს, უკვე დაქორწინებული, ცხრა წლის განმავლობაში დასახლდა ვაიმარში (ტურინგია). იქ იყო ორგანისტი ჰერცოგის კარზე, შემდეგ კი ვიცე-კაპელმაისტერი (სამლოცველოს უფროსის თანაშემწე - მომღერალთა და ინსტრუმენტალისტთა ჯგუფი). ჯერ კიდევ თინეიჯერობისას, ოჰრდუფში ბახმა დაიწყო მუსიკის შედგენა, კერძოდ, პროტესტანტული საგუნდო ორღანის არანჟირება, მისი საყვარელი ინსტრუმენტი. და ვაიმარში გამოჩნდა მისი მშვენიერი მოწიფული ორღანის ნაწარმოებები, როგორიცაა ტოკატა და ფუგა რე მინორში, Passacaglia10 დო მინორში და საგუნდო პრელუდიები. იმ დროისთვის ბახი გახდა შეუდარებელი შემსრულებელი და იმპროვიზატორი ორღანისა და კლავესინზე. ეს დამაჯერებლად დაადასტურა შემდეგმა შემთხვევამ. ერთ დღეს ბახი გაემგზავრა საქსონიის დედაქალაქ დრეზდენში, სადაც გადაწყვიტეს მოეწყოთ შეჯიბრი მასა და ცნობილ ფრანგ ორგანისტსა და კლავესინზე ლუი მარშანდს შორის. მაგრამ მან, პირველად რომ გაიგო, როგორ ახდენდა ბახი იმპროვიზაციას კლავესინზე საოცარი შემოქმედებითი გამომგონებლობით, სასწრაფოდ ფარულად დაეტოვებინა დრეზდენი. შეჯიბრი არ შედგა. ვაიმარის სასამართლოში საშუალება იყო გაეცნო იტალიელი და ფრანგი კომპოზიტორების შემოქმედებას. ბახი მათ მიღწევებს დიდი ინტერესით და მხატვრული ინიციატივით გამოეხმაურა. მაგალითად, მან რამდენიმე უფასო არანჟირება მოახდინა ანტონიო ვივალდის სავიოლინო კონცერტებზე კლავესინისთვის და ორღანისთვის. ასე დაიბადა პირველი კლავიატურის კონცერტები მუსიკალური ხელოვნების ისტორიაში. ვაიმარში სამი წლის განმავლობაში ბახს ყოველ მეოთხე კვირას მოეთხოვებოდა ახალი სულიერი კანტატის შედგენა. საერთო ჯამში, ამ გზით წარმოიშვა ოცდაათზე მეტი ნამუშევარი. თუმცა, როდესაც მოხუცი სასამართლოს დირიჟორი, რომლის მოვალეობებს ფაქტობრივად ბახი ასრულებდა, გარდაიცვალა, გამოთავისუფლებული თანამდებობა არა მას, არამედ გარდაცვლილის უღიმღამო შვილს გადაეცა. ასეთი უსამართლობით აღშფოთებულმა ბახმა თანამდებობა დატოვა. მისი „უპატივცემულო მოთხოვნისთვის“ მას შინაპატიმრობა შეეფარდა. მაგრამ მან გამოიჩინა გაბედული, ამაყი დაჟინებით, საკუთარი თავის დაჟინებით. და ერთი თვის შემდეგ, ჰერცოგმა უხალისოდ უნდა გასცა "უმოწყალე ბრძანება" მეამბოხე მუსიკოსის გასათავისუფლებლად. კოტენი. 1717 წლის ბოლოს ბახი და მისი ოჯახი საცხოვრებლად კოტენში გადავიდნენ. სასამართლო ჯგუფის მეთაურის თანამდებობა მას შესთავაზა კოტენის პრინცმა ლეოპოლდმა ანჰალტმა, ტურინგიის მეზობელი პატარა სახელმწიფოს მმართველმა. ის კარგი მუსიკოსი იყო - მღეროდა, უკრავდა კლავესინზე და ვიოლა და გამბა 11. პრინცი თავის ახალ ბენდმაისტერს კარგ ფინანსურ დახმარებას უწევდა და დიდი პატივისცემით ეპყრობოდა მას. ბახის მოვალეობებში, რომელიც შედარებით ცოტა დრო დაეთმო, მოიცავდა თვრამეტი ვოკალისტისა და ინსტრუმენტალისტის სამლოცველოს ხელმძღვანელობას, პრინცის თანხლებას და თავად კლავესინზე დაკვრას. ბახის მრავალი ნამუშევარი სხვადასხვა ინსტრუმენტებისთვის წარმოიშვა კოტენში. მათ შორის კლავიატურის მუსიკა ძალიან მრავალფეროვანია წარმოდგენილი. ერთის მხრივ, ეს არის სპექტაკლები დამწყებთათვის - Passacaglia არის ესპანური წარმოშობის ნელი სამფეხა ცეკვა. მის საფუძველზე წარმოიშვა ინსტრუმენტული ნაწარმოებები ვარიაციების სახით ბასში მრავალჯერ გამეორებული მელოდიით. 10 11 ვიოლა და გამბა უძველესი ინსტრუმენტია, რომელიც ჩელოს ჰგავს. 11 www.classon.ru ბავშვთა განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში მცირე პრელუდიები, ორხმიანი და სამხმიანი გამოგონებები. ისინი დაწერა ბახმა უფროს ვაჟთან, ვილჰელმ ფრიდემანთან ერთად გაკვეთილებისთვის. მეორეს მხრივ, ეს არის პირველი მონუმენტური ნაწარმოების ორი ტომიდან - "კეთილგანწყობილი კლავირი", რომელიც ჯამში მოიცავს 48 პრელუდიას და ფუგას და დიდ საკონცერტო ნაწარმოებს - "ქრომატული ფანტაზია და ფუგა". კოტენის პერიოდი ასევე მოიცავს კლავიატურის კომპლექტების ორი კოლექციის შექმნას, რომლებიც ცნობილია როგორც "ფრანგული" და "ინგლისური". პრინცმა ლეოპოლდმა ბახი მეზობელ ქვეყნებში მოგზაურობისას თან წაიყვანა. როდესაც იოჰან სებასტიანი 1720 წელს დაბრუნდა ასეთი მოგზაურობიდან, მას მძიმე მწუხარება დაეუფლა - მისი ცოლი მარია ბარბარა ახლახან გარდაიცვალა, ოთხი შვილი დარჩა (კიდევ სამი ადრე გარდაიცვალა). წელიწადნახევრის შემდეგ ბახი კვლავ დაქორწინდა. მის მეორე მეუღლეს, ანა მაგდალენას, კარგი ხმა ჰქონდა და ძალიან მუსიკალური იყო. მასთან სწავლის დროს ბახმა შეადგინა ორი კლავიატურის „ნოტების წიგნი“ საკუთარი პიესებიდან და ნაწილობრივ სხვა ავტორების პიესებიდან. ანა მაგდალენა იყო იოჰან სებასტიანის კეთილი და მზრუნველი ცხოვრების პარტნიორი. მან მას ცამეტი შვილი გაუჩინა, რომელთაგან ექვსი სრულწლოვანებამდე ცხოვრობდა. ლაიფციგი. 1723 წელს ბახი გადავიდა ლაიფციგში, საქსონიის მთავარ სავაჭრო და კულტურულ ცენტრში, მეზობელ ტურინგიაში. მან კარგი ურთიერთობა შეინარჩუნა პრინც ლეოპოლდთან. მაგრამ კოტენში მუსიკალური საქმიანობის შესაძლებლობები შეზღუდული იყო - არ იყო არც დიდი ორღანი და არც გუნდი. გარდა ამისა, ბახს ჰყავდა უფროსი ვაჟები, რომლებსაც სურდა კარგი განათლების მიცემა. ლაიფციგში ბახმა დაიკავა კანტორის თანამდებობა - ვაჟთა გუნდის დირექტორი და სასიმღერო სკოლის მასწავლებელი; თომას ეკლესიაში (თომასკირხე). მას მოუწია დათანხმებულიყო მთელი რიგი შემზღუდავი პირობები, მაგალითად, „არ გასულიყო ქალაქი ბურგომისტერის ნებართვის გარეშე“. კანტორ ბახს ბევრი სხვა პასუხისმგებლობა ჰქონდა. მან უნდა დაყო პატარა სკოლის გუნდი და ძალიან პატარა ორკესტრი (უფრო სწორად, ანსამბლი), რათა მუსიკა მოისმინოს ორ ეკლესიაში მსახურების დროს, ასევე ქორწილებში, დაკრძალვებზე და სხვადასხვა დღესასწაულებზე. და ყველა გუნდის ბიჭს არ ჰქონდა კარგი მუსიკალური შესაძლებლობები. სკოლის სახლი ჭუჭყიანი, მოუვლელი იყო, მოსწავლეები ცუდად იკვებებოდნენ და ცუდათ ეცვათ. ბახმა, რომელიც ასევე ითვლებოდა ლაიფციგის „მუსიკალურ დირექტორად“, არაერთხელ მიიპყრო ამ ყველაფერზე ეკლესიის ხელისუფლებისა და ქალაქის ხელისუფლების (მაგისტრატის) ყურადღება. მაგრამ სანაცვლოდ მან მიიღო მცირე მატერიალური დახმარება, მაგრამ ბევრი წვრილმანი ოფიციალური ყვირილი და საყვედური. თავის მოსწავლეებს არა მხოლოდ სიმღერას ასწავლიდა, არამედ ინსტრუმენტებზე დაკვრასაც, გარდა ამისა, საკუთარი ხარჯებით დაიქირავა მათთვის ლათინური ენის მასწავლებელი. წმინდა თომას ეკლესია და სკოლა (მარცხნივ) ლაიფციგში. (ძველი გრავიურიდან). რთული ცხოვრებისეული გარემოებების მიუხედავად, ბახი გატაცებული იყო შემოქმედებით. სამსახურის პირველი სამი წლის განმავლობაში იგი თითქმის ყოველ კვირას ამზადებდა და ავარჯიშებდა ახალ სულიერ კანტატას გუნდთან ერთად. მთლიანობაში ბახის ორასამდე ნამუშევარი ამ ჟანრშია შემორჩენილი. ასევე ცნობილია მისი რამდენიმე ათეული საერო კანტატა. ისინი, როგორც წესი, იყო მისალმებები და მილოცვები, რომლებიც მიმართავდნენ სხვადასხვა დიდგვაროვან პირებს. მაგრამ მათ შორის არის ისეთი გამონაკლისი, როგორიცაა ლაიფციგში დაწერილი კომიქსი "ყავის კანტატა", რომელიც მსგავსია კომიკური ოპერის სცენის მსგავსი. ის მოგვითხრობს, თუ როგორ დაინტერესდება ახალგაზრდა, ცოცხალი ლიჟენი ყავის ახალი მოდათ, მამის, ძველი წუწუნის შლენდრიანის სურვილისა და გაფრთხილების საწინააღმდეგოდ. ლაიფციგში ბახმა შექმნა თავისი ყველაზე გამორჩეული მონუმენტური ვოკალური და ინსტრუმენტული ნაწარმოებები - "წმინდა იოანეს ვნებანი", "წმინდა მათეს ვნებანი"12 და მესა ბ მინორში, რომელიც მსგავსია შინაარსით, ისევე როგორც დიდი რაოდენობით. სხვადასხვა ინსტრუმენტული ნაწარმოებები, მათ შორის მეორე ტომი "კეთილგანწყობილი კლავერი", იოანესა და მათეს კრებული (ისევე, როგორც მარკოზი და ლუკა) - იესო ქრისტეს სწავლებების მიმდევრები, რომლებმაც შეადგინეს სახარებები - მოთხრობები მისი მიწიერი ცხოვრების, ტანჯვის შესახებ ( „ვნება“) და სიკვდილი. ბერძნულიდან თარგმნილი „სახარება“ ნიშნავს „კარგ ცნობას“. 12 12 www.classon.ru ბავშვთა განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში „ფუგის ხელოვნება“. მან იმოგზაურა დრეზდენში, ჰამბურგში, ბერლინსა და გერმანიის სხვა ქალაქებში, იქ დაუკრა ორღანზე და გამოსცადა ახალი ინსტრუმენტები. ათ წელზე მეტი ხნის განმავლობაში ბახი ხელმძღვანელობდა ლაიფციგის "მუსიკალურ კოლეჯს", საზოგადოებას, რომელიც შედგებოდა უნივერსიტეტის სტუდენტებისა და მუსიკის მოყვარულებისგან - ინსტრუმენტალისტები და მომღერლები. ბახის ხელმძღვანელობით მათ საერო ხასიათის ნაწარმოებების საჯარო კონცერტები გამართეს. მუსიკოსებთან ურთიერთობისას მას უცხო იყო ყოველგვარი ამპარტავნობა და თავის იშვიათ ოსტატობაზე ასე ლაპარაკობდა: „ბევრად უნდა მესწავლა, ვინც ისეთივე მონდომებული იქნება, იმას მიაღწევს“. მისმა მრავალშვილიანმა ოჯახმა ბახს ბევრი საზრუნავი, მაგრამ ასევე დიდი სიხარული მოუტანა. მის წრეში მას შეეძლო მთელი სახლის კონცერტების ორგანიზება. მისი ოთხი ვაჟი ცნობილი კომპოზიტორი გახდა. ესენი არიან ვილჰელმ ფრიდმანი და კარლ ფილიპ ემანუელი (მარია ბარბარას შვილები), იოჰან კრისტოფ ფრიდრიხი და იოჰან კრისტიანი (ანა მაგდალენას შვილები). წლების განმავლობაში ბახის ჯანმრთელობა გაუარესდა. მხედველობა მკვეთრად გაუუარესდა. 1750 წლის დასაწყისში მან გაიარა თვალის ორი წარუმატებელი ოპერაცია, დაბრმავდა და 28 ივლისს გარდაიცვალა. იოჰან სებასტიან ბახმა ცხოვრობდა რთული და შრომისმოყვარე ცხოვრებით, ბრწყინვალე შემოქმედებითი შთაგონებით განათებული. მან არ დატოვა მნიშვნელოვანი ქონება და ანა მაგდალენა ათი წლის შემდეგ გარდაიცვალა ღარიბთა საქველმოქმედო სახლში. ხოლო ბახის უმცროსი ქალიშვილი რეგინა სუსანა, რომელიც მე-19 საუკუნემდე ცხოვრობდა, სიღარიბეს გადაარჩინა კერძო შემოწირულობებით, რაშიც ბეთჰოვენმა დიდი მონაწილეობა მიიღო. ბახის მუსიკა დაკავშირებულია მშობლიური ქვეყნის კულტურასთან. მას არასდროს ჰქონია საშუალება გარე მოგზაურობისა. გერმანიის, მაგრამ ენთუზიაზმით სწავლობდა როგორც გერმანელი, ისე უცხოელი კომპოზიტორების ნაწარმოებებს. თავის შემოქმედებაში მან ბრწყინვალედ შეაჯამა და გაამდიდრა ევროპული მუსიკალური ხელოვნების მიღწევები. კანტატების უმეტესობა, „წმინდა იოანე ვნება“, „მათე ვნება“, მესა ქ. ბ მინორი და მრავალი სხვა ნაწარმოები სულიერ ტექსტებზე დაწერილი იყო ბახის მიერ არა მხოლოდ ეკლესიის მუსიკოსის მოვალეობის ან ჩვეული ჩვეულებისამებრ, არამედ გულწრფელი რელიგიური გრძნობით გამთბარი. ისინი სავსეა თანაგრძნობით ადამიანური მწუხარებით, გამსჭვალული ადამიანის გაგებით. სიხარულები. დროთა განმავლობაში ისინი ბევრად გასცდნენ ეკლესიების საზღვრებს და არ წყვეტენ ღრმა შთაბეჭდილებას სხვადასხვა ეროვნებისა და რელიგიის მსმენელებზე. ბახის სულიერი და საერო ნაწარმოებები მათი ნამდვილი ადამიანობა დაკავშირებულია ერთმანეთთან. ისინი ერთად ქმნიან მუსიკალური გამოსახულებების მთელ სამყაროს. . ბახის განუმეორებელი მრავალხმიანი ოსტატობა გამდიდრებულია ჰომოფონურ-ჰარმონიული საშუალებებით. მისი ვოკალური თემები ორგანულად არის გაჟღენთილი ინსტრუმენტული განვითარების ტექნიკით და ინსტრუმენტული თემები ხშირად იმდენად ემოციურად მდიდარია, თითქოს რაღაც მნიშვნელოვანს მღერიან და უსიტყვოდ ლაპარაკობენ. ტოკატა და ფუგა რე მინორი ორგანისთვის13 ეს ნამუშევარი, რომელიც ძალიან პოპულარულია, იწყება ნებისყოფის საგანგაშო, მაგრამ გაბედული ძახილით. ის ჟღერს სამჯერ, ეშვება ერთი ოქტავიდან მეორეზე და იწვევს ჭექა-ქუხილის აკორდულ ბუმს ქვედა რეგისტრში. ამრიგად, ტოკატას დასაწყისში გამოკვეთილია პირქუშად დაჩრდილული, გრანდიოზული ხმოვანი სივრცე. 1 Adagio კითხვები და ამოცანები 1 . რატომ არის ბახის მუსიკის ბედი უჩვეულო? 2. გვიამბეთ ბახის სამშობლოზე, მის წინაპრებზე და ბავშვობაზე. 3. როდის და სად დაიწყო ბახმა დამოუკიდებელი ცხოვრება? 4. როგორ წარიმართა და როგორ დასრულდა ბახის საქმიანობა ვაიმარში? 5. გვიამბეთ ბახის კოტენში ცხოვრებისა და მისი ამ წლების შემოქმედების შესახებ. 6. რა ინსტრუმენტებზე უკრავდა ბახი და რომელი იყო მისი საყვარელი ინსტრუმენტი? 7. რატომ გადაწყვიტა ბახმა ლაიფციგში გადასვლა და რა სირთულეები წააწყდა იქ? 8. მოგვიყევით ბახის კომპოზიტორისა და ბახის შემსრულებლის საქმიანობაზე ლაიფციგში. დაასახელეთ იქ შექმნილი ნამუშევრები. ტოკატა (იტალიურად "toccata" - "შეხება", "დარტყმა" ზმნიდან "toccare" "შეხება", "შეხება") არის ვირტუოზული ნაჭერი კლავიატურის ინსტრუმენტებისთვის. 13 13 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში შემდეგი, ისმის ძლიერი „მოტრიალებული“ ვირტუოზული პასაჟები და ფართო აკორდული „შხეფები“. ისინი რამდენჯერმე განცალკევებულნი არიან პაუზებით და შეჩერებით გაფართოებულ აკორდებზე. სწრაფი და ნელი მოძრაობის ეს შეხამება მოგვაგონებს ფრთხილ შესვენებებს ძალადობრივ ელემენტებთან ჩხუბს შორის. თავისუფლად, იმპროვიზაციულად აგებული ტოკატას შემდეგ კი ფუგა ჟღერს. იგი ორიენტირებულია ერთი თემის იმიტაციურ განვითარებაზე, რომელშიც ნებაყოფლობითი პრინციპი თითქოს ზღუდავს ელემენტარულ ძალებს: 2 Allegro moderato ფართოდ გავრცელების შემდეგ, ფუგა გადაიქცევა კოდაში - საბოლოო, ბოლო მონაკვეთად. აქ ტოკატას იმპროვიზაციული ელემენტი ისევ იფეთქებს. მაგრამ ის საბოლოოდ დამშვიდებულია ინტენსიური იმპერატიული შენიშვნებით. და მთელი ნაწარმოების ბოლო გისოსები აღიქმება, როგორც დაუმორჩილებელი ადამიანური ნების მკაცრი და დიდებული გამარჯვება. ბახის ორგანული ნაწარმოებების განსაკუთრებული ჯგუფი შედგება საგუნდო პრელუდიებისგან. მათ შორის ღრმა ექსპრესიულობით გამოირჩევა ლირიკული ხასიათის არაერთი შედარებით მცირე პიესა. მათში საგუნდო მელოდიის ჟღერადობას თავისუფლად განვითარებული თანმხლები ხმები ამდიდრებს. ასეა წარმოდგენილი, მაგალითად, ბახის ერთ-ერთი შედევრი - საგუნდო პრელუდია ფა-მინორში. გამოგონების კლავიატურის მუსიკა ბახმა შეადგინა მარტივი ნაწარმოებების რამდენიმე კრებული მათგან, რომლებიც მან შეადგინა უფროსი ვაჟის ვილჰელმ ფრიდემანის სწავლების დროს. ერთ-ერთ ამ კრებულში მან მოათავსა თხუთმეტი ორხმიანი მრავალხმიანი ნაწარმოები თხუთმეტ კლავიშში და უწოდა მათ "გამოგონება". ლათინურიდან თარგმნილი სიტყვა "გამოგონება" ნიშნავს "გამოგონებას", "გამოგონებას". ბახის ორხმიანი გამოგონებები, რომელთა შესრულებაც დამწყებ მუსიკოსებს შეუძლიათ, მართლაც გამორჩეულია მათი მრავალხმიანი გამომგონებლობით და ამავე დროს მხატვრული ექსპრესიულობით. ამრიგად, პირველი ორხმიანი გამოგონება დო მაჟორში წარმოიშვა მშვიდი, გონივრული ხასიათის მოკლე, გლუვი და მშვიდი თემიდან. ზედა ხმა მას მღერის და მაშინვე ბაძავს _ იმეორებს სხვა ოქტავაში - ქვედა: 14 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში და მერვე ორხმიანი გამოგონების ფა მაჟორში. შეიძლება წარმოიდგინო ხალისიანი, მხურვალე თამაში-შეჯიბრება: ეტყობა] ხტუნავდნენ და ელასტიური ბურთები გორავდნენ. გამეორების (იმიტაციის) დროს ზედა ხმა აგრძელებს მელოდიურ მოძრაობას. ეს ქმნის კონტრაპოზიციას ბასში ჟღერს თემის მიმართ. გარდა ამისა, ეს კონტრაპოზიცია - იგივე მელოდიური ნიმუშით - ზოგჯერ ჟღერს, როდესაც თემა კვლავ გამოჩნდება ამა თუ იმ ხმაში (ზოლები 2-3, 7-8, 8-9). ასეთ შემთხვევებში, კონტრდამატებას ეწოდება შენარჩუნებული (განსხვავებით შეუკავებელისაგან, რომელიც ყოველ ჯერზე თემის განხორციელებისას ხელახლა დგება). როგორც სხვა პოლიფონიურ ნაწარმოებებში, ამ გამოგონებაშიც არის სექციები, სადაც თემა არ ისმის სრული სახით, მაგრამ გამოყენებულია მხოლოდ მისი ზოგიერთი მონაცვლეობა. ასეთი განყოფილებები მოთავსებულია თემებს შორის და ეწოდება ინტერლუდი. C მაჟორი გამოგონების მთლიან მთლიანობას ანიჭებს ერთ თემაზე დაფუძნებული განვითარება, რომელიც დამახასიათებელია პოლიფონიური მუსიკისთვის. სპექტაკლის შუაში ხდება მთავარი გასაღებიდან გასვლა და ბოლოსკენ ბრუნდება. ამ შესავლის მოსმენისას შეიძლება წარმოიდგინოთ, რომ ორი მოსწავლე გულმოდგინედ იმეორებს გაკვეთილს, ცდილობს ერთმანეთს უკეთ უთხრან, უფრო დიდი გამომეტყველებით. ამ ნამუშევარში, სტრუქტურით მსგავსი C მაჟორი გამოგონებისა, დიდ როლს ასრულებს სპეციალური ტექნიკა. ზედა ხმაში თემის თავდაპირველი დანერგვის შემდეგ, ქვედა ხმა ბაძავს არა მხოლოდ მას, არამედ მის გაგრძელებას (ოპოზიციას). ამრიგად, გარკვეული პერიოდის განმავლობაში, წარმოიქმნება უწყვეტი კანონიკური იმიტაცია ან ლიკანონი. ორხმიანი გამოგონებების პარალელურად, ბახმა შეადგინა თხუთმეტი სამხმიანი პოლიფონიური ნაწარმოები იმავე კლავიშებით. მან დაასახელა ისინი! "სიმფონიები" (ბერძნულიდან ითარგმნა როგორც "თანხმოვნები"). ძველ დროში ხშირად ასე ეძახდნენ მრავალხმიან ინსტრუმენტულ ნაწარმოებებს. მაგრამ მოგვიანებით ჩვეულებრივი გახდა ამ პიესებს სამნაწილიანი გამოგონებები ეწოდოს. ისინი იყენებენ პოლიფონიური განვითარების უფრო რთულ ტექნიკას. ყველაზე ნათელი მაგალითია სამნაწილიანი გამოგონება ფა მინორში (მეცხრე). იგი იწყება ორი კონტრასტული თემის ერთდროულად წარმოდგენით. ერთ-ერთი მათგანის საფუძველი, რომელიც ჟღერს ბას ხმაში, არის გაზომილი, ინტენსიური დაღმართი ქრომატული ნახევარტონების მეშვეობით. მსგავსი სვლები გავრცელებულია უძველესი ოპერების ტრაგიკულ არიებში. ეს ჰგავს ბოროტი ბედის, ბედის პირქუშ ხმას. მეორე თემა შუაში, ალტის ხმა გაჟღენთილია სამწუხარო მოტივებით-კვნესით: შემდგომში ეს ორი თემა მჭიდროდ არის გადაჯაჭვული მესამე თემასთან კიდევ უფრო გულწრფელი ვედრების შეძახილებით. სპექტაკლის ბოლომდე, ბოროტი ბედის ხმა განუყრელი რჩება. მაგრამ ადამიანის მწუხარების ხმები არ წყდება. ისინი შეიცავს ადამიანის იმედის დაუოკებელ ნაპერწკალს. და ერთი წუთით, როგორც ჩანს, ის იფეთქებს ფინალურ ფა-მაჟორში. ბახის „სიმფონია“ ბ მინორში კლავესინი ბახის სახლში ეიზენახში 15 www.classon.ru ბავშვთა განათლება ხელოვნების დარგში რუსეთში (სამნაწილიანი გამოგონება No15) ასევე გამოირჩევა ლირიკული შეღწევით. მისი გამოგონებისა და „სიმფონიების“ ხელნაწერის წინასიტყვაობაში ბახმა მიუთითა, რომ ისინი უნდა დაეხმარონ „სიმღერის დაკვრის“ განვითარებას. ამის მიღწევა კლავესინზე რთული იყო. ამიტომ, ბახმა ამჯობინა გამოიყენოს სხვა სიმებიანი კლავიატურის ინსტრუმენტი სახლში, მათ შორის სტუდენტებთან კლასებში, კლავიკორდი. მისი სუსტი ჟღერადობა შეუფერებელია საკონცერტო შესრულებისთვის. მაგრამ, როგორც უკვე აღვნიშნეთ, კლავესინისგან განსხვავებით, კლავიკორდის სიმები არ არის მოწყვეტილი, არამედ ნაზად არის დაჭერილი ლითონის ფირფიტებით. ეს ხელს უწყობს ხმის მელოდიურობას და იძლევა დინამიურ ჩრდილებს. ამრიგად, ბახმა, თითქოსდა, იწინასწარმეტყველა მელოდიური და თანმიმდევრული ხმის შესრულების შესაძლებლობები ფორტეპიანოზე - ინსტრუმენტი, რომელიც თავის დროზე ჯერ კიდევ არასრულყოფილი იყო დიზაინით. და დიდი მუსიკოსის ეს სურვილი ყველა თანამედროვე პიანისტს უნდა ახსოვდეს. კურანტი არის ფრანგული წარმოშობის სამ დარტყმიანი ცეკვა. მაგრამ ფრანგული კლავესინის ზარები გამოირჩეოდა გარკვეული რიტმული დახვეწილებით და მანერულობით. Courant in Bach's Suite in C Minor ჰგავს ამ საცეკვაო ჟანრის იტალიურ ვერსიას - უფრო ცოცხალი და მობილური. ამას ხელს უწყობს ორი ხმის მოქნილი კომბინაცია, რომლებიც ერთმანეთს ემსგავსება: „ფრანგული სუიტა“ დო მინორში ბახის კლავიატურის კომპლექტების სამ კოლექციას განსხვავებული სახელები აქვს. მესამე კრებულში შეტანილ ექვს ლუქს მან თავად უწოდა “partitas” (სუიტის სახელწოდება “partita” მხოლოდ მის ნამუშევრებში არ გვხვდება14). ხოლო დანარჩენ ორ კოლექციას - თითო ექვსი ცალი - "ფრანგული სუიტები" და "ინგლისური ლუქსი" ეწოდა ბახის გარდაცვალების შემდეგ, ზუსტად გაუგებარი მიზეზების გამო. მეორე "ფრანგული სუიტებიდან" დაიწერა დო მინორის გასაღებით. უძველეს სუიტებში დამკვიდრებული ტრადიციის მიხედვით, იგი შეიცავს ოთხ ძირითად ნაწილს - ალემანდეს, კურანტს, სარაბანდეს და გიგას, ასევე კიდევ ორ შუალედურ ნაწილს - არია და მინუეტი, ჩასმული სარაბანდესა და გიგუს შორის. ალემანდე არის ცეკვა, რომელიც ჩამოყალიბდა მე-16-17 საუკუნეებში ევროპის რამდენიმე ქვეყანაში - ინგლისში, ნიდერლანდებში, გერმანიაში, საფრანგეთსა და იტალიაში. მაგალითად, ძველი გერმანული ალემანდე ოდნავ მძიმე ჯგუფური ცეკვა იყო. მაგრამ, კლავირის ლუქებში შესვლის შემდეგ, ალმანდმა თითქმის დაკარგა საცეკვაო თვისებები მე-18 საუკუნისთვის. მისი "წინაპრებიდან" მან შეინარჩუნა მხოლოდ მშვიდი სიარული ოთხი ან ორი მეოთხედი. საბოლოოდ ის თავისუფლად სტრუქტურირებულ წინათამაშად გადაიქცა. ალემანდი ბახის სი მინორიდან ასევე გააზრებული ლირიკული პრელუდიის მსგავსია. აქ ყველაზე ხშირად სამი ხმა მიჰყავს თავის ხაზს. მაგრამ ზოგჯერ მათ მეოთხე ხმაც უერთდება. ამავდროულად, ყველაზე მელოდიური ხმა ყველაზე მაღალია: სარაბანდე სამ-ბიტიანი ესპანური ცეკვაა. ის ოდესღაც სწრაფი და ტემპერამენტული იყო, მაგრამ მოგვიანებით გახდა ნელი, საზეიმო, ხშირად დაკრძალვის პროცესიასთან ახლოს. სარაბანდე ბახის სუიტიდან თავიდან ბოლომდე სამნაწილიან სტრუქტურაშია დადგმული. შუა და ქვედა ხმების მოძრაობა ყოველთვის მკაცრი და კონცენტრირებულია (ჭარბობს მეოთხედები და მერვედები). და ზედა ხმის მოძრაობა ბევრად უფრო თავისუფალი და მობილურია, ძალიან გამოხატული. აქ ჭარბობს მეთექვსმეტე ნოტები; ხშირად გვხვდება მოძრაობები ფართო ინტერვალებით (მეხუთე, მეექვსე, მეშვიდე). ეს ქმნის მუსიკალური წარმოდგენის ორ კონტრასტულ ფენას, ქმნის ლირიკულად მძაფრ ჟღერადობას15: „ნაწილებად დაყოფილი“ - სიტყვა „partita“ ითარგმნება იტალიურიდან (ზმნიდან „partire“ - „გაყოფა“). სარაბანდაში წამყვანი ზედა ხმა იმდენად არ განსხვავდება სხვებისგან, რამდენადაც ავსებს მათ. 14 15 16 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსეთის ხელოვნების სფეროში პრელუდია და ფუგა დო მინორი „კარგად განწყობილი კლავირის“ პირველი ტომიდან პრელუდია და ფუგა დო მაჟორი, პრელუდია და ფუგა დო მინორი, პრელუდია. და ფუგა დო მკვეთრ მაჟორში, პრელუდია და ფუგა დო მკვეთრი - და ასე შემდეგ ოქტავაში შემავალი თორმეტივე ნახევარტონში. შედეგი არის სულ 24 ორნაწილიანი ციკლი "პრელუდია და ფუგა" ყველა ძირითადი და მცირე კლავიშებით. ასეა აგებული ბახის „კარგად განწყობილი კლავირის“ ორივე ტომი (სულ - 48 პრელუდია და ფუგა). ეს გრანდიოზული ნამუშევარი აღიარებულია, როგორც ერთ-ერთი უდიდესი მსოფლიო მუსიკალურ ხელოვნებაში. ამ ორი ტომის პრელუდიები და ფუგა შედის ყველა პროფესიონალი პიანისტის როგორც საგანმანათლებლო, ასევე საკონცერტო რეპერტუარში. ბახის დროს თანდათან საბოლოოდ დამკვიდრდა თანაბარი ტემპერამენტი კლავიატურის ინსტრუმენტების დაკვრაში – ოქტავის დაყოფა თორმეტ თანაბარ ნახევრად. ადრე დაყენების სისტემა უფრო რთული იყო. მასთან ერთად, სამ-ოთხზე მეტი ნიშნის მქონე კლავიშებში, ზოგიერთი ინტერვალი და აკორდი ყალბად ჟღერდა. ამიტომ კომპოზიტორები თავს არიდებდნენ ასეთი ტონალობების გამოყენებას. ბახმა პირველი იყო, ვინც ბრწყინვალედ დაამტკიცა The Well-Tempered Clavier-ში, რომ თანაბარი ტემპერამენტით, 24-ვე კლავიშის გამოყენება შესაძლებელია თანაბარი წარმატებით. ამან კომპოზიტორებს გაუხსნა ახალი ჰორიზონტები, გაზარდა, მაგალითად, მოდულაციების (გადასვლის) უნარი ერთი გასაღებიდან მეორეზე. „კეთილგანწყობილ კლავიერში“ ბახმა ჩამოაყალიბა ორნაწილიანი ციკლის ტიპი „პრელუდია და ფუგა“. პრელუდია აგებულია თავისუფლად. მასში მნიშვნელოვანი როლი შეიძლება ეკუთვნოდეს ჰომოფონურ-ჰარმონიულ ხასიათს და იმპროვიზაციას. ეს ქმნის კონტრასტს ფუგასთან, როგორც მკაცრად პოლიფონიურ ნაწარმოებთან. ამავე დროს, "პრელუდიისა და ფუგის" ციკლის ნაწილებს აერთიანებს არა მხოლოდ საერთო ტონალობა. მათ შორის, თითოეულ შემთხვევაში, დახვეწილი შინაგანი კავშირები თავისებურად ვლინდება. ამ ზოგად ტიპურ მახასიათებლებს შეიძლება მივაკვლიოთ პრელუდიაში და ფუგაში დო მინორში The Good Tempered Clavier-ის პირველი ტომიდან. პრელუდია ორი ძირითადი ნაწილისგან შედგება. უფრო ფართო პირველი მთლიანად ივსება მეთექვსმეტე ნოტების სწრაფი, ერთგვაროვანი მოძრაობით ორივე ხელში. იგი შინაგანად გაჯერებულია ექსპრესიული მელოდიური და ჰარმონიული ელემენტებით. როგორც ჩანს, ნაპირებით შებოჭილი, დაუღალავი ნაკადი დუღს: გიგი სწრაფი, მხიარული ცეკვაა, რომელიც სათავეს იღებს ირლანდიიდან და ინგლისიდან16. ძველად ინგლისელ მეზღვაურებს უყვარდათ ჯიგის ცეკვა. სუიტებში, გიგა, როგორც წესი, საბოლოო, საბოლოო მოძრაობაა. თავის დო მინორ გიგეში ბახი ხშირად იყენებს ორ ხმას შორის კანონიკური მიბაძვის ტექნიკას (როგორც გამოგონებაში ფა მაჟორი). ამ ნამუშევრის პრეზენტაცია საფუძვლიანად არის გაჟღენთილი „გაბრტყელებული“ წერტილოვანი რიტმით: ალემანდესა და კურანტის კონტრასტთან შედარებით, სარაბანდესა და გიგუს შორის კონტრასტი უფრო მკვეთრია. მაგრამ ის რბილდება მათ შორის ჩასმული ორი დამატებითი ნაწილით. ნაწარმოები, სახელად "არია", ნაკლებად ჟღერს ოპერაში სოლო ვოკალურ ნომერს და უფრო მშვიდ, უბრალო სიმღერას ჰგავს. შემდეგი Minuet არის ფრანგული ცეკვა, რომელიც აერთიანებს მობილურობას მადლს. ასე რომ, ამ კომპლექტში, ერთი ზოგადი ტონალობის მქონე, ყველა ნაწილი სხვადასხვაგვარად არის შედარებული გადატანითი მნიშვნელობით. ჯიგის ზომები უპირატესად სამ სიგრძისაა. მე-18 საუკუნეში ძირითადად იყო 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსული ხელოვნების სფეროში საშუალო ხმით, მკაფიო, გამორჩეული, კარგად დასამახსოვრებელი თემა ელასტიური საცეკვაო რიტმით: 11 მოდერატო ენერგიული შეუპოვრობა შერწყმულია თემაში მადლთან, ეშმაკურ ცდომილებასთან. ძლიერ ნებისყოფის სიმშვიდეს უყურებს. ეს იძლევა შემდგომი მრავალფეროვანი და დინამიური განვითარების შესაძლებლობებს. განვითარების დასაწყისში, თემა მსუბუქად ჟღერს - ერთადერთი შემთხვევა, როდესაც ის შესრულებულია ძირითადი კლავიშით (E-flat major). რეპრიზში, თემის სამი ძირითადი პრეზენტაციიდან მთავარ კლავიშში (C მინორი), მეორე, ბასში, ისეთ ძლიერ მასშტაბს იძენს, რომ გვაიძულებს გავიხსენოთ ბუნებრივი ძალების გაბრაზება პრელუდიაში. და კიდევ ერთი, ფუგის თემის საბოლოო განხორციელება მთავრდება განმანათლებლური მაჟორული აკორდით. ეს მსგავსება პრელუდიისა და ფუგის დაბოლოებებს შორის ავლენს ციკლის კონტრასტული ნაწილების შინაგან ემოციურ ნათესაობას. ძლიერი ენერგიის დაგროვების შემდეგ, პირველი მონაკვეთის ბოლოს ეს ნაკადი, როგორც ჩანს, ჭარბობს და მომდევნო მონაკვეთის დასაწყისში კიდევ უფრო სწრაფი ხდება, რაც საფრთხეს უქმნის ყველაფერს თავის გზაზე. პრელუდიის ეს კულმინაცია გამოირჩევა ტემპის ცვლილებით უსწრაფესზე (Presto) და მრავალხმიანი ტექნიკის - ორხმიანი კანონის გამოყენებით. მაგრამ მძვინვარე ელემენტებს უცებ აჩერებს აკორდების იმპერატიული დარტყმები და რეჩიტატივის აზრიანი ფრაზები. აქ ხდება ტემპის მეორე ცვლილება - ყველაზე ნელისკენ (Adagio). და პრელუდიის ბოლო ზოლებში ტემპის მესამე ცვლილების შემდეგ ზომიერად სწრაფ A11ego-ზე, ბასში მატონიზირებელი ორგანოს წერტილი თანდათან ანელებს მეთექვსმეტე ნოტების მოძრაობას მარჯვენა ხელში. იგი რბილად ვრცელდება და იყინება C მაჟორზე. დამყარდა სიმშვიდე და სიმშვიდე. პრელუდიის ასეთი თავისუფალი, იმპროვიზაციული დასრულების შემდეგ ყურადღება სხვა, კონტრასტულ სიბრტყეზე გადადის. იწყება სამნაწილიანი ფუგა. ეს სიტყვა ლათინურად და იტალიურად ნიშნავს "რბენას", "გაქცევას", "სწრაფ დინებას". მუსიკაში ფუგა რთული პოლიფონიური ნაწარმოებია, სადაც ხმები თითქოს ეხმიანება ერთმანეთს და ეწევა ერთმანეთს. ფუგაების უმეტესობა ერთ თემაზეა დაფუძნებული. ნაკლებად გავრცელებულია ფუგა ორი თემით და კიდევ უფრო ნაკლებად გავრცელებულია სამი და ოთხი თემით. ხოლო ხმების რაოდენობის მიხედვით ფუგა არის ორ-, სამ-, ოთხ- და ხუთხმიან. ერთ თემატური ფუგა იწყება თემის მთავარ კლავიშში ერთ ხმაში წარდგენით. შემდეგ თემის იმიტაცია ხდება სხვა ხმების მიერ. ასე ყალიბდება ფუგის პირველი მონაკვეთი - ექსპოზიცია. მეორე განყოფილებაში - განვითარება - თემა ჩნდება მხოლოდ სხვა კლავიშებში. ხოლო მესამე და ბოლო განყოფილებაში - reprise9 - ის კვლავ ხორციელდება მთავარ კლავიშში, მაგრამ აღარ არის წარმოდგენილი მონოფონიურად. აქ გამოფენა ნამდვილად არ მეორდება. ფუგები ფართოდ იყენებენ მდგრად კონტრპოზიციებს და შუალედებს. ბახის C minor ფუგა იწყება, რომელიც ჩნდება ფუგაში - პოლიფონიური მუსიკის უმაღლესი ფორმა - მიაღწია სრულ სიმწიფეს და ყველაზე კაშკაშა ყვავილობას ბახის შემოქმედებაში. მე-19 საუკუნის ცნობილი რუსი კომპოზიტორი და პიანისტი, ანტონ გრიგორიევიჩ რუბინშტეინი თავის წიგნში „მუსიკა და მისი წარმომადგენლები“ ​​წერდა, აღფრთოვანებული იყო „კეთილგანწყობილი კლავერით“, რომ აქ შეგიძლიათ იპოვოთ „რელიგიური, გმირული, მელანქოლიური ფუგა“. , დიდებული, საჩივარი, იუმორისტული, პასტორალური, დრამატული პერსონაჟი; მხოლოდ ერთ რამეში ყველა ერთნაირია - სილამაზით...“ იოჰან სებასტიან ბახის იმავე ასაკში იყო დიდი გერმანელი კომპოზიტორი გეორგ ფრიდრიხ ჰენდელი (1685-1759) - მრავალხმიანობის შესანიშნავი ოსტატი, ვირტუოზი ორღანისტი. მისი ბედი სხვაგვარად წარიმართა. მან თავისი ცხოვრების უმეტესი ნაწილი გაატარა გერმანიის გარეთ, ერთი ქვეყნიდან მეორეში გადავიდა (ინგლისში ცხოვრობდა რამდენიმე ათეული წელი). 18 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ჰენდელი არის მრავალი ოპერის, ორატორიოს და სხვადასხვა ინსტრუმენტული ნაწარმოების ავტორი. მუსიკაში კლასიკური სტილის ფორმირების შესახებ კითხვები და ამოცანები 1. რა საერთო აქვთ ბახის სულიერ და საერო ნაწარმოებებს? 2. გვიამბეთ ტოკატასა და ფუგას რე მინორში ორგანის ფიგურალური ხასიათის შესახებ. 3. იმღერეთ ბახის გამოგონების თემები, რომლებიც იცით. რა არის მრიცხველის დამატება, როდესაც მას უწოდებენ დაკავებულს? 4. რა არის ინტერლუდი მრავალხმიან ნაწარმოებში? რომელ მიბაძვას ეწოდება კანონიკური ან კანონიკური? 5. დაასახელეთ და დაახასიათეთ „ფრანგული სუიტის“ ძირითადი ნაწილები დო მინორში. 6. როგორ არის აგებული ბახის კეთილგანწყობილი კლავიერი? 7. რა არის მთავარი განსხვავება პრელუდიასა და ფუგას შორის? ილუსტრაციეთ ეს პრელუდიისა და ფუგის მაგალითზე დო მინორში The Good Tempered Clavier-ის პირველი ტომიდან. არის თუ არა რაიმე მსგავსება მათ შორის? მე-18 საუკუნის მუსიკალური თეატრი, განსაკუთრებით მისი შუა და მეორე ნახევარი, იყო დიდი ცვლილებების დრო ევროპული მუსიკალური ხელოვნების ყველა სფეროში. ამ საუკუნის დადგომასთან ერთად იტალიურ ოპერაში თანდათან გაჩნდა ორი ჟანრი - ოპერა სერია (სერიოზული) და ოპერა ბუფა (კომიკური). საოპერო სერიებში კვლავ დომინირებდა მითოლოგიური და ისტორიული საგნები, რომლებშიც წარმოდგენილი იყო ეგრეთ წოდებული "მაღალი" გმირები - მითოლოგიური ღვთაებები, უძველესი სახელმწიფოების მეფეები და ლეგენდარული გენერლები. ბუფა ოპერებში კი სიუჟეტები უპირატესად თანამედროვე, ყოველდღიური გახდა. აქ გმირები ჩვეულებრივი ადამიანები იყვნენ, რომლებიც ენერგიულად და რეალისტურად მოქმედებდნენ. ოპერის ბუფას პირველი თვალსაჩინო მაგალითი იყო ჯოვანი ბატისტა პერგოლესის „მოახლე და ქალბატონი“, რომელიც საზოგადოების წინაშე გამოჩნდა 1733 წელს ნეაპოლში. ჰეროინი, მეწარმე მსახური სერპინა, ჭკვიანურად გაჰყვება ცოლად თავის მღელვარე ბატონ უბერტოს და თავად ხდება ბედია. მრავალი ადრეული იტალიური ბუფა ოპერების მსგავსად, „მსახური-ბედია“ თავდაპირველად შესრულდა, როგორც სცენური ინტერლუდი, პერგოლესის ოპერის სერიის „ამაყი ტყვე“ (შეგახსენებთ, რომ სიტყვა „ინტერლუდი“ ლათინური წარმოშობისაა და ნიშნავს „ურთიერთქმედებას“. ”). მალე „მოახლე-ბედია“ მრავალ ქვეყანაში დიდი პოპულარობით სარგებლობდა, როგორც დამოუკიდებელი ნაწარმოები. საფრანგეთში კომიკური ოპერა XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში დაიბადა. ის წარმოიშვა მხიარული, მახვილგონივრული კომედიური სპექტაკლებიდან, რომელიც მუსიკას ასრულებდა თეატრებში პარიზის ბაზრობებზე. ხოლო იტალიური ოპერის ბუფას მაგალითმა დაეხმარა ფრანგულ სამართლიან კომედიებს გადაქცეულიყვნენ კომიკურ ოპერად, სადაც პერსონაჟების მთავარი მახასიათებელი იყო ვოკალური ნომრები. ამისთვის მნიშვნელოვანი იყო იტალიური "ბუფონის" საოპერო ჯგუფის პარიზში წარმოდგენები, როდესაც საფრანგეთის დედაქალაქი ფაქტიურად მოჯადოებული იყო პერგოლეზის "მოახლე და ბედია". იტალიური საოპერო ბუფებისგან განსხვავებით, ფრანგულ კომიკურ ოპერებში არიები ენაცვლება არა რეჩიტატივებს, არამედ სალაპარაკო დიალოგებს. აგებულია ასევე Singspiel - გერმანული და ავსტრიული ტიპის კომიკური ოპერა, რომელიც გამოჩნდა მეორეში. ძირითადი ნაწარმოებები ვოკალური და ინსტრუმენტული ნაწარმოებები "St. John Passion", "Matthew Passion" Mass in B minor Sacred cantatas (დაახლოებით 200 შემონახული) და საერო კანტატები (შენახულია 20-ზე მეტი) საორკესტრო ნაწარმოებები 4 სუიტა („უვერტიურები“) 6 „ბრანდენბურგის კონცერტები“ კონცერტები სოლო ინსტრუმენტებისთვის კამერული ორკესტრით 7 კლავესინის კონცერტი 3 კონცერტი ორისთვის, 2 სამი კლავესინისთვის 2 ვიოლინოს კონცერტი ნამუშევარი ორ ვიოლინოსთვის ინსტრუმენტები 3 სონატა და 3 პარტიტა სოლო ვიოლინოსთვის 6 სონატა ვიოლინოსა და კლავესინისთვის 6 სუიტა („სონატები“) სოლო ჩელოსთვის ორგანული ნაწარმოებები 70 საგუნდო პრელუდია პრელუდიები და ფუგა ტოკატა და ფუგა რე მინორში Passacaglia in C მინორ ფუგა“ 15 ორხმიანი გამოგონება და 15 სამხმიანი გამოგონება („სიმფონია“) 48 პრელუდია და ფუგა „კარგად განწყობილი კლავიერი“ 6 „ფრანგული“ და 6 „ინგლისური“ ლუქსი 6 ლუქსი (პარტიტა) „იტალიური კონცერტი“ სოლოსთვის კლავესინი "ქრომატული ფანტაზია და ფუგა" "ხელოვნება" ფუგა" 19 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში მე -18 საუკუნის ნახევარში17. კომიკური ოპერის ყველა სახეობის მუსიკალურ ენას ახასიათებს მჭიდრო კავშირი ხალხურ სიმღერასა და ცეკვის მელოდიებთან. XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში სერიოზული საოპერო ჟანრები რადიკალურად შეცვალა დიდმა გერმანელმა კომპოზიტორმა კრისტოფ ვილიბალდ გლუკმა (1714-1787). მან დაწერა თავისი პირველი რეფორმის ოპერა "ორფეოსი და ევრიდიკე" (1762), ლეგენდარული ძველი ბერძენი მომღერლის შესახებ სიუჟეტის საფუძველზე, რომელიც უკვე არაერთხელ იყო გამოყენებული ოპერებში ადრეულიდან (ეს იყო განხილული შესავალში). გლუკის გზა ოპერაში რეფორმებისკენ იოლი არ იყო. მას საშუალება ჰქონდა ეწვია ევროპის მრავალი ქვეყანა - გერმანია, ავსტრია, დანია, ასევე სლავებით დასახლებული ჩეხეთი, იტალიასთან ერთად - ინგლისი. სანამ ვენაში მტკიცედ დასახლდებოდა, გლუკმა თავისი 17 საოპერო სერია დადგა მილანის, ვენეციის, ნეაპოლის, ლონდონის, კოპენჰაგენის, პრაღის და სხვა ქალაქების თეატრების სცენებზე. ამ ჟანრის ოპერები სრულდებოდა ევროპის მრავალი ქვეყნის სასამართლო თეატრებში. გამონაკლისი იყო საფრანგეთი. იქ, მე-18 საუკუნის შუა წლებში, მათ განაგრძეს სერიოზული ოპერების შედგენა და დადგმა მხოლოდ ტრადიციული ფრანგული სტილით. მაგრამ გლუკმა გულდასმით შეისწავლა ცნობილი ფრანგი კომპოზიტორების ჟან-ბატისტ ლულის და ჟან-ფილიპ რამოს საოპერო პარტიტურები. გარდა ამისა, გლუკმა დაწერა და წარმატებით დადგა რვა ნაწარმოები ვენაში ფრანგული კომიკური ოპერის ახალ ჟანრში. ის უდავოდ კარგად იცნობდა იტალიურ ბუფა ოპერებს და გერმანულ და ავსტრიულ სინგშპილებს. მთელმა ამ ცოდნამ საშუალება მისცა გლუკს გადამწყვეტად განაახლოს კომპოზიციის უკვე მოძველებული პრინციპები სერიოზული ოპერებისთვის. თავის რეფორმის ოპერებში, რომლებიც ჯერ ვენაში, შემდეგ კი პარიზში დაიდგა, გლუკმა დაიწყო პერსონაჟების ემოციური გამოცდილების გადმოცემა გაცილებით დიდი სიმართლით, დრამატული დაძაბულობითა და ეფექტურობით. მან მიატოვა არიებში ვირტუოზული პასაჟების დაგროვება და გაზარდა რეჩიტატივების ექსპრესიულობა. მისი ოპერები მუსიკალურ და სცენურ განვითარებაში უფრო მიზანმიმართული, კომპოზიციით უფრო ჰარმონიული გახდა. ამგვარად, მუსიკალურ ენაში და ახალი კომიკური და რეფორმირებული სერიოზული ოპერების მშენებლობაში გამოჩნდა ახალი, კლასიკური სტილის მნიშვნელოვანი განმასხვავებელი ნიშნები - განვითარების აქტიური ეფექტურობა, ექსპრესიული საშუალებების სიმარტივე და სიცხადე, კომპოზიციური ჰარმონია, ზოგადი კეთილშობილური და მუსიკის ამაღლებული ხასიათი. ეს სტილი თანდათან ჩამოყალიბდა ევროპულ მუსიკაში მე-18 საუკუნის განმავლობაში, მომწიფდა 1770-1780 წლებში და დომინირებდა მე-19 საუკუნის მეორე ათწლეულის შუა პერიოდამდე. გასათვალისწინებელია, რომ „კლასიკური“ განმარტებას შეიძლება ჰქონდეს სხვა, უფრო ფართო მნიშვნელობა. "კლასიკურს" (ან "კლასიკას") ასევე უწოდებენ მუსიკალურ და სხვა მხატვრულ ნაწარმოებებს, რომლებიც აღიარებულია, როგორც სანიმუშო, სრულყოფილი, შეუდარებელი - განურჩევლად მათი შექმნის დროისა. ამ თვალსაზრისით, მე-16 საუკუნის იტალიელი კომპოზიტორის პალესტრინას მასას, პროკოფიევის ოპერებს და შოსტაკოვიჩის სიმფონიებს - მე-20 საუკუნის რუსი კომპოზიტორებს - შეიძლება ეწოდოს კლასიკური, ან კლასიკა. ინსტრუმენტული მუსიკა იმავე ფართო საერთაშორისო ბაზაზე, როგორც გლუკის საოპერო რეფორმა, მე-18 საუკუნეში დაინახა ინსტრუმენტული მუსიკის ინტენსიური განვითარება. იგი განხორციელდა ევროპის მრავალი ქვეყნის კომპოზიტორების ერთობლივი ძალისხმევით. სიმღერასა და ცეკვაზე დაყრდნობით, მუსიკალური ენის კლასიკური სიცხადისა და დინამიზმის განვითარებით, მათ თანდათან ჩამოაყალიბეს ციკლური ინსტრუმენტული ნაწარმოებების ახალი ჟანრები - როგორიცაა კლასიკური სიმფონია, კლასიკური სონატა, კლასიკური სიმებიანი კვარტეტი. მათში დიდი მნიშვნელობა შეიძინა სონატის ფორმამ. ამიტომ ინსტრუმენტულ ციკლებს სონატა ან სონატა-სიმფონიური ეწოდება. სონატის ფორმა. თქვენ უკვე იცით, რომ პოლიფონიური მუსიკის უმაღლესი ფორმა ფუგაა. ხოლო სონატის ფორმა ჰომოფონიურ-ჰარმონიული მუსიკის უმაღლესი ფორმაა, სადაც პოლიფონიური ტექნიკის გამოყენება მხოლოდ ხანდახან შეიძლება. მათი კონსტრუქციით ეს ორი ფორმა ერთმანეთს ჰგავს. როგორც ფუგაში, სონატის ფორმას სამი ძირითადი ნაწილი აქვს: ექსპოზიცია, განვითარება და რეპრიზა. მაგრამ მათ შორის ასევე არის მნიშვნელოვანი განსხვავებები. მთავარი განსხვავება სონატის ფორმასა და ფუგას შორის მაშინვე ვლინდება მე-18 გამოფენაში. ფუგათა დიდი უმრავლესობა მთლიანად ერთ თემაზეა აგებული, რომელიც გამოფენაზე მონაცვლეობით ტარდება თითოეულში. ეს გერმანული სიტყვა მომდინარეობს "singen"-დან ("მღერი" ”) და “სპიელი” (”თამაში”). . 18 სიტყვა ლათინური წარმოშობისაა და ნიშნავს „პრეზენტაციას“, „ჩვენებას“. 20 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ხმა. ხოლო სონატის ფორმის ექსპოზიციაში, როგორც წესი, ორი ძირითადი თემა ჩნდება, ბუნებით მეტ-ნაკლებად განსხვავებული. ჯერ ჟღერს მთავარი ნაწილის თემა, შემდეგ კი ჩნდება გვერდითი ნაწილის თემა. არავითარ შემთხვევაში არ უნდა იქნას გაგებული "გვერდის" განმარტება, როგორც "მეორადი". სინამდვილეში, მეორე ნაწილის თემა სონატის ფორმაში არანაკლებ მნიშვნელოვან როლს თამაშობს, ვიდრე მთავარი ნაწილის თემა. სიტყვა „მეორადი“ აქ იმიტომ არის გამოყენებული, რომ პირველისგან განსხვავებით, გამოფენაში ის აუცილებლად ჟღერს არა მთავარ კლავიშში, არამედ სხვაგან, ანუ თითქოს მეორეხარისხოვანში. კლასიკური სტილის მუსიკაში, თუ ექსპოზიციის ძირითადი ნაწილი არის მთავარი, მაშინ მეორადი ნაწილი ჩამოყალიბებულია დომინანტის კლავიშში (მაგალითად, თუ ძირითადი ნაწილის გასაღები არის C მაჟორი, მაშინ მეორადი ნაწილის გასაღები. არის გ მაჟორი). თუ ექსპოზიციაში ძირითადი ნაწილი არის მინორი, მაშინ მეორადი ნაწილი წარმოდგენილია პარალელურად მაჟორი (მაგალითად, თუ ძირითადი ნაწილის გასაღები არის C მინორი, მაშინ მეორადი ნაწილის გასაღები არის E-flat მაჟორი). მთავარ და გვერდით ლოტებს შორის მოთავსებულია პატარა შეკვრა ან შესაკრავი ლოტი. აქ შეიძლება გამოჩნდეს დამოუკიდებელი, მელოდიურად გამორჩეული თემა, მაგრამ უფრო ხშირად გამოიყენება ძირითადი ნაწილის თემის ინტონაციები. დამაკავშირებელი ნაწილი მოქმედებს როგორც გადასასვლელი გვერდითი ნაწილისკენ; ის მოდულირდება გვერდითი ნაწილის გასაღებში. ამრიგად, ირღვევა ტონალური სტაბილურობა. ყური იწყებს რაღაც ახალი „მუსიკალური მოვლენის“ დაწყებას. ეს გვერდითი თამაშის თემის გარეგნობა გამოდის. ზოგჯერ ექსპოზიციას შეიძლება წინ უძღოდეს შესავალი. ხოლო გვერდითი ნაწილის შემდეგ არის ან მოკლე დასკვნა ან მთლიანი დასკვნითი ნაწილი, ხშირად დამოუკიდებელი თემით. ასე მთავრდება ექსპოზიცია გვერდითი ნაწილის ტონუსის ჩამოყალიბებით. კომპოზიტორის მითითებით, მთელი ექსპოზიცია შეიძლება განმეორდეს. განვითარება სონატის ფორმის მეორე ნაწილია. მასში გამოფენიდან ნაცნობი თემები ჩნდება ახალ ვერსიებში, ალტერნატიული და სხვადასხვა გზით შედარებული. ასეთი ურთიერთქმედება ხშირად მოიცავს არა მთლიან თემებს, არამედ მათგან იზოლირებულ მოტივებსა და ფრაზებს. ანუ განვითარებაში არსებული თემები, როგორც ჩანს, იყოფა ცალკეულ ელემენტებად, ავლენს მათში არსებულ ენერგიას. ამ შემთხვევაში ხშირია კლავიშების შეცვლა (მთავარი გასაღები აქ იშვიათად იმოქმედებს და არცთუ დიდი ხნით). სხვადასხვა კლავიშებში გამოჩენა, თემები და მათი ელემენტები თითქოს ახლებურად არის განათებული, ნაჩვენები ახალი თვალსაზრისით. მას შემდეგ, რაც განვითარება კულმინაციაში მნიშვნელოვან დაძაბულობას მიაღწევს, მისი კურსი მიმართულებას იცვლის. ამ განყოფილების დასასრულს მზადდება დაბრუნება მთავარ კლავიშზე და ხდება შემობრუნება ხელახლა. რეპრიზი სონატის ფორმის მესამე ნაწილია. ის იწყება ძირითადი ნაწილის მთავარ გასაღებში დაბრუნებით. დამაკავშირებელი ნაწილი არ მიდის ახალ გასაღებში. პირიქით, ის აფიქსირებს მთავარ გასაღებს, რომელშიც ახლა მეორდება როგორც მეორადი, ისე საბოლოო ნაწილები. ამრიგად, რეპრიზა თავისი ტონალური სტაბილურობით აბალანსებს განვითარების არასტაბილურ ხასიათს და აძლევს მთელ კლასიკურ ჰარმონიას. რეპრიზას ზოგჯერ შეიძლება დაემატოს საბოლოო სტრუქტურა - კოდა (ლათინური სიტყვიდან, რაც ნიშნავს "კუდს"). ასე რომ, როდესაც ფუგა ჟღერს, ჩვენი ყურადღება ორიენტირებულია მოსმენაზე, ფიქრზე და განცდაზე, ერთ მუსიკალურ აზრად, რომელიც განასახიერებს ერთი თემით. როდესაც ნაწარმოები ჟღერს სონატის სახით, ჩვენი სმენა მიჰყვება ორი ძირითადი (და დამატებითი) თემის შედარებასა და ურთიერთქმედებას - თითქოს სხვადასხვა მუსიკალური მოვლენის განვითარება, მუსიკალური მოქმედება. ეს არის მთავარი განსხვავება ამ ორი მუსიკალური ფორმის მხატვრულ შესაძლებლობებს შორის. კლასიკური სონატა (სონატა-სიმფონიური) ციკლი. მე-18 საუკუნის ბოლო მესამედში კლასიკური სონატის ციკლი საბოლოოდ ჩამოყალიბდა მუსიკაში. ადრე ინსტრუმენტულ ნამუშევრებში დომინირებდა სუიტის ფორმა, სადაც მონაცვლეობდა ნელი და სწრაფი მოძრაობები და უძველესი სონატის მჭიდროდ დაკავშირებული ფორმა. ახლა, კლასიკური სონატის ციკლში, ნაწილების რაოდენობა (ჩვეულებრივ, სამი ან ოთხი) ზუსტად არის განსაზღვრული, მაგრამ მათი შინაარსი უფრო რთული გახდა. პირველი ნაწილი ჩვეულებრივ იწერება სონატის სახით, რაც წინა აბზაცში იყო განხილული. ის დადის სწრაფი ან ზომიერად სწრაფი ტემპით. ყველაზე ხშირად ეს არის A11e§go. ამიტომ, ასეთ მოძრაობას ჩვეულებრივ სონატა ალეგროს უწოდებენ. მასში შემავალი მუსიკა ხშირად აქვს ენერგიული, ეფექტური ხასიათი, ხშირად დაძაბული და დრამატული. მეორე ნაწილი ყოველთვის ეწინააღმდეგება პირველს ტემპით და ზოგადი ხასიათით. ხშირად ის ნელია, ყველაზე ლირიკული და მელოდიური. მაგრამ ის ასევე შეიძლება განსხვავდებოდეს, მაგალითად, დასვენების თხრობის მსგავსი ან ცეკვის მოხდენილი. სამნაწილიან ციკლში, ბოლო, მესამე ნაწილი, ფინალი ისევ სწრაფია, ჩვეულებრივ უფრო სწრაფი, მაგრამ შინაგანად ნაკლებად ინტენსიური განვითარება. შედარება პირველთან. კლასიკური სონატის ციკლების (განსაკუთრებით სიმფონიების) ფინალი ხშირად ხატავს ხალხმრავალ სადღესასწაულო გართობის სურათებს და მათი თემები ახლოსაა ხალხურ სიმღერებთან და ცეკვებთან. ამ შემთხვევაში ხშირად გამოიყენება რონდოს ფორმა (ფრანგული "ronde" - "წრე"). მოგეხსენებათ, აქ პირველი ნაწილი (რეფრენი) რამდენჯერმე მეორდება, მონაცვლეობით ხდება ახალი სექციებით (ეპიზოდები). 21 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში თქვენი პირველი ოპერა? 3. რომელ დროს დომინირებდა მუსიკაში კლასიკური სტილი და რა დრომდე მომწიფდა იგი? ახსენით განსხვავება "კლასიკის" ორ მნიშვნელობას შორის. 4. რა მსგავსებაა საერთო კონსტრუქციაში ფუგასა და სონატას ფორმას შორის? რა არის მათ შორის მთავარი განსხვავება? 5. დაასახელეთ სონატის ფორმის ძირითადი და დამატებითი მონაკვეთები. დახაზეთ მისი დიაგრამა. 6. როგორ უკავშირდება ერთმანეთს სონატის ფორმის ძირითადი და მეორეხარისხოვანი ნაწილები მის ექსპოზიციაში და განმეორებით? 7. რა ახასიათებს განვითარებას სონატის სახით? 8. აღწერეთ კლასიკური სონატის ციკლის ნაწილები. 9. დაასახელეთ კლასიკური სონატის ციკლების ძირითადი ტიპები შემსრულებელთა შემადგენლობის მიხედვით. ეს ყველაფერი განასხვავებს ოთხნაწილიანი ციკლის ბევრ ფინალს. მაგრამ მათში, გარე ნაწილებს შორის (პირველი და მეოთხე), მოთავსებულია ორი შუა ნაწილი. ერთი - ნელი - ჩვეულებრივ მეორეა სიმფონიაში, ხოლო მესამე კვარტეტში. მე-18 საუკუნის კლასიკური სიმფონიების მესამე ნაწილია მინუეტი, რომელიც მეორე ადგილს იკავებს კვარტეტში. ასე რომ, ჩვენ აღვნიშნეთ სიტყვები "სონატა", "კვარტეტი", "სიმფონია". ამ ციკლებს შორის განსხვავება დამოკიდებულია შემსრულებლების შემადგენლობაზე. განსაკუთრებული ადგილი უკავია სიმფონიას - ნაწარმოებს ორკესტრისთვის, რომელიც განკუთვნილია დიდ ოთახში მრავალრიცხოვანი მსმენელის წინაშე დასაკრავად. ამ თვალსაზრისით, სიმფონია ახლოსაა კონცერტთან - სამნაწილიანი კომპოზიცია სოლო ინსტრუმენტისთვის ორკესტრის თანხლებით. ყველაზე გავრცელებული კამერული ინსტრუმენტული ციკლებია სონატა (ერთი ან ორი ინსტრუმენტისთვის), ტრიო (სამი ინსტრუმენტისთვის), კვარტეტი (ოთხი ინსტრუმენტისთვის), კვინტეტი (ხუთი ინსტრუმენტისთვის)19. სონატის ფორმა და სონატა-სიმფონიური ციკლი, ისევე როგორც მთელი კლასიკური სტილი მუსიკაში, ჩამოყალიბდა მე-18 საუკუნეში, რომელსაც უწოდებენ "განმანათლებლობის ხანას" (ან "განმანათლებლობის ხანას"), ასევე "ეპოქას". გონივრული“. ამ საუკუნეში, განსაკუთრებით მის მეორე ნახევარში, ევროპის ბევრ ქვეყანაში გამოჩნდნენ ეგრეთ წოდებული „მესამე ქონების“ წარმომადგენლები. ესენი იყვნენ ადამიანები, რომლებსაც არც კეთილშობილური წოდებები ჰქონდათ და არც სულიერი წოდებები. მათ წარმატება საკუთარი შრომისა და ინიციატივის დამსახურებაა. მათ გამოაცხადეს "ბუნებრივი ადამიანის" იდეალი, რომელსაც თავად ბუნება დაჯილდოვდა შემოქმედებითი ენერგიით, ნათელი გონებით და ღრმა გრძნობებით. ეს ოპტიმისტური დემოკრატიული იდეალი თავისებურად აისახა მუსიკაში, ხელოვნების სხვა ფორმებსა და ლიტერატურაში. მაგალითად, განმანათლებლობის დასაწყისში ადამიანის გონებისა და დაუღალავი ხელების გამარჯვება განდიდდა ინგლისელი მწერლის დანიელ დეფოს ცნობილმა რომანმა „რობინზონ კრუზოს ცხოვრება და საოცარი თავგადასავალი“, რომელიც გამოქვეყნდა 1719 წელს. ჯოზეფ ჰაიდნი 1732-1809 მუსიკაში კლასიკურმა სტილმა მიაღწია სიმწიფეს და მაღალ აყვავებას ჯოზეფ ჰაიდნის, ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტის და ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენის შემოქმედებაში. თითოეული მათგანის ცხოვრება და მოღვაწეობა დიდხანს გაგრძელდა ავსტრიის დედაქალაქ ვენაში. ამიტომ ჰაიდნს, მოცარტს და ბეთჰოვენს ვენის კლასიკოსებს უწოდებენ. ავსტრია იყო მრავალეროვნული იმპერია. ავსტრიელებთან ერთად, რომელთა მშობლიური ენა გერმანულია, ცხოვრობდნენ უნგრელები და სხვადასხვა სლავური ხალხები, მათ შორის ჩეხები, სერბები და ხორვატები. მათი სიმღერები და კითხვები და ამოცანები 1. დაასახელეთ მე-18 საუკუნის კომიკური ოპერების ეროვნული სახეობები. რით განსხვავდება იტალიური ოპერის ბუფას სტრუქტურა ფრანგული კომიკური ოპერის სტრუქტურისგან? 2. რომელ ქვეყნებთან და ქალაქებთან იყო დაკავშირებული დიდი საოპერო რეფორმატორის კრისტოფ ვილიბალდ გლუკის საქმიანობა? რა თემაზე წერდა სხვა კამერული ანსამბლის ინსტრუმენტული ციკლების სახელებია სექსტეტი (6), სეპტეტი (7), ოქტეტი (8), ნონეტი (9), დეციმეტი (10). "კამერული მუსიკის" განმარტება მომდინარეობს იტალიური სიტყვიდან "კამერა" - "ოთახი". მე-19 საუკუნემდე სახლში ხშირად სრულდებოდა რამდენიმე ინსტრუმენტის ნამუშევარი, ანუ მათ ესმოდათ როგორც „ოთახის მუსიკა“. 19 22 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში საცეკვაო მელოდიები ისმოდა როგორც სოფლებში, ასევე ქალაქებში. ვენაში ხალხური მუსიკა ყველგან ჟღერდა - ცენტრში და გარეუბანში, ქუჩების კვეთაზე, საჯარო ბაღებსა და პარკებში, რესტორნებში და ტავერნებში, მდიდარ და ღარიბ კერძო სახლებში. ვენა ასევე იყო პროფესიული მუსიკალური კულტურის მთავარი ცენტრი, რომელიც ორიენტირებული იყო იმპერიული სასამართლოს, დიდგვაროვნების 1 სამლოცველოებისა და არისტოკრატული სალონების, ტაძრებისა და ეკლესიების გარშემო. იტალიური საოპერო სერიალი დიდი ხანია კულტივირებულია ავსტრიის დედაქალაქში; აქ, როგორც უკვე აღვნიშნეთ, გლუკმა დაიწყო თავისი საოპერო რეფორმა. მუსიკა უხვად ახლდა სასამართლო დღესასწაულებს. მაგრამ ვენელები ასევე ნებით ესწრებოდნენ მხიარულ ფარსებს მუსიკით, საიდანაც დაიბადა სინგშპილი და უყვარდათ ცეკვა. სამი დიდი ვენის მუსიკალური კლასიკიდან ჰაიდნი უძველესია. ის 24 წლის იყო, როცა მოცარტი დაიბადა და 38 წლის, როცა ბეთჰოვენი დაიბადა. ჰაიდნმა დიდხანს იცოცხლა. მან თითქმის ორი ათწლეულით გადააჭარბა მოცარტს, რომელიც ადრე გარდაიცვალა და ჯერ კიდევ ცოცხალი იყო, როდესაც ბეთჰოვენმა უკვე შექმნა თავისი მომწიფებული ნამუშევრების უმეტესობა. კერძო სამთავრო თეატრისთვის მან დაწერა ორ ათეულზე მეტი ოპერა სერიალის, ბუფა ჟანრებში, ასევე რამდენიმე „თოჯინების“ ოპერა თოჯინების მიერ შესრულებული სპექტაკლებისთვის. მაგრამ მისი მთავარი შემოქმედებითი ინტერესებისა და მიღწევების სფეროა სიმფონიური და კამერული 2 ინსტრუმენტული მუსიკა. საერთო ჯამში ეს არის 800-ზე მეტი ესსე3. მათ შორის განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია 100-ზე მეტი სიმფონია, 80-ზე მეტი სიმებიანი კვარტეტი და 60-ზე მეტი კლავიატურის სონატა. მათ მოწიფულ მაგალითებში უდიდესი ავსტრიელი კომპოზიტორის ოპტიმისტური დამოკიდებულება გამოვლინდა უდიდესი სისრულით, სიკაშკაშეთა და ორიგინალურობით. მხოლოდ ზოგჯერ ამ ნათელ მსოფლმხედველობას ჩრდილავს უფრო პირქუში განწყობა. მათ მუდამ სძლევს ჰაიდნის სიცოცხლისადმი ამოუწურავი სიყვარული, მახვილი დაკვირვება, ხალისიანი იუმორი, გარემომცველი რეალობის მარტივი, ჯანსაღი და ამავე დროს პოეტური აღქმა. ცხოვრების გზა ადრეული ბავშვობა. როჰაუ და ჰაინბურგი. ფრანც ჯოზეფ ჰაიდნი დაიბადა 1732 წელს სოფელ როჰრაუში, რომელიც მდებარეობს აღმოსავლეთ ავსტრიაში, უნგრეთის საზღვართან და ვენიდან არც თუ ისე შორს. ჰაიდნის მამა ეტლების გამოცდილი მწარმოებელი იყო, დედამისი მზარეული მსახურობდა გრაფის, როჰაუს მფლობელის მამულში. მისმა მშობლებმა ადრეულ ასაკში დაიწყეს თავიანთი უფროსი ვაჟის იოსების სწავლება, რომელსაც ოჯახში სიყვარულით ზეპერლემს ეძახდნენ, იყო შრომისმოყვარე, მოწესრიგებული და სუფთა. ჰაიდნის მამამ საერთოდ არ იცოდა მუსიკა, მაგრამ უყვარდა სიმღერა, არფაზე თანხლებით, განსაკუთრებით მისი დაკვრის დროს. სტუმრები იკრიბებოდნენ პატარა სახლში. ზეპერლი წმინდა ვერცხლისფერი ხმით მღეროდა, მუსიკის შესანიშნავ ყურს ამჟღავნებდა. და როდესაც ბიჭი მხოლოდ ხუთი წლის იყო, ის გაგზავნეს მეზობელ ქალაქ ჰაინბურგში, რათა ეცხოვრა შორეულ ნათესავთან, რომელიც ხელმძღვანელობდა საეკლესიო სკოლას და გუნდს. ჰაინბურგში სეპერლმა ისწავლა კითხვა, წერა, თვლა, სიმღერა გუნდში და ასევე დაიწყო კლავიკორდისა და ვიოლინოს დაკვრის უნარების დაუფლება. მაგრამ მისთვის ცხოვრება ადვილი არ იყო სხვის ოჯახში. მრავალი წლის შემდეგ მან გაიხსენა, რომ მას შემდეგ „მეტი ცემა, ვიდრე საჭმელი“. როგორც კი სეპერლი ჰაინბურგში მივიდა, მას დაევალა ესწავლა ტიმპანის ცემა, რათა მონაწილეობა მიეღო იმავე საეკლესიო მსვლელობაში მუსიკით. ბიჭმა საცერი აიღო, ნაჭერი გადააძრო და გულმოდგინედ დაიწყო ვარჯიში. მან წარმატებით დაასრულა თავისი დავალება. მხოლოდ მსვლელობის ორგანიზებისას იყო საჭირო ინსტრუმენტის ზურგზე ჩამოკიდება ძალიან დაბალი კაცისთვის. და ის ხუჭუჭა იყო, რამაც აუდიტორიას სიცილი გამოიწვია. ვენის წმინდა სტეფანეს ტაძრის სამლოცველოში. ჰაინბურგში გავლისას ვენის საკათედრო ტაძრის დირიჟორმა და სასამართლოს კომპოზიტორმა გეორგ როითერმა ყურადღება გაამახვილა მის გამორჩეულ მუსიკალურ შესაძლებლობებზე, ჰაიდნი გულწრფელად რელიგიური პიროვნება იყო. არის არაერთი მასიური და სხვა ვოკალური და ინსტრუმენტული ნაწარმოების ავტორი სულიერ ტექსტებზე. 23 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსული ხელოვნების სფეროში Zepperl. ასე რომ, 1740 წელს რვა წლის ჰაიდნი აღმოჩნდა ავსტრიის დედაქალაქში, სადაც იგი მომღერლად მიიღეს საკათედრო ტაძრის (მთავარი) წმინდა სტეფანეს ტაძრის სამლოცველოში. მე თვითონ ვაკეთებ. დამოუკიდებელი ცხოვრების რთული დასაწყისი. როდესაც, თვრამეტი წლის ასაკში, ახალგაზრდა მამაკაცის ხმამ დაიწყო მსხვრევა - ის დროებით გახეხილი გახდა და მოქნილობა დაკარგა, იგი უხეშად და დაუნდობლად გამოაგდეს სამლოცველოდან. უსახლკაროდ და უსახსროდ აღმოჩნდებოდა, შეიძლებოდა შიმშილისა და სიცივისგან მომკვდარიყო, ცოტა ხნით რომ არ შეეფარებინა ნაცნობი მომღერალი, რომელიც ცოლ-შვილთან ერთად ცხოვრობდა სახურავის ქვეშ პატარა ოთახში. ჰაიდნმა დაიწყო ნებისმიერი მუსიკალური ნაწარმოების აღება, რაც მას მოჰყვებოდა: ის კოპირებდა ნოტებს, აძლევდა პენის გაკვეთილებს სიმღერასა და კლავირის დაკვრაში და მონაწილეობდა როგორც მევიოლინე ქუჩის ინსტრუმენტულ ანსამბლებში, რომლებიც ღამით ასრულებდნენ სერენადებს ერთ-ერთი ქალაქის მოსახლის პატივსაცემად. საბოლოოდ მან შეძლო პატარა ოთახის დაქირავება ვენის ცენტრში სახლის მეექვსე, ბოლო სართულზე. ოთახს ქარი ჭრიდა, ღუმელი არ იყო და ზამთარში წყალი ხშირად იყინებოდა. ჰაიდნი ასეთ რთულ ვითარებაში ცხოვრობდა ათი წელი. მაგრამ მან არ დაკარგა გული და ენთუზიაზმით ეწეოდა თავის საყვარელ ხელოვნებას. "როდესაც ჩემს ძველ, ჭიებით შეჭმულ კლავესთან ვიჯექი, - იხსენებდა ის სიბერეში, - არც ერთი მეფის ბედნიერება არ შემშურდა". ჰაიდნს ყოველდღიური სირთულეების გადალახვაში ეხმარებოდა მისი ცოცხალი, ხალისიანი ხასიათი. ერთხელ, მაგალითად, ღამით მან თავისი თანამემამულე მუსიკოსები ვენის ერთ-ერთ ქუჩაზე განცალკევებულ კუთხეში მოათავსა და მისი სიგნალით ყველამ დაიწყო დაკვრა, რისი გაკეთებაც სურდა. შედეგი იყო "კატის კონცერტი", რომელმაც აჟიოტაჟი გამოიწვია მიმდებარე მცხოვრებლებში. ორი მუსიკოსი პოლიციაში მოხვდა, მაგრამ სკანდალური „სერენადის“ წამქეზებელი არ იქნა ექსტრადირებული. პოპულარულ კომიქსს შეხვდა ჰაიდნმა, მასთან თანამშრომლობით, შეადგინა სინგფილი "კოჭლი დემონი" და გამოიმუშავა მცირე თანხა 20. და იმისთვის, რომ გამოეყენებინა ცნობილი იტალიელი კომპოზიტორისა და ვოკალის მასწავლებლის ნიკოლას პროფესიული მითითებები. ანტონიო პორპორა, ჰაიდნი თან ახლდა თავის სტუდენტებს სიმღერის გაკვეთილებზე და, გარდა ამისა, ემსახურებოდა მას როგორც ფეხოსანი. თანდათან ჰაიდნმა ვენაში პოპულარობის მოპოვება დაიწყო როგორც მასწავლებლად, ასევე კომპოზიტორად. გაიცნო ცნობილი ადამიანები; მუსიკოსები და მუსიკის მოყვარულები. გამოჩენილი ჩინოვნიკის სახლში მან დაიწყო მონაწილეობა კამერული ანსამბლების სპექტაკლში და შექმნა თავისი პირველი სიმებიანი კვარტეტები კონცერტებისთვის თავის ქვეყნის მამულში. და ჰაიდნმა დაწერა თავისი პირველი სიმფონია 1759 წელს, როდესაც მან მიიღო პატარა ორკესტრი მის განკარგულებაში და გახდა გრაფ მორკინის სამლოცველოს ხელმძღვანელი. გრაფი ინახავდა მხოლოდ მარტოხელა მუსიკოსებს. ჰაიდნი, რომელიც ცოლად შეირთო ვენელი პარიკმახერის ქალიშვილზე, იძულებული გახდა ეს გასაიდუმლოებულიყო. მაგრამ ეს გაგრძელდა მხოლოდ 1760 წლამდე, როდესაც ვენაში, დიდ ლამაზ ქალაქში ბრწყინვალე შენობებითა და არქიტექტურული ანსამბლებით, ახალი ნათელი შთაბეჭდილებების ტალღა გადაეფარა ბიჭს. ირგვლივ ჟღერდა მრავალეროვნული ხალხური მუსიკა. საზეიმო ვოკალურ-ინსტრუმენტული ნაწარმოებები შესრულდა საკათედრო ტაძარში და საიმპერატორო კარზე, სადაც ასევე ასრულებდა სამლოცველო. მაგრამ არსებობის პირობები ისევ რთული აღმოჩნდა. გაკვეთილების, რეპეტიციების და სპექტაკლების დროს გუნდის ბიჭები ძალიან დაღლილები იყვნენ. მწირად იკვებებოდნენ, გამუდმებით ნახევრად შიმშილობდნენ. სასტიკად დასაჯეს ხუმრობისთვის. პატარა ჰაიდნი გულმოდგინედ აგრძელებდა სიმღერის ხელოვნების შესწავლას, უკრავდა კლავიატურაზე და ვიოლინოზე და მას ძალიან სურდა მუსიკის შედგენა. თუმცა, რეიტერმა ამას ყურადღება არ მიაქცია. ზედმეტად დაკავებული საკუთარი საქმეებით, ჰაიდნის სამლოცველოში ყოფნის მთელი ცხრა წლის განმავლობაში, მან მხოლოდ ორი კომპოზიციის გაკვეთილი ჩაატარა. მაგრამ იოსები დაჟინებით მიაღწია თავის მიზანს, გულმოდგინედ. რამდენიმე წლის შემდეგ მან დაწერა კიდევ ერთი სინგფილი სახელწოდებით „ახალი კოჭლი დემონი“. 20 24 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში გრაფის მატერიალური საქმეები შეირყა და მან სამლოცველო დაშალა. ჰაიდნის ქორწინება წარუმატებელი აღმოჩნდა. მისი რჩეული გამოირჩეოდა რთული, მღელვარე ხასიათით. მას საერთოდ არ აინტერესებდა ქმრის საკომპოზიტორო საქმეები - იქამდე, რომ მისი ნამუშევრების ხელნაწერებიდან ამზადებდა პაშტეტის სახვევებსა და უგულებელყოფას. რამდენიმე წლის შემდეგ ჰაიდნმა ცოლისგან განცალკევებით დაიწყო ცხოვრება. შვილები არ ჰყავდათ. ესტერჰაზის მთავრების სამლოცველოში. 1761 წელს მდიდარი უნგრელი; პრინცმა პალ ანტალ ესტერჰაზიმ ჰაიდნი მიიწვია ეიზენშტადტში ვიცე-კაპელმაისტერად. ამ მომენტიდან ჰაიდნმა დაიწყო სამსახური ესტერჰაზის ოჯახში, რომელიც გაგრძელდა სამი ათწლეულის განმავლობაში. ხუთი წლის შემდეგ ის გახდა ბენდის მესტერი - მას შემდეგ, რაც ამ თანამდებობაზე მოხუცი მუსიკოსი გარდაიცვალა. პალ ანტალის მემკვიდრე, რომელიც გარდაიცვალა 1762 წელს, გამოირჩეოდა ფუფუნებისა და ძვირადღირებული გართობისადმი ერთგულებით - მისი ძმა მიკლოს 1, მეტსახელად დიდებული. რამდენიმე წლის შემდეგ მან თავისი რეზიდენცია ეიზენშტადტიდან 126 ოთახიან ახალ სასახლეში გადაიტანა, გარშემორტყმული უზარმაზარი პარკით, აშენდა ოპერის თეატრი 400 ადგილით და თოჯინების თეატრი იქვე და მნიშვნელოვნად გაზარდა მუსიკოსების რაოდენობა სამლოცველოში. . იქ მუშაობამ ჰაიდნს კარგ ფინანსურ მხარდაჭერას მისცა და გარდა ამისა, საშუალება მისცა ბევრი შედგენა და დაუყოვნებლივ გამოსცადა საკუთარი თავი პრაქტიკაში, ხელმძღვანელობდა მისი ახალი ნამუშევრების საორკესტრო შესრულებას. ესტერჰაზაში (ახალი სამთავროს რეზიდენციის სახელი) ხშირად იმართებოდა ხალხმრავალი მიღებები, ხშირად მაღალი რანგის უცხოელი სტუმრების მონაწილეობით. ამის წყალობით ჰაიდნის შემოქმედება თანდათან გახდა ცნობილი ავსტრიის ფარგლებს გარეთ. მაგრამ ამ ყველაფერში, როგორც ამბობენ, მონეტის მეორე მხარეც იყო. სამსახურში შესვლისთანავე ჰაიდნმა გააფორმა კონტრაქტი, რომლის მიხედვითაც იგი გახდა ერთგვარი მუსიკალური მსახური. ის ყოველდღე, ლანჩამდე და ლანჩის შემდეგ, სასახლის წინ უნდა გამოჩენილიყო პუდრის პარიკითა და თეთრი წინდებით, რათა მოესმინა პრინცის ბრძანება. კონტრაქტი ავალდებულებდა ჰაიდნს სასწრაფოდ დაეწერა „ნებისმიერი მუსიკა, რომელსაც მისი ბატონი სურდა, არ ეჩვენებინა ვინმეს ახალი კომპოზიციები, მით უმეტეს, რომ ვინმეს დაუშვას მათი კოპირება, მაგრამ შეინახოს ისინი მხოლოდ თავისი ბატონობისთვის და არ შეასრულოს არაფერი ვინმესთვის მისი ცოდნისა და ცოდნის გარეშე. მადლიანი ნებართვა. ” გარდა ამისა, ჰაიდნს მოეთხოვებოდა თვალყური ადევნოდა სამლოცველოში წესრიგს და მუსიკოსების ქცევას, ასწავლიდა მომღერლებს და პასუხისმგებელი ყოფილიყო ინსტრუმენტებისა და ნოტების უსაფრთხოებაზე. სასახლეში კი არა, მეზობელ სოფელში, პატარა სახლში ცხოვრობდა. ეიზენშტადტიდან, სამთავრო სასამართლო ადრე ზამთარში გადავიდა ვენაში. და ესტერჰაზიდან ჰაიდნს მხოლოდ ხანდახან შეეძლო დედაქალაქში მოხვედრა პრინცით ან სპეციალური ნებართვით. ეიზენშტადტსა და ესტერჰაზაში გატარებული მრავალი წლის განმავლობაში ჰაიდნი ახალბედა მუსიკოსიდან დიდ კომპოზიტორად გადავიდა, რომლის ნამუშევრებმა მიაღწია მაღალ მხატვრულ სრულყოფილებას და აღიარება მიიღო არა მხოლოდ ავსტრიაში, არამედ მის საზღვრებს მიღმაც. ამგვარად, ექვსი „პარიზის სიმფონია“ (No 82-87) დაწერა მის მიერ საფრანგეთის დედაქალაქის შეკვეთით, სადაც წარმატებით შესრულდა 1786 წელს. ჰაიდნის შეხვედრები ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტთან ვენაში 1780-იანი წლებით თარიღდება. მეგობრულმა დაახლოებამ სასიკეთო გავლენა მოახდინა ორივე დიდი მუსიკოსის შემოქმედებაზე. დროთა განმავლობაში ჰაიდნმა უფრო და უფრო მძაფრად დაიწყო თავისი დამოკიდებულების გრძნობა. 1790 წლის პირველ ნახევარში დაწერილი 1790 წლის პირველ ნახევარში დაწერილი მისი წერილები მეგობრებისთვის ვენაში ესტერჰაზიდან, შეიცავს შემდეგ ფრაზებს: „ახლა ვჯდები ჩემს უდაბნოში - მიტოვებული - ღარიბი ობოლივით - თითქმის ხალხის გარეშე - სევდიანი... ესტერჰაზის უკანასკნელი პრინცები ფლობდნენ უზარმაზარ მამულებს, ჰყავდათ ბევრი მსახური და თავიანთ სასახლეებში ჰყავდათ სამეფო ოჯახის მსგავსი ცხოვრება. სპეციალური 25 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების დარგში რუსეთში დღეების განმავლობაში არ ვიცოდი ბენდმაისტერი ვიყავი თუ დირიჟორი... სამწუხაროა მუდამ მონა...“ ახალი შემობრუნება ბედი. მოგზაურობები ინგლისში. 1790 წლის შემოდგომაზე მიკლოს ესტერჰაზი გარდაიცვალა. ის იყო განმანათლებლური მუსიკის მოყვარული, უკრავდა სიმებიანი ინსტრუმენტებზე და არ შეეძლო თავისებურად არ დაეფასებინა ისეთი "მუსიკალური მსახური", როგორიც ჰაიდნი იყო. უფლისწულმა მას დიდი უვადო პენსია უანდერძა. მემკვიდრემ, მიკლოშ ანტალმა, მუსიკისადმი გულგრილი, სამლოცველო დაშალა. მაგრამ სურდა, რომ ცნობილი კომპოზიტორი კვლავ ყოფილიყო მისი სასამართლო დირიჟორის სიაში, მან ფულადი გადასახადებიც კი გაზარდა ჰაიდნს, რომელიც, ამრიგად, გათავისუფლდა სამსახურებრივი მოვალეობებისაგან და შეეძლო მთლიანად გაეკონტროლებინა საკუთარი თავი. ჰაიდნი საცხოვრებლად ვენაში გადავიდა მუსიკის შედგენის განზრახვით და თავიდან უარი თქვა სხვა ქვეყნების მონახულების შეთავაზებაზე. მაგრამ შემდეგ იგი დათანხმდა ინგლისში ხანგრძლივი მოგზაურობის შეთავაზებას და ლონდონში ჩავიდა 1791 წლის დასაწყისში. ამგვარად, სამოცი წლის იუბილეს მიახლოებით, ჰაიდნმა თავისი თვალით პირველად ნახა ზღვა და პირველად აღმოჩნდა სხვა მდგომარეობაში. ავსტრიისგან განსხვავებით, რომელიც ჯერ კიდევ ფეოდალურ-არისტოკრატიული იყო თავისი წესით, ინგლისი დიდი ხანია იყო ბურჟუაზიული ქვეყანა და ლონდონის სოციალური, მათ შორის მუსიკალური ცხოვრება, ძალიან განსხვავდებოდა ვენისგან. ლონდონში, უზარმაზარ ქალაქში, მრავალი სამრეწველო და კომერციული საწარმოებით, კონცერტები ჭარბობდა არა თავადაზნაურობის სასახლეებსა და სალონებში მოწვეული არჩეული პირებისთვის, არამედ ორგანიზებული იყო საზოგადოებრივ დარბაზებში, სადაც ყველა მოდიოდა საფასურად. ჰაიდნის სახელი ინგლისში უკვე დიდების აურა იყო გარშემორტყმული. როგორც ცნობილი მუსიკოსები, ასევე წარჩინებულები მას არა მხოლოდ თანასწორად, არამედ განსაკუთრებული პატივისცემით ეპყრობოდნენ. მისი ახალი ნამუშევრები, რომელშიც ის დირიჟორის როლს ასრულებდა, ენთუზიაზმით მიიღეს და უხვად გადაიხადეს. ჰაიდნი დირიჟორობდა დიდ ორკესტრს 40-50 კაციანი, ანუ ესტერჰაზის სამლოცველოზე ორჯერ დიდი. ოქსფორდის უნივერსიტეტმა მუსიკის საპატიო დოქტორის წოდება მიანიჭა. ჰაიდნი წელიწადნახევრის შემდეგ დაბრუნდა ვენაში. გზად გერმანიის ქალაქ ბონს ეწვია. იქ ის პირველად შეხვდა ახალგაზრდა ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენს, რომელიც მალევე გადავიდა ვენაში ჰაიდნთან სწავლის განზრახვით. მაგრამ ბეთჰოვენი მისგან გაკვეთილებს დიდხანს არ იღებდა. ორმა მუსიკალურმა გენიოსმა, ასაკითა და ტემპერამენტით ძალიან განსხვავებულმა, მაშინ ვერ იპოვეს ნამდვილი ურთიერთგაგება. თუმცა ბეთჰოვენმა გამოცემის დროს ჰაიდნს მიუძღვნა თავისი სამი საფორტეპიანო სონატა (Nos. 1-3). ჰაიდნის მეორე მოგზაურობა ინგლისში 1794 წელს დაიწყო და წელიწადნახევარზე ცოტა მეტსაც კი გაგრძელდა. წარმატება ისევ ტრიუმფალური იყო. შექმნილი მრავალი ნაწარმოებიდან; ამ მოგზაურობის დროს და მათთან დაკავშირებით განსაკუთრებით მნიშვნელოვანი იყო თორმეტი ე.წ. „ლონდონის სიმფონია“. სიცოცხლის ბოლო წლები და შემოქმედება. ესტერჰაზის შემდეგი პრინცი, მიკლოს II, უფრო მეტად იყო დაინტერესებული მუსიკით, ვიდრე მისი წინამორბედი. ამიტომ ჰაიდნმა დაიწყო ზოგჯერ მოგზაურობა ვენიდან ეიზენშტადტში და წერდა პრინცის დაკვეთით რამდენიმე მასას. კომპოზიტორის ბოლო წლების მთავარი ნაწარმოებები - ორი მონუმენტური ორატორია "სამყაროს შექმნა" და "სეზონები" - დიდი წარმატებით შესრულდა ვენაში (ერთი 1799 წელს, მეორე 1801 წელს). უძველესი ქაოსის გამოსახვა, საიდანაც შემდეგ სამყარო გამოდის, დედამიწის შექმნა, დედამიწაზე სიცოცხლის დაბადება და ადამიანის შექმნა - ეს არის პირველი ამ ორატორიოს შინაარსი. მეორე ორატორიოს ოთხი ნაწილი („გაზაფხული“, „ზაფხული“, „შემოდგომა“, „ზამთარი“) შედგება სოფლის ბუნებისა და გლეხური ცხოვრების ადეკვატური მუსიკალური ჩანახატებით. 26 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსული ხელოვნების სფეროში 1803 წლის შემდეგ ჰაიდნმა სხვა არაფერი შეადგინა. ის ცხოვრობდა მშვიდად, დიდებითა და პატივით გარშემორტყმული. ჰაიდნი გარდაიცვალა 1809 წლის გაზაფხულზე, ნაპოლეონის ომების მწვერვალზე, როდესაც ფრანგები შევიდნენ ვენაში. ჩელოსები და კონტრაბასი. ხის ჩასაბერი ინსტრუმენტების ჯგუფი შედგება ფლეიტების, ჰობოების, კლარნეტებისა და ფოგოტებისაგან 21. ჰაიდნის სპილენძის ინსტრუმენტების ჯგუფი შედგება რქებისა და საყვირებისგან, ხოლო დასარტყამში მან მხოლოდ ტიმპანი გამოიყენა და მხოლოდ ბოლო, მეთორმეტე „ლონდონის სიმფონიაში“ დაამატა სამკუთხედი. , ციმბალები და ბარაბანი. კითხვები და ამოცანები 1. რომელ სამ დიდ კომპოზიტორს ჰქვია ვენის მუსიკალური კლასიკა? რა ხსნის ამ განმარტებას? 2. გვიამბეთ მე-18 საუკუნის ვენის მუსიკალურ ცხოვრებაზე. 3. დაასახელეთ ჰაიდნის შემოქმედებაში ძირითადი მუსიკალური ჟანრები. 4. სად და როგორ გაატარა ჰაიდნმა ბავშვობა და ახალგაზრდობა? 5. როგორ დაიწყო ჰაიდნმა დამოუკიდებელი მოგზაურობა? 6.. როგორ წარიმართა ჰაიდნის ცხოვრება და მოღვაწეობა ესტერჰაზის მთავრების სამლოცველოში მსახურების დროს? 7. გვითხარით ჰაიდნის ინგლისში მოგზაურობისა და მისი ცხოვრების ბოლო წლების შესახებ. სიმფონიური შემოქმედება როდესაც ჰაიდნმა დაწერა თავისი პირველი სიმფონია 1759 წელს, ამ ჟანრის მრავალი ნაწარმოები უკვე არსებობდა და აგრძელებდა შექმნას. ისინი წარმოიშვა იტალიაში, გერმანიაში, ავსტრიაში და ევროპის სხვა ქვეყნებში. მაგალითად, მე-18 საუკუნის შუა ხანებში საყოველთაოდ ცნობილი გახდა სიმფონიები, რომლებიც შედგენილი და შესრულებული იყო გერმანიის ქალაქ მანჰეიმში, რომელსაც ჰყავდა იმ დროის საუკეთესო ორკესტრი. ეგრეთ წოდებული "მანჰეიმის სკოლის" კომპოზიტორებს შორის ბევრი ჩეხი იყო. სიმფონიის ერთ-ერთი წინაპარია სამნაწილიანი იტალიური საოპერო უვერტიურა (ნაწილების თანაფარდობა ტემპში: „სწრაფი-ნელი-სწრაფი“). ადრეულ („წინა კლასიკურ“) სიმფონიებში ჯერ კიდევ იკვრებოდა გზა მომავალი კლასიკური სიმფონიისთვის, რომლის გამორჩეული ნიშნები იყო ფიგურული შინაარსის მნიშვნელობა და ფორმის სრულყოფა. ჰაიდნი ამ გზას დაადგა 1780-იან წლებში თავისი მომწიფებული სიმფონიების შესაქმნელად. შემდეგ კი გამოჩნდა ჯერ კიდევ ძალიან ახალგაზრდა მოცარტის მომწიფებული სიმფონიები, რომელიც საოცრად სწრაფად გადავიდა მხატვრული ოსტატობის სიმაღლეებამდე. ჰაიდნმა შექმნა თავისი ლონდონის სიმფონიები, რომლებმაც დააგვირგვინა მისი მიღწევები ამ ჟანრში, მოცარტის უდროო გარდაცვალების შემდეგ, რამაც იგი ღრმად შოკში ჩააგდო. ჰაიდნის მომწიფებულ სიმფონიებში ჩამოყალიბდა ოთხმოციანი ციკლის შემდეგი ტიპიური კომპოზიცია: სონატა ალეგრო, ნელი მოძრაობა, მინუეტი და ფინალი (ჩვეულებრივ, რონდოს ან სონატა ალეგროს სახით). ამავე დროს, განისაზღვრა ორკესტრის კლასიკური შემადგენლობა, რომელიც შედგება ინსტრუმენტების ოთხი ჯგუფისგან. წამყვანი ჯგუფი სიმებია. მასში შედის ვიოლინოები, ალტი და ჰაიდნი ყოველთვის არ იყენებდა კლარნეტს. მის ლონდონის სიმფონიებშიც კი ისმის მხოლოდ ხუთში (თორმეტიდან). 21 27 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ეს სიმფონია ცნობილია როგორც "სამხედრო". ჰაიდნის ზოგიერთ სხვა სიმფონიას ასევე აქვს სათაურები. უმეტეს შემთხვევაში, ისინი არ არის მოცემული თავად კომპოზიტორის მიერ და აღნიშნავენ მხოლოდ ერთ კონკრეტულ დეტალს, ხშირად ფიგურალურ, მაგალითად, "ქათამის" სიმფონიის ნელი მოძრაობით დაჭერის იმიტაცია ან "საათის" ნელი მოძრაობაში "ტიკტიკა". ”სიმფონია. განსაკუთრებული ისტორია ასოცირდება სიმფონიასთან F-sharp minor-ში, რომელსაც მიენიჭა სახელი "Farewell". მას აქვს დამატებითი მეხუთე ნაწილი (უფრო ზუსტად, Adagio ტიპის კოდი). მისი შესრულების დროს ორკესტრის წევრები სათითაოდ აქრობენ სანთლებს კონსოლებზე, იღებენ ინსტრუმენტებს და მიდიან. დარჩა მხოლოდ ორი მევიოლინე, რომლებიც ჩუმად და სევდიანად ამთავრებენ ბოლო ზოლებზე დაკვრას და ასევე ტოვებენ. ამას შემდეგი ახსნა აქვს. თითქოს ერთ ზაფხულს, პრინცი მიკლოშ I-მა ჩვეულებრივზე მეტხანს შეინახა თავისი სამლოცველოს მუსიკოსები ესტერჰაზაში. და მათ სურდათ სწრაფად მიეღოთ შვებულება ეიზენშტადტში მცხოვრები ოჯახების სანახავად. და გამოსამშვიდობებელი სიმფონიის უჩვეულო მეორე ფინალი ამ გარემოებების მინიშნებას ემსახურებოდა. სიმფონიების გარდა, ჰაიდნმა დაწერა მრავალი სხვა ნაწარმოები ორკესტრისთვის, მათ შორის ასზე მეტი ინდივიდუალური მინუეტი. და უცებ ყველაფერი მხიარულად გარდაიქმნება: იწყება სონატა ალეგროს ექსპოზიცია. ნელი ტემპის ნაცვლად - სწრაფი (Allegro con spirito - „სწრაფად, ენთუზიაზმით“), მძიმე ბასის უნისონების ნაცვლად - მაღალი რეგისტრში G-სა და A-flat-ის იგივე ბგერებიდან, მოძრაობის პირველი მოტივი, იბადება ინფექციურად მხიარული, ძირითადი ნაწილის საცეკვაო თემა. ამ თემის ყველა მოტივი, რომელიც მოცემულია მთავარ კლავიშში, იწყება პირველი ბგერის გამეორებით - თითქოს მხურვალე შტამპით: სიმფონია E-flat მაჟორი ეს არის მეთერთმეტე ჰაიდნის თორმეტი „ლონდონის სიმფონიებიდან“. მისი მთავარი გასაღები არის E-flat major. იგი ცნობილია როგორც "სიმფონია ტრემოლო ტიმპანით" 22. სიმფონია შედგება ოთხი მოძრაობისგან. პირველი ნაწილი იწყება ნელი შესავლით. მატონიზირებელი ტიმპანის ტრემოლო („როლი“) ჩუმად ჟღერს. ეს ჰგავს ჭექა-ქუხილის შორეულ ტაშს. შემდეგ თავად შესავლის თემა იშლება გლუვ, განიერ „კიდეებში“. თავდაპირველად მას ოქტავის უნისონში უკრავენ ჩელოსები, კონტრაბასიები და ფაგოტები. როგორც ჩანს, რაღაც იდუმალი ჩრდილები მშვიდად ცურავს, ზოგჯერ ჩერდება. ამიტომ ისინი ყოყმანობენ და იყინებიან: შესავლის ბოლო ზოლებში უნისონები რამდენჯერმე ენაცვლებიან მიმდებარე ბგერებს G და A-ბრტყელზე, რაც ყურს აიძულებს მოელოდეს - რა მოხდება შემდეგ? თემის ორმაგი შესრულება სიმებიანი ფორტეპიანოს ინსტრუმენტებით ავსებს საცეკვაო გართობის აურზაურს, რომელიც ჟღერს მთელ ორკესტრში. ეს ბუმი სწრაფად მიდის და საიდუმლოების შეხება კვლავ ჩნდება დამაკავშირებელ ნაწილში. დარღვეულია ტონალური სტაბილურობა. მოდულაციაა B-ფლატ მაჟორზე (E-flat major-ის დომინანტი) - მეორადი ნაწილის ტონალობა. შემაერთებელ ნაწილში ახალი თემა არ არის, მაგრამ ისმის ტიმპანის თემის ორიგინალური მოტივი - ნახევარსფეროები მათზე დაჭიმული კანით, რომელსაც ორი ჯოხი აქვს დარტყმული. თითოეულ ნახევარსფეროს შეუძლია ხმის გამომუშავება მხოლოდ ერთ სიმაღლეზე. კლასიკურ სიმფონიებში ჩვეულებრივ გამოიყენება ორი ნახევარსფერო, ტონიკით და დომინანტური. 22 28 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსული ხელოვნების დარგში ძირითადი ნაწილისა და შორეული შეხსენება გახსნის თემის შესახებ: ექსპოზიცია მთავრდება მეორადი ნაწილის ტონალობის (B-flat მაჟორი) განცხადებით. ექსპოზიცია მეორდება, შემდეგ კი განვითარება მოჰყვება. იგი სავსეა ძირითადი ნაწილის თემიდან გამოყოფილი მოტივების მრავალხმიანი იმიტაციური და ტონალურ-ჰარმონიული განვითარებით. გვერდითი თამაშის თემა ჩნდება განვითარების ბოლოს. იგი ტარდება მთლიანად D-flat მაჟორის კლავიშში, მთავარისგან შორს, ანუ ის თითქოს ახალ, უჩვეულო შუქზე ჩანს. და ერთ დღეს (ფერმატასთან ზოგადი პაუზის შემდეგ) იდუმალი გახსნის თემის ინტონაციები ჩნდება ბასში. განვითარება ჟღერს უპირატესად ფორტეპიანოსა და პიანისიმოს და მხოლოდ ხანდახან ფორტე და ფორტისიმო სფორზანდოს ინდივიდუალური აქცენტებით. ეს აძლიერებს საიდუმლოების შთაბეჭდილებას. მათი განვითარების ძირითადი ნაწილის თემიდან მოტივები ზოგჯერ ფანტასტიკურ ცეკვას წააგავს. შეიძლება წარმოიდგინოთ, რომ ეს არის რაღაც იდუმალი შუქების ცეკვა, რომელიც ზოგჯერ კაშკაშა ანათებს. E-flat მაჟორის გასაღებში განმეორებით მეორდება არა მხოლოდ ძირითადი ნაწილი, არამედ მეორადი ნაწილიც და გამოტოვებულია დამაკავშირებელი ნაწილი. რაღაც საიდუმლო ჩნდება კოდში. იგი იწყება, როგორც შესავალი, Adagio ტემპით, წყნარი ტიმპანის ტრემოლოთი და ნელი უნისონით. მაგრამ მალევე, პირველი მოძრაობის ბოლოს, სწრაფი ტემპი, ხმამაღალი ჟღერადობა და მხიარული საცეკვაო "სტომპები" ბრუნდება. სიმფონიის მეორე ნაწილი - ანდანტე - არის ვარიაცია ორ თემაზე - სიმღერა დო მინორი და სიმღერა-მარში დო მაჟორი. ამ ეგრეთ წოდებული ორმაგი ვარიაციების სტრუქტურა ასეთია: წარმოდგენილია პირველი და მეორე თემები, შემდეგ შემდეგია: პირველი თემის პირველი ვარიაცია, მეორე თემის პირველი ვარიაცია, პირველი თემის მეორე ვარიაცია, მეორე. მეორე თემისა და კოდის ვარიაცია, მეორე თემის მასალაზე დაყრდნობით. დღემდე მკვლევარები კამათობენ პირველი თემის ეროვნებაზე. ხორვატი მუსიკოსები თვლიან, რომ თავისი მახასიათებლებით ეს არის ხორვატული ხალხური სიმღერა, ხოლო უნგრელი მუსიკოსები თვლიან, რომ ეს არის უნგრული სიმღერა. სერბები, ბულგარელები და პოლონელებიც მასში პოულობენ თავიანთ ეროვნულ თვისებებს. ეს დავა ვერ გადაწყდება დარწმუნებით, რადგან ჩანაწერები ასეთია, გვერდითი ნაწილის თემა ისევ მხიარული საცეკვაო სიმღერაა. მაგრამ მთავარ წვეულებასთან შედარებით, ის არც ისე ენერგიული, არამედ უფრო მოხდენილი და ქალურია. მელოდია ჟღერს ვიოლინოებიდან და ჰობოიდან. ტიპიური ვალსის აკომპანიმენტი აახლოებს ამ თემას ლანდერთან - ავსტრიული და სამხრეთ გერმანული ცეკვა, ვალსის ერთ-ერთი წინაპარი: 29 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსეთის ხელოვნების სფეროში უძველესი მელოდია და მისი სიტყვები არ იყო. ნაპოვნია. როგორც ჩანს, მან გააერთიანა რამდენიმე სლავური და უნგრული ჰანგების მახასიათებლები; ასეთია, კერძოდ, თავისებური სვლა გაფართოებული წამისთვის (E-flat - fadieuse): მეორე თემის ვარიაციები განაახლებს გმირულ მარშის სიარულის, ვირტუოზული პასაჟებით შემკულ - ფლეიტა ყვავის. და დიდ კოდში არის მოულოდნელი შემობრუნებები "მუსიკალური მოვლენების" განვითარებაში. პირველი, მარშის თემა იქცევა ნაზ, გამჭვირვალე ჟღერადობად. შემდეგ მისგან გამოყოფილი მოტივი წერტილოვანი რიტმით ინტენსიურად ვითარდება. ეს იწვევს ელ-ფლატ მაჟორის გასაღების უეცარ გამოჩენას, რის შემდეგაც მარშის თემის საბოლოო გატარება ჟღერს კაშკაშა და საზეიმოდ დო მაჟორი. სიმფონიის მესამე ნაწილი - Minuet - თავდაპირველად აერთიანებს მაღალი საზოგადოების ცეკვის მშვიდ სიარულს მელოდიის კაპრიზულ ფართო ნახტომებთან და სინკოპაციებთან: მელოდია და მეორე, მარშის მთავარი თემა. პირველისგან განსხვავებით, მას ამავდროულად აქვს გარკვეული ნათესაობაც - კვართის დარტყმა, მელოდიის აღმავალი და შემდეგ დაღმავალი მიმართულება და ამაღლებული IV ხარისხი (fadieuse): ეს ახირებული თემა ხაზგასმულია გლუვი, მშვიდი მოძრაობით. ტრიო - მინუეტის შუა განყოფილება, რომელიც მდებარეობს პირველ ნაწილს შორის და მისი ზუსტი გამეორებით23: პირველი თემის წარმოდგენა სიმებიანი ინსტრუმენტებით ფორტეპიანო და პიანისიმო ჰგავს მხიარულ თხრობას, ისტორიის დასაწყისს რამდენიმე უჩვეულო მოვლენის შესახებ. პირველი მათგანი შეიძლება იყოს მეორე, მარშის თემის მოულოდნელად ხმამაღალი პრეზენტაცია, რომელშიც ჩასაბერი ინსტრუმენტები ემატება სიმებიანი ჯგუფს. თხრობის ტონი გრძელდება პირველი თემის პირველ ვარიაციაში. მაგრამ მის ჟღერადობას უერთდება საბრალო და დამფრთხალი ექო. მეორე თემის პირველ ვარიაციაში სოლო ვიოლინო მელოდიას აფერადებს ახირებული ნიმუშიანი პასაჟებით. პირველი თემის მეორე ვარიაციაში თხრობა მოულოდნელად იღებს მშფოთვარე, აღელვებულ ხასიათს (გამოიყენება ყველა ინსტრუმენტი, მათ შორის ტიმპანი). მეორეში, მინუეტი (უფრო სწორად, მისი ექსტრემალური, დახვეწილი და ახირებული სექციები) ეწინააღმდეგება, ერთი მხრივ, სიმფონიის პირველი და მეორე ნაწილების ხალხურ-ყოველდღიურ თემებს, ხოლო მეორეს მხრივ, ბოლო, მეოთხე. ნაწილი - ფინალი. აქ, როგორც ეს შეეფერება კლასიკურ სონატას ალეგროს, ექსპოზიციაში ძირითადი ნაწილი მოცემულია E-flat მაჟორის მთავარ კლავიშში, მეორადი ნაწილი B-flat მაჟორის დომინანტურ კლავიშშია, ხოლო რეპრიზში ორივე ჟღერს. ელექტრონულ მაჟორში. თუმცა, გვერდით ნაწილში დიდი ხანი არ იყო, რომ საორკესტრო ნაწარმოებების შუა მონაკვეთს, როგორც წესი, სამი ინსტრუმენტი ასრულებდა. სწორედ აქედან მოდის სახელი "ტრიო". 23 30 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში, სრულიად ახალი თემა ჩნდება. იგი ეფუძნება ძირითადი ნაწილის თემას. მომდინარეობს ფრანგული სიტყვიდან "ronde", რაც ნიშნავს "წრე" ან "მრგვალი ცეკვა". კითხვები და ამოცანები 1. როდის მოვიდნენ ჰაიდნი და მოცარტი თავიანთი მომწიფებული სიმფონიების შესაქმნელად? 2. რა ნაწილებისგან შედგება ჩვეულებრივ ჰაიდნის სიმფონია? დაასახელეთ ჰაიდნის ორკესტრის ინსტრუმენტების ჯგუფები. 3. ჰაიდნის სიმფონიების რა სახელები იცით? 4. რატომ ჰქვია ჰაიდნის სიმფონიას E-flat მაჟორი “with tremolo or brand”? რომელი განყოფილებით იწყება? 5. აღწერეთ სონატის ფორმის ძირითადი თემები ამ სიმფონიის პირველ ნაწილში. 6. რა ფორმით და რა თემებზე დაიწერა სიმფონიის მეორე ნაწილი? 7. აღწერეთ მესამე ნაწილის ძირითადი თემები და სექციები. 8. რა თავისებურებაა ფინალში მთავარი და მეორეხარისხოვანი ნაწილის თემების მიმართება? რა კავშირია სიმფონიის პირველ ნაწილში მუსიკის პერსონაჟსა და მის ფინალში? ამრიგად, გამოდის, რომ მთელი დასასრული ერთ თემას ეფუძნება. კომპოზიტორი, თითქოს რთულ თამაშშია, ან განაახლებს თემას მთლიანად, ან ოსტატურად აერთიანებს მის ვარიაციებსა და ცალკეულ ელემენტებს. და ის თავად არის რთული. ყოველივე ამის შემდეგ, მასში პირველად ჩნდება ჰარმონიული საფუძველი - ორი რქის ეგრეთ წოდებული "ოქროს დარტყმა" - სანადირო რქების ტიპიური სიგნალი. და მხოლოდ ამის შემდეგ ამ ბაზაზე ზედმიწევნით დგას საცეკვაო მელოდია, რომელიც ახლოსაა ხორვატულ ხალხურ სიმღერებთან. ის იწყება ერთ ბგერაზე „დაკვრით“ და შემდგომში ეს მოტივი ბევრჯერ მეორდება, იმიტირებულია, ერთი ხმიდან მეორეზე გადადის. ეს მოგვაგონებს პირველი ნაწილის მთავარი თემის გახსნის მოტივს და იმას, თუ როგორ ვითარდება იგი იქ. გარდა ამისა, კომპოზიტორმა ფინალშიც იგივე ტემპი მიუთითა - Allegro con spirito. ამრიგად, ფინალში საბოლოოდ სუფევს მხიარული ხალხური ცეკვის ელემენტი. მაგრამ მას აქ განსაკუთრებული ხასიათი აქვს – წააგავს რთულ მრგვალ ცეკვას, ჯგუფურ ცეკვას, რომელშიც ცეკვა შერწყმულია სიმღერასთან და თამაშთან. ამას ისიც ადასტურებს, რომ ექსპოზიციაში ძირითადი ნაწილი მთავარ გასაღებში მეორდება დამატებით ორჯერ - მცირე გარდამავალი ეპიზოდის შემდეგ და გვერდითი ნაწილის შემდეგ. ანუ, როგორც ჩანს, განახლდება, მოძრაობს წრეში. და ეს შემოაქვს რონდო ფორმის თავისებურებებს სონატის ფორმაში. თავად სიტყვა „რონდო“, როგორც უკვე აღვნიშნეთ, კლავიატურის შემოქმედება როდესაც ჰაიდნმა შექმნა კლავიატურის ნამუშევრები, ფორტეპიანომ თანდათან შეცვალა კლავესინი და კლავიკორდი მუსიკალური პრაქტიკიდან. ჰაიდნმა დაწერა თავისი ადრეული ნამუშევრები ამ უძველესი კლავიატურის ინსტრუმენტებისთვის და შემდგომი წლების გამოცემებში მან დაიწყო მითითება "კლავესინისთვის ან ფორტეპიანოსთვის" და, ბოლოს, ზოგჯერ მხოლოდ "ფორტეპიანოსთვის". მის კლავიატურულ ნამუშევრებს შორის ყველაზე მნიშვნელოვანი ადგილი სოლო სონატებს უკავია. ადრე ითვლებოდა, რომ ჰაიდნს მხოლოდ 52 ჰყავდა, მაგრამ შემდეგ მკვლევარების ძიების წყალობით ეს რიცხვი 62-მდე გაიზარდა. მათგან ყველაზე ცნობილია სონატები რე მაჟორი და ე მინორი24. სონატა რე მაჟორში მთავარი ნაწილის თემა, რომელიც ამ სონატის პირველ ნაწილს იწყებს, არის ცეკვა, რომელიც გაჟღენთილია მხიარულებითა და ხალისით, ბიჭურად ბოროტი ოქტავის ნახტომებით, გრაციოზული ნოტებით, მორდენებითა და ბგერების გამეორებებით. ასევე შეიძლება წარმოვიდგინოთ, რომ ასეთი მუსიკა ჟღერს ოპერბუფაში: ადრინდელ გამოცემებში ეს სონატები იბეჭდება როგორც "No. 37" და "No. 34", ხოლო შემდეგ გამოცემებში "No. 50" და "No. 53". 24 31 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში, მაგრამ მეორადი ნაწილის თემის განვითარებაში შეაღწია ბოროტი ნახტომები ძირითადი ნაწილიდან, შემდეგ კი აურზაური გადასასვლელი მოძრაობა დამაკავშირებელი ნაწილიდან. ის უფრო ინტენსიური ხდება, აბსოლუტური და უცებ სწრაფად მშვიდდება - თითქოს მყისიერად მიღებული გადაწყვეტილებით. ამის შემდეგ, ექსპოზიცია მთავრდება ჩუმად მოცეკვავე დასკვნითი ნაწილით. ისევ დიდი აქტივობა მიმდინარეობს განვითარებაში. აქ ოქტავა გადახტება ძირითადი ნაწილის თემიდან, მარცხენა ხელზე გადადის, კიდევ უფრო ბოროტი ხდება და გადასასვლელი მოძრაობა აღწევს კიდევ უფრო დიდ დაძაბულობას და უფრო ფართო მასშტაბებს, ვიდრე ექსპოზიციაში გვერდითი ნაწილის თემის შემუშავებისას. რეპრიზში მეორე და ბოლო ნაწილების ხმა მთავარ კლავიშში (რე მაჟორი) მტკიცედ აყალიბებს მხიარული განწყობის დომინირებას. ყველაზე ძლიერი კონტრასტი სონატაში შემოდის მოკლე მეორე მოძრაობით, ნელი და თავშეკავებული ხასიათით. ამავე სახელწოდების გასაღებში რე მინორი წერია. მუსიკაში შეიძლება მოისმინოს სარაბანდის მძიმე ფეხი, უძველესი ცეკვა, რომელიც ხშირად ღებულობდა დაკრძალვის პროცესის ხასიათს. სამეულებითა და წერტილოვანი რიტმული ფიგურებით გამომხატველ მელოდიურ ძახილებში კი მსგავსებაა უნგრელი ბოშების სევდიანი გალობა: მეთექვსმეტე ნოტების მხიარული, მხიარული პასაჟები ავსებს დამაკავშირებელ ნაწილს. და გვერდითი ნაწილის თემა (ა მაჟორი) ასევე არის ცეკვა, მხოლოდ უფრო თავშეკავებული და ელეგანტური: 32 www.classon.ru ბავშვების განათლება რუსული ხელოვნების სფეროში სონატა მინორი 1780-იანი წლების დასაწყისში ჰაიდნი ჯერ. მიიღო მოწვევა ლონდონში საკონცერტო მოგზაურობისთვის. იგი გულმოდგინედ მოემზადა ამისთვის, მაგრამ ვერ შეძლო ამის განხორციელება, ესტერჰაზის სამლოცველოში მისი ოფიციალური მოვალეობების გამო. შესაძლებელია, რომ შორეულ „საზღვარგარეთ“ მოგზაურობაზე ოცნებები და მათთან დაკავშირებული გამოცდილება აისახა იმ დროს გაჩენილ ე-მინორ სონატაში. ეს არის ერთადერთი ჰაიდნის მცირე სონატადან, სადაც პირველ ნაწილში გამოხატული ლირიკული პერსონაჟი შერწყმულია ძალიან სწრაფ ტემპთან. თავისებურია ამ მოძრაობის ძირითადი ნაწილის თემაც, რომლითაც იწყება სონატა: მაგრამ ჰაიდნის ოპტიმისტურ ხელოვნებაში სიკვდილის ბნელი გამოსახულებები ყოველთვის გადალახულია ცხოვრების ნათელი სურათებით. და ამ სონატის დ მინორი მეორე ნაწილი, რომელიც მთავრდება არა ტონიკით, არამედ დომინანტური აკორდით, პირდაპირ გადადის სწრაფ დ მაჟორ ფინალში 25. ფინალი აგებულია რონდოს სახით, სადაც მთავარი თემა - რეფრენი. (რე მაჟორში მთავარ კლავიშში) - მეორდება სამჯერ და მის გამეორებებს შორის ცვალებადია სექციები - ეპიზოდები: პირველი ეპიზოდი რე მაჟორი, ხოლო მეორე გრა მაჟორი. აქ მხოლოდ პირველ, დ მინორ ეპიზოდში სრიალებენ სამწუხარო მოგონებები - შუა ნაწილის ექო. მეორე, G მაჟორი ეპიზოდი უკვე დაუდევრად ხალისიანია და მივყავართ მარჯვენა და მარცხენა ხელების კომიკურ „გადარეკვას“ იმავე ნოტაზე. ხოლო ფინალის მფრინავი-ცეკვის მთავარი თემა (რონდოს რეფრენი) ერთ-ერთი ყველაზე ხალისიანია ჰაიდნში: თემის საწყისი ფრაზები ორი ელემენტის კომბინაციით შედგება. ბასში, მარცხენა ხელში, ფორტეპიანო მოძრაობს მცირე მატონიზირებელ ტრიადულ ჟღერადობაზე - როგორც მოწოდებები, რომ სადღაც შორს წახვიდე. და მაშინვე მარჯვენა ხელში მიჰყვება აკანკალებული, თითქოსდა ეჭვი, ყოყმანი მოტივები-პასუხები. თემის ზოგადი მოძრაობა რბილი, ტალღოვანი, რხევაა. გარდა ამისა, პირველი ნაწილის ზომა - 6/8 - დამახასიათებელია ბარკაროლის ჟანრისთვის - „სიმღერები წყალზე“26. შემაერთებელ ნაწილში არის მოდულაცია გ მაჟორში E მინორის პარალელურად - გვერდითი და ბოლო ნაწილების ტონალობა. მეთექვსმეტე ნოტების მოძრავი პასაჟებით სავსე დამაკავშირებელი და ბოლო ნაწილები გვერდს აყალიბებს - მსუბუქი, მეოცნებე, ამაზე მიუთითებს იტალიური სიტყვა „attacca subito il Finale“, რაც ნიშნავს „ფინალის დაუყოვნებლივ დაწყებას“. თავდაპირველად ვენეციელი გონდოლიერების სიმღერებს ბარკაროლებს ეძახდნენ. თავად ჟანრის სახელი მომდინარეობს იტალიური სიტყვიდან "barca" - "ნავი". 25 26 33 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების დარგში რუსეთში, თითქოს აფრინდა: ბუნება, როცა სიგნალები გაისმა, თითქოს დაბრუნებისკენ მოუწოდებდა, გული თითქოს მხიარული განგაშით ფრიალებს! და აი, აკორდის გადასვლის შემდეგ ჩნდება მესამე ნაწილის (ფინალის) მთავარი თემა. ეს არის რონდო ფორმის რეფრენი, რომელშიც ფინალია დაწერილი. ეს ჰგავს შთაგონებულ თანმხლებ სიმღერას, რომელიც გეხმარებათ „სრული აფრით“ იარო შენს სამშობლოში: ასე რომ, ფინალში რონდოს ფორმის დიაგრამა ასეთია: რეფრენი (ე მინორი), პირველი ეპიზოდი (ე მაჟორი), რეფრენი. (ე მინორი), მეორე ეპიზოდი (ე მაჟორი), რეფრენი (ე მინორი). ორივე ეპიზოდი დაკავშირებულია რეფრენთან და ერთმანეთთან მელოდიური ნათესაობით. როდესაც შემაერთებელი, გვერდითი და ბოლო ნაწილები თამაშობს, ფანტაზია ხატავს მაცდურ სურათებს - როგორ თავისუფლად უბერავს კუდის ქარი, რა ხალისით მიგიყვანს წინ სწრაფი მოძრაობა. გარდა ამისა, განვითარებაში, რომელიც აგებულია ძირითადი, დამაკავშირებელი და საბოლოო ნაწილების მასალაზე, ჭარბობს გადახრები უმნიშვნელო გასაღებებში. ძირითადში, ანუ არა მაჟორი, არამედ მინორი გასაღები, რეპრიზში ისმის გვერდითი და ბოლო ნაწილები, რომლებიც უფრო ფართო გახდა. მიუხედავად ამისა, სევდა და სულიერი ეჭვები საბოლოოდ დაძლეულია უცნობისკენ სწრაფვით. ეს არის პირველი ნაწილის ბოლო ზოლების მნიშვნელობა, სადაც საოცრად მეორდება ძირითადი ნაწილის თემის გამოძახების დასაწყისი. სონატის მეორე ნაწილი, ნელი, გ მაჟორი, ერთგვარი ინსტრუმენტული არია, გამსჭვალული კაშკაშა ჩაფიქრებითი განწყობით. მისი მსუბუქი კოლორატურები გაჯერებულია ჩიტების ჭიკჭიკისა და ნაკადულების ბღავილის გამოძახილებით: კითხვები და დავალებები 1. დაასახელეთ ჰაიდნის კლავიატურის მუსიკის მთავარი ჟანრი. რამდენი მისი სონატაა ცნობილი? 2. აღწერეთ სონატის პირველი ნაწილის რე მაჟორი ძირითადი მონაკვეთები. არის თუ არა კავშირი ამ ნაწილში მთავარ და მეორეხარისხოვან პარტიებს შორის? 3. რა კონტრასტს მოაქვს მეორე ნაწილი სონატის რე მაჟორი მუსიკასთან? რა კავშირი აქვს მის დასასრულთან? 4. მოგვიყევით სონატის პირველი სტროფის ძირითადი ნაწილის თემის სტრუქტურულ თავისებურებებსა და ბუნებაზე. მომწიფდეს და დაახასიათე ამ ნაწილის დარჩენილი თემები და სექციები. 5. რა ხასიათს ატარებს სონატის მეორე ნაწილს ე მინორი? 6. გვიამბეთ სონატის ფინალის ფორმასა და მისი მთავარი თემის ბუნებაზე. ძირითადი ნაწარმოებები 100-ზე მეტი სიმფონია (104) მრავალი კონცერტი სხვადასხვა ინსტრუმენტებისთვის ორკესტრთან ერთად 80-ზე მეტი კვარტეტი (ორი ვიოლინოსთვის, ალტისთვის და ჩელოსთვის) (83) 62 კლავიატურის სონატა ორატორიები „მსოფლიოს შექმნა“ და „სეზონები“ 24 ოპერა შოტლანდიური და ირლანდიური სიმღერების არანჟირება თუმცა, რაც არ უნდა ტკბილი იყოს მშვიდი დასვენება სადღაც შორს, 34 www.classon.ru წიაღში ბავშვთა განათლება რუსეთის ხელოვნების სფეროში დაწერილი მრავალ ჟანრში - მისი სიმფონიები, ინსტრუმენტული კონცერტები, სხვადასხვა კამერული ანსამბლი, საფორტეპიანო სონატები, რექვიემი გუნდისთვის, სოლისტებისა და ორკესტრისთვის. მოცარტის ფენომენალურმა ნიჭმა, რომელიც უჩვეულოდ ადრე გამოვლინდა და სწრაფად განვითარდა, შექმნა წრე მისი სახელის გარშემო; ლეგენდარული "მუსიკალური სასწაულის" ჰალო. ნათელი მახასიათებლები; პუშკინმა მას, როგორც შთაგონებულ მხატვარს, მისცა პიესაში ("პატარა ტრაგედია") "მოცარტი და სალიერი". მის საფუძველზე დაიწერა ნ.ა.რიმსკი-კორსაკოვის ამავე სახელწოდების ოპერა 27. მოცარტი იყო პ.-ს საყვარელი კომპოზიტორი. ი. ჩაიკოვსკი 28. ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი 1756-1791 ცხოვრების გზა ოჯახი. Ადრეული ბავშვობა. ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტის სამშობლო, რომელიც დაიბადა 1756 წლის იანვარში, არის ავსტრიის ქალაქი ზალცბურგი. იგი თვალწარმტაცი დგას სწრაფი მდინარე ზალზახის მთიან ნაპირებზე, რომელიც თავის კურსს გადის ალპების აღმოსავლეთ მთისწინეთში. ზალცბურგი იყო პატარა სამთავროს დედაქალაქი, რომლის მმართველს არქიეპისკოპოსის საეკლესიო წოდება ჰქონდა. ვოლფგანგ ამადეუსის მამა, ლეოპოლდ მოცარტი, მსახურობდა მის სამლოცველოში. ის იყო სერიოზული და უაღრესად განათლებული მუსიკოსი - ნაყოფიერი კომპოზიტორი, მევიოლინე, ორღანისტი და მასწავლებელი. მის მიერ გამოცემული ვიოლინო დაკვრის სკოლა ფართოდ გავრცელდა რამდენიმე ქვეყანაში, მათ შორის რუსეთში. ლეოპოლდისა და მისი მეუღლის ანა მარიას შვიდი შვილიდან მხოლოდ ორი გადარჩა - უმცროსი ვაჟი ვოლფგანგ ამადეუსი და ქალიშვილი მარია ანა (ნანერლი), რომელიც უფროსი იყო! ძმა ოთხნახევარი წელია. როდესაც მამამ ნანერლს, რომელსაც შესანიშნავი შესაძლებლობები ჰქონდა, კლავესინზე დაკვრის სწავლება დაიწყო, მან მალევე დაიწყო სწავლა სამი წლის ვოლფგანგთან, შეამჩნია მისი დახვეწილი სმენა და საოცარი მუსიკალური მეხსიერება. ოთხი წლის განმავლობაში ბიჭი უკვე ცდილობდა კომპოზიციას. მუსიკა და მისი პირველი შემორჩენილი კლავესინი ჩაწერა მამამ, როდესაც ავტორი მხოლოდ ხუთი წლის იყო. ცნობილია ისტორია იმის შესახებ, თუ როგორ ცდილობდა ოთხი წლის ვოლფგანგი კლავიატურის კონცერტის შედგენას. კალამთან ერთად თითები ჭალაში ჩააწყო და მუსიკალურ ქაღალდზე ლაქები გაუკეთა. სანამ მამაჩემმა კარგად დააკვირდა ამ ბავშვურ ჩანაწერს, მან აღმოაჩინა მასში უდავო მუსიკალური მნიშვნელობა. ერთ-ერთმა უდიდესმა მუსიკალურმა გენიოსმა, ავსტრიელმა კომპოზიტორმა ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტმა მხოლოდ 35 წელი იცოცხლა. მათგან მან ოცდაათი წლის განმავლობაში შექმნა მუსიკა და 600-ზე მეტი ნაწარმოების მემკვიდრეობა დატოვა, ფასდაუდებელი წვლილი შეიტანა მსოფლიო ხელოვნების ოქროს ფონდში. ყველაზე ჭეშმარიტი, უმაღლესი შეფასება მოცარტის შემოქმედებით ნიჭს მის სიცოცხლეშივე მისმა უფროსმა თანამედროვემ ჯოზეფ ჰაიდნმა მისცა. "...შენი შვილი, - უთხრა მან ერთხელ ვოლფგანგ ამადეუსის მამას, - უდიდესი კომპოზიტორია, რომელსაც პირადად და სახელით ვიცნობ; მას აქვს გემოვნება და, მეტიც, კომპოზიციის უდიდესი ცოდნა“. ჰაიდნისა და მოცარტის მუსიკა, რომელსაც ვენის კლასიკა ეწოდება, დაკავშირებულია სამყაროს ოპტიმისტური, აქტიური აღქმით, გრძნობების გამოხატვის სიმარტივისა და ბუნებრიობის ერთობლიობით მათი პოეტური ამაღლებულობითა და სიღრმით. ამავე დროს, მნიშვნელოვანი განსხვავებაა მათ მხატვრულ ინტერესებს შორის. ჰაიდნი უფრო ახლოს არის ხალხურ და ლირიკულ-ეპიკურ გამოსახულებებთან, ხოლო მოცარტი უფრო ახლოს არის ლირიკულ და ლირიკულ-დრამატულ გამოსახულებებთან. მოცარტის ხელოვნება განსაკუთრებით მხიბლავს როგორც ადამიანის ემოციური გამოცდილებისადმი მგრძნობელობით, ასევე სიზუსტითა და სიცოცხლისუნარიანობით სხვადასხვა ადამიანის პერსონაჟების განსახიერებაში. ამან იგი საოპერო კომპოზიტორად აქცია. მისი ოპერები და, უპირველეს ყოვლისა, "ფიგაროს ქორწინება", "დონ ჯოვანი" და "ჯადოსნური ფლეიტა", მუდმივი წარმატებით სარგებლობდა მესამე საუკუნის განმავლობაში, იდგმებოდა ყველა მუსიკალური თეატრის სცენაზე. მსოფლიო საკონცერტო რეპერტუარში ერთ-ერთი ყველაზე საპატიო ადგილი მოცარტის ნამუშევრებს უკავია, ვერსია, რომ სალიერიმ მოცარტი შურით მოწამლა, მხოლოდ ლეგენდაა. ჩაიკოვსკიმ მოაწყო მოცარტის ოთხი საფორტეპიანო ნაწარმოები და შეასრულა ისინი მოცარტიანას სუიტში. 27 28 35 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების დარგში რუსეთში შეასრულებს ვიოლინოს კონცერტს... კლავიატურაზე დაკრული შარფით და ასევე თვალწინ რომ იყოს, მერე შორიდან დაასახელებს ყველა ბგერას, რომელიც ცალ-ცალკეა ან აკორდები იქნება აღებული კლავირზე ან სხვა ინსტრუმენტზე ან წარმოებული საგნებით - ზარი, ჭიქა, საათი. ბოლოს იმპროვიზაციას გაუკეთებს არა მარტო კლავესინზე, არამედ ორღანზე, რამდენიც უნდა მსმენელს და ნებისმიერ, თუნდაც ყველაზე რთულ კლავიშებში, რაც მას ეძახიან...“ პირველი საკონცერტო მოგზაურობები. ლეოპოლდ მოცარტმა გადაწყვიტა დაეწყო საკონცერტო მოგზაურობა დიდ მუსიკალურ ცენტრებში თავის ნიჭიერ შვილებთან ერთად. პირველი მოგზაურობა - გერმანიის ქალაქ მიუნხენში - შედგა 1762 წლის დასაწყისში, როდესაც ვოლფგანგი ძლივს ექვსი წლის იყო. ექვსი თვის შემდეგ მოცარტის ოჯახი ვენაში გაემგზავრა. იქ ვოლფგანგი და ნანერლი იმპერიულ კარზე გამოდიოდნენ, დიდ წარმატებას მიაღწიეს და საჩუქრებით გადაიტანეს. 1763 წლის ზაფხულში მოცარტებმა გრძელი მოგზაურობა წაიღეს პარიზსა და ლონდონში. მაგრამ ჯერ ისინი ეწვივნენ გერმანიის მთელ რიგ ქალაქს, ხოლო უკან დაბრუნებისას - ისევ პარიზში, ასევე ამსტერდამში, ჰააგაში, ჟენევაში და რამდენიმე სხვა ქალაქში. პატარა მოცარტების, განსაკუთრებით ვოლფგანგის სპექტაკლები ყველგან გაოცებასა და აღტაცებას იწვევდა, თუნდაც ყველაზე დიდებულ სამეფო კარებზე. იმდროინდელი ჩვეულების თანახმად, ვოლფგანგი წარჩინებული საზოგადოების წინაშე წარსდგა ოქროთი ნაქარგი და ფხვნილი პარიკით, მაგრამ ამავე დროს ის იქცეოდა წმინდა ბავშვური სპონტანურობით; მას შეეძლო, მაგალითად, იმპერატორის კალთაში გადახტომა. . კონცერტები, რომელიც ზედიზედ 4-5 საათს გაგრძელდა, ძალიან დამღლელი იყო პატარა მუსიკოსებისთვის, მაგრამ საზოგადოებისთვის ერთგვარ გასართობად გადაიქცა. ასე ეწერა ერთ-ერთ რეკლამაში: „...მეთორმეტე წლის გოგონა და მეშვიდე წლის ბიჭი დაუკრავს კონცერტს კლავესინზე. .. გარდა ამისა, ბიჭი 36 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში საკონცერტო ტური გაგრძელდა სამ წელზე მეტი ხნის განმავლობაში და ვოლფგანგს მრავალი განსხვავებული შთაბეჭდილება მოუტანა. მან მოისმინა უამრავი ინსტრუმენტული და ვოკალური ნაწარმოებები, შეხვდა რამდენიმე გამოჩენილ მუსიკოსს (ლონდონში - იოჰან სებასტიან ბახის უმცროს შვილთან, იოჰან კრისტიანთან). სპექტაკლებს შორის ვოლფგანგი ენთუზიაზმით სწავლობდა კომპოზიციას. პარიზში გამოიცა მისი ოთხი სონატა ვიოლინოსა და კლავესინისთვის, სადაც მითითებულია, რომ ეს იყო შვიდი წლის ბიჭის ნამუშევრები. ლონდონში მან დაწერა თავისი პირველი სიმფონიები. დაბრუნება ზალცბურგში და დარჩენა ვენაში. პირველი ოპერა. 1766 წლის ბოლოს მთელი ოჯახი ზალცბურგში დაბრუნდა. ვოლფგანგმა მამის ხელმძღვანელობით დაიწყო კომპოზიციური ტექნიკის სისტემატური შესწავლა. მოცარტებმა მთელი 1768 წელი გაატარეს ვენაში. თეატრთან დადებული კონტრაქტით, თორმეტი წლის ვოლფგანგმა იტალიელი მოდელების მიყოლებით სამ თვეში დაწერა ოპერის ბუფა "The Imaginary Simpleton". დაიწყო რეპეტიციები, მაგრამ სპექტაკლის გადადება დაიწყო და შემდეგ მთლიანად გაუქმდა (ალბათ შურიანი ადამიანების ინტრიგების გამო). ეს მოხდა მხოლოდ მომდევნო წელს ზალცბურგში. ვენაში ვოლფგანგმა შეასრულა მრავალი სხვა მუსიკა, მათ შორის ხუთი სიმფონია და წარმატებით ჩაატარა თავისი საზეიმო მესა ახალი ეკლესიის კურთხევაზე. მოგზაურობები იტალიაში. 1769 წლის ბოლოდან 1773 წლის დასაწყისამდე ვოლფგანგ ამადეუსმა მამასთან ერთად სამი გრძელი მოგზაურობა გააკეთა იტალიაში. ამ "მუსიკის ქვეყანაში" ახალგაზრდა მოცარტი დიდი წარმატებით ასრულებდა ათზე მეტ ქალაქში, მათ შორის რომში, ნეაპოლში, მილანსა და ფლორენციაში. ის დირიჟორობდა თავის სიმფონიებს, უკრავდა კლავესინზე, ვიოლინოზე და ორღანზე, ამზადებდა სონატებსა და ფუგას მოცემულ თემებზე, არიებს მოცემულ ტექსტებზე, შესანიშნავად უკრავდა რთულ ნაწარმოებებს მხედველობიდან და იმეორებდა მათ სხვა კლავიშებში. ორჯერ ეწვია ბოლონიას, სადაც გარკვეული პერიოდის განმავლობაში გაკვეთილებს ატარებდა ცნობილი მასწავლებლისგან - თეორეტიკოსისა და კომპოზიტორის პადრე მარტინისგან. ბრწყინვალე გამოცდის ჩაბარების შემდეგ (პოლიფონიური კომპოზიციის დაწერა რთული პოლიფონიური ტექნიკის გამოყენებით), თოთხმეტი წლის მოცარტი, განსაკუთრებული გამონაკლისის სახით, აირჩიეს ბოლონიის ფილარმონიის აკადემიის წევრად. წესდების მიხედვით კი მასში მხოლოდ ოცი წლის ასაკს მიღწეულ მუსიკოსებს უშვებდნენ და ამ ავტორიტეტულ დაწესებულებაში წინა გამოცდილება ჰქონდათ. რომში, ვატიკანში (პაპის რეზიდენცია) 29 სიქსტეს კაპელაში, მოცარტმა ერთხელ მოისმინა მე-17 საუკუნის იტალიელი კომპოზიტორის გრეგორიო ალეგრის დიდი მრავალხმიანი სულიერი ნაწარმოები ორი გუნდისთვის. ეს ნამუშევარი პაპის საკუთრებად ითვლებოდა და მისი გადაწერის ან გავრცელების უფლება არ იყო. მაგრამ მოცარტმა ჩაწერა მთელი რთული საგუნდო პარტიტურა მეხსიერებიდან და პაპის გუნდის წევრმა დაადასტურა ჩანაწერის სიზუსტე. იტალიამ, არა მხოლოდ მუსიკის, არამედ სახვითი ხელოვნებისა და არქიტექტურის დიდმა ქვეყანამ, მოცარტს უხვად მისცა მხატვრული შთაბეჭდილებები. მას განსაკუთრებით ხიბლავდა ოპერის თეატრების მონახულება. ახალგაზრდა კაცი იმდენად დაეუფლა იტალიურ საოპერო სტილს, რომ მოკლე დროში დაწერა სამი ოპერა, რომლებიც შემდეგ დიდი წარმატებით დაიდგა მილანში. ეს არის ორი ოპერის სერია - "მითრიდატე, პონტოს მეფე" და "ლუციუს სულა" - და პასტორალური ოპერა მითოლოგიურ ნაკვეთზე "Ascanio in Alba"30. მოგზაურობები ვენაში, მიუნხენში, მანჰეიმში, პარიზში. მიუხედავად მისი ბრწყინვალე შემოქმედებითი და საკონცერტო წარმატებებისა, ვოლფგანგ ამადეუსმა ვერ მიიღო სამსახური იტალიის სახელმწიფოების რომელიმე მმართველის სასამართლოში. ზალცბურგში მომიწია დაბრუნება. აქ გარდაცვლილი მთავარეპისკოპოსის ნაცვლად ახალი, უფრო დესპოტი და უხეში მმართველი მეფობდა. მის სამსახურში მყოფი მამა-შვილი მოცარტებისთვის შვებულება ახალი მოგზაურობისთვის უფრო რთული გახდა. მაგრამ ოპერის სახლი, რომლისთვისაც მოცარტი ცდილობდა დაწერა, არ იყო ხელმისაწვდომი ზალცბურგში და მუსიკალური საქმიანობის სხვა შესაძლებლობები შეზღუდული იყო. ორი მუსიკოსის მოგზაურობა ვენაში მხოლოდ იმიტომ მოხერხდა, რომ თავად ზალცბურგის მთავარეპისკოპოსს სურდა ეწვია ავსტრიის დედაქალაქს. უხალისოდ, მან ასევე მისცა მოცარტებს გამგზავრების ნებართვა; მიუნხენში, სადაც ახალგაზრდა კომპოზიტორის ახალი საოპერო ბუფა დაიდგა. შემდეგი მოგზაურობისთვის კი მხოლოდ ვოლფგანგ ამადეუსმა შეძლო ნებართვის მოპოვება დიდი გაჭირვებით. მამამისი იძულებული გახდა ზალცბურგში დარჩენილიყო, დედა კი შვილის თანხლებით წავიდა. პირველი გრძელი გაჩერება გერმანიის ქალაქ მანჰეიმში მოხდა. აქ ვოლფგანგ ამადეუსს და ანა მარიას საკუთარ სახლში თბილად მიიღეს მაშინდელი ცნობილი სიმფონიური ორკესტრის ერთ-ერთი ლიდერი, მანჰაიმის წინაკლასიკური საკომპოზიციო სკოლის წარმომადგენელი. მანჰეიმში მოცარტი შედგენილია იტალიელი მხატვრების, მათ შორის მიქელანჯელოს მიერ. 30 პონტოს სამეფო უძველესი სახელმწიფოა შავ ზღვაზე, ძირითადად ამჟამინდელი თურქეთის სანაპიროზე („პონტ ევქსინი“, ანუ „სტუმართმოყვარე ზღვა“, ძველი ბერძნული სახელწოდება შავი ზღვისათვის). ლუციუს სულა ძველი ბერძენი სამხედრო და პოლიტიკური მოღვაწეა. პასტორალი (იტალიური სიტყვიდან "pastore" - "მწყემსი") არის ნამუშევარი შეთქმულებით, რომელიც იდეალიზებს ცხოვრებას ბუნების კალთაში. სიქსტეს კაპელა არის პაპების მთავარი ეკლესია ვატიკანში; იგი აშენდა მე-15 საუკუნეში პაპ სიქსტუს IV-ის დროს. სამლოცველოს კედლები და ჭერი მოხატულია დიდი 29 37 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში არაერთი ნამუშევარი, უმთავრესად ინსტრუმენტული, გამოირჩევა უკვე მომწიფებული მუსიკალური სტილით. მაგრამ ვოლფგანგ ამადეუსისთვის მუდმივი ვაკანსია აქაც არ იყო. 1778 წლის გაზაფხულზე მოცარტი და დედამისი პარიზში ჩავიდნენ. თუმცა იქ რეალური აღიარების მოპოვებისა და გამოჩენილი პოზიციის დაკავების იმედი არ გამართლდა. საფრანგეთის დედაქალაქში მათ უკვე დაივიწყეს სასწაული ბავშვი, ეს ერთი შეხედვით ცოცხალი სათამაშო და ვერ იცოდნენ ახალგაზრდა მუსიკოსის აყვავებული ნიჭი. მოცარტს არ გაუმართლა არც კონცერტების მოწყობა და არც ოპერის შეკვეთის მიღება. ის გაკვეთილებიდან მწირი შემოსავლით ცხოვრობდა; თეატრისთვის მას მხოლოდ პატარა ბალეტისთვის "Trinkets" მუსიკის დაწერა შეეძლო. მისი კალმიდან ახალი შესანიშნავი ნამუშევრები წამოვიდა, მაგრამ მათ მაშინ სერიოზული ყურადღება არ მიიპყრო. და ზაფხულში ვოლფგანგ ამადეუსმა მძიმე მწუხარება განიცადა: დედამისი ავად გახდა და გარდაიცვალა. მომდევნო წლის დასაწყისში მოცარტი ზალცბურგში დაბრუნდა. ოპერა "იდომენეო". არქიეპისკოპოსთან დაშორება და ვენაში გადასვლა. მოცარტისთვის მომდევნო რამდენიმე წლის ყველაზე მნიშვნელოვანი მოვლენა იყო ოპერის „იდომენეო, კრეტას მეფე“ შექმნა და წარმოება მიუნხენში, მისი დიდი წარმატება. აქ იტალიური საოპერო სერიის საუკეთესო თვისებები გლუკის საოპერო რეფორმის პრინციპებთან იყო შერწყმული. ამან მოამზადა გზა მოცარტის ბრწყინვალედ ორიგინალური საოპერო შედევრების გაჩენისთვის. ...1781 წელი იყო. მოცარტი 25 წლის გახდა. ის არის სამასი ნახევარი ნაწარმოების ავტორი, სავსე ახალი შემოქმედებითი იდეებით. ხოლო ზალცბურგის მთავარეპისკოპოსისთვის ის მხოლოდ მუსიკალური მსახურია, რომელსაც ამპარტავანი და დესპოტური მფლობელი სულ უფრო მეტად ავიწროებს და ამცირებს, აიძულებს დაჯდეს სახალხო ოთახში მაგიდასთან "მზარეულების ზემოთ, მაგრამ ქვევით" და არა. ნება მიეცით მას სადმე წავიდეს ან სადმე შეასრულოს ნებართვის გარეშე. მოცარტისთვის ეს ყველაფერი აუტანელი გახდა და მან თანამდებობა დატოვა. არქიეპისკოპოსმა ორჯერ თქვა უარი ლანძღვითა და შეურაცხყოფით, ხოლო მისმა ახლო თანამოაზრემ მუსიკოსი კარებში უხეშად გააგდო. მაგრამ მან, რომელმაც განიცადა ფსიქიკური შოკი, მტკიცე დარჩა თავის გადაწყვეტილებაში. მოცარტი გახდა პირველი დიდი კომპოზიტორი, რომელმაც ამაყად დაარღვია სასამართლო მუსიკოსის ფინანსურად უზრუნველყოფილი, მაგრამ დამოკიდებული პოზიცია. ვენა: ბოლო ათწლეული. მოცარტი ვენაში დასახლდა. მხოლოდ ხანდახან ტოვებდა ავსტრიის დედაქალაქს მცირე ხნით, მაგალითად, პრაღაში მისი ოპერის დონ ჯოვანის პირველ სპექტაკლთან დაკავშირებით ან გერმანიაში ორი საკონცერტო მოგზაურობის დროს. 1782 წელს ის დაქორწინდა კონსტანს ვებერზე, რომელიც გამოირჩეოდა მხიარული განწყობითა და მუსიკალურობით. ბავშვები ერთმანეთის მიყოლებით დაიბადნენ (მაგრამ ექვსიდან ოთხი ჩვილი გარდაიცვალა). მოცარტის შემოსავალი საკონცერტო სპექტაკლებიდან, როგორც მისი კლავიური მუსიკის შემსრულებელი, ნაწარმოებების გამოქვეყნებიდან და ოპერების დადგმიდან არარეგულარული იყო. გარდა ამისა, მოცარტმა, როგორც კეთილი, სანდო და არაპრაქტიკული ადამიანი, არ იცოდა ფულის საკითხების გონივრულად მართვა. 1787 წლის ბოლოს დანიშვნამ სასამართლო კამერული მუსიკოსის მწირად ანაზღაურებადი თანამდებობაზე, რომელსაც მხოლოდ საცეკვაო მუსიკის შედგენა ევალებოდა, არ გადაარჩინა იგი ფულის ხშირად გამოცდილ მოთხოვნილებას. ამ ყველაფერთან ერთად, ვენის ათი წლის განმავლობაში, მოცარტმა შექმნა ორასზე მეტი ახალი ნამუშევარი. მათ შორის ბრწყინავდა მისი ყველაზე თვალსაჩინო მხატვრული მიღწევები მრავალ ჟანრში. მოცარტის ქორწინების წელს ვენაში დიდი წარმატებით დაიდგა მისი ცქრიალა სინგფილი "Seraglio-დან გატაცება"; იუმორი31. და ოპერის ბუფა „ფიგაროს ქორწინება“, ორიგინალი; "მხიარული დრამის" ჟანრში "დონ ჟუანი" და ოპერის ზღაპარი "ჯადოსნური ფლეიტა", რომელიც წარმოიშვა ვენის ბოლო წლებში, მუსიკალური თეატრის მიერ მთელ ისტორიაში მიღწეულ უმაღლეს მწვერვალებს შორისაა! მისი ამბავი. მოცარტმა დაწერა თავისი სამი საუკეთესო სიმფონია, რომელიც აღმოჩნდა მისი უკანასკნელი, მათ შორის ჯო მინორი (No. 40) 1788 წლის ზაფხულში. იმავე ათწლეულში გამოჩნდა კომპოზიტორის მრავალი სხვა ინსტრუმენტული ნამუშევარი - ოთხნაწილიანი საორკესტრო "პატარა ღამის სერენადა", მრავალი საფორტეპიანო კონცერტი, სონატა და სხვადასხვა კამერული ანსამბლი. მოცარტმა თავისი სიმებიანი კვარტეტიდან ექვსი მიუძღვნა ჰაიდნს, რომელთანაც თბილი და მეგობრული ურთიერთობა დაამყარა. ამ წლებში მოცარტი დიდი ინტერესით სწავლობდა ბახისა და ჰენდელის შემოქმედებას. მოცარტის უახლესი ნამუშევარია რეკვიემი, დაკრძალვის მესა გუნდის, სოლისტებისა და ორკესტრისთვის32. 1791 წლის ივლისში ის კომპოზიტორს შეუკვეთა ადამიანმა, რომელსაც არ სურდა მისი სახელის დასახელება. ეს იდუმალი ჩანდა და შეიძლება გამოიწვიოს პირქუში წინასწარმეტყველება. მხოლოდ რამდენიმე წლის შემდეგ გაირკვა, რომ შეკვეთა მოვიდა ვენის გრაფისგან, რომელსაც სურდა ეყიდა სხვისი ნამუშევარი და გადაეცა როგორც საკუთარი. მძიმედ ავად გახდა, მოცარტმა ვერ შეძლო რეკვიემის სრულად დასრულება. იგი შესრულებულია კომპოზიტორის ერთ-ერთი მოსწავლის მიერ ნახაზებიდან. არსებობს ამბავი, რომ დიდი მუსიკოსის გარდაცვალების წინა დღეს, რომელიც მოჰყვა 1791 წლის 5 დეკემბრის ღამეს, მეგობრები მასთან ერთად მღეროდნენ დაუმთავრებელი ნაწარმოების ნაწილებს. რეკვიემში სამგლოვიარო კონცეფციის შესაბამისად, მოცარტის მუსიკის შთაგონებულმა ლირიკულმა და დრამატულმა ექსპრესიულობამ განსაკუთრებული ამაღლება და სერიოზულობა შეიძინა. უსახსრობის გამო, მოცარტი დაკრძალეს საერთო საფლავში 31 32 Seraglio - ქალი ნახევარი მდიდარი აღმოსავლელი დიდებულების სახლებში. ლათინური სიტყვა "რეკვიემი" ნიშნავს "დასვენებას". 38 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ცუდია და მისი დაკრძალვის ზუსტი ადგილი უცნობია. კაბაში გრაფინია გამოწყობილი სუზანისთვის. მეუღლის შერცხვენილი ალმავივა იძულებულია აღარ შეუშვას ფიგაროს და სიუზანს ქორწილის აღნიშვნა, რომელიც ხალისიანად და ხალისიანად ამთავრებს ყველანაირი მოულოდნელი მოვლენებით სავსე „გიჟურ დღეს“. ოპერა იწყება უვერტიურათ, რომელმაც დიდი პოპულარობა მოიპოვა და ხშირად სრულდება სიმფონიურ კონცერტებზე.34 ბევრი სხვა უვერტიურასგან განსხვავებით, ეს უვერტიურა არ იყენებს თავად ოპერაში არსებულ თემებს. აქ ნათლად არის გადმოცემული შემდგომი მოქმედების ზოგადი განწყობა, მისი მომხიბლავი სისწრაფე და ელვისებური მხიარულება. უვერტიურა დაწერილია სონატის სახით, მაგრამ განვითარების გარეშე, რომელიც ჩანაცვლებულია მოკლე კავშირით ექსპოზიციასა და რეპრიზს შორის. ამავდროულად, ხუთი თემა აშკარად გამოირჩევა, რომლებიც სწრაფად ცვლიან ერთმანეთს. მათგან პირველი და მეორე ქმნიან ძირითად პარტიას, მესამე და მეოთხე - გვერდით პარტიას, მეხუთე - საბოლოო პარტიას. ისინი ყველა ენერგიულია, მაგრამ ამავე დროს თითოეულს აქვს თავისი განსაკუთრებული ხასიათი. ძირითადი ნაწილის პირველი თემა, რომელსაც ასრულებენ სიმებიანი ინსტრუმენტები და ფაგოტები უნისონში, მოძრაობს სწრაფად, ბოროტი სისწრაფით: კითხვები და ამოცანები 1. რა საერთო აქვს მოცარტის მუსიკას ჰაიდნის მუსიკასთან? რა განსხვავებაა ამ ორი ვენის კლასიკოსის მხატვრულ ინტერესებს შორის? 2. გვიამბეთ ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტის ოჯახსა და ადრეულ ბავშვობაზე. 3. რომელ ქვეყნებსა და ქალაქებში გამოდიოდა მოცარტი პატარა ბიჭის დროს? როგორი იყო ეს სპექტაკლები? 4. რა ასაკში დაწერა მოცარტმა თავისი პირველი საოპერო ბუფა? რა ერქვა და სად იყო დაყენებული? 5. მოგვიყევით ახალგაზრდა მოცარტის იტალიაში მოგზაურობის შესახებ. 6. რომელი ქალაქები ეწვია მოცარტს მოგვიანებით? წარმატებული იყო მისი მოგზაურობა პარიზში? 7. მოგვიყევით მოცარტის გაწყვეტის შესახებ ზალცბურგის არქიეპისკოპოსთან. 8. აღწერეთ მოცარტის ცხოვრებისა და მოღვაწეობის ბოლო ათწლეული. დაასახელეთ ამ პერიოდში მის მიერ შექმნილი ძირითადი ნამუშევრები. ოპერა "ფიგაროს ქორწინება" მოცარტის ოპერის "ფიგაროს ქორწინება" პრემიერა შედგა ვენაში 1786 წელს. პირველი ორი სპექტაკლი თავად კომპოზიტორმა დირიჟორობდა კლავესინზე. წარმატება უზარმაზარი იყო, ბევრი რიცხვი განმეორდა როგორც ბისი. ამ ოპერის ლიბრეტო (სიტყვიერი ტექსტი) ოთხ მოქმედებად დაიწერა იტალიურად ლორენცო და პონტემ, ფრანგი მწერლის ბომარშეის კომედიის მიხედვით „გიჟური დღე, ანუ ფიგაროს ქორწინება“. 1875 წელს პ.ი. ჩაიკოვსკიმ თარგმნა ეს ლიბრეტო რუსულად და მის თარგმანში ოპერა შესრულებულია ჩვენს ქვეყანაში. მოცარტმა ფიგაროს ქორწინებას ოპერის ბუფა უწოდა. მაგრამ ეს არ არის მხოლოდ გასართობი კომედია სასაცილო სიტუაციებით. მთავარი გმირები მუსიკაში გამოსახულია როგორც ცოცხალი ადამიანის პერსონაჟების მრავალფეროვნება. და ბომარშეს პიესის მთავარი იდეა მოცარტთან ახლოს იყო. რადგან ის მდგომარეობს იმაში, რომ გრაფ ალმავივას მსახური ფიგარო და მისი საცოლე, მოახლე სუზანი, უფრო ჭკვიანები და წესიერები აღმოჩნდებიან, ვიდრე მათი ტიტულოვანი ბატონი, რომლის ინტრიგებსაც ისინი ოსტატურად ავლენენ. თავად გრაფმა მოიწონა სიუზანი და ცდილობს გადადოს მისი ქორწილი. მაგრამ ფიგარო და სუსანა ოსტატურად გადალახავენ ყველა დაბრკოლებას, რომელიც წარმოიქმნება და მიიზიდავს გრაფის ცოლს და ახალგაზრდა გვერდს ჩერუბინო 33. ბოლოს ისინი ისე აწყობენ საქმეს, რომ საღამოს ბაღში გრაფმა მიიღოს მეორე, ფანტასტიური სვირი: გვერდის შემდეგ - კეთილშობილური წარმოშობის ბიჭი ან ახალგაზრდობა, რომელიც კეთილშობილი ადამიანის სამსახურში მსახურობს. ძირითადი ნაწილისა და შევსებული ნაწილის დამაკავშირებელი თემა ძირითადად განსხვავდება, შეგახსენებთ, რომ სიტყვა „უვერტიურა“ მომდინარეობს ფრანგული ზმნიდან „ouvrir“, რაც ნიშნავს „გახსნას“, „დაწყებას“. 33 34 39 www.classon.ru bold ბავშვთა განათლება რუსული ხელოვნების სფეროში მასშტაბის მსგავს პასაჟებში, ჩნდება გვერდითი ნაწილის პირველი თემა, რომლის მელოდიას უკრავს ვიოლინოები. თემას აქვს რიტმულად ახირებული, ოდნავ კაპრიზული, მაგრამ დაჟინებული ხასიათი: ვოკალური ნომრები. ამრიგად, პირველი სოლო ნომერი ფიგაროს ნაწილში (ის ევალება ბარიტონს) - პატარა არია (კავატინა) - ჟღერს მაშინვე მას შემდეგ, რაც სიუზანმა აცნობა თავის საქმროს, რომ გრაფმა დაიწყო მისი დევნა თავისი წინსვლებით. ამასთან დაკავშირებით, ფიგარო დამცინავად გუგუნებს მელოდიას მინუეტის მოძრაობაში - გალანტური მაღალი საზოგადოების ცეკვა (კავატინას სამნაწილიანი რეპრიზის ფორმის უკიდურესი მონაკვეთები): გვერდითი ნაწილის მეორე თემა წააგავს გადამწყვეტ ძახილებს: და ბოლო ნაწილის თემა ყველაზე დაბალანსებულია, თითქოს ყველაფერს აგვარებს: რეპრიზში გვერდითი და ბოლო ნაწილები მეორდება რე მაჟორის მთავარ კლავიშში. მათ ახლავს კოდა, რომელიც კიდევ უფრო ხაზს უსვამს უვერტიურის ხალისიან და ცოცხალ ხასიათს. მოცარტის ამ ოპერაში დიდი ადგილი უჭირავს ვოკალურ ანსამბლებს, ძირითადად დუეტებს (ორი პერსონაჟისთვის) და ტერცეტოს (სამი პერსონაჟისთვის). ისინი გამოყოფილია რეჩიტატივებით, რომელსაც თან ახლავს კლავესინი. ხოლო მეორე, მესამე და ბოლო, მეოთხე მოქმედება სრულდება ფინალებით - დიდი ანსამბლები ექვსიდან თერთმეტი პერსონაჟის მონაწილეობით. მოქმედების დინამიურ განვითარებაში სოლოები სხვადასხვანაირად შედის, ხოლო კავატინის შუა მონაკვეთში შეკავებულ მოძრაობას ანაცვლებს ჩქარი, მოხდენილი სამ დარტყმიანი მელოდია ცვლის თავდაჯერებულ ორბატიან მელოდიას. აქ ფიგარო უკვე მტკიცედ გამოხატავს თავის განზრახვას, ნებისმიერ ფასად აღკვეთოს თავისი ოსტატის მზაკვრული გეგმები: 40 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ყველაზე ცნობილი ნომერი ფიგაროს როლში არის მისი არია „ცხელი ბიჭი. , ხვეული, შეყვარებული.” იგი მიმართულია ახალგაზრდა გვერდის ჩერუბინოს. მან შემთხვევით გაიგო, რომ გრაფი ცდილობდა სიუზანისთვის სიყვარულის გამოცხადებას და ასეთ არასასურველ მოწმეს სამხედრო სამსახურში წასვლა უბრძანეს. ფიგარო თავის არიაში მხიარულად და მახვილგონივრულად დასცინის არსებულ ვითარებას, სასამართლო ცხოვრებით განებივრებული ახალგაზრდას მძიმე სამხედრო ცხოვრების სურათებს უხატა. ეს მუსიკაში აისახება ცოცხალი ცეკვის ოსტატური კომბინაციით და "სამხედრო" ფანფარის მოძრაობებით. ეს არის სამჯერ ჟღერადობის რეფრენი რონდოს სახით: მეორე არის სიმღერის ბუნების პატარა არია, „გული აღელვებს ცხელი სისხლით“. ეს არის სათუთი გრძნობების უფრო თავშეკავებული აღიარება, რომელიც გაუბედავად მიმართა თავად გრაფინიას: სიუზანი (სოპრანო) ბევრ ანსამბლში ხასიათდება, როგორც ენერგიული, მოხერხებული და მარაგი, ამით არ ჩამოუვარდება ფიგაროს. ამავდროულად, მისი გამოსახულება დახვეწილად პოეტიზებულია ნათელ, მეოცნებე არიაში მეოთხე აქტიდან. მასში სიუზანი გონებრივად მიმართავს ფიგაროს: რაც შეეხება თავად ჩერუბინოს (მის როლს ასრულებს ქალის დაბალი ხმა - მეცო-სოპრანო), ის ორ არიაშია გამოსახული, როგორც მგზნებარე ახალგაზრდა, რომელიც ჯერ კიდევ ვერ იგებს საკუთარს. გრძნობები, მზად არიან შეიყვარონ ყოველ ნაბიჯზე. ერთ-ერთი მათგანი მხიარული და პატივმოყვარე არია "ვერ გეტყვი, ვერ ავხსნი". მელოდია მასში შერწყმულია რიტმთან, თითქოს წყვეტილი პულსირდება მღელვარებით: 41 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში კითხვები და ამოცანები 1. როდის და სად შედგა მოცარტის ოპერის „ფიგაროს ქორწინების“ პრემიერა? 2. რა კომედიას ეფუძნება მისი ლიბრეტო? 3. რა არის ამ ნაწარმოების მთავარი იდეა? 4. როგორ აგებულია ოპერის უვერტიურა? 5. მოგვიყევით ფიგაროს როლში ორი სოლო ნომრის თავისებურებებზე. 6. რომელი ხმა ენიჭება ჩერუბინის პარტიას? იმღერე მისი არიების მელოდიები. 7. როგორ ხასიათდება სუზანა ანსამბლებში და როგორ არია მეოთხე აქტიდან? მეოთხე ვარიაცია (მარჯვნივ გადაგდებული მარცხენა ხელით), პირიქით, უფრო თამამად იჭრება. მეხუთე ვარიაცია, სადაც ანდანტე გრაციოზოს საწყისი დასვენებული ტემპი ადგილს უთმობს ძალიან ნელ ტემპს - ადაგიო, არის მელოდიური ინსტრუმენტული არია, შეფერილი კოლორატურებით. შემდეგ კი ტემპის ცვლილება სწრაფზე (ალეგრო) შეესაბამება ბოლო, მეექვსე ვარიაციის მხიარულ საცეკვაო ხასიათს. სონატის მეორე ნაწილია Minuet. ჩვეულებისამებრ, იგი აგებულია სამნაწილიანი რეპრიზის სახით, რეპრიზის პირველი ნაწილის მუსიკის ზუსტი გამეორებით. მათ შორის არის შუა ნაწილი (ტრიო) 35. Minuet-ის ყველა ნაწილში მამაკაცური, გადამწყვეტი და იმპერიული ზერელე ინტონაციები შედარებულია ქალურ ინტონაციებთან, ნაზი და გლუვი, მსგავსი ექსპრესიული ლირიკული ძახილებისა და მიმართვების მსგავსი. სონატა მაჟორი კლავიერ მოცარტის საყოველთაოდ ცნობილი სონატა მაჟორი, რომელსაც ჩვეულებრივ უწოდებენ "სონატა თურქული მარშით", არის უჩვეულოდ აგებული ციკლი. აქ პირველი მოძრაობა არ არის სონატა ალეგრო, არამედ ექვსი ვარიაცია მსუბუქი და მშვიდი, უდანაშაულოდ მოხდენილი თემაზე. ეს სიმღერას ჰგავს, რომელიც ვენის მუსიკალურ ცხოვრებაში კარგ, მშვიდ განწყობით შეიძლებოდა ემღერა. მისი ნაზად რხევა რიტმი ჰგავს სიცილიანას მოძრაობას - უძველესი იტალიური ცეკვა ან საცეკვაო სიმღერა: კომპოზიტორმა სონატის მესამე ნაწილს (ფინალი) უწოდა "A11a Turca" - "თურქული სტილით". მოგვიანებით ამ ფინალს სახელი „თურქული მარში“ მიენიჭა. აქ არაფერია საერთო ევროპული ყურისთვის უჩვეულო თურქული ხალხური და პროფესიული მუსიკის ინტონაციურ სტრუქტურასთან. მაგრამ მე -18 საუკუნეში, ევროპულ, ძირითადად თეატრალურ მუსიკაში, გაჩნდა მოდა მსვლელობისთვის, რომელსაც პირობითად უწოდებენ "თურქულს". ისინი იყენებენ "იანიტარის" ორკესტრის ტემბრულ შეღებვას, რომელშიც დომინირებდა ჩასაბერი და დასარტყამი ინსტრუმენტები - დიდი და პატარა დასარტყამი, ციმბალები, სამკუთხედი. იანიჩარებს ეძახდნენ ჯარისკაცები თურქეთის არმიის ქვეით ნაწილებში. მათი მარშის მუსიკა ევროპელებმა აღიქვეს, როგორც ველური, ხმაურიანი და "ბარბაროსული". ვარიაციებს შორის მკვეთრი კონტრასტები არ არის, მაგრამ მათ ყველა განსხვავებული ხასიათი აქვს. პირველ ვარიაციაში ჭარბობს მოხდენილი, ახირებული მელოდიური მოძრაობა, მეორეში მოხდენილი მხიარულება შერწყმულია იუმორისტულ შეხებასთან (აღსანიშნავია მარცხენა ნაწილში „ცელქი“ გრაციოზული ნოტები). მესამე ვარიაცია - ერთადერთი დაწერილი არა მაჟორში, არამედ მინორში - ივსება ოდნავ სევდიანი მელოდიური ფიგურებით, თანაბრად მოძრაობს, თითქოს ნაზი მორცხვობით: ტრიოს ბოლოს არის აღნიშვნა "Minuetto da capo". . იტალიური - "თავიდან", "თავიდან". 35 „Da capo“ თარგმნილია 42-დან www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში ფინალი დაწერილია უჩვეულო ფორმით. ის შეიძლება განისაზღვროს, როგორც სამნაწილიანი სიმღერა გუნდით (ა მაჟორი). გუნდის განმეორებითი გამართვა ფინალის სტრუქტურას რონდოს მახასიათებლებს აძლევს36. პირველი ნაწილი - ადვილად „მოძრავი“ მოტივებით (A minor) - და შუა ნაწილი - მელოდიური გადასასვლელი მოძრაობით (F-sharp minor) - ბუნებრივად აერთიანებს მოხდენილ ცეკვას მკაფიო მსვლელობით: დიდი ხნის განმავლობაში ითვლებოდა, რომ მოცარტმა 1778 წლის ზაფხულში პარიზში შექმნა სონატა A-მაჟორი. მაგრამ შემდეგ მათ აღმოაჩინეს ინფორმაცია, რომ ეს მოხდა რამდენიმე წლის შემდეგ, ვენაში. ასეთი ინფორმაცია მით უფრო სარწმუნოა მას შემდეგ, რაც მოცარტის სინგშპილის "გატაცება სერალიოდან" პრემიერა იქ შედგა 1782 წელს. მასში მოქმედება თურქეთში ვითარდება, ხოლო უვერტიურის მუსიკაში და ორ მარშის გუნდში შესამჩნევია „იანიჩარული“ მუსიკის იმიტაცია. გარდა ამისა, ხმაურიანია; მოცარტმა ნაწარმოების გამოქვეყნებისას მხოლოდ 1784 წელს დაამატა ყალბი „იანიტარის“ კოდი A-მაჟორში სენატების ფინალში. საყურადღებოა ისიც, რომ სონატაში, ისევე როგორც "გატაცება სერალიოდან", დიდი როლი სიმღერისა და მარშის ჟანრებს ეკუთვნის. ამ ყველაფერში გამოიკვეთა კავშირი ინსტრუმენტულ მუსიკასა და მოცარტისთვის ძალიან დამახასიათებელ თეატრალურ მუსიკას შორის. კითხვები და ამოცანები 1. რა არის უჩვეულო ციკლში მოცარტის სონატაში A მაჟორი? ახსენით თემის ბუნება და მასზე არსებული ექვსი ვარიაცია ამ ნაწარმოების პირველ ნაწილში. 2. რა ცეკვის ჟანრია გამოყენებული სონატის მეორე ნაწილში? 3. ახსენით, რატომ ჰქვია სონატის ფინალს მაჟორი „თურქული მარში“. რა არის განსაკუთრებული მის მშენებლობაში? იმღერე მისი მთავარი თემები. 4. მოცარტის რომელ მუსიკალურ და თეატრალურ ნაწარმოებს ეხმიანება მისი „თურქული მარშის“ მუსიკა? სიმფონია გ მინორში დაიწერა ვენაში 1788 წელს, სიმფონია გ მინორში! (No40) დიდი კომპოზიტორის ერთ-ერთი ყველაზე შთაგონებული ნაწარმოებია. სიმფონიის პირველი ნაწილი არის სონატა ალეგრო ძალიან სწრაფი ტემპით. ის იწყება მთავარი ნაწილის თემით, რომელიც მაშინვე იპყრობს როგორც კონფიდენციალური, გულწრფელი ლირიკული აღიარება. მას მღერიან ვიოლინოები სხვა სიმებიანი ინსტრუმენტების ნაზად რხევის თანხლებით. მის მელოდიაში შეიძლება ამოვიცნოთ ისეთივე აღფრთოვანებული რიტმი, როგორც ჩერუბინოს პირველი არიის დასაწყისში ოპერიდან „ფიგაროს ქორწინება“ (იხ. მაგალითი 37). მაგრამ ახლა ეს უფრო "ზრდასრული", სერიოზული და გაბედული ლექსებია: გუნდი (ა მაჟორი) სამჯერ ჟღერს, ის ერთგვარი "იანიჩართა ხმაურის გუნდის" მსგავსია, მარცხენა ნაწილში ისმის იმიტაცია. დრამის როლი: ამასთან დაკავშირებით, "თურქულ მარშს" ზოგჯერ უწოდებენ "რონდოს თურქულ სტილში" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classon.ru ბავშვთა განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში მცირე განვითარება). მაგრამ მასში არ არის კონტრასტები, ყველაფერი ემორჩილება ზოგად ნათელ განწყობას, რომელიც თავიდანვე განისაზღვრება სიმებიანი ინსტრუმენტების მიერ გაჟღერებული ძირითად ნაწილში: პერსონაჟის მამაკაცურობა ძლიერდება დამაკავშირებელ ნაწილში, რომელშიც ძირითადი ნაწილი ვითარდება. არის მოდულაცია პარალელურად ჯი მინორ ბ-ფლატ მაჟორში - გვერდითი ნაწილის ტონალობა. მისი თემა მთავარ თემასთან შედარებით უფრო მსუბუქი, მოხდენილი და ქალურია. იგი შეფერილია ქრომატული ინტონაციებით, აგრეთვე სიმებიანი და ხის საკრავის ტემბრების მონაცვლეობით: მეშვიდე ზომით აქ ჩნდება მსუბუქად „მოძრავი“ ფიგურა ორი ოცდათორმეტი მეორე ნოტისგან. შემდგომში, ის ან შეაღწევს ყველა თემის მელოდიურ ხაზებს, ან თითქოს მათ გარშემო ახვევს და ჩნდება სხვადასხვა ინსტრუმენტების სხვადასხვა რეესტრში. ეს არის მშვიდობიანი ბუნების ხმების გამოძახილი. მხოლოდ ხანდახან ოდნავ შეშფოთებულები ისმის ან ახლოდან ან შორიდან. დამკვიდრებული ტრადიციის თანახმად, სიმფონიის მესამე ნაწილი არის Minuet. მაგრამ მასში აშკარად ტრადიციულია მხოლოდ შუა ნაწილი - ტრიო. თავისი გლუვი მოძრაობით, ხმების მელოდიურობითა და G მაჟორი კლავიშით, ტრიო აყალიბებს ამ მინუეტის G მინორ მთავარ, ექსტრემალურ მონაკვეთებს, რაც ზოგადად უჩვეულოა მისი ლირიკული და დრამატული დაძაბულობით. როგორც ჩანს, ანდანტეში განსახიერებული ბუნების მშვიდი ჭვრეტის შემდეგ, ახლა მოგვიწია დაბრუნება სულიერი შფოთისა და არეულობის სამყაროში, რომელიც დომინირებდა სიმფონიის პირველ ნაწილში. ეს შეესაბამება სიმფონიის მთავარი ტონალობის დაბრუნებას - ს მინორი: ენერგიის ახალი მოზღვავება ხდება ბოლო ნაწილში. აქ წამყვანი როლი ეკუთვნის მთავარი ნაწილის თემის პირველი - სამხმიანი მოტივის განმეორებით და დაჟინებულ განვითარებას. საკმაოდ უცნაური განვითარების დაწყებისთანავე ღრუბლები თითქოს საგანგაშოდ იკრიბებიან. კაშკაშა ბ-ბრტყელი მაჟორიდან მკვეთრი შემობრუნება ხდება F-sharp minor-ის პირქუშ, შორეულ გასაღებში. ძირითადი ნაწილის თემა მკვეთრად ვითარდება განვითარებაში. იგი გადის მთელ რიგ ტონალობებში, იყოფა ცალკეულ ფრაზებად და მოტივებად და ხშირად მათ ბაძავს ორკესტრის სხვადასხვა ხმებში. ამ თემის პირველი მოტივი ძალიან ინტენსიურად პულსირებს. მაგრამ საბოლოოდ მისი პულსაცია სუსტდება, თრგუნავს მის შიშს და ხდება განმეორება. თუმცა განვითარებაში მიღწეული მაღალი დრამატული ინტენსივობის გავლენა პირველი ნაწილის ამ მონაკვეთშიც იგრძნობა. აქ შემაერთებელი ნაწილის სიგრძე მნიშვნელოვნად იზრდება, ეს იწვევს გვერდითი და ბოლო ნაწილების არა მაჟორში, არამედ ჯი მინორის მთავარ კლავიშში წარმოჩენას, რაც მათ ჟღერადობას უფრო დრამატულს ხდის. სიმფონიის მეორე ნაწილი არის ანდანტე ელ მაჟორი. იგი უპირისპირდება ლირიკულ-დრამატულ პირველ ნაწილს თავისი რბილი და ნაზი სიმშვიდით. ანდანტეს ფორმა ასევე სონატაა (სიმფონიის მეოთხე ნაწილის - ფინალის მთავარი გასაღებია ჯი მინორი, რომელიც ძალიან სწრაფი ტემპით მიმდინარეობს. ფინალი დაწერილია სონატის სახით. წამყვანი თემა სიმფონიის ამ ნაწილში. მთავარი ნაწილის თემაა.პირველი ნაწილის მთავარი ნაწილის თემასთან ერთად ის ყველაზე ნათელ მოცარტის ინსტრუმენტულ თემებს მიეკუთვნება. მაგრამ თუ თემა პირველ ნაწილში ჟღერს როგორც ნაზი და პატივმოყვარე ლირიკული აღიარება, მაშინ ფინალის თემა არის მგზნებარე ლირიკულ-დრამატული მიმართვა, სავსე გამბედაობით და ჩვენ გადავწყვეტთ 44 www.classon.ru ბავშვების განათლება ხელოვნება რუსეთში 2. მოგვიყევით სიმფონიის პირველი ნაწილის მთავარ თემებზე და მათ განვითარებაზე. 3. როგორია მუსიკის ბუნება სიმფონიის მეორე და მესამე ნაწილებში? 4. რომელია წამყვანი თემა სიმფონიის ფინალში? რით განსხვავდება მისი პერსონაჟი პირველი ნაწილის მთავარი ნაწილის თემის პერსონაჟისგან? 5. როგორ არის სტრუქტურირებული ფინალის მთავარი თამაშის თემა? რას ეფუძნება განვითარება? მთავარი ნაწარმოებები ეს ცეცხლოვანი მოწოდება იქმნება მელოდიის სწრაფი აწევით აკორდების ბგერების გასწვრივ; მის იმპულსს, როგორც ჩანს, ენერგიული მელოდიური ფიგურები პასუხობენ ერთი ბგერის გარშემო. როგორც სიმფონიის პირველ ნაწილში, ფინალის გვერდითი ნაწილის მოხდენილი თემა განსაკუთრებით ნათლად ჟღერს გამოფენაზე, როდესაც ის შესრულებულია B-flat მაჟორით: 19 ოპერა რეკვიემი დაახლოებით 50 სიმფონია 27 კონცერტი კლავერისთვის და ორკესტრი 5 კონცერტი ვიოლინოსა და ორკესტრის კონცერტები ორკესტრის თანხლებით ფლეიტებით, კლარნეტით, ფაგოტით, საყვირით, ფლეიტისა და არფის სიმებიანი კვარტეტები (20-ზე მეტი) და კვინტეტები სონატები კლავიერისთვის, ვიოლინოსა და კლავერისთვის ვარიაციები, ფანტაზიები, რონდოები, მინუეტები კლავიერისთვის ეფუძნება ბოლო ნაწილს. ძირითადი ნაწილის თემის მეორე ელემენტი. ფინალის შემუშავებისას განსაკუთრებით ინტენსიურად ვითარდება ძირითადი ნაწილის თემის პირველი, გამომწვევი ელემენტი. მაღალი დრამატული დაძაბულობა მიიღწევა ჰარმონიული და პოლიფონიური განვითარების ტექნიკის კონცენტრაციით - მრავალ კლავიშში ჩატარება და ზარის იმიტაცია. რეპრიზში გვერდითი ნაწილის გატარება ჯი მინორის მთავარ გასაღებში ოდნავ დაჩრდილულია სევდით. ხოლო ძირითადი ნაწილის თემის მეორე ელემენტი (დადებითი, ენერგიული ფიგურები), როგორც ექსპოზიციაში, ჟღერს რეპრიზის ბოლო ნაწილის საფუძველში. შედეგად, ფინალი ამ ბრწყინვალე მაზარტულ შემოქმედებაში ქმნის მთელი სონატა-სიმფონიური ციკლის კაშკაშა ლირიკულ-დრამატულ მწვერვალს, რომელიც უპრეცედენტოა ბოლომდე ფიგურალური განვითარების მიზანმიმართულობით. ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი 1770-1827 დიდი გერმანელი კომპოზიტორი ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი არის ყველაზე ახალგაზრდა სამი ბრწყინვალე მუსიკოსიდან, რომლებსაც ვენის კლასიკოსები უწოდებენ. ბეთჰოვენს ჰქონდა შესაძლებლობა ეცხოვრა და ექმნა მე-17 და მე-19 საუკუნეების მიჯნაზე, უზარმაზარი სოციალური ცვლილებებისა და აჯანყებების ეპოქაში. მისი ახალგაზრდობა დაემთხვა დროს, კითხვები და ამოცანები 1. როდის და სად შექმნა მოცარტმა 40-ე სიმფონია გ მინორში? 45 www.classon.ru ბავშვთა განათლება ხელოვნების სფეროში რუსეთში

(შეფასებები: 3 , საშუალო: 3,67 5-დან)

სათაური: უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა

I.A. პროხოროვის წიგნის "უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა".

ი.პროხოროვას მიერ შედგენილი სახელმძღვანელო სახელწოდებით „უცხოეთის ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა“ განკუთვნილია დამოუკიდებელი შესწავლისთვის. ეს ხსნის მასალის პრეზენტაციის ლაკონურობას და ხელმისაწვდომობას.

წიგნი „უცხოეთის ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა“ სტუდენტებს გააცნობს ცნობილი კომპოზიტორების მოკლე ბიოგრაფიებს და საუკეთესო ნაწარმოებებს. ბავშვებს შეეძლებათ გაეცნონ ისეთი გენიოსების ცხოვრებასა და მოღვაწეობას, როგორიცაა ი. ბახი, ჯ.ჰაიდნი, W.A. მოცარტი, ლ.ბეთჰოვენი, ფ.შუბერტი და ფ.შოპენი. ი.პროხოროვამ არც ისე დაწვრილებით აღწერა ნიჭიერი კომპოზიტორების ისტორიები, სახელმძღვანელოში ნახავთ ცხოვრების ძირითად თარიღებს, წარმომავლობას, წოდებებს და წოდებებს, საქმიანობის სფეროს, პირობებს, რამაც გავლენა მოახდინა პროფესიის არჩევაზე. წიგნი მოგვითხრობს მუსიკოსების ცხოვრებისა და მოღვაწეობის ძირითად ეტაპებზე, მათ სოციალურ-პოლიტიკურ შეხედულებებზე.

პუბლიკაცია „უცხოეთის ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა“ განკუთვნილია მუსიკალური სკოლების სტუდენტებისთვის, თუმცა ყველა, ვინც მიკერძოებულია კლასიკური ნაწარმოებების მიმართ, ამ წიგნში თავისთვის საინტერესოს იპოვის. ი.პროხოროვის ტექსტი გამდიდრდა ზოგიერთი მუსიკალური და ექსტრამუსიკალური კონცეფციის განმარტებით, რაც მას ნაკლებად აკადემიურს ხდის. მუსიკოსების ცხოვრების ამსახველი ნაწილი წარმოდგენილია იმ პერიოდის ევროპის ქვეყნების ისტორიულ-კულტურული ცხოვრების კონტექსტში. ეს აძლევს სტუდენტებს შესაძლებლობას მიიღონ უფრო ღრმა და ფართო გაგება იმ პირობების შესახებ, რომლებშიც ცხოვრობდნენ და მოღვაწეობდნენ ლეგენდარული კომპოზიტორები.

ვინაიდან წიგნი „საზღვაო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა“ განკუთვნილია სახლის კითხვისთვის, მასში არსებული ყველა სიმფონიური ნაწარმოები წარმოდგენილია ოთხი ხელის არანჟირებით. აღსანიშნავია, რომ დასაწყისში მოთავსებულია სიუჟეტი ბახის შემოქმედების შესახებ, რომელიც პროგრამის მიხედვით, წლის ბოლოს არის შესწავლილი. ავტორმა ეს ნაბიჯი გადადგა პრეზენტაციის ქრონოლოგიის შესანარჩუნებლად.

ამ წიგნის შემდგენელი დარწმუნებულია, რომ სახელმძღვანელოს რეგულარული გამოყენება მოსწავლეებს გაუღვიძებს პოპულარული და სამეცნიერო მუსიკალური ლიტერატურის დამოუკიდებელი გაცნობის გემოვნებას. გარდა ამისა, ბავშვებს საშუალება ექნებათ განუვითარონ და გააძლიერონ მუსიკალური ნაწარმოებების მხედველობითი კითხვის უნარები, ასევე შეეგუებიან ოთხი ხელის თამაშს.
ცნობილი ნაწარმოებების დამოუკიდებელი შესწავლა საშუალებას მოგცემთ შეასრულოთ ისინი გაკვეთილების დროს, სხვა ბავშვების თანდასწრებით, რაც ააქტიურებს კოლექტიურ გაკვეთილებს და მნიშვნელოვნად გააუმჯობესებს კლასიკური მუსიკის აღქმას.

ჩვენს ვებ-გვერდზე lifeinbooks.net წიგნების შესახებ შეგიძლიათ უფასოდ ჩამოტვირთოთ რეგისტრაციის გარეშე ან წაიკითხოთ ონლაინ ი. ა. პროხოროვის წიგნი "უცხოეთის ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურა" epub, fb2, txt, rtf, pdf ფორმატებში iPad, iPhone, Android და Kindle. წიგნი მოგანიჭებთ უამრავ სასიამოვნო მომენტს და რეალურ სიამოვნებას კითხვით. სრული ვერსია შეგიძლიათ შეიძინოთ ჩვენი პარტნიორისგან. ასევე, აქ ნახავთ უახლეს ამბებს ლიტერატურული სამყაროდან, შეიტყობთ თქვენი საყვარელი ავტორების ბიოგრაფიას. დამწყები მწერლებისთვის არის ცალკე განყოფილება სასარგებლო რჩევებითა და ხრიკებით, საინტერესო სტატიებით, რომლის წყალობითაც თქვენ თავად შეგიძლიათ სცადოთ ხელი ლიტერატურულ ხელნაკეთობებში.

უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურის ძირითადი ნოტები წარმოადგენს მუსიკალური ლიტერატურის არსებულ სახელმძღვანელოებს. სახელმძღვანელოს შინაარსი შეესაბამება საგნის PO.02.UP.03 სასწავლო გეგმას. კულტურის სამინისტროს მიერ რეკომენდებული დამატებითი წინასწარი ზოგადსაგანმანათლებლო პროგრამების „მუსიკალური ლიტერატურა“ მუსიკალური ხელოვნების დარგში „ფორტეპიანო“, „სიმებიანი ინსტრუმენტები“, „ჩასაბერი და დასარტყამი ინსტრუმენტები“, „ხალხური საკრავები“, „საგუნდო სიმღერა“. რუსეთის ფედერაციის.

მუსიკალური ლიტერატურის ძირითადი ნოტები შექმნილია სტუდენტების ჰუმანიტარული განათლებისა და სპეციალური კომპეტენციების გასავითარებლად, კერძოდ: „... ჩამოაყალიბოს მუსიკალური აზროვნება, მუსიკალური ნაწარმოებების აღქმისა და ანალიზის უნარები, შეიძინოს ცოდნა მუსიკალური ფორმის კანონების, მუსიკალური ენის სპეციფიკის, მუსიკის გამომხატველი საშუალებების შესახებ“ 1 .

სახელმძღვანელოში კომპოზიტორთა შემოქმედება წარმოდგენილია კულტურულ-ისტორიული ეპოქის კონტექსტში და შესწავლილია ისტორიულ მოვლენებთან და მასთან დაკავშირებულ ხელოვნებასთან მჭიდრო კავშირში. ნოტების მასალა წარმოადგენს მუსიკისა და მუსიკალური ლიტერატურის ისტორიის კვლევის ძირითად თეზისებს ვ. ცხრილების, დიაგრამების და ვიზუალური საყრდენების. ვიზუალური საყრდენები (ცნობილი მხატვრების ნახატების რეპროდუქციები, კომპოზიტორების პორტრეტები, მათი ნათესავები და მეგობრები, გამოჩენილი კულტურული და ხელოვნების მოღვაწეები, ისტორიული მოღვაწეები და ა. , პირდაპირ კავშირშია მუსიკის ეპოქებთან და ტენდენციებთან, კომპოზიტორთა შემოქმედებასთან, ასახავს ევროპის ქვეყნების ისტორიას, კულტურას და ხელოვნებას.

დამხმარე ნოტების შინაარსი შედგება ოთხი ნაწილისაგან, რომლებიც, თავის მხრივ, იყოფა თემებად, რომლებიც მოიცავს ევროპული მუსიკის განვითარების პერიოდებს ძველი საბერძნეთის მუსიკალური კულტურიდან მე-19 საუკუნის რომანტიული კომპოზიტორების შემოქმედებამდე. ასე რომ, პირველი ნაწილი განიხილავს ძველი საბერძნეთის, შუა საუკუნეების და რენესანსის მუსიკალურ კულტურას. მეორე ნაწილი იკვლევს ბაროკოს ეპოქას, ჯ.ს.ბახისა და გ.ფ.ჰენდელის შემოქმედებას. მესამე ნაწილი ეძღვნება კლასიციზმის ეპოქას, სადაც აქცენტი კეთდება ვენის კლასიკოსების - ჯ.ჰაიდნის, ვ.ა. მოცარტისა და ლ.ბეთჰოვენის შემოქმედებაზე. მეოთხე განყოფილებაში წარმოდგენილია მასალები რომანტიზმის ეპოქაზე, ფ.შუბერტისა და ფ.შოპენის შემოქმედებაზე და მოკლე მიმოხილვაა მე-19 საუკუნის რომანტიკული კომპოზიტორების ფ.მენდელსონის, ფ.ლისტის, რ.შუმანის, გ. ბერლიოზი, დ.ვერდი, რ.ვაგნერი, ი.ბრამსი, ჯ.ბიზე.

სახელმძღვანელო ასევე შეიცავს ტექსტში ნაპოვნი მნიშვნელობების, ტერმინებისა და ცნებების ლექსიკონებს, შესწავლილი ნაწარმოებების მოკლე ანალიზს და მუსიკალურ მაგალითებს.

ცხრილებსა და დიაგრამებში მასალის მკაცრ წარმოდგენის პარალელურად, სახელმძღვანელო შეიცავს საინტერესო ფაქტებს კომპოზიტორთა ცხოვრებიდან, წარმოდგენილი ნარატივის სახით და თან ახლავს ფერადი მხატვრული ილუსტრაციები, რაც აახლებს ბავშვების აღქმასა და ყურადღებას.

უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურის ძირითადი ნოტები განკუთვნილია საბავშვო სამხატვრო სკოლების სტუდენტებისთვის, სწავლის მეორე და მესამე წლის ბავშვთა მუსიკალური სკოლებისთვის (მე-5 და მე-6 კლასები), სწავლობენ მუსიკალური ხელოვნების დარგში დამატებით წინასწარ პროფესიულ ზოგადსაგანმანათლებლო პროგრამებში. . საბავშვო მუსიკალური სკოლებისა და საბავშვო სამხატვრო სკოლების მუსიკალურ-თეორიული და სპეციალური დისციპლინების მასწავლებლებს შეუძლიათ გამოიყენონ სახელმძღვანელო ახალი მასალის შესწავლისას, გაშუქებული თემების გამეორებისა და სისტემატიზაციისას, სტუდენტების შუალედური და საბოლოო სერტიფიცირებისთვის მომზადებისას, მუსიკალურ-თეორიული ოლიმპიადებისთვის მომზადებისას, დამოუკიდებელი მუშაობისას. სტუდენტების, ჯგუფური და ინდივიდუალური სწავლება, ნაწილობრივ დამატებითი ზოგადი განვითარების პროგრამების განხორციელებისას მუსიკალური ხელოვნების სფერო, კულტურულ-საგანმანათლებლო საქმიანობაში.

დამხმარე ჩანაწერებს ახლავს სამუშაო რვეული, რომელიც განკუთვნილია საკლასო გაკვეთილებზე გამოსაყენებლად.

ქვემოთ მოცემულია სახელმძღვანელოს ფრაგმენტები „უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურის ძირითადი ნოტები“.

ტატიანა გურიევნა საველიევას სახელმძღვანელოს "ძირითადი ნოტები უცხო ქვეყნების მუსიკალური ლიტერატურის შესახებ" შეძენასთან დაკავშირებით, გთხოვთ დაუკავშირდეთ ავტორს მისამართზე: [ელფოსტა დაცულია]

_____________________________________________

1 სასწავლო საგნის ნიმუშის პროგრამა PO.02. UP.03. მუსიკალური ლიტერატურა. - მოსკოვი 2012 წ

______________________________________________________