ცნობილი მხატვრების ნატურმორტი რენესანსის ზეთებში. ყვავილების მოწყობა რენესანსში

ნატურმორტი ფერწერაში არის სტატიკური უსულო საგნების გამოსახულება, რომლებიც გაერთიანებულია ერთ ანსამბლში. ნატურმორტი შეიძლება წარმოდგენილი იყოს როგორც დამოუკიდებელი ნახატი, მაგრამ ზოგჯერ ის ხდება ჟანრული სცენის ან მთელი ნახატის კომპოზიციის ნაწილი.

რა არის ნატურმორტი?

ასეთი მხატვრობა გამოიხატება ადამიანის სუბიექტურ დამოკიდებულებაში სამყაროსადმი. ეს გვიჩვენებს ოსტატის თანდაყოლილ გაგებას სილამაზის შესახებ, რომელიც ხდება სოციალური ფასეულობების განსახიერება და იმდროინდელი ესთეტიკური იდეალი. მხატვრობაში ნატურმორტი თანდათან გარდაიქმნა ცალკეულ მნიშვნელოვან ჟანრად. ამ პროცესს ასობით წელი დასჭირდა და მხატვრების ყოველი ახალი თაობა ტილოებსა და ფერებს ეპოქის ტენდენციების მიხედვით ესმოდა.

ნატურმორტის როლი ნახატის კომპოზიციაში არასოდეს შემოიფარგლება მარტივი ინფორმაციით, ძირითადი შინაარსის შემთხვევითი დანამატით. ისტორიული პირობებიდან და სოციალური მოთხოვნებიდან გამომდინარე, ობიექტებს შეუძლიათ მეტ-ნაკლებად აქტიური მონაწილეობა მიიღონ კომპოზიციის ან ინდივიდუალური გამოსახულების შექმნაში, ამა თუ იმ მიზნის დაფარვისას. მხატვრობაში ნატურმორტი, როგორც დამოუკიდებელი ჟანრი, შექმნილია იმისთვის, რომ საიმედოდ გადმოსცეს საგნების სილამაზე, რაც ყოველდღიურად აკრავს ადამიანს.

ზოგჯერ ცალკეული დეტალი ან ელემენტი მოულოდნელად იძენს ღრმა მნიშვნელობას, იღებს საკუთარ მნიშვნელობას და ბგერას.

ამბავი

როგორც ძველ და პატივცემულ ჟანრს, ნატურმორტის მხატვრობამ თავისი აღმავლობა და ვარდნა იხილა. სასტიკი, ასკეტური და მინიმალისტური დაეხმარა უკვდავი, მონუმენტური, განზოგადებული, ამაღლებული გმირული სურათების შექმნას. მოქანდაკეები სიამოვნებით ასახავდნენ ცალკეულ საგნებს არაჩვეულებრივი ექსპრესიულობით. მხატვრობაში ნატურმორტის სახეები და ყველა სახის კლასიფიკაცია წარმოიშვა ხელოვნების კრიტიკის ფორმირების დროს, თუმცა ტილოები არსებობდა პირველი სახელმძღვანელოს დაწერამდე დიდი ხნით ადრე.

იკონოგრაფიული ტრადიციები და ნატურმორტი

ძველ რუსულ ხატწერაში დიდი როლი ითამაშა იმ რამდენიმე ნივთმა, რაც მხატვარმა გაბედა კანონიკური ნაწარმოებების მკაცრ ლაკონიზმში შემოტანა. ისინი ხელს უწყობენ ყველაფრის უშუალო გამოვლენას და აჩვენებენ გრძნობების გამოხატვას აბსტრაქტულ ან მითოლოგიურ საგანში მიძღვნილ ნაწარმოებში.

მხატვრობაში ნატურმორტის სახეები არსებობს ხატწერისგან განცალკევებით, თუმცა მკაცრი კანონი არ კრძალავს ჟანრში თანდაყოლილი ზოგიერთი საგნის გამოსახვას.

რენესანსის ნატურმორტი

თუმცა, მე-15-მე-16 საუკუნეების ნამუშევრები დიდ როლს თამაშობენ რენესანსის დროს. მხატვარმა პირველად მიიპყრო ყურადღება მის გარშემო არსებულ სამყაროზე და ცდილობდა დაედგინა თითოეული ელემენტის მნიშვნელობა კაცობრიობის სამსახურში.

თანამედროვე მხატვრობა და ნატურმორტი, როგორც პოპულარული და საყვარელი ჟანრი, წარმოიშვა ტრიცენტოს პერიოდში. ყოველდღიურმა ობიექტებმა შეიძინეს გარკვეული კეთილშობილება და მფლობელის მნიშვნელობა, რომელსაც ემსახურებოდნენ. დიდ ტილოებზე ნატურმორტი, როგორც წესი, გამოიყურება ძალიან მოკრძალებული და ფრთხილი - წყლის შუშის ქილა, ვერცხლი ელეგანტურ ვაზაში ან დელიკატური შროშანები თხელ ღეროებზე, რომლებიც ხშირად ჩაყრიან სურათის ბნელ კუთხეში, როგორც ღარიბი და მივიწყებული ნათესავები. .

მიუხედავად ამისა, იმდენი სიყვარული იყო ლამაზი და ახლო საგნების პოეტური ფორმით გამოსახულებაში, რომ თანამედროვე მხატვრობა, ნატურმორტი და მასში მისი როლი უკვე მორცხვად ჩანდა პეიზაჟების უფსკრულიდან და ჟანრული სცენების მძიმე ფარდებით.

გადამწყვეტი მომენტი

საგნებმა ნახატებში რეალური ელემენტი და ახალი მნიშვნელობა შეიძინეს მე-17 საუკუნეში - ეპოქაში, როდესაც გავრცელებული და დომინანტი იყო ნატურმორტი ყვავილებით. ამ სახის ნახატებმა უამრავი გულშემატკივარი მოიპოვა თავადაზნაურობასა და სასულიერო პირებში. გამოხატული ლიტერატურული სიუჟეტის მქონე რთულ კომპოზიციებში მთავარ გმირებთან ერთად ადგილი დაიკავა სცენებმა. ეპოქის ნაწარმოებების გაანალიზებისას ადვილად შესამჩნევია, რომ ნატურმორტის მნიშვნელოვანი როლი ანალოგიურად გამოიხატა ლიტერატურაში, თეატრსა და ქანდაკებაში. ამ ნაწარმოებებში საგნებმა დაიწყეს "მოქმედება" და "ცხოვრება" - ისინი აჩვენეს, როგორც მთავარი გმირები, რომლებიც აჩვენებდნენ ობიექტების საუკეთესო და ყველაზე ხელსაყრელ ასპექტებს.

შრომისმოყვარე და ნიჭიერი ხელოსნების მიერ შესრულებული ხელოვნების საგნები ატარებს კონკრეტული ადამიანის აზრების, სურვილებისა და მიდრეკილებების პირად ანაბეჭდს. მხატვრობა, ყველა ფსიქოლოგიურ ტესტზე უკეთესი, ხელს უწყობს ფსიქო-ემოციური მდგომარეობის თვალყურის დევნებას და შინაგანი ჰარმონიისა და მთლიანობის მიღწევას.

ნივთები ერთგულად ემსახურება ადამიანს, იღებს მის სიამოვნებას ყოველდღიური საგნებით და შთააგონებს მათ მფლობელებს შეიძინონ ახალი ლამაზი, ელეგანტური წვრილმანები.

ფლამანდური რენესანსი

ხალხმა მაშინვე არ მიიღო გუაში მხატვრობა და ნატურმორტი, როგორც ჟანრი. სხვადასხვა იდეებისა და პრინციპების გაჩენის, განვითარებისა და ფართოდ განხორციელების ისტორია აზროვნების მუდმივი განვითარების შეხსენებას ემსახურება. ნატურმორტი ცნობილი და მოდური გახდა მე-17 საუკუნის შუა ხანებში. ჟანრი დაიწყო ნიდერლანდებში, კაშკაშა და სადღესასწაულო ფლანდრიაში, სადაც ბუნება თავად იწვევს სილამაზეს და გართობას.

გუაშის მხატვრობა და ნატურმორტი აყვავდა უზარმაზარი ცვლილებების, პოლიტიკური, სოციალური და რელიგიური ინსტიტუტების სრული ცვლილების დროს.

ფლანდრიის მიმდინარეობა

ფლანდრიის განვითარების ბურჟუაზიული მიმართულება გახდა სიახლე და პროგრესი მთელი ევროპისთვის. პოლიტიკურ ცხოვრებაში ცვლილებებმა განაპირობა მსგავსი სიახლეები კულტურაში - ჰორიზონტები, რომლებიც ხელოვანებისთვის იხსნებოდა, აღარ იყო შეზღუდული რელიგიური აკრძალვებით და არ იყო მხარდაჭერილი შესაბამისი ტრადიციებით.

ნატურმორტი გახდა ახალი ხელოვნების ფლაგმანი, რომელიც ადიდებდა ყველაფერს ბუნებრივ, ნათელ და ლამაზს. კათოლიციზმის მკაცრმა კანონებმა აღარ შეზღუდა მხატვრების წარმოსახვისა და ცნობისმოყვარეობის ფრენა და ამიტომ, ხელოვნებასთან ერთად, მეცნიერებამ და ტექნოლოგიამ განვითარება დაიწყო.

ჩვეულებრივი ყოველდღიური ნივთები და საგნები, რომლებიც ადრე ითვლებოდა საფუძვლად და უღირსი აღნიშვნის ღირსი იყო, მოულოდნელად ავიდა ახლო შესწავლის საგნების დონეზე. დეკორატიული მხატვრობა, ნატურმორტი და პეიზაჟები ცხოვრების ნამდვილ სარკედ იქცა - ყოველდღიური რუტინა, დიეტა, კულტურა, იდეები სილამაზის შესახებ.

ჟანრის თვისებები

სწორედ აქედან, გარემომცველი სამყაროს შეგნებული, სიღრმისეული შესწავლის შედეგად განვითარდა ყოველდღიური მხატვრობის, პეიზაჟისა და ნატურმორტის ცალკეული ჟანრი.

ხელოვნებამ, რომელმაც გარკვეული კანონები შეიძინა მე-17 საუკუნეში, განსაზღვრა ჟანრის მთავარი ხარისხი. საგნების სამყაროსადმი მიძღვნილი ნახატი აღწერს პიროვნების გარშემო მყოფი საგნების თანდაყოლილ ძირითად თვისებებს, გვიჩვენებს ოსტატისა და მისი ჰიპოთეტური თანამედროვეობის დამოკიდებულებას ნაჩვენების მიმართ, გამოხატავს რეალობის შესახებ ცოდნის ბუნებას და სისრულეს. მხატვარი აუცილებლად გადმოსცემდა ნივთების მატერიალურ არსებობას, მათ მოცულობას, წონას, ტექსტურებს, ფერებს, საყოფაცხოვრებო ნივთების ფუნქციურ დანიშნულებას და მათ სასიცოცხლო კავშირს ადამიანის საქმიანობასთან.

ნატურმორტის ამოცანები და პრობლემები

დეკორატიული ფერწერა, ნატურმორტი და ყოველდღიური სცენები შთანთქავს ეპოქის ახალ ტენდენციებს - გადახვევა კანონებიდან და ამავე დროს გამოსახულების კონსერვატიული ნატურალიზმის შენარჩუნება.

რევოლუციური ეპოქის ნატურმორტი ბურჟუაზიის სრული გამარჯვების დროს ასახავს მხატვრის პატივისცემას მისი თანამემამულეების ეროვნული ცხოვრების ახალი ფორმებისადმი, უბრალო ხელოსნების მუშაობის პატივისცემასა და სილამაზის მშვენიერი გამოსახულებების აღფრთოვანებას.

მე-17 საუკუნეში ჩამოყალიბებული მთლიანად ჟანრის პრობლემები და ამოცანები ევროპულ სკოლებში მე-19 საუკუნის შუა ხანებამდე არ განიხილებოდა. იმავდროულად, მხატვრები მუდმივად აყენებდნენ საკუთარ თავს ახალ და ახალ ამოცანებს და არ აგრძელებდნენ მზა კომპოზიციური გადაწყვეტილებების და ფერადი სქემების მექანიკურ რეპროდუცირებას.

თანამედროვე ტილოები

მხატვრობისთვის ნატურმორტების ფოტოები, მომზადებული თანამედროვე სტუდიებში, ნათლად აჩვენებს განსხვავებას თანამედროვესა და შუა საუკუნეების ადამიანის მიერ სამყაროს აღქმას შორის. ობიექტების დინამიკა დღეს ყოველგვარ წარმოდგენას საზღვრებს აღემატება და ობიექტების სტატიკური ბუნება იმ დროისთვის ნორმა იყო. მე-17 საუკუნის ფერთა კომბინაციები გამოირჩევა სიკაშკაშით და ფერის სისუფთავით. მდიდარი ჩრდილები ჰარმონიულად ჯდება კომპოზიციაში და ხაზს უსვამს მხატვრის ზრახვებსა და იდეებს. რაიმე კანონის არარსებობამ საუკეთესო გავლენა არ მოახდინა მე-20 და 21-ე საუკუნეების ნატურმორტებზე, რომლებიც ზოგჯერ აოცებენ ფანტაზიას თავიანთი სიმახინჯვით ან მიზანმიმართული ჭრელობით.

ნატურმორტის პრობლემების გადაჭრის მეთოდები სწრაფად იცვლება ყოველ ათწლეულში; მეთოდები და ტექნიკა არ შეესაბამება აღიარებული და არც ისე აღიარებული ოსტატების ფანტაზიას.

დღევანდელი ნახატების ღირებულება მდგომარეობს რეალობის გამოხატვაში თანამედროვე მხატვრების თვალით; ტილოზე განსახიერების შედეგად წარმოიქმნება ახალი სამყაროები, რომლებიც შეძლებენ მომავლის ხალხს ბევრი რამ უამბონ თავიანთი შემქმნელების შესახებ.

იმპრესიონისტების გავლენა

შემდეგი ეტაპი ნატურმორტების ისტორიაში იყო იმპრესიონიზმი. მიმართულების მთელი ევოლუცია აისახა კომპოზიციებში ფერების, ტექნიკისა და სივრცის გაგების გზით. ათასწლეულის ბოლო რომანტიკოსებმა სიცოცხლე ისე გადაიტანეს ტილოზე - სწრაფი, ნათელი შტრიხები და ექსპრესიული დეტალები სტილის ქვაკუთხედი გახდა.

თანამედროვე მხატვრების ნახატები და ნატურმორტები, რა თქმა უნდა, ატარებენ მათი იმპრესიონისტული შთაგონების კვალს ფერების, მეთოდებისა და გამოსახვის ტექნიკის საშუალებით.

კლასიციზმის სტანდარტული კანონებიდან გასვლამ - სამი გეგმა, ცენტრალური კომპოზიცია და ისტორიული გმირები - საშუალებას აძლევდა მხატვრებს განავითარონ ფერისა და სინათლის საკუთარი აღქმა, ასევე ნათლად და ნათლად წარმოეჩინათ ემოციების თავისუფალი ფრენა აუდიტორიისთვის.

იმპრესიონისტების ძირითადი ამოცანებია შეცვალონ ხატვის ტექნიკა და სურათის ფსიქოლოგიური შინაარსი. დღეს კი, იმ ეპოქის სიტუაციის გაცნობაც კი, ძნელია სწორი პასუხის პოვნა კითხვაზე, თუ რატომ გამოიწვია იმპრესიონისტულმა პეიზაჟებმა, პოეზიასავით ხალისიანმა და გენიალურმა, მკვეთრი უარყოფა და უხეში დაცინვა მჭრელი კრიტიკოსებისა და განმანათლებლური საზოგადოების მხრიდან.

იმპრესიონისტული მხატვრობა არ ჯდებოდა ზოგადად მიღებულ ჩარჩოებში, ამიტომ ნატურმორტები და პეიზაჟები აღიქმებოდა, როგორც რაღაც ვულგარული, უღირსი აღიარებისთვის მაღალი ხელოვნების სხვა ნარჩენებთან ერთად.

სამხატვრო გამოფენამ, რომელიც იმდროინდელი ცნობილი მხატვრების ერთგვარ მისიონერულ საქმიანობად იქცა, შეძლო გულების მიღწევა და სილამაზისა და მადლის დემონსტრირება. საგნების და საგნების გამოსახულებები ყველა ხელმისაწვდომი საშუალებით გახდა ჩვეულებრივი, თუნდაც ძლიერი ინსტიტუტების კედლებში. მხოლოდ კლასიკური ხელოვნების პრინციპები. ნატურმორტის ნახატების ტრიუმფალური მსვლელობა არ შეჩერებულა მე-19 საუკუნის ბოლოდან და ჟანრებისა და ტექნიკის მრავალფეროვნება დღეს საშუალებას აძლევს ადამიანს არ შეგეშინდეთ რაიმე ექსპერიმენტების ფერი, ტექსტურა და მასალები.

ნატურმორტი ხილით და კერძებით

მხატვარი ვილემ ვან აელსტი დაიბადა 1627 წლის მაისში ქალაქ უტრეხტში ან დელფტში.

ვილემ ვან აელსტი სწავლობდა მხატვრობის საფუძვლებს თავის ბიძასთან, ცნობილ მხატვარ ევერტ ვან აელსტთან. 1643 წლის ნოემბერში ახალგაზრდა მხატვარი წმინდა ლუკას მხატვართა დელფტის გილდიაში შეიყვანეს.

ოთხი წლის განმავლობაში, 1845 წლიდან 1649 წლამდე, მხატვარი ცხოვრობდა და მუშაობდა საფრანგეთში, შემდეგ კი კიდევ შვიდი წელი იტალიაში. ფლორენციაში ვილემ ვან აალსტმა დაასრულა საკმაოდ ბევრი სამუშაო, რომელიც შეკვეთილი იყო ტოსკანის დიდი ჰერცოგის, ფერდინანდ II დე მედიჩის მიერ.

სამშობლოში დაბრუნების შემდეგ მხატვარი დასახლდა ამსტერდამში, შექმნა სტუდია და მიიღო სტუდენტები, რომელთა შორის დღეს შეიძლება გავიხსენოთ რეიჩელ რუიში და მარია ვან ოსტერვიიკი.

სიცოცხლის განმავლობაში ვილემ ვან ალსტი აღიარებული იყო ნატურმორტის გამორჩეულ ოსტატად, რომელიც შესანიშნავად ფლობდა ფერს და განსაკუთრებული წარმატებით ხატავდა ქსოვილებს, ფრინველის ბუმბულებს, ლითონებს და ა.შ. დახვეწილი ლურჯი ხავერდი ხშირად გვხვდება მის ნატურმორტებში. მხატვარი იყენებს გიჟურად ძვირადღირებულ ლაპის ლაზულის პიგმენტს. ეს ინგრედიენტი შემოტანილი იყო შორეული ჩინეთიდან და მისმა გამოყენებამ საგრძნობლად გაზარდა ავტორის ნახატების ღირებულება. მაგრამ როგორ თამაშობს ლურჯი ნატურმორტებში.

მხატვარი გარდაიცვალა 1683 წელს. დაკრძალულია ამსტერდამში.

დღესდღეობით დიდი მხატვრის ნამუშევრები შეგიძლიათ ნახოთ მსოფლიოს უდიდეს მუზეუმებსა და სამხატვრო გალერეებში.

მხატვრის ვილემ ვან აელსტის ნახატები

ნატურმორტი ყურძნითა და ბროწეულით
სახელი უცნობია
სახელი უცნობია
ნატურმორტი ხილის კალათით
ქლიავი და ატამი ლურჯ ხავერდზე
სახელი უცნობია
ნატურმორტი ხილით ნატურმორტი მკვდარი ფრინველით და სანადირო აქსესუარებით ყვავილები ვერცხლის ვაზაში ნატურმორტი სანადირო ტექნიკით და მკვდარი ფრინველით ნატურმორტი ყვავილებით ნატურმორტი ხილით ყვავილების თაიგული მინის ვაზაში საჭმელი ნატურმორტი ყვავილების თაიგულით მინის ვაზაში და ჯიბის საათით ნატურმორტი ფრინველთან ერთად ნატურმორტი ხილით და მინის ჭიქით ნადირობა ნატურმორტზე სახელი უცნობია სახელი უცნობია სახელი უცნობია სახელი უცნობია სახელი უცნობია სახელი უცნობია ნატურმორტი ყურძნით და ატმით სახელი უცნობია სახელი უცნობია ნატურმორტი ლიმონით, ვერცხლის ქილით და სასანთლეთი ნატურმორტი ყურძნით, ატმით და ნიგვზით ნატურმორტი ჯავშნით ნატურმორტი ყურძნით, საათით, მინით, ვერცხლის ქილით და თეფშით ნატურმორტი ხილით და თამაშით ნატურმორტი ყვავილებით

მაშინ ძალიან ბევრს მოეწონა და მხატვრების ნამუშევრები, როგორც ჩანს, შესანიშნავი ვიზუალური დამხმარე საშუალებაა ფერების კომბინაციების შესწავლის პროცესში. სინამდვილეში, რატომ ხელახლა გამოიგონეთ ბორბალი, თუ დიდმა ოსტატებმა დიდი ხანია შეისწავლეს ჰარმონიის პრინციპები, ჩრდილების კომბინაციები და აქტიურად იყენებდნენ მათ ხატვისას. ამ თემაზე პოსტების სერიის დაწერას ვგეგმავ და იტტენის წიგნზე „ფერების ხელოვნება“ დავხატავ.

ხშირად ფერთა შეხამების პრობლემა იქიდან მოდის, რომ ჩვენ გვაკლია დაკვირვება და თვალი არ არის გაწვრთნილი წარმატებული კომბინაციების დასანახად, გარკვეული სტერეოტიპების დაწესება და უცოდინრობის გამო გვაკლია გამბედაობა და თავდაჯერებულობა ფერების არჩევისას. ჩვენ ამას ვიბრძოლებთ :)

იტენი ფერებზე თავის ნაშრომში ხელოვნების განვითარებისა და ფერებთან მუშაობის ყველაზე მნიშვნელოვან ეპოქებში გადაგვყავს და მაგალითებად დიდ მხატვრებს ასახელებს. და დღეს ჩვენ დავიწყებთ რენესანსის მხატვრებით. იან ვან ეიკი, პიერო დელა ფრანჩესკა, ლეონარდო და ვინჩი, ტიციანი, გრუნევალდი.

"იან ვან ეიკიდაიწყო ნახატების შექმნა, რომელთა კომპოზიციური საფუძველი განისაზღვრა გამოსახული ადამიანებისა და საგნების რეალური ფერებით. ამ ფერების გაქრობისა და სიწმინდის, სიმსუბუქისა და სიბნელის წყალობით, სურათის ხმა სულ უფრო და უფრო რეალისტურად ემსგავსებოდა. ფერი გახდა ნივთების ბუნებრიობის გადმოცემის საშუალება”.

"არნოლფინის წყვილის პორტრეტი" შესრულებულია მუქი შემოდგომის მდუმარე თბილი ტონებით

"გენტის სამსხვერპლო" თბილი ფერებით არის მოხატული, მაგრამ ფერები უკვე უფრო ნათელი და სუფთაა, გაზაფხულთან უფრო ახლოს.

"პიერო დელა ფრანჩესკაის ხატავდა ადამიანებს, მკვეთრად ასახავდა ფიგურებს მკაფიო ექსპრესიული ფერებით, ხოლო იყენებდა დამატებით ფერებს, რომლებიც ნახატებს ფერწერულ ბალანსს აძლევდა“.

"ფედერიგო და მონტეფელტროსა და ბატისტა სფორცას პორტრეტი" ასევე შესრულებულია თბილ ფერებში, შემოდგომის ფერებში.

"Altar of Montefeltro": ფერების ძალიან ლამაზი კომბინაცია, რბილი ჩრდილები, გაზაფხული-ზაფხულის დიაპაზონი.

შედეგი არის სამი ძირითადი ტონისა და ორი აქცენტის ტონის კომბინაცია:

"ლეონარდო და ვინჩიმიტოვებული ნათელი ფერები. მან ააგო თავისი ნახატები უსაზღვროდ დახვეწილ ტონალურ გადასვლებზე."

"მონა ლიზა"

"მოძღვრების თაყვანისცემა"

"ტიციანიდაიწყო სწრაფვა ცივი და თბილი, გაცვეთილი და მდიდარი თვალწარმტაცი მოდულაციებისკენ“.

"მშვენიერი"

მისი შემდგომი ნახატების ფერთა მახასიათებლები ჩამოყალიბდა იმავე ფერის სხვადასხვა მუქი და ღია ჩრდილების საფუძველზე.

„კორონაცია ეკლის გვირგვინით“. ეს არის მხიარული სურათი, როგორც თემატიკაში, ასევე ფერებში. ყველაზე კარგი ნოემბერშია :))

მაგრამ ფერის გადასვლები იმავე ფერის შიგნით ძალიან ნათლად ჩანს.

"გრუნევალდიკონტრასტში ერთი ფერი მეორე. ეგრეთ წოდებული ობიექტურად არსებული ფერის სუბსტანციიდან მან იცოდა როგორ ეპოვა საკუთარი ფერი სურათის თითოეული მოტივისთვის“.

"იზენჰაიმის საკურთხეველი"

ერთი ნაწარმოების ფარგლებში გრუნევოლდმა გამოიყენა სხვადასხვა ფერის სქემა და შესწირა საერთო ჰარმონია ნაწარმოების ცალკეული ნაწილების მნიშვნელობის გადმოსაცემად.

რჩება დასკვნა, რომ თუ თქვენ ხართ შემოდგომა, მაშინ უნდა ნახოთ რენესანსის მხატვრების სხვა ნამუშევრები :)

რენესანსი (რენესანსი). იტალია. XV-XVI სს. ადრეული კაპიტალიზმი. ქვეყანას მართავენ მდიდარი ბანკირები. ისინი დაინტერესებულნი არიან ხელოვნებითა და მეცნიერებით.

მდიდრები და ძლევამოსილნი აგროვებენ გარშემო ნიჭიერებს და ბრძენებს. პოეტები, ფილოსოფოსები, მხატვრები და მოქანდაკეები ყოველდღიურად საუბრობენ თავიანთ პატრონებთან. რაღაც მომენტში ჩანდა, რომ ადამიანებს ბრძენკაცები მართავდნენ, როგორც პლატონს სურდა.

გავიხსენეთ ძველი რომაელები და ბერძნები. მათ ასევე ააშენეს თავისუფალი მოქალაქეების საზოგადოება, სადაც მთავარი ღირებულება ხალხია (რა თქმა უნდა, მონებს არ ჩავთვლით).

რენესანსი არ არის მხოლოდ ძველი ცივილიზაციების ხელოვნების კოპირება. ეს არის ნარევი. მითოლოგია და ქრისტიანობა. ბუნების რეალიზმი და სურათების გულწრფელობა. სილამაზე ფიზიკური და სულიერი.

ეს უბრალოდ ციმციმი იყო. მაღალი რენესანსის პერიოდი დაახლოებით 30 წელია! 1490 წლიდან 1527 წლამდე ლეონარდოს შემოქმედების აყვავების დასაწყისიდან. რომის გაძარცვამდე.

იდეალური სამყაროს მირაჟი სწრაფად გაქრა. იტალია ზედმეტად მყიფე აღმოჩნდა. ის მალე სხვა დიქტატორის მონობაში აღმოჩნდა.

თუმცა, ამ 30 წელმა განსაზღვრა ევროპული მხატვრობის ძირითადი მახასიათებლები მომავალი 500 წლისთვის! Მდე .

გამოსახულების რეალიზმი. ანთროპოცენტრიზმი (როდესაც სამყაროს ცენტრი ადამიანია). ხაზოვანი პერსპექტივა. ზეთის საღებავები. პორტრეტი. Პეიზაჟები…

წარმოუდგენელია, რომ ამ 30 წლის განმავლობაში ერთდროულად რამდენიმე ბრწყინვალე ოსტატი მუშაობდა. სხვა დროს ისინი 1000 წელიწადში ერთხელ იბადებიან.

ლეონარდო, მიქელანჯელო, რაფაელი და ტიციანი რენესანსის ტიტანები არიან. მაგრამ არ შეიძლება არ აღვნიშნოთ მათი ორი წინამორბედი: ჯოტო და მასაჩიო. რომლის გარეშეც არ იქნებოდა რენესანსი.

1. ჯოტო (1267-1337)

პაოლო უჩელო. ჯოტო და ბონდონი. ფრაგმენტი ნახატის "ფლორენციული რენესანსის ხუთი ოსტატი". მე-16 საუკუნის დასაწყისი. .

XIV საუკუნე. პროტო-რენესანსი. მისი მთავარი გმირი ჯოტოა. ეს არის ოსტატი, რომელმაც ერთპიროვნულად მოახდინა რევოლუცია ხელოვნებაში. მაღალ რენესანსამდე 200 წლით ადრე. ის რომ არა, ძნელად დადგებოდა ეპოქა, რომლითაც ასე ამაყობს კაცობრიობა.

ჯოტოს წინ იყო ხატები და ფრესკები. ისინი შეიქმნა ბიზანტიური კანონების მიხედვით. სახეების ნაცვლად სახეები. ბრტყელი ფიგურები. პროპორციების შეუსრულებლობა. ლანდშაფტის ნაცვლად ოქროს ფონია. როგორც, მაგალითად, ამ ხატზე.

გვიდო და სიენა. მოგვების თაყვანისცემა. 1275-1280 წწ ალტენბურგი, ლინდენაუს მუზეუმი, გერმანია.

და უცებ ჩნდება ჯოტოს ფრესკები. მოცულობითი ფიგურები აქვთ. კეთილშობილი ადამიანების სახეები. მოხუცი და ახალგაზრდა. სევდიანი. სამწუხარო. გაკვირვებული. Განსხვავებული.

ჯოტოს ფრესკები პადუაში სკროვენიის ეკლესიაში (1302-1305). მარცხნივ: ქრისტეს გოდება. შუა: იუდას კოცნა (ფრაგმენტი). მარჯვნივ: წმიდა ანას ხარება (დედა მარიამის), ფრაგმენტი.

ჯოტოს მთავარი ნამუშევარია მისი ფრესკების ციკლი პადუაში სკროვენიის სამლოცველოში. როდესაც ეს ეკლესია მრევლისთვის გაიხსნა, მასში ხალხის ბრბო შემოვიდა. მსგავსი არაფერი უნახავთ.

ბოლოს და ბოლოს, ჯოტომ რაღაც უპრეცედენტო გააკეთა. მან თარგმნა ბიბლიური ისტორიები მარტივ, გასაგებ ენაზე. და ისინი ბევრად უფრო ხელმისაწვდომი გახდნენ ჩვეულებრივი ადამიანებისთვის.

ჯოტო. მოგვების თაყვანისცემა. 1303-1305 წწ ფრესკა სკროვეგნის სამლოცველოში პადუაში, იტალია.

ეს არის ზუსტად ის, რაც დამახასიათებელი იქნება რენესანსის მრავალი ოსტატისთვის. ლაკონური გამოსახულებები. გმირების ცოცხალი ემოციები. რეალიზმი.

დაწვრილებით ოსტატის ფრესკების შესახებ წაიკითხეთ სტატიაში.

ჯოტო აღფრთოვანებული იყო. მაგრამ მისი ინოვაცია შემდგომში არ განვითარებულა. საერთაშორისო გოთიკის მოდა მოვიდა იტალიაში.

მხოლოდ 100 წლის შემდეგ გამოჩნდება ჯოტოს ღირსეული მემკვიდრე.

2. მასაჩიო (1401-1428)

მასაჩიო. ავტოპორტრეტი (ფრესკის „წმინდა პეტრე ამბიონზე“ ფრაგმენტი). 1425-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში, ფლორენცია, იტალია.

მე-15 საუკუნის დასაწყისი. ადრეული რენესანსის ე.წ. სცენაზე კიდევ ერთი ნოვატორი შემოდის.

მასაჩიო იყო პირველი მხატვარი, რომელმაც გამოიყენა ხაზოვანი პერსპექტივა. იგი დააპროექტა მისმა მეგობარმა, არქიტექტორმა ბრუნელესკიმ. ახლა გამოსახული სამყარო რეალურს დაემსგავსა. სათამაშოების არქიტექტურა წარსულის საგანია.

მასაჩიო. წმინდა პეტრე თავისი ჩრდილით კურნავს. 1425-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში, ფლორენცია, იტალია.

მან მიიღო ჯოტოს რეალიზმი. თუმცა, წინამორბედისგან განსხვავებით, მან უკვე კარგად იცოდა ანატომია.

დაბლოკილი პერსონაჟების ნაცვლად, ჯოტოს ლამაზად აშენებული ხალხი ჰყავს. ისევე როგორც ძველი ბერძნები.

მასაჩიო. ნეოფიტების ნათლობა. 1426-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო, სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია ფლორენციაში, იტალია.
მასაჩიო. სამოთხიდან განდევნა. 1426-1427 წწ ფრესკა ბრანკაჩის სამლოცველოში, სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია, ფლორენცია, იტალია.

მასაჩომ ხანმოკლე ცხოვრება გაატარა. ის მამამისის მსგავსად მოულოდნელად გარდაიცვალა. 27 წლის ასაკში.

თუმცა მას ბევრი მიმდევარი ჰყავდა. მომდევნო თაობის ოსტატები წავიდნენ ბრანკაჩის სამლოცველოში მისი ფრესკების შესასწავლად.

ამრიგად, მასაჩიოს ინოვაცია მიიღო მაღალი რენესანსის ყველა დიდმა მხატვარმა.

3. ლეონარდო და ვინჩი (1452-1519)

Ლეონარდო და ვინჩი. Ავტოპორტრეტი. 1512 სამეფო ბიბლიოთეკა ტურინში, იტალია.

ლეონარდო და ვინჩი არის რენესანსის ერთ-ერთი ტიტანი. მან უდიდესი გავლენა მოახდინა ფერწერის განვითარებაზე.

სწორედ და ვინჩიმ აამაღლა თავად მხატვრის სტატუსი. მისი წყალობით ამ პროფესიის წარმომადგენლები უბრალოდ ხელოსნები აღარ არიან. ესენი არიან სულის შემქმნელები და არისტოკრატები.

ლეონარდომ გარღვევა პირველ რიგში პორტრეტში გააკეთა.

მას სჯეროდა, რომ არაფერი უნდა გადაიტანოს მთავარი სურათიდან. მზერა არ უნდა იხეტიალოს ერთი დეტალიდან მეორეზე. ასე გამოჩნდა მისი ცნობილი პორტრეტები. ლაკონური. ჰარმონიული.

Ლეონარდო და ვინჩი. ქალბატონი ერმინით. 1489-1490 წწ ჩერტორისკის მუზეუმი, კრაკოვი.

ლეონარდოს მთავარი სიახლე ის არის, რომ მან იპოვა გამოსახულების... ცოცხალი.

მანამდე პორტრეტების პერსონაჟები მანეკენებს ჰგავდნენ. ხაზები ნათელი იყო. ყველა დეტალი საგულდაგულოდ არის დახატული. დახატული ნახატი არ შეიძლებოდა ცოცხალი ყოფილიყო.

ლეონარდომ გამოიგონა სფუმატო მეთოდი. მან დაჩრდილა ხაზები. შუქიდან ჩრდილში გადასვლა ძალიან რბილი გახდა. მისი პერსონაჟები თითქოს ძლივს შესამჩნევი ნისლითაა დაფარული. გმირები გაცოცხლდნენ.

. 1503-1519 წწ ლუვრი, პარიზი.

სფუმატო მომავლის ყველა დიდი ხელოვანის აქტიურ ლექსიკაში შევა.

ხშირად არსებობს მოსაზრება, რომ ლეონარდო, რა თქმა უნდა, გენიოსი იყო, მაგრამ არ იცოდა როგორ დაესრულებინა არაფერი. და ხშირად არ ვასრულებდი ნახატებს. და მისი მრავალი პროექტი დარჩა ქაღალდზე (სხვათა შორის, 24 ტომად). და საერთოდ ის გადააგდეს ან მედიცინაში ან მუსიკაში. ერთ დროს მსახურობის ხელოვნებითაც კი მაინტერესებდა.

თუმცა, თავად იფიქრეთ. 19 ნახატი - და ის არის ყველა დროის უდიდესი მხატვარი. ვიღაც კი სიდიადითაც კი არ უახლოვდება, თუმცა მან თავის ცხოვრებაში 6000 ტილო დახატა. აშკარაა, ვის აქვს უფრო მაღალი ეფექტურობა.

წაიკითხეთ სტატიაში ოსტატის ყველაზე ცნობილი ნახატის შესახებ.

4. მიქელანჯელო (1475-1564)

დანიელ და ვოლტერა. მიქელანჯელო (ფრაგმენტი). 1544 მეტროპოლიტენის ხელოვნების მუზეუმი, ნიუ-იორკი.

მიქელანჯელო თავს მოქანდაკედ თვლიდა. მაგრამ ის იყო უნივერსალური ოსტატი. მისი სხვა რენესანსის კოლეგების მსგავსად. ამიტომ მისი ფერწერული მემკვიდრეობა არანაკლებ გრანდიოზულია.

ის ცნობადია პირველ რიგში ფიზიკურად განვითარებული პერსონაჟებით. მან განასახიერა სრულყოფილი ადამიანი, რომელშიც ფიზიკური სილამაზე სულიერ სილამაზეს ნიშნავს.

ამიტომაა, რომ მისი ყველა გმირი ასე კუნთოვანი და გამძლეა. ქალები და მოხუცებიც კი.

მიქელანჯელო. ფრესკის "უკანასკნელი განკითხვის" ფრაგმენტები სიქსტის კაპელაში, ვატიკანი.

მიქელანჯელო ხშირად ხატავდა პერსონაჟს შიშველს. შემდეგ კი ტანსაცმელი დაამატა ზემოდან. ისე, რომ სხეული მაქსიმალურად გამოძერწილი იყოს.

სიქსტეს კაპელის ჭერი მან მარტო მოხატა. მიუხედავად იმისა, რომ ეს რამდენიმე ასეული ფიგურაა! საღებავის გახეხვის უფლებასაც კი არ აძლევდა ვინმეს. დიახ, ის არასოციალური იყო. მკაცრი და ჩხუბის ხასიათი ჰქონდა. მაგრამ ყველაზე მეტად უკმაყოფილო იყო... საკუთარი თავით.

მიქელანჯელო. ფრესკის ფრაგმენტი "ადამის შექმნა". 1511 სიქსტეს კაპელა, ვატიკანი.

მიქელანჯელომ დიდხანს იცოცხლა. გადაურჩა რენესანსის დაცემას. მისთვის ეს იყო პირადი ტრაგედია. მისი შემდგომი ნამუშევრები სავსეა სევდითა და მწუხარებით.

ზოგადად, მიქელანჯელოს შემოქმედებითი გზა უნიკალურია. მისი ადრეული ნამუშევრები ადამიანის გმირის ზეიმია. თავისუფალი და მამაცი. ძველი საბერძნეთის საუკეთესო ტრადიციებში. რა ჰქვია დავით?

სიცოცხლის ბოლო წლებში ეს ტრაგიკული სურათებია. განზრახ უხეშად თლილი ქვა. თითქოს ვუყურებთ მე-20 საუკუნის ფაშიზმის მსხვერპლთა ძეგლებს. შეხედეთ მის პიეტას.

მიქელანჯელოს სკულპტურები ფლორენციის სახვითი ხელოვნების აკადემიაში. მარცხნივ: დავითი. 1504 მარჯვნივ: პალესტრინის პიეტა. 1555 წ

Როგორ არის ეს შესაძლებელი? ერთმა ხელოვანმა ერთ ცხოვრებაში გაიარა ხელოვნების ყველა ეტაპი რენესანსიდან მე-20 საუკუნემდე. რა უნდა გააკეთონ მომდევნო თაობებმა? Შენი გზით იარე. გააცნობიერე, რომ ბარი ძალიან მაღლა დგას.

5. რაფაელი (1483-1520 წწ.)

. 1506 უფიზის გალერეა, ფლორენცია, იტალია.

რაფაელი არასოდეს დავიწყებია. მის გენიალურობას ყოველთვის აღიარებდნენ: სიცოცხლის დროსაც და სიკვდილის შემდეგაც.

მისი გმირები დაჯილდოვებულნი არიან სენსუალური, ლირიკული სილამაზით. ეს არის ის, ვინც სამართლიანად ითვლება ყველაზე ლამაზ ქალურ სურათებად, რაც კი ოდესმე შექმნილა. გარეგნული სილამაზე ჰეროინების სულიერ სილამაზესაც ასახავს. მათი თვინიერება. მათი მსხვერპლი.

რაფაელი. . 1513 ძველი ოსტატების გალერეა, დრეზდენი, გერმანია.

ფიოდორ დოსტოევსკიმ თქვა ცნობილი სიტყვები "სილამაზე გადაარჩენს სამყაროს". ეს იყო მისი საყვარელი ნახატი.

თუმცა, სენსუალური სურათები არ არის რაფაელის ერთადერთი ძლიერი მხარე. ის ძალიან ფრთხილად ფიქრობდა თავისი ნახატების კომპოზიციებზე. ის იყო შეუდარებელი არქიტექტორი ფერწერაში. უფრო მეტიც, ის ყოველთვის პოულობდა უმარტივეს და ჰარმონიულ გადაწყვეტას სივრცის ორგანიზებაში. როგორც ჩანს, სხვაგვარად არ შეიძლება.

რაფაელი. ათენის სკოლა. 1509-1511 წწ ფრესკა სამოციქულო სასახლის სტროფებში, ვატიკანი.

რაფაელმა მხოლოდ 37 წელი იცოცხლა. ის მოულოდნელად გარდაიცვალა. გაციების და სამედიცინო შეცდომისგან. მაგრამ მისი მემკვიდრეობა ძნელია გადაჭარბებული შეფასება. ბევრმა ხელოვანმა კერპად აქცია ეს ოსტატი. და მათ ათასობით ტილოში გაამრავლეს მისი სენსუალური გამოსახულებები..

ტიციანი შეუდარებელი კოლორიტი იყო. მან ასევე ბევრი ექსპერიმენტი ჩაატარა კომპოზიციაში. ზოგადად, ის გაბედული ნოვატორი იყო.

ყველას უყვარდა ის მისი ნიჭის ასეთი ბრწყინვალების გამო. მას უწოდებენ "მხატვართა მეფეს და მეფეთა მხატვარს".

ტიციანზე საუბრისას მინდა ყოველი წინადადების შემდეგ ძახილის ნიშანი დავაყენო. ბოლოს და ბოლოს, სწორედ მან შემოიტანა დინამიკა ფერწერაში. პათოსი. ენთუზიაზმი. Ნათელი ფერი. ფერების ბზინვარება.

ტიციანი. მარიამის ამაღლება. 1515-1518 წწ სანტა მარია გლორიოსი დეი ფრარის ეკლესია, ვენეცია.

სიცოცხლის ბოლოს მან შეიმუშავა უჩვეულო წერის ტექნიკა. დარტყმები სწრაფი და სქელია. საღებავს ან ფუნჯით ვისვამდი ან თითებით. ეს სურათებს კიდევ უფრო აცოცხლებს და სუნთქავს. და სიუჟეტები კიდევ უფრო დინამიური და დრამატულია.

ტიციანი. ტარკინი და ლუკრეცია. 1571 ფიცვილიამის მუზეუმი, კემბრიჯი, ინგლისი.

ეს რამეს გახსენებს? რა თქმა უნდა, ეს არის ტექნოლოგია. და მე-19 საუკუნის მხატვრების ტექნიკა: ბარბიზონელები და. ტიციანი, ისევე როგორც მიქელანჯელო, ერთ სიცოცხლეში გაივლიდა 500 წლის მხატვრობას. ამიტომ არის ის გენიოსი.

წაიკითხეთ სტატიაში ოსტატის ცნობილი შედევრის შესახებ.

რენესანსის მხატვრები დიდი ცოდნის მფლობელები არიან. ასეთი მემკვიდრეობის დატოვება ბევრი რამ იყო სასწავლი. ისტორიის, ასტროლოგიის, ფიზიკის და ა.შ.

ამიტომ, მათი ყოველი სურათი გვაფიქრებინებს. რატომ არის ეს გამოსახული? რა არის აქ დაშიფრული შეტყობინება?

ისინი თითქმის არასოდეს ცდებოდნენ. იმიტომ, რომ მათ საფუძვლიანად დაფიქრდნენ თავიანთ მომავალ საქმიანობაზე. მთელი ჩვენი ცოდნა გამოვიყენეთ.

ისინი მხატვრებზე მეტი იყვნენ. ისინი ფილოსოფოსები იყვნენ. მხატვრობით გვიხსნიდნენ სამყაროს.

ამიტომ ისინი ყოველთვის ღრმად საინტერესო იქნებიან ჩვენთვის.