მსოფლიო ხელოვნების ასოციაციის დამფუძნებელი. სამხატვრო ასოციაცია "ხელოვნების სამყარო" და მისი როლი რუსული სახვითი ხელოვნების განვითარებაში

---> „ხელოვნების სამყარო“: ეტაპები და საქმიანობის ბუნება. დაზგური და თეატრალური დეკორატიული ხელოვნება, ჟურნალის გრაფიკა და ლიტერატურული ილუსტრაცია. A.A. Benois არის სამხატვრო ასოციაციის ლიდერი. "ხელოვნების სამყაროს" ორგანიზატორების "ძველი" თაობა 1890-იანი წლების ბოლოს -

1898 წელს პეტერბურგში დაარსდა ახალი სამხატვრო ასოციაცია, სახელწოდებით "ხელოვნების სამყარო". შედეგად წრეს ხელმძღვანელობდნენ მხატვარი A.N. Benois და ქველმოქმედი S.P. Diaghilev. ასოციაციის მთავარი ბირთვი იყო L.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov. „ხელოვნების სამყარო“ აწყობდა გამოფენებს და გამოსცემდა ამავე სახელწოდების ჟურნალს. ასოციაციაში შედიოდა მრავალი მხატვარი: M.A. Vrubel, V.A. Serov, I.I. Levitan, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin, N.K. Roerich, B.M. Kustodiev, ZE .Serebryakova, K.S.Petrov-Vodkin.

„ხელოვნების სამყაროს“ მოღვაწეობის „კლასიკური“ პერიოდი იყო 1898-1904 წლები; ამ ხნის განმავლობაში მოეწყო 6 გამოფენა. ბოლო, მეექვსე გამოფენა იყო ს.პ. დიაგილევის მცდელობა, აღეკვეთა შემოქმედებითი ძალების აქტიური დემარკაცია "ხელოვნების სამყაროში" (1901 წელს მოსკოვის არაერთმა მხატვარმა დატოვა საზოგადოება და მოაწყო "36 მხატვრის გამოფენა", 1903 წელს. გამოჩნდა "რუს მხატვართა კავშირი").

"ხელოვნების სამყაროს" უმეტესი წარმომადგენლის ესთეტიკა მოდერნიზმის რუსული ვერსიაა. მირისკუსნიკი იცავდა ინდივიდუალური შემოქმედების თავისუფლებას. შთაგონების მთავარ წყაროდ სილამაზე აღიარეს. თანამედროვე სამყარო, მათი აზრით, მოკლებულია სილამაზეს და ამიტომ ყურადღების ღირსი. სილამაზის ძიებაში ხელოვნების სამყაროს მხატვრები თავიანთ ნამუშევრებში ხშირად მიმართავენ წარსულის ძეგლებს. მეოცე საუკუნის დასაწყისის მხატვრებისთვის, ისტორიაში სოციალური პრობლემები უმთავრეს მნიშვნელობას კარგავს; მათ შემოქმედებაში წამყვანი ადგილი უკავია უძველესი ცხოვრების მშვენიერების ასახვას, ისტორიული პეიზაჟების რეკონსტრუქციას და პოეტური რომანტიული სურათის შექმნას. გასული საუკუნეები“. მკვეთრი კონფლიქტები და მნიშვნელოვანი ისტორიული ფიგურები მათ ბევრად ნაკლებად აინტერესებდათ, ვიდრე კოსტუმის ორიგინალურობა და სიძველის უნიკალური არომატი. ისტორიული და ყოველდღიური ჟანრი გახდა წამყვანი ჟანრი მრავალი მხატვრის შემოქმედებაში, რომლებიც იყვნენ "ხელოვნების სამყაროს" ნაწილი.

ასოციაციის ცხოვრების კლასიკური პერიოდი დადგა 1900-1904 წლებში - ამ დროს ჯგუფი გამოირჩეოდა ესთეტიკური და იდეოლოგიური პრინციპების განსაკუთრებული ერთიანობით. მხატვრები აწყობდნენ გამოფენებს ჟურნალ World of Art-ის ეგიდით.

„ხელოვნების სამყაროს“ მხატვრული ორიენტაცია მოდერნიზმთან და სიმბოლიზმთან იყო დაკავშირებული. მოხეტიალეთა იდეებისგან განსხვავებით, ხელოვნების სამყაროს მხატვრები აცხადებდნენ ხელოვნებაში ესთეტიკური პრინციპის პრიორიტეტს. „ხელოვნების სამყაროს“ წევრები ამტკიცებდნენ, რომ ხელოვნება, პირველ რიგში, ხელოვანის პიროვნების გამოხატულებაა. ჟურნალის ერთ-ერთ პირველ ნომერში ს. დიაგილევი წერდა: „ხელოვნების ნაწარმოები მნიშვნელოვანია არა თავისთავად, არამედ მხოლოდ როგორც შემოქმედის პიროვნების გამოხატულება“. მიაჩნიათ, რომ თანამედროვე ცივილიზაცია ანტაგონისტურია კულტურის მიმართ, „ხელოვნების სამყარო“ მხატვრები ეძებდნენ იდეალს წარსულის ხელოვნებაში. მხატვრებმა და მწერლებმა თავიანთ ნახატებში და ჟურნალების გვერდებზე აჩვენეს რუსულ საზოგადოებას შუა საუკუნეების არქიტექტურისა და ძველი რუსული ხატწერის იმდროინდელი ნაკლებად დაფასებული სილამაზე, კლასიკური პეტერბურგის ელეგანტურობა და მის გარშემო არსებული სასახლეები, აიძულა ისინი ეფიქრათ თანამედროვეობაზე. ძველი ცივილიზაციების ხმა და საკუთარი მხატვრული და ლიტერატურული მემკვიდრეობის გადაფასება.

XX საუკუნის თეატრალური და დეკორატიული მხატვრობის ისტორიაში გამორჩეული როლი შეასრულეს „ხელოვნების სამყაროს“ ოსტატებმა, რომელთა მნიშვნელობა არ შემოიფარგლება ეროვნული სახვითი კულტურის საზღვრებით. საუბარია არა მხოლოდ რუსი თეატრის მხატვრების ფართო ევროპულ აღიარებაზე, არამედ ამ უკანასკნელის პირდაპირ გავლენას მსოფლიო თეატრალურ და დეკორატიულ ფერწერაზე. ამ დროისთვის რუსული თეატრალური და დეკორატიული მხატვრობა, რომელსაც ოდესღაც მაღალი აყვავების პერიოდები ჰქონდა, სავალალო ვარდნაში იყო, რადგან დიდწილად დაკარგა კავშირი თანამედროვე ეროვნული ხელოვნების მოწინავე ფენომენებთან. დიდი მხატვრების ხელიდან ის გადავიდა „პროფესიონალების“ ხელში, რომლებიც ვერაფერს ახერხებდნენ თავიანთი ვიწრო სპეციალობის მიღმა და მასშიც კი იშვიათად ადგებოდნენ ხელოსნობის დონეს. მამონტოვის ოპერაში ეს პრაქტიკა მიატოვეს. დიდმა მხატვრებმა კვლავ მიმართეს თეატრალურ მოღვაწეობას - ჯერ მოხეტიალეები ვ.მ. ვასნეცოვი და ვ.დ.პოლენოვი, შემდეგ კი ახალგაზრდა თაობის ოსტატები - მ.ვრუბელი და კ.კოროვინი. მათი საქმიანობის შედეგად კვლავ გაიზარდა მხატვრის როლი თეატრში და შემოქმედებით საზოგადოებაში გაძლიერდა რწმენა, რომ დეკორაციები და კოსტიუმები წარმოდგენით შექმნილი მხატვრული იმიჯის განუყოფელი ელემენტია. მ.ვრუბელის, ა.გოლოვინისა და კ.კოროვინის შემოქმედებას სხვა მნიშვნელობა ჰქონდა: უპიროვნო სტანდარტული დეკორაციის „ყოველდღიურობის“ დაძლევით, მათ სცენაზე შექმნეს განსაკუთრებული „თეატრალური რეალობის“ ატმოსფერო, პოეტურად ამაღლებული ყოველდღიურობაზე.

"ხელოვნების სამყაროს" ცალკეული მხატვრები ჩართულნი იყვნენ თეატრალურ ცხოვრებაში იმ დროს, როდესაც ისეთი სპექტაკლები, როგორიცაა ოპერა "ცარ სალტანის ზღაპარი" ვრუბელის დეკორაციაში (1900), ბალეტი "პატარა კეზნიანი ცხენი" დეკორაციებში. კ.კოროვინის (1901) უკვე შექმნილი იყო და ოპერა „ფსკოვის ქალი“ გოლოვინის დეკორაციაში (1901). დაიწყო რუსული დეკორატიული ფერწერის განვითარების ახალი ეტაპი.

1898 წელს პეტერბურგში გამოვიდა ყოველთვიური ილუსტრირებული ხელოვნების ჟურნალის “World of Arts” პირველი ნომერი, რომელიც გამოიცა 1904 წლამდე. ჟურნალი იყო სამხატვრო ასოციაცია „ხელოვნების სამყაროს“ ორგანო და სიმბოლისტი მწერლები.

პირველი ნომრიდან მხატვრები, რომლებიც ს.პ. დიაგილევი არა მხოლოდ მონაწილეობდა ჟურნალის შექმნაში, ქმნიდა გარეკანებს, ამზადებდა ილუსტრაციებს, თავსაბურავებსა და ვინეტებს, არამედ ჩამოაყალიბა ახალი იდეა პოპულარული და მხატვრული პუბლიკაციების შესახებ. ყურადღება მიაქციეს შრიფტისა და ფორმატის მნიშვნელობას, ტექსტსა და ილუსტრაციებს შორის ურთიერთობას.

ბრინჯაოს მხედარმა A.N. Benois-ის ილუსტრაციებით და M.V.-ს მიერ შექმნილი თეთრი ღამეები დიდი გავლენა მოახდინა წიგნის გრაფიკაზე. დობუჟინსკი. ემიგრაციაში „მირ ისკუსტიკმა“ განაგრძო ილუსტრირებული პუბლიკაციების შექმნა, რომლებიც გამოიცა პარიზში, ბერლინში, რომსა და ნიუ-იორკში. A.N. Benois-მა ილუსტრირებული "კაპიტნის ქალიშვილი" A.S. პუშკინი, ანრი დე რეგნიეს "ცოდვილი". ი.ია ბილიბინმა გააკეთა ნახატები რუსული ხალხური ზღაპრებისთვის და ფრანგული შუა საუკუნეების ბალადებისთვის. ბ.დ.გრიგორიევმა შეასრულა 60 ილუსტრაცია „ძმები კარამაზოვებისთვის“ ფ.მ. დოსტოევსკის მიერ შექმნილი "პირველი სიყვარული" I.S. ტურგენევი, "ბავშვობა" A.M. გორკი და ს.ჩერნის "ბავშვთა კუნძული".

თავი 3. მხატვრები – „ხელოვნების სამყაროს“ ორგანიზატორები და მოღვაწეები.

ხელოვნების სამყაროს ასოციაციის მთავარი მონაწილეები, რომლებმაც ჩამოაყალიბეს „ხელოვნების სამყაროს“ კონცეფცია, იყვნენ: ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ ბენოისი, კონსტანტინე ანდრეევიჩ სომოვი და ლევ სამოილოვიჩ ბაკსტი. სწორედ მათ განსაზღვრეს ასოციაციის მუშაობის იდეოლოგია და მიმართულება. შემდგომში მრავალი განსხვავებული მხატვარი მონაწილეობდა ხელოვნების სამყაროში გამოფენებში.
მოდით მივმართოთ ოსტატების მუშაობას - "ხელოვნების სამყაროს" მთავარ ფიგურებს.
ალექსანდრე ბენუას მხატვრული გემოვნება ჩამოყალიბდა ოჯახის შემოქმედებითი ატმოსფეროს გავლენით, რამაც შექმნა მისი ინტერესების წრე. ჩვენს წინაშეა ალექსანდრე ბენუას ცნობილი პორტრეტი ბაქსტის მიერ

ბენუა ნაჩვენებია როგორც მე-18 საუკუნის მხატვარი, ხელოვნებათმცოდნე და კულტურის ექსპერტი. ბენუა ზის სკამზე წიგნით ხელში, აქ კი ოთახში ვხედავთ იმპერატრიცა ელიზაბეტ პეტროვნას პორტრეტს. კედელზე გადაბრუნებული ტილოები მიუთითებს იმაზე, რომ ეს მხატვარია.
ალექსანდრე ბენუა დაიბადა 1870 წლის 3 მაისს მხატვრებისა და არქიტექტორების ცნობილ ოჯახში. მისი მამა, ნიკოლაი ლეონტიევიჩ ბენუა, არქიტექტორი იყო, ხოლო დედის ბაბუა, ალბერტ კატარინოვიჩ კავოსი, ასევე არქიტექტორი. მან აღადგინა პეტერბურგის მარიინსკის თეატრი 1853 წლის ხანძრის შემდეგ. დედის მხრიდან მისი პაპა, ვენეციელი კატარინო კავოსი, იყო კომპოზიტორი და მწერალი ოპერების, ბალეტებისა და ვოდევილების. 1800-იანი წლების დასაწყისში იგი შევიდა პეტერბურგის საიმპერატორო თეატრების სამსახურში. ალექსანდრე ნიკოლაევიჩის ძმა, ალბერტი, იყო აკვარელი მხატვარი, მეორე ძმა, ლეონტი, იყო არქიტექტორი, მართლმადიდებლური ეკლესიების მშენებელი რუსეთში, პოლონეთსა და გერმანიაში. პეტერბურგში კარგად იცნობდნენ „ბენუას სახლს ნიკოლა მორსკის მახლობლად“, სადაც ბენუას ოჯახი ცხოვრობდა. დღემდე შემორჩა. სახლი სავსე იყო ხელოვნების ნიმუშებით - ნახატებით, გრავიურებით, ანტიკვარებით. პირიქით, მასში დომინირებს წმინდა ნიკოლოზის საზღვაო ტაძარი, რომელიც აშენდა იმპერატრიცა ელიზაბეტ პეტროვნას დროს არქიტექტორ სავა ივანოვიჩ ჩევაკინსკის მიერ. ტაძრის მშვენიერი გარეგნობა ბაროკოს სტილში სამუდამოდ დარჩა ალექსანდრე ბენუას მეხსიერებაში და შეესაბამებოდა მის სიყვარულს მე -18 საუკუნის ხელოვნებისადმი. მეგობრებმა გაიხსენეს ალექსანდრე ბენუას დიდი სწავლების საჩუქარი. შესანიშნავი ლიტერატურული სტილის და ხელოვნების ისტორიის ღრმა ცოდნის მქონე, მან უკვე ახალგაზრდობაში დაიწყო კრიტიკული სტატიების გამოქვეყნება ხელოვნების საკითხებზე, ხოლო 1893 წელს მან მონაწილეობა მიიღო გერმანელი მკვლევარის რიჩარდ მუტერის წიგნის გამოცემაში "ისტორია. მხატვრობა მე-19 საუკუნეში“, რისთვისაც მან დაწერა დიდი ნაწილი რუსული მხატვრობის შესახებ. იურიდიული ფაკულტეტის დამთავრების შემდეგ, ბენუა, დიაგილევის მსგავსად, შემდგომში არ ეწეოდა ადვოკატს, მაგრამ მიუძღვნა ხელოვნებას.
ალექსანდრე ბენუას საყვარელი დრო მე-18 საუკუნეა, ვერსალი ლუი XIV-ის სიცოცხლის ბოლო წლებში. მხატვარმა გამოსახა ელეგანტური კარისკაცები და ძველი მეფე ვერსალის პარკში, სადაც მეფე "დადიოდა ნებისმიერ ამინდში", ინტიმური სცენები, როგორიცაა მარკიზების ბანაობა.

მხატვარმა აჩვენა სასამართლო ცხოვრება ისტორიაში დაბრუნებული, ოდესღაც ბრწყინვალე, ფუფუნებაში ჩაძირული და მეფის სიცოცხლის ბოლო წლებში სევდიანი.პარკის უკიდეგანო სივრცეების კომპოზიცია მხატვარს არცთუ ისე მეფის სიდიადეზე ესაუბრებოდა. , არამედ იმ არქიტექტორის შემოქმედებითი გენიოს შესახებ, რომელმაც შექმნა ეს ბრწყინვალება. ფილმში „მეფის გასეირნება“ მოქმედება ვერსალის პარკში ვითარდება.

შორს გადაჭიმული უკაცრიელი ხეივნები ხაზს უსვამს მეფის მარტოობას მის თანმხლებ მცირერიცხოვან ამხედრებს შორის. მხატვარმა გადმოსცა მწუხარების გაუგებარი განწყობა, ჩამქრალი ეპოქის ატმოსფერო. ამავე თემაზე სხვა ნახატში მეფისა და კარისკაცების მშვიდი მსვლელობა შადრევნებისა და ქანდაკებების წინ აღიქმება, როგორც თეატრალური სპექტაკლი, ხოლო კუპიდონების ბრინჯაოს ფიგურები. აუზში უფრო ცოცხლები ჩანან, ვიდრე ეს სევდიანი ნიღბები.

მსგავსი განწყობითაა ნახატი „ვენეციის ბაღი“, სადაც ნიღბიანი ფიგურები სიზმრებს, ჩრდილებს ჰგვანან, ქანდაკებები კი ანიმაციურია და თითქოს ერთმანეთს ელაპარაკებიან. დასკვნის ამ ინტერპრეტაციაში არის გარკვეული აზრი: ცხოვრება გარდამავალია, ხელოვნება მარადიულია.

ბენუას შემოქმედებაში ასევე აისახა პეტრე დიდის დრო, რომლის წინაშეც ქედს იხრნენ "ხელოვნების სამყაროს" ფიგურები. ჩვენს წინაშეა „პეტრე I სასეირნოდ საზაფხულო ბაღში“.

მეფე ბაღის ხეივანში, შადრევნის წინ, კარისკაცების ჭრელ, ელეგანტურ ბრბოს შორის, იპყრობს ყურადღებას მაღალი აღნაგობით და კმაყოფილი, მხიარული სახით. სხვა ნაწარმოებში - "საზაფხულო ბაღი პეტრე დიდის ქვეშ" იგივეს ვხედავთ. ჩიხები, შადრევნები, პერგოლები და სარდაფები, რომლებიც, სხვათა შორის, ახლა აღდგენილია.

განუმეორებელი ერუდიტი გასული საუკუნეების ყოველდღიური ცხოვრების საკითხებში, ბენუამ იცოდა წეს-ჩვეულებების, კოსტიუმებისა და ინტერიერის ყველა დეტალი. მის მიერ არჩეული საგნები დიდ ისტორიულ საკითხებს არ ეხებოდა; მხატვარი ქმნიდა ფანტაზიებს ცხოვრების პირადი მომენტებისთვის, ცდილობდა ეპოქის სულისკვეთების გადმოცემას. ამ მხრივ საინტერესოა მისი ნახატი „აღლუმი პავლე I-ის ქვეშ“.

ზამთრის მოღრუბლული დღე. ჩამოვარდნილი თოვლის ბადის მეშვეობით შეგიძლიათ იხილოთ ვარდისფერი მიხაილოვსკის ციხე, რომლის მარჯვენა ფრთა ჯერ კიდევ არ არის დასრულებული. ჯარისკაცები ციხესიმაგრის წინ აღლუმზე მიდიან. იმპერატორი, რომელიც დაკავებულია თავისი საყვარელი საქმიანობით - ჯარისკაცების ბურღვით - გამოსახულია ცენტრში თეთრ ცხენზე. მის უკან დგას მისი თანხლები და ვაჟები. პავლე I-ის მსგავსი ოფიცერი მოხსენებას წარუდგენს მეფეს. სიღრმეში ვხედავთ მარშში არ მონაწილე ჯარისკაცების უცნაურ ფიგურებს. ისინი გარბიან მის უკან და იღებენ ჩამოცვენილ ქუდებს. მართლაც, პავლე I-ის მეთაურობით იყო სპეციალური რაზმი, რომელიც უნდა უზრუნველყოფდა, რომ ჩამოვარდნილი ქუდები მიწაზე არ დარჩენილიყო და აეღო ისინი. სურათის ზოგადი გადაწყვეტა, რომელიც წარმოადგენს მკაცრ პეიზაჟს ციხესიმაგრით, გაუთავებლად ცვივა თოვლით, ლაშქრობით მოლაშქრე ჯარისკაცებითა და მეფით - ეს ყველაფერი ქმნის პეტერბურგის გამომხატველ გამოსახულებას პავლე I-ის მეფობის დროს.

ბენუა ასევე იყო შესანიშნავი ილუსტრატორი და თეატრის დეკორატორი. მისი ილუსტრაციები "ყვავი დედოფლისთვის" და "ბრინჯაოს მხედარი" ა.ს. პუშკინისთვის დღემდე შეუდარებელია. "ყვავი დედოფლის" ერთ-ერთ ილუსტრაციაში - "ჰერმანი გრაფინიას შესასვლელთან" - მხატვარმა შექმნა ექსპრესიული სურათი, რომელიც გადმოსცემს გმირის დაძაბულ მოლოდინს, როდესაც გრაფინიას ეტლი შებინდებისას გადის. ნახატი „აზარტული სახლში“ გვიჩვენებს ამ დაწესებულების პირქუშ ატმოსფეროს, სადაც ტრაგედია უნდა განვითარდეს. ბენუა „ბრინჯაოს მხედრის“ ილუსტრირებას ჯერ კიდევ 1905 წელს მიუბრუნდა და არ მიატოვა ეს ნამუშევარი, გააუმჯობესა იგი, სანამ წიგნი არ გამოვიდა. გამოქვეყნდა 1922 წელს. მხატვარმა აჩვენა თეთრი ღამეები, მიჰყვებოდა პოეტის სტრიქონებს „ვწერ, ვკითხულობ ლამპის გარეშე“, წყალდიდობა და განსაკუთრებით შთამბეჭდავი მომენტი - მხედრის უზარმაზარი შავი სილუეტი, რომელიც ჩნდება კუთხეში და ღარიბი ევგენი გარბის მისგან. შიშით - ”მის უკან ყველგან ბრინჯაოს მხედარი დგას, რომელსაც ის მძიმე ფეხზე ატრიალებდა.” ჯერ კიდევ 1904 წელს ბენუამ გამოსცა შესანიშნავი წიგნი ბავშვებისთვის, ”ABC”. თუ ჩვენს დროში ეს წიგნი არ დარჩებოდა მხოლოდ როგორც ანტიკურ ღირებულებად, არამედ ფართოდ ცნობილი ყოფილიყო, ის დიდ სიხარულს მოუტანდა როგორც ბავშვებს, ასევე ზრდასრულ მკითხველებს. წიგნი ხელახლა გამოიცა 1990 წელს. ფანტაზიით სავსე ნახატები და თავად ავტორის ბავშვობის მოგონებები, შთაბეჭდილებები სათამაშოებიდან, რომლებიც ავსებდა მის სახლს, თეატრში ვიზიტებიდან, სადაც სპექტაკლის დროს ეშმაკი გადმოხტა ლუქიდან სცენაზე და ასრულებდა ნათელ „შავგვრემანის“ როლს. ტანსაცმელი - ეს ყველაფერი სამუდამოდ ახსოვდა და აისახა " ABC".
"დაჩის" და "ბაბუას" გამოსახული ნახატები სავსეა კომფორტით და განსაკუთრებული სითბოთი, ხოლო ჯუჯა, რომელიც ტორტიდან გამოვიდა პუდრის პარიკებითა და ელეგანტური კაბებით ბატონებისა და ქალბატონების აღტაცებაში, პირდაპირ მიგვიყვანს ავტორის საყვარელ მე-18-ში. საუკუნეში.

თეატრალური და დეკორატიული ხელოვნების ისტორიაში დაუვიწყარ ფენომენად დარჩა ალექსანდრე ბენუას ბალეტების დიზაინი N.N.Tcherepnin-ის „არმიდას პავილიონი“ მე-18 საუკუნის თემაზე და ი.ფ.სტრავინსკის „პეტრუშკა“ რუსული ფარსის სპექტაკლის თემაზე. ბალეტი „არმიდას პავილიონი“ მაყურებელს ზღაპარში გადაჰყავს გობელენზე გამოსახული ანიმაციური პერსონაჟებით. ეს ბალეტი ჩაძირავს მაყურებელს რაინდების, ბატონებისა და ქალბატონების სამყაროში. ბალეტი „პეტრუშკა“ პარიზში, რუსეთის სეზონებში დაიდგა და მას მოგვიანებით შევეხებით.

ბენუა მრავალმხრივი ნიჭიერი ადამიანი იყო. მან დატოვა მრავალი ნამუშევარი, როგორც ხელოვნებათმცოდნე და რუსული და დასავლეთ ევროპის ხელოვნების ისტორიკოსი, შეისწავლა ნაკლებად შესწავლილი ძეგლები და მივიწყებული ოსტატების შემოქმედება. ზემოთ ნახსენები იყო მისი მონაწილეობა რიჩარდ მუტერის წიგნის "XIX საუკუნეში ფერწერის ისტორია" გერმანულ გამოცემაში. რამდენიმე წლის შემდეგ, 1901 და 1902 წლებში, რუსულ გამოცემაში გამოიცა ბენუას კვლევის ორი ტომი რუსული ხელოვნების შესახებ, რამაც "გამაოგნებელი შთაბეჭდილება" მოახდინა რუსულ საზოგადოებაზე. შემდგომში ბენუამ გამოსცა რამდენიმე წიგნი დასავლეთ ევროპის ხელოვნების ისტორიის შესახებ.ალექსანდრე ბენუა იყო თავისი დროის რუსული კულტურის პირველი ფიგურა, რომელმაც თავისი თანამედროვეების ყურადღება სანქტ-პეტერბურგის არქიტექტურის სილამაზეზე გაამახვილა. ა.ს.პუშკინის შემდეგ პეტერბურგის სილამაზე არავის ახსოვდა. მე-19 საუკუნის მწერლების გავლენით, დედაქალაქი აღიქმებოდა მხოლოდ როგორც სახელმწიფო საკუთრებაში არსებული, ცივი ქალაქი, მტრულად განწყობილი პატარა კაცის მიმართ. „ხელოვნების სამყაროს“ მხატვრებმა თავიანთ ნახატებში აღბეჭდეს პეტერბურგელი არქიტექტორების უკვდავი შემოქმედება, აღმოაჩინეს ცარსკოე სელოს, პეტერჰოფის, პავლოვსკის და ორანიენბაუმის ბაღისა და პარკის ანსამბლების სილამაზე და ჰარმონია. და ამ საკითხში უპირველეს ყოვლისა ბენუას დამსახურებაა.1869 წლის 18 ნოემბერს დაიბადა ხელოვნების სამყაროს გამოჩენილი მხატვარი კონსტანტინე ანდრეევიჩ სომოვი.

ჩვენს წინაშეა მისი ავტოპორტრეტი. მხატვარი დივანზე მოდუნებულ პოზაში წარსდგა. რეპინის მოსწავლის სომოვის ნამუშევრები გამოირჩეოდა ფართო ფუნჯის სტილით და გამოსახულების რეალისტური ინტერპრეტაციით, მისი მშობლების პორტრეტებიც იმავე წესით იყო დახატული. მხატვრის მამა, ანდრეი ივანოვიჩ სომოვი, ერმიტაჟის კურატორი იყო. მან საგრძნობლად გაამდიდრა მუზეუმის კოლექცია გერმანული მხატვრობის ნამუშევრებით.

მხატვრის დედა, ნადეჟდა კონსტანტინოვნა, ლამაზად მღეროდა. სომოვი ასევე იყო მუსიკალურად ნიჭიერი ადამიანი - ნიჭიერი პიანისტი და მომღერალი. მისი და, ანა ანდრეევნა, მიხაილოვაზე დაქორწინებული, მხატვრული ქარგვით იყო დაკავებული. სომოვს ჰყავდა ძმა ალექსანდრე, რომელიც ადრე გარდაიცვალა. სომოვი ძალიან იყო მიჯაჭვული მშობლებთან, ძალიან უყვარდა და-ძმა და დიდ ყურადღებას აქცევდა ობოლი შვილებს. მოგვიანებით დახატულ ძმისშვილის, ევგენი მიხაილოვის მშვენიერ პორტრეტში, სომოვმა თავისი შესრულების ბრწყინვალება შეუთავსა გადმოცემას. გამოსახულების სულიერებაზე.

კარლ ივანოვიჩ მაისის გიმნაზიის დამთავრების შემდეგ, სადაც სომოვი ალექსანდრე ბენოისთან და დიმიტრი ფილოსოფოვთან ერთად სწავლობდა, ის გარკვეული პერიოდის განმავლობაში დაესწრო გაკვეთილებს სამხატვრო აკადემიაში. სომოვის ადრეული ნამუშევრები იყო პეიზაჟები და ახლობელი ადამიანების პორტრეტები. 1890-იანი წლების პეიზაჟებში მან დიდი გრძნობით დაიპყრო ფუმფულა ბუჩქები ფრიალო ფოთლებით, მზის შუქით შემოჭრილი ხის ტოტებში და მკვრივი ბალახის სქელებით. ეს არის ნამუშევრები - „გზა სეჩერინოსკენ“, „ბაღი“ და სხვა.

სომოვმა შექმნა ახალი მიმართულება რუსულ ხელოვნებაში, ისტორიული მხატვრობის ახალი გაგება. ეს თვისება უკვე აშკარა იყო 1890-იანი წლების ნახატებში. მის შემოქმედებაში მთავარია არა ცნობილი მოვლენები, არა გმირების ფსიქოლოგია, არამედ განწყობა, „ეპოქის სულის“ გადმოცემა. უკვე შემოქმედების ადრეულ პერიოდში სომოვმა შეძლო განსაკუთრებული ისტორიული ატმოსფეროს გადმოცემა. მისმა ნახატებმა და ნახატებმა გააცოცხლა მე-18 და მე-19 საუკუნის დასაწყისის დრო, სომოვი დიდხანს და ყურადღებით მუშაობდა თავის ნახატებზე და ნახატებზე და ყოველთვის უკმაყოფილო იყო საკუთარი თავით. ბენუა იხსენებს: „ის ხშირად ზის საათობით (ყოველგვარი გაზვიადების გარეშე) რომელიმე ხაზზე“. დობუჟინსკიმ, "ხელოვნების სამყაროს" გამოფენების მონაწილემ, ასევე გაიხსენა სომოვის ეს თვისება: "ის მუშაობდა, როგორც სეროვი, ძალიან დაჟინებით და ნელა, მხოლოდ საუკეთესო ფერების ამოცნობით /.../ მე მქონდა ნამდვილი სიყვარული მისი ხელოვნების მიმართ. , რაღაც მომეჩვენა... ეს მართლაც ძვირფასი იყო და მისი გავლენა ჩემზე ბენუაზე არანაკლები იყო, არამედ სრულიად განსხვავებული /.../ მისი მხატვრობის თავისუფლება და ოსტატობა, სადაც ნაჭერი არ იყო. რაც გრძნობით არ იყო გაკეთებული, მომხიბლა. და რაც მთავარია, მისი შემოქმედების არაჩვეულებრივმა სიახლოვემ, გამოსახულების საიდუმლოებამ, სევდიანი იუმორის გრძნობამ და მისმა იმდროინდელმა „ჰოფმანურმა“ რომანმა ღრმად აღმაფრთოვანა და გამოავლინა რაღაც უცნაური სამყარო, ჩემს ბუნდოვან განწყობებთან ახლოს /.../ ის იყო დაბალი აღნაგობით, საკმაოდ მსუქანი იმ დროს, ჰქონდა ეკიპაჟის ჭრილი და ულვაშები, ეცვა დიდი გემოვნებით, მაგრამ მოკრძალებულად და ყველა მისი მანერებით, სიარულით და ყველაფრით, რაც ქმნის ადამიანის გარეგნობას, იყო არაჩვეულებრივი მადლი. . მას ჰქონდა განსაკუთრებით ტკბილი სიცილი და ყველაზე გულწრფელი ხალისიანი სიცილი /.../ ჩვენ უჩვეულოდ სწრაფად და გულწრფელად გავერთიანდით და კოსტია გახდა ჩემი ერთ-ერთი უახლოესი და ძვირფასი მეგობარი მთელი ცხოვრება." საყვარელი ქალები, მოხდენილი, მეგობრული ჯენტლმენები ფხვნილში პარიკები, ქანდაკებებით მორთული ბაღები და ბოსკეტები - ეს ყველაფერი იყო სომოვის ნამუშევრების საგნები და პერსონაჟები. მისი მუშაობის ერთ-ერთი მოტივია მყუდრო ინტერიერში მძინარე ახალგაზრდა ქალები, რომლის მაგალითსაც ხედავთ.

იასამნის ოსტატურად დახატულ თაიგულს მახრჩობელა არომატი მოაქვს ქალის ელეგანტურ ოთახში და მის სახეზე ნათელ სიწითლეს იწვევს. სომოვის ნახატებში გაჟღენთილია მხიარული, უნიკალური ლირიზმი ან მსუბუქი დაცინვა, როგორც ჩანს, მაგალითად, ინტერპრეტაციაში. ნამუშევრები "დაცინებული კოცნა", სადაც ბუჩქებიდან ჯენტლმენი ჯაშუშობს კოცნის წყვილს, ან "მოედანი".

იგი აგებულია ტრიპტიქივით, რომლის თითოეულ სცენას აქვს თავისი სასაცილო ეპიზოდი.მე-19 საუკუნის დასაწყისის ყოველდღიური ცხოვრების ატმოსფეროში დახვეწილი შეღწევა გამოირჩევა აკვარელით „გასეირნება წვიმის შემდეგ“.

აქ ნათელი, მშვიდი განწყობა სუფევს. მას შემოაქვს წვიმით გარეცხილი ხეების, ბალახისა და ყვავილების მხიარული, მომწვანო ოქროსფერი ფერები. ცაზე არის ცისარტყელა, რომელიც პირველად გამოჩნდა სომოვის შემოქმედებაში. იგი ავლენს ბუნების სისუფთავეს და სიახლეს ბოლო წვიმის შემდეგ. პარკის ხეივანში, ქანდაკებების წინ, ნახატიან სკამზე, მნახველისკენ ნახევრად შემობრუნებული ზის ქოლგიანი ახალგაზრდა ქალი, ფერადი კაბა და ყვავილებით მორთული ქუდი. აქ ოქროს ტანსაცმელში გამოწყობილი პატარა გოგონა ბალახზე თამაშობს. ორი ახალგაზრდა მამაკაცი, რომლებიც მას მიუახლოვდნენ, ქალბატონს ესაუბრება. როგორც სხვა ნახატებში, სომოვი ნაზად, ზოგადად უფრო დეტალურად განმარტავს ბუნებას და ფიგურებს. იგი ასახავს მხატვრის საყვარელ დროს - მე -18 და მე -19 საუკუნის დასაწყისში - დახვეწილად და პოეტურად. სომოვი იყო მშვენიერი პორტრეტი, რომლის ნამუშევრები მკვლევარებმა ლევიცკისა და კრამსკოის ნამუშევრებს უტოლდება. მან შექმნა "ვერცხლის ხანის" პერსონაჟების პორტრეტების გალერეა, მცირე რაოდენობით, მაგრამ მისი ფერწერული ღირსებებით: ესენი იყვნენ მხატვრები, პოეტები, საზოგადოების ქალბატონები, ნათესავები და მეგობრები. სომოვმა გამოსახულების საკუთარი გაგება შემოიტანა პორტრეტები. ამ თვალსაზრისით უნიკალურია სომოვის მეგობრის ალექსანდრე ბენუას მეუღლის ანა კარლოვნა ბენუას პორტრეტი.

მას ხალისიანი, ხალისიანი ხასიათი ჰქონდა და ცოცხალი, ენერგიული, ფლირტატი ახალგაზრდა ქალი იყო. პორტრეტზე ვხედავთ მოაზროვნე, გარკვეულწილად გარესამყაროსგან მოწყვეტილ, თავმოყვარე ქალს მე-18 საუკუნის მიწურულის კაბაში. იგი გამოსახულია პარკში, რომელიც შორეულ ფონზეა დადგმული. მხატვარმა ამ პორტრეტისთვის პასტელი ტექნიკა აირჩია, მიუხედავად იმისა, რომ პორტრეტი საკმაოდ დიდია და ასეთი დიდი ფორმატის პასტელი ნამუშევრები სომოვის შემოქმედებით მემკვიდრეობაში აღარ გვხვდება. აქ ამ ტექნიკას აქვს იდეოლოგიური მნიშვნელობა: პასტელი საშუალებას გაძლევთ აღიქვათ საგნები, თითქოს მსუბუქი ნისლის მეშვეობით, რაც შეესაბამება ჰეროინის გააზრებულობას და სურათის მთელ ატმოსფეროს. სომოვმა შექმნა ნახატში თანამედროვე ადამიანის ღრმა, ტრაგიკული სურათი. "ქალბატონი ცისფერში."

ცნობილია, რომ აქ წარმოდგენილია მისი თანაკურსელი აკადემიაში, მხატვარი ელიზავეტა მიხაილოვნა მარტინოვა. მან ხანმოკლე სიცოცხლე გაატარა - გარდაიცვალა ფილტვების დაავადებით. მისი ბედნიერების, წარმატებისა და აღიარების იმედები არ განხორციელებულა. "ქალბატონი ცისფერში" ეპოქის ერთგვარ სიმბოლოდ იქცა. მხატვარმა სურათზე წარმოადგინა ახალგაზრდა ქალი ძველებურ კაბაში, პარკის სიმწვანეს ფონზე, წიგნით ხელში. მაყურებელზე მიპყრობილი მისი მზერა სავსეა სევდითა და დარდით. კაბის მდიდარი ლურჯი ფერი კონტრასტს უწევს საყელოს თეთრ მაქმანს და ხაზს უსვამს ლამაზი სახის ფერმკრთალს. მხატვარმა სიმბოლური მნიშვნელობა მისცა E.M. Martynova-ს პირად გამოცდილებას, შექმნა განზოგადებული სურათი.
კიდევ ერთი "ეპოქის სურათი" გადაიღო სომოვმა მხატვრის ანა პეტროვნა ოსტროუმოვას პორტრეტში - (1905 წლიდან - ოსტროუმოვა-ლებედევა).

სომოვი პორტრეტზე მუშაობდა ძალიან დიდი ხნის განმავლობაში - 1900-1901 წლების ზამთარში. სამოცდასამი სესია გაიმართა, თითოეული ოთხ საათს გაგრძელდა. ანა პეტროვნამ გაიხსენა, რომ ის "ჩალაპარაკებდა, იცინოდა, ტრიალებდა", მაგრამ სურათზე იგი "მეოცნებე, სევდიანი ფიგურა" აღმოჩნდა. ”სომოვს არაფერი აშორებდა თავდაპირველ ამოცანას.” მან გამოავლინა მოდელის სულიერი არსი, მისი სერიოზულობა და დაფიქრება, მიუხედავად იმისა, რომ თავად ანა პეტროვნა ხუმრობდა და იცინოდა სესიებზე, რადგან მას მხიარული ხასიათი ჰქონდა. მაგრამ სომოვმა შექმნა თავისი დროის შემოქმედებითი პიროვნების განზოგადებული სულიერი სურათი. პორტრეტი შესრულებულია მუქ პალიტრაში ღრმა ლურჯი, ვარდისფერი და იასამნისფერი ტონების ვარიაციით. სომოვის პეიზაჟები ხშირად იყო გამოფენილი გამოფენებზე: ეს არის დაჩის ადგილები სანკტ-პეტერბურგთან, მარტიშკინოსთან, სადაც მისი ოჯახი ცხოვრობდა ზაფხულში, გზები, სახნავი. მიწები, გლეხის ეზო და ა.შ. მაინც მისი შემოქმედების მთავარი თემა დარჩა, ისევე როგორც ბენუას მე-18 საუკუნე. ბატონები და ქალბატონები პარიკებში და კრინოლინებში, მასკარადები არლეკინებთან და კოლუმბიებთან, სასიყვარულო პაემნები, იდუმალი წერილები, სცენები იტალიური კომედიებიდან სომოვის ნახატების ტიპიური თემაა.

მხატვარი ასევე მუშაობდა ფაიფურში, ქმნიდა მსგავს სურათებს, მაგალითად, „ქალბატონი ნიღბის ამაღლებას“. ამავდროულად, სომოვის ნამუშევარი შეიცავს ცხოვრების სწრაფად განვლილ მომენტებს, რომლებიც სიმბოლურად არის ცისარტყელა და ფეიერვერკი, რომელიც ხშირად გვხვდება მის ნახატებში. სომოვს უყვარდა ის დიდი ხნის წარსული სამყარო, რომელსაც მან მიუძღვნა თავისი ნამუშევრები, და მხატვრის ნიჭი. მის ხელოვნებას უნიკალური, გამჭოლი ხიბლი მოუტანა. სწორედ ეს თვისებები განასხვავებს 1921 წლის ნახატს "არლეკინი და ლედი".

"არლეკინადების", იტალიური ფესტივალების, "არლეკინების და ქალბატონების" თემა მხატვრის მიერ წლების განმავლობაში შეიმუშავა, სხვადასხვა ვერსიით და სხვადასხვა ტექნიკით - გუაში, აკვარელი, ზეთი ტილოზე. ჩვენს წინაშეა ერთ-ერთი ასეთი ნახატი. წინა პლანზე, როგორც თეატრის სცენაზე, არლეკინის კოსტუმში გამოწყობილი ქალბატონი და ჯენტლმენი ცეკვავენ მაყურებლის პირისპირ. ისინი ცეკვავენ ტოტების თაღის ჩარჩოში, დახვეწილი დახვეწილობით. სიღრმეში, ხეებს შორის, მასკარადის კოსტიუმებში გამოწყობილი წყვილები ტრიალებენ და ბნელ ცაში ფოიერვერკები დაფრინავენ. ვარდების აყვავებულ თაიგული, რომელიც ამშვენებს სცენას, თითქოს ძლიერ სურნელს აფრქვევს და საუბრობს მარადიულ, განუყრელ სილამაზეზე. მხატვარმა შექმნა საკუთარი ფანტასტიკური სამყარო სიცოცხლის, გართობისა და სილამაზის აღნიშვნისთვის. მაგრამ ამ ყველაფერში არის მწუხარების შენიშვნა - რომ ეს სამყარო გაცოცხლდა მხოლოდ მხატვრის წარმოსახვაში. "ხელოვნების სამყაროს" სიდიდით მესამე წარმომადგენელი იყო ლევ სამოილოვიჩ ბაკსტი (როზენბერგი).

ის წარმოშობით მდიდარი ებრაული ოჯახიდან იყო. ბაკსტი დაიბადა 1866 წლის 27 აპრილს ქალაქ გროდნოში, მაგრამ ოჯახი მალე გადავიდა პეტერბურგში, სადაც მომავალი მხატვარი დაინტერესდა თეატრით და დებთან და უმცროს ძმასთან ერთად სახლში მოაწყო „თეატრალური თამაშები“. ბაკსტის ბავშვობის შთაბეჭდილებების შესახებ საინტერესო ინფორმაციას გვაწვდის მისი ბიოგრაფი N.A. ბორისოვსკაია, ციტირებს თეატრის ისტორიკოსს ანდრეი ლევინსონს, რომელსაც ბაკსტმა უთხრა თავის შესახებ: ”მისი ცხოვრების პირველი წლები ბაბუასთან შეხვედრების შთაბეჭდილების ქვეშ გაატარა (1891 წელს ბაკსტმა მიიღო მისი გვარი). უფროსი ბაკსტი, „მეორე იმპერიის პარიზელი“, ეპიკურელი, სოციალისტი, მორნის ჰერცოგის მეგობარი (ფრანგი დიპლომატი და ვოდევილი ავტორი, რომელიც ალფონს დოდემ განასახიერა რომანში „ნაბობი“ გრაფის სახელით. მორა), მოგონებებში ჩაძირულმა პეტერბურგში გაატარა თავისი ცხოვრება. უძველესი კამერების დახვეწილობა, მისი სახლის ავეჯის ფუფუნება ბაკსტისთვის იყო მისი ადრეული ბავშვობის თითქმის ერთადერთი მხატვრული შთაბეჭდილება, ხოლო თავად ბაბუა - საოცარი მოხუცი, სავსე საიდუმლოებითა და ხიბლით - მის მეხსიერებაში იყო შემონახული. კარგი გემოვნების განსახიერება.

საშუალო სკოლაში მომავალი მხატვარი ნახატზე იყო დამოკიდებული. მოქანდაკე მარკ მატვეევიჩ ანტოკოლსკიმ ახალგაზრდას სამხატვრო აკადემიაში შესვლა ურჩია. პირველად ვერ მოხვდა, მაგრამ სპეციალური პროგრამის მიხედვით კერძო გაკვეთილების შემდეგ მცდელობა წარმატებით დასრულდა. იმ დღეებში მხატვრები, თუნდაც ყველაზე ცნობილი, ყოველთვის არ ამთავრებდნენ ამ საგანმანათლებლო დაწესებულებას. მაგალითად, ვიქტორ ვასნეცოვმა, ვრუბელმა, ბენოისმა, სეროვმა და სომოვმა აკადემია სხვადასხვა მიზეზის გამო დატოვეს. დიპლომის მიღებამდე ბაკსტმაც დატოვა აკადემია. მისი ნახატი „ქრისტეს გოდება“ ახალი ჟანრში, იმ დროისთვის რეალისტურად არის შესრულებული და აკადემიურმა საბჭომ გააკრიტიკა.

ამ დროისთვის ბაკსტის მამა გარდაიცვალა და ოჯახს ფინანსური დახმარება სჭირდებოდა. ბაკსტი ბევრს მუშაობდა ბავშვებისთვის სხვადასხვა ჟურნალებისა და წიგნების ილუსტრირებაზე ოჯახის დასახმარებლად. მან მალევე გაიცნო ძმები ალბერტი და ალექსანდრე ბენოები და დაიწყო ზემოხსენებულ ბენუას წრეში დასწრება. 1893 წელს ბაკსტი გაემგზავრა პარიზში, სადაც სწავლა განაგრძო ფრანგი მხატვრების, კერძოდ ჟან-ლუი ჟერომის, სალონ-აკადემიური ნაწარმოებების ავტორის და ფინელი მხატვრის ალბერტ ედელფელტის, სანახაობრივი პორტრეტების ცნობილი ოსტატის კერძო სტუდიებში. პეიზაჟები, ისტორიული და ჟანრული ნახატები.

ლევ ბაკსტმა დაიწყო შემოქმედებითი კარიერა, როგორც პორტრეტის მხატვარი. 1890-იან წლებში და მე-20 საუკუნის დასაწყისში მის მიერ შექმნილმა პორტრეტებმა მყარად დაიმკვიდრა ადგილი ხელოვნების ისტორიაში. ბაკსტის პერსონაჟის თანდაყოლილი მხატვრულობა აისახება 1893 წლის წარმოდგენილ ავტოპორტრეტში. მხატვრის ტრადიციული ხავერდოვანი ბერეტი და ფხვიერი ბლუზა ხაზს უსვამს მის შემოქმედებით გარეგნობას, მაგრამ ამავე დროს ვლინდება მთავარი - იმპულსურობა, ნებისყოფა, ხასიათის სიმტკიცე. ლევიტანის სიკვდილამდე ერთი წლით ადრე ბაკსტმა დაასრულა მისი გრაფიკული პორტრეტი. ლევიტანის გამომხატველი სახე ძლიერ შთაბეჭდილებას ახდენს მისი დიდი თვალების ღრმა და სევდიანი გამოხედვით.

ბაკსტმა შექმნა მხატვრების, პოეტების, მუსიკოსების - შემოქმედებითი პიროვნებების პორტრეტები ახლობლებისგან. S.P. Diaghilev-ის ცნობილ პორტრეტზე უკვე ვისაუბრეთ. ცოტა ადრე - 1902 წელს - ბაკსტმა დახატა უცნობი ქალბატონის პორტრეტი სახელწოდებით "ვახშამი. ქალბატონი ფორთოხლებით."

ითვლება, რომ პროტოტიპი იყო ბენუას ცოლი, ანა კარლოვნა. მაგრამ ჩვენს წინაშე არ არის კონკრეტული პორტრეტი, არამედ ქალბატონის განზოგადებული გამოსახულება არტ ნუვოს სტილში. სურათზე დომინირებს შავ კაბაში გამოწყობილი ქალბატონის მოხდენილი სილუეტი, რომელსაც ეცვა შავი ქუდი, რომელიც უზარმაზარ პეპელას ჰგავს, თითქმის უფერო ფონზე მომწვანო ელფერით, განსხვავებით ფორთოხლის ნარინჯისფერი ლაქებისგან. ეს ფერის სქემა ანიჭებს ფერწერას დახვეწილობას და დეკორატიულობას. და არა მხოლოდ ფერის სქემა. ქალის სილუეტის ხაზგასმული ხაზოვანი გადაწყვეტა ეწინააღმდეგება მისი კაბის აყვავებულ მატარებელს და სუფრის გადასაფარებლის განზოგადებულ, თითქოს დაუდევრად დაწერილ ნაკეცებს. დეკორატიულობა, კონტრასტი, გამოსახულების გარკვეული საიდუმლო - ყველა ეს თვისება თანდაყოლილია არტ ნუვოს სტილში.

ასევე ცნობილია პოეტ ზინაიდა გიპიუსის, მწერლის დიმიტრი სერგეევიჩ მერეჟკოვსკის მეუღლის პორტრეტი, რომელმაც თავისი წვლილი შეიტანა ჟურნალში თავისი ლიტერატურული კვლევებით. მისი ფიგურა თითქოს იყო „ჟურნალის მიერ გამოთქმული მხატვრული მოდერნიზმის ცოცხალი განსახიერება“. ზინაიდა გიპიუსის მახვილმა ენამ და ექსპრომტულმა პოეზიამ შეხვედრებზე იუმორისტული ნოტა მოიტანა. ამრიგად, მისი ერთ-ერთი პოეტური ხუმრობა ახასიათებს დიაგილევის როლს გაერთიანების საქმეებში:

ნაპოლეონი მართავდა ხალხებს
და იყო მის წინაშე დიდი შიში,
პატივი გმირს! ნუ დავარღვევთ კანონს!
და ზედამხედველობის გარეშე, ჩვენ ყველანი უბედურნი ვართ.

ქათმის კუბოს ეძლევა ერთი მამალი,
ის მართავს, ამრავლებს თავის ვასალებს.
ნახირში კი ნაპოლეონია: ვერძი.
და ხელოვნების სამყაროში არის: სეროჟა.

მოგვიანებით, დიაგილევის ცნობილი „რუსული სეზონების“ დროს, ბაკსტი ცნობილი გახდა, როგორც თავისი ეპოქის გამოჩენილი თეატრის დეკორატორი. ამ მსოფლიო წარმატებისკენ ის უკვე მიდიოდა პეტერბურგში. ზემოთ აღინიშნა, რომ ბაკსტი, სანამ ჯერ კიდევ ბენუას წრის წევრი იყო, დაინტერესდა ძველი საბერძნეთით და მას შემდეგ უძველესი თემა გახდა წამყვანი მის ხელოვნებაში. 1902 წელს მან დააპროექტა ევრიპიდეს პიესა „იპოლიტე“, ხოლო 1904 წელს სოფოკლეს „ოიდიპოსი კოლონოსში“ სანქტ-პეტერბურგის ალექსანდრინსკის თეატრის სპექტაკლებისთვის. „იპოლიტეში მოქმედება მოხდა სამეფო სასახლეებში და ტაძრის წინ. მთავარმა გმირებმა - დედოფალმა შეყვარებულმა დედოფალმა და მშვენიერმა ახალგაზრდამ - შთააგონეს მხატვარს, შეექმნა ბრწყინვალე ფერადი ტანსაცმელი. მაგრამ "ოიდიპოსში" გმირები არიან ოიდიპოსი, რომელმაც დააბრმავა თავი და გაიარა ნებაყოფლობითი გადასახლება, მოგზაურობდა თავის მეგზურთან, ქალიშვილ ანტიგონესთან ერთად. მათხოვრების ნაწიბურების შექმნა რთული საქმეა ფუფუნების მოყვარული ბაკსტისთვის. მან თავისი სული სამოსით უმღერა უძველესი გუნდისთვის. დახვეწილი შავ-თეთრი კოსტიუმები ვერცხლისფერი აქცენტებით განსაცვიფრებლად გამოიყურებოდა მდიდარი მწვანე ფოთლების ფონზე.”

1903 წელს ერმიტაჟის თეატრის სცენაზე დიდი წარმატებით შესრულდა ბალეტი "თოჯინების ფერია", სპექტაკლის კოსტიუმები და დეკორაციები გაკეთდა ბაკსტის ესკიზების მიხედვით. ”თოჯინების ზღაპრის ერმიტაჟის წარმოების წარმატება იმდენად დიდი იყო, რომ იგი მაშინვე გადავიდა მარიინსკის თეატრის სცენაზე”, სადაც იგი დარჩა ოცდაორი წლის განმავლობაში. ბაკსტმა შექმნა სპექტაკლი 1850-იანი წლების სტილში, რომელიც განსაკუთრებით მოეწონა საზოგადოებას.ბაკსტმა მონაწილეობა მიიღო ჟურნალ World of Art-ის დიზაინში, შექმნა ვინეტები და სქრინსეივერები, რომლებშიც ანტიკური თემა ჭარბობდა. განსაკუთრებით ცნობილი გახდა „ხელოვნების სამყაროს“ სიმბოლოს „ბაკსტის“ მიერ შექმნილი ბრენდი, თავზე ამაყად მჯდომი ძლიერი, მაგრამ მარტოსული არწივის სახით. სინათლისა და ჩრდილის დიდი ლაქები ქმნის კონტრასტს და ხელს უწყობს არწივის გამოსახულების მონუმენტურობას, რაც შეესაბამება "ხელოვნების სამყაროს" მნიშვნელობას მხატვრულ ცხოვრებაში. ბაკსტის ყველაზე დიდი, მონუმენტური ნამუშევარი ამ წლებში იყო "ელიზიუმი" - ფარდა. ვერა ფედოროვნა კომისარჟევსკაიას დრამატული თეატრისთვის, რომელიც დასრულდა 1906 წელს.

ფარდა ასახავს სამოთხეს. „იქ, მოკვდავებისთვის უხილავი, მარადიულად ცხოვრობენ კურთხეული გმირები, რომლებმაც მიიღეს უკვდავება ღმერთებისგან“. ფარდა მართლაც უზარმაზარია - ათ მეტრზე მეტი სიმაღლე და დაახლოებით შვიდი მეტრი სიგანე. ტილოს მთელ სივრცეს უკავია მარადმწვანე ხეები, რომელთა წინააღმდეგ მდიდრული ვაზებისა და თეთრი მარმარილოს სვეტების კაშკაშა ყვავილები ანათებს. ამ ბრწყინვალებას შორის ძლივს შესამჩნევია ადამიანების პატარა ფიგურები, რომლებიც აღმოჩნდნენ ამ სამოთხეში „ღმერთების განსაკუთრებული მადლით“. თუმცა, ეს „სამოთხე“ ბნელ შთაბეჭდილებას ახდენს: გიგანტური ხეების გამწვანება ძალიან ბნელია, იქ დაკარგული ადამიანების ფიგურები ძალიან მცირეა, რომელთა პოზებში იგრძნობა შფოთვა. როგორც ჩანს, მხატვარს ახსოვდა ძველი ბერძნების ფატალიზმი და მათი ღმერთების მერყევობა.

1907 წელს ვ.ა.სეროვთან ერთად ბაკსტმა იმოგზაურა საბერძნეთში; თავის შთაბეჭდილებებზე მან ისაუბრა წიგნში "სეროვი და მე საბერძნეთში", რომელიც გამოქვეყნდა 1923 წელს. საბერძნეთის პეიზაჟებმა, რომლებიც მხატვრებმა ნახეს, ძლიერი და მოულოდნელი შთაბეჭდილება მოახდინეს თავიანთი ფერებით და შემდგომში ემსახურებოდნენ ბაკსტსაც და სეროვსაც ძველ თემაზე ნამუშევრებისთვის. ბაკსტი წერდა: „...რა მოულოდნელი საბერძნეთი! ქვიშიან-მოწითალო კლდეების რიგები გაჭრილია ციხესიმაგრეების მუქი ყვითელი ჰორიზონტალური ხაზებით, სადაც - შორიდან, სათამაშო - პაწაწინა ჯარისკაცები მიდიან სვეტებად. ზევით არის მიმოფანტული ნაცრისფერი ზეთისხილის კორომები; კიდევ უფრო მაღალი - ისევ შიშველი კლდეები - ველური, კლასიკური, ჭრელი, ლეოპარდის კანივით, არარეგულარული მუქი ყავისფერი ლაქებით. შემდგომში, 1911–1912 წლების ბალეტების დეკორაციებსა და კოსტიუმებში დიაგილევის რუსული სეზონების ძველ თემებზე და დეკორატიულ პანელებში ლონგის მოთხრობის თემაზე „დაფნისი და ქლოე“, II–III საუკუნეების მწერალი და სხვა ნამუშევრები. ქვემოთ იქნება განხილული) ბაკსტმა შექმნა მითიური საბერძნეთის ატმოსფერო. საბერძნეთში მოგზაურობამ ასევე იმოქმედა სეროვის შემოქმედებაზე. მან გააერთიანა შთაბეჭდილებები საბერძნეთის პეიზაჟებიდან და ნახატები ძველ ვაზებზე ნახატებში "ოდისევსი და ნაუსიკა" და "ევროპის გაუპატიურება", რაც გამოსახულებებს ანიჭებდა არტ ნუვოს სტილს თანდაყოლილი კუთხითა და განზოგადებით. ბაქსტის გატაცებამ ძველი საბერძნეთი გამოიწვია. სიმბოლურ ნაწარმოებს „Terror antiquus“ („ძველი საშინელება“).

ბაკსტმა ეს ნახატი საბერძნეთში გამგზავრებამდეც დაიწყო, მაგრამ მოგზაურობამ იგი ახალი შთაბეჭდილებებით გაამდიდრა. სამუშაოები მან 1908 წელს დაასრულა. სურათი ასახავს მითიური ატლანტიდის სიკვდილს, რომელიც შეიძლება ასოცირდებოდეს სამყაროს სიკვდილის იდეასთან, მოახლოებული სოციალური და სოციალური კატასტროფის შესახებ, რომელიც შემოქმედებითი ინტელიგენციის ბევრმა წარმომადგენელმა იწინასწარმეტყველა მე-20 საუკუნის დასაწყისში. ბაკსტის დიდი, თითქმის კვადრატული ნახატი ასახავს „კლდოვანი არქიპელაგის პანორამას, რომელიც შთანთქა ზღვის სიღრმეში, საშინლად მიმავალი ადამიანის პატარა ფიგურები და მათზე ამაყად მაღლა დგას სხვადასხვა საუკუნის შენობები და ქანდაკებები, ცენტრში - სიმბოლოდ. მარადიული უხრწნელი სილამაზის - არქაული აფროდიტე იდუმალი ღიმილით სახეზე.“ ქვის ტუჩები და ლურჯი მტრედი ხელში. ტილო, შთაგონებული ატლანტიდის სიკვდილის ისტორიით, ისევე როგორც სხვა ნახევრად მეცნიერული, ნახევრად ფანტასტიკური ჰიპოთეზები, რომლებიც აქტიურად შემოიჭრნენ მე-20 საუკუნის დასაწყისის ლიტერატურასა და ხელოვნებაში, ირიბად ასახავდნენ მხატვრის უზარმაზარი სოციალური აჯანყების აღქმას. რომელმაც დაადასტურა მომავალი თაობებისთვის მინიჭებული კულტურული ფასეულობების მუდმივი მნიშვნელობა“. მკვლევარის ზემოაღნიშნულ ტექსტს შეგვიძლია მხოლოდ დავამატოთ, რომ სამყაროს სიკვდილის (ან ატლანტიდის სიკვდილის) იდეა არ ეწინააღმდეგება მხატვრის ინტერპრეტაციას არა მხოლოდ „უხრწნელი სილამაზის“, არამედ ის, რაც განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია. ჩვენ - ყოვლისმომცველი სიყვარულის ძალა, განსახიერებული - და არა შემთხვევით - ქალღმერთის გამოსახულებაში აფროდიტეს სიყვარული. შემდგომში ბაკსტის მთელი შემოქმედებითი საქმიანობა დაკავშირებული იყო დიაგილევის "რუსულ სეზონებთან", რისთვისაც მან შექმნა ცნობილი ესკიზები. კოსტიუმები და დეკორაციები, რომლებიც სამუდამოდ დარჩება ბალეტის ისტორიაში. ეს ნამუშევარი ქვემოთ იქნება განხილული, ბენუა, სომოვი და ბაკსტი არიან „ხელოვნების სამყაროს“ მთავარი და ყველაზე ტიპიური წარმომადგენლები, რომელთა ნამუშევრებმა განსაკუთრებით ნათლად განასახიერა ასოციაციის მხატვრული და იდეოლოგიური ორიენტაცია. მალე - 1900 წელს - მათ შეუერთდნენ ევგენი ევგენიევიჩ ლანცერეი და ანა პეტროვნა ოსტროუმოვა (1905 წლიდან - ოსტროუმოვა-ლებედევა); 1902 წელს – მესტილავ ვალერიანოვიჩ დობუჟინსკი. ლენსერი, ბენუას ძმისშვილი, მხოლოდ ხუთი წლით უმცროსი იყო ბიძაზე. ცნობილი მოქანდაკის ევგენი ალექსანდროვიჩ ლანსერისა და ალექსანდრე ბენოის უფროსი დის, ეკატერინა ნიკოლაევნას ვაჟი, ის გაიზარდა შემოქმედებით გარემოში და, ხელოვნების სამყაროს გავლენის გარეშე, მე-18 საუკუნე თავის მთავარ თემად აქცია. მაგრამ ამავდროულად, როგორც დობუჟინსკი იხსენებს, ”ის იშვიათად სტუმრობდა დიაგილევს, თითქოს არ იყო მთელი ატმოსფეროს ”ტონში” - /.../ მომწონდა მასში მისი კეთილგანწყობა, ბენუას მსგავსი, განსაკუთრებული მოკრძალება და ამავე დროს „ღიაობა“ და ერთგვარი კეთილშობილება. გარეგნულად კი ასეთი იყო: გამხდარი, ლამაზი გრძელი სახით, მკვეთრი პროფილით და ნათელი თვალებით. ის, რაც მან დახატა თავისი მამაცი და ძლიერი ხელებით - ძლიერმა, თითქოს რკინის ხაზმა - ჩემზე დიდი შთაბეჭდილება მოახდინა.

ლანსერის ნახატები, რომლებიც ეძღვნება პეტრე დიდის ეპოქას და ძველი პეტერბურგის ხედებს - "პეტერბურგი მე -18 საუკუნის დასაწყისში. თორმეტი კოლეგიის შენობა“, „პეტრე I-ის ნავი“, „გასეირნება პიერზე“, „ძველი ნიკოლსკის ბაზარი პეტერბურგში“, „პეტრეს დროინდელი გემები“ შესანიშნავად გადმოსცემს მშენებარე პეტერბურგის ატმოსფეროს, მის მოქალაქეებს. და თუნდაც ამინდი ძლიერი ქარით და მოღრუბლული დღეებით. პეტრე დიდის ეპოქის განსაკუთრებული ხედვაა მე-18 საუკუნის პირველ მეოთხედში სანქტ-პეტერბურგის გამოსახულება, რომელიც მხატვრის მიერ შეიქმნა ნახატზე წმინდა ევგენიას თემის საფოსტო ბარათისთვის - „ძველი ზამთრის სასახლე მე-18 საუკუნის შუა ხანებში”: ხიდი ზამთრის არხზე ხსნის პეტრეს ძველი ზამთრის სასახლის ხედს. ლანსერეი, დიდი გრძნობითა და ავთენტურობით, მაყურებელს წარსულის ეპოქის რეალურ სამყაროში შეჰყავს. ნახატზე "იმპერატრიცა ელიზავეტა პეტროვნა ცარსკოე სელოში", ლანსერეიმ შექმნა იმპერატორის დიდებული გამოსახულება, რომელიც სასახლეს პარკში ტოვებდა თავისი დიდი თანხლებით.

ლენსერის ნიჭი გვარწმუნებს მომხდარის უდავო რეალობაში, თითქოს მხატვარმა ეს სცენა საკუთარი თვალით ნახა. მხატვარი და მხატვარი, მუშაობდა ილუსტრატორად, თეატრის დიზაინერად და ინტერიერის დიზაინერად. მან ასევე დაამშვენა ჟურნალი World of Art ვინიეტებით, თავსატეხებითა და ბოლოებით და შექმნა საკუთარი World of Art სიმბოლო - ფრთიანი ცხენის პეგასუსის გამოსახულება, რომელიც დაფრინავს დედამიწის სივრცეებზე. ლანსერის გრაფიკული უნარები განვითარდა ხელოვნების სამყაროს მიღწევების შესაბამისად. ხელოვნების სამყაროს ყველა ხელოვანის ოსტატობა წიგნის დიზაინშიც გამოიკვეთა. ნახატის წიგნის გვერდთან შესაბამისობაში მოყვანის სურვილი, ფურცლის სიბრტყეს დაქვემდებარება - ეს იყო ილუსტრაციის კანონების ახალი გაგება. თუ ბენოისმა და დობუჟინსკიმ შეიტანეს მე-18 ან მე-19 საუკუნის დასაწყისის მოტივები თავიანთ ვინეტებსა და ეკრანმზოგველებში, სომოვი შეიცავდა ყვავილოვან ორნამენტებს, ბაკსტი კი უძველესი მოტივებიდან იყო, მაშინ ლანსერეი ასევე გადაიქცა ფანტასტიკურ სურათებზე - დრაკონები, ზღაპრული გველები. 1941 წ. ლანსერეი დაინტერესდა ლევ ნიკოლაევიჩ ტოლსტოის მოთხრობის „ჰაჯი მურადის“ ილუსტრაციით. სიუჟეტი მწერლის გარდაცვალების შემდეგ გამოქვეყნდა. ლენსერეი კავკასიაში გაემგზავრა, რათა დაენახა ის ადგილები, სადაც მოხდა სიუჟეტში აღწერილი მოვლენები და ჭეშმარიტად აესახა მოქმედება. „ამიტომ, ილუსტრაციებზე მუშაობის პირველი ეტაპი თითქმის მეცნიერული, კვლევითი ხასიათისა იყო“, წერს მკვლევარი. „ლენსერიმ შეაგროვა იკონოგრაფიული მასალა, შეისწავლა /.../ მემუარების ლიტერატურა“. სიუჟეტის მოქმედება ვითარდება არა მხოლოდ კავკასიაში, არამედ პეტერბურგშიც, რამაც განსაზღვრა ნახატების სტილი. კავკასიის თემაზე ილუსტრაციები შესრულებულია თვალწარმტაცი, ემოციურად, როგორც, მაგალითად, ნახატზე „ჰაჯი მურატი ეშვება მთებიდან“ და მხატვარმა ნათლად გრაფიკულად ასახა პეტერბურგის ხედი სასახლის მოედანზე. , სკვერის ჩარჩოების არქიტექტურის შესაბამისი. მოგვიანებით ლანსერეი მუშაობდა ძირითადად ილუსტრატორად და თეატრის მხატვრად, მესტილავ ვალერიანოვიჩ დობუჟინსკი ასევე გახდა ხელოვნების სამყაროს ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენელი, მიუხედავად იმისა, რომ იგი ასოციაციაში ცოტა მოგვიანებით შეუერთდა.

დობუჟინსკი დაიბადა ნოვგოროდში, გენერლის ოჯახში. ბავშვობა პეტერბურგში გაატარა. სწავლობდა იურიდიულ უნივერსიტეტში, შემდეგ რამდენიმე წლის განმავლობაში მიუნხენის კერძო ხელოვნების სკოლაში. პეტერბურგში დაბრუნებისთანავე დობუჟინსკი შევიდა რკინიგზის სამინისტროში, რამაც ხელი არ შეუშალა მის მხატვრობას. მიუნხენში სწავლის დროს მისმა დიდი ხნის ნაცნობმა, იგორ ემანუილოვიჩ გრაბარმა მას დიაგილევი და ბენუა გააცნო. ”ჩემი პირადი გაცნობა ხელოვნების სამყაროსთან მოხდა, როდესაც ჟურნალი უკვე აყვავებული იყო - მისი არსებობის მესამე წელს”, - იხსენებს დობუჟინსკი. – /…/ იმავე დღეს გრაბარმა მიმიყვანა დიაგილევთანაც და ბენუასთანაც. ბენუა იმ დროს ჟურნალის „რუსეთის მხატვრული საგანძურის“ რედაქტირებით იყო დაკავებული და, მართალია, „ხელოვნების სამყაროს“ „სული“ იყო, დიაგილევს შედარებით იშვიათად სტუმრობდა და მისი ჟურნალის რედაქციაში შევხვდი. დიაგილევის ბინა, სადაც რედაქცია იყო განთავსებული, იყო ტიპიური პეტერბურგის "ბატონური" ბინა, დიდი ფანჯრებით, რომელიც გადაჰყურებდა ფონტანკას. მას სამშაბათს ჰქონდა თანამშრომლების შეხვედრები. დავიწყე ამ შეხვედრებზე ყოველკვირეულად დასწრება. ხალხმრავალი და ძალიან ცოცხალი იყო. სასადილო ოთახში, ჩაის მაგიდასთან გამხმარი პურით, სამოვართან ძიძა დუნია მეთაურობდა, ... (უკვდავყო ბაკსტმა იმავე პორტრეტში დიაგილევთან ერთად), რომელმაც სასადილო ოთახს ძალიან ტკბილი და მოულოდნელი სიმყუდროვე აჩუქა. . ყველამ ხელი ჩამოართვა. ეს შეხვედრები უბრალოდ სოციალური შეხვედრები იყო და ამ სამშაბათს ყველაზე ცოტა რამ ითქვა თავად ჟურნალზე. ეს გაკეთდა სადღაც "კულისებში" და თითქოს სახლში: მთელი სამუშაო შეასრულეს თავად დიაგილევმა და ფილოსოფოვმა, დიდი ხნის განმავლობაში მდივანი არ იყო (მაშინ მოკრძალებული სტუდენტი გრიშკოვსკი გამოჩნდა). ბაკსტი, დიაგილევის უკანა ოთახში, ასევე აკეთებდა "ბინძურ საქმეს" - აკეთებდა ფოტოებს კლიშეებისთვის, ამზადებდა საკუთარ წარწერებსაც კი ჟურნალისთვის და ა.შ. რომელსაც დიაგილევის ლაკეი ეჩხუბებოდა – შავთმიანი ვასილი ზუიკოვი, რომელიც პეტერბურგს ყველანაირი სარედაქციო დავალებით დაფრინავდა“. ჩვენ ვხედავთ, რომ დობუჟინსკის მოგონებები რედაქციაში გაბატონებული ატმოსფეროს შესახებ განაგრძობს დიაგილევის ბინაში შეხვედრებისა და შეხვედრების კიდევ ერთი მონაწილის, მწერლის პ.პ. პერცოვის, ზემოთ მოყვანილი ამბავი. და შემოქმედებითობითა და ენერგიით გაჯერებული ეს ატმოსფერო აერთიანებდა ასეთ განსხვავებულ ადამიანებს და ხელს უწყობდა უნიკალური ჟურნალის დაბადებას და ასოციაციის ყველა ლიდერის შემოქმედების განვითარებას. დობუჟინსკი ამბობს ბენუასთან შეხვედრის შესახებ: „იგივე დასამახსოვრებელ ნოემბრის დღეს ქ. 1902 წ., გრაბარმა, სანამ დიაგილევთან მიმიყვანდა, გამაცნო ალ/ექსანდერ/ნ/იკოლაევიჩი/ ბენუა. ეს პირველი შეხვედრა იყო ჟურნალ "რუსეთის მხატვრული საგანძურის" რედაქციაში, რომლის რედაქტორი მაშინ იყო ბენუა /.../ ბენუაში ვიფიქრე, რომ შევხვდებოდი ამპარტავანი, ირონიული ადამიანი, როგორიც წარმომედგინა მისი შხამიდან. და ინტელექტუალური კრიტიკული სტატიები, ან მნიშვნელოვანი „ხელოვნების მცოდნე“, რომელიც მაშინვე გამანადგურებს თავისი სწავლით. სამაგიეროდ, დავინახე ყველაზე ტკბილი და მხიარული მეგობრობა და ყურადღება, რამაც ბენუაში გამაოცა და დამატყვევა და მთელი ჩემი საზრუნავი მაშინვე გაქრა. ბენუა მაშინ დაახლოებით ოცდაათი წლის იყო, მაგრამ საკმაოდ მოხუცი გამოიყურებოდა, დახრილი, ცოტა „ბაბუავით თამაშობდა“ კიდეც, საკმაოდ მელოტი იყო, წვერი ქონდა, კაბით ეცვა და საკმაოდ ჩაცმული იყო. ჩანთა (სეროვის მსგავსად). ეს ყველაფერი ჩემთვის მოულოდნელი იყო; გულუბრყვილოდ მინდოდა, მისი ნახატებიდან ვიცნობდი, რომ მისი გარეგნობა შეესაბამებოდეს იმ ელეგანტურ ასაკს, რომლის გამოსახვაც მას უყვარდა! მაგრამ ეს სასაცილო "იმედგაცრუება" მხოლოდ პირველ მომენტში გაგრძელდა. ბენუამ ძალიან ცოტა იცოდა ჩემს შესახებ, მხოლოდ ის, რაც შეეძლო მისთვის ეთქვა გრაბარმა და მან მხოლოდ რამდენიმე ჩემი ნამუშევარი ნახა. მაგრამ ის მელაპარაკებოდა, როგორც თანასწორს ჩვენი საერთო გემოვნებით და მისმა ნდობამ, თითქოს, მისთვის „საკუთარი“ გამხადა და ყველაზე მეტად მაშინვე მიმაახლოვა მასთან. მაშინვე მომცა ჩემი პირველი შეკვეთა - ჟურნალში ერთი ვინეტის გაკეთება და რამდენიმე წარწერის დახატვა. ძალიან მალე დავიწყე ბენუატის მონახულება მის პატარა ბინაში ოფიცერსკაიას ქუჩაზე, სადაც მოხიბლული ვიყავი მისი არაჩვეულებრივი კომფორტით და ტკბილი და თბილი ოჯახური ატმოსფეროთი, რომელიც სუფევდა /.../ ის თავად იყო ცოდნისა და კომუნიკაციის ნამდვილი „წყარო“. მასთან, ყველაზე ჭკვიანი და მომხიბვლელი თანამოსაუბრე იყო ჩემი ნამდვილი „ხელოვნების უნივერსიტეტი“ /…/ ბენუამ ნამდვილად გამაცნო მე-18 საუკუნე, რამაც ერთ დროს ძალიან ძლიერი გავლენა მოახდინა ჩემს წარმოსახვაზე“. დობუჟინსკის ნიჭი, ისევე როგორც ხელოვნების სამყაროს სხვა მხატვრები, სხვადასხვა ფორმით გამოიხატა: ის ცნობილია როგორც ილუსტრატორი, მხატვარი და თეატრის დეკორატორი. M.V. Dobuzhinsky, ისევე როგორც A.N. Benois და A.P. Ostroumova-Lebedeva, დაიპყრო სანკტ-პეტერბურგის არქიტექტურა, ხოლო მისი მთავარი ინტერესი იყო არა საზეიმო, არამედ თანამედროვე ღარიბი სანკტ-პეტერბურგის ტერიტორია თავისი დაბალი სახლებით, ეზოებით და გარეუბნებით.

დობუჟინსკის ეკუთვნის ნაწარმოები რეტროსპექტულ თემაზე, დახვეწილი ირონიით გაჟღენთილი და ორიგინალური ხიბლით სავსე - "1830-იანი წლების პროვინცია".

სურათი გვაბრუნებს პუშკინისა და გოგოლის დროებში. ყველაზე მეტად, დობუჟინსკი მუშაობდა ილუსტრატორად და თეატრის მხატვრად. დობუჟინსკიმ ილუსტრირებული იყო მ.იუ.ლერმონტოვის, ფ.მ.დოსტოევსკის, გ.ჰ.ანდერსენის და მრავალი სხვა. ის ასევე იყო გრაფიკული პორტრეტების ოსტატი ფანქრით, მელნით ან აკვარელით, ესკიზებითა და კარიკატურებით. ამ ჟანრის მის ნამუშევრებს შორის განსაკუთრებით ცნობილია მწერლისა და ხელოვნებათმცოდნე კონსტანტინე ალექსანდროვიჩ სუნერბერგის პორტრეტი, რომელსაც გრაბარი უწოდებს "კაცი სათვალეებით".

სუნერბერგი დობუჟინსკის მეგობარი იყო და რადგან ამ ადამიანის შესახებ ჩვენს დროში ცოტამ თუ იცის, მის შესახებ ინფორმაციას თავად მხატვრის წიგნიდან "მოგონებები" წარმოგიდგენთ. „ის იყო უაღრესად განათლებული ადამიანი და ნამდვილი „ევროპელი“ (სისხლით შვედური). მასში იყო რაღაც შინაგანი მადლი და არისტოკრატია, რომელიც მიმზიდველი იყო მასში, მაგრამ გარეგნულად ის შეიძლება ჩანდეს როგორც "კრეკერი" და "კაცი საქმეში". ის იყო გამხდარი, თითქმის გამხდარი, ეკეთა მოწესრიგებული წვერი, ზიზღამდე სუფთა და საოცრად ლამაზი ხელები ჰქონდა. სულ „ღილებით“ იყო, მოლურჯო ლინზებით სათვალეც კი მის „ფარს“ ჰგავდა და როცა მოიხსნა, სულ სხვა ადამიანად ჩანდა /.../ ყოველთვის საინტერესო იყო მასთან საუბარი, ჩვენ ორივე დაინტერესებული იყო თანამედროვე პოეზიით (თვითონ წერდა პოეზიას), განსაკუთრებით მომხიბვლელი იყო ჩვენი საუბრები მის სახლში /.../ კონსტანტინე ალექსანდროვიჩი დაქორწინდა ძალიან ტკბილ, ლამაზ, ვნებით სავსე ვარვარა მიხაილოვნაზე, რომელიც მალე გაიცნო ჩემი მეუღლე და ახლოს გახდა. მათი ბინა არც თუ ისე შორს იყო ჩვენგან და ხშირად ვსტუმრობდით ერთმანეთს /.../ყოველთვის მიზიდავდა ამ ბოსტნეულის ფანჯრიდან ფართო ხედი მწვანე საწოლებით, შეშის შავი დასტაებით, რამდენიმე შემოგარენით და გაუთავებელი ღობეებით. და შორეული კედლები ფერადი სახლები უკან ქარხნის ბუხრით. და ეს ხედი ბევრჯერ დავხატე და ამ ფონზე რამდენიმე წლის შემდეგ მისი დიდი პორტრეტი გავაკეთე“. პორტრეტი დაიხატა 1905-1906 წლებში, ყველაზე საგანგაშო დროს, როდესაც მხატვარი რევოლუციურ ჟურნალებში მონაწილეობით უპასუხა 1905 წლის იანვარში მუშათა დემონსტრაციის გადაღებას. პორტრეტში იგრძნობა შფოთვა, რომელიც ასახავს თავად მხატვრის განწყობას. ხელოვნების სამყაროს გამოფენების მუდმივი მონაწილე ანა პეტროვნა ოსტროუმოვა-ლებედევა დაიბადა სანქტ-პეტერბურგში, თანამემამულე მთავარი პროკურორის, ქ. . სინოდ.

შეგახსენებთ, რომ ვათავსებთ მის პორტრეტს სეროვის მიერ. ანა პეტროვნა სწავლობდა სამხატვრო აკადემიაში I. E. Repin-თან და გრავიურ V.V. Mate-თან. ”მას ჰქონდა მოხდენილი სისუსტის ძალიან უცნაური კომბინაცია, რაც აისახებოდა მის მახინჯ თავში, გარკვეულწილად მტკივნეულად გადახრილი გვერდზე და ამავე დროს რაღაც შინაგანი სიხისტე. ეს გამოიხატებოდა სომოვის იმ პორტრეტში. სიძლიერე იყო იმაში, რასაც აკეთებდა: ტყუილად არ მიუძღვნა თავი ასეთ არაქალურ საქმეს, ხეზე გრავირებას, რომლის ტექნიკაც არ იძლევა რაიმე მიახლოების ან უფორმობის საშუალებას. ამასთან, მისი ეს ხელოვნება იმდენად შორს იყო ყოველგვარი სიმშრალისგან. „მან ჩემზე ადრე აიღო პეტერბურგის თემები, - წერდა დობუჟინსკი, - და იცოდა, როგორ გადმოეცა მისი პეიზაჟები განსაკუთრებული სიახლოვით. ოსტროუმოვა-ლებედევა ცნობილი გრავიორი გახდა. რამდენიმე წელი ცხოვრობდა საზღვარგარეთ, პარიზში დაუკავშირდა სომოვს და ბენუას და გახდა ხელოვნების სამყაროს წევრი. ცნობილი გახდა მისი ნამუშევრები, რომლებიც ეძღვნებოდა პავლოვსკის და ცარსკოე სელოს ცნობილ სასახლისა და პარკის ანსამბლებს და, რა თქმა უნდა, პეტერბურგს. მან დაიპყრო "ახალი ჰოლანდიის" თაღი - სანკტ-პეტერბურგის იდუმალი უძველესი კუთხე და დედაქალაქის ერთ-ერთი ულამაზესი ადგილი - ბირჟის სვეტები ციხესიმაგრის ხედით და მრავალი სხვა.

ხელოვნების სამყაროს საქმიანობამ მიიპყრო ბევრი, განსაკუთრებით ახალგაზრდა მხატვარი. მათ შორისაა ვალენტინ ალექსანდროვიჩ სეროვი. ცნობილი კომპოზიტორის, ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ სეროვის ვაჟი, იგი დაიბადა პეტერბურგში. 1880-იან წლებში სწავლობდა პ.პ.ჩისტიაკოვთან სამხატვრო აკადემიაში, რომლის დამთავრებაც საჭიროდ არ მიიჩნია. სეროვი იყო სამხატვრო აკადემიისა და ტრეტიაკოვის გალერეის საბჭოს წევრი. უკვე 1890-იანი წლების ბოლოს იგი დაუახლოვდა "ხელოვნების სამყაროს" მხატვრებს და, ალბათ, მათი გავლენის გარეშე, მე -18 საუკუნის თემაზე თეატრსა და ისტორიულ მხატვრობას მიუბრუნდა. დობუჟინსკი იხსენებდა სეროვის შესახებ: ”შეხვედრებზე ის ყოველთვის იჯდა გვერდით, უსმენდა და, სიგარეტის გაშვების გარეშე, რაღაცას ხატავდა ალბომში. მან ასევე გააკეთა ბოროტი, ძალიან მსგავსი კარიკატურები დამსწრეებისთვის, განსაკუთრებით ბაკსტთან, რომელთანაც განსაკუთრებით მეგობრობდა. მის გვერდით ის ჩვეულებრივად ჩაცმული ჩანდა, სქელი, წარბების ქვემოდან უჩვეულო მკვეთრი მზერით. უმეტესწილად, ამ ხმაურიან კომპანიაში ის დუმდა, მაგრამ მისი ერთ-ერთი შენიშვნა, ყოველთვის მკვეთრი, ან ყველას ამხიარულებდა, ან სერიოზულ ყურადღებას აქცევდა. ყველა ძალიან აფასებდა სეროვის აზრს და ეპყრობოდა მას, როგორც უდავო ავტორიტეტს, ის მშვიდად განიხილავდა ყველაფერს და იყო ნამდვილი საერთო "შემაკავებელი ცენტრი". ერთხელ ბენუამ მას "ხელოვნების სამყაროს სინდისი" უწოდა. თანდათან „შევეჩვიე“ მას და მივხვდი იმ სიყვარულს, რომელიც ყველას ჰქონდა მის მიმართ, ისევე როგორც მისი ხელოვნების მიმართ“. სეროვმა მოახერხა მნიშვნელოვანი როლის შესრულება ჟურნალის ბედში. 1900 წელს დახატა იმპერატორ ნიკოლოზ II-ის პორტრეტი.

„სესიები ძალიან დიდხანს გაგრძელდა, რადგან სეროვი ამზადებდა ჩანახატს, მთლიანად აშორებდა და შემდეგ ჯერზე ისევ წერდა - სანამ ნამუშევარი არ დააკმაყოფილებდა. ასე რომ, ნიკოლოზ II-ის პორტრეტი ბოლოჯერ გაკეთდა, როგორც ჩანს, დაახლოებით ოცდამეხუთე სესიაზე. უნებურად, მხატვარმა და მისმა მოდელმა ერთმანეთთან საუბარი დაიწყეს. სხვათა შორის, მახსოვს ამ საუბრებიდან სეროვის მიერ რედაქციაში მოთხრობილი ამონარიდი, წერს მწერალი პ.პ. პერცოვი, საუბარი ფინანსებზე გადაიზარდა. ”მე არაფერი მესმის ფინანსების შესახებ”, - თქვა სეროვმა. - მეც, - აღიარა მისმა თანამოსაუბრემ. ამ სესიების ხანგრძლივ საათებში სეროვს ჰქონდა დრო, ესაუბრებოდა ჟურნალს, მის ამოცანებსა და კრიტიკულ სიტუაციაზე. შედეგად, წელიწადში 30,000 რუბლის სუბსიდია დაინიშნა "საკუთარი" სახსრებიდან. ამან შესაძლებელი გახადა ჟურნალის ისეთივე ელეგანტურად გამოცემა, როგორც გამოიცა“.

1902 წელს ასოციაციას შეუერთდა ახალგაზრდა მხატვარი ნიკოლაი კონსტანტინოვიჩ როერიჩიც. როერიხის მთავარი ინტერესი იყო წარმართული და ქრისტიანული რუსეთის სფერო და ძველი ინდოეთის კულტურა, რომლის შესწავლას მან მრავალი წელი მიუძღვნა. როერიხმა პირველად მიიღო მონაწილეობა მოსკოვის გამოფენაში "ხელოვნების სამყარო" 1902 წელს და შემდგომში მონაწილეობა მიიღო სხვა გამოფენებში და ასევე შექმნა რამდენიმე სპექტაკლი დიაგილევის საწარმოში. 1918 წელს რუსეთიდან წასვლის შემდეგ, როერიხი ცხოვრობდა და მუშაობდა ამერიკაში, სადაც დააარსა რამდენიმე საგანმანათლებლო დაწესებულება, ხოლო 1920-იანი წლების ბოლოდან, დაასრულა თავისი ცნობილი ექსპედიციები ინდოეთში, მონღოლეთსა და ტიბეტში, ის სამუდამოდ დარჩა ინდოეთში. როერიხი „ხელოვნების სამყაროს“ საგანმანათლებლო საქმიანობით უკავშირდებოდა, „ჟურნალი „ხელოვნების სამყარო“ გახდა ახალი ეტაპი როგორც ხელოვნების კრიტიკის ისტორიაში, ასევე რუსეთის ხელოვნების ისტორიის შესწავლაში“, - ნათქვამია კვლევებში. – მართლაც, პრობლემების დიაპაზონი, რომელსაც ის ეხება, იმდენად ვრცელია, მისი ხანმოკლე მოღვაწეობა იმდენად ენერგიულია, რომ კულტურის ნებისმიერი მკვლევარი, არა მხოლოდ საუკუნის მიწურულის, არამედ შემდგომი დროისა, მიმართავს თუ არა ის ისტორიას. მხატვრობა, მუსიკა თუ ხელოვნების კრიტიკა ვერ აიცილებს ისეთ ფენომენს, როგორიცაა "მსოფლიო ხელოვნება".

ჟურნალმა საზოგადოებას გააცნო თანამედროვე მხატვრების შემოქმედება და ამით ხელი შეუწყო თანამედროვე მხატვრული ცხოვრების შესახებ ცოდნის გავრცელებას. ცალკეული ნომრები მიეძღვნა ვიქტორ მიხაილოვიჩ ვასნეცოვს (1899, No1), ილია ეფიმოვიჩ რეპინს (1899, No10), ელენა დმიტრიევნა პოლენოვას (1899, No18), კონსტანტინე ალექსეევიჩ კოროვინს (1899, No22) – , ვალენტინ ალექსანდროვიჩ სეროვი (1900, No. 1–2), მიხაილ ვასილიევიჩ ნესტეროვი (1900, No. 3–4), ისააკ ილიჩ ლევიტანი (1901, No1), მიხაილ ალექსანდროვიჩ ვრუბელი (1903, No. 10–11) . 1899 წლის მაისში საზოგადოებამ ფართოდ აღნიშნა A.S. პუშკინის დაბადებიდან 100 წლისთავი. ამ დროს გამოქვეყნდა ლექსი "რუსლან და ლუდმილა" ა.ნ. ბენოისის აკვარელით და ა. "ხელოვნების სამყაროს" - K. A. Somov და A. N. Benois. ჟურნალის "ხელოვნების სამყაროს" სპეციალური ნომერი მიეძღვნა A.S. პუშკინს დიაგილევის სტატიებით პოეტის ნამუშევრებისთვის ნახატების შესახებ. ჟურნალის გვერდებზე იყო ძველი რუსული არქიტექტურის ძეგლების ფოტოები, ხის ჭურჭელი, გამოყენებითი ხელოვნების ობიექტები. ელენა დმიტრიევნა პოლენოვასა და ვიქტორ მიხაილოვიჩ ვასნეცოვის მიერ შესრულებული უძველესი რუსული სტილით. განსაკუთრებული მნიშვნელობა ენიჭებოდა მე-18 საუკუნის მხატვრების ნახატების რეპროდუქციას, რომლებსაც სტასოვი მხოლოდ დასავლეთ ევროპელი ოსტატების მიმბაძველებად თვლიდა. არსებითად, მირისკუსის სტუდენტებმა საზოგადოებას გაუხსნეს რუსული კულტურის მთელი საუკუნის ისტორია, რომელიც თითქმის მივიწყებული იყო მე-19 საუკუნის ბოლოს. ჟურნალმა მკითხველს გააცნო შუა საუკუნეებისა და თანამედროვეობის დასავლეთ ევროპის ხელოვნება. ბევრი ნომერი ასევე შეიცავდა სტატიებს არა მხოლოდ მხატვრულ, არამედ მუსიკალურ ცხოვრებაზე, ნოტები უცხოური გამოფენების შესახებ.ჟურნალის შემდეგი ნომრის კომპოზიციის განსახილველად მეგობრები შეიკრიბნენ დიაგილევის ბინაში ფონტანკას 11-ში, სადაც ის ცხოვრობდა ზამთრიდან. 1900–1901 წწ. დიაგილევი იყო ხელოვნების სამყაროს ცენტრალური ფიგურა. ალექსანდრე ბენუა იხსენებდა: „მარტო მხატვრებს შორის, მას არაფერი შეუქმნია მხატვრულს და მიატოვა კომპოზიცია და სიმღერაც კი; მაგრამ ჩვენ, მხატვრებმა, არასოდეს შევწყვეტდით მას ჩვენს ერთ-ერთად მიჩნევას, რადგან, როგორც ჩვენ ვხატავდით ნახატებს და პეიზაჟებს, ვწერდით ბალეტებს და ოპერებს, ვწერდით სტატიებსა და წიგნებს, ასევე მან, იგივე შთაგონებით, იგივე ვნებით, გამოაქვეყნა ჟურნალი, მოაწყო გამოფენები, მოაწყო წარმოდგენები „მსოფლიო მნიშვნელობის“. საგამომცემლო საქმიანობას თან ახლდა გამოფენების მოწყობა. გამოფენაზე ყველა ნამუშევარი თავად დიაგილევმა შეარჩია. ზოგჯერ ისეც ხდებოდა, რომ მხატვარს არ სურდა ნამუშევრის გამოფენა, მიიჩნია წარუმატებლად, მაგრამ დიაგილევი დაჟინებით მოითხოვდა და მხატვარი დანებდა. შემდეგ კი გაირკვა, რომ სწორედ "უარყოფილი" ნახატი იყო წარმატებული და შევიდა ზოგიერთ დიდ კოლექციაში. ზოგჯერ კი პირიქით ხდებოდა - დიაგილევი არასოდეს დათანხმდა ნახატის გამოფენაზე გატანას, მიუხედავად მხატვრის სურვილისა. ოსტროუმოვა-ლებედევა: გაიხსენა: ”სერგეი პავლოვიჩს ჰქონდა ამოუწურავი ენერგია, საოცარი გამძლეობა და გამძლეობა და რაც მთავარია, მას ჰქონდა უნარი ემუშავა ხალხი ენთუზიაზმით, ვნებით, რადგან ის თავად აძლევდა მაგალითს სრული ერთგულების მისაღწევად დასახული მიზნის მისაღწევად. . ადრე გამოფენაზე დიდი აურზაური იყო, დიაგილევი მასში ქარიშხალივით შემოვარდა და ყველაფერს თვალყურს ადევნებდა. ღამით ის არ წევს, მაგრამ, ქურთუკი გაიხადა, მუშებთან ერთად ატარებს ნახატებს, ხსნის ყუთებს, კიდებს მათ, ხელახლა ჩამოკიდებს - ოფლიანდება, მაგრამ მხიარულად, ენთუზიაზმით აინფიცირებს გარშემომყოფებს. არტელის მუშები მას დაუკითხავად ემორჩილებოდნენ და როცა იუმორისტული სიტყვით მიმართავდა, ფართოდ იღიმებოდნენ, ყურიდან ყურამდე და ხან ხმამაღლა იცინოდნენ. და ყველაფერი დროულად მოვიდა. სერგეი პავლოვიჩი დილით სახლში წავიდა, იბანავა და დენდივით ელეგანტურად ჩაცმული, პირველმა გახსნა გამოფენა. ღამის მუშაობა მასზე არ იმოქმედა. მის მუქ, გლუვ თმას აშორებდა ძალიან საგულდაგულოდ გაკეთებული საყრდენი. შუბლის წინ თეთრი თმის ღერი იდგა. მისი სავსე, მოწითალო სახე დიდი ყავისფერი თვალებით ანათებდა ინტელექტით, თვითკმაყოფილებითა და ენერგიით. ის იყო დაჟინებული და მომხიბვლელი, როცა ვინმესგან რაღაცის მიღება სურდა და თითქმის ყოველთვის აღწევდა წარმატებას“. 1900 წლის 28 იანვარს ბარონ შტიგლიცის სკოლის მუზეუმში გაიმართა "ხელოვნების სამყაროს" მე-2 გამოფენა. ამ გამოფენაზე მხოლოდ რუსი მხატვრები იყვნენ წარმოდგენილი: თავად ხელოვნების სამყარო და წინა გამოფენების მონაწილეები - ბენუა, ვრუბელი, სეროვი, სომოვი, ლევიტანი. ასევე ნაჩვენები იყო მე-18 - მე-19 საუკუნის დასაწყისის მხატვრების ნამუშევრები: ბოროვიკოვსკი, ბრაილოვი და კიპრენსკი. ამრიგად, გამოფენის ორგანიზატორებმა ხაზი გაუსვეს ამ მხატვრების ხელოვნების მუდმივ მნიშვნელობას რუსული კულტურის ისტორიისთვის.

იმავე წლის ნოემბერში, "ხელოვნების სამყაროს" წევრებმა, სეროვის თხოვნით, მოაწყვეს კიდევ ერთი გამოფენა ამავე სახელწოდებით სამხატვრო აკადემიის დარბაზებში. ის იყო საქველმოქმედო ორგანიზაცია გაჭირვებული სტუდენტების სასარგებლოდ. ხელოვნების სამყაროში გამოფენები ყოველთვის მნიშვნელოვანი მოვლენა იყო პეტერბურგის ცხოვრებაში. მათ მოუთმენლად ელოდნენ, ენთუზიაზმით ამზადებდნენ და ცხარედ განიხილავდნენ. თავად ამ გამოფენების დიზაინი არ ჰგავდა ცნობილ „მობილურს“, „გაზაფხულის“ და სხვას, სადაც კედლებზე მონოტონურად ეკიდა ნახატები, ხოლო სკულპტურული ნამუშევრები, როგორც დანამატი, იდგა დარბაზის კუთხეებში. დიაგილევმა გამოფენების მოწყობაში დიდი გემოვნება და გამომგონებლობა გამოიჩინა. ნახატები სპეციალურ სტენდებზე იყო განთავსებული, დარბაზები კი საგულდაგულოდ იყო მორთული ყვავილებით. თითოეული არტისტისთვის შეირჩა სპეციალური ფონი და სპეციალური ჩარჩოები.

1901 წლის 5 იანვარს სამხატვრო აკადემიის ტიციანის დარბაზში გაიხსნა „ხელოვნების სამყაროს“ მე-3 გამოფენა. დიაგილევმა ის არაჩვეულებრივად დაამშვენა - დარბაზი დაყო რამდენიმე მყუდრო თეთრ ოთახად, სადაც ჭერი თეთრი მუსლინით იყო დაფარული, ნახატების წინ კი ყვავილები იყო. ასევე მოეწყო მშობიარობის შემდგომი გამოფენა ი.ი.ლევიტანის, რომელიც გარდაიცვალა 1900 წლის ივლისში ოცდაცხრამეტი წლის ასაკში. გამოფენაზე მისი 65 ნამუშევარი იყო გამოფენილი. 1900 წლის ჟურნალის "ხელოვნების სამყაროს" IV ტომში დიაგილევმა გამოაქვეყნა სტატია, რომელიც ეძღვნებოდა ასე ადრე გარდაცვლილი მხატვრის ხსოვნას. დიაგილევი იხსენებდა: „ლევიტანის ფიგურა მაღლა იწევს განსაკუთრებული სიდიადით და შეხებით /..../ მის წინაშე არავინ იცოდა, როგორ გამოეხატა ტილოზე იმ მრავალფეროვანი შეგრძნებების მთელი უსაზღვრო ხიბლი, რომელიც თითოეულმა ჩვენგანმა განიცადა ასე. ნეტარება გრილ დილას ან თბილ საღამოს სხივებში ჩრდილოეთ რუსეთის სავალალო სოფელში. დიაგილევი შემდგომში წერს „პუშკინის მიერ რუსული ბუნების ყველა ნამუშევარში გაგების შესახებ“, რომ „მოსკოვის ყველა ლანდშაფტის მხატვარი ჩავარდა მისი ნიჭის ჯადოქრობის ქვეშ“. 1901 წლის ხელოვნების სამყაროს გამოფენამ ლევიტანის ნამუშევრების ექსპოზიციით მრავალი საქებარი მიმოხილვა გამოიწვია, როგორც „ერთი. რუსეთის მხატვრული ცხოვრების ყველაზე თვალსაჩინო ფენომენებიდან." 1901 წლის დეკემბერში მოსკოვში რამდენიმე პეტერბურგისა და მოსკოვის მხატვრებმა, რომელთა შორის იყვნენ "ხელოვნების სამყაროს" მონაწილეები, გახსნეს გამოფენა სახელწოდებით "36". ამ გამოფენის ასოციაციის ინიციატორები იყვნენ მოსკოველები - აპოლინარი მიხაილოვიჩ ვასნეცოვი, ვასილი ვასილიევიჩ პერეპლეტიჩიკოვი და სხვები, ძირითადად ლანდშაფტის მხატვრები, მოსკოვის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სკოლის კურსდამთავრებულები. მათ გადაწყვიტეს დაუპირისპირდნენ თავს როგორც მოხეტიალეებს, ასევე ხელოვნების სამყაროს, რადგან ბევრს არ მოსწონდა დიაგილევის "დიქტატურა" და ახალგაზრდების არათანაბარი პოზიცია იყო მოხეტიალეთა ასოციაციაში. მაგრამ ეს ასოციაცია დიდხანს არ გაგრძელებულა - მხოლოდ ორი წელი. 1902 წლის მომდევნო წლის დეკემბერში მეორე გამოფენის დადგმის შემდეგ მან არსებობა შეწყვიტა. პირველ გამოფენაში მონაწილეობა მიიღეს ბენუამ, სომოვმა და ლანსერიმ. მაგრამ მეორე გამოფენაში მონაწილეობა აღარ მიიღეს. 1903 წლის თებერვალში მეორე გამოფენის "36" დახურვის შემდეგ, მოსკოველები გაერთიანდნენ ხელოვნების სამყაროსთან ახალ ასოციაციაში - "რუს მხატვართა კავშირი". ეს ორგანიზაცია შედგებოდა მოსკოველი მხატვრებისა და ხელოვნების სამყაროს მონაწილეებისგან. "კავშირის" გამოფენები გაიმართა რუსეთის ბევრ ქალაქში და მის ფარგლებს გარეთ. მოკლედ, "კავშირის" ისტორია ასეთია: ერთობლივი გამოფენები "ხელოვნების სამყაროსთან" გაგრძელდა 1908 წლამდე. შემდეგ პეტერბურგელები ორმხრივი კრიტიკის გამო დაშორდნენ მოსკოველებს და 1910 წლიდან მათმა ისტორიამ სხვადასხვა გზა გაიარა.

ამასობაში გაგრძელდა ხელოვნების სამყაროს გამოფენები, რომლის ორგანიზებასაც დიაგილევი განაგრძობდა. 1902 წლის 9 მარტს პასაჟის დარბაზებში მე-4 გამოფენა გაიმართა. შემდეგ სერგეი პავლოვიჩმა გადაწყვიტა მისი გადატანა მოსკოვში და იმავე წლის ნოემბერში გამოფენა გაიხსნა მოსკოვში, სტროგანოვის სკოლის დარბაზებში. მოსკოვის გამოფენაზე "ხელოვნების სამყარო" აჩვენეს სეროვის, სომოვისა და ვრუბელის ახალი ნამუშევრები. პირველად როერიხმა, როგორც უკვე აღვნიშნეთ, მონაწილეობდა გამოფენაში "ხელოვნების სამყარო", რომლის ნამუშევარი "ქალაქი შენდება" (ძველი სლავების ცხოვრებიდან) შეიძინა ტრეტიაკოვის გალერეამ. ამავე გამოფენაში მონაწილეობდნენ მოსკოვის მხატვრები "36"-დან: ალექსანდრე იაკოვლევიჩ გოლოვინი, ლეონიდ ოსიპოვიჩ პასტერნაკი, იგორ ემანუილოვიჩ გრაბარი. მოსკოვში ხელოვნების სამყაროს გამოფენამ დიდი წარმატება მოიპოვა კითხვები მე-3 თავისთვის: მხატვრები - ხელოვნების სამყაროს ორგანიზატორები და მოღვაწეები.

1.დაასახელეთ ასოციაციის არტისტების - ორგანიზატორების და მთავარი ფიგურების გვარები.
2.რით არის ცნობილი ბენუათა ოჯახი?
3. რომელი იყო A.N. Benois-ის მიერ გამოცემული პირველი წიგნი?
4.რომელი ისტორიული ეპოქის გამოსახვა უყვარდა A.N. Benois-ს?
5.დაასახელეთ A.N.Benois-ის ნახატები ლუი XIV-ის ცხოვრებიდან.
6. მოგვიყევით A. N. Benois-ის ნახატებზე, რომლებიც ეძღვნება პეტრე I-ს.
7. რა ერქვა A.N. Benois-ის ნახატს პავლე I-ზე?
8. A.S.Pushkin-ის რომელი ნაწარმოებები იყო ილუსტრირებული A.N.Benois-ის მიერ?
9. რა გახსოვთ A.N. Benois-ის წიგნიდან "The ABC"?
10.რა სპექტაკლები დააპროექტა A.N. Benois?
11.ვინ იყო პირველი, ვინც მიიპყრო ყურადღება პეტერბურგისა და მისი გარეუბნების არქიტექტურის სილამაზეზე და როგორ გამოიხატა ეს?
12. რომელ ოჯახში დაიბადა კ.ა.სომოვი? ვინ იყო მისი მამა?
13. რა ნიჭით გამოირჩეოდა კ.ა.სომოვი და მისი დედა?
14. როგორი იყო ისტორიული მხატვრობის ახალი გაგება კ.ა.სომოვის შემოქმედებაში? აღწერეთ მისი ყველაზე დამახასიათებელი ნახატები.
15.რა თავისებურებები ახასიათებს კ.ა.სომოვის პორტრეტებს? დაასახელეთ ყველაზე ცნობილი პორტრეტები.
16.სად სწავლობდა ლ.ს.ბაკსტი სამხატვრო აკადემიის დატოვების შემდეგ?
17.დაასახელეთ L. S. Bakst-ის ყველაზე ცნობილი ნამუშევრები.
18.რა არის აღსანიშნავი ლ.
19. მოგვიყევით არტ ნუვოს დამახასიათებელ მახასიათებლებზე L. S. Bakst-ის ნახატში „ვახშამი. ქალბატონი ფორთოხლებით."
20. როგორ იმოქმედა საბერძნეთში მოგზაურობამ L.S. Bakst-ის მუშაობაზე?
21. აღწერეთ L. S. Bakst-ის ნახატი "ტერორის ანტიკვა".
22.დაასახელეთ E. E. Lanceray-ის ნახატები, რომლებიც დამახასიათებელია "ხელოვნების სამყაროსთვის".
23. რა სახის ხელოვნებაში მუშაობდა M.V. Dobuzhinsky?
24.რა სიახლე შემოიტანეს World of Art მხატვრებმა წიგნის დიზაინში?
25. გვიამბეთ A.P.Ostroumova-Lebedeva-ს შემოქმედების შესახებ. რა ტექნოლოგია გამოიყენა მან?
26. რა ერქვა მოსკოველებთან ერთობლივ გამოფენებს World of Art? რამდენ ხანს გაძლო?

"ხელოვნების სამყარო" არის ორგანიზაცია, რომელიც გაჩნდა 1898 წელს და გააერთიანა უმაღლესი მხატვრული კულტურის ოსტატები, იმ წლების რუსეთის მხატვრული ელიტა. „ხელოვნების სამყარო“ დაიწყო ა. ბენუას სახლში ხელოვნების, ლიტერატურისა და მუსიკისადმი მიძღვნილი საღამოებით. იქ შეკრებილ ადამიანებს აერთიანებდა სილამაზის სიყვარული და რწმენა, რომ ის მხოლოდ ხელოვნებაშია, რადგან რეალობა მახინჯია. ასევე წარმოიშვა როგორც რეაქცია "გვიანდელი" პერედვიჟნიკის წვრილმან თემებზე, "ხელოვნების სამყარო" მალევე გადაიქცა რუსული მხატვრული კულტურის ერთ-ერთ მთავარ ფენომენად. ამ ასოციაციაში მონაწილეობდა თითქმის ყველა ცნობილი მხატვარი - ბენოისი, სომოვი, ბაკსტი, ლანსერეი, გოლოვინი, დობუჟინსკი, ვრუბელი, სეროვი, კოროვინი, ლევიტანი, ნესტეროვი, რიაბუშკინი, როერიხი, კუსტოდიევი, პეტროვ-ვოდკინი, მალიავინი, თუნდაც ლარიონოვი და გონჩაროვა. ამ ასოციაციის ჩამოყალიბებისთვის დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა დიაგილევის პიროვნებას, ქველმოქმედს და გამოფენების ორგანიზატორს და შემდგომში რუსული ბალეტისა და ოპერის საზღვარგარეთ გასტროლების იმპრესარიოს ("რუსული სეზონები", რომელმაც ევროპას გააცნო ჩალიაპინის, პავლოვას ნამუშევრები. , ფოკინი, ნიჟინსკი და სხვები. ). ხელოვნების სამყაროს არსებობის საწყის ეტაპზე დიაგილევმა მოაწყო ინგლისელი და გერმანელი აკვარელისტთა გამოფენა სანკტ-პეტერბურგში 1897 წელს და რუსი და ფინელი მხატვრების გამოფენა 1898 წელს. მისი რედაქტორობით 1899-1904 წლებში გამოვიდა ჟურნალი. გამოიცა ამავე სახელწოდებით, რომელიც შედგებოდა ორი განყოფილებისაგან: მხატვრული და ლიტერატურული (ეს უკანასკნელი - რელიგიური და ფილოსოფიური, მასში თანამშრომლობდნენ დ. მერეჟკოვსკი და ზ. გიპიუსი 1902 წელს მისი ჟურნალის „ახალი გზის“ გახსნამდე. შემდეგ რელიგიური და ფილოსოფიურმა მიმართულებამ ჟურნალ „ხელოვნების სამყაროში“ ადგილი დაუთმო ესთეტიკის თეორიას და ჟურნალი ამ ნაწილში გახდა სიმბოლისტების ტრიბუნა ა.ბელისა და ვ.ბრაუსოვის მეთაურობით). ჟურნალს ლიტერატურული და მხატვრული ალმანახის პროფილი ჰქონდა. უხვად მომარაგებული ილუსტრაციებით, ეს იყო ამავე დროს წიგნის დიზაინის ხელოვნების ერთ-ერთი პირველი მაგალითი - მხატვრული საქმიანობის სფერო, რომელშიც „ხელოვნების სამყაროს“ მხატვრები ნამდვილი ნოვატორები იყვნენ. შრიფტის დიზაინი, გვერდის შემადგენლობა, სათაურები, ვინეტის დაბოლოებები - ყველაფერი საგულდაგულოდ იყო გააზრებული.

ჟურნალის პირველი ნომრების სარედაქციო სტატიებში ნათლად იყო ჩამოყალიბებული „მირისკუსნიკების“ ძირითადი დებულებები ხელოვნების ავტონომიის შესახებ, რომ თანამედროვე კულტურის პრობლემები ექსკლუზიურად მხატვრული ფორმის პრობლემაა და რომ ხელოვნების მთავარი ამოცანაა. რუსული საზოგადოების ესთეტიკური გემოვნების განათლება, უპირველეს ყოვლისა, მსოფლიო ხელოვნების ნაწარმოებების გაცნობის გზით. ჩვენ უნდა მივცეთ მათ თავიანთი კუთვნილება: „ხელოვნების სამყაროს“ სტუდენტების წყალობით, ინგლისური და გერმანული ხელოვნება მართლაც ახლებურად დაფასდა და რაც მთავარია, მე-18 საუკუნის რუსული მხატვრობა და პეტერბურგის კლასიციზმის არქიტექტურა აღმოჩენად იქცა. ბევრი. „მირკუსნიკი“ იბრძოდა „კრიტიკისთვის, როგორც ხელოვნებისთვის“, გამოაცხადა იდეალი არა ხელოვნებათმცოდნე, არამედ მაღალი პროფესიული კულტურისა და ერუდიციის მქონე კრიტიკოსი-ხელოვანი. ასეთი კრიტიკოსის ტიპი განასახიერა "ხელოვნების სამყაროს" ერთ-ერთმა შემქმნელმა ა.ნ. ბენუა.

ჟურნალის საქმიანობის ერთ-ერთი მთავარი ადგილი იყო უახლესი რუსული და განსაკუთრებით დასავლეთ ევროპის ხელოვნების მიღწევების პოპულარიზაცია. პარალელურად, ხელოვნების სამყარო ნერგავს რუსი და დასავლეთ ევროპელი მხატვრების ერთობლივი გამოფენების პრაქტიკას. „ხელოვნების სამყაროს“ პირველ გამოფენაზე, რუსების გარდა, შეიკრიბნენ მხატვრები საფრანგეთიდან, ინგლისიდან, გერმანიიდან, იტალიიდან, ბელგიიდან, ნორვეგიიდან, ფინეთიდან და ა.შ. მასში მონაწილეობა მიიღეს როგორც სანკტ-პეტერბურგელი, ისე მოსკოვის მხატვრები და გრაფიკოსები. მაგრამ ბზარი ამ ორ სკოლას - პეტერბურგსა და მოსკოვს შორის - თითქმის პირველივე დღიდან გაჩნდა. 1903 წლის მარტში დაიხურა ხელოვნების სამყაროს ბოლო, მეხუთე გამოფენა, ხოლო 1904 წლის დეკემბერში გამოვიდა ჟურნალის World of Art-ის ბოლო ნომერი. მხატვრების უმეტესობა შეუერთდა ორგანიზებულ "რუს მხატვართა კავშირს", მწერლებს - და ჟურნალ "ახალ გზას", რომელიც გახსნა მერეჟკოვსკის ჯგუფის მიერ, მოსკოვის სიმბოლისტები გაერთიანდნენ ჟურნალ "სასწორის" გარშემო, მუსიკოსებმა მოაწყვეს "თანამედროვე მუსიკის საღამოები", დიაგილევი მთლიანად წავიდა. ბალეტსა და თეატრში. მისი ბოლო მნიშვნელოვანი ნამუშევარი სახვითი ხელოვნებაში იყო რუსული მხატვრობის გრანდიოზული ისტორიული გამოფენა იკონოგრაფიიდან თანამედროვეობამდე პარიზის საშემოდგომო სალონში 1906 წელს, შემდეგ გამოფენილი იყო ბერლინსა და ვენეციაში (1906 წ. - 1907 წ.). თანამედროვე მხატვრობის განყოფილებაში მთავარი ადგილი „ხელოვნების სამყაროს“ მხატვრებს ეკავათ. ეს იყო "ხელოვნების სამყაროს" პან-ევროპული აღიარების პირველი აქტი, ისევე როგორც მე -18 - მე -20 საუკუნის დასაწყისის რუსული მხატვრობის აღმოჩენა. ზოგადად დასავლური კრიტიკისთვის და რუსული ხელოვნების ნამდვილი ტრიუმფისთვის.

1910 წელს გაკეთდა მცდელობა ხელახლა შეეტანა სიცოცხლე ხელოვნების სამყაროს. ამ დროს მხატვრებს შორის განხეთქილება მოხდა. ბენუა და მისი მხარდამჭერები წყვეტენ "რუს მხატვართა კავშირს", მოსკოველებს და ტოვებენ ამ ორგანიზაციას, მაგრამ მათ ესმით, რომ მეორად ასოციაციას სახელად "ხელოვნების სამყარო" არაფერი აქვს საერთო პირველთან. ბენუა სევდიანად აცხადებს, რომ „ეს არის არა შერიგება სილამაზის დროშის ქვეშ, რაც ახლა გახდა სლოგანი ცხოვრების ყველა სფეროში, არამედ სასტიკი ბრძოლა“. დიდება მოვიდა "ხელოვნების სამყაროში", მაგრამ "ხელოვნების სამყარო", ფაქტობრივად, აღარ არსებობდა, თუმცა ფორმალურად ასოციაცია არსებობდა 20-იანი წლების დასაწყისამდე - მთლიანობის სრული ნაკლებობით, უსაზღვრო ტოლერანტობით და პოზიციების მოქნილობით, მხატვრების შერიგება რილოვიდან ტატლინამდე, გრაბარიდან შაგალამდე. როგორ შეიძლება არ გავიხსენოთ აქ იმპრესიონისტები? თანამეგობრობა, რომელიც ოდესღაც დაიბადა გლერის სახელოსნოში, „უარყოფილთა სალონში“, კაფე Guerbois-ის მაგიდებთან და რომელსაც უდიდესი გავლენა უნდა მოეხდინა მთელ ევროპულ ფერწერაზე, ასევე დაიშალა მისი აღიარების ზღურბლზე. „Mir Iskusstniki“-ის მეორე თაობას ნაკლებად აწუხებს დაზგური მხატვრობის პრობლემები; მათი ინტერესები მდგომარეობს გრაფიკაში, ძირითადად წიგნის ხელოვნებაში, თეატრალურ და დეკორატიულ ხელოვნებაში; ორივე სფეროში მათ გააკეთეს ნამდვილი მხატვრული რეფორმა. „მირ ისკუსსტნიკის“ მეორე თაობაში ასევე იყვნენ ძირითადი პიროვნებები (კუსტოდიევი, სუდეიკინი, სერებრიაკოვა, ჩეხონინი, გრიგორიევი და ა. ეპიგონიზმის ტალღამ მოიცვა. მაშასადამე, „ხელოვნების სამყაროს“ დახასიათებისას ძირითადად ვისაუბრებთ ამ ასოციაციის არსებობის პირველ ეტაპზე და მის ბირთვზე - ბენოისზე, სომოვზე, ბაკსტზე.

ერთის მხრივ, აკადემიური სალონურ ხელოვნებასთან პოლემიკა და მეორეს მხრივ გვიანდელ პერედვიჟნიკის მოძრაობასთან, „ხელოვნების სამყარო“ აცხადებს პირდაპირი სოციალური მიკერძოების უარყოფას, როგორც რაღაცას, რომელიც თითქოს ზღუდავს ხელოვნებაში ინდივიდუალური შემოქმედებითი თვითგამოხატვის თავისუფლებას და. არღვევს მხატვრული ფორმის უფლებებს. შემდგომში, 1906 წელს, ჯგუფის წამყვანმა მხატვარმა და იდეოლოგმა ა. ბენუამ გამოაცხადა ინდივიდუალიზმის სლოგანი, რომლითაც თავიდანვე გამოვიდა ხელოვნების სამყარო, როგორც „მხატვრული ერესი“. ინდივიდუალიზმი, რომელიც გამოაცხადა „ხელოვნების სამყარომ“ მისი გამოსვლების დასაწყისში, სხვა არაფერი იყო, თუ არა შემოქმედებითი თამაშის თავისუფლების უფლებების დაცვა. „მირკუსნიკები“ არ იყვნენ კმაყოფილი მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის სახვითი ხელოვნებისთვის დამახასიათებელი ცალმხრივი სპეციალიზაციით დაზგური მხატვრობის მხოლოდ ერთ სფეროში და მის ფარგლებში - გარკვეულ ჟანრებზე და გარკვეულ (აქტუალურ) საგნებზე. ტენდენციით“. ყველაფერს, რაც ხელოვანს უყვარს და ეთაყვანება წარსულში და აწმყოში, აქვს უფლება განსახიერდეს ხელოვნებაში, მიუხედავად დღის თემისა – ეს იყო ხელოვნების სამყაროს შემოქმედებითი პროგრამა. მაგრამ ამ ერთი შეხედვით ფართო პროგრამას მნიშვნელოვანი შეზღუდვა ჰქონდა. ვინაიდან, როგორც „ხელოვნების სამყარო“ თვლიდა, მხოლოდ სილამაზისადმი აღფრთოვანება იწვევს ნამდვილ შემოქმედებით ენთუზიაზმს, ხოლო უშუალო რეალობა, მათ სჯეროდათ, რომ უცხოა სილამაზისთვის, მაშინ სილამაზის ერთადერთი სუფთა წყარო და, შესაბამისად, შთაგონება თავად ხელოვნებაა. სილამაზის სფერო უაღრესად. ამრიგად, ხელოვნება იქცევა ერთგვარ პრიზმად, რომლის მეშვეობითაც ადამიანები „ხელოვნების სამყაროს“ უყურებენ წარსულს, აწმყოსა და მომავალს. ცხოვრება მათ მხოლოდ იმდენად აინტერესებს, რამდენადაც მან უკვე გამოხატა თავი ხელოვნებაში. ამიტომ, მათ შემოქმედებაში ისინი მოქმედებენ როგორც უკვე სრულყოფილი, მზა სილამაზის ინტერპრეტატორები. აქედან გამომდინარეობს „ხელოვნების სამყაროს“ მხატვრების უპირატესი ინტერესი წარსულში, განსაკუთრებით ერთი სტილის დომინირების ეპოქაში, რაც შესაძლებელს ხდის გამოკვეთოს მთავარი, დომინანტური „სილამაზის ხაზი“, რომელიც გამოხატავს ხელოვნების სულისკვეთებას. ეპოქა - კლასიციზმის გეომეტრიული სქემები, როკოკოს ახირებული დახვევა, ბაროკოს მდიდარი ფორმები და ქიაროსკურო და ა.შ.

"ხელოვნების სამყაროს" წამყვანი ოსტატი და ესთეტიკური კანონმდებელი იყო ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ ბენუა (1870-1960). ამ მხატვრის ნიჭი გამოირჩეოდა თავისი არაჩვეულებრივი მრავალფეროვნებით, ხოლო პროფესიული ცოდნის მოცულობას და ზოგადი კულტურის დონეს არ ჰქონდა თანაბარი "ხელოვნების სამყაროს" მაღალგანათლებულ მოღვაწეთა წრეში. მხატვარი და გრაფიკოსი, ილუსტრატორი და წიგნის დიზაინერი, თეატრალური დეკორაციის ოსტატი, რეჟისორი და ბალეტის ლიბრეტოების ავტორი, ბენუა, ამავე დროს, იყო რუსული და დასავლეთ ევროპის ხელოვნების გამოჩენილი ისტორიკოსი, თეორეტიკოსი და გამოჩენილი პუბლიცისტი. გამჭრიახი კრიტიკოსი, მუზეუმის მთავარი მოღვაწე და თეატრის, მუსიკისა და ქორეოგრაფიის შეუდარებელი მცოდნე. თუმცა, მხოლოდ ალექსანდრე ბენუას მიერ ღრმად შესწავლილი კულტურის სფეროების ჩამოთვლა ჯერ კიდევ არ იძლევა ჭეშმარიტ წარმოდგენას მხატვრის სულიერ გარეგნობაზე. მთავარი ის არის, რომ მის საოცარ ერუდიციაში პედანტური არაფერი იყო. მისი პერსონაჟის მთავარ მახასიათებელს ხელოვნების ყოვლისმომცველი სიყვარული უნდა ვუწოდოთ; ცოდნის მრავალფეროვნება მხოლოდ ამ სიყვარულის გამოხატულებას ემსახურებოდა. ყველა თავის საქმიანობაში, მეცნიერებაში, მხატვრულ კრიტიკაში, თავისი აზრის ყოველ მოძრაობაში, ბენუა ყოველთვის რჩებოდა ხელოვანი. თანამედროვეები მასში ხედავდნენ მხატვრობის სულის ცოცხალ განსახიერებას.

მაგრამ ბენუას გარეგნობაში კიდევ ერთი მახასიათებელი იყო, რომელიც მკვეთრად შეინიშნება ანდრეი ბელის მოგონებებში, რომელიც მხატვარში, უპირველეს ყოვლისა, გრძნობდა, რომ ”ხელოვნების სამყაროს პასუხისმგებელი მხარის დიპლომატი, რომელიც ხელმძღვანელობდა დიდ კულტურულ საქმეს და მსხვერპლს სწირავდა ამისთვის. მთელის გულისთვის - ბევრი; ა.ნ. ბენუა იყო მისი მთავარი პოლიტიკოსი; დიაგილევი იყო იმპრესარიო, მეწარმე, დირექტორი; ბენუამ მისცა, ასე ვთქვათ, დადგმული ტექსტი...“ ბენუას მხატვრულმა პოლიტიკამ მის გარშემო გააერთიანა "ხელოვნების სამყაროს" ყველა ფიგურა. ის იყო არა მხოლოდ თეორეტიკოსი, არამედ „ხელოვნების სამყაროს“ ტაქტიკის ინსპირატორი, მისი ცვალებადი ესთეტიკური პროგრამების შემქმნელი. ჟურნალის იდეოლოგიური პოზიციების შეუსაბამობა და შეუსაბამობა მეტწილად აიხსნება იმ ეტაპზე ბენუას ესთეტიკური შეხედულებების არათანმიმდევრულობითა და შეუსაბამობით. თუმცა, სწორედ ეს შეუსაბამობა, რომელიც ასახავდა ეპოქის წინააღმდეგობებს, მხატვრის პიროვნებას განსაკუთრებულ ისტორიულ ინტერესს ანიჭებს.

ბენუა, გარდა ამისა, გააჩნდა შესანიშნავი პედაგოგიური ნიჭი და გულუხვად უზიარებდა თავის სულიერ სიმდიდრეს არა მხოლოდ მეგობრებს, არამედ „ყველას, ვისაც მისი მოსმენა სურდა. ეს არის ის გარემოება, რომელიც განსაზღვრავს ბენუას გავლენის სიძლიერეს "ხელოვნების სამყაროს" მხატვართა მთელ წრეზე, რომლებიც, A.P.-ის სწორი შენიშვნის მიხედვით. ოსტროუმოვა-ლებედევამ გაიარა „მასთან ერთად, ჩვენთვის არ ვიცით, მხატვრული გემოვნების, კულტურისა და ცოდნის სკოლა“.

დაბადებითა და აღზრდით ბენუა პეტერბურგის მხატვრულ ინტელიგენციას ეკუთვნოდა. მრავალი თაობისთვის ხელოვნება მის ოჯახში მემკვიდრეობითი პროფესია იყო. ბენუას დედის პაპა კ.ა. კავოსი იყო კომპოზიტორი და დირიჟორი, მისი ბაბუა იყო არქიტექტორი, რომელმაც ბევრი ააშენა პეტერბურგსა და მოსკოვში; მხატვრის მამა ასევე იყო მთავარი არქიტექტორი, მისი უფროსი ძმა ცნობილი იყო როგორც აკვარელი. ახალგაზრდა ბენუას ცნობიერება განვითარდა ხელოვნებისა და მხატვრული ინტერესების ატმოსფეროში.

შემდგომში, ბავშვობის გახსენებისას, მხატვარი განსაკუთრებით დაჟინებით ხაზს უსვამდა ორ სულიერ მიმდინარეობას, გამოცდილების ორ კატეგორიას, რომლებმაც ძლიერი გავლენა მოახდინა მისი შეხედულებების ჩამოყალიბებაზე და, გარკვეული გაგებით, განსაზღვრა მისი ყველა მომავალი საქმიანობის მიმართულება. მათგან პირველი და ყველაზე ძლიერი თეატრალურ შთაბეჭდილებებს უკავშირდება. ადრეული წლებიდან და მთელი ცხოვრების მანძილზე ბენუამ განიცადა განცდა, რომელსაც ძნელად თუ შეიძლება ეწოდოს სხვა რამ, გარდა თეატრის კულტისა. ბენუა უცვლელად უკავშირებდა „ხელოვნების“ ცნებას „თეატრალურობის“ კონცეფციას; სწორედ თეატრალურ ხელოვნებაში დაინახა ერთადერთი შესაძლებლობა, თანამედროვე პირობებში შეექმნა ფერწერის, არქიტექტურის, მუსიკის, პლასტიკისა და პოეზიის შემოქმედებითი სინთეზი, გაეცნობიერებინა ხელოვნების ეს ორგანული შერწყმა, რომელიც მას მხატვრობის უმაღლეს მიზნად ეჩვენებოდა. კულტურა.

მოზარდის გამოცდილების მეორე კატეგორია, რომელმაც წარუშლელი კვალი დატოვა ბენუას ესთეტიკურ შეხედულებებზე, წარმოიშვა შთაბეჭდილებებიდან სოფლის რეზიდენციებიდან და პეტერბურგის გარეუბნებიდან - პავლოვსკი, კუშელევ-ბეზბოროდკოს უძველესი დაჩი ნევის მარჯვენა სანაპიროზე და, უპირველეს ყოვლისა, პეტერჰოფიდან და მისი მრავალი ხელოვნების ძეგლიდან. ”ამ... პეტერჰოფის შთაბეჭდილებებიდან... ალბათ, წარმოიშვა ჩემი მთელი შემდგომი კულტი პეტერჰოფის, ცარსკოე სელოს, ვერსალის”, - იხსენებს მოგვიანებით მხატვარი. მე-18 საუკუნის ხელოვნების თამამი გადაფასების სათავეები, რომელიც, როგორც უკვე აღვნიშნეთ, ხელოვნების სამყაროს ერთ-ერთი უდიდესი დამსახურებაა, სათავეს უბრუნდება ალექსანდრე ბენუას ადრეულ შთაბეჭდილებებსა და გამოცდილებას.

ახალგაზრდა ბენუას მხატვრული გემოვნება და შეხედულებები ჩამოყალიბდა მისი ოჯახის წინააღმდეგ, რომელიც იცავდა კონსერვატიულ „აკადემიურ“ შეხედულებებს. მხატვრად ქცევის გადაწყვეტილება მასში ძალიან ადრე მომწიფდა; მაგრამ სამხატვრო აკადემიაში ხანმოკლე ყოფნის შემდეგ, რამაც მხოლოდ იმედგაცრუება მოიტანა, ბენოისმა აირჩია მიეღო სანქტ-პეტერბურგის უნივერსიტეტში იურიდიული ფაკულტეტი და დამოუკიდებლად გაევლო პროფესიული მხატვრული მომზადება, საკუთარი პროგრამის მიხედვით.

შემდგომში მტრულმა კრიტიკამ არაერთხელ უწოდა ბენუა სამოყვარულო. ეს ძნელად სამართლიანი იყო: ყოველდღიური შრომისმოყვარეობა, მუდმივი ვარჯიში ცხოვრებიდან ხატვაში, ფანტაზიის ვარჯიში კომპოზიციებზე მუშაობაში, ხელოვნების ისტორიის სიღრმისეულ შესწავლასთან ერთად, მხატვარს აძლევდა თავდაჯერებულ უნარს, რომელიც არ ჩამოუვარდებოდა თანატოლების უნარს. რომელიც სწავლობდა აკადემიაში. იმავე დაჟინებით, ბენუა ემზადებოდა ხელოვნების ისტორიკოსის მუშაობისთვის, სწავლობდა ერმიტაჟს, სწავლობდა სპეციალიზებულ ლიტერატურას, მოგზაურობდა ისტორიულ ქალაქებსა და მუზეუმებში გერმანიაში, იტალიაში და საფრანგეთში.

ალექსანდრე ბენუას ნახატი "მეფის გასეირნება" (1906, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა) მხატვრობის ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი და ტიპიური ნიმუშია "ხელოვნების სამყაროში". ეს ნამუშევარი არის ნახატების სერიის ნაწილი, რომელიც აღადგენს ვერსალის ცხოვრების სცენებს "მზის მეფის" ეპოქაში. 1905-1906 წლების ციკლი თავის მხრივ არის 1897-1898 წლების ვერსალის ადრინდელი სუიტის გაგრძელება, სახელწოდებით "ლუი XIV-ის ბოლო გასეირნება", რომელიც დაიწყო პარიზში ჰერცოგ დე სენ-სიმონის მოგონებების გავლენით. ბენუას ვერსალის პეიზაჟები აერთიანებს მე-17 საუკუნის ისტორიულ რეკონსტრუქციას, მხატვრის თანამედროვე შთაბეჭდილებებს და მის აღქმას ფრანგული კლასიციზმისა და ფრანგული გრავიურის შესახებ. აქედან გამომდინარეობს მკაფიო კომპოზიცია, მკაფიო სივრცულობა, რიტმების სიდიადე და ცივი სიმძიმე, კონტრასტი ხელოვნების ძეგლების სიდიადესა და ადამიანის ფიგურების სიმცირეს შორის, რომლებიც მათ შორის მხოლოდ პერსონალია - პირველი სერია სახელწოდებით "ლუი XIV-ის ბოლო გასეირნება". .”

ბენუას ვერსალი ერთგვარი ლანდშაფტური ელეგიაა, თანამედროვე ადამიანის თვალწინ წარმოჩენილი ულამაზესი სამყარო მიტოვებული სცენის სახით დიდი ხნის წინ შესრულებული სპექტაკლის დანგრეული პეიზაჟებით. ადრე ბრწყინვალე, ხმებითა და ფერებით სავსე, ეს სამყარო ახლა ცოტა მოჩვენებითი ჩანს, სასაფლაო სიჩუმეში მოცული. შემთხვევითი არ არის, რომ "მეფის გასეირნებაში" ბენუა ასახავს ვერსალის პარკს შემოდგომაზე და საღამოს ნათელი ბინდის საათზე, როდესაც ჩვეულებრივი ფრანგული ბაღის უფოთლო "არქიტექტურა" ნათელი ცის ფონზე გადაიქცევა. ეფემერული შენობა. ამ სურათის ეფექტი მსგავსია, თუ ჩვენ დავინახავდით რეალურ დიდ სცენას ბოლო იარუსის აივნიდან მკვეთრი მანძილით, შემდეგ კი, თოჯინების ზომამდე შემცირებულ სამყაროს ბინოკლების საშუალებით შესწავლით, ჩვენ გავაერთიანეთ ეს ორი შთაბეჭდილება ერთ სანახაობაში. . შორეული, ამრიგად, უახლოვდება და ცოცხლდება, რჩება შორეული, სათამაშო თეატრის ზომის. როგორც რომანტიკულ ზღაპრებში, დანიშნულ საათზე ამ სცენაზე ხდება გარკვეული მოქმედება: ცენტრში მყოფი მეფე ესაუბრება მოახლეს, რომელსაც თან ახლავს კარისკაცები, რომლებიც ზუსტად განსაზღვრული ინტერვალებით დადიან მათ უკან და მათ წინ. ყველა მათგანი, როგორც უძველესი საათის ფიგურები, სრიალებს წყალსაცავის კიდეზე დავიწყებული მინუეტის მსუბუქი ხმების ქვეშ. ამ რეტროსპექტული ფანტაზიის თეატრალურ ბუნებას თავად მხატვარი დახვეწილად ავლენს: ის აცოცხლებს შადრევანში მობინადრე სათამაშო კუპიდების ფიგურებს - ისინი კომიკურად წარმოადგენენ ხმაურიანი მაყურებლის როლს, თავისუფლად მდებარე სცენის ძირში და თოჯინების სპექტაკლს ათვალიერებენ. ხალხის მიერ შესრულებული.

საზეიმო გასვლების, მოგზაურობის, სეირნობის მოტივი, როგორც წარსულის ყოველდღიური რიტუალის დამახასიათებელი ნიშანი, იყო „ხელოვნების სამყაროს“ ერთ-ერთი ფავორიტი. ამ მოტივის თავისებურ ვარიაციას ვხვდებით აგრეთვე „პეტრე I“-ში ვ. სეროვი, ხოლო ფილმში გ.ე. ლანსერე "იმპერატრიცა ელიზავეტა პეტროვნა ცარსკოე სელოში" (1905, GGT). ბენუასგან განსხვავებით, კლასიციზმის რაციონალისტური გეომეტრიის ესთეტიზაციით, ლანსერეი უფრო იზიდავს რუსული ბაროკოს სენსუალური პათოსი, ფორმების სკულპტურული მატერიალურობა. უხეში პომპეზურობით გამოწყობილი ელიზაბეთისა და მისი ვარდისფერ ლოყებიანი კარისკაცების გამოსახულება მოკლებულია თეატრალური მისტიფიკაციის იმ ელფერს, რომელიც ახასიათებს ა. ბენუას „მეფის გასეირნებას“.

ბენუა გადაიქცა ნახევრად ზღაპრულ, სათამაშო მეფედ, გარდა ლუი XIV-ისა, რომლის მეფობა გამოირჩეოდა წარმოუდგენელი პომპეზურობითა და ბრწყინვალებით და იყო საფრანგეთის სახელმწიფოებრიობის აყვავების ხანა. წარსული სიდიადის ეს მიზანმიმართული შემცირება ერთგვარ ფილოსოფიურ პროგრამას შეიცავს - ყველაფერი სერიოზული და დიდი, თავის მხრივ, განზრახულია გახდეს კომედია და ფარსი. მაგრამ "მირისკუსნიკების" ირონია არ ნიშნავს მხოლოდ ნიჰილისტურ სკეპტიციზმს. ამ ირონიის მიზანი სულაც არ არის წარსულის დისკრედიტაცია, არამედ პირიქით - წარსულის რეაბილიტაცია მის მიმართ ნიჰილისტური დამოკიდებულების შესაძლებლობის ფონზე მხატვრული დემონსტრირებით, რომ წარსულის კულტურების შემოდგომა თავისთავად ლამაზია. გზა, ისევე როგორც მათი გაზაფხული და ზაფხული. მაგრამ, ამდენად, განსაკუთრებული მელანქოლიური ხიბლი, რომელიც ნიშნავდა სილამაზის გამოჩენას "მსოფლიო ხელოვანებს" შორის, შეძენილი იყო ამ სილამაზის ჩამორთმევის ფასად იმ პერიოდებთან, როდესაც იგი ჩნდებოდა სიცოცხლისუნარიანობისა და სიდიადის სისრულეში. „ხელოვნების სამყაროს“ ესთეტიკას უცხოა დიდის, ამაღლებულის, მშვენიერის კატეგორიები; ლამაზი, ელეგანტური, მოხდენილი მას უფრო ჰგავს. მათი მაქსიმალური გამოხატულებით, ორივე ეს მომენტი - ფხიზელი ირონია, რომელიც ესაზღვრება შიშველ სკეპტიციზმს და ესთეტიზმს, რომელიც ესაზღვრება მგრძნობიარე ეგზალტაციას - გაერთიანებულია ჯგუფის ყველაზე რთული ოსტატების - K.A. სომოვა.

ბენუას, ხელოვნებათმცოდნე და ხელოვნებათმცოდნე, რომელმაც გრაბართან ერთად განაახლა რუსული ხელოვნების კრიტიკის მეთოდები, ტექნიკა და თემები, არის მთელი ეტაპი ხელოვნების მეცნიერების ისტორიაში (იხ. „მე-19 საუკუნის მხატვრობის ისტორია საუკუნე" რ. მუტერი - ტომი "რუსული მხატვრობა", 1901-1902; "რუსული ფერწერის სკოლა", გამოცემა 1904; "ცარსკოე სელო იმპერატრიცა ელიზავეტა პეტროვნას დროს", 1910; სტატიები ჟურნალებში "ხელოვნების სამყარო" და "ძველი წლები", "რუსეთის მხატვრული საგანძური" და ა.შ.).

მისი უახლოესი თანამოაზრეების ერთსულოვანი აღიარებით, ისევე როგორც შემდგომი კრიტიკის თანახმად, სომოვი იყო ცენტრალური ფიგურა ხელოვნების სამყაროს მხატვრებს შორის ამ ასოციაციის ისტორიის პირველ პერიოდში. ხელოვნების სამყაროს წრის წარმომადგენლები მას დიდ ოსტატად თვლიდნენ. ”სახელი სომოვი ცნობილია ყველა განათლებული ადამიანისთვის არა მხოლოდ რუსეთში, არამედ მთელ მსოფლიოში. ეს არის გლობალური ფიგურა... მან დიდი ხანია გასცდა სკოლების, ეპოქების, რუსეთის საზღვრებსაც და გავიდა გენიოსობის მსოფლიო ასპარეზზე“, - წერს მასზე პოეტი მ.კუზმინი. და ეს შორს არის იზოლირებული ან თუნდაც ყველაზე ენთუზიაზმი მიმოხილვისაგან. თუ დიაგილევს უნდა ეწოდოს ორგანიზატორი და ლიდერი, ხოლო ბენუა - ახალი მხატვრული მოძრაობის იდეოლოგიური ლიდერი და მთავარი თეორეტიკოსი, მაშინ სომოვი თავიდან ასრულებდა წამყვანი მხატვრის როლს. მისი თანამედროვეების აღფრთოვანება აიხსნება იმით, რომ სომოვის შემოქმედებაში დაიბადა და ჩამოყალიბდა ძირითადი ვიზუალური პრინციპები, რომლებიც შემდგომში გახდა მთელი ჯგუფის „ხელოვნების სამყაროს“ სახელმძღვანელო პრინციპები.

ამ ოსტატის ბიოგრაფია ძალიან დამახასიათებელია "ხელოვნების სამყაროს" წრისთვის. კონსტანტინე ანდრეევიჩ სომოვი (1869-1939) იყო ერმიტაჟის კურატორის ვაჟი - ცნობილი მხატვრული მოღვაწისა და კოლექციონერი. ხელოვნების ატმოსფერო მას ბავშვობიდან აკრავდა. სომოვის ინტერესი მხატვრობის, თეატრის, ლიტერატურისა და მუსიკის მიმართ ძალიან ადრე გაჩნდა და გაგრძელდა მთელი მისი ცხოვრების განმავლობაში. გიმნაზიის დატოვების შემდეგ (1888), სადაც დაიწყო მისი მეგობრობა ალექსანდრე ბენოისთან და ფილოსოფოვთან, ახალგაზრდა სომოვი შევიდა ხელოვნების აკადემიაში და, ხელოვნების სამყაროს ყველა სხვა დამფუძნებლისგან განსხვავებით, იქ გაატარა თითქმის რვა წელი (1889-1897). მან არაერთი მოგზაურობა გაატარა საზღვარგარეთ - იტალიაში, საფრანგეთსა და გერმანიაში (1890, 1894, 1897-1898, 1899, 1905).

ხელოვნების სამყაროში მისი კოლეგების უმეტესობისგან განსხვავებით, სომოვი არასოდეს ასწავლიდა, არ წერდა სტატიებს და არ ცდილობდა რაიმე როლის შესრულებას საზოგადოებრივ წრეებში. მხატვრის ცხოვრება განმარტოებული და განმარტოებული იყო, რამდენიმე მხატვარ მეგობარს შორის, მხოლოდ სამუშაოს, კითხვას, მუსიკას და ანტიკვარების შეგროვებას დაეთმო.

სომოვის მხატვრულ ინდივიდუალობას ორი დამახასიათებელი თვისება განასხვავებს. ერთ-ერთ მათგანს განაპირობებს მისი შედარებით ადრეული შემოქმედებითი სიმწიფე. სომოვი იყო გამოცდილი ხელოსანი და სრულიად ორიგინალური მხატვარი, როდესაც მისი თანატოლები ბაკსტი და ბენუა ახლახან იწყებდნენ ხელოვნებაში დამოუკიდებელი გზის ძიებას. მაგრამ ეს უპირატესობა მალევე გადაიზარდა მინუსად. უკვე ყველაზე მგრძნობიარე თანამედროვეები გრძნობდნენ რაღაც მტკივნეულს სომოვის ნაადრევ სიმწიფეში. სომოვის მეორე თვისება მძაფრად შენიშნა მისმა მეგობარმა და თაყვანისმცემელმა ს. იარემიჩმა: „... სომოვი თავისი ბუნებით ძლიერი რეალისტია, ვერმეერ ვან დელფტის ან პიტერ დე გოხის მსგავსი და მისი პოზიციის დრამა მდგომარეობს ბიფურკაციაში. რომელშიც ყველა გამოჩენილი რუსი მხატვარი. ერთის მხრივ, მას ცხოვრება იზიდავს და ანიშნა..., მეორე მხრივ, შეუსაბამობა მის ზოგად ცხოვრებასა და მხატვრის ცხოვრებას შორის აშორებს მას თანამედროვეობისგან... ძნელად თუ მოიძებნება სხვა მხატვარი ასეთი უნარით დაჯილდოებული. ყველაზე მწვავე და გამჭოლი დაკვირვება, როგორც ჩვენი სომოვი, რომელიც გადაიხდის იქ, ჩემს შემოქმედებაში იმდენი ადგილია წმინდა დეკორატიული მიზნებისთვის და წარსულისთვის. შეიძლება ვივარაუდოთ, რომ სომოვის ნამუშევრები მით უფრო მნიშვნელოვანია, რაც უფრო ახლოს რჩებიან ცოცხალ, კონკრეტულად დანახულ ბუნებასთან და მით უფრო ნაკლებად იგრძნობა მათში ორმაგობა და იზოლაცია რეალური ცხოვრებიდან, რაზეც კრიტიკოსი საუბრობს. თუმცა, ეს ასე არ არის. თავად ხელოვანის ცნობიერების ორმაგობა, მისი ეპოქისთვის დამახასიათებელი, მკვეთრი და უნიკალური შემოქმედებითი იდეების წყარო ხდება.

სომოვის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი პორტრეტია „ქალბატონი ლურჯებში. ელიზავეტა მიხაილოვნა მარტინოვას პორტრეტი“ (1897-1900, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა) მხატვრის პროგრამული ნამუშევარია. ძველ კაბაში გამოწყობილი, პუშკინის ტატიანას ხსოვნას "სევდიანი ფიქრით თვალებში, ფრანგული წიგნით ხელში", სომოვის პორტრეტის გმირი, დაღლილობის, სევდა, ცხოვრებაში ბრძოლის უუნარობის გამოხატულებით, მით უფრო ღალატობს განსხვავებას მის პოეტურ პროტოტიპთან, აიძულებს მას გონებრივად იგრძნოს უფსკრულის სიღრმე, რომელიც ყოფს წარსულს აწმყოსგან. სომოვის ამ ნაწარმოებში, სადაც ხელოვნური რთულად არის გადაჯაჭვული ნამდვილთან, თამაში სერიოზულობით, სადაც ცოცხალი ადამიანი გამოიყურება დაბნეული და კითხვის ნიშნის ქვეშ, ყალბ ბაღებს შორის უმწეო და მიტოვებული, „გადააგდეს ხელოვნების სამყაროს პესიმისტური ფონი. წარსულში“ და თანამედროვე ადამიანის შეუძლებლობა გამოიხატება ხაზგასმული გულწრფელობით, იპოვეთ იქ ხსნა საკუთარი თავისგან, თქვენი რეალური და არა მოჩვენებითი მწუხარებისგან.

„ლურჯ ქალბატონთან“ ახლოს არის ნახატი-პორტრეტი „წარსული დროის ექო“ (1903, ქაღალდი მუყაოზე, აკვარელი, გუაში, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), სადაც სომოვი ქმნის მყიფე, ანემიური ქალის სილამაზის პოეტურ აღწერას. დეკადენტური მოდელი, რომელიც უარს ამბობს თანამედროვეობის რეალური ყოველდღიური ნიშნების გადმოცემაზე. ის მოდელებს უძველეს კოსტუმებში აცვია, მათ გარეგნობას აძლევს საიდუმლო ტანჯვის, სევდისა და მეოცნებეობის, მტკივნეული მსხვრევის თვისებებს.

ბრწყინვალე პორტრეტის მხატვარმა სომოვმა 1900-იანი წლების მეორე ნახევარში შექმნა ფანქრისა და აკვარელის პორტრეტების ნაკრები, რომელიც წარმოგვიდგენს მხატვრისთვის კარგად ნაცნობი და ღრმად შესწავლილი მხატვრისთვის კარგად ნაცნობი და მისი დროის ინტელექტუალური ელიტის - ვ. ივანოვი, ბლოკი, კუზმინი, სოლოგუბი, ლანსერეი, დობუჟინსკი და ა.შ. პორტრეტებში ის იყენებს ერთ ზოგად ტექნიკას: თეთრ ფონზე - რაღაც მარადიულ სფეროში - ხატავს სახეს, რომლის მსგავსება მიიღწევა არა ნატურალიზაციის გზით, არამედ. თამამი განზოგადებებისა და დამახასიათებელი დეტალების ზუსტი შერჩევის გზით. დროის ნიშნების ეს არარსებობა ქმნის სტატიკურობის, გაყინვის, სიცივის და თითქმის ტრაგიკული მარტოობის შთაბეჭდილებას.

სომოვის გვიანდელი ნამუშევრები არის პასტორალური და გალანტური დღესასწაულები („დაცინებული კოცნა“, 1908, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი; „მარკიზის გასეირნება“, 1909, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი), „კოლუმბიის ენა“ (1913-1915), სავსე კაუსტიკური ირონიით. , სულიერი სიცარიელე, უიმედობაც კი. სასიყვარულო სცენები მე -18 - მე -19 საუკუნის დასაწყისი. ყოველთვის ეროტიზმის ელფერით არის მოცემული. ეს უკანასკნელი განსაკუთრებით გამოიკვეთა მის ფაიფურის ფიგურებში, რომლებიც ეძღვნებოდა სიამოვნების მოჩვენებით სწრაფვას.

სასიყვარულო თამაში - პაემნები, ნოტები, კოცნა ხეივნებში, გაზები, ფორმალური ბაღების თაიგულები ან მდიდრულად მორთული ბუდურები - სომოვის გმირების საერთო გატარებაა, რომლებიც გვევლინებიან დაფხვნილ პარიკებში, მაღალ ვარცხნილობებში, მოქარგულ კემიზოლებსა და კრინოლინების კაბებში. მაგრამ სომოვის ნახატების სიხარულში არ არის ნამდვილი მხიარულება; ადამიანები მხიარულობენ არა სიცოცხლის სისრულის გამო, არამედ იმიტომ, რომ სხვა არაფერი იციან, ამაღლებული, სერიოზული და მკაცრი. ეს არ არის მხიარული სამყარო, არამედ სამყარო, რომელიც განწირულია გართობისთვის, დამღლელი მარადიული დღესასწაულისთვის, ადამიანების მარიონეტებად გადაქცევა, ცხოვრებისეული სიამოვნების მოჩვენებითი სწრაფვა.

ხელოვნების სამყაროში სხვებზე ადრე სომოვი წარსულის თემებს, მე-18 საუკუნის ინტერპრეტაციას მიუბრუნდა. ("წერილი", 1896; "კონფიდენციალობა", 1897), როგორც ბენუას ვერსალის პეიზაჟების წინამორბედი. ის პირველია, ვინც შექმნა არარეალური სამყარო, ნაქსოვი კეთილშობილური მამულისა და სასამართლო კულტურის მოტივებიდან და საკუთარი წმინდა სუბიექტური მხატვრული გრძნობებიდან, ირონიით გაჟღენთილი. „მირისკუსნიკების“ ისტორიულობა რეალობისგან თავის დაღწევა იყო. არა წარსული, არამედ მისი დადგმა, მისი შეუქცევადობის ლტოლვა - ეს არის მათი მთავარი მოტივი. არა ჭეშმარიტი გართობა, არამედ მხიარული თამაში კოცნით ხეივნებში - ეს არის სომოვი.

სომოვის შემოქმედებაში წამყვანია ხელოვნური სამყაროს, ყალბი ცხოვრების თემა, რომელშიც არაფერია მნიშვნელოვანი და მნიშვნელოვანი. იგი ეფუძნება მხატვრის ღრმად პესიმისტურ შეფასებას თანამედროვე ბურჟუაზიულ-არისტოკრატიული საზოგადოების მორალზე, თუმცა სწორედ სომოვი იყო ამ წრის ჰედონისტური გემოვნების ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენელი. სომოვის ფარსი არის ტრაგიკული მსოფლმხედველობის საპირისპირო მხარე, რომელიც, თუმცა, იშვიათად გამოიხატება განსაკუთრებულად ტრაგიკული სიუჟეტების არჩევაში.

სომოვის მხატვრობის ტექნიკა უზრუნველყოფს მის მიერ გამოსახული სამყაროს თანმიმდევრულ იზოლაციას უბრალო, უხელოვნებისგან. სომოვის კაცი ბუნებრივი ბუნებისგან შემოღობილია ხელოვნური ბაღებით, დამასკით დაფარული კედლებით, აბრეშუმის ეკრანებითა და რბილი დივანებით. შემთხვევითი არ არის, რომ სომოვს განსაკუთრებით სურს გამოიყენოს ხელოვნური განათების მოტივები (1910-იანი წლების დასაწყისის სერია "ფეიერვერკი". ფეიერვერკების მოულოდნელი ციმციმი იჭერს ადამიანებს სარისკო, შემთხვევით აბსურდულ, კუთხური პოზებით, რაც მოტივირებს ცხოვრების სიმბოლური თოჯინების თეატრთან შედარების სიუჟეტს.

სომოვი ბევრს მუშაობდა, როგორც გრაფიკოსი, მან შექმნა ს. დიაგილევის მონოგრაფია ლევიცკის შესახებ და ა. ბენუას ესე ცარსკოე სელოზე. წიგნი, როგორც ერთიანი ორგანიზმი, თავისი რიტმული და სტილისტური ერთიანობით, მან არაჩვეულებრივ სიმაღლეებამდე აიყვანა. სომოვი არ არის ილუსტრატორი; ის "ასახავს არა ტექსტს, არამედ ეპოქას, ლიტერატურულ მოწყობილობას პლაცდარმად იყენებს", - წერდა მასზე ხელოვნებათმცოდნე A.A. სიდოროვი.

როლი M.V. დობუჟინსკი "ხელოვნების სამყაროს" ისტორიაში მნიშვნელობით არ ჩამოუვარდება ამ ჯგუფის უფროსი ოსტატების როლს, თუმცა ის არ იყო მისი ერთ-ერთი დამფუძნებელი და არ იყო A.I.-ს ახალგაზრდული წრის წევრი. ბენუა. მხოლოდ 1902 წელს გამოჩნდა დობუჟინსკის გრაფიკა ჟურნალ World of Art-ის გვერდებზე და მხოლოდ 1903 წელს მან დაიწყო მონაწილეობა გამოფენებში ამავე სახელწოდებით. მაგრამ, ალბათ, არცერთი მხატვარი, რომელიც შეუერთდა აღნიშნულ ჯგუფს მისი საქმიანობის პირველ პერიოდში, ისე ახლოს არ იყო, როგორც დობუჟინსკი ახალი შემოქმედებითი მოძრაობის იდეებისა და პრინციპების გაგებასთან და არც ერთ მათგანს არ მიუღია ასეთი მნიშვნელოვანი და ორიგინალური წვლილი. წვლილი „ხელოვნების სამყაროს“ მხატვრული მეთოდის განვითარებაში.

მესტილავ ვალერიანოვიჩ დობუჟინსკი (1875-1957) იყო ადამიანი, რომელსაც ჰქონდა უმაღლესი განათლება და ფართო კულტურული ინტერესები. ის ბავშვობაში გახდა დამოკიდებული ხატვაზე და ადრე დაიწყო მზადება მხატვრობისთვის. სახვით ხელოვნებასთან ერთად იზიდავდა ლიტერატურა და ისტორია; ბევრს კითხულობდა და წაკითხულს ილუსტრირებდა. ყველაზე ადრეული მხატვრული შთაბეჭდილებები, რომლებიც სამუდამოდ ჩაიბეჭდა მის მეხსიერებაში, დახატული იყო საბავშვო წიგნებიდან ბერტალის, გ. დორეს და ვ. ბუშის ილუსტრაციებით.

გრაფიკა ყოველთვის უფრო ადვილი იყო დობუჟინსკისთან, ვიდრე მხატვრობა. სტუდენტობის წლებში სწავლობდა მოხეტიალე გ.დმიტრიევ-კავკაზსკის ხელმძღვანელობით, რომელსაც, თუმცა მასზე არანაირი გავლენა არ ჰქონია. ”საბედნიეროდ”, როგორც მხატვარმა თქვა, იგი არ მოხვდა სამხატვრო აკადემიაში და საერთოდ არ განიცადა მისი გავლენა. უნივერსიტეტის დამთავრების შემდეგ ხელოვნების სასწავლებლად გაემგზავრა მიუნხენში და სამი წლის განმავლობაში (1899-1901) სწავლობდა ა. აშბესა და ს. ჰოლოსის სახელოსნოებში, სადაც ასევე მუშაობდნენ ი. გრაბარი, დ. კარდოვსკი და სხვა რუსი მხატვრები. . აქ დასრულდა დობუჟინსკის მხატვრული განათლება და ჩამოყალიბდა მისი ესთეტიკური გემოვნება: მან ძალიან აფასებდა მანეს და დეგას, სამუდამოდ შეუყვარდა პრერაფაელიტები, მაგრამ მე-19 საუკუნის ბოლოს გერმანელი პეიზაჟისტები და "Simplicissimus" მხატვრები იყვნენ ყველაზე ძლიერი. გავლენა მასზე. ახალგაზრდა დობუჟინსკის მომზადებამ და შემოქმედებითმა ფორმირებამ იგი საკმაოდ ორგანულად დაუკავშირა "ხელოვნების სამყაროს". პეტერბურგში დაბრუნებისთანავე დობუჟინსკი შეხვდა გრაბარსა და ბენუას აქტიურ მხარდაჭერას, რომლებიც ძალიან აფასებდნენ მის ნიჭს. დობუჟინსკის (1902-1905) ადრეულ ნახატებში მიუნხენის სკოლის მოგონებები ერთმანეთშია გადახლართული ხელოვნების სამყაროს უფროსი ოსტატების, პირველ რიგში, სომოვისა და ბენუას გავლენით.

დობუჟინსკი ხელოვნების სამყაროს მხატვრებს შორის გამოირჩევა თანამედროვე ქალაქისთვის მიძღვნილი ნამუშევრების თემატური რეპერტუარით. მაგრამ, როგორც სომოვსა და ბენუაში „წარსულის სული“ გამოიხატება ეპოქის მხატვრული სტილით, რომელიც განსახიერებულია არქიტექტურაში, ავეჯში, კოსტიუმებსა და ორნამენტებში, ასევე დობუჟინსკის თანამედროვე ურბანული ცივილიზაცია გამოხატავს თავს არა ქმედებებში და ქმედებებში. ხალხი, მაგრამ თანამედროვე ურბანული შენობების გარეგნობით, მკვრივი რიგები, რომელიც ხურავს ჰორიზონტს, ბლოკავს ცას, გადაკვეთილი ქარხნის ბუხრით, განსაცვიფრებელი ფანჯრების უთვალავი რიგებით. თანამედროვე ქალაქი დობუჟინსკიში ჩნდება, როგორც ერთფეროვნებისა და სტანდარტების სამეფო, რომელიც შლის და შთანთქავს ადამიანის ინდივიდუალურობას.

ისევე პროგრამული, როგორც სომოვის "ქალბატონი ცისფერში" არის დობუჟინსკის ნახატი "ადამიანი სათვალეებით". კონსტანტინე ალექსანდროვიჩ სუნერბერგის პორტრეტი“ (1905-1906, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). ფანჯრის ფონზე, რომლის მიღმა, მიტოვებული უდაბნოების წინ, გარკვეულ მანძილზე, ქალაქის ბლოკია დაგროვილი, გამოსახული უკანა მხრიდან, წარმოუდგენელი მხრიდან, სადაც ქარხნის ბუხრები და დიდი კორპუსების შიშველი კედელი აღმართულია ძველ სახლებზე. , ჩნდება ქურთუკში გამოწყობილი გამხდარი მამაკაცის ფიგურა, რომელიც დაკეცილი მხრებზეა. მისი სათვალეების მბჟუტავი ლინზები, რომლებიც ემთხვევა მისი თვალის ბუდეების კონტურებს, ქმნის ცარიელი თვალის ბუდეების შთაბეჭდილებას. თავის მოჭრილი მოდელირებისას შიშველი თავის ქალას სტრუქტურა ვლინდება - სიკვდილის საშინელი აჩრდილი ჩნდება ადამიანის სახის კონტურებში. დაზარალებულ ფრონტალურ ნაწილში, ფიგურის ხაზგასმული ვერტიკალიზმი, პოზის უძრაობა, ადამიანი ადარებს მანეკენს, უსიცოცხლო ავტომატს - ასე შეცვალა დობუჟინსკიმ თანამედროვე ეპოქასთან მიმართებაში "თოჯინების შოუს" თემა. ” სომოვის და ბენუას მიერ წარსულის სცენაზე რეტროსპექტივაში ითამაშეს. დობუჟინსკის მოჩვენებით ადამიანში არის რაღაც „დემონური“ და ამავდროულად პათეტიკური. ის საშინელი არსებაა და ამავდროულად თანამედროვე ქალაქის მსხვერპლი.

დობუჟინსკი ბევრს მუშაობდა ილუსტრაციაზეც, სადაც მისი მელნით ნახატების ციკლი დოსტოევსკის "თეთრი ღამეებისთვის" (1922) შეიძლება ჩაითვალოს ყველაზე ღირსშესანიშნავად. დობუჟინსკი ასევე მუშაობდა თეატრში, შექმნა ნემიროვიჩ-დანჩენკოს "ნიკოლაი სტავროგინი" (დოსტოევსკის "დემონების" დრამატიზაცია) და ტურგენევის პიესები "ერთი თვე ქვეყანაში" და "თავისუფალი მტვირთავი".

ფანტაზიის დახვეწილობამ, რომელიც მიმართულია ენის გაერთიანებასა და ინტერპრეტაციაზე, უცხო კულტურის სტილისტურმა ხელმოწერამ, ზოგადად „უცხო ენამ“ ფართო გაგებით, იპოვა თავისი ყველაზე ბუნებრივი ორგანული გამოყენება იმ სფეროში, სადაც ეს ხარისხი არა მხოლოდ სასურველია, არამედ. აუცილებელია - წიგნის ილუსტრაციის სფეროში. ხელოვნების სამყაროს თითქმის ყველა მხატვარი შესანიშნავი ილუსტრატორი იყო. ყველაზე დიდი და მხატვრულად გამორჩეული საილუსტრაციო ციკლები იმ ეპოქის, როდესაც ამ სფეროში „მირისკუსნიკის“ ტენდენცია იყო დომინანტი, არის ა. ბენუას ილუსტრაციები „ბრინჯაოს მხედრისთვის“ (1903-1905) და ე. ლანსერეის „ჰაჯი მურადისთვის“ (1912-). 1915).

ევგენი ევგენიევიჩ ლანცერეი (1875-1946) თავის ნაშრომში შეეხო XX საუკუნის დასაწყისის წიგნის გრაფიკის ყველა მთავარ პრობლემას. (იხილეთ მისი ილუსტრაციები წიგნისთვის "ლეგენდები ბრეტანის უძველესი ციხესიმაგრეების შესახებ", ლერმონტოვისთვის, ბოჟერიანოვის "ნევსკის პერსპექტივის" ყდა და ა. , "ნიკოლსკის ბაზარი" და ა.შ.). არქიტექტურას უზარმაზარი ადგილი უჭირავს მის ისტორიულ კომპოზიციებში („იმპერატრიცა ელიზავეტა პეტროვნა ცარსკოე სელოში“, 1905, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). შეიძლება ითქვას, რომ სეროვის, ბენუას, ლანსერეის ნამუშევრებში შეიქმნა ახალი ტიპის ისტორიული სურათი - ის მოკლებულია სიუჟეტს, მაგრამ ამავე დროს ის შესანიშნავად აღადგენს ეპოქის გარეგნობას, რამაც გამოიწვია მრავალი ისტორიული, ლიტერატურული და ესთეტიკური ასოციაციები. ლანსერის ერთ-ერთი საუკეთესო ქმნილება - 70 ნახატი და აკვარელი ლ.ნ. ტოლსტოის "ჰაჯი მურატი" (1912-1915), რომელიც ბენუამ მიიჩნია "დამოუკიდებელ სიმღერად, რომელიც შესანიშნავად ჯდება ტოლსტოის ძლიერ მუსიკაში".

ბენუა ილუსტრატორი წიგნის ისტორიის მთელი ფურცელია. სომოვისგან განსხვავებით, ბენუა ქმნის ნარატიულ ილუსტრაციას. გვერდის სიბრტყე მისთვის თვითმიზანი არ არის. "ყვავი დედოფლის" ილუსტრაციები საკმაოდ სრული დამოუკიდებელი ნამუშევრები იყო და არა იმდენად "წიგნის ხელოვნება", როგორც ეს განსაზღვრა A.A. სიდოროვი, რამდენია "ხელოვნება წიგნში". წიგნის ილუსტრაციის შედევრი იყო "ბრინჯაოს მხედრის" გრაფიკული დიზაინი (1903, 1905, 1916, 1921-1922, მელანი და აკვარელი ფერად ხის ჭრის იმიტაციით).

პეტერბურგი - ქალაქი "ლამაზი და საშინელი" - ბენუას ილუსტრაციების მთავარი გმირია. ამ ილუსტრაციების სტილში თავს იგრძნობს ზოგადად „მირისკუსნიკებისთვის“ დამახასიათებელი „პრიზმების სისტემა“, მაგრამ ამ შემთხვევაში საკმაოდ რთული, რომელშიც პუშკინის სანქტ-პეტერბურგის მოთხრობის სურათები და ნახატები არაერთხელ იყო გადატეხილი - აი. შეხსენება "ჩრდილოეთ ვენეციის" პირველი მომღერლის პეიზაჟების "მხატვრობაში - ფ. ალექსეევის (ილუსტრაციებში, რომლებიც თან ახლავს მოთხრობის ოდურ შესავალს), და ვენეციური სკოლის ინტერიერების პოეტური სილამაზე შიდა სცენებში, და მე-19 საუკუნის პირველი მესამედის გრაფიკა და არა მარტო პუშკინის პეტერბურგი, არამედ დოსტოევსკის პეტერბურგიც, მაგალითად, ღამის დევნის ცნობილ სცენაში. პუშკინის სანქტ-პეტერბურგის მოთხრობის ცენტრალური თემა - კონფლიქტი კერძო პირსა და სახელმწიფო ძალაუფლებას შორის ბრინჯაოს მხედრის გამოსახულებაში პერსონიფიცირებულ, რომელიც ინდივიდისთვის ავისმომასწავებელი ბედის სახით - ჰპოვა თავისი მაღალი მხატვრული განსახიერება ფრონტზე. დასრულდა 1905 წელს. ამ აკვარელის ნახატში ბენუამ მიაღწია საოცარ სიმარტივეს და სიცხადეს რთული იდეის გამოხატვისას, ანუ იმ თვისებას, რომელიც პუშკინის დიდ სიმარტივეს ემსგავსება. მაგრამ პირქუში "დემონიზმის" ჩრდილი ბრინჯაოს მხედრის გარეგნობაში, ისევე როგორც დევნილი ევგენის შედარება "უმნიშვნელო ჭიის" გამოსახულებასთან, რომელიც მზად არის მტვერთან შერევისთვის, არა მხოლოდ მიუთითებს სხვა "პრიზმის" არსებობაზე. ”, საკმაოდ დამახასიათებელია „მირ ისკუსტიკისთვის“ - ჰოფმანის მხატვრული ლიტერატურისთვის, მაგრამ ასევე ნიშნავს გადასვლას პუშკინის ობიექტურობიდან წმინდა ინდივიდუალისტური ბუნებით საშინელების განცდაზე ისტორიული აუცილებლობის განცალკევებამდე - განცდა, რომელიც პუშკინს არ გააჩნდა.

თეატრალური გაფორმება, წიგნის ილუსტრაციის ხელოვნების მსგავსი, რადგან ის ასევე მოიცავს სხვისი დიზაინის ინტერპრეტაციას, იყო კიდევ ერთი სფერო, სადაც "ხელოვნების სამყარო" განზრახული იყო მნიშვნელოვანი მხატვრული რეფორმის განსახორციელებლად. იგი შედგებოდა თეატრის მხატვრის ძველი როლის გადახედვაში. ახლა ის აღარ არის მოქმედების დიზაინერი და მოხერხებული სასცენო გარსების გამომგონებელი, არამედ მუსიკისა და დრამის თარჯიმანი, თანაბარი უფლებებით წარმოდგენის შემქმნელი, ისევე როგორც რეჟისორი და მსახიობები. ამგვარად, ი. სტრავინსკის ბალეტისთვის „პეტრუშკა“ მუსიკის შედგენის პროცესში, ა. ბენუამ მის თვალწინ გაშალა მომავალი წარმოდგენის ვიზუალური გამოსახულებები.

"პეტრუშკას" დეკორაციამ, ამ მხატვრის სიტყვებით, "ქუჩის ბალეტი", აღადგინა ბაზრობის ზეიმის სული.

„მირისკუსნიკის“ მოღვაწეობის აყვავება თეატრალური და დეკორატიული ხელოვნების სფეროში 1910-იანი წლებიდან იწყება და ასოცირდება ორგანიზებულ ს.პ. დიაგილევის (იდეა ეკუთვნოდა ა. ბენუას) „რუსული სეზონები“ პარიზში, რომელიც მოიცავდა სიმფონიურ კონცერტებს, საოპერო და საბალეტო სპექტაკლებს. სწორედ „რუსული სეზონების“ სპექტაკლებში ევროპელმა საზოგადოებამ პირველად მოისმინა ფ. ჩალიაპინი, ნახა ა. პავლოვა და გაეცნო მ.ფოკინის ქორეოგრაფიას. აქ განსაკუთრებით სრულად და ნათლად გამოიკვეთა ლ.ს.-ს ნიჭი. ბაკსტი - მხატვარი, რომელიც ეკუთვნოდა "ხელოვნების სამყაროს" მთავარ ბირთვს.

ბენუასთან და სომოვთან ერთად, ლევ სამოილოვიჩ ბაკსტი (1866-1924) ერთ-ერთი ცენტრალური ფიგურაა ხელოვნების სამყაროს ისტორიაში. ის იყო ახალგაზრდული წრის წევრი, რომელშიც წარმოიშვა ამ მიმართულების იდეოლოგიური და შემოქმედებითი ტენდენციები; ის იყო ჟურნალის დამაარსებელთა და ყველაზე აქტიურ ავტორთა შორის, რომელიც ახორციელებდა ახალ ესთეტიკურ პროგრამას; მან დიაგილევთან ერთად რუსული ხელოვნება „გაიტანა“ დასავლეთ ევროპაში და მიაღწია მის აღიარებას; რუსული თეატრალური და დეკორატიული მხატვრობის მსოფლიო პოპულარობა ხელოვნების სამყაროში, პირველ რიგში, ბაკსტზე დაეცა.

იმავდროულად, „ხელოვნების სამყაროს“ იდეებისა და პრინციპების განვითარების სისტემაში ბაკსტს სრულიად ცალკე და დამოუკიდებელი ადგილი უკავია. აქტიურად უჭერდა მხარს გაერთიანების ტაქტიკას და, ზოგადად, მისი მთავარი ესთეტიკური პოზიციების გაზიარებას, ბაკსტი ამავდროულად სრულიად დამოუკიდებელ გზას გაჰყვა. მისი ნახატი არ ჰგავს სომოვის და ბენუას, ლანსერეისა და დობუჟინსკის ნახატს; ის მოდის სხვა ტრადიციებიდან, ეყრდნობა სხვა სულიერ და ცხოვრებისეულ გამოცდილებას და ეხება სხვა თემებსა და სურათებს.

მხატვრის გზა უფრო რთული და მომხიბვლელი იყო, ვიდრე მისი მრავალი მეგობრისა და თანამოაზრის შემოქმედებისთვის დამახასიათებელი გლუვი და თანმიმდევრული ევოლუცია. ბაკსტის ძიებასა და სროლაში პარადოქსია; მისი განვითარების ხაზი დახაზულია ციცაბო ზიგზაგებით. ბაკსტი „ხელოვნების სამყაროში“ მოვიდა, თითქოს „მარჯვნიდან“; მან თან მოიტანა ძველი აკადემიური სკოლის უნარები და მე-19 საუკუნის ტრადიციების პატივისცემა. მაგრამ ძალიან ცოტა დრო გავიდა და ბაკსტი გახდა ყველაზე "მემარცხენე" "ხელოვნების სამყაროს" მონაწილეებს შორის; ის სხვებზე უფრო აქტიურად დაუახლოვდა დასავლეთ ევროპის არტ ნუვო ფერწერას და ორგანულად აითვისა მისი ტექნიკა. დასავლელ მაყურებელს გაუადვილდა ბაკსტის „თავიანთი“ აღიარება, ვიდრე ხელოვნების სამყაროს ნებისმიერ სხვა მხატვარს.

ბაკსტი სომოვზე სამი წლით უფროსი იყო, ბენუა ოთხი წლით უფროსი, დიაგილევი კი ექვსი წლით უფროსი. ასაკობრივ განსხვავებას, თავისთავად უმნიშვნელოს, გარკვეული მნიშვნელობა ჰქონდა იმ დროს, როდესაც „ხელოვნების სამყაროს“ ფიგურები ახალგაზრდები იყვნენ. ახალგაზრდა მოყვარულთა შორის, რომლებიც ბენუას ირგვლივ შეჯგუფდნენ და მის წრეს შეადგენდნენ. ბაკსტი ერთადერთი მხატვარი იყო, რომელსაც გარკვეული პროფესიული გამოცდილება ჰქონდა. ოთხი წელი (1883-1887) სწავლობდა სამხატვრო აკადემიაში, ზოგჯერ ქმნიდა შეკვეთით პორტრეტებს და ილუსტრატორის როლს ასრულებდა ეგრეთ წოდებულ „თხელ ჟურნალებში“. რუსეთის მუზეუმში დაცულია ბაკსტის რამდენიმე ლანდშაფტისა და პორტრეტის კვლევა, დაწერილი 1890-იანი წლების პირველ ნახევარში. ისინი არ არიან მაღალი მხატვრული ხარისხის, მაგრამ საკმაოდ პროფესიონალები არიან. ისინი უკვე აჩვენებენ ბაკსტის დამახასიათებელ დეკორატიულ ელფერს; მაგრამ თავიანთი პრინციპებით ისინი არ სცილდებიან გვიანი აკადემიური ფერწერის საზღვრებს.

თუმცა მალე ბაკსტის შემოქმედებამ სხვა ხასიათი მიიღო. ხელოვნების სამყაროს პირველ გამოფენებზე ბაკსტი ძირითადად პორტრეტის მხატვრის როლს ასრულებდა. საკმარისია უფრო ახლოს დავაკვირდეთ მის მიერ მე-19-20 საუკუნეების მიჯნაზე შექმნილი პორტრეტების სერიას, რათა გავიგოთ, რა კონცეფციებს ეყრდნობოდა ბაკსტის მხატვრობა მისი შემოქმედების დასაწყისში და რა მიმართულებით განვითარდა იგი მოგვიანებით.

მხატვრის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარია ალექსანდრე ბენუას პორტრეტი (1898, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი). ამ ადრეულ ნამუშევარში, რომელიც სავსეა პასტელებით, ჯერ კიდევ არასრულყოფილი და ილუზიონისტური ტენდენციებისთვის უცხო, შეიძლება აღმოვაჩინოთ შემოქმედებითი იდეების მთელი კომპლექსი, რომლებმაც შემდეგ განსაზღვრეს პორტრეტის ამოცანა და მნიშვნელობა ბაკსტისთვის. ბუნება აქ არის აღებული მისი ცოცხალი მდგომარეობების დინებაში, მისი სპეციფიკური, ზუსტად შესამჩნევი თვისებების მთელი ცვალებადობით. მთავარ როლს ასრულებს ხასიათის გამოვლენის სურვილი, გამოსახული პიროვნების ინდივიდუალური ფსიქოლოგიური მახასიათებლების ამოცნობა. ეს ტენდენცია პირდაპირ უბრუნდება რუსული რეალისტური მხატვრობის შემოქმედებით პრინციპებს. ისევე როგორც მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის პორტრეტების მხატვრებთან, მხატვრის ამოცანა აქ არის გადაღებული რეალობის რაღაც მომენტი, რეალური ცხოვრების რაღაც ფრაგმენტი. სწორედ აქედან მოდის სიუჟეტის იდეა - წარმოაჩინოს ბენუა, თითქოს გაკვირვებული, ყოველგვარი ფიქრის გარეშე პოზირებაზე; აქედან გამომდინარეობს პორტრეტის კომპოზიციური სტრუქტურა, რომელიც ხაზს უსვამს მოდელის პოზისა და ექსპრესიის სიმარტივეს, თითქოს შემთხვევითობას; აქედან, საბოლოოდ, ჩნდება ინტერესი ყოველდღიური ცხოვრებისადმი, პორტრეტში ინტერიერისა და ნატურმორტის ელემენტების შეტანის მიმართ.

მსგავს პრინციპებზეა დაფუძნებული მხატვრის კიდევ ერთი, ცოტა მოგვიანებით ნამუშევარი, მწერლის ვ.ვ.-ს პორტრეტი. როზანოვა (პასტელი, 1901, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). თუმცა, აქ უკვე ჩანს ბაკსტის პორტრეტის განვითარების წამყვანი ტენდენცია, მე-19 საუკუნის ფსიქოლოგიური რეალიზმის ტრადიციებისგან თავის დაღწევის მცდელობა.

როზანოვის პორტრეტში ასევე ჩანს ფსიქოლოგიური და ყოველდღიური მახასიათებლებისადმი ლტოლვა და ფორმის ინტერპრეტაციაში ადვილი შესამჩნევია ილუზიონიზმის თავისებურებები. და მაინც, ბენუას პორტრეტთან შედარებით, სხვა, ახალი თვისებები მაშინვე იპყრობს თვალს. ნახატის ფორმატი, ვიწრო და წაგრძელებული, შეგნებულად არის ხაზგასმული კარების და წიგნების თაროების ვერტიკალური ხაზებით. თეთრ ფონზე, რომელიც იკავებს ტილოს თითქმის მთელ სიბრტყეს, ჩნდება გამოსახული პიროვნების მუქი სილუეტი, რომელიც გამოკვეთილია მყარი კონტურის ხაზით. ფიგურა გადატანილია სურათის ცენტრალური ღერძიდან და აღარ ერწყმის ინტერიერს, არამედ მკვეთრად ეწინააღმდეგება მას. ბენუას პორტრეტისთვის დამახასიათებელი სიახლოვის ჩრდილი ქრება.

უარს ამბობს პორტრეტის, როგორც ტილოზე გადაღებული რეალობის გავლის მომენტის გაგებაზე, ბაკსტი - თითქმის ერთდროულად სომოვთან - ამიერიდან იწყებს თავისი ნამუშევრების აგებას სხვა საფუძვლებზე. ბაკსტში რეფლექსია ჭარბობს პირდაპირ დაკვირვებაზე, განზოგადება – ანალიზის ელემენტებზე.

პორტრეტის მახასიათებლის შინაარსი აღარ არის ბუნება მისი ცოცხალი მდგომარეობების ნაკადში, არამედ გამოსახული პიროვნების გარკვეული, თავისებურად იდეალიზებული იდეა. ბაკსტი არ ტოვებს ამოცანას, გამოავლინოს მოცემული ადამიანის შინაგანი სამყარო მის ინდივიდუალურ უნიკალურობაში, მაგრამ ამავდროულად ცდილობს გამოსახულების გარეგნობაში გამძაფრდეს მაგარი „ხელოვნების სამყაროს“ ადამიანებისთვის დამახასიათებელი ტიპიური თვისებები. მისი ეპოქის „პოზიტიური გმირის“ და მისი მჭიდრო იდეოლოგიური წრის იმიჯი. ამ მახასიათებლებმა შეიძინა ძალიან მკაფიო და სრული ფორმა S.P.-ის პორტრეტში. დიაგილევი ძიძასთან ერთად (1906, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი). ინტერიერში ადამიანის ფიგურის ერთიდაიგივე თემის ცვალებადობით, მხატვარი თითქოს ასწორებს აქცენტებს, ახლებურად განიხილავს წინა ტექნიკას, მოაქვს მათ ჰარმონიულ, თანმიმდევრულ სისტემაში და დაქვემდებარებაში აყენებს მათ დანიშნულ სურათს. აღარ არის ილუზიონიზმისა და ნატურალისტური მზრუნველობის კვალი, რაც ადრინდელ პორტრეტებს აღნიშნავდა. კომპოზიციური რიტმები აგებულია მკვეთრ ასიმეტრიაზე. ფერწერული მასები ერთმანეთს არ აბალანსებენ: სურათის მარჯვენა ნახევარი გადატვირთული ჩანს, მარცხენა კი თითქმის ცარიელი. ამ ტექნიკით მხატვარი პორტრეტში ქმნის განსაკუთრებული დაძაბულობის ატმოსფეროს, რომელიც აუცილებელია გამოსახულების დასახასიათებლად. დიაგილევის პოზას ენიჭება საზეიმო შთამბეჭდავი. ინტერიერი, მჯდომარე მოხუცი ქალის ძიძის გამოსახულებასთან ერთად, ხდება, თითქოს, კომენტარი, რომელიც ავსებს პორტრეტის მახასიათებლებს.

შეცდომა იქნება იმის თქმა, რომ დიაგილევის გამოსახულება ამ პორტრეტში ფსიქოლოგიური არ არის. პირიქით, ბაკსტი გამოსახულებაში აყენებს მკვეთრ და ადეკვატურ ფსიქოლოგიურ დეფინიციებს, მაგრამ ასევე განზრახ ზღუდავს მათ: ჩვენს წინაშე არის პოზიორი ადამიანის პორტრეტი. პოზირების მომენტი დიზაინის ყველაზე მნიშვნელოვანი ნაწილია, რომელშიც ყოველდღიური ინტიმურობის მინიშნება არ არის; პოზირებას ხაზს უსვამს სურათის მთელი სტრუქტურა: დიაგილევის სილუეტის კონტურები, მისი გამოხატულება, კომპოზიციის სივრცითი სტრუქტურა და დეკორაციის ყველა დეტალი.

ბაკსტის გრაფიკას აკლია მე-18 საუკუნის მოტივები. და ქონების თემები. ის მიზიდულობს ანტიკურობისკენ და ბერძნული არქაულისკენ, სიმბოლურად ინტერპრეტირებული. სიმბოლისტებს შორის განსაკუთრებული წარმატება ხვდა წილად მისმა ნახატმა „Terroantiquus“ (ტემპერა, 1908, სახელმწიფო რუსეთის მუზეუმი). საშინელი ქარიშხლიანი ცა, ელვა, რომელიც ანათებს ზღვის უფსკრულს და უძველეს ქალაქს - და ქალღმერთის არქაული ქანდაკება იდუმალი გაყინული ღიმილით დომინირებს მთელ ამ საყოველთაო კატასტროფაზე.

შემდგომში ბაკსტმა მთლიანად მიუძღვნა თავი თეატრალურ და დეკორატიულ სამუშაოებს, ხოლო დიაგილევის საწარმოს ბალეტებისთვის მისმა სცენამ და კოსტიუმებმა არაჩვეულებრივი ბრწყინვალებით, ვირტუოზულად, მხატვრულად შესრულებული მას მსოფლიო პოპულარობა მოუტანა. მის დიზაინში დაიდგა სპექტაკლები ანა პავლოვასთან და ფოკინეს ბალეტებთან.

ეგზოტიკური, პიკანტური აღმოსავლეთი, ერთი მხრივ, ეგეოსური ხელოვნება და ბერძნული არქაული, მეორეს მხრივ - ეს არის ორი თემა და ორი სტილისტური ფენა, რომლებიც ქმნიდნენ ბაკსტის მხატვრულ ჰობიებს და ქმნიდნენ მის ინდივიდუალურ სტილს.

ის ძირითადად ბალეტის სპექტაკლებს აფორმებს, რომელთა შორის მისი შედევრები იყო "შეჰერეზადას" დეკორაციები და კოსტიუმები ნ.ა. რიმსკი-კორსაკოვი (1910), "ცეცხლოვანი ფრინველი" ი.ფ. სტრავინსკი (1910), დაფნისი და ქლოე მ.რაველის (1912) და დადგმული ვ.ფ. ნიჟინსკი C. Debussy-ის მუსიკაზე ბალეტისთვის "ფაუნის შუადღე" (1912). საპირისპირო პრინციპების პარადოქსულ კომბინაციაში: ბაქანალური ფერადოვნება, ფერის სენსუალური სიმკვეთრე და ნახატის სუსტი ნებისყოფის სითხის ხაზის ზარმაცი მადლი, რომელიც ინარჩუნებს კავშირს ადრეული მოდერნიზმის ორნამენტაციასთან, არის ბაკსტის ინდივიდუალური სტილის ორიგინალობა. კოსტიუმების ესკიზების გაკეთებისას მხატვარი გადმოსცემს ხასიათს, ფერად გამოსახულებას-განწყობას, როლის პლასტიკურ ნახატს, აერთიანებს კონტურისა და ფერის ლაქის ზოგადობას სამკაულებთან - დეტალების ფრთხილად დასრულებასთან - სამკაულებთან, ქსოვილებზე ნახატებთან და ა.შ. ამიტომ მის ესკიზებს ყველაზე ნაკლებად შეიძლება ეწოდოს მონახაზები, მაგრამ არის ხელოვნების სრული ნიმუშები.

A.Ya ასევე მონაწილეობდა World of Art ასოციაციაში. გოლოვინი არის მე-20 საუკუნის პირველი მეოთხედის ერთ-ერთი უდიდესი თეატრის არტისტი, ი.ია. ბილიბინი, ა.პ. ოსტროუმოვა-ლებედევა და სხვები.

ნიკოლაი კონსტანტინოვიჩ როერიხი (1874-1947) განსაკუთრებული ადგილი უკავია "ხელოვნების სამყაროში". აღმოსავლეთის ფილოსოფიის და ეთნოგრაფიის ექსპერტმა, არქეოლოგ-მეცნიერმა, როერიხმა მიიღო შესანიშნავი განათლება ჯერ სახლში, შემდეგ იურიდიულ და ისტორიულ-ფილოლოგიურ ფაკულტეტებზე, შემდეგ სამხატვრო აკადემიაში, კუინჯის სახელოსნოში და პარიზში. ფ.კორმონის სტუდიაში. მან ასევე ადრე მოიპოვა მეცნიერის ავტორიტეტი. მას აერთიანებდა იგივე სიყვარული „ხელოვნების სამყაროს“ მხატვრებთან, არა მხოლოდ მე-17-18 საუკუნეების, არამედ წარმართული სლავური და სკანდინავიური ანტიკურობისა და ძველი რუსეთის, სტილისტური ტენდენციების, თეატრალური დეკორატიულობის („მესენჯერი“, 1897 წ. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა; "უხუცესთა შეკრება", 1898, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი; "ბოროტი", 1901, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი). როერიხი ყველაზე მჭიდრო კავშირში იყო რუსული სიმბოლიზმის ფილოსოფიასა და ესთეტიკას, მაგრამ მისი ხელოვნება არ ჯდებოდა არსებული ტენდენციების ჩარჩოებში, რადგან, მხატვრის მსოფლმხედველობისა და სამყაროს გაგების შესაბამისად, იგი ეხებოდა, როგორც იქნა, ყველა კაცობრიობა ყველა ხალხის მეგობრული გაერთიანების მოწოდებით. აქედან გამომდინარეობს მისი ნახატების განსაკუთრებული მონუმენტალიზმი და ეპიკური ბუნება. 1905 წლის შემდეგ როერიხის შემოქმედებაში გაიზარდა პანთეისტური მისტიკის განწყობა. ისტორიული თემები ადგილს უთმობს რელიგიურ ლეგენდებს („ზეციური ბრძოლა“, 1912, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი). რუსულმა ხატმა უდიდესი გავლენა მოახდინა როერიხზე: მისი დეკორატიული პანელი "კერჟენეცის ბრძოლა" (1911) გამოიფინა რიმსკი-კორსაკოვის ოპერიდან "ზღაპარი უხილავი ქალაქი კიტეჟის შესახებ" ამავე სახელწოდების ფრაგმენტის შესრულებისას. Maiden Fevronia“ პარიზულ „რუსულ სეზონებში“.

საწყისი ესთეტიკური დამოკიდებულების ევოლუციის გამო, ჟურნალის სარედაქციო კოლეგიისა და მოსკოვის მხატვართა ჯგუფის ფილიალში განხეთქილების გამო, "ხელოვნების სამყარო" შეწყვიტა საგამოფენო და საგამომცემლო საქმიანობა 1905 წლისთვის. 1910 წელს განახლდა "ხელოვნების სამყარო", მაგრამ იგი ფუნქციონირებდა ექსკლუზიურად, როგორც საგამოფენო ორგანიზაცია, რომელიც არ იყო გამართული, როგორც ადრე, შემოქმედებითი ამოცანების და სტილისტური ორიენტაციის ერთიანობით, აერთიანებდა სხვადასხვა მიმართულების მხატვრებს.

ამასთან, იყო „მეორე ტალღის“ ხელოვნების სამყაროს მრავალი მხატვარი, რომელთა ნამუშევრებში კიდევ უფრო განვითარდა „ხელოვნების სამყაროს“ უფროსი ოსტატების მხატვრული პრინციპები. მათ შორის იყო ბ.მ. კუსტოდიევი.

ბორის მიხაილოვიჩ კუსტოდიევი (1878–1927) დაიბადა ასტრახანში, მასწავლებლის ოჯახში. ხატვასა და ფერწერას სწავლობდა მხატვარ პ.ა. ვლასოვი ასტრახანში (1893-1896 წწ.) და პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიის უმაღლეს სამხატვრო სკოლაში (1896-1503 წწ.), 1898 წლიდან - პროფესორ-ხელმძღვანელის სახელოსნოში ი.ე. რეპინა. 1902-1903 წლებში რეპინი მონაწილეობდა ერთობლივ მუშაობაში ნახატზე „სახელმწიფო საბჭოს საზეიმო კრება. როგორც სამხატვრო აკადემიის სტუდენტი, არდადეგების დროს მოგზაურობდა კავკასიასა და ყირიმში, მოგვიანებით კი ყოველწლიურად (1900 წლიდან) ზაფხულს ატარებდა კოსტრომის პროვინციაში; 1903 წელს მან იმოგზაურა ვოლგის გასწვრივ და დ. Stellets-kim ნოვგოროდში.

1903 წელს, ნახატისთვის "ბაზარი სოფელში" (1941 წლამდე ის ნოვგოროდის ისტორიულ და ხელოვნების მუზეუმში იყო), კუსტოდიევმა მიიღო მხატვრის წოდება და საზღვარგარეთ გამგზავრების უფლება. ამავე წლის ბოლოს, როგორც აკადემიის პენსიონერი, გაემგზავრა პარიზში, სადაც მცირე ხნით მუშაობდა რ.მენარის სახელოსნოში და პარალელურად გაეცნო თანამედროვე ხელოვნებას, მოინახულა მუზეუმები და გამოფენები. 1904 წლის აპრილში პარიზიდან გაემგზავრა ესპანეთში ძველი ოსტატების შესასწავლად; ზაფხულის დასაწყისში დაბრუნდა რუსეთში. 1909 წელს მიენიჭა აკადემიკოსის წოდება.

კუსტოდიევმა შემდგომში მრავალი მოგზაურობა გააკეთა საზღვარგარეთ: 1907 წელს დ.ს. სტელეცკი, - იტალიაში; 1909 წელს - ავსტრიაში, იტალიაში, საფრანგეთსა და გერმანიაში; 1911 და 1912 წლებში - შვეიცარიაში; 1913 წელს - საფრანგეთისა და იტალიის სამხრეთით. 1917 წლის ზაფხული მან ფინეთში გაატარა.

ჟანრისა და პორტრეტის მხატვარი ფერწერაში, დაზგური მხატვარი და ილუსტრატორი გრაფიკაში, თეატრის დეკორატორი, კუსტოდიევი ასევე მუშაობდა მოქანდაკედ. მან შექმნა არაერთი პორტრეტული ბიუსტი და კომპოზიცია. 1904 წელს კუსტოდიევი გახდა ხელოვანთა ახალი საზოგადოების წევრი, 1911 წლიდან არის ხელოვნების სამყაროს წევრი.

კუსტოდიევის დახვეწილი სტილიზაციების ობიექტი მოხატული სათამაშოებისა და პოპულარული პრინტების სულისკვეთებით არის პატრიარქალური რუსეთი, ქალაქებისა და ვაჭრების ადათ-წესები, საიდანაც მხატვარი ისესხებს განსაკუთრებულ ესთეტიკურ კოდს - გემოვნებას ყველაფრის ჭრელი, ზედმეტად ფერადი, რთულად ორნამენტული. აქედან მომდინარეობს ნათელი სადღესასწაულო „ბაზრობები“, „მასლენიცა“, „ბალაგანები“, აქედან გამომდინარეობს მისი ნახატები ბურჟუასა და ვაჭრების ცხოვრებიდან, გადმოცემული კაუსტიკური ირონიით, მაგრამ არა ისე, რომ აღფრთოვანებული ვარ ამ ლოყებწითლებული, ნახევრად მძინარე ლამაზმანებით სამოვარზე და თეფშებით სქელ თითებში („ვაჭრის ცოლი“, 1915, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი; „ვაჭრის ცოლი ჩაიზე“, 1918, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი).

"სილამაზე" (1915, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა) არის კუსტოდიევის სტილიზაციის ყველაზე სრულყოფილი მაგალითი ვაჭრის "რაოდენობის ესთეტიკის" სულისკვეთებით, რომელიც გამოხატულია ამ რაოდენობის ჰიპერბოლური ინექციით - სხეული, ფუმფულა, ატლასი, სამკაულები. მარგალიტი-ვარდისფერი სილამაზე დუნდულების, ბალიშების, ბუმბულის საწოლებისა და მაჰოგანის სამეფოში არის ქალღმერთი, სავაჭრო ცხოვრების კერპი. მხატვარი აგრძნობინებს ტიპიურ „ამქვეყნიურ“ ირონიულ დისტანციას ამ ცხოვრების ღირებულებებთან მიმართებაში, ჭკვიანურად ერწყმის სიამოვნებას ნაზი ღიმილით.

"ხელოვნების სამყარო" იყო საუკუნის დასაწყისის მთავარი ესთეტიკური მოძრაობა, რომელმაც გადააფასა მთელი თანამედროვე მხატვრული კულტურა, დაამკვიდრა ახალი გემოვნება და საკითხები, დაუბრუნდა ხელოვნებას - უმაღლეს პროფესიულ დონეზე - წიგნის გრაფიკისა და თეატრის დაკარგული ფორმები. და დეკორატიულმა მხატვრობამ, რომელმაც მათი ძალისხმევით მიიღო მთელი ევროპული აღიარება - ნიე, რომელმაც შექმნა ახალი ხელოვნების კრიტიკა, გაავრცელა რუსული ხელოვნება საზღვარგარეთ, ფაქტობრივად, აღმოაჩინა კიდეც მისი ზოგიერთი ეტაპი, როგორიცაა რუსული მე-18 საუკუნე. „მირკუსნიკიმ“ შექმნა ახალი ტიპის ისტორიული მხატვრობა, პორტრეტი, პეიზაჟი თავისი სტილისტური მახასიათებლებით (მკვეთრი სტილისტური ტენდენციები, გრაფიკული ტექნიკის უპირატესობა ფერწერულზე, ფერის წმინდა დეკორატიული გაგება და ა.შ.). ეს განსაზღვრავს მათ მნიშვნელობას რუსული ხელოვნებისთვის.

„ხელოვნების სამყაროს“ სისუსტეები პირველ რიგში აისახა პროგრამის მრავალფეროვნებასა და შეუსაბამობაში, რომელმაც გამოაცხადა მოდელი „ახლა ბოკლინი, ახლა მანე“; ხელოვნებაზე იდეალისტურ შეხედულებებში იმოქმედა ხელოვნების სამოქალაქო ამოცანებისადმი გულგრილობაზე, პროგრამულ აპოლიტიკურობაში, ნახატის სოციალური მნიშვნელობის დაკარგვაზე. "ხელოვნების სამყაროს" ინტიმურობამ, მისი თავდაპირველი შეზღუდვების მახასიათებლებმა, ასევე განსაზღვრა მისი ცხოვრების მოკლე ისტორიული პერიოდი მოახლოებული პროლეტარული რევოლუციის საფრთხის მომასწავებელ ეპოქაში. ეს მხოლოდ პირველი ნაბიჯები იყო შემოქმედებითი ძიების გზაზე და ძალიან მალე „ხელოვნების სამყაროს“ სტუდენტები ახალგაზრდებმა გადალახეს.

ლ.ს.ბიჩკოვა

მირისკუსნიკები ხელოვნების სამყაროში*

მხატვრული ასოციაცია და ჟურნალი „ხელოვნების სამყარო“ მნიშვნელოვანი მოვლენა იყო ვერცხლის ხანის რუსულ კულტურაში, რომელიც ნათლად გამოხატავდა თავისი დროის ერთ-ერთ მნიშვნელოვან ესთეტიკურ ტენდენციას. ხელოვნების სამყაროს საზოგადოებამ ფორმირება დაიწყო პეტერბურგში 90-იან წლებში. XIX საუკუნე ახალგაზრდა მხატვრების, მწერლებისა და ხელოვანების ჯგუფის გარშემო, რომლებიც ცდილობდნენ განაახლონ რუსეთის კულტურული და მხატვრული ცხოვრება. მთავარი ინიციატორები იყვნენ A.N. Benois, S.P. Diaghilev, D.V. Filosofov, K.A. Somov, L.S. Bakst, მოგვიანებით M.V. Dobuzhinsky და სხვები. როგორც დობუჟინსკი წერდა, ეს იყო "ერთიანი კულტურით და საერთო გემოვნებით დაკავშირებული მეგობრები", პირველი ხუთი გამოფენიდან. ჟურნალი შედგა 1899 წელს, თავად ასოციაცია ოფიციალურად გაფორმდა 1900 წელს. ჟურნალმა იარსება 1904 წლის ბოლომდე, ხოლო 1905 წლის რევოლუციის შემდეგ ასოციაციის ოფიციალური საქმიანობა შეწყდა. თავად ასოციაციის წევრების გარდა, გამოფენებში მონაწილეობის მისაღებად მოწვეული იყო საუკუნის დასასრულის მრავალი გამოჩენილი მხატვარი, რომლებიც იზიარებდნენ „ხელოვნების სამყაროს“ მთავარ სულიერ და ესთეტიკურ ხაზს. მათ შორის, უპირველეს ყოვლისა, შეგვიძლია დავასახელოთ კ.კოროვინის, მ.ვრუბელის, ვ.სეროვის, ნ.როერიხის, მ.ნესტეროვის, ი.გრაბარის, ფ.მალიავინის სახელები. რამდენიმე უცხოელი ოსტატიც იყო მოწვეული. ჟურნალის გვერდებზე ასევე გამოქვეყნდა მრავალი რუსი რელიგიური მოაზროვნე და მწერალი, რომლებიც თავისებურად ემხრობოდნენ რუსეთში სულიერების „აღორძინებას“. ეს არის ვ. როზანოვი,

* სტატიაში გამოყენებულია მასალები კვლევითი პროექტი No05-03-03137a, რომელიც მხარდაჭერილია რუსეთის ჰუმანიტარულ მეცნიერებათა ფონდის მიერ.

დ.მერეჟკოვსკი, ლ.შესტოვი, ნ.მინსკი და სხვები.ჟურნალი და ასოციაცია თავდაპირველი სახით დიდხანს არ გაგრძელებულა, მაგრამ „ხელოვნების სამყაროს“ სულისკვეთებამ, მისმა საგამომცემლო, საორგანიზაციო, საგამოფენო და საგანმანათლებლო საქმიანობამ დატოვა. შესამჩნევი ნიშანი რუსულ კულტურასა და ესთეტიკაზე და ასოციაციის მთავარმა მონაწილეებმა - ხელოვნების სამყაროს სტუდენტებმა - შეინარჩუნეს ეს სული და ესთეტიკური პრეფერენციები თითქმის მთელი ცხოვრების განმავლობაში. 1910-1924 წლებში. „ხელოვნების სამყარომ“ განაახლა თავისი საქმიანობა, მაგრამ ძალიან გაფართოებული კომპოზიციით და საკმარისად მკაფიოდ ორიენტირებული პირველი ესთეტიკური (არსებითად ესთეტიკური) ხაზის გარეშე. ასოციაციის მრავალი წარმომადგენელი 1920-იან წლებში. საცხოვრებლად პარიზში გადავიდნენ, მაგრამ იქაც კი ახალგაზრდობის მხატვრული გემოვნების მიმდევრები დარჩნენ.

ორი ძირითადი იდეა აერთიანებდა „ხელოვნების სამყაროს“ მონაწილეებს ინტეგრალურ საზოგადოებად: 1. სურვილი, დაუბრუნდეს რუსულ ხელოვნებას ხელოვნების მთავარი ხარისხი. მხატვრულობა, გაათავისუფლოს ხელოვნება ყოველგვარი ტენდენციურობისაგან (სოციალური, რელიგიური, პოლიტიკური და ა.შ.) და მიმართოს წმინდა ესთეტიკურ მიმართულებას. აქედან მომდინარეობს ლოზუნგი l'art pour l'art, პოპულარული მათ შორის, თუმცა ძველი კულტურით, აკადემიზმისა და მოხეტიალეობის იდეოლოგიისა და მხატვრული პრაქტიკის უარყოფა, ხელოვნების რომანტიკული და სიმბოლისტური ტენდენციებისადმი განსაკუთრებული ინტერესი, ინგლისელ პრერაფაელიტებში, ფრანგებში. ნაბიდები, პუვის დე შავანის ნახატში, ბოკლინის მითოლოგია, იუგენდსტილის ესთეტიკა, არტ ნუვო, მაგრამ ასევე E.T.A. ჰოფმანის ზღაპრულ ფანტაზიაში, რ. ვაგნერის მუსიკაზე, ბალეტი, როგორც სუფთა ფორმა. არტისტიზმი და სხვ.; რუსული კულტურისა და ხელოვნების ფართო ევროპულ მხატვრულ კონტექსტში ჩართვის ტენდენცია. 2. ამის საფუძველზე - დასავლურ კულტურაზე ორიენტირებული რუსული ეროვნული მემკვიდრეობის რომანტიზაცია, პოეტიზაცია, ესთეტიზაცია, განსაკუთრებით მე-18 საუკუნის ბოლოს - მე-19 საუკუნის დასაწყისში და ზოგადი ინტერესი პოსტ-პეტრინის კულტურისა და გვიანი ხალხური ხელოვნების მიმართ, რისთვისაც მთავარი მონაწილეები იყვნენ. ასოციაციამ მიიღო მეტსახელი მხატვრულ წრეებში "რეტროსპექტული მეოცნებეები"

„ხელოვნების სამყაროს“ მთავარი ტენდენცია იყო ხელოვნებაში ინოვაციის პრინციპი, რომელიც დაფუძნებული იყო მაღალგანვითარებულ ესთეტიკურ გემოვნებაზე. აქედან მოდის მსოფლიო მხატვრების მხატვრული და ესთეტიკური პრეფერენციები და შემოქმედებითი დამოკიდებულებები. ფაქტობრივად, მათ შექმნეს მყარი რუსული ვერსია საუკუნის დასასრულის ესთეტიურად გამძაფრებული მოძრაობისა, რომელიც მიზიდული იყო ნეორომანტიზმისა და სიმბოლიზმის პოეტიკისკენ, ხაზის დეკორატიულობისა და ესთეტიკური მელოდიულობისკენ და სხვადასხვა ქვეყანაში სხვადასხვა სახელს ატარებდა (Art Nouveau). , სეცესია, იუგენდსტილი), ხოლო რუსეთში მას ეძახდნენ სტილს " თანამედროვე".

თავად მოძრაობის მონაწილეები (ბენუა, სომოვი, დობუჟინსკი, ბაკსტი, ლანსერეი, ოსტროუმოვა-ლებედევა, ბილიბინი) არ იყვნენ დიდი მხატვრები, არ შექმნეს მხატვრული შედევრები ან გამორჩეული ნამუშევრები, მაგრამ დაწერეს რამდენიმე ძალიან ლამაზი, თითქმის ესთეტიკური გვერდი ისტორიაში. რუსული ხელოვნება, ფაქტობრივად, აჩვენებს მსოფლიოს, რომ რუსული ხელოვნება არ არის უცხო ნაციონალური ორიენტირებული ესთეტიზმის სულისკვეთებით, ამ უსამართლოდ დეგრადირებული ტერმინის საუკეთესო გაგებით. მირისკუსის მხატვრების უმეტესობის სტილის დამახასიათებელი იყო დახვეწილი წრფივობა (გრაფიკულობა - მათ რუსული გრაფიკა მიიყვანეს დამოუკიდებელი ხელოვნების ფორმამდე), დახვეწილი დეკორატიულობა, ნოსტალგია წარსული ეპოქების სილამაზისა და ფუფუნებისათვის, ზოგჯერ ნეოკლასიკური ტენდენციები და ინტიმური ურთიერთობა დაზგური ნამუშევრებში. ამავდროულად, ბევრი მათგანი ასევე მიზიდული იყო ხელოვნების თეატრალური სინთეზისკენ - აქედან გამომდინარე, მათი აქტიური მონაწილეობა თეატრალურ სპექტაკლებში, დიაგილევის პროექტებსა და "რუსულ სეზონებში", გაიზარდა ინტერესი მუსიკის, ცეკვისა და ზოგადად თანამედროვე თეატრის მიმართ. ნათელია, რომ მსოფლიო მხატვრების უმეტესობა ფრთხილი და, როგორც წესი, მკვეთრად ნეგატიური იყო თავისი დროის ავანგარდული მოძრაობების მიმართ. „ხელოვნების სამყარო“ ცდილობდა ეპოვა ხელოვნებაში საკუთარი ინოვაციური გზა, რომელიც მყარად იყო დაკავშირებული წარსულის ხელოვნების საუკეთესო ტრადიციებთან, ავანგარდის გზის ალტერნატივა. დღეს ჩვენ ვხედავთ, რომ მეოცე საუკუნეში. ხელოვნების სამყაროს მხატვრების ძალისხმევა პრაქტიკულად არ განვითარებულა, მაგრამ საუკუნის პირველ მესამედში მათ ხელი შეუწყეს რუსულ და ევროპულ კულტურებში მაღალი ესთეტიკური დონის შენარჩუნებას და კარგი მეხსიერება დატოვეს ხელოვნებისა და სულიერი კულტურის ისტორიაში.

აქ მსურს კონკრეტულად შევჩერდე „ხელოვნების სამყაროს“ ზოგიერთი მთავარი წარმომადგენლისა და მხატვრების მხატვრულ დამოკიდებულებებზე და ესთეტიკურ გემოვნებაზე, რომლებიც აქტიურად შეუერთდნენ მოძრაობას, რათა გარდა ამისა, განვსაზღვროთ მთელი მოძრაობის მთავარი მხატვრული და ესთეტიკური ტენდენცია. რასაც კარგად აჩვენებენ ხელოვნებათმცოდნეები თავად მსოფლიო მხატვრების მხატვრული შემოქმედების ანალიზზე დაყრდნობით.

კონსტანტინე სომოვი (1869-1939) „ხელოვნების სამყაროში“ იყო ერთ-ერთი ყველაზე დახვეწილი და დახვეწილი ესთეტი, წარსულის კლასიკური ხელოვნების მშვენიერების ნოსტალგია, სიცოცხლის ბოლო დღეებამდე იგი ეძებდა სილამაზეს ან მის კვალს. თანამედროვე ხელოვნებაში და თავისი შესაძლებლობების ფარგლებში ცდილობს შექმნას ეს სილამაზე. ერთ-ერთ წერილში ის აუხსნის ა.ბენუას, თუ რატომ არ შეუძლია მონაწილეობა მიიღოს 1905 წლის რევოლუციურ მოძრაობაში, რომელმაც მოიცვა მთელი რუსეთი: „...მე, უპირველეს ყოვლისა, სიგიჟემდე ვარ შეყვარებული სილამაზეზე და მოთხოვნილებაზე. მოემსახუროს მას; მარტოობა ცოტასთან და რაში

ადამიანის სული მარადიული და არამატერიალურია, მე ყველაფერზე მეტად ვაფასებ. მე ინდივიდუალისტი ვარ, მთელი სამყარო ტრიალებს ჩემს „მეს“ ირგვლივ და, არსებითად, არ მაინტერესებს რა სცილდება ამ „მეს“ და მის სივიწროეს“ (89). და საპასუხოდ მისი კორესპონდენტის პრეტენზიების საპასუხოდ წინსვლის "უხეშობის" შესახებ, ის ანუგეშებს მას იმით, რომ ის ყოველთვის საკმარისია, მაგრამ სილამაზე ყოველთვის მის გვერდით რჩება - ნებისმიერ სისტემაში საკმარისია "პოეტებისა და მხატვრების შთაგონება". ” (91).

სომოვი მშვენიერებას ხედავდა, როგორც ცხოვრების მთავარ მნიშვნელობას და, შესაბამისად, ხედავდა მის ყველა გამოვლინებას, მაგრამ განსაკუთრებით ხელოვნების სფეროს ესთეტიკური სათვალეებით, თუმცა საკუთარი, საკმაოდ სუბიექტური წარმოებით. ამავე დროს, ის მუდმივად ცდილობდა არა მხოლოდ ესთეტიკური საგნებით ტკბობას, არამედ მისი ესთეტიკური გემოვნების განვითარებასაც. უკვე ორმოცი წლის ცნობილ ხელოვანს, სამარცხვინოდ არ თვლის ი.გრაბარის ესთეტიკის ლექციაზე დასწრება, მაგრამ მთელი ცხოვრების მანძილზე მისი მთავარი ესთეტიკური გამოცდილება თავად ხელოვნებასთან კომუნიკაციით იძენს. ამ, უეცრად დასრულებული ცხოვრების ბოლო დღეებამდე დაუღალავი იყო. მისი წერილებიდან და დღიურებიდან ვხედავთ, რომ მთელი მისი ცხოვრება ხელოვნებაში იყო გატარებული. შემოქმედებითი საქმიანობის გარდა, მუდმივი, თითქმის ყოველდღიური ვიზიტები გამოფენებში, გალერეებში, მუზეუმებში, მხატვართა სახელოსნოებში, თეატრებსა და საკონცერტო დარბაზებში. ნებისმიერ ქალაქში, რომელსაც ეწვია, პირველი რაც გააკეთა, მუზეუმებსა და თეატრებში სირბილი იყო. და თითქმის ყველა ასეთ ვიზიტზე მოკლე რეაქციას ვპოულობთ მის დღიურებსა თუ წერილებში. აი, 1910 წლის იანვარში ის მოსკოვში იმყოფებოდა. „დღით ვიღლები, მაგრამ მაინც ყოველ საღამოს დავდივარ თეატრში“ (106). და იგივე ჩანაწერები პარიზში ცხოვრების ბოლო წლებამდე. თითქმის ყოველდღე იმართება თეატრები, კონცერტები, გამოფენები. ამავდროულად, ის სტუმრობს არა მხოლოდ იმას, რისთვისაც იცის, რომ მიიღებს ესთეტიკურ სიამოვნებას, არამედ ბევრ რამეს, რაც მის ესთეტიკურ მოთხოვნილებას ვერ აკმაყოფილებს. პროფესიონალურად თვალყურს ადევნებს მხატვრულ ცხოვრებაში მოვლენებს და ეძებს სილამაზის კვალს მაინც.

და ის მათ თითქმის ყველგან პოულობს. მას არ ავიწყდება ახსენოს პეიზაჟის სილამაზე, რომელსაც აღმოაჩენს საფრანგეთში, ამერიკაში, ლონდონში და საბჭოთა პერიოდის მოსკოვში; შარტრის საკათედრო ტაძრის სილამაზის ან სახლებისა და სასახლეების ინტერიერების შესახებ, რომლებიც მან მოინახულა მსოფლიოს სხვადასხვა ქვეყანაში. თუმცა განსაკუთრებული და მუდმივი სიყვარულით ტკბება ხელოვნების სილამაზით. ამავე დროს, თანაბარი გატაცებით უსმენს მუსიკას, ოპერას, უყურებს ბალეტსა და თეატრალურ სპექტაკლებს, კითხულობს მხატვრულ ლიტერატურას, პოეზიას და, რა თქმა უნდა, ხელიდან არ უშვებს არცერთ შესაძლებლობას ნახოს მხატვრობა: როგორც ძველი ოსტატები, ასევე მისი თანამედროვეები. და ხელოვნებასთან ყოველი შეხებისას მას რაღაც აქვს სათქმელი. ამავდროულად, მისი განსჯა, თუმცა საკმაოდ სუბიექტურია, მაგრამ ხშირად აღმოჩნდება

მიზანმიმართული და ზუსტი, რასაც კიდევ უფრო ხაზს უსვამს მათი ლაკონიზმი. ზოგადი შთაბეჭდილება, რამდენიმე კონკრეტული კომენტარი, მაგრამ მათგან კარგად ვგრძნობთ როგორც თავად სომოვის ესთეტიკური ცნობიერების დონეს, ასევე ვერცხლის ხანის ატმოსფეროს სულს, რომელშიც ეს ცნობიერება ჩამოყალიბდა.

”საღამოს კუშევიცკის კონცერტზე ვიყავი. ბახის მასა მიმდინარეობდა. არაჩვეულებრივი სილამაზისა და შთაგონების ესსე. აღსრულება იყო შესანიშნავი, ძალიან ჰარმონიული“ (1914) (138). სრულიად აღფრთოვანებული ტოსკანინის მეთაურობით ნიუ-იორკის ფილარმონიის შესრულებით: „მე მსგავსი არაფერი მსმენია ჩემს ცხოვრებაში“ (პარიზი, 1930) (366). პაპის გუნდის მიერ ღვთისმშობლის ტაძარში მესის შესრულების შესახებ: „ამ გუნდის შთაბეჭდილება არაამქვეყნიურია. არასოდეს მსმენია ასეთი ჰარმონია, ხმების სისუფთავე, მათი იტალიური ტემბრი, ასეთი ლაღი ტრიპლები“ ​​(1931) (183). ბაზელის გუნდის მიერ მოცარტის ოპერის "იდომენეო" შესრულების შესახებ: "იგი აღმოჩნდა აბსოლუტურად ბრწყინვალე, შეუდარებელი სილამაზის" (პარიზი, 1933) (409) და ა.შ. და ასე შემდეგ. უკვე სიბერეში მან ოთხი საღამო გაატარა თეატრის გალერეაში, სადაც ვაგნერის ტეტრალოგია ბაიროითის დასის მიერ შესრულდა. სხვა ბილეთების აღება ვერ მოხერხდა და თითოეული წარმოდგენა 5-6 საათს გრძელდებოდა. ივნისის ბოლოა, პარიზში ცხელა, „მაგრამ მაინც დიდი სიამოვნებაა“ (355).

სომოვი მთელი ცხოვრების მანძილზე კიდევ უფრო დიდი ენთუზიაზმით ესწრებოდა ბალეტს. განსაკუთრებით რუსული, რომლის საუკეთესო ძალები დასავლეთში 1917 წლის რევოლუციის შემდეგ დასრულდა. აქ არის როგორც ესთეტიკური სიამოვნება, ასევე პროფესიული ინტერესი მხატვრული დიზაინის მიმართ, რომელსაც ხშირად (განსაკუთრებით დიაგილევის ადრეულ სპექტაკლებში) ასრულებდნენ მისი მეგობრები და კოლეგები "ხელოვნების სამყაროში". ბალეტში, მუსიკაში, თეატრში და მხატვრობაში, ბუნებრივია, სომოვის უდიდესი სიამოვნება მოდის კლასიკებიდან ან დახვეწილი ესთეტიკურობით. თუმცა, მეოცე საუკუნის პირველი მესამედი საერთოდ არ ადუღდა ამით, განსაკუთრებით პარიზში. ავანგარდული ტენდენციები სულ უფრო და უფრო ძლიერდებოდა, ავანგარდის ყველა მიმართულება ყვაოდა და სომოვი უყურებს, უსმენს, კითხულობს ამ ყველაფერს, ცდილობს ყველაფერში სილამაზის კვალი მოძებნოს, რაც ყოველთვის არ არის ნაპოვნი, ამიტომ მას ხშირად აქვს. მკვეთრად ნეგატიური შეფასებები მისცეს ნანახს, მოსმენას, წაკითხულს.

ყველაფერი, რაც მიზიდულობს საუკუნის დასაწყისის ესთეტიზმს, განსაკუთრებით იპყრობს რუსი მხატვრის ყურადღებას და ავანგარდული სიახლეები მას არ ითვისებს, თუმცა იგრძნობა, რომ ის ცდილობს იპოვოს მათში საკუთარი ესთეტიკური გასაღები. ეს ხდება ძალიან იშვიათად. პარიზში ის ესწრება დიაგილევის ყველა სპექტაკლს, ხშირად აღფრთოვანებულია მოცეკვავეებითა და ქორეოგრაფიით, მაგრამ ნაკლებად კმაყოფილია დეკორაციებითა და კოსტიუმებით, რაც 1920-იან წლებში იყო.

კუბისტები ამას უკვე ხშირად აკეთებენ. ”მე მიყვარს ჩვენი ძველი ბალეტი,” აღიარებს ის წერილში 1925 წელს, ”მაგრამ ეს ხელს არ მიშლის ახლით სიამოვნებას. ძირითადად, ქორეოგრაფია და შესანიშნავი მოცეკვავეები. მე არ შემიძლია პიკასოს, მატისის, დერეინის პეიზაჟები, მე მიყვარს მოჩვენებითი ან აყვავებული სილამაზე“ (280). ნიუ-იორკში ის მიდის "გალერეის უკანა რიგებში" და ტკბება ამერიკელი მსახიობების თამაშით. უამრავ სპექტაკლს ვუყურე და დავასკვენი: „ასეთი სრულყოფილი თამაში და ასეთი ნიჭი დიდი ხანია არ მინახავს. ჩვენი რუსი მსახიობები გაცილებით მოკლეა“ (270). მაგრამ ის ამერიკულ ლიტერატურას მეორე ხარისხად თვლის, რაც ხელს არ უშლის, აღნიშნავს, რომ თავად ამერიკელები დაკმაყოფილდნენ ამით. ა.ფრანსისა და მ.პრუსტის ზოგიერთი რამით აღფრთოვანებული.

თანამედროვე სახვით ხელოვნებაში სომოვს ყველაზე მეტად მოსწონს მისი მეგობრის ა. ბენუას ბევრი ნამუშევარი: გრაფიკაც და თეატრალური დეკორაციებიც. იგი აღფრთოვანებულია ვრუბელის ნახატებითა და აკვარელით - "რაღაც წარმოუდგენელი ფერების ბრწყინვალებასა და ჰარმონიაში" (78). შჩუკინის კოლექციაში მასზე შთაბეჭდილება მოახდინა გოგენმა; ერთხელ ადიდებდა ნ.გონჩაროვას ერთ-ერთ თეატრალურ ნაწარმოებში ფერთა ფერად (პოპულარულ) დიაპაზონს, თუმცა მოგვიანებით, მის ნატურმორტებზე დაყრდნობით, ლაპარაკობდა მასზე, როგორც სულელად და იდიოტადაც კი, „მისი სისულელეებით ვიმსჯელებთ“ (360). ; გარდა ამისა, აღნიშნა, რომ ფილონოვს აქვს „დიდი ხელოვნება, თუმცა არასასიამოვნო“ (192). საერთოდ, ძუნწია თანამემამულე მხატვრების ქება-დიდებაში, ზოგჯერ სარკასტული, მწარე და უხეშიც კი არის ბევრი მათგანის შემოქმედების მიმოხილვა, თუმცა საკუთარ თავს არ აქებს. ხშირად გამოთქვამს უკმაყოფილებას თავისი საქმიანობით. ის ხშირად ეუბნება თავის მეგობრებს და ახლობლებს, რომ ტირის და ანგრევს სწავლებებს და ჩანახატებს, რომლებიც არ მოსწონს. და მას არ მოსწონს ბევრი დასრულებული ნამუშევარი, განსაკუთრებით უკვე გამოფენილი.

აქ მოცემულია სომოვის თითქმის შემთხვევით შერჩეული მოსაზრებები მის ნამუშევრებზე: ”მე დავიწყე მე-18 საუკუნის ხატვა, მეწამულში ჩაცმული ქალბატონი პარკის სკამზე ინგლისური პერსონაჟით. უკიდურესად ბანალური და ვულგარული. მე არ შემიძლია კარგი შრომა“ (192). „მორიგი ვულგარული ნახატი დაიწყო: მარკიზ (დაწყევლილი!) ბალახზე წევს, ორი ადამიანი შორს ფარიკაობს. საღამოს 9 საათამდე ვხატავდი. ამაზრზენია. ხვალ ვეცდები გავაფერადო. სული მტკიოდა“ (193). ტრეტიაკოვის გალერეაში მისი ნამუშევრების შესახებ (და საუკეთესოები იქ გადაიღეს, მათ შორის ცნობილი "ქალბატონი ლურჯებში"): "რისიც მეშინოდა, განვიცადე: "არ მომეწონა "ქალბატონი ლურჯებში", მაგ. სხვა ყველაფერი გავაკეთე...“ (112). და ასეთი განცხადებები მისგან არ არის იშვიათი და მეტყველებს ოსტატის განსაკუთრებულ ესთეტიკურ სიზუსტეს საკუთარი თავის მიმართ. ამავდროულად, მან იცის ბედნიერების მომენტები მხატვრობიდან და დარწმუნებულია, რომ „მხატვრობა, ბოლოს და ბოლოს, სიცოცხლეს ახარებს და ზოგჯერ ბედნიერ წუთებს ანიჭებს“ (80). განსაკუთრებით მკაცრია მაღაზიის კოლეგების მიმართ და, პირველ რიგში,

ყველაფერს, ავანგარდული ხელოვნების ნებისმიერ ელემენტს. მას, ისევე როგორც ხელოვნების სამყაროს უმეტესობას, არ ესმის და არ იღებს. ეს არის მხატვრის შინაგანი პოზიცია, რომელიც გამოხატავს მის ესთეტიკურ კრედოს.

სომოვის მკაცრი ესთეტიკური თვალი ყველა მის თანამედროვეში ხედავს ხარვეზებს. ის თანაბრად მიდის როგორც რუსებზე, ასევე ფრანგებზე. რა თქმა უნდა, ჩვენ ყოველთვის არ ვსაუბრობთ კონკრეტული ოსტატის შემოქმედებაზე მთლიანობაში, არამედ კონკრეტულ გამოფენაზე ან სახელოსნოზე ნანახ კონკრეტულ ნამუშევრებზე. ის, მაგალითად, გამოხატავს პეტროვ-ვოდკინს „უმოწყალე სიმართლეს“ მისი ნახატის „თავდასხმის“ შესახებ, რის შემდეგაც მას სურდა „თავი ესროლა ან ჩამოიხრჩო“ (155-156). 1916 წლის ერთ-ერთ გამოფენაზე: „კოროვინის დრიზგატნია“; მაშკოვის ნახატი "ლამაზი ფერისაა, მაგრამ რაღაცნაირად იდიოტურად სულელური"; უინტერესოა სუდეიკინის, კუსტოდიევის, დობუჟინსკის, გრაბარის ნამუშევრები (155). 1918 წლის გამოფენაზე: „გრიგორიევი, საოცრად ნიჭიერი, მაგრამ ნაძირალა, სულელი, იაფფასიანი პორნოგრაფი. რაღაცეები მომეწონა... პეტროვ-ვოდკინი მაინც იგივე მოსაწყენი, სულელი, პრეტენზიული სულელია. უსიამოვნო სუფთა ლურჯი, მწვანე, წითელი და აგურის ტონების იგივე აუტანელი კომბინაცია. დობუჟინსკი საშინელი საოჯახო პორტრეტია და სხვა არაფერი“ (185). მთელი ცხოვრების განმავლობაში, მას ერთი დამოკიდებულება აქვს გრიგორიევის მიმართ - ”ნიჭიერი, მაგრამ არასერიოზული, სულელი და ნარცისული” (264). მეიერჰოლდისა და გოლოვინის "ქვის სტუმრის" სპექტაკლის პირველ სპექტაკლზე: "უაზრო, ძალიან პრეტენზიული, ძალიან უცოდინარი, დაგროვილი, სულელი" (171). იაკოვლევს ბევრი მშვენიერი რამ აქვს, მაგრამ ”მას ჯერ კიდევ არ აქვს მთავარი - გონება და სული. მიუხედავად ამისა, იგი დარჩა გარე ხელოვანად“ (352), „მასში ყოველთვის არის რაღაც ზედაპირულობა და აჩქარება“ (376).

დასავლელი მხატვრები კიდევ უფრო მეტს იღებენ სომოვისგან, თუმცა მისი მიდგომა ყველაფერში არის წმინდა სუბიექტური (როგორც პრაქტიკულად ნებისმიერი ხელოვანი თავის ხელოვნების სფეროში). ასე რომ, მოსკოვში, შჩუკინის კოლექციაში შედევრებთან პირველ შეხვედრაზე: ”მე ძალიან მომეწონა გოგენი, მაგრამ არა მატისი. მისი ხელოვნება სულაც არ არის ხელოვნება!” (111). სეზანის ნახატი არასოდეს ყოფილა აღიარებული ხელოვნებად. სიცოცხლის ბოლო წელს (1939) სეზანის გამოფენაზე: „ერთი (ან შესაძლოა სამი) ლამაზი ნატურმორტის გარდა, თითქმის ყველაფერი ცუდია, მოსაწყენი, ღირებულებების გარეშე, შემორჩენილი ფერებით. ფიგურები და მისი შიშველი „ბანაობა“ უბრალოდ ამაზრზენი, უღიმღამო, უვარგისია. მახინჯი პორტრეტები“ (436). ვან გოგი, ზოგიერთის გამოკლებით: „არამარტო არა ბრწყინვალე, არამედ არცთუ კარგი“ (227). ამრიგად, თითქმის ყველაფერი, რაც სცილდება დახვეწილ მსოფლიო-მხატვრულ ესთეტიზმს, რომელიც ამ ასოციაციას ემყარება, სომოვის მიერ არ არის მიღებული და არ ანიჭებს მას ესთეტიკურ სიამოვნებას.

ის კიდევ უფრო მკაცრად საუბრობს ავანგარდისტ მხატვრებზე, რომლებსაც მოსკოვში ხვდებოდა და შემდეგ რეგულარულად ხედავდა პარიზში, მაგრამ მათ მიმართ დამოკიდებულება მუდმივი და თითქმის ყოველთვის უარყოფითი იყო. გამოფენის შესახებ "0.10", რომელზეც, როგორც ცნობილია, მალევიჩმა პირველად გამოფინა თავისი სუპრემატისტული ნამუშევრები: "სრულიად უმნიშვნელო, უიმედო. არა ხელოვნება. საშინელი ხრიკები ხმაურისა“ (152). 1923 წლის გამოფენაზე ვასილიევსკის სამხატვრო აკადემიაში: ”ბევრი მემარცხენეა - და, რა თქმა უნდა, საშინელი სისაძაგლე, თავხედობა და სისულელე” (216). დღეს ნათელია, რომ ასეთ გამოფენებზე იყო ბევრი "ქედმაღლობა და სისულელე", მაგრამ ასევე იყო ბევრი ნამუშევარი, რომლებიც ახლა შედის მსოფლიო ავანგარდის კლასიკაში. სომოვმა, ისევე როგორც ხელოვნების სამყაროს სტუდენტების უმეტესობამ, სამწუხაროდ, ეს ვერ დაინახა. ამ თვალსაზრისით, ის დარჩა ტრადიციული, მაგრამ მხატვრობის თავისებურად გააზრებული მიმდევარი. პატივს არ სცემდა პერედიჟნიკებს და აკადემიკოსებს. ამაში ყველა მსოფლიო ხელოვანი იყო გაერთიანებული. დობუჟინსკიმ გაიხსენა, რომ მათ საერთოდ არ აინტერესებდათ მოხეტიალეები, „უპატივცემულოდ ეპყრობოდნენ თავიანთ თაობას“ და არც კი საუბრობდნენ მათზე საუბარში.

თუმცა, ავანგარდში ყველაფერი არ არის მკვეთრად უარყოფილი სომოვის მიერ - სადაც სილამაზის კვალს მაინც ხედავს, თავის ანტაგონისტებს თავმდაბლად ეპყრობა. ამგვარად, მას მოეწონა კიდეც პიკასოს კუბისტური პეიზაჟები და კოსტიუმები „პულჩინელას“, მაგრამ პიკასოს ფარდა, სადაც „ორი უზარმაზარი ქალი ფეხებივით და სპილოვით ფეხებით, ამობურცული სამკუთხა ძუძუებით, თეთრ მანტიებში ცეკვავენ რაღაც ველურ ცეკვას. ” მან მოკლედ აღწერა: ”ამაზრზენი!” (250). მან დაინახა ფილონოვის ნიჭი, მაგრამ ძალიან ცივად ეპყრობოდა მის ნახატს. ან ძალიან აფასებდა ს.დალის, როგორც შესანიშნავ მხატვარს, მაგრამ ზოგადად აღშფოთებული იყო მისი ხელოვნებით, თუმცა ყველაფერს უყურებდა. სიურეალისტური მრიცხველის ილუსტრაციების შესახებ ლოტრეამონტის „მალდორორის სიმღერები“ რომელიმე პატარა გალერეაში: „ყველაფერი იგივეა, იგივე ნახევრად დამპალი ფეხები არშინებით ჩამოკიდებული. T-bone სტეიკები მისი ველური ფიგურების ადამიანის თეძოებზე<...>მაგრამ რა ბრწყინვალე ნიჭია დალი, რა მშვენიერია ის ხატავს. ის ყოველ ფასად თავს იჩენს, რომ არის ერთადერთი, განსაკუთრებული ან ნამდვილი ეროტომანია და მანიაკიზმი? (419). თუმცა, პარადოქსულად, ის თავადაც, როგორც ცნობილია მისი ნამუშევრებიდან, უცხო არ იყო ეროტიკისთვის, თუმცა ესთეტიკური, მიმზიდველი, კრინოლინური. და რაღაც პათოლოგიური ხშირად იზიდავდა მას. პარიზში მივედი Musée patologique-ში, სადაც ვნახე... ცვილის თოჯინები: დაავადებები, ჭრილობები, მშობიარობა, ნაყოფი, მონსტრები, აბორტები და ა.შ. მე მიყვარს ასეთი მუზეუმები - მინდა გრევინის მუზეუმში წასვლა“ (320)

იგივე ეხება ლიტერატურას, თეატრს, მუსიკას. ყველაფერი ავანგარდული ასე თუ ისე უკუაგდებდა მას და შეურაცხყოფდა მის ესთეტიკურ გემოვნებას. რატომღაც მას განსაკუთრებით არ მოსწონდა სტრავინსკი. ხშირად და ყველა მიზეზის გამო აკრიტიკებს მის მუსიკას. ლიტერატურაში იგი აღშფოთებული იყო ბელით. ”მე წავიკითხე ანდრეი ბელის ”პეტერბურგი” - ეს ამაზრზენია! უგემოვნო, სულელი! უწიგნური, ქალბატონი და, რაც მთავარია, მოსაწყენი და უინტერესო“ (415). სხვათა შორის, „მოსაწყენი“ და „უინტერესო“ მისი ყველაზე მნიშვნელოვანი უარყოფითი ესთეტიკური შეფასებაა. მას არასოდეს უთქვამს ეს დალის ან პიკასოს შესახებ. საერთოდ, ყოველგვარ ავანგარდიზმს ის დროის რაღაც ცუდ სულად თვლიდა. ”მე ვფიქრობ, რომ დღევანდელი მოდერნისტები, - წერდა ის 1934 წელს, - 40 წელიწადში სრულიად გაქრება და მათ არავინ შეაგროვებს” (416). ვაი, რა საშიშია პროგნოზების გაკეთება ხელოვნებასა და კულტურაში. დღეს ამ „მოდერნისტებს“ გადაჭარბებული თანხებით უხდიან და მათგან ყველაზე ნიჭიერი მსოფლიო ხელოვნების კლასიკოსებად იქცნენ.

მეოცე საუკუნის ხელოვნების გრანდიოზული ისტორიული პერიპეტიების ფონზე. სომოვის ბევრი მკვეთრად ნეგატიური, ზოგჯერ უხეში, უკიდურესად სუბიექტური შეფასებები ავანგარდული მხატვრების ნამუშევრებზე უსამართლოდ გვეჩვენება და რაღაცნაირად ამცირებს ვერცხლის ხანის ნიჭიერი მხატვრის, კრინოლინის პოეტიკის დახვეწილი მომღერლის იმიჯს. -გალანტური მე-18 საუკუნე, რომელიც მან უაღრესად იდეალიზებულა, დახვეწილი, საკუთარი გამოგონილი ესთეტიკის ნოსტალგია. თუმცა, მისი ნეგატიური დამოკიდებულების მიზეზები ავანგარდული ქვესტებისა და ფორმის ექსპერიმენტების მიმართ ამ ხელოვნურ, დახვეწილ და საოცრად მიმზიდველ ესთეტიზმშია სათავე. სომოვმა განსაკუთრებით მძაფრად დაიჭირა ავანგარდში პროცესის დასაწყისი, რომელიც მიმართულია ხელოვნების მთავარი პრინციპის - მისი მხატვრობის წინააღმდეგ, თუმცა ოსტატებს შორის მან გააკრიტიკა მეოცე საუკუნის დასაწყისში. ის ჯერ კიდევ საკმაოდ სუსტი იყო და მტკივნეული იყო განცდა. ესთეტის დახვეწილი გემოვნება ნერვიულად და მკვეთრად რეაგირებდა ხელოვნებაში სილამაზისგან ნებისმიერ გადახრებზე, თუნდაც საკუთარში. ხელოვნებისა და ესთეტიკური გამოცდილების ისტორიაში ის იყო „სახვითი ხელოვნების“ ერთ-ერთი ბოლო და თანმიმდევრული მიმდევარი კლასიკური ესთეტიკის ამ კონცეფციის პირდაპირი გაგებით.

და სომოვის შესახებ საუბრის ბოლოს, მისი ერთ-ერთი უაღრესად საინტერესო, თითქმის ფროიდისტული და ძალიან პირადი აღიარება მის დღიურში, რომელიც დათარიღებულია 1914 წლის 1 თებერვალს, რომელიც ავლენს მისი ნაწარმოების მთავარ ასპექტებს, მის გალანტურ მიმზიდველ, კრინოლინურ, მანერულ მე-18 საუკუნეს. და გარკვეულწილად ფარდის აწევა ზოგადად ესთეტიზმის ღრმა არაცნობიერ, ლიბიდინურ მნიშვნელობაზე. გამოდის, რომ მისი ნახატები, თავად მხატვრის თქმით, გამოხატავდა მის შინაგან ინტიმურ და ეროტიკულ ზრახვებს, მის სენსუალურად ამაღლებულს.

ეგო. „ჩემს ნახატებში ქალები დგებიან, სახეზე სიყვარულის გამოხატვა, სევდა ან ვნება ჩემი, ჩემი სულის ანარეკლია.<...>და მათი გატეხილი პოზები, მათი მიზანმიმართული სიმახინჯე, ჩემი დაცინვაა და ამავდროულად მარადიული ქალურობის, რაც ამაზრზენია ჩემი ბუნებით. რა თქმა უნდა, ძნელია ჩემი გამოცნობა ჩემი ბუნების შეცნობის გარეშე. ეს არის პროტესტი, გაღიზიანება, რომ მეც ბევრ რამეში ვარ მათნაირი. ნაწიბურები, ბუმბულები - ეს ყველაფერი მიზიდავს და მიზიდავს არა მხოლოდ როგორც მხატვარს (არამედ აქაც ჩანს საკუთარი თავის სინანული). ხელოვნება, მისი ნამუშევრები, ჩემთვის საყვარელი ნახატები და ქანდაკებები ყველაზე ხშირად მჭიდრო კავშირშია გენდერთან და ჩემს სენსუალურობასთან. მომწონს ის, რაც მახსენებს სიყვარულს და მის სიამოვნებას, თუნდაც ხელოვნების საგნები ამაზე პირდაპირ არ საუბრობენ“ (125-126).

უაღრესად საინტერესო, თამამი, გულწრფელი აღიარება, რომელიც ბევრ რამეს ხსნის თავად სომოვის შემოქმედებაზე, მის მხატვრულ და ესთეტიკურ პრეფერენციებზე და მთლიანობაში "ხელოვნების სამყაროს" დახვეწილ ესთეტიკაზე. კერძოდ, გასაგებია მისი გულგრილობა როდენის მიმართ (მას არ აქვს სენსუალურობა), ან მისი გატაცება ბალეტით, უსაზღვრო აღფრთოვანება გამოჩენილი მოცეკვავეების მიმართ, აღფრთოვანება თუნდაც დაბერებული იზადორა დუნკანით და იდა რუბინშტეინის მწვავე კრიტიკა. თუმცა, ეს ყველაფერი ერთ სტატიაში შეუძლებელია და დროა გადავიდეთ „ხელოვნების სამყაროს“ სხვა, არანაკლებ საინტერესო და ნიჭიერ წარმომადგენლებზე, მათ შეხედულებებზე მათი დროის მხატვრულ მდგომარეობაზე.

მესტილავ დობუჟინსკი (1875-1957 წწ.). დობუჟინსკის ესთეტიკური მიდრეკილებები, რომლებიც გამოვლინდნენ ჯერ კიდევ მის შემოსვლამდე ხელოვნების სამყაროში, კარგად ასახავს ამ ასოციაციის ზოგად სულიერ და მხატვრულ ატმოსფეროს, ხელოვნებაში მოაზროვნე ადამიანების პარტნიორობას, რომლებიც ცდილობდნენ "აღორძინებას". ითვლებოდა, რომ მხატვრული ცხოვრება რუსეთში აკადემიკოსებისა და მოხეტიალეების დომინირების შემდეგ, სახვითი ხელოვნების აქტუალური ხელოვნებისადმი ყურადღების მიქცევის საფუძველზე. ამავდროულად, ხელოვნების სამყაროს ყველა ხელოვანი იყო პეტერბურგის პატრიოტი და თავიანთ ხელოვნებაში და ვნებებში გამოხატავდნენ განსაკუთრებულ პეტერბურგულ ესთეტიზმს, რომელიც მათი აზრით მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა მოსკოვისგან.

დობუჟინსკი ამ მხრივ განსაკუთრებით გამორჩეული ფიგურა იყო. მას ბავშვობიდან უყვარდა პეტერბურგი და ფაქტობრივად გახდა ამ უნიკალური რუსული ქალაქის დახვეწილი, დახვეწილი მომღერალი, გამოხატული დასავლური ორიენტაციის მქონე. მისი "მემუარების" მრავალი გვერდი მისდამი დიდ სიყვარულს სუნთქავს. მიუნხენიდან დაბრუნების შემდეგ, სადაც სწავლობდა ა. აჟბესა და ს. ჰოლოშის სახელოსნოებში (1899-1901) და სადაც კარგად გაეცნო თავისი მომავალი მეგობრებისა და კოლეგების ხელოვნებას ჟურნალ „ხელოვნების სამყაროს“ პირველ ნომრებში. განსაკუთრებული სიმწვავით დობუჟინსკი

ვიგრძენი პეტერბურგის თავისებური ესთეტიკური ხიბლი, მისი მოკრძალებული სილამაზე, საოცარი გრაფიკა, განსაკუთრებული ფერთა ატმოსფერო, ღია სივრცეები და სახურავის ხაზები, დოსტოევსკის სული, რომელიც მასშია გამჟღავნებული, მისი ქვის ლაბირინთების სიმბოლიზმი და მისტიკა. ჩემში, წერდა ის, „ერთგვარი ნაცნობი გრძნობა, რომელიც ბავშვობიდან ცხოვრობდა, ერთფეროვანი სამთავრობო შენობების მიმართ, პეტერბურგის საოცარი პერსპექტივები, კიდევ ერთხელ გამიმტკიცა, მაგრამ ახლა კიდევ უფრო მკვეთრად დამეჩხირა ქვედა მხარე. ქალაქი<...>სახლების ეს უკანა კედლები არის აგურის ბუხარი თეთრი ზოლებით, სახურავების გლუვი ხაზით, თითქოს ციხე-სიმაგრის ღობეებით - გაუთავებელი ბუხრები, საძილე არხები, შეშის შავი მაღალი დასტა, ბნელი ეზოს ჭები, ცარიელი ღობეები, ცარიელი ადგილები. (187). ამ განსაკუთრებულმა სილამაზემ მოხიბლა დობუჟინსკი, რომელიც განიცადა მიუნხენის არტ ნუვოს გავლენით (Stuck, Böcklin) და დიდწილად განსაზღვრა მისი მხატვრული პიროვნება „ხელოვნების სამყაროში“, სადაც ის მალევე გააცნო ი.გრაბარმა. „დაჟინებით ვაკვირდებოდი პეტერბურგის გრაფიკულ მახასიათებლებს, ვაკვირდებოდი შიშველი, შეულესავი კედლების აგურის ნაკეთობებს და მათ „ხალიჩის“ ნიმუშს, რომელიც თავად ყალიბდებოდა ბათქაშის უთანასწორობებში და ლაქებში“ (188). მას ხიბლავს პეტერბურგის უთვალავი ბარის ლიგატურა, იმპერიის შენობების ანტიკვარული ნიღბები, ქვის სახლებისა და მყუდრო კუთხეების კონტრასტები ხის ხის სახლებთან, აღფრთოვანებულია გულუბრყვილო ნიშნებით, ფონტანკაზე ქოთნის ზოლიანი ბარჟებით. და ფერადი ხალხი ნევსკზე.

ის იწყებს ნათლად გააზრებას, რომ ”პეტერბურგი მთელი თავისი გარეგნობით, ტრაგიკულის, ცნობისმოყვარეობის, დიდებულისა და მყუდროების ყველა კონტრასტით, მართლაც ერთადერთი და ყველაზე ფანტასტიკური ქალაქია მსოფლიოში” (188). მანამდე კი მას უკვე ჰქონდა შესაძლებლობა ემოგზაურა ევროპაში, ენახა პარიზი და იტალიისა და გერმანიის რამდენიმე ქალაქი. და მსოფლიო მხატვართა წრეში შეერთების წელს (1902) მან იგრძნო, რომ სწორედ მის მიერ „ახლად აღმოჩენილი“ ქალაქის ეს სილამაზე იყო „თავისი დაღლილი და მწარე პოეზიით“, რომელიც ჯერ არავის გამოუთქვამს ხელოვნებაში და მან თავისი შემოქმედებითი ძალისხმევა სწორედ ამ განსახიერებისკენ მიმართა. ”რა თქმა უნდა,” აღიარებს ის, ”მე, ისევე როგორც მთელი ჩემი თაობა, სიმბოლიზმის ტენდენციებმა მოიცვა და, ბუნებრივია, იდუმალების გრძნობა ჩემთან ახლოს იყო, რომლითაც პეტერბურგი, როგორც ახლა დავინახე, მეჩვენებოდა. სავსე“ (188). „სანქტ-პეტერბურგის ყოველდღიურობის ვულგარულობისა და სიბნელის“ მეშვეობით ის გამუდმებით გრძნობდა „რაღაც საშინლად სერიოზულ და მნიშვნელოვანს, რომელიც იმალებოდა „მისი“ პეტერბურგის ყველაზე დამთრგუნველ ქვედა მხარეში და „შემოდგომის წებოვან ნალექსა და სანქტ-პეტერბურგის მოსაწყენ წვიმაში“. რომ მუხტავდა მრავალი დღის განმავლობაში“, ეჩვენებოდა, რომ „პეტერბურგის კოშმარები და „წვრილმანი დემონები“ ყველა ნაპრალიდან გამოძვრნენ“ (189). და პეტრეს ამ პოეზიამ მიიპყრო დობუჟინსკი, თუმცა ამავდროულად აშინებდა.

ის პოეტურად აღწერს „საშინელ კედელს“, რომელიც მისი ბინის ფანჯრების წინ იდგა: „ცარიელი, ველური ფერის კედელი, ასევე შავი, ყველაზე სევდიანი და ყველაზე ტრაგიკული, რაც შეიძლება წარმოიდგინო, ნესტიანობის ლაქებით, ქერცლით და მხოლოდ. ერთი პატარა, ბრმა ფანჯარა." მან დაუძლევლად მიიპყრო იგი თავისკენ და ავიწროებდა, აღვიძებდა მოგონებებს დოსტოევსკის ბნელ სამყაროებზე. და გადალახა საშინელი კედლის ეს დამთრგუნველი შთაბეჭდილებები, როგორც თავად ყვება, ასახავს მას „მთელი ნაპრალებითა და ლიქენებით,... უკვე აღტაცებული“ - „ჩემში მხატვარი გაიმარჯვა“ (190). დობუჟინსკიმ ეს პასტელი პირველ „ნამდვილ შემოქმედებით ნაწარმოებად“ მიიჩნია და მისი მრავალი ნამუშევარი, როგორც გრაფიკაში, ასევე თეატრალურ და დეკორატიულ ხელოვნებაში, გაჟღენთილია მისი სულით. მოგვიანებით, თვითონაც დაინტერესდა, რატომ დაიწყო პეტერბურგის სწორედ ამ „არასწორი მხრიდან“ თავისი დიდი მოღვაწეობა, თუმცა ბავშვობიდანვე იზიდავდა დედაქალაქ პეტრეს საზეიმო სილამაზეც.

თუმცა, თუ გავიხსენებთ დობუჟინსკის შემოქმედებას, დავინახავთ, რომ ძველი ქალაქების (განსაკუთრებით პეტერბურგისა და ვილნას, მასთან დაახლოებული სკოლის წლებიდან) რომანტიკულმა (ან ნეორომანტიულმა) სულისკვეთებამ მიიპყრო იგი თავისი სიმბოლურით. საიდუმლოებები. ვილნაში, რომელიც მას ბავშვობაში შეუყვარდა და სანკტ-პეტერბურგთან ერთად თავის მეორე სამშობლოდ ითვლებოდა, ყველაზე მეტად, როგორც მხატვარს მიიპყრო ძველი „გეტო“ „მისი ვიწრო და დახრილი ქუჩებით, თაღებით გადაკვეთილი და ფერადი სახლები“ ​​(195), სადაც მან ბევრი ჩანახატი გააკეთა და მათგან ლამაზი, ძალიან დახვეწილი და მაღალმხატვრული გრავიურები. დიახ, ეს გასაგებია, თუ ყურადღებით დავაკვირდებით ახალგაზრდა დობუჟინსკის ესთეტიკურ პრეფერენციებს. ეს არ არის რაფაელის "სიქსტე მადონას" ნათელი და პირდაპირი შუქი და ჰარმონიული სილამაზე (მან მასზე შთაბეჭდილება არ მოახდინა დრეზდენში), არამედ ლეონარდის "კლდეების მადონას" და "იოანე ნათლისმცემლის" (169) იდუმალი ბინდი. ). და შემდეგ არის ადრეული იტალიელები, სიენას მხატვრობა, ბიზანტიური მოზაიკა სან მარკოში და ტინტორეტო ვენეციაში, სეგანტინი და ზორნი, ბოკლინი და შტუკი, პრერაფაელიტები, იმპრესიონისტები პარიზში, განსაკუთრებით დეგა (რომელიც სამუდამოდ გახდა ერთ-ერთი "ღმერთები". ” მისთვის), იაპონური გრავიურა და, ბოლოს და ბოლოს, ხელოვნების სამყაროს მხატვრები, რომელთა პირველი გამოფენა მან ნახა და ყურადღებით შეისწავლა ჯერ კიდევ 1898 წელს მათ პირადად შეხვედრამდე, აღფრთოვანებული იყო მათი ხელოვნებით. ყველაზე მეტად, როგორც თავად აღიარებს, ის „დატყვევებული იყო“ სომოვის ხელოვნებით, რომელმაც გააოცა თავისი დახვეწილებით, რომელთანაც რამდენიმე წლის შემდეგ თავისი კერპების წრეში შესვლის შემდეგ დაუმეგობრდა. ახალგაზრდა დობუჟინსკის ესთეტიკური ინტერესების სფერო ნათლად მიუთითებს მისი სულის მხატვრულ ორიენტაციაზე. ის, როგორც ნათლად ვხედავთ მისი "მემუარებიდან",

მთლიანად დაემთხვა მსოფლიო მთავარი მხატვრების სიმბოლისტურ-რომანტიკულ და დახვეწილ ესთეტიკურ ორიენტაციას, რომლებმაც მაშინვე აღიარეს იგი საკუთარ თავში.

დობუჟინსკიმ მიიღო ძირითადი ინფორმაცია "ხელოვნების სამყაროს" შესახებ იგორ გრაბარისგან, რომელთანაც იგი ახლო მეგობრობდა მიუნხენში გერმანელ მასწავლებლებთან სწავლის დროს და რომელიც ერთ-ერთმა პირველმა დაინახა მასში ნამდვილი მხატვარი და სწორად დაეხმარა მის მხატვრულ განვითარებას. ხელოვნების განათლების სფეროში მკაფიო სახელმძღვანელო მითითებების მიცემა. მაგალითად, მან შეადგინა დეტალური პროგრამა იმის შესახებ, თუ რა უნდა ენახა პარიზში დობუჟინსკის იქ პირველ ხანმოკლე მოგზაურობამდე და მოგვიანებით გააცნო იგი ხელოვნების სამყაროს სტუდენტთა წრეში. დობუჟინსკი მთელი ცხოვრების მანძილზე ატარებდა მადლიერებას გრაბარის მიმართ. საერთოდ, ის იყო მადლიერი სტუდენტი და სულით ახლოს მყოფი მრავალი ხელოვანის სიმპატიური, მეგობრული კოლეგა და მეგობარი. სომოვისთვის დამახასიათებელი სკეპტიციზმის ან სნობიზმის სულისკვეთება კოლეგებთან მიმართებაში მისთვის სრულიად უცხოა.

დობუჟინსკიმ ასოციაციის თითქმის ყველა მონაწილის მოკლე, მეგობრული და ადეკვატური აღწერა მოგვცა და ისინი გარკვეულწილად საშუალებას გვაძლევს მივიღოთ წარმოდგენა ვერცხლის ხანის კულტურაში ამ საინტერესო ტენდენციის მხატვრული და ესთეტიკური ატმოსფეროს ბუნებაზე. და თავად დობუჟინსკის ესთეტიკური ცნობიერების, რადგან . მეგობრების შესახებ შენიშვნების უმეტესი ნაწილი მან შემოქმედების პრიზმაში გააკეთა.

ა. ბენოისმა ის ჯერ კიდევ სტუდენტობის წლებში „გააჭენა“, როდესაც „ხელოვნების სამყაროს“ პირველ გამოფენაზე აჩვენეს მისი „რომანტიკული“ ნახატები, რომელთაგან ერთ-ერთს დიდი მსგავსება ჰქონდა დობუჟინსკის საყვარელ მოტივებთან - ვილნის ბაროკოსთან. შემდეგ ბენოიტმა დიდი გავლენა მოახდინა ახალგაზრდა დობუჟინსკის გრაფიკული სტილის განვითარებაზე, გააძლიერა იგი ქალაქის ლანდშაფტის ხედვის არჩეული კუთხის სისწორეში. შემდეგ ისინი შეკრიბეს კოლექციების, განსაკუთრებით ანტიკური გრავიურებისადმი სიყვარულმა, წინაპრების კულტმა, თეატრისადმი ლტოლვამ და მხარდაჭერამ, რომელიც ბენუამ მაშინვე გაუწია ახალგაზრდა მხატვარს.

დობუჟინსკი განსაკუთრებით ახლო მეგობრობდა სომოვთან, რომელიც აღმოჩნდა თანმიმდევრული გრაფიკის გასაოცარი დახვეწილობისა და "სევდიანი და მტკივნეული პოეზიის" მიხედვით, რაც მისმა თანამედროვეებმა მაშინვე არ დააფასეს. დობუჟინსკი პირველივე შეხვედრიდან შეყვარებული იყო თავის ხელოვნებაზე, იგი მისთვის ძვირფასი ჩანდა და დიდი გავლენა მოახდინა საკუთარი შემოქმედების განვითარებაზე, აღიარებს ის. „ეს შეიძლება უცნაურად მოგეჩვენოთ, რადგან მისი თემები არასდროს ყოფილა ჩემი თემა, არამედ მისი თვალის საოცარი დაკვირვება და ამავე დროს „მინიატურა“ და სხვა შემთხვევებში მისი მხატვრობის თავისუფლება და ოსტატობა, სადაც არ იყო.

ნამუშევარი, რომელიც არ იყო შექმნილი გრძნობით - მომხიბლა. და რაც მთავარია, მისი ნამუშევრის არაჩვეულებრივმა სიახლოვემ, გამოსახულების საიდუმლოებამ, სევდიანი იუმორის გრძნობამ და მისმა მაშინდელმა „ჰოფმანურმა“ რომანმა ღრმად აღმაფრთოვანა და გამოავლინა რაღაც უცნაური სამყარო ჩემს ბუნდოვან განწყობებთან“ (210). დობუჟინსკი და სომოვი ძალიან ახლო მეგობრები გახდნენ და ხშირად აჩვენებდნენ ერთმანეთს თავიანთ ნამუშევრებს საწყის ეტაპზე, რათა მოესმინათ ერთმანეთის რჩევები და კომენტარები. თუმცა, ის აღიარებს, რომ დობუჟინსკის ხშირად ისე აოცებდა სომოვის ესკიზები მათი „მღელვარე პოეზიით“ და რაღაც გამოუთქმელი „სურნელით“, რომ ვერ პოულობდა სიტყვებს მათზე რაიმეს სათქმელად.

ის ასევე დაახლოებული იყო ლეონ ბაკსტთან, ერთ დროს მასთან ერთად ასწავლიდა გაკვეთილებს E.N. ზვანცევას სამხატვრო სკოლაში, რომლის სტუდენტებს შორის იყო იმ დროს მარკ ჩაგალი. მას უყვარდა ბაკსტი, როგორც პიროვნება და აფასებდა მას წიგნის გრაფიკისთვის, მაგრამ განსაკუთრებით მისი თეატრალური ხელოვნებისთვის, რომელსაც მთელი ცხოვრება მიუძღვნა. დობუჟინსკი ახასიათებდა მის გრაფიკულ ნამუშევრებს, როგორც „საოცრად დეკორატიულს“, სავსე „განსაკუთრებული იდუმალი პოეზიით“ (296). მან დიდი დამსახურება მიუძღვნა ბაკსტს როგორც დიაგილევის „რუსული სეზონების“ ტრიუმფში, ისე ზოგადად დასავლეთში თეატრალური და დეკორატიული ხელოვნების განვითარებაში. „მისმა შეჰერაზადამ გააგიჟა პარიზი და სწორედ აქედან დაიწყო ბაკსტის ევროპული და შემდეგ მსოფლიო პოპულარობა“. მიუხედავად პარიზში აქტიური მხატვრული ცხოვრებისა, დობუჟინსკის თქმით, ბაკსტი იყო ის, ვინც დიდი ხნის განმავლობაში „რჩებოდა „გემოვნების“ ერთ-ერთ შეუცვლელ ტენდენციად. მისმა სპექტაკლებმა გამოიწვია გაუთავებელი მიბაძვა თეატრებში, მისი იდეები განუსაზღვრელი დროით იცვლებოდა და აბსურდამდე იყო მიყვანილი“, მისი სახელი პარიზში „იწყებოდა პარიზულ სახელთა შორის ყველაზე პარიზულად“ (295). ხელოვნების სამყაროს სტუდენტებისთვის, თავიანთი კოსმოპოლიტიზმით, ეს შეფასება განსაკუთრებულ ქებასავით ჟღერდა.

ხელოვნების სამყაროს მთავარი მხატვრების პეტერბურგის „ევროპეიზმის“ ფონზე, ივან ბილიბინი როერიხთან ერთად განსაკუთრებით გამოირჩეოდა თავისი ესთეტიკური რუსოფიზმით, რომელიც ატარებდა რუსულ წვერს à la moujik და შემოიფარგლებოდა მხოლოდ რუსული თემებით, გამოხატული. განსაკუთრებული დახვეწილი კალიგრაფიული ტექნიკა და ხალხური ხელოვნების დახვეწილი სტილიზაციები. იგი იყო გამოჩენილი და კომუნიკაბელური ფიგურა მსოფლიო ხელოვნების წრეში. ნ. როერიხი, პირიქით, დობუჟინსკის მემუარების მიხედვით, მიუხედავად იმისა, რომ ის იყო ხელოვნების სამყაროს გამოფენების რეგულარული მონაწილე, არ დაუახლოვდა მის მონაწილეებს. ალბათ ამიტომაა, რომ „მისი დიდი ოსტატობა და ძალიან ლამაზი ფერადოვნება ზედმეტად „გათვლილი“ ჩანდა, ხაზგასმით სანახაობრივი, მაგრამ ძალიან დეკორატიული.<...>როერიხი ყველასთვის „საიდუმლო“ იყო; ბევრს ეჭვიც კი ეპარებოდა, იყო თუ არა მისი ნამუშევარი გულწრფელი თუ უბრალოდ შორს, და მისი პირადი ცხოვრება ყველასგან იყო დაფარული“ (205).

ვალენტინ სეროვი იყო მოსკოვის წარმომადგენელი "ხელოვნების სამყაროში" და მისი ყველა მონაწილე პატივს სცემდა გამორჩეული ნიჭის, არაჩვეულებრივი შრომისმოყვარეობის, ფერწერაში ინოვაციებისა და მუდმივი მხატვრული ძიების გამო. თუ პერედვიჟნიკები და ხელოვნების სამყაროს აკადემიკოსები ითვლებოდნენ ისტორიციზმის მომხრეებად, მაშინ ისინი საკუთარ თავს "სტილის" მიმდევრებად თვლიდნენ. ამასთან დაკავშირებით დობუჟინსკიმ ორივე ტენდენცია დაინახა სეროვში. „ხელოვნების სამყაროსთან“ სულისკვეთებით განსაკუთრებით ახლოს იყო გარდაცვლილი სეროვის „პეტრა“, „იდა რუბინშტეინი“, „ევროპა“ და დობუჟინსკიმ ამაში დაინახა ახალი ეტაპის დასაწყისი, რომელიც, სამწუხაროდ, „არ სჭირდებოდა ლოდინი. ” (203).

დობუჟინსკიმ გააკეთა მოკლე, წმინდა პირადი, თუმცა ხშირად ძალიან ზუსტი შენიშვნები ხელოვნების სამყაროს თითქმის ყველა სტუდენტზე და მათთან ახლოს მყოფ ხელოვანებსა და მწერლებზე. კეთილი გრძნობებით იხსენებს ვრუბელს, ოსტროუმოვას, ბორისოვ-მუსატოვს (ლამაზი, ნოვატორული, პოეტური ნახატი), კუსტოდიევი, ჩიურლიონისი. ამ უკანასკნელში მსოფლიო მხატვრებს მიიპყრო მისი უნარი „სივრცის უსასრულობაში, საუკუნეების სიღრმეში ჩახედვა“ და „მათ ახარებდათ მისი იშვიათი გულწრფელობა, ნამდვილი ოცნება და ღრმა სულიერი შინაარსი“. მისი ნამუშევრები, "თითქოს თავისთავად, მათი მადლითა და სიმსუბუქით, საოცარი ფერის სქემებითა და კომპოზიციით, რაღაც უცნობ სამკაულებად გვეჩვენებოდა" (303).

მწერალთაგან დობუჟინსკის განსაკუთრებით იზიდავდა დ.მერეჟკოვსკი, ვ.როზანოვი, ვიაჩ.ივანოვი (იგი იყო მისი ცნობილი კოშკის ხშირი სტუმარი), ფ.სოლოგუბი, ა.ბლოკი, ა.რემიზოვი, ე.ი. ავტორები, რომლებიც თანამშრომლობდნენ „ხელოვნების სამყაროსთან“ ან სულით ახლოს იყვნენ, განსაკუთრებით სიმბოლისტები. ის, რაც მას როზანოვში გააკვირვა, იყო მისი უჩვეულო გონება და ორიგინალური ნაწერები, სავსე "ყველაზე გაბედული და საშინელი პარადოქსებით" (204). სოლოგუბის პოეზიაში დობუჟინსკი აღფრთოვანებული იყო "გადარჩენის ირონიით" და რემიზოვი მას რაღაც მხრივ "ნამდვილი სიურეალისტი სიურრეალიზმამდეც კი" ეჩვენებოდა (277). ივანოვის მაამებელი იყო ის, რომ „ის განსაკუთრებულად პატივს სცემდა მხატვარს, როგორც საკუთარი საიდუმლოების მფლობელს, რომლის განსჯა ღირებული და მნიშვნელოვანი იყო“ (272).

სიყვარულის განსაკუთრებული, თითქმის ინტიმური გრძნობით დობუჟინსკი აღწერს იმ ატმოსფეროს, რომელიც სუფევდა მსოფლიო ხელოვანთა ასოციაციაში. ყველაფრის სული ბენუა იყო, არაფორმალური ცენტრი კი მისი მყუდრო სახლი იყო, რომელშიც ყველა ხშირად და რეგულარულად იკრიბებოდა. იქვე ამზადებდნენ ჟურნალის ნომრებს. გარდა ამისა, ისინი ხშირად ხვდებოდნენ ლანსერეში, ოსტროუმოვას, დობუჟინსკის ხალხმრავალ საღამოს ჩაის წვეულებებზე. დობუჟინსკი ხაზს უსვამს, რომ ხელოვნების სამყაროში ატმოსფერო ოჯახური იყო და არა ბოჰემური. ამ „ინტიმური ცხოვრების განსაკუთრებულ ატმოსფეროში“ ხელოვნება იყო „მეგობრული საერთო საქმე“. ბევრი რამ გაკეთდა

ერთმანეთის მუდმივი დახმარებით და მხარდაჭერით. დობუჟინსკი ამაყად წერს, რომ მათი ნამუშევარი იყო უკიდურესად უინტერესო, დამოუკიდებელი, ყოველგვარი ტენდენციებისა და იდეებისგან თავისუფალი. ერთადერთი ღირებული აზრი იყო თანამოაზრეების აზრი, ე.ი. თავად თემის წევრები. შემოქმედებითი საქმიანობის ყველაზე მნიშვნელოვანი სტიმული იყო „პიონერების“, ხელოვნების ახალი სფეროებისა და სფეროების აღმომჩენის განცდა. „ახლა, როცა ვიხსენებთ და ვიხსენებთ იმ დროის უპრეცედენტო შემოქმედებით ნაყოფიერებას და ყველაფერს, რაც ირგვლივ იწყებოდა შექმნას, - წერდა ის ზრდასრულ ასაკში, - ჩვენ გვაქვს უფლება ვუწოდოთ ამ დროს ჭეშმარიტად ჩვენი „რენესანსი“ (216); „ეს იყო ჩვენი მხატვრული კულტურის განახლება, შეიძლება ითქვას მისი აღორძინება“ (221).

კულტურისა და ხელოვნების ინოვაცია და „აღორძინება“ გაგებული იყო ხელოვნებაში აქცენტის ყოველი მეორეხარისხოვანიდან მის მხატვრულ მხარეზე გადატანის მნიშვნელობით, ხილული რეალობის ასახვის მიტოვების გარეშე. „ჩვენ ზედმეტად გვიყვარდა სამყარო და საგნების სილამაზე“, წერდა დობუჟინსკი, „და მაშინ არ იყო საჭირო რეალობის განზრახ დამახინჯება. ის დრო შორს იყო სეზანისგან, მატისისა და ვან გოგისგან (ჩვენთან) „ისმებისგან“. გულუბრყვილოები და წმინდანი ვიყავით და ალბათ ეს იყო ჩვენი ხელოვნების ღირსება“ (317). დღეს, ამ საინტერესო მოვლენებიდან ერთი საუკუნის შემდეგ, გარკვეული სევდითა და ნოსტალგიით შეგვიძლია შეგშურდეთ ამ უაღრესად მხატვრული გულუბრყვილობისა და სიწმინდის და სინანულით, რომ ეს ყველაფერი შორს წარსულშია.

და ხელოვნების ესთეტიკურ სპეციფიკაზე ყურადღების მიქცევის პროცესი დაიწყო ხელოვნების სამყაროს წინამორბედებს შორის, რომელთაგან ზოგიერთი შემდგომში აქტიურად თანამშრომლობდა ხელოვნების სამყაროსთან, გრძნობდა, რომ იგი აგრძელებდა მათ დაწყებულ საქმეს. ასეთ წინამორბედებს შორის, პირველ რიგში, აუცილებელია ყველაზე დიდი რუსი მხატვრების სახელების დასახელება მიხაილ ვრუბელი (1856-1910) და კონსტანტინე კოროვინი (1861-1939).

მათ, ისევე როგორც ხელოვნების სამყაროს უშუალო დამფუძნებლებს, ეზიზღებოდათ ხელოვნების ყოველგვარი ტენდენციურობა, რომელიც წმინდა მხატვრული საშუალებების, ფორმისა და სილამაზის საზიანოდ მოდის. რაც შეეხება მოგზაურთა ერთ-ერთ გამოფენას ვრუბელიჩივის, რომ ხელოვანთა აბსოლუტური უმრავლესობა ზრუნავს მხოლოდ დღის თემაზე, საზოგადოებისთვის საინტერესო თემებზე და „ფორმა, პლასტიკური ხელოვნების ყველაზე მნიშვნელოვანი შიგთავსი, პადოკშია“ (59). ბევრი პროფესიონალი ესთეტიკოსისგან განსხვავებით, როგორც მათი დროის, ისე თანამედროვე ადამიანებისგან, რომლებიც წარმართავენ გაუთავებელ დისკუსიებს ხელოვნების ფორმასა და შინაარსზე, ნამდვილი ხელოვანი, რომელიც ხელოვნებით ცხოვრობს, კარგად გრძნობს, რომ ფორმა არის

ეს არის ხელოვნების ჭეშმარიტი შინაარსი და სხვა ყველაფერს უშუალო კავშირი არ აქვს თავად ხელოვნებასთან. ხელოვნების ეს ყველაზე მნიშვნელოვანი ესთეტიკური პრინციპი, სხვათა შორის, აერთიანებდა ისეთ, ზოგადად, სხვადასხვა ხელოვანებს, როგორებიც არიან ვრუბელი, კოროვინი, სეროვი, თავად ხელოვნების სამყაროსთან.

ჭეშმარიტი მხატვრული ფორმა მიიღება, ვრუბელის მიხედვით, როდესაც მხატვარი ატარებს „სიყვარულით საუბრებს ბუნებასთან“ და შეყვარებულია გამოსახულ საგანზე. მხოლოდ ამის შემდეგ ჩნდება ნამუშევარი, რომელიც ანიჭებს სულს „განსაკუთრებულ სიამოვნებას“, რომელიც ახასიათებს ხელოვნების ნაწარმოების აღქმას და განასხვავებს მას დაბეჭდილი ფურცლისგან, რომელზეც იგივე მოვლენებია აღწერილი, როგორც სურათზე. მხატვრული ფორმის მთავარი მასწავლებელი ბუნების მიერ შექმნილი ფორმაა. ის „მშვენიერების სათავეში დგას“ და ყოველგვარი „საერთაშორისო ესთეტიკის კოდექსის“ გარეშე ჩვენთვის ძვირფასია, რადგან „ის არის სულის მატარებელი, რომელიც მხოლოდ შენს წინაშე გაიხსნება და შენსას გეტყვის“ (99-100). . ბუნება, რომელიც ავლენს თავის სულს მისი ფორმის სილამაზით, ამით გვიჩვენებს ჩვენს სულს. მაშასადამე, ვრუბელი ხედავს ნამდვილ შემოქმედებას არა მხოლოდ მხატვრის ტექნიკური ხელობის დაუფლებაში, არამედ, უპირველეს ყოვლისა, გამოსახულების სუბიექტის ღრმა, უშუალო განცდაში: ღრმად გრძნობა ნიშნავს „დაივიწყო, რომ მხატვარი ხარ და იყო. მიხარია, რომ უპირველეს ყოვლისა ადამიანი ხარ“ (99).

თუმცა, ახალგაზრდა მხატვრებში „ღრმად გრძნობის“ უნარს ხშირად აფერხებს „სკოლა“, ამუშავებს მათ მსახიობებსა და მოდელებზე ტექნიკური დეტალების შემუშავებაში და მათში წაშლის ყოველგვარ მოგონებას სამყაროს პირდაპირი ესთეტიკური აღქმის შესახებ. ვრუბელი დარწმუნებულია, რომ ტექნიკის დაუფლებასთან ერთად, ხელოვანმა უნდა შეინარჩუნოს „გულუბრყვილო, ინდივიდუალური შეხედულება“, რადგან მასში დევს „მხატვრის სიამოვნების მთელი ძალა და წყარო“ (64). ვრუბელი ამას საკუთარი გამოცდილებიდან მოვიდა. ის აღწერს, მაგალითად, როგორ გადააკეთა ერთი და იგივე ადგილი თავის ნამუშევარზე ათობითჯერ, „და დაახლოებით ერთი კვირის წინ გამოვიდა პირველი ცოცხალი ნაჭერი, რამაც აღფრთოვანებული ვარ; მე განვიხილავ მის ხრიკს და გამოდის, რომ ეს უბრალოდ ბუნების ყველაზე დეტალური ცოცხალი შთაბეჭდილებების გულუბრყვილო გადაცემაა“ (65). ის თითქმის იგივეს იმეორებს და იგივე სიტყვებით განმარტავს, რაც პირველმა იმპრესიონისტებმა გააკეთეს პარიზში ათი წლის წინ, ასევე აღფრთოვანებული იყო ტილოზე გადმოცემული ბუნების პირდაპირი შთაბეჭდილებით, რომლის ხელოვნებას, როგორც ჩანს, ვრუბელი ჯერ არ იცნობდა. იმ დროს მას უფრო აინტერესებდა ვენეცია ​​და ძველი ვენეციელები ბელინი, ტინტორეტო, ვერონეზე. ბიზანტიური ხელოვნებაც მას ოჯახად ეჩვენებოდა: ”მე ვიყავი ტორჩელოში და მხიარულად ვრევდი გულში - ძვირფასო, როგორც ეს არის, ბიზანტია” (96).

მარტო „მშობლიური“ ბიზანტიური ხელოვნების ეს ინტიმური აღიარება ბევრი ღირს, ის მოწმობს რეალური ხელოვნების არსის ღრმა გააზრებაზე. მთელი თავისი ცხოვრების მანძილზე მტკივნეული ძიებით „ხელოვნებაში წმინდად და ელეგანტურად ლამაზი“ (80), ვრუბელმა კარგად ესმოდა, რომ ეს სილამაზე არის რაღაც ღრმა მხატვრული გამოხატულება, რომელიც მხოლოდ ამ საშუალებებით არის გამოხატული. ეს იყო ის, რასაც მოჰყვა მისი ხანგრძლივი ძიება, როგორც ცნობილი იასამნისფერი ბუჩქის მოხატვისას (109), ისე კიევის ეკლესიებისთვის ქრისტიანულ თემებზე მუშაობისას - ავტორის, ბიზანტიური და ძველი რუსული სტილის სატაძრო ხელოვნების მხატვრული გადახედვა და მისთვის დემონის მარადიულ თემაზე მუშაობისას და რაიმე ნახატის დახატვისას. და მან ისინი დაუკავშირა მხატვრული აზროვნების წმინდა რუსულ სპეციფიკას. „ახლა დავბრუნდი აბრამცევოში და ისევ მეტყობა, არა, არა, მაგრამ მესმის ის ინტიმური ეროვნული ნოტა, რომლის დაჭერაც ძალიან მინდა ტილოზე და ორნამენტში. ეს არის მთელი ადამიანის მუსიკა, რომელიც არ არის დაშლილი მოწესრიგებული, დიფერენცირებული და ფერმკრთალი დასავლეთის ყურადღების გაფანტვით“ (79).

და ამ „მთელი ადამიანის“ მუსიკა მხოლოდ წმინდა ფერწერული საშუალებებით შეიძლება გადმოიცეს, ამიტომ ის მუდმივად და მტკივნეულად ეძებს „პიროვნებას“ თითოეულ ნამუშევარში, ამჩნევს მას ბუნებაში. დიახ, სინამდვილეში, მხოლოდ ასეთი ბუნება იპყრობს მის ყურადღებას. 1883 წელს, პეტერჰოფის წერილში მშობლებისთვის, მან დეტალურად აღწერა მიმდინარე ნახატები და მისი გეგმები და მთელი მისი ყურადღება მიიპყრო მხოლოდ მათ თვალწარმტაცი მხარეზე, სუფთა ფერწერაზე. საღამოობით „მუსიკის ნაცვლად“ მიდის ადგილობრივი მეთევზეების „ძალიან თვალწარმტაცი ცხოვრების“ სანახავად. „მათ შორის ერთი მოხუცი მომეწონა: სპილენძის მონეტასავით მუქი სახე გაცვეთილი ბინძური ნაცრისფერი თმით და გახეხილი წვერით; შებოლილი, მოღრუბლული მაისური, თეთრი ყავისფერი ზოლებით, უცნაურად ახვევს მის ძველ ფიგურას ამობურცული მხრების პირებით, ტერფებზე კი ამაზრზენი ჩექმები; მისი ნავი, მშრალი შიგნიდან და ზემოდან, წააგავს გაცვეთილ ძვლის ჩრდილებს; კილიდან არის სველი, მუქი, ხავერდოვანი მწვანე, მოუხერხებლად თაღოვანი - ზუსტად ისეთი, როგორც ზოგიერთი ზღვის თევზის ზურგი. მშვენიერი ნავი - ახალი ხის ნაჭრებით, აბრეშუმისებრი ბზინვარებით მზეზე, რომელიც მოგაგონებთ კუჩკუროვსკის ჩალის ზედაპირს. დაუმატეთ მას იასამნისფერი, მოლურჯო-ლურჯი ელფერით საღამოს ელვარება, რომელიც ამოჭრილია ასახვის ლურჯი, წითელ-მწვანე სილუეტის ახირებული მოსახვევებით და აი სურათი, რომლის დახატვას ვაპირებ“ (92-93).

"სურათი" იმდენად მდიდრულად და თვალწარმტაცია არის აღწერილი, რომ ჩვენ თითქმის შეგვიძლია დავინახოთ იგი ჩვენი თვალით. ამასთან ახლოს ის აღწერს თავის სხვა ნამუშევრებს და ახალ გეგმებს. ამავე დროს, ის არ ავიწყდება მათ ხაზგასმას

თვალწარმტაცი ხასიათი, თვალწარმტაცი ნიუანსები, როგორიცაა: „ეს არის შესწავლა დახვეწილი ნიუანსებისთვის: ვერცხლი, თაბაშირი, ცაცხვი, ავეჯის ფერწერა და პერანგები, კაბა (ლურჯი) - დელიკატური და დახვეწილი ფერები; შემდეგ სხეული თბილი და ღრმა აკორდით გადადის ფერთა მრავალფეროვნებაზე და ყველაფერი დაფარულია ქუდის ლურჯი ხავერდის მკვეთრი ძალით“ (92). აქედან გამომდინარე, ნათელია, რომ თანამედროვე ახალგაზრდობის ხმაურიან შეკრებებზე, სადაც განიხილება კითხვები პლასტიკური ხელოვნების მიზნისა და მნიშვნელობის შესახებ და იკითხება პრუდონისა და ლესინგის ესთეტიკური ტრაქტატები, ვრუბელი ერთადერთი და თანმიმდევრული დამცველია თეზისის „ხელოვნებისთვის. ხელოვნების გულისთვის“ და „ხელოვნების უტილიზაციის დამცველთა მასა“ ეწინააღმდეგება მას (90). იმავე ესთეტიკურმა პოზიციამ მიიყვანა იგი „ხელოვნების სამყაროში“, სადაც იგი მაშინვე აღიარეს ავტორიტეტად და თავადაც იგრძნო ხელოვნების დამცველთა ამ მოძრაობის სრულფასოვან მონაწილედ. „ჩვენ, ხელოვნების სამყაროს“, აცხადებს ვრუბელი, სიამაყის გარეშე, „გვსურს ვიპოვოთ ნამდვილი პური საზოგადოებისთვის“ (102). და ეს პური კარგი რეალისტური ხელოვნებაა, სადაც წმინდა ფერწერული საშუალებების დახმარებით იქმნება არა ხილული რეალობის ოფიციალური დოკუმენტები, არამედ პოეტური ნაწარმოებები, რომლებიც გამოხატავს სულის ღრმა მდგომარეობებს („სულის ილუზია“), აღვიძებს მას „გან. ყოველდღიური ცხოვრების წვრილმანები დიდებული გამოსახულებებით“ (113) , რომელიც სულიერ სიამოვნებას ანიჭებს მაყურებელს.

კ.კოროვინი, რომელმაც მიიღო პროგრამა ხელოვნების სამყარო და აქტიურად მონაწილეობდა მათ გამოფენებში, შეისწავლეს ბუნებისა და ხელოვნების ესთეტიკურ-რომანტიკულ ხედვას მშვენიერი ლანდშაფტის მხატვრის A.K. Savrasov-ისგან. მას ახსოვდა მასწავლებლის მრავალი ესთეტიკური გამონათქვამი და მისდევდა მათ ცხოვრებაში და შემოქმედებაში. ”მთავარია”, - დაწერა კოროვინმა სავრასოვის სიტყვები თავის სტუდენტებს, რომელთა შორის ის და ლევიტანი წინა პლანზე იყვნენ, ”არის ჭვრეტა - ბუნების მოტივის გრძნობა. ხელოვნება და პეიზაჟები არ არის საჭირო, თუ არ არის გრძნობა“. „თუ არ გიყვარს ბუნება, მაშინ არ უნდა იყო მხატვარი, არა.<...>რომანტიკა სჭირდება. მოტივი. რომანტიკა უკვდავია. გჭირდება განწყობა. ბუნება სამუდამოდ სუნთქავს. ის ყოველთვის მღერის და მისი სიმღერა საზეიმოა. ბუნების ჭვრეტაზე დიდი სიამოვნება არ არის. დედამიწა სამოთხეა, სიცოცხლე კი საიდუმლო, მშვენიერი საიდუმლო. დიახ, საიდუმლო. იზეიმეთ ცხოვრება. ხელოვანი იგივე პოეტია“ (144, 146).

მასწავლებლის ეს და მსგავსი სიტყვები ძალიან ახლოს იყო თავად კოროვინის სულთან, რომელმაც შეინარჩუნა სავრასოვის რომანტიკულ-ესთეტიკური პათოსი, მაგრამ ბუნების მშვენიერების გამოხატვისას იგი ბევრად უფრო შორს წავიდა, ვიდრე მისი მასწავლებელი უახლესი მხატვრული ტექნიკის პოვნის გზაზე. და თანამედროვე ფერწერული აღმოჩენების გამოყენებით, განსაკუთრებით იმპრესიონისტული. თეორიული თვალსაზრისით, ის არანაირ აღმოჩენას არ აკეთებს, არამედ უბრალოდ და ზოგჯერ საკმაოდ პრიმიტიულადაც კი

გამოხატავს თავის ესთეტიკურ პოზიციას მირ ისკუსნიკების პოზიციის მსგავსი და მკვეთრად ეწინააღმდეგება თავის დროზე პერედვიჟნიკების დომინანტურ „ცხოვრების ესთეტიკას“ და დემოკრატიულად ორიენტირებულ ესთეტიკოსებსა და ხელოვნებათმცოდნეებს (როგორიცაა პისარევი, სტასოვი და ა. ვრუბელი და მირ ისკუსის ყველა მხატვარი 1898 წლის პირველი გამოფენების შემდეგ საბითუმო იყო აღწერილი, როგორც დეკადენტური.

კოროვინი წერს, რომ ბავშვობიდან გრძნობდა რაღაც ფანტასტიურს, იდუმალ და ლამაზს ბუნებაში და მთელი ცხოვრების მანძილზე არასოდეს ეცალა ბუნების ამ იდუმალი სილამაზით ტკბობა. ”რა ლამაზია საღამოები, მზის ჩასვლა, რამდენი განწყობაა ბუნებაში, მისი შთაბეჭდილებები”, - იმეორებს ის სავრასოვის გაკვეთილებს თითქმის სიტყვასიტყვით. - ეს სიხარული მუსიკას ჰგავს, სულის აღქმას. რა პოეტური სევდა“ (147). და თავის ხელოვნებაში იგი ცდილობდა გამოეხატა და განესახიერებინა ბუნების უშუალოდ აღქმული სილამაზე, გამოცდილი განწყობის შთაბეჭდილება. ამავე დროს, იგი ღრმად იყო დარწმუნებული, რომ "მხატვრობის ხელოვნებას ერთი მიზანი აქვს - აღტაცება სილამაზისადმი" (163). ეს მაქსიმა მან თავად პოლენოვს მისცა, როცა სთხოვა ეთქვა თავის დიდ ტილოზე „ქრისტე და ცოდვილი“. კოროვინმა, წესიერების გამო, შეაქო ნახატი, მაგრამ ცივი დარჩა თემის მიმართ, რადგან სიცივე იგრძნო ოსტატის ძალიან ფერწერულ საშუალებებში. ამავდროულად, ის რეალურად მიჰყვებოდა თავად პოლენოვის კონცეფციას, რომელიც, როგორც ერთხელ კოროვინმა დაწერა, იყო პირველი, ვინც თავის სტუდენტებს უთხრა „სუფთა ფერწერის შესახებ, Როგორწერია...ფერთა მრავალფეროვნების შესახებ“ (167). ეს Როგორდა გახდა მთავარი კოროვინისთვის მთელ თავის საქმიანობაში.

„საღებავების, სინათლის მშვენიერების შეგრძნება - ეს არის ის, სადაც ხელოვნება ცოტათი გამოიხატება, მაგრამ ნამდვილად მართალია ტონების ურთიერთმიმართების აღება, თავისუფლად ტკბობა. ტონები, ტონები უფრო ჭეშმარიტი და ფხიზელი - ეს არის შინაარსი“ (221). დაიცავით იმპრესიონისტების პრინციპები შემოქმედებაში. მოძებნეთ ნაკვეთი ტონისთვის, ტონებში, ფერთა ურთიერთობებში - სურათის შინაარსი. ნათელია, რომ ასეთი განცხადებები და ძიება იყო უკიდურესად რევოლუციური როგორც რუსი ფერწერის აკადემიკოსებისთვის, ასევე 90-იანი წლების მოხეტიალეებისთვის. XIX საუკუნე მხოლოდ ახალგაზრდა მსოფლიო მხატვრებს შეეძლოთ მათი გაგება, თუმცა მათ ჯერ კიდევ არ მიაღწიეს კოროვინისა და იმპრესიონისტების გამბედაობას, მაგრამ მათ პატივისცემით ეპყრობოდნენ. წმინდა მხატვრული გამოხატვის სფეროში ძიების მთელი ამ გატაცებით, კოროვინს კარგად ესმოდა ხელოვნების ზოგადი ესთეტიკური მნიშვნელობა მის ისტორიულ რეტროსპექტივაში. "მხოლოდ ხელოვნება ქმნის კაცს კაცისგან", - ეს არის რუსი მხატვრის ინტუიციური შეხედულება, რომელიც ავიდა გერმანული კლასიკური ესთეტიკის სიმაღლეებამდე, უდიდესი რომანტიკოსების ესთეტიკამდე. და აი, კოროვინის მოულოდნელი პოლემიკა პოზიტივისტებთან და მატერიალისტებთან: „ეს არ არის მართალი, ქრისტიანობა.

არ ართმევდა ადამიანს ესთეტიკის გრძნობას. ქრისტემ გვითხრა, ვიცხოვროთ და არ დავმარხოთ ჩვენი ნიჭი. წარმართული სამყარო სავსე იყო შემოქმედებით, ქრისტიანობის პირობებში, ალბათ ორჯერ მეტიც“ (221).

სინამდვილეში, კოროვინი, თავისებურად, ხელოვნებაში ეძებს იმავეს, რასაც მთელი ხელოვნების სამყარო - მხატვრობა, ხელოვნების ესთეტიკური ხარისხი. თუ ის არსებობს, ის იღებს ნებისმიერ ხელოვნებას: წარმართულს, ქრისტიანულს, ძველს, ახალს, ყველაზე თანამედროვეს (იმპრესიონიზმი, ნეოიმპრესიონიზმი, კუბიზმი). თუ მხოლოდ ის იმოქმედებდა „ესთეტიკურ აღქმაზე“ და უზრუნველყოფდა „სულიერ სიამოვნებას“ (458). მაშასადამე, მისი განსაკუთრებული ინტერესია მხატვრობის, როგორც წმინდა ესთეტიკური თვისების დეკორატიულობა. ის ბევრს წერს თეატრალური დეკორაციების დეკორატიულ თვისებებზე, რომლებზეც მუდმივად მუშაობდა. და დეკორაციის მთავარ მიზანს ის ხედავდა, რომ ისინი ორგანულად მონაწილეობდნენ ერთ ანსამბლში: დრამატული მოქმედება - მუსიკა - დეკორაცია. ამასთან დაკავშირებით, მან განსაკუთრებული აღტაცებით დაწერა რიმსკი-კორსაკოვის "ცარ სალტანის" წარმატებული წარმოების შესახებ, სადაც პუშკინისა და კომპოზიტორის გენიოსები წარმატებით გაერთიანდნენ ერთ მოქმედებად, რომელიც დაფუძნებულია თავად კოროვინის დეკორაციაზე (393).

ზოგადად, კოროვინი ცდილობდა, როგორც ის წერს, თავის დეკორაციებში, რათა მათ აუდიტორიას ისეთივე სიამოვნება მიეცათ, როგორც მუსიკა ყურს. „მინდოდა, რომ მაყურებლის თვალიც ესთეტიურად ტკბებოდა, ისევე როგორც სულის ყური ტკბება მუსიკით“ (461). ამიტომ, მისი შემოქმედების წინა პლანზე ყოველთვის Როგორ, საიდანაც ის მომდინარეობს რაღაცმხატვარი, არა Რა, რაც შედეგი უნდა იყოს Როგორ. ამის შესახებ ის არაერთხელ წერს თავის შენიშვნებსა და წერილებში. სადაც Როგორეს არ არის რაღაც მოგონილი, ხელოვნურად ნაწამები მხატვრის მიერ. არა. თვითონ“ (290). და ნებისმიერი ხელოვნება მართალია, სადაც ხდება ასეთი უნებლიე, მაგრამ გულწრფელ ძიებასთან ასოცირებული სილამაზის გამოხატვა ორიგინალური ფორმით.

ხელოვნების სამყაროს თითქმის ყველა სტუდენტს შეეძლო დაეწერა კოროვინის ყველა ეს და მსგავსი გადაწყვეტილება. ხელოვნების ესთეტიკური ხარისხის ძიება, მისი ადეკვატური ფორმით გამოხატვის უნარი იყო ამ საზოგადოების მთავარი ამოცანა და მისმა თითქმის ყველა წევრმა მოახერხა მისი თავისებურად გადაჭრა თავის ნამუშევრებში, შექმნა, თუმცა არა ბრწყინვალე. (ვრუბელის ზოგიერთი გამორჩეული ნახატის გარდა), მაგრამ უნიკალური მხატვრულად ღირებული ხელოვნების ნიმუშები, რომლებმაც თავიანთი ღირსეული ადგილი დაიკავეს ხელოვნების ისტორიაში.

შენიშვნები

იხილეთ მონოგრაფიები მაინც: ბენუა ა.ნ. „ხელოვნების სამყაროს“ გაჩენა. ლ., 1928; Etkind M. Alexander Nikolaevich Benois. ლ.-მ., 1965; გუსაროვა ა.პ. "ხელოვნების სამყარო". ლ., 1972; ლაფშინა ნ.პ. "ხელოვნების სამყარო". ნარკვევები ისტორიასა და შემოქმედებით პრაქტიკაზე. მ., 1977; პრუჟან ი. კონსტანტინე სომოვი. მ., 1972; ჟურავლევა ე.ვ. კ.ა.სომოვი. მ., 1980; გოლინეც ს.ვ. L.S.Bakst. ლ., 1981; პოჟარსკაია მ.ნ. XIX საუკუნის ბოლოს - XX საუკუნის დასაწყისის რუსული თეატრალური და დეკორატიული ხელოვნება. მ., 1970 და სხვ.

"ხელოვნების სამყარო" "ხელოვნების სამყარო"

(1898–1904; 1910–1924), პეტერბურგის ხელოვანთა და კულტურის მოღვაწეთა ასოციაცია (A.N. ბენუა, კ.ა. სომოვი, ლ.ს. ბაკსტ, მ.ვ. დობუჟინსკი, მისი. ლანსერეი, ᲓᲐ ᲛᲔ. გოლოვინი, ᲓᲐ ᲛᲔ. ბილიბინი, ზ.ე.სერებრიაკოვა, ბ.მ. კუსტოდიევი, ნ.კ. როერიხი, ს.პ. დიაგილევი, დ.ვ.ფილოსოფოვი, ვ.ფ.ნუველი და სხვ.), რომელმაც გამოსცა ამავე სახელწოდების ჟურნალი. ჟურნალთან თანამშრომლობდნენ მწერლები და ფილოსოფოსები D. S. Merezhkovsky, N. M. Minsky, L. I. Shestov, V. V. Rozanov. თავისი პროგრამული ლიტერატურული და ვიზუალური მასალით, ეპოქის მხატვრული მოძრაობის ხელმძღვანელობის სურვილით, „ხელოვნების სამყარო“ წარმოადგენდა ახალი ტიპის პერიოდულ გამოცემას რუსეთისთვის. პირველი ნომერი გამოიცა 1898 წლის ნოემბერში. ყოველი ჟურნალი, გარეკანიდან დაწყებული შრიფტით დამთავრებული, ხელოვნების სრულყოფილ ნაწარმოებს წარმოადგენდა. გამოცემა სუბსიდირებულ იქნა ცნობილი ქველმოქმედების ს.ი. მამონტოვიდა პრინცესა M.K.Tenisheva, მისი იდეოლოგიური ორიენტაცია განისაზღვრა დიაგილევისა და ბენოის სტატიებით. ჟურნალი გამოდიოდა 1904 წლამდე. ხელოვნების სამყაროს მუშაკების საქმიანობის წყალობით, წიგნის დიზაინის ხელოვნებაც უპრეცედენტო აყვავებას განიცდის.

მხატვართა საზოგადოებამ, რომელმაც მოგვიანებით შეადგინა ასოციაციის ბირთვი, ჩამოყალიბება დაიწყო 1880-90-იანი წლების მიჯნაზე. ასოციაცია "ხელოვნების სამყარო" ოფიციალურად ჩამოყალიბდა მხოლოდ 1900 წლის ზამთარში, როდესაც შემუშავდა მისი წესდება და აირჩიეს ადმინისტრაციული კომიტეტი (A. N. Benois, S. P. Diaghilev, V.A. სეროვი), და არსებობდა 1904 წლამდე. შეგნებულად აიღეს მხატვრული ცხოვრების რეფორმატორების მისია, ხელოვნების სამყაროს მუშები აქტიურად ეწინააღმდეგებოდნენ. აკადემიზმიდა მოგვიანებით მოხეტიალეები. თუმცა, ისინი ყოველთვის ახლოს რჩებოდნენ, ბენუას მიხედვით, მე-19 საუკუნის „ნამდვილი იდეალიზმის საბადოებთან“ და „ჰუმანიტარულ უტოპიასთან“. წინა ხელოვნებაში მსოფლიო ხელოვანები ყველაფერზე მეტად აფასებდნენ ტრადიციას რომანტიზმილოგიკურ დასკვნად მიგვაჩნია სიმბოლიკა, რომლის ჩამოყალიბებაში ისინი უშუალოდ ჩაერთნენ რუსეთში.

უცხოური ხელოვნებისადმი მათი გაზრდილი ინტერესით, ხელოვნების სამყაროს ბევრმა სტუდენტმა დაიმსახურა დასავლელების რეპუტაცია ლიტერატურულ და მხატვრულ საზოგადოებაში. ჟურნალი World of Art რეგულარულად აცნობდა რუს საზოგადოებას უცხოელი ოსტატების დაზგური და გამოყენებითი ხელოვნება, როგორც ძველი, ისე თანამედროვე (ინგლისური პრერაფაელიტებიპ. პუვის დე შავანი, ჯგუფის მხატვრები. ნაბი" და ა.შ.). მირისკუსის მხატვრები თავიანთ შემოქმედებაში ძირითადად გერმანული მხატვრული კულტურით ხელმძღვანელობდნენ. რუსეთის ისტორიაში მათ მიიპყრო მე-18 საუკუნის ეპოქა, მისი წეს-ჩვეულებები და ჩვეულებები. მე-18 საუკუნის კულტურაში - მე-19 საუკუნის პირველი მესამედი. მირისკუსის სტუდენტები ეძებდნენ პოეტურ გასაღებს რუსეთის შემდგომი ისტორიის საიდუმლოებების ამოსახსნელად. მათ მალე „რეტროსპექტული მეოცნებეები“ უწოდეს. მხატვრებს განსაკუთრებული უნარი ჰქონდათ შეეგრძნოთ წარსული ეპოქების პოეტური არომატი და შეექმნათ ოცნება რუსული კულტურის „ოქროს ხანის“ შესახებ. მათი ნამუშევრები მნახველს გადასცემენ სადღესასწაულო, თეატრალური ცხოვრების ამაღელვებელ ხიბლს (სასამართლო ცერემონიები, ფეიერვერკი), ზუსტად აღადგენს ტუალეტების, პარიკების, ბუზების დეტალებს. ხელოვნების სამყაროს სტუდენტები ხატავენ სცენებს პარკებში, სადაც დახვეწილი ქალბატონები და ბატონები თანაარსებობენ იტალიური კომედია dell'arte-ს გმირებთან - არლეკინებთან, კოლუმბინებთან და ა.შ. (K. A. Somov. “Harlequin and Death”, 1907). წარსულით მოხიბლული, მის ოცნებას სევდიან სევდასა და ირონიას უთავსებენ, აცნობიერებენ წარსულში დაბრუნების შეუძლებლობას (კ. ა. სომოვი. „საღამო“, 1902 წ.). მათი ნახატების გმირები ჰგვანან არა ცოცხალ ადამიანებს, არამედ თოჯინებს, რომლებიც ასრულებენ ისტორიულ პიესას (A. N. Benois, "The King's Walk", 1906).

გამოფენებზე ძველი ოსტატების ნამუშევრების გამოფენით, ხელოვნების სამყაროს გამოფენები, ამავე დროს, ცდილობდნენ მოეზიდათ მათში ის მხატვრები, მოქანდაკეები და გრაფიკოსები, რომლებსაც ჰქონდათ რეპუტაცია, რომ პიონერები იყვნენ ხელოვნებაში ახალი გზებით. 1899–1903 წლებში პეტერბურგში გაიმართა ჟურნალ World of Art-ის ხუთი გამოფენა. ხელოვნების სამყაროს ფერწერული ტილოებისა და გრაფიკის გარდა, გამოფენებზე წარმოდგენილი იყო მე-19 და მე-20 საუკუნეების მიჯნის მთავარი რუსი ოსტატების ნამუშევრები. (მ.ა. ვრუბელი, ვ.ა.სეროვა, კ.ა. კოროვინა, ფ.ა. მალავინადა ა.შ.). გამოფენებზე განსაკუთრებული ადგილი დაეთმო პროდუქციას ხელოვნება და ხელნაკეთობა, რომლის ნამუშევრებში ასოციაციის წევრები ხედავდნენ "სუფთა" სილამაზის გამოვლინებას. მხატვრულ ცხოვრებაში მნიშვნელოვანი მოვლენა იყო გრანდიოზული „რუსული პორტრეტების ისტორიული და მხატვრული გამოფენა“ (1905), რომელიც დიაგილევის მიერ იყო ორგანიზებული სანკტ-პეტერბურგის ტაურიდის სასახლის დარბაზებში.
1910 წელს ხელახლა გამოჩნდა გამოფენები სახელწოდებით "ხელოვნების სამყარო" (ისინი გაგრძელდა რუსეთში 1924 წლამდე; ბოლო გამოფენა ამ ნიშნით გაიმართა 1927 წელს პარიზში, სადაც ხელოვნების სამყაროს მრავალი მხატვარი ემიგრაციაში წავიდა რევოლუციის შემდეგ). თუმცა წინა გამოფენებს მხოლოდ მათი სახელით აერთიანებდნენ. ასოციაციის დამფუძნებლებმა თავიანთი დომინანტური როლი მხატვრულ ცხოვრებაში მხატვართა მომავალ თაობას დაუთმეს. ხელოვნების სამყაროს მრავალი სტუდენტი შეუერთდა ახალ ორგანიზაციას - რუსი მხატვართა კავშირიმოსკოველთა ინიციატივით შექმნილი.

(წყარო: “ხელოვნება. თანამედროვე ილუსტრირებული ენციკლოპედია.” რედაქტორი პროფ. გორკინ A.P.; M.: Rosman; 2007 წ.)

ნახეთ, რა არის „ხელოვნების სამყარო“ სხვა ლექსიკონებში:

"ხელოვნების სამყარო"- „ხელოვნების სამყარო“, სამხატვრო ასოციაცია. ჩამოყალიბდა 1890-იანი წლების ბოლოს. (წესდება დამტკიცდა 1900 წელს) დაფუძნებული ახალგაზრდა მხატვრების, ხელოვნებათმცოდნეებისა და ხელოვნების მოყვარულთა წრეზე („თვითგანათლების საზოგადოება“), რომელსაც ხელმძღვანელობდა A. N. Benois და... ...

რუსეთის სამხატვრო ასოციაცია. ჩამოყალიბდა 1890-იანი წლების ბოლოს. (ოფიციალურად 1900 წელს) დაფუძნებული ახალგაზრდა მხატვრებისა და ხელოვნების მოყვარულთა წრეზე, რომელსაც ხელმძღვანელობდნენ A. N. Benois და S. P. Diaghilev. როგორც საგამოფენო გაერთიანება ჟურნალ Mir... ... ხელოვნების ენციკლოპედია

- "ხელოვნების სამყარო", რუსეთის ხელოვნების ასოციაცია. ჩამოყალიბდა 1890-იანი წლების ბოლოს. (ოფიციალურად 1900 წელს) პეტერბურგში ახალგაზრდა მხატვართა და ხელოვნების მოყვარულთა წრის ბაზაზე A. N. Benois-ისა და S. P. Diaghilev-ის ხელმძღვანელობით. როგორც საგამოფენო გაერთიანება ქვეშ... ...

1) სამხატვრო ასოციაცია. ჩამოყალიბდა 1890-იანი წლების ბოლოს. (წესდება დამტკიცდა 1900 წელს) დაფუძნებული ახალგაზრდა მხატვრების, ხელოვნებათმცოდნეებისა და ხელოვნების მოყვარულთა წრეზე („თვითგანათლების საზოგადოება“), რომელსაც ხელმძღვანელობდნენ A. N. Benois და S. P. Diaghilev. Როგორ … სანქტ-პეტერბურგი (ენციკლოპედია)

"ხელოვნების სამყარო"- „ხელოვნების სამყარო“, ასოციაცია „ხელოვნების სამყაროს“ და (1903 წლამდე) სიმბოლისტი მწერლების ილუსტრირებული ლიტერატურული და მხატვრული ჟურნალი. გამოქვეყნდა 1899-1904 წლებში (1901 წლამდე 2 კვირაში ერთხელ, 1901 წლიდან ყოველთვიურად). გამომცემელი M.K. Tenisheva და S.I. Mamontov (in ... ენციკლოპედიური საცნობარო წიგნი "სანქტ-პეტერბურგი"

ხელოვნების სამყარო: ხელოვნების სამყარო (სოციოლოგია) ადამიანთა ერთობლიობა, რომლებიც ეწევიან მხატვრულ შემოქმედებას ან ხელოვნების ნიმუშების შექმნას, მოხმარებას, შენახვას, გავრცელებას, კრიტიკას. ხელოვნების სამყარო (ორგანიზაცია) მხატვრული... ... ვიკიპედია

- „ხელოვნების სამყარო“, ლიტერატურული და მხატვრული ილუსტრირებული ჟურნალი, ასოციაცია „ხელოვნების სამყაროს“ ორგანო და სიმბოლისტი მწერლები. გამოქვეყნდა 1898/99 1904 წლებში პეტერბურგში (1901 წლამდე 2 კვირაში ერთხელ, 1901 წლიდან ყოველთვიურად). გამომცემლები 1899 წელს პრინცები M.K....... დიდი საბჭოთა ენციკლოპედია

ლიტერატურული და მხატვრული ილუსტრირებული ჟურნალი, ასოციაციის ორგანო ხელოვნების სამყარო და (1903 წლამდე) სიმბოლისტი მწერლები. გამოქვეყნებულია 1898/99 1904 წლებში ქ. გამომცემლები M.K. Tenisheva და S.I. Mamontov (1899 წელს), შემდეგ S.P. Diaghilev (მთავარი... ... ხელოვნების ენციკლოპედია

- “WORLD OF ART”, რუსული ხელოვნების ასოციაცია (1898 1924), შექმნილი პეტერბურგში A. N. Benois-ის (იხ. BENOIS Alexander Nikolaevich) და S. P. Diaghilev (იხ. DYAGILEV სერგეი პავლოვიჩი) მიერ. „სუფთა“ ხელოვნებისა და „ტრანსფორმაციის“ ლოზუნგების წამოწევა... ... ენციკლოპედიური ლექსიკონი

რუსეთის სამხატვრო ასოციაცია (1898 1924), შექმნილი პეტერბურგში A. N. Benois-ისა და S. P. Diaghilev-ის მიერ. წმინდა ხელოვნებისა და ხელოვნების გზით ცხოვრების გარდაქმნის ლოზუნგებით, ხელოვნების სამყაროს წარმომადგენლებმა უარყვეს აკადემიიზმიც და... დიდი ენციკლოპედიური ლექსიკონი

- "WORLD OF ART" არის ილუსტრირებული ხელოვნების ჟურნალი, რომელიც გამოიცა სანკტ-პეტერბურგში 1899-1904 წლებში. 1899 წელს ჟურნალის გამომცემლები იყო პრინცი. M.K.Tenisheva და S.I.Mamontov, რედაქტორი S.P.Dyagilev. ეს უკანასკნელი, 1900 წლიდან, ხდება ერთადერთი... ... ლიტერატურული ენციკლოპედია

წიგნები

• ხელოვნების სამყარო. 1898-1927, გ. პუბლიკაცია შეიცავს მხატვრების პორტრეტებს, ბიოგრაფიებს და ნამუშევრებს. ამ ენციკლოპედიის მომზადებისას... კატეგორია: რუსული ხელოვნების ისტორიაგამომცემელი: