მეჩვიდმეტე საუკუნეს განსაკუთრებული მნიშვნელობა ჰქონდა თანამედროვეობის ეროვნული კულტურების ჩამოყალიბებისთვის. ამ ეპოქაში დასრულდა დიდი ეროვნული სამხატვრო სკოლების ლოკალიზაციის პროცესი, რომლის ორიგინალურობა განისაზღვრა როგორც ისტორიული განვითარების პირობებით, ასევე მხატვრული ტრადიციით, რომელიც განვითარდა თითოეულ ქვეყანაში - იტალიაში, ფლანდრიაში, ჰოლანდიაში, ესპანეთში, საფრანგეთში. ეს საშუალებას გვაძლევს მივიჩნიოთ მე-17 საუკუნე, როგორც ახალი ეტაპი ხელოვნების ისტორიაში. ეროვნული იდენტობა არ გამორიცხავდა, თუმცა საერთო მახასიათებლებს. აღორძინების ეპოქის ტრადიციების მრავალმხრივ განვითარებით, მე-17 საუკუნის მხატვრებმა მნიშვნელოვნად გააფართოვეს თავიანთი ინტერესების სპექტრი და გააღრმავეს ხელოვნების შემეცნებითი სპექტრი.
რენესანსთან შედარებით, მე-17 საუკუნის ხელოვნება უფრო რთული და წინააღმდეგობრივია შინაარსითა და მხატვრული ფორმებით. რენესანსისთვის დამახასიათებელი სამყაროს ჰოლისტიკური პოეტური აღქმა ნადგურდება, ჰარმონიისა და სიცხადის იდეალი მიუღწეველი აღმოჩნდება. მაგრამ პიროვნების იმიჯი რჩება მხატვრის ყურადღების ცენტრში. რენესანსის ხელოვნების ნიმუშებში განდიდებულმა ტიტანებმა გზა დაუთმეს ადამიანს, რომელიც აცნობიერებდა მის დამოკიდებულებას სოციალურ გარემოზე და არსებობის ობიექტურ კანონებზე. მისი განსახიერება ხდება უფრო კონკრეტული, ემოციური და ფსიქოლოგიურად რთული. იგი ავლენს შინაგანი სამყაროს უსაზღვრო მრავალფეროვნებას და სიმდიდრეს, ეროვნული ნიშნები უფრო ნათელი და გამოკვეთილი ჩანს და მისი ადგილი საზოგადოებაში ჩანს. რეალურ ცხოვრებას მე-17 საუკუნის მხატვრები ავლენენ სხვადასხვა დრამატულ შეჯახებებსა და კონფლიქტებში, გროტესკებში, სატირულ და კომედიურ სიტუაციებში. ლიტერატურაში ეს არის ტრაგედიისა და კომედიის აყვავების პერიოდი (შექსპირი, ლოპე დე ვეგა, კალდერონი, კორნეი, რასინი, მოლიერი).
მე-17 საუკუნის მხატვრული კულტურა ასახავს იმ ეპოქის სირთულეს, რომელმაც მოამზადა კაპიტალისტური სისტემის გამარჯვება ევროპის ეკონომიკურად განვითარებულ ქვეყნებში. მე-17 საუკუნის დასაწყისისთვის რევოლუციური მიღწევები დამყარდა ჰოლანდიაში, ევროპაში პირველ კაპიტალისტურ ქვეყანაში. ინგლისში 1640–1660 წლების ბურჟუაზიული რევოლუცია მოხდა პან-ევროპული მასშტაბით. აბსოლუტისტური სახელმწიფოს კლასიკური მაგალითი ჩნდება საფრანგეთში. ფეოდალური თავადაზნაურობის ინტერესების მომსახურე ფრანგული აბსოლუტიზმი პროტექციონისტული პოლიტიკით უზრუნველყოფდა ბურჟუაზიის ზრდას. თუმცა ფეოდალიზმი მაინც ძლიერი იყო. ესპანეთი, რომელიც მე-16 საუკუნეში მსოფლიოში ყველაზე ძლიერი ძალა იყო, ევროპის ერთ-ერთ ჩამორჩენილ რეაქციულ სახელმწიფოდ იქცა. იტალიასა და გერმანიაში, ფეოდალური ფრაგმენტაციის შენარჩუნებისას, იქმნება მცირე ძალაუფლების სამთავრო; დესპოტიზმი. ინგლისშიც კი ბურჟუაზია იზიარებს ძალაუფლებას მიწათმოქმედ არისტოკრატიასთან.
ევროპის სახელმწიფოების განვითარების პროგრესული გზისათვის ბრძოლაში სახალხო მოძრაობებმა მნიშვნელოვანი როლი ითამაშეს. პრიმიტიული დაგროვების ეპოქის აბსოლუტისტური ჩაგვრისა და მტაცებლობის წინააღმდეგ სახალხო მასების პროტესტი მე-17 საუკუნის სოციალური ცხოვრების მთავარ შინაარსს წარმოადგენდა. კულტურის განვითარებაზე ამა თუ იმ ხარისხით მასზე გავლენა იქონია. ფეოდალიზმის წინააღმდეგ პროგრესული მოაზროვნეების გამოსვლები დაკავშირებული იყო კათოლიკური ეკლესიის კრიტიკასთან, რომელიც კვლავ აძლიერებდა მის გავლენას და აფერხებდა საზოგადოებრივ აზროვნებას.
ამავდროულად, ევროპის მოწინავე ქვეყნებში ეკონომიკის საერთო აღმავლობამ, წარმოებისა და ვაჭრობის აყვავებამ შექმნა საფუძველი ზუსტი და საბუნებისმეტყველო მეცნიერებების წინსვლისთვის. გალილეოს, კეპლერის, ნიუტონის, ლაიბნიცის, დეკარტის დიდმა აღმოჩენებმა მათემატიკაში, ასტრონომიაში, ფიზიკასა და ფილოსოფიაში ხელი შეუწყო მატერიალისტური იდეების (ბეკონი, ჰობსი, ლოკი, სპინოზა) დამკვიდრებას, ბუნებისა და სამყაროს შესახებ იდეების გაფართოებას და გაღრმავებას. . მაშინ როცა რენესანსის მეცნიერებისთვის ფენომენების შაბლონების ჩამოყალიბება დაფუძნებული იყო მე-17 საუკუნის ცალკეული, ცალკეული მოაზროვნეების ექსპერიმენტულ დაკვირვებაზე, თავიანთ მეცნიერულ თეორიებს ეყრდნობოდნენ ჰოლისტურ სისტემებსა და სამყაროს შეხედულებებზე. მხატვრების ნამუშევრები ასევე ადასტურებს რეალობის უფრო ჰოლისტურ და ღრმა აღქმას. ხელოვნების სინთეზის კონცეფცია ახალ ინტერპრეტაციას იღებს.
ხელოვნების ცალკეული ტიპები, ისევე როგორც ცალკეული ნამუშევრები, კარგავენ იზოლაციას და ცდილობენ ერთმანეთთან გაერთიანებას. შენობები ორგანულად შედის ქუჩის, მოედნის ან პარკის სივრცეში. სკულპტურა ხდება დინამიური და შემოიჭრება არქიტექტურასა და ბაღის სივრცეში. დეკორატიული ფერწერა ავსებს იმას, რაც თანდაყოლილია არქიტექტურულ ინტერიერში სივრცით-პერსპექტიული ეფექტებით. რეალობის ფართო ჩვენების სურვილმა მე-17 საუკუნეში განაპირობა ჟანრის მრავალფეროვნება. სახვით ხელოვნებაში, ტრადიციულ მითოლოგიურ და ბიბლიურ ჟანრებთან ერთად, დამოუკიდებელ ადგილს იკავებს საერო ჟანრები: ყოველდღიური ჟანრი, პეიზაჟი, პორტრეტი, ნატურმორტი.
რთული ურთიერთობები და სოციალური ძალების ბრძოლა ასევე წარმოშობს მრავალფეროვან მხატვრულ და იდეოლოგიურ მოძრაობას. წინა ისტორიული პერიოდებისგან განსხვავებით, როდესაც ხელოვნება ვითარდებოდა ჰომოგენური დიდი სტილის ფარგლებში (რომანესკი, გოთური, რენესანსი), მე-17 საუკუნე ხასიათდება ორი დიდი სტილით - ბაროკოსა და კლასიციზმის, რომელთა ელემენტები ნათლად არის გამოხატული არქიტექტურაში და ახალ გაგებაში. ხელოვნების სინთეზზე. ბაროკოს ხელოვნება ავლენს ცხოვრების არსს შემთხვევითი, ცვალებადი ელემენტარული ძალების მოძრაობასა და ბრძოლაში. ექსტრემალურ გამოვლინებებში ბაროკოს ხელოვნება მოდის ირაციონალიზმამდე, მისტიციზმამდე, დრამატული დაძაბულობითა და ფორმების გამოხატვით გავლენას ახდენს მაყურებლის წარმოსახვაზე და განცდაზე. მოვლენების ინტერპრეტაცია ხდება გრანდიოზული მასშტაბით; მხატვრებს ურჩევნიათ ასახონ ტანჯვის, ექსტაზის ან ექსპლოიტეტებისა და ტრიუმფების პანეგირიკა.
კლასიციზმის ხელოვნება ემყარება რაციონალურ პრინციპს. კლასიციზმის თვალსაზრისით, ლამაზია მხოლოდ ის, რაც არის მოწესრიგებული, გონივრული და ჰარმონიული. კლასიციზმის გმირები თავიანთ გრძნობებს გონიერების კონტროლს ემორჩილებიან, თავშეკავებულები და ღირსეულები არიან. კლასიციზმის თეორია ამართლებს დაყოფას მაღალ და დაბალ ჟანრებად. კლასიციზმის ხელოვნებაში ერთიანობა მიიღწევა მთლიანის ყველა ნაწილის შეერთებით და შეხამებით, რომლებიც, თუმცა, ინარჩუნებენ დამოუკიდებელ მნიშვნელობას. ბაროკოსაც და კლასიციზმსაც ახასიათებს განზოგადების სურვილი, მაგრამ ბაროკოს ოსტატები მიზიდულობენ დინამიური მასებისკენ, რთული, ვრცელი ანსამბლებისკენ. ხშირად ამ ორი დიდი სტილის თავისებურებები ერთმანეთშია გადაჯაჭვული ერთი ქვეყნის ხელოვნებაში და ერთი და იგივე მხატვრის შემოქმედებაშიც კი, რაც იწვევს მასში წინააღმდეგობებს.
ბაროკოსა და კლასიციზმთან ერთად ვიზუალურ ხელოვნებაში ჩნდება ცხოვრების უფრო პირდაპირი, ძლიერი რეალისტური ასახვა, თავისუფალი სტილისტური ელემენტებისაგან. რეალისტური მოძრაობა მნიშვნელოვანი ეტაპია დასავლეთ ევროპის ხელოვნების ევოლუციაში. მისი გამოვლინებები უჩვეულოდ მრავალფეროვანი და ნათელია, როგორც სხვადასხვა ეროვნულ სკოლებში, ასევე ცალკეულ ოსტატებში. მე-17 საუკუნე რეალიზმის უდიდეს ოსტატებს - კარავაჯოს, ველასკესს, რემბრანდტს, ჰალსს, დელფტის ვერმეერს ეკუთვნის. მე-17 საუკუნეში პირველი ადგილი დაიკავეს იმ ეროვნულმა სკოლებმა, რომელთა ხელოვნებაშიც მიღწეული იყო უმაღლესი შემოქმედებითი შედეგები. იტალია, ესპანეთი, ფლანდრია, ჰოლანდია, საფრანგეთი სწრაფად ხდებიან გავლენიანი მხატვრული ცენტრები. ევროპის სხვა ქვეყნებში - ინგლისში, გერმანიაში, ავსტრიაში, ჩეხეთში, პოლონეთში, დანიაში, მხატვრული კულტურა ინარჩუნებს ადგილობრივი თვისებების კვალს და ურთიერთობას წინა ეპოქის ტრადიციებთან.
მეჩვიდმეტე საუკუნე რუსეთში ფეოდალური პერიოდის აყვავების ხანაა. ამ დროს ძლიერდებოდა ფეოდალურ-ყმური სისტემა და ამავე სისტემის ფარგლებში ერთდროულად ყალიბდებოდა ბურჟუაზიული კავშირები. ქალაქების და ზოგადად საზოგადოების სწრაფმა განვითარებამ განაპირობა კულტურის აყვავება. მე-17 საუკუნეში მხატვრობამ რუსეთშიც გაძლიერდა. დაიწყო მასების კონცენტრაცია დიდ ქალაქებში, რაც, თავის მხრივ, კულტურის ასეთი სწრაფი განვითარების მთავარი მიზეზი იყო. რუსი ხალხის ჰორიზონტი ასევე გაფართოვდა სამრეწველო წარმოების დაწყებამ, რამაც აიძულა ისინი უფრო ახლოს დაეთვალიერებინათ ქვეყნის შორეული რეგიონები. მე-17 საუკუნის რუსულ ფერწერაში სხვადასხვა საერო ელემენტებია გაჟღენთილი. ნახატები სულ უფრო პოპულარული ხდება.
ეკლესიის გავლენა ხელოვნებაზე
ეკლესიამ ასევე იცოდა ხელოვნების, კერძოდ მხატვრობის დიდი გავლენა. სამღვდელოების წარმომადგენლები ცდილობდნენ გააკონტროლონ ნახატი, ცდილობდნენ დაემორჩილებინათ ისინი რელიგიურ დოგმატებს. იდევნებოდნენ ხალხური ოსტატები - მხატვრები, რომლებიც, მათი აზრით, გადაუხვიეს დადგენილ კანონებს.
მე -17 საუკუნეში რუსეთში მხატვრობა ჯერ კიდევ შორს იყო რეალისტური ტენდენციებისგან და ძალიან ნელა განვითარდა. წინა პლანზე ჯერ კიდევ იყო ფერწერის აბსტრაქტული, დოგმატური და ალეგორიული ხედვა. ხატები და ნახატები ხასიათდებოდა გადატვირთული პატარა სცენებითა და საგნებით მთავარი გამოსახულების გარშემო. ასევე იმ დროისთვის დამახასიათებელი იყო ნახატებზე ახსნითი წარწერები.
მე-17 საუკუნის პიროვნება და ნახატები
რუსეთში მე-17 საუკუნის მხატვრობის აღწერისას, არ შეიძლება არ აღინიშნოს მხატვარი სიმონ ფედოროვიჩ უშაკოვი, რომელიც არის ისეთი ცნობილი ნახატების ავტორი, როგორებიცაა: "მაცხოვარი ხელნაკეთი", "სამება" და "ხის ხის დარგვა". რუსეთის სახელმწიფო“. მხატვრობაში გამორჩეული მოვლენა იყო ინტერესი ადამიანის, როგორც ინდივიდის მიმართ. ამაზე საუბრობდა მე-17 საუკუნის რუსეთში გავრცელებული პორტრეტი.
უნდა აღინიშნოს, რომ პორტრეტი მასების საკუთრება გახდა მხოლოდ მე-18 საუკუნის შუა ხანებიდან, მანამდე კი მხოლოდ უზენაეს ძალაუფლებასთან დაახლოებულ ადამიანებს შეეძლოთ მხატვრის ტილოზე საკუთარი ხსოვნის დატოვება. მრავალი საზეიმო და დეკორატიული ნახატი შეიქმნა დიდი საჯარო სივრცეებისთვის, როგორიცაა სამხატვრო აკადემია, სენატი, ადმირალიტი და საიმპერატორო სასახლეები. ოჯახებს ასევე შეეძლოთ პორტრეტების შეკვეთა, მაგრამ ისინი არ გამოფენდნენ, არამედ ტოვებდნენ მათ წრეში. მათ შეეძლოთ პეტერბურგის ღარიბი ბინების გაფორმება ინტელიგენციის წარმომადგენლების, რომლებიც ცდილობდნენ საზოგადოების ტენდენციებსა და მოდას მიჰყოლოდნენ.
დასავლეთ ევროპის კულტურის გავლენა რუსულ ფერწერაზე
უნდა აღინიშნოს, რომ მე-17 საუკუნეში მხატვრობა რუსეთში ძალიან შეიცვალა, განსაკუთრებით პორტრეტთან დაკავშირებით. წინა პლანზე დაიწყო რეალური სამყარო რეალური ბედებითა და პროცესებით. ყველაფერი უფრო საერო და ცხოვრებისეული გახდა. დიდი გავლენა მოვიდა დასავლეთიდან. დასავლეთის ესთეტიკური გემოვნება თანდათანობით დაიწყო რუსეთში შემოდინება. ეს ეხებოდა არა მხოლოდ ზოგადად ხელოვნებას, არამედ ისეთ მხატვრულ ნივთებს, როგორიცაა კერძები, ეტლები, ტანსაცმელი და მრავალი სხვა. პოპულარული გახდა პორტრეტების გადაღება, როგორც ჰობი. მოდური იყო მეფისთვის საჩუქრად მონარქების ამსახველი ნახატების მიტანა. ამას გარდა, ელჩები არ ერიდებოდნენ მსოფლიო დედაქალაქებში მათთვის საინტერესო პორტრეტების შეძენას. ცოტა მოგვიანებით, პოპულარული გახდა უცხოელი მხატვრების მიერ ტილოზე ხატვის უნარის მიბაძვა. ჩნდება პირველი „ტიტულარული წიგნები“, რომლებიც ასახავს უცხო და რუსი სუვერენების პორტრეტებს.
მიუხედავად იმისა, რომ ზოგიერთი წრის წინააღმდეგობა იზრდებოდა ხალხური ხელოვნების პოპულარობის ზრდის პირდაპირპროპორციულად, მოძრაობის შეკავება უბრალოდ შეუძლებელი იყო. საუკუნის მეორე ნახევარში რუსეთში XVII საუკუნის მხატვრობამ დიდი იმპულსი მოიპოვა. ხელოვნების ცენტრების ერთ-ერთი მთავარი სახელოსნო იყო, რომელშიც ასზე მეტი ნახატი დახატა ორ ათეულმა ოსტატმა ლოპუტსკის, ვუხტერსა და ბეზმინის ხელმძღვანელობით. მათი ნამუშევრები ასახავდა ფერწერაში არსებულ წინააღმდეგობრივ ტენდენციებს. ნახატების ნაწილი შესრულებულია ოფიციალურ სტილში, ნაწილი კი დასავლეთ ევროპულ სტილში.
სიახლე პორტრეტში
რუსეთში მე-17 საუკუნეში მხატვრობამ სახე შეცვალა. პორტრეტის საერო ჟანრმა ახალი ფორმა შეიძინა. ადამიანი გახდა ხელოვნების მთავარი თემა. შეიძლება დავასკვნათ, რომ გაიზარდა ინდივიდის, როგორც პიროვნების როლი. კანონიკური „სახეები“ უკანა პლანზე გადავიდა და ადგილი დაუთმო ყოველდღიურ ურთიერთობებს და მთლიანად პიროვნებას. ნამდვილი ადამიანი გახდა პოეზიის ღირსი და არა მხოლოდ ღვთაებრივი ან წმინდანი. საზეიმო პორტრეტმა დატოვა რუსული ხელოვნების სცენა. ბუნებრივია, მისი გავლენა დღეს არ დასრულებულა, მაგრამ ნაკლებად მნიშვნელოვანი გახდა. პეტრინის პერიოდში ის ასევე პოულობს თავის ადგილს რუსეთის მიწაზე და არსებობს ევროპული პორტრეტის ტოლფასადაც კი.
დასკვნა
ასე განვითარდა მე-17 საუკუნის მხატვრობა რუსეთში. მოკლედ, შეგვიძლია დავასკვნათ, რომ სწორედ ამ საუკუნეში მოხდა გარდამტეხი მომენტი ხელოვნებაში, რამაც გავლენა მოახდინა ქვეყნის კულტურასა და მის შემდგომ განვითარებაზე.
შინაარსი
შესავალი
1.1. რემბრანდტ ჰარმენს ვან რინი - XVII საუკუნის უდიდესი ჰოლანდიელი მხატვარი
1.2. რუბენს პიტერ პოლი
1.3. ფრანგი მხატვარი პუსენ ნიკოლა
თავი II XVII საუკუნის რუსი მხატვრები
2.1. ზუბოვი ალექსეი ფედოროვიჩი (1682-1750)
2.2. ნიკიტინი ივან ნიკიტიჩი (1680-1742)
დასკვნა
ბიბლიოგრაფია
შესავალი
მე-17 საუკუნის მხატვრობა განვითარდა ბაროკოს სტილის გავლენით, რომელიც დომინირებდა ევროპულ ხელოვნებაში მე-18 საუკუნის შუა ხანებამდე. მსოფლიოს ახალმა ფილოსოფიამ, რომელიც შედგებოდა შეცვლილი მსჯელობებისაგან სამყაროს ერთიანობის, მრავალფეროვნებისა და უსაზღვროების შესახებ, დიდი გავლენა იქონია იმდროინდელი მხატვრების მსოფლმხედველობაზე. ამ პერიოდის მხატვრობას განასხვავებს ბრწყინვალება და დინამიკა, განცდებისა და პათოსის სიმძაფრე, გამორჩეულობა, რეალობა და ილუზორულობა, კონტრასტები და სინათლის თამაში.
მეჩვიდმეტე საუკუნე დიდწილად მნიშვნელოვანი იყო თანამედროვეობის ეროვნული კულტურების ჩამოყალიბებაში. ამ დროს დასრულდა სამხატვრო სკოლების ლოკალიზაციის პროცესი, რომელთა მრავალფეროვნებას ძირითადად ისტორიული განვითარების პირობები და თითოეულ კონკრეტულ ქვეყანაში დამკვიდრებული ტრადიციები განაპირობებდა. XVII საუკუნის რუსი მხატვრები ძირითადად ხატწერით იყვნენ დაკავებულნი. მე-17 საუკუნის ესპანელი მხატვრები სამონასტრო ორდენების იდეოლოგიით ჩამოყალიბდნენ, ამიტომ ხელოვნების ნიმუშების ძირითადი კომისიები სულიერი სფეროდან იყო. მე-17 საუკუნის იტალიელი მხატვრები მჭიდროდ სწავლობდნენ სხვადასხვა მეცნიერებებს: საბუნებისმეტყველო მეცნიერებებს, პერსპექტივას, ანატომიას და სხვა. ისინი თავიანთ ნახატებში რელიგიურ სცენებს ასახავდნენ, როგორც საერო. ეპიზოდებში ვისწავლეთ ხასიათის გადმოცემა და ადამიანის ღრმა გამოცდილების გამოვლენა. ანდრეა მანტენიას მიერ დაწერილ ჯვარცმას გადავხედე. მე-17 საუკუნის ჰოლანდიელი მხატვრები გამოირჩეოდნენ იმით, რომ ისინი ჭარბობდნენ თითქმის ყველა სახის ფერწერაში. ეს პროფესია შორს იყო იშვიათი, იყო სერიოზული კონკურენცია პირველ მხატვრებს შორის. ჰოლანდიაში მე-17 საუკუნის მხატვრების ნახატებს ამშვენებდა არა მხოლოდ საზოგადოების მდიდარი წევრების, არამედ ჩვეულებრივი ხელოსნებისა და გლეხების სახლები.
თავი I XVII საუკუნის უცხოელი მხატვრები
1.1.რემბრანდტ ჰარმენს ვან რინი - მე-17 საუკუნის უდიდესი ჰოლანდიელი მხატვარი
ჰოლანდიელი მხატვრის რემბრანდტ ჰარმენს ვან რინის (1606-1669) ნამუშევარი მსოფლიო რეალისტური მხატვრობის ერთ-ერთი მწვერვალია. რემბრანდტი ხატავდა ნახატებს ისტორიულ, ბიბლიურ, მითოლოგიურ და ყოველდღიურ თემებზე, პორტრეტებსა და პეიზაჟებზე. ის იყო ნახატისა და ოკრატის უდიდესი ოსტატი ევროპაში. მის შემოქმედებას ახასიათებს ცხოვრების ფილოსოფიური გაგების სურვილი, პატიოსნება საკუთარი თავისა და ხალხის მიმართ, ინტერესი ადამიანის სულიერი სამყაროსადმი. მოვლენებისა და ადამიანების მორალური შეფასება ოსტატის ხელოვნების მთავარი ნერვია. მხატვარმა შესანიშნავად გადმოსცა მოდელის სულიერება და მოვლენის დრამატიზმი ქიაროსკუროს ეფექტებით, როდესაც სივრცე თითქოს ჩრდილში იძირება, ოქროს ბინდიში და სინათლის სხივი ხაზს უსვამს ადამიანების ცალკეულ ფიგურებს, მათ სახეებს. ჟესტები და მოძრაობები. სურათის ფერწერული აგების ამ მეთოდში რემბრანდტს არ ჰყავდა ტოლი (მხოლოდ იტალიელ კარავაჯოს შეუძლია კონკურენცია გაუწიოს მას ქიაროსკუროს გამოყენების ოსტატობაში). როგორც ხშირად ხდება ხელოვნების ისტორიაში, მიუხედავად მისი ბრწყინვალე ნიჭისა, რემბრანდტი სიღარიბესა და მარტოობაში გარდაიცვალა, მივიწყებული, უსარგებლო ოსტატი. მაგრამ მისი ნამუშევრები საუკუნეებს ცოცხლობს, ამიტომ გადაჭარბების გარეშე შეიძლება ითქვას, რომ რემბრანდტი ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარია მსოფლიო ხელოვნების ისტორიაში. ბევრი მას უწოდებს უბადლო მხატვარს, რაფაელზე ან ლეონარდოზე ბევრად დიდს. როგორც ჩანს, მისი შემოქმედება შეზღუდული იყო ჰოლანდიური პროტესტანტული ხელოვნების ტრადიციებითა და დოგმებით, რადგან ის არასოდეს მოგზაურობდა ჰოლანდიის ფარგლებს გარეთ. და მაინც, რემბრანდტი არა მხოლოდ აღფრთოვანებულია თავისი ბრწყინვალე ფერწერის ტექნიკით, არამედ ავლენს გამოცხადებას თავისი ნამუშევრებით: არასოდეს არავის უსაუბრია ადამიანის მარტივ გრძნობებზე ასე ღრმად, ნაზად, საინტერესოდ და სულიერად. თავის ისტორიულ და ბიბლიურ სცენებში, მისი თანამედროვეების პორტრეტებში ის აღწევს ფსიქოლოგიური ექსპრესიულობის სიღრმეებს. მისი სიბრძნე, თანაგრძნობა და გამჭრიახობა, დიდი ალბათობით, თვითშემეცნების შედეგია: ბევრჯერ, ისევე როგორც არავინ, მან დახატა ავტოპორტრეტები და გადაიღო თავისი ცხოვრების გზა, ახალგაზრდობიდან და წარმატებებიდან სიბერემდე, რამაც მოიტანა მწუხარება და დეპრივაციები. ამ დროისთვის ცნობილია რემბრანდტის ასზე მეტი ავტოპორტრეტი, რომელთაგან თითოეული საოცარი შედევრია. იღბლიანი ისტორიული გარემოებების წყალობით, რუსეთს ახლა აქვს რემბრანდტის ნახატების ერთ-ერთი უმდიდრესი კოლექცია. თითქმის ყველა მათგანი ინახება სანქტ-პეტერბურგის სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმში, მათ შორის ისეთი ცნობილი შედევრები, როგორიცაა "უძღები შვილის დაბრუნება", "დანაე", "სასკიას პორტრეტი ფლორის სახით", "მოხუცი კაცის პორტრეტი წითელში". ", "დავით და ურია" და ა.შ. რუსი მხატვრების ერთზე მეტი თაობა სწავლობდა რემბრანდტის ნახატებს ერმიტაჟიდან. თუ არ გაქვთ საშუალება ეწვიოთ სახელმწიფო ერმიტაჟს, მაშინ გეპატიჟებით რემბრანდტის ნახატების ჩვენს ვირტუალურ გალერეაში. აქ შეგიძლიათ ნახოთ ოსტატის თითქმის ყველა ცნობილი შედევრი, რომელთაგან ბევრი დეტალური აღწერაა მოცემული. გაატარეთ სასიამოვნო მოგზაურობა საოცარი ხელოვანისა და მგრძნობიარე ადამიანის - რემბრანდტის მომხიბვლელ სამყაროში.
1.2. პიტერ პოლ რუბენსი
პიტერ პოლ რუბენსი, 1577-1640 წწ - ფლამანდიელი მხატვარი და დიპლომატი. დაიბადა ვესტფალიის ზიგენში 1577 წლის 28 ივნისს ანტვერპენის იურისტის იან რუბენსის ოჯახში. როდესაც პიტერ პოლ რუბენსი თერთმეტი წლის იყო, მამა გარდაეცვალა და დედა შვილებთან ერთად გადავიდა ანტვერპენში. მომავალმა მხატვარმა განათლება იეზუიტთა სკოლაში მიიღო. ენების უნარმა (იგი საუბრობდა ექვს ენაზე) საშუალებას აძლევდა არა მხოლოდ დაეუფლა თავისი ეპოქის კულტურულ მემკვიდრეობას, არამედ მიაღწია მნიშვნელოვან წარმატებებს დიპლომატიურ სფეროში. რუბენსი სწავლობდა სამ ფლამანდელ მხატვართან - ტობიას ვერჰაჰატთან, ადამ ვან ნორტთან და ოტო ვან ვენთან. 1598 წელს იგი შეიყვანეს ქ. ლუკა. 1600 წელს მხატვარი ჩავიდა იტალიაში; იქ მან შეისწავლა უძველესი არქიტექტურა და ქანდაკება, იტალიური მხატვრობა და ასევე დახატა პორტრეტები (ძირითადად გენუაში) და სამსხვერპლოები (რომში და მანტუაში). 1603 წელს რუბენსის იტალიელმა მფარველმა ვიჩენცო გონზაგამ იგი დიპლომატიური მისიის ფარგლებში გაგზავნა ესპანეთში. 1608 წელს რუბენსი გახდა ავსტრიის იზაბელას სასამართლო მხატვარი, დასახლდა ანტვერპენში და 1609 წელს დაქორწინდა არისტოკრატ იზაბელა ბრანტზე. ამ ქორწინებიდან სამი შვილი შეეძინათ. მის ნახატებზე მზარდი მოთხოვნის დასაკმაყოფილებლად, რუბენსმა რამდენიმე წლის განმავლობაში შექმნა დიდი სახელოსნო, სადაც მუშაობდნენ ა. ვან დიკი, იაკობ ჟორდანსი და ფ. სნაიდესი. მან გააკეთა ესკიზები, რომლებიც მისმა სტუდენტებმა და ასისტენტებმა გადაიტანეს ტილოზე, შემდეგ კი, სამუშაოს დასრულების შემდეგ, ოდნავ შეასწორეს ნახატები. მან მოაწყო გრავიურის სკოლაც კი, რათა თავისი ნამუშევრები კიდევ უფრო ფართოდ გაევრცელებინა. რუბენსის ამ წლების ნახატები სავსეა ვნებიანი დინამიკით. საგნებს შორის ჭარბობს ნადირობის სცენები, ბრძოლები, ნათელი და დრამატული სახარების ეპიზოდები და სცენები წმინდანთა ცხოვრებიდან, ალეგორიული და მითოლოგიური კომპოზიციები; მათში რუბენსს სიამოვნებდა ენერგიული, ძლიერი სხეულების დახატვა, რომლებიც მის თანამედროვეებს ძალიან მოსწონდათ. გარდა ადგილობრივი ეკლესიებისა და ანტვერპენის არისტოკრატების შეკვეთებისა, მხატვარი შეკვეთებს იღებდა საზღვარგარეთიდან, ძირითადად ინგლისიდან. დიდი სახელოსნო, რომლის შენობაც მან დააპროექტა გენუის პალაცოს სტილში (აღდგენილია 1937-1946 წლებში), მალე გახდა ანტვერპენის სოციალური ცენტრი და ღირსშესანიშნაობა. 1620-იან წლებში რუბენსი მუშაობდა საფრანგეთის სამეფო სახლში. მან დაწერა მარი დე მედიჩისთვის ალეგორიული პანელების ციკლი მისი ცხოვრების სცენებზე და დაამზადა მუყაოები გობელენებისთვის, ლუი XIII-ის დაკვეთით, ასევე დაიწყო კომპოზიციების ციკლი საფრანგეთის მეფის ჰენრი IV ნავარის ცხოვრებიდან, რომელიც დაუმთავრებელი დარჩა. . 1620-იანი წლების დასაწყისიდან რუბენსი აქტიური იყო დიპლომატიურ საქმიანობაში. 1628 და 1630 წლებში რუბენსი დიპლომატიური მისიებით გაემგზავრა მადრიდსა და ლონდონში და მონაწილეობა მიიღო ესპანეთს, ინგლისსა და ჰოლანდიას შორის სამშვიდობო ხელშეკრულების დადებაში. ანტვერპენში დაბრუნებული რუბენსი დიდი პატივით დახვდათ; ესპანეთის მეფემ მას მიანიჭა სახელმწიფო მრჩევლის ტიტული, ხოლო ინგლისის მეფემ მას პირადი კეთილშობილება მიანიჭა. მალე რუბენსი დაქორწინდა თექვსმეტი წლის ელენა ფურმანზე; მათ ხუთი შვილი ჰყავდათ. ამ წლების განმავლობაში შეიცვალა რუბენსის სტილი - კომპოზიციები აგებულია თავისუფალ და გლუვ რიტმში, შემოქმედების ადრეული პერიოდისთვის დამახასიათებელი ფორმების მკაცრი სკულპტურული ინტერპრეტაცია შეიცვალა მსუბუქი და ჰაეროვანი ფერის მოდელირებით. მათში შეგიძლიათ იხილოთ ტიციანის ნამუშევრების გავლენა, რომელიც რუბენსმა გადაწერა მადრიდში ყოფნის დროს. იმისდა მიუხედავად, რომ მან დიდი დრო გაატარა დიდ დეკორატიულ კომპოზიციებზე და კონსტრუქციებზე (ლონდონის უაიტჰოლის სასახლის საბანკეტო დარბაზში ჭერის მოხატვა; ანტვერპენში ინფანტე ფერდინანდის შესვლის საპატივცემულოდ ტრიუმფალური თაღები; ტორეს სანადირო ციხის გაფორმება. დე ლა პარადა), რუბენსმა ასევე მოახერხა მეტი კამერული, ლირიკული ნაწარმოებების დაწერა. მათ შორისაა "Helena Fourmin Coat"-ის პორტრეტი (დაახლოებით 1638-1640, ვენა, Kunsthistorisches Museum), "Kermessa" (დაახლოებით 1635-1636, ლუვრი) და განსაკუთრებით რამდენიმე კაშკაშა, კაშკაშა განათებული პეიზაჟი, რომელიც შეიქმნა ბოლო დროს ხუთი. ცხოვრების წლები სოფლის მამულში მეჩლინთან ახლოს. რუბენსი გარდაიცვალა 1640 წლის 30 მაისს.
თავის ნამუშევრებში რუბენსმა მოახერხა მიაღწიოს იმას, რასაც ფლამანდიელი მხატვრების სამი წინა თაობა ცდილობდა: ფლამანდური რეალიზმის შერწყმა კლასიკურ ტრადიციასთან, რომელიც აღორძინდა იტალიური რენესანსის დროს. მხატვარი დაჯილდოებული იყო უზარმაზარი შემოქმედებითი ენერგიითა და ამოუწურავი ფანტაზიით; სხვადასხვა წყაროდან შთაგონებით, მან შექმნა საკუთარი უნიკალური სტილი. მის მიერ შექმნილი საკურთხევლის გამოსახულებები ხასიათდება სენსუალურობითა და ემოციურობით; ჩამოყალიბებული აბსოლუტიზმის ეპოქის არისტოკრატიის ციხესიმაგრეების გაფორმებით, მან ხელი შეუწყო ბაროკოს სტილის - არა მხოლოდ კონტრრეფორმაციის, არამედ იმდროინდელი საერო კულტურის მხატვრული ენის გავრცელებას.
1.3. ფრანგი მხატვარი პუსენ ნიკოლა
დაიბადა 1594 წელს ნორმანდიის ლეს ანდელში. პუსინის პირველი მასწავლებელი იყო კვენტინ ვარენი ამიენიდან, რომელიც ცხოვრობდა ლეს ანდელიში 1611–1612 წლებში. 1612 წელს პუსენი ჩავიდა პარიზში, სადაც ალექსანდრე კუტუამ, მეფის მსახურმა, ახალგაზრდა მხატვარს საშუალება მისცა ეწვია ნახატების სამეფო კოლექციას; იქ მან პირველად ნახა რაფაელისა და მისი სკოლის ოსტატების ნამუშევრები. პარიზში პუსენი შეხვდა პოეტს ჯოვანი ბატისტა მარინოს, რომლისთვისაც მან შემდგომში დაასრულა ნახატების შესანიშნავი სერია ოვიდის, ვირგილიისა და ტიტუს ლივის თემებზე დაფუძნებული, რომელიც ახლა ინახება ვინძორის ციხესიმაგრეში.
1624 წლის გაზაფხულზე მხატვარი რომში ჩავიდა და სიცოცხლის ბოლომდე იქ დასახლდა. 1640 წელს, როდესაც პუსენის დიდებამ საბოლოოდ მიაღწია სამშობლოს, მან მიიღო მოწვევა ლუი XIII-ისგან და იძულებული გახდა ცოტა ხნით პარიზში დაბრუნებულიყო. პარიზში პუსენმა შექმნა ისეთი ნაწარმოებები, როგორიცაა ევქარისტია, წმ. ფრენსის ქსავიე (ორივე ლუვრში) და დრო იხსნის სიმართლეს შურის და უთანხმოების ხელყოფისგან (ლილი, სახვითი ხელოვნების მუზეუმი). ეს უკანასკნელი კარდინალ რიშელიეს დაკვეთით მოხატა და ჭერის გასაფორმებლად იყო გამიზნული. ცნობილია, რომ სამეფო კარზე ცხოვრება პუსენისთვის მძიმე იყო და 1642 წელს იგი რომში დაბრუნდა.
პუსინის ნახატების ძირითადი წყაროა კლასიკური ანტიკურობისა და იტალიური რენესანსის ნამუშევრები. მრავალი ნახატი მოწმობს მის დიდ ინტერესს ძველი რომის ძეგლების მიმართ. მას ეკუთვნის უძველესი რელიეფების, ქანდაკებების და სარკოფაგების მრავალი ჩანახატი. თუმცა, კლასიკური მოტივები, ასე მრავალრიცხოვანი პუსენის ნამუშევრებში, თითქმის ყოველთვის იცვლება და გადამუშავებულია მის მიერ საკუთარი მხატვრული მიზნების შესაბამისად. იტალიური რენესანსის ოსტატების ნამუშევრებიდან რაფაელისა და ტიციანის ნახატმა ყველაზე ძლიერი გავლენა მოახდინა მხატვარზე. გვიანდელ ნამუშევრებში აპოლონი და დაფნე (დაახლოებით 1664) და ოთხი ნახატის სერია „სეზონები“ (1660–1664, ყველა ლუვრში), პუსენი გადადის ლირიკულ მოტივებზე; ეს ნამუშევრები უფრო მდიდარია კომპოზიციით და უფრო დახვეწილი შესრულების ტექნიკით, ვიდრე ადრეული პერიოდის წმინდა რომანტიული ნახატები. სეზონების სერია სამოთხის (გაზაფხული), რუთის (ზაფხული), გამოსვლა (შემოდგომა) და წყალდიდობის (ზამთარი) ბიბლიური სცენებით პუსინის საუკეთესო პეიზაჟებს შორისაა.
პუსენი ქმნის ნამუშევრებს, რომლებიც წინასწარმეტყველებს გვიანი კლასიციზმის მკაცრ სამოქალაქო სულისკვეთებას ("გერმანიკუსის სიკვდილი", დაახლოებით 1628, ხელოვნების ინსტიტუტი, მინეაპოლისი), ტილოები ბაროკოს სულისკვეთებით ("წამება ერასმუსზე", დაახლოებით 1628-1629, ვატიკანის პინაკოთეკა) , განმანათლებლური და პოეტური ნახატები მითოლოგიურ და ლიტერატურულ თემებზე, აღინიშნა ფერთა სისტემის განსაკუთრებული აქტივობით, ვენეციური სკოლის ტრადიციებთან ახლოს. ("მძინარე ვენერა", სამხატვრო გალერეა, დრეზდენი; "ნარცისი და ექო", ლუვრი, პარიზი; "რინალდო და არმიდა", პუშკინის სახვითი ხელოვნების მუზეუმი, მოსკოვი; სამივე - დაახლოებით 1625-1627 წლებში; "სამეფო ფლორა", დაახლოებით 1631 წ. -1632, ხელოვნების გალერეა, დრეზდენი; "ტანკრედი და ერმინია"). პუსენის კლასიცისტური პრინციპები უფრო მკაფიოდ ვლინდება 30-იანი წლების II ნახევრის ნახატებში. („საბინელი ქალების გაუპატიურება“, მე-2 ვერსია, დაახლოებით 1635; „ისრაელების შეკრება მანანა“, დაახლოებით 1637-1639; ორივე ლუვრში, პარიზი). ზუსტი კომპოზიციური რიტმი, რომელიც სუფევს ამ ნაწარმოებებში, აღიქმება, როგორც რაციონალური პრინციპის პირდაპირი ასახვა, საბაზისო იმპულსების შერბილება და ადამიანის კეთილშობილური საქმეების სიდიადე. 1640-1642 წლებში ნიკოლა პუსენი მუშაობდა პარიზში ლუი XIII-ის კარზე („დრო იხსნის სიმართლეს შურის და უთანხმოების თავდასხმებისგან“, დაახლოებით 1641-1642, ხელოვნების მუზეუმი, ლილე). სასამართლოს მხატვრების ინტრიგები, ს.ვუეტის მეთაურობით, აიძულა პუსენი დაბრუნდეს რომში.
თავი II XVII საუკუნის რუსი მხატვრები
2.1. ზუბოვი ალექსეი ფედოროვიჩი
პირველად მხატვარი შეიარაღებაში, 1699 წლიდან სწავლობდა ადრიან შონბეკთან „გერბების დამზადებაზე“ (შტამპის ქაღალდისთვის). გრავიურის ცოდნის დასამტკიცებლად, ზუბოვმა უკვე 1701 წელს შეიარაღებულ ძალებს წარუდგინა 1674 წლის ჰოლანდიური ბიბლიის ასლი, რომელსაც ხელი მოაწერა: „ფრესკის შემდეგ სულიწმინდის დაღმართი“.
ზუბოვი მალე გახდა გამოცდილი გრავიორი და ამოტვიფრა მრავალი დიდი ფურცელი, რომლებშიც მან მიაღწია მაღალ ტექნოლოგიას. პეტერბურგის უზარმაზარი ხედი, მის მიერ 8 დაფაზე ამოტვიფრული, მოსკოვის ხედთან დაწყვილებული, იან ბლიკლანტის მიერ ამოტვიფრული, ზუბოვის საუკეთესო ნამუშევარია. მას ასევე ეკუთვნის საზღვაო ბრძოლების გამოსახულებები ("გრენემის ბრძოლა", 1721 წ.), დღესასწაულები გამარჯვებებზე ("რუსული ჯარების საზეიმო შესვლა მოსკოვში პოლტავაში გამარჯვების შემდეგ", 1711) და იმ დროის სხვა მნიშვნელოვანი მოვლენები. ზუბოვმა შეავსო ასეთი სურათების საზეიმო ნაწილი ზუსტად გადმოცემული ცხოვრებისეული დეტალებით. მან შექმნა გრავიურები არქიტექტორების ნახატებისა და დიზაინის გამოყენებით, მაგალითად, M.G. Zemtsov. კომპოზიციების დოკუმენტური ბუნება შერწყმული იყო გრავირებული ფურცლის დეკორატიულობასთან და შემოთავაზებული შენობების გამოსახულებით. მხატვარმა გამოსახა ქალაქის ხედები ჩიტის ხედიდან, რამაც ხელი შეუწყო გრანდიოზული სცენების მასშტაბის განცდას - ნევის ნაპირების პანორამებს.
1714 წლიდან ზუბოვი მუშაობდა პეტერბურგში. იყო პეტერბურგის სტამბის უფროსი ოსტატი. პეტრე I-ის გარდაცვალების შემდეგ, ეკატერინე I-ის მეფობის დროს, ზუბოვმა გააკეთა იმპერატორის პორტრეტი (1726, ი. ადოლსკის ორიგინალიდან), ამოტვიფრული პ.პიკარტთან ერთად პეტრეს საცხენოსნო პორტრეტი (1726 წ.). შეუკვეთა ცოლისა და ქალიშვილების პორტრეტები "ყველაზე მშვიდი" პრინცის - D. M. და M. A. Menshikov (1726). 1727 წლის შემოდგომაზე დაიხურა პეტერბურგის სტამბა, სადაც ზუბოვი იყო მისი წევრი ჩრდილოეთ დედაქალაქში ჩამოსვლის დღიდან. თანამდებობიდან წასვლის შემდეგ იგი იძულებული გახდა, ძმის მსგავსად, ხალხური პოპულარული პრინტის ოსტატად გადასულიყო. მხატვარი ცდილობდა დასაქმებულიყო მეცნიერებათა აკადემიის გრავიურის პალატაში, მაგრამ იქ მუდმივი სამსახური არასოდეს მიუღია. 1730 წლისთვის იგი დაბრუნდა მოსკოვში.
ძველ დედაქალაქში ზუბოვი დღესაც ძალიან ინტენსიურად მუშაობს. 1734 წელს მან შექმნა პეტრე I, პეტრე II და ანა იოანოვნას პორტრეტები. ის ბევრს მუშაობს ეკლესიებისა და მდიდარი მოქალაქეების დაკვეთით. მაგრამ ზუბოვის ნივთები ამ დროიდან გვიჩვენებს, თუ რამდენად თხელი იყო ახალი კულტურის ფენა, რამდენად ძლიერად იყვნენ დამოკიდებულნი რუსი მხატვრები თავიანთ გარემოზე, რამდენად ძლიერი იყო ჯერ კიდევ პეტრინემდელი ეპოქის ტრადიციები. ამის დასტურია ცნობილი "სოლოვეცკის მონასტრის ხედი" - უზარმაზარი გრავიურა, რომელიც ზუბოვმა ძმასთან ივანთან ერთად 1744 წელს გააკეთა. თითქოს არ იყო პეტერბურგის ხედები, ბრძოლები და პორტრეტები. თითქოს პეტრე დიდის ეპოქა არ არსებობდეს. თითქოს არასოდეს დაუტოვებია ზუბოვის მოსკოვი და შეიარაღების პალატა. ჩვენთვის ცნობილი გრავიურის ბოლო ნამუშევრები 1745 წლით თარიღდება, ხოლო ბოლო ნახსენებია 1749 წ. ოსტატი სიღარიბესა და გაურკვევლობაში გარდაიცვალა.
ზუბოვის მიერ ამოტვიფრული ბოლო ფურცელი აღინიშნა 1741 წელს. მისი საუკეთესო პორტრეტები შავი მანერით: "ეკატერინე I", "პეტრე I", ორი პრინცესა "დარია და მარია მენშიკოვი" - უკიდურესად იშვიათია; ჩილე - "ეკატერინე I", "გოლოვინი" და "სტეფან იავორსკი". როვინსკი („რუსი გრავიურები“, მ. 1870) გთავაზობთ ზუბოვის 110 დაფის ჩამონათვალს. ზოგიერთი დაფა დღემდე შემორჩა და შეუძლია კარგი ანაბეჭდების დამზადებაც კი.
2.2. ნიკიტინი ივან ნიკიტიჩი
დაიბადა მოსკოვში, მღვდელი ნიკიტა ნიკიტინის ვაჟი, რომელიც მსახურობდა იზმაილოვოში, მღვდელი ჰეროდიონ ნიკიტინის ძმა, მოგვიანებით კრემლის მთავარანგელოზის ტაძრის დეკანოზი და მხატვარი რომან ნიკიტინი.
ის სწავლობდა მოსკოვში, როგორც ჩანს, შეიარაღების პალატაში, შესაძლოა ჰოლანდიელი შონბეკის ხელმძღვანელობით, გრავიურის სახელოსნოში. 1711 წელს იგი გადაიყვანეს სანკტ-პეტერბურგში, სწავლობდა გერმანელ მხატვარ იოჰან ტანაუერთან, რომელიც ერთ-ერთმა პირველმა მიიღო პეტრე დიდის მოწვევა, გადასულიყო სანკტ-პეტერბურგში, რათა ესწავლებინა პერსპექტიული მხატვრობა რუს მხატვრებს. სწრაფად იძენს უფლებამოსილებას სასამართლოში. 1716-1720 წლებში სახელმწიფო პენსიით ძმა რომანთან ერთად ოც ადამიანთან ერთად გაგზავნეს სასწავლებლად იტალიაში, ვენეციასა და ფლორენციაში. ის სწავლობდა ისეთ ოსტატებთან, როგორებიც არიან ტომაზო რედი და ი.გ.დანგაუერი. დაბრუნების შემდეგ ის ხდება სასამართლოს მხატვარი. ამრიგად, ნიკიტინს ეკუთვნის მომაკვდავი პეტრე დიდის პორტრეტი. 1732 წელს ძმა რომანთან ერთად, ასევე მხატვარი, დააპატიმრეს ფეოფან პროკოპოვიჩის წინააღმდეგ ცილისწამების გავრცელების საქმეზე. პეტრესა და პავლეს ციხესიმაგრეში ხუთწლიანი წინასწარი პატიმრობის შემდეგ, მას მათრახი სცემეს და სამუდამოდ გადაასახლეს ტობოლსკში. 1741 წელს, ანა იოანოვნას გარდაცვალების შემდეგ, მან მიიღო პეტერბურგში დაბრუნების ნებართვა. 1742 წელს წავიდა და გზაში გარდაიცვალა.
ნიკიტინის მხოლოდ სამი ხელმოწერილი ნამუშევარია, მასთან მიკუთვნებულებთან ერთად, სულ დაახლოებით ათი. ადრეული ნამუშევრები ჯერ კიდევ შეიცავს პარსუნას კვალს, რომელიც მე-17 საუკუნეში რუსეთში პორტრეტის ერთადერთი სტილი იყო. ნიკიტინი არის ერთ-ერთი პირველი (ხშირად უწოდებენ პირველს) რუსი მხატვარი, რომელიც ჩამოშორდა რუსული მხატვრობის ტრადიციულ იკონოგრაფიულ სტილს და დაიწყო პერსპექტიული სურათების დახატვა, როგორც ისინი იმ დროს ევროპაში ხატავდნენ. ამრიგად, ის არის რუსული ტრადიციის ფუძემდებელი
და ა.შ.................
რუსული ხელოვნების ისტორიაში მე-17 საუკუნე იყო ორ ფერწერულ სკოლას შორის ბრძოლისა და ახალი ჟანრების ფორმირების პერიოდი. მართლმადიდებლურ ეკლესიას ჯერ კიდევ დიდი გავლენა ჰქონდა ადამიანის კულტურულ ცხოვრებაზე. მხატვრებსაც ჰქონდათ გარკვეული შეზღუდვები თავიანთ საქმიანობაში.
იკონოგრაფია
გვიან შუა საუკუნეებში რუსეთში მხატვრებისა და ხელოსნების კონცენტრაციის ცენტრი იყო კრემლი, უფრო სწორად, შეიარაღების პალატები. იქ მოღვაწეობდნენ არქიტექტურის, ფერწერისა და სხვა შემოქმედებითი ხელოვნების საუკეთესო ოსტატები.
ევროპის მასშტაბით ხელოვნების სწრაფი განვითარების მიუხედავად, მე-17 საუკუნეში რუსეთში მხატვრობას მხოლოდ ერთი ჟანრი ჰქონდა - ხატწერა. მხატვრები იძულებულნი იყვნენ ექმნათ ეკლესიის ფხიზლად მეთვალყურეობის ქვეშ, რომელიც კატეგორიულად ეწინააღმდეგებოდა ყოველგვარ სიახლეს. რუსული ხატწერა ჩამოყალიბდა ბიზანტიის ფერწერული ტრადიციების გავლენით და იმ დროისთვის აშკარად ჩამოყალიბებული იყო კანონები.
ფერწერა, ისევე როგორც კულტურა რუსეთში მე-17 საუკუნეში, საკმაოდ თვითკმარი იყო და ძალიან ნელა ვითარდებოდა. თუმცა, ერთმა მოვლენამ გამოიწვია ხატწერის ჟანრის სრული რეფორმა. 1547 წელს ხანძრის დროს მოსკოვში მრავალი უძველესი ხატი დაიწვა. საჭირო იყო დაკარგულის აღდგენა. და ამ პროცესში მთავარი დაბრკოლება იყო კამათი წმინდანთა სახეების ბუნებაზე. მოსაზრებები გაიყო, ძველი ტრადიციების მიმდევრები თვლიდნენ, რომ გამოსახულებები სიმბოლური უნდა დარჩეს. მაშინ როცა უფრო თანამედროვე შეხედულებების მხატვრები ემხრობოდნენ წმინდანებსა და მოწამეებს მეტი რეალიზმის მინიჭებას.
დაყოფა ორ სკოლად
შედეგად, მე -17 საუკუნეში რუსეთში მხატვრობა ორ ბანაკად დაიყო. პირველში იყვნენ "გოდუნოვის" სკოლის წარმომადგენლები (ბორის გოდუნოვის სახელით). ისინი ცდილობდნენ ანდრეი რუბლევისა და შუა საუკუნეების სხვა ოსტატების ხატწერის ტრადიციების აღორძინებას.
ეს ოსტატები მუშაობდნენ სამეფო კარის შეკვეთებით და წარმოადგენდნენ ხელოვნების ოფიციალურ მხარეს. ამ სკოლის დამახასიათებელი ნიშნები იყო წმინდანთა კანონიკური სახეები, ხალხის ბრბოს გამარტივებული გამოსახულებები მრავალი თავის სახით, ოქროსფერი, წითელი და ლურჯი-მწვანე ტონებით. ამავდროულად, შესამჩნევია მხატვრების მცდელობები, გადმოსცენ ზოგიერთი საგნის მატერიალურობა. გოდუნოვის სკოლა ყველაზე ცნობილია კედლის მხატვრობით კრემლის პალატებში, სმოლენსკის ტაძარში და სამების საკათედრო ტაძარში.
მოწინააღმდეგე სკოლა იყო სტროგანოვის სკოლა. სახელს უკავშირდება სტროგანოვის ვაჭრები, ვისთვისაც შეკვეთების უმეტესობა გაკეთდა და რომლებიც მოქმედებდნენ როგორც "სპონსორები" მე -17 საუკუნეში რუსეთში მხატვრობის განვითარებაში. სწორედ ამ სკოლის ოსტატების წყალობით დაიწყო ხელოვნების სწრაფი განვითარება. მათ პირველებმა გააკეთეს მინიატურული ხატები სახლის ლოცვებისთვის. ამან ხელი შეუწყო მათ გავრცელებას რიგით მოქალაქეებში.
სტროგანოვის ოსტატები უფრო და უფრო სცილდებოდნენ საეკლესიო კანონებს და დაიწყეს ყურადღების მიქცევა გარემოს დეტალებზე და წმინდანთა გარეგნობაზე. ასე რომ, ლანდშაფტმა ნელ-ნელა დაიწყო განვითარება. მათი ხატები იყო ფერადი და დეკორატიული, ხოლო ბიბლიური პერსონაჟების ინტერპრეტაცია უფრო ახლოს იყო რეალური ადამიანების გამოსახულებებთან. შემორჩენილი ყველაზე ცნობილი ნამუშევრებია ხატები "ნიკეტა მეომარი" და "იოანე ნათლისმცემელი".
იაროსლავის ფრესკები
რუსეთის მე-17 საუკუნის მხატვრობის ისტორიაში უნიკალური ძეგლია იაროსლავის წინასწარმეტყველ ელიას ეკლესიის ფრესკები, რომელზედაც მუშაობდნენ საიარაღო პალატების მხატვრები. ამ ფრესკების თავისებურებაა სცენები რეალური ცხოვრებიდან, რომლებიც ჭარბობს ბიბლიურ სცენებს. მაგალითად, სამკურნალო სცენაში კომპოზიციის ძირითად ნაწილს რთველის დროს გლეხების გამოსახულება უჭირავს. ეს იყო პირველი მონუმენტური გამოსახულება ყოველდღიურ ჟანრში.
ამ ფრესკებს შორის შეგიძლიათ ნახოთ ზღაპრული და მითოლოგიური სცენები. ისინი აოცებენ თავიანთი ნათელი ფერებითა და რთული არქიტექტურით.
სიმონ უშაკოვი
ქვეყნის კულტურული განვითარების ყოველ საფეხურზე ჩნდებიან საკუთარი მნიშვნელოვანი პიროვნებები. ადამიანი, რომელმაც მე-17 საუკუნეში რუსეთში მხატვრობა ახალი მიმართულებით განავითარა და რელიგიური იდეოლოგიისგან მის ნაწილობრივ განთავისუფლებას შეუწყო ხელი, იყო სიმონ უშაკოვი.
ის იყო არა მხოლოდ სასამართლოს მხატვარი, არამედ მეცნიერი, მასწავლებელი, ღვთისმეტყველი და ფართო შეხედულებების ადამიანი. საიმონი გატაცებული იყო დასავლური ხელოვნებით. კერძოდ, მას აინტერესებდა ადამიანის სახის რეალისტური გამოსახვა. ეს აშკარად ჩანს მის ნაშრომში „ხელით არ შექმნილ მაცხოვარში“.
უშაკოვი იყო ნოვატორი. ის იყო პირველი რუსი მხატვარი, რომელმაც ზეთის საღებავი გამოიყენა. მისი წყალობით დაიწყო სპილენძის გრავიურის ხელოვნება განვითარება. ოცდაათი წლის განმავლობაში იყო შეიარაღების მთავარი მხატვარი, მან დახატა მრავალი ხატი, გრავიურა, ასევე რამდენიმე ტრაქტატი. მათ შორის არის „სიტყვა ხატწერის მოყვარულისთვის“, სადაც მან გამოთქვა თავისი აზრი, რომ მხატვარი სარკესავით ჭეშმარიტად უნდა ასახავდეს მის გარშემო არსებულ სამყაროს. იგი ამას იცავდა თავის ნამუშევრებში და ასწავლიდა ამას თავის სტუდენტებს. მისი ჩანაწერები შეიცავს მითითებებს ანატომიური ატლასის შესახებ, რომლის დაწერა და გრავიურებით ილუსტრაცია სურდა. მაგრამ, როგორც ჩანს, არ გამოქვეყნებულა ან არ შემორჩენილა. ოსტატის მთავარი დამსახურებაა ის, რომ მან საფუძველი ჩაუყარა პორტრეტს მე-17 საუკუნეში რუსეთში.
ფარსუნა
ხატწერის მნიშვნელოვანი გარდაქმნების შემდეგ პორტრეტის ჟანრმა ჩამოყალიბება დაიწყო. თავდაპირველად იგი ხატწერის სტილში იყო შესრულებული და ეწოდა "პარსუნა" (ლათინურიდან - პიროვნება, პიროვნება). მხატვრები სულ უფრო მეტად მუშაობენ ცოცხალ ბუნებასთან, პარსუნები კი უფრო რეალისტები ხდებიან, მათი სახეები მოცულობას იძენს.
ამ სტილში იყო დახატული ბორის გოდუნოვის, ცარების ალექსეი მიხაილოვიჩის, ფიოდორ ალექსეევიჩის, ცარინას ევდოკია ლოპუხინას, პრასკოვია სალტიკოვას პორტრეტები.
ცნობილია, რომ სასამართლოში უცხოელი მხატვრებიც მუშაობდნენ. მათ ასევე მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანეს რუსული მხატვრობის ევოლუციაში.
წიგნის გრაფიკა
ბეჭდვაც საკმაოდ გვიან მოვიდა რუსულ მიწებზე. თუმცა მისი განვითარების პარალელურად პოპულარობა მოიპოვა გრავიურებმაც, რომლებიც ილუსტრაციად გამოიყენებოდა. გამოსახულებები რელიგიური და ყოველდღიური ხასიათის იყო. იმ პერიოდის წიგნის მინიატურები გამოირჩევა რთული ორნამენტებით, დეკორატიული საწყისი ასოებით, ასევე არის პორტრეტული გამოსახულებები. წიგნის მინიატურების განვითარებაში დიდი წვლილი შეიტანეს სტროგანოვის სკოლის ოსტატებმა.
მე -17 საუკუნეში რუსეთში მხატვრობა უაღრესად სულიერიდან უფრო ამქვეყნიური და ხალხთან უფრო ახლოს გახდა. ეკლესიის წინამძღოლების წინააღმდეგობის მიუხედავად, მხატვრები იცავდნენ რეალიზმის ჟანრში შემოქმედების უფლებას.
ერთ-ერთი დომინანტური სტილია ბაროკო: ეს არის კაშკაშა, იმპულსური სტილი, რომელიც გამოიხატება პომპეზურობითა და სიჭარბით. მიქელანჯელო და კარავაჯო შეიძლება ჩაითვალოს იტალიაში წარმოშობილი ბაროკოს ფუძემდებლად.
საეკლესიო ბაროკოს პირველი და ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენელი იყო მხატვარი, რომელიც ცნობილია როგორც ელ გრეკო. დე სილვა ველასკესის ნამუშევარი ითვლება ბაროკოს ოქროს ხანის ესპანური ხელოვნების მწვერვალად.
მე-17 საუკუნის ფლამანდური მხატვრობის უდიდესი წარმომადგენლები არიან პიტერ რუბენსი და რემბრანდტი.
მე-18 საუკუნის დასაწყისში ახალმა სტილმა, როკოკომ, წამყვანი პოზიცია დაიკავა. ამ ტენდენციის სახელი მომდინარეობს ფრანგული სიტყვიდან, რაც ნიშნავს "ქვებისა და ჭურვების ნიმუშს". ახალი მიმართულების დამახასიათებელი თვისება იყო რეალური ცხოვრებიდან წარმოსახვით სამყაროში გადასვლა, რაც ნათლად გამოიხატა სტილის საუკეთესო წარმომადგენლების შემოქმედებაში.
ფრანგული როკოკოს პირველი პერიოდის ერთ-ერთი წარმომადგენელია ანტუან ვატო, ფრანსუა ბუშე, ნიკოლა ლანკრე. პორტრეტის ჟანრი განვითარდა ჟან ნატიეს შემოქმედებაში.
იტალიურ როკოკოში სტილის გამოჩენილი წარმომადგენლები იყვნენ ჯოვანი ტიეპოლო, ფრანჩესკო გვარდი, პიეტრო ლონგი.
XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში ფერწერაში მსუბუქი, დახვეწილი როკოკოს სტილი ჩაანაცვლა კლასიციზმმა თავისი ღრმა შინაარსითა და იდეალური სტანდარტის სურვილით. მე-18 საუკუნის შუა პერიოდის ფრანგული კლასიციზმის წარმომადგენლები არიან ჟოზეფ მარი ვიენი და ჟაკ ლუი დავიდი. გერმანული კლასიციზმის წარმომადგენლები არიან ანტონ მენგსი, ანტონ გრაფი, ფრანც მაულბერხი.
