ნახატები და ნახატები შიშველ სტილში. ვალდემარ კაზაკის ილუსტრაციები

.
ეს მხატვარი, რომელმაც 1994 წელს დაამთავრა ტვერის სამხატვრო სკოლა გრაფიკული დიზაინის განხრით, აოცებს წარმოსახვას თავისი არაჩვეულებრივი სტილით და ულამაზესი კომპოზიციებით.

ის არის მართლაც უნიკალური ილუსტრაციების შემქმნელი რეტრო შეხებით. ვალდემარ კაზაკი იუმორის გრძნობის მქონე მხატვარია, მას განსაკუთრებული ხედვა აქვს ყოველდღიურობაზე, იცის ყოველდღიურობაზე სიცილი და ხშირად დასცინის საბავშვო ზღაპრების, პოლიტიკოსებისა და თანამედროვე ახალგაზრდების მნიშვნელობას.

თანამედროვე ილუსტრატორი მუშაობს ყოველდღიურ ჟანრში კარიკატურაზე აქცენტით. კაზაკის ნაწარმოებების გმირები ძნელია არ შეამჩნიო და არ დაიმახსოვრო. ყველა მათგანი ძალიან ფერადი, ექსპრესიული და ნათელია.

მისი განსაცვიფრებელი კომპოზიციები სავსეა ომისშემდგომი ესთეტიკის სტილით, რომელიც თავისთავად მოვიდა მეოცე საუკუნის 50-იან წლებში; რეტრო ბზინვარება გამოიხატება სიტყვასიტყვით ყველაფერში: სურათის საგნის არჩევიდან დაწყებული ფერების არჩევამდე.

აი რას ამბობს თავად ვალდემარ კაზაკი მის სტილზე:

როგორც ნებისმიერ ადამიანს (ან მხატვარს), მეც ჩემი ხელწერა მაქვს. მაგრამ მე არ ვზრუნავ მას, რადგან მეშინია მანერიზმებში ჩავარდნა. გარდა ამისა, ნათელი ინდივიდუალური დამწერლობა მოთხოვნადია ბაზარზე. დიახ, სინამდვილეში, ეს უკვე ყველამ იცის.

განსაცვიფრებლად კაშკაშა, ამაღელვებელი, თვალისმომჭრელი ხელოვნების ნახატები Waldemar Kazak-ის რეტრო სტილში არავის დატოვებს გულგრილს!

გაჩნდა მხატვრობის ჟანრები, მოიპოვეს პოპულარობა, გაქრა, გაჩნდა ახლები და ქვეტიპების გარჩევა უკვე არსებულში დაიწყო. ეს პროცესი არ შეჩერდება მანამ, სანამ ადამიანი არსებობს და ცდილობს დაიპყროს მის გარშემო არსებული სამყარო, იქნება ეს ბუნება, შენობები თუ სხვა ადამიანები.

ადრე (XIX საუკუნემდე) იყო ფერწერის ჟანრების დაყოფა ეგრეთ წოდებულ „მაღალ“ ჟანრებად (ფრანგული გრანდიოზული ჟანრი) და „დაბალ“ ჟანრებად (ფრანგული პეტი ჟანრი). ეს დაყოფა წარმოიშვა მე-17 საუკუნეში. და ეფუძნებოდა თუ რა საგანი და სიუჟეტი იყო გამოსახული. ამ მხრივ მაღალ ჟანრებში შედიოდა: საბრძოლო, ალეგორიული, რელიგიური და მითოლოგიური, ხოლო დაბალი ჟანრები მოიცავდა პორტრეტს, პეიზაჟს, ნატურმორტის, ანიმალიზმს.

ჟანრებად დაყოფა საკმაოდ თვითნებურია, რადგან ნახატში ერთდროულად შეიძლება იყოს ორი ან მეტი ჟანრის ელემენტები.

ანიმალიზმი, ან ცხოველური ჟანრი

ანიმალიზმი, ან ანიმალისტური ჟანრი (ლათინური ცხოველიდან - ცხოველი) არის ჟანრი, რომელშიც მთავარი მოტივი ცხოველის გამოსახულებაა. შეიძლება ითქვას, რომ ეს არის ერთ-ერთი უძველესი ჟანრი, რადგან... ფრინველებისა და ცხოველების ნახატები და ფიგურები იყო პირველყოფილი ადამიანების ცხოვრებაში. მაგალითად, ცნობილ ნახატში I.I. შიშკინის "დილა ფიჭვნარში", ბუნებას თავად მხატვარი ასახავს, ​​დათვებს კი სრულიად განსხვავებული მხატვარი, რომელიც სპეციალიზირებულია ცხოველების გამოსახატავად.

ი.ი. შიშკინი "დილა ფიჭვნარში"

როგორ შეიძლება განვასხვავოთ ქვესახეობა? ჰიპური ჟანრი(ბერძნული ჰიპოპოსებიდან - ცხენი) - ჟანრი, რომელშიც სურათის ცენტრი არის ცხენის გამოსახულება.

არა. სვერჩკოვი "ცხენი თავლაში"

პორტრეტი

პორტრეტი (ფრანგული სიტყვიდან პორტრეტი) არის სურათი, რომელშიც ცენტრალური გამოსახულება არის პიროვნების ან ადამიანთა ჯგუფის. პორტრეტი გადმოსცემს არა მხოლოდ გარეგნულ მსგავსებას, არამედ ასახავს შინაგან სამყაროს და გადმოსცემს მხატვრის გრძნობებს იმ ადამიანის მიმართ, რომლის პორტრეტს ხატავს.

ი.ე. რეპინი ნიკოლოზ II-ის პორტრეტი

პორტრეტის ჟანრი იყოფა ინდივიდუალური(ერთი ადამიანის სურათი), ჯგუფი(რამდენიმე ადამიანის გამოსახულება), გამოსახულების ბუნებით - წინა კარამდე, როდესაც ადამიანი გამოსახულია სრულ ზრდაში გამოჩენილ არქიტექტურულ ან ლანდშაფტურ ფონზე და პალატა, როცა ადამიანი ნეიტრალურ ფონზე მკერდის ან წელის სიღრმეშია გამოსახული. პორტრეტების ჯგუფი, რომელიც გაერთიანებულია ზოგიერთი მახასიათებლით, ქმნის ანსამბლს ან პორტრეტების გალერეას. ამის მაგალითი იქნება სამეფო ოჯახის წევრების პორტრეტები.

ცალკე გამოირჩევა ავტოპორტრეტი, რომელშიც მხატვარი საკუთარ თავს ასახავს.

კ. ბრაილოვის ავტოპორტრეტი

პორტრეტი ერთ-ერთი უძველესი ჟანრია - პირველი პორტრეტები (სკულპტურული) უკვე იყო ძველ ეგვიპტეში. ასეთი პორტრეტი მოქმედებდა, როგორც შემდგომი ცხოვრების შესახებ კულტის ნაწილი და იყო პიროვნების "ორმაგი".

Პეიზაჟები

პეიზაჟი (ფრანგულიდან paysage - ქვეყანა, ტერიტორია) არის ჟანრი, რომელშიც ცენტრალური გამოსახულებაა ბუნების გამოსახულება - მდინარეები, ტყეები, მინდვრები, ზღვა, მთები. ლანდშაფტში მთავარი, რა თქმა უნდა, ნაკვეთია, მაგრამ არანაკლებ მნიშვნელოვანია მიმდებარე ბუნების მოძრაობისა და ცხოვრების გადმოცემა. ერთი მხრივ, ბუნება მშვენიერია და აღფრთოვანებას იწვევს, მეორე მხრივ კი ამის სურათზე ასახვა საკმაოდ რთულია.

C. Monet "ყაყაჩოს ველი არჟენტეილში"

ლანდშაფტის ქვესახეობაა ზღვის პეიზაჟი ან მარინა(ფრანგულიდან marine, იტალიური marina, ლათინურიდან marinus - ზღვა) - საზღვაო ბრძოლის, ზღვის ან ზღვაზე განვითარებული სხვა მოვლენების გამოსახულება. საზღვაო მხატვრების თვალსაჩინო წარმომადგენელია კ.ა. აივაზოვსკი. აღსანიშნავია, რომ მხატვარმა ამ ნახატის მრავალი დეტალი მეხსიერებით დაწერა.

ი.ი. აივაზოვსკი "მეცხრე ტალღა"

თუმცა, მხატვრები ხშირად ცდილობენ დახატონ ზღვა ცხოვრებიდან, მაგალითად, W. Turner მისი ნახატისთვის „Blizzard. ორთქლმავალი ნავსადგურის შესასვლელთან იძლევა უბედურების სიგნალს არაღრმა წყალში მოხვედრის შემდეგ,“ გაატარა 4 საათი მიბმული გემის კაპიტნის ხიდზე, რომელიც ქარიშხალში მცურავდა.

W. Turner “Blizzard. ნავსადგურის შესასვლელში ორთქლმავალი არაღრმა წყალში მოხვედრის შემდეგ გადის უბედურების სიგნალს.

წყლის ელემენტი ასევე გამოსახულია მდინარის ლანდშაფტში.

ცალკე გამოყოფენ ქალაქის პეიზაჟი, რომელშიც გამოსახულების მთავარი თემაა ქალაქის ქუჩები და შენობები. ურბანული ლანდშაფტის ტიპია ვედუტა– ქალაქის ლანდშაფტის გამოსახულება პანორამის სახით, სადაც რა თქმა უნდა შენარჩუნებულია მასშტაბები და პროპორციები.

A. Canaletto “Piazza San Marco”

არსებობს სხვა ტიპის ლანდშაფტი - სოფლის, სამრეწველო და არქიტექტურული. არქიტექტურულ ფერწერაში მთავარი თემა არქიტექტურული ლანდშაფტის გამოსახულებაა, ე.ი. შენობები, ნაგებობები; მოიცავს ინტერიერის სურათებს (შენობის ინტერიერის გაფორმება). ხანდახან ინტერიერიცალკე ჟანრად გამოიყოფა (ფრანგული intérieur - შიდა). არქიტექტურულ მხატვრობაში კიდევ ერთი ჟანრი გამოირჩევა - კაპრიჩო(იტალიური კაპრიციოდან, ახირება, ახირება) - არქიტექტურული ფანტასტიკური პეიზაჟი.

Ჯერ კიდევ ცოცხალი

ნატურმორტი (ფრანგული ბუნებიდან morte - მკვდარი ბუნება) არის ჟანრი, რომელიც ეძღვნება უსულო საგნების გამოსახვას, რომლებიც მოთავსებულია საერთო გარემოში და ქმნიან ჯგუფს. ნატურმორტი მე-15-16 საუკუნეებში გაჩნდა, მაგრამ როგორც ცალკე ჟანრი გაჩნდა მე-17 საუკუნეში.

იმისდა მიუხედავად, რომ სიტყვა "ნატურმორტი" ითარგმნება როგორც მკვდარი ბუნება, ნახატებში არის ყვავილების, ხილის, თევზის, თამაშის, კერძების თაიგულები - ყველაფერი "ცოცხალს" ჰგავს, ე.ი. როგორც ნამდვილი. გამოჩენის მომენტიდან დღემდე ნატურმორტი მხატვრობაში მნიშვნელოვანი ჟანრია.

კ. მონე "ვაზა ყვავილებით"

როგორც ცალკე ქვესახეობა შეგვიძლია გამოვყოთ ვანიტასი(ლათინური Vanitas - ამაოება, ამაოება) არის ფერწერის ჟანრი, რომელშიც სურათზე ცენტრალური ადგილი უკავია ადამიანის თავის ქალას, რომლის გამოსახულებაც გამიზნულია ადამიანის ცხოვრების ამაოებისა და სისუსტის შეხსენებაზე.

ფ. დე შამპანის ნახატში წარმოდგენილია არსებობის სისუსტის სამი სიმბოლო - სიცოცხლე, სიკვდილი, დრო ტიტების, თავის ქალას, ქვიშის საათის გამოსახულებების მეშვეობით.

ისტორიული ჟანრი

ისტორიული ჟანრი არის ჟანრი, რომელშიც ნახატები ასახავს წარსულის ან აწმყოს მნიშვნელოვან მოვლენებს და სოციალურად მნიშვნელოვან მოვლენებს. აღსანიშნავია, რომ სურათი შეიძლება მიეძღვნა არა მხოლოდ რეალურ მოვლენებს, არამედ მითოლოგიის მოვლენებს ან, მაგალითად, ბიბლიაში აღწერილი. ეს ჟანრი ძალიან მნიშვნელოვანია ისტორიისთვის, როგორც ცალკეული ხალხებისა და სახელმწიფოების ისტორიისთვის, ასევე მთლიანად კაცობრიობისთვის. ფერწერაში ისტორიული ჟანრი განუყოფელია სხვა ტიპის ჟანრებისგან - პორტრეტი, პეიზაჟი, საბრძოლო ჟანრი.

ი.ე. რეპინი "კაზაკები წერენ წერილს თურქეთის სულთანს" კ. ბრაილოვი "პომპეის ბოლო დღე"

საბრძოლო ჟანრი

საბრძოლო ჟანრი (ფრანგულიდან bataille - ბრძოლა) არის ჟანრი, რომელშიც ნახატები ასახავს ბრძოლის კულმინაციას, სამხედრო ოპერაციებს, გამარჯვების მომენტს, სცენებს სამხედრო ცხოვრებიდან. საბრძოლო მხატვრობას ახასიათებს სურათზე დიდი რაოდენობის ხალხის გამოსახვა.

ᲐᲐ. დეინეკა "სევასტოპოლის დაცვა"

რელიგიური ჟანრი

რელიგიური ჟანრი არის ჟანრი, რომელშიც ნახატებში მთავარი სიუჟეტი არის ბიბლიური (სცენები ბიბლიიდან და სახარებიდან). თემა ეხება რელიგიურ და ხატწერას, მათ შორის განსხვავება ისაა, რომ რელიგიური შინაარსის მხატვრობა არ მონაწილეობს ღვთისმსახურებაში და ხატისთვის ეს არის მთავარი მიზანი. იკონოგრაფიაბერძნულიდან თარგმნა. ნიშნავს "ლოცვის სურათს". ეს ჟანრი შემოიფარგლებოდა მხატვრობის მკაცრი ჩარჩოებითა და კანონებით, რადგან მიზნად ისახავს არა რეალობის ასახვას, არამედ ღვთის პრინციპის იდეის გადმოცემას, რომელშიც მხატვრები ეძებენ იდეალს. რუსეთში ხატწერის პიკს XII-XVI საუკუნეებში აღწევს. ხატმწერთა ყველაზე ცნობილი სახელებია თეოფანე ბერძენი (ფრესკები), ანდრეი რუბლევი, დიონისე.

ა. რუბლევი "სამება"

როგორ გამოირჩევა გარდამავალი ეტაპი ხატწერიდან პორტრეტამდე ფარსუნა(ლათინური პერსონადან დამახინჯებულია - პირი, პირი).

ივანე მრისხანე პარსუნი. ავტორი უცნობია

ყოველდღიური ჟანრი

ნახატებზე ასახულია ყოველდღიური ცხოვრების სცენები. ხშირად მხატვარი წერს ცხოვრების იმ მომენტებზე, რომელთა თანამედროვეა ის. ამ ჟანრის გამორჩეული ნიშნებია ნახატების რეალიზმი და სიუჟეტის სიმარტივე. სურათს შეუძლია ასახოს კონკრეტული ხალხის ადათ-წესები, ტრადიციები და ყოველდღიური ცხოვრების სტრუქტურა.

საყოფაცხოვრებო მხატვრობა მოიცავს ისეთ ცნობილ ნახატებს, როგორებიცაა ი. რეპინის „ბარგები ვოლგაზე“, ვ. პეროვის „ტროიკა“, ვ. პუკირევის „არათანაბარი ქორწინება“.

ი. რეპინი "ბარგის მატარებლები ვოლგაზე"

ეპიკურ-მითოლოგიური ჟანრი

ეპიკურ-მითოლოგიური ჟანრი. სიტყვა მითი მომდინარეობს ბერძნულიდან. "mythos", რაც ტრადიციას ნიშნავს. ნახატებზე ასახულია ლეგენდების, ეპოსის, ტრადიციების, ძველი ბერძნული მითების, უძველესი ზღაპრების, ფოლკლორის ნაწარმოებების სიუჟეტები.

პ.ვერონეზე "აპოლონი და მარსიასი"

ალეგორიული ჟანრი

ალეგორიული ჟანრი (ბერძნულიდან ალეგორია - ალეგორია). ნახატები ისეა დახატული, რომ მათ ფარული მნიშვნელობა აქვთ. არაარსებითი იდეები და ცნებები, თვალისთვის უხილავი (ძალა, სიკეთე, ბოროტება, სიყვარული), გადმოცემულია ცხოველების, ადამიანების და სხვა ცოცხალი არსებების გამოსახულებებით ისეთი თანდაყოლილი მახასიათებლებით, რომლებსაც სიმბოლიზმი უკვე აქვს ჩადებული ადამიანების გონებაში და ეხმარება. გააცნობიეროს ნაწარმოების ზოგადი მნიშვნელობა.

ლ. ჯორდანო „სიყვარული და მანკიერებები ართმევს სამართლიანობას“

პასტორალი (ფრანგული pastorale - პასტორალური, სოფლიდან)

ფერწერის ჟანრი, რომელიც განადიდებს და პოეტურობას უწევს მარტივ და მშვიდ სოფლის ცხოვრებას.

F. Boucher "შემოდგომის პასტორალი"

კარიკატურა (იტალიური caricare-დან - გაზვიადება)

ჟანრი, რომელშიც გამოსახულების შექმნისას კომიკური ეფექტი მიზანმიმართულად გამოიყენება გაზვიადებული და მკვეთრი თვისებების, ქცევის, ტანსაცმლის და ა.შ. კარიკატურის მიზანია შეურაცხყოფა, განსხვავებით, მაგალითად, კარიკატურისგან (ფრანგული ბრალდებით) , რომლის მიზანი უბრალოდ დაცინვაა. ტერმინ „კარიკატურასთან“ მჭიდრო კავშირშია ისეთი ცნებები, როგორიცაა პოპულარული ბეჭდვითი და გროტესკი.

შიშველი (ფრანგულიდან nu - შიშველი, შიშველი)

ჟანრი, რომელშიც ნახატები შიშველი ადამიანის სხეულს ასახავს, ​​ყველაზე ხშირად ქალია.

ტიციან ვეჩელიო "ურბინოს ვენერა"

მოტყუება, ან trompe l'oeil (ფრანგულიდან. trompe-l'œil -ოპტიკური ილუზია)

ჟანრი, რომლის დამახასიათებელი ნიშნებია სპეციალური ტექნიკა, რომელიც ქმნის ოპტიკურ ილუზიას და საშუალებას იძლევა წაშალოს ზღვარი რეალობასა და გამოსახულებას შორის, ე.ი. მცდარი შთაბეჭდილება, რომ ობიექტი სამგანზომილებიანია, როდესაც ის ორგანზომილებიანია. ხან ბლენდი ნატურმორტის ქვეტიპად გამოიყოფა, მაგრამ ხანდახან ამ ჟანრში ადამიანებიც არიან გამოსახული.

პერ ბორელ დელ კასო "კრიტიკისგან გაქცევა"

სატყუარების აღქმის დასასრულებლად მიზანშეწონილია მათი ორიგინალში განხილვა, რადგან რეპროდუქციას არ შეუძლია სრულად გადმოსცეს ის ეფექტი, რომელიც მხატვარს ასახავდა.

ჯაკოპო დე ბარბერი "პარტრიჯი და რკინის ხელთათმანები"

თემატური სურათი

ფერწერის ტრადიციული ჟანრების ნაზავი (საშინაო, ისტორიული, საბრძოლო, პეიზაჟი და ა.შ.). სხვაგვარად, ამ ჟანრს ფიგურულ კომპოზიციას უწოდებენ, მისი დამახასიათებელი ნიშნებია: მთავარ როლს ასრულებს ადამიანი, მოქმედების არსებობა და სოციალურად მნიშვნელოვანი იდეის არსებობა, ურთიერთობები (ინტერესების/პერსონაჟების კონფლიქტი) და ფსიქოლოგიური აქცენტები აუცილებელია. .

ვ.სურიკოვი „ბოარინა მოროზოვა“

თუ ფიქრობთ, რომ ყველა დიდი ხელოვანი წარსულშია, მაშინ წარმოდგენაც არ გაქვთ, რამდენად ცდებით. ამ სტატიაში გაეცნობით ჩვენი დროის ყველაზე ცნობილ და ნიჭიერ მხატვრებს. და, დამიჯერეთ, მათი ნამუშევრები თქვენს მეხსიერებაში არანაკლებ ღრმად დარჩება, ვიდრე წარსული ეპოქის მაესტროების ნამუშევრები.

ვოიცეჩ ბაბსკი

ვოიცეხ ბაბსკი თანამედროვე პოლონელი მხატვარია. მან სწავლა დაასრულა სილეზიის პოლიტექნიკურ ინსტიტუტში, მაგრამ დაუკავშირდა საკუთარ თავს. ბოლო დროს ძირითადად ქალებს ხატავს. ფოკუსირებულია ემოციების გამოხატვაზე, ცდილობს მიიღოს მაქსიმალური ეფექტი მარტივი საშუალებების გამოყენებით.

უყვარს ფერი, მაგრამ ხშირად იყენებს შავი და ნაცრისფერი ჩრდილებს საუკეთესო შთაბეჭდილების მისაღწევად. არ ეშინია ექსპერიმენტების გაკეთება სხვადასხვა ახალი ტექნიკით. ბოლო დროს ის სულ უფრო მეტ პოპულარობას იძენს საზღვარგარეთ, ძირითადად დიდ ბრიტანეთში, სადაც წარმატებით ყიდის თავის ნამუშევრებს, რომლებიც უკვე ბევრ კერძო კოლექციაშია ნაპოვნი. გარდა ხელოვნებისა, იგი დაინტერესებულია კოსმოლოგიით და ფილოსოფიით. უსმენს ჯაზს. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს კატოვიცეში.

უორენ ჩანგი

უორენ ჩანგი თანამედროვე ამერიკელი მხატვარია. დაიბადა 1957 წელს და გაიზარდა მონტერეიში, კალიფორნია, წარჩინებით დაამთავრა ხელოვნების ცენტრის დიზაინის კოლეჯი პასადენაში 1981 წელს, სადაც მიიღო BFA. მომდევნო ორი ათწლეულის განმავლობაში ის მუშაობდა ილუსტრატორად სხვადასხვა კომპანიებში კალიფორნიასა და ნიუ-იორკში, სანამ 2009 წელს პროფესიონალი მხატვრის კარიერას შეუდგა.

მისი რეალისტური ნახატები შეიძლება დაიყოს ორ ძირითად კატეგორიად: ბიოგრაფიული ინტერიერის ნახატები და ნახატები, რომლებიც ასახავს ადამიანებს სამუშაოზე. მისი ინტერესი ამ სტილის მხატვრობისადმი თარიღდება მე-16 საუკუნის მხატვრის იოჰანეს ვერმეერის შემოქმედებით და ვრცელდება საგნებზე, ავტოპორტრეტებზე, ოჯახის წევრების, მეგობრების, სტუდენტების, სტუდიის ინტერიერებზე, კლასებსა და სახლებზე. მისი მიზანია შექმნას განწყობა და ემოცია თავის რეალისტურ ნახატებში სინათლის მანიპულირებისა და მდუმარე ფერების გამოყენებით.

ჩანგი ცნობილი გახდა ტრადიციულ სახვით ხელოვნებაზე გადასვლის შემდეგ. ბოლო 12 წლის განმავლობაში მან მოიპოვა მრავალი ჯილდო და ჯილდო, რომელთაგან ყველაზე პრესტიჟული არის ნავთობის მხატვრობის უმსხვილესი საზოგადოება ამერიკის შეერთებული შტატების ნავთობის მხატვრობის უმსხვილესი საზოგადოების ოსტატის ხელმოწერა. ამ ჯილდოს მიღების შესაძლებლობა 50-დან მხოლოდ ერთ ადამიანს ეძლევა. უორენი ამჟამად ცხოვრობს მონტერეიში და მუშაობს თავის სტუდიაში, ასევე ასწავლის (ცნობილია როგორც ნიჭიერი მასწავლებელი) სან-ფრანცისკოს ხელოვნების აკადემიაში.

აურელიო ბრუნი

აურელიო ბრუნი იტალიელი მხატვარია. დაიბადა ბლერში, 1955 წლის 15 ოქტომბერს. სპოლეტოს ხელოვნების ინსტიტუტის სცენოგრაფიის დიპლომი მიიღო. როგორც ხელოვანი, თვითნასწავლია, რადგან სკოლაში ჩადებულ საძირკველზე დამოუკიდებლად „აშენდა ცოდნის სახლი“. ზეთში ხატვა 19 წლის ასაკში დაიწყო. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს უმბრიაში.

ბრუნის ადრეული ნახატები საფუძვლად უდევს სიურეალიზმს, მაგრამ დროთა განმავლობაში ის იწყებს ფოკუსირებას ლირიკული რომანტიზმისა და სიმბოლიზმის სიახლოვეზე, აძლიერებს ამ კომბინაციას მისი პერსონაჟების დახვეწილობითა და სიწმინდით. ანიმაციური და უსულო საგნები თანაბარ ღირსებას იძენენ და თითქმის ჰიპერრეალისტურად გამოიყურებიან, მაგრამ ამავე დროს ისინი არ იმალებიან ფარდის მიღმა, არამედ საშუალებას გაძლევთ დაინახოთ თქვენი სულის არსი. მრავალმხრივობა და დახვეწილობა, სენსუალურობა და მარტოობა, გააზრებულობა და ნაყოფიერება არის აურელიო ბრუნის სული, რომელიც საზრდოობს ხელოვნების ბრწყინვალებით და მუსიკის ჰარმონიით.

ალექსანდრე ბალოსი

ალკასანდერ ბალოსი თანამედროვე პოლონელი მხატვარია, რომელიც სპეციალიზირებულია ზეთის ფერწერაში. დაიბადა 1970 წელს პოლონეთში, გლივიცეში, მაგრამ 1989 წლიდან ცხოვრობს და მუშაობს აშშ-ში, შასტაში, კალიფორნია.

ბავშვობაში სწავლობდა ხელოვნებას მამის ჯანის, თვითნასწავლი მხატვრისა და მოქანდაკის ხელმძღვანელობით, ამიტომ ადრეული ასაკიდანვე მხატვრულმა საქმიანობამ ორივე მშობლის სრული მხარდაჭერა მიიღო. 1989 წელს, თვრამეტი წლის ასაკში, ბალოსმა დატოვა პოლონეთი შეერთებულ შტატებში, სადაც მისმა სკოლის მასწავლებელმა და ნახევარ განაკვეთზე მხატვარმა კეტი გაგლიარდიმ წაახალისა ალკასანდერი სამხატვრო სკოლაში ჩარიცხვაზე. შემდეგ ბალოსმა მიიღო სრული სტიპენდია მილუოკის უნივერსიტეტში, ვისკონსინი, სადაც სწავლობდა ფერწერას ფილოსოფიის პროფესორ ჰარი როსინთან.

1995 წელს ბაკალავრიატის დამთავრების შემდეგ, ბალოსი საცხოვრებლად ჩიკაგოში გადავიდა სასწავლებლად სახვითი ხელოვნების სკოლაში, რომლის მეთოდები ეფუძნება ჟაკ-ლუი დავითის ნაშრომებს. ფიგურული რეალიზმი და პორტრეტი ქმნიდნენ ბალოსის ნამუშევრებს 90-იან და 2000-იანი წლების დასაწყისში. დღეს ბალოსი იყენებს ადამიანის ფიგურას ადამიანის არსებობის თავისებურებებისა და ნაკლოვანებების ხაზგასასმელად, ყოველგვარი გადაწყვეტის შეთავაზების გარეშე.

მისი ნახატების სუბიექტური კომპოზიციები მიზნად ისახავს დამთვალიერებლის მიერ დამოუკიდებლად ინტერპრეტაციას, მხოლოდ ამის შემდეგ შეიძენს ნახატები ნამდვილ დროებით და სუბიექტურ მნიშვნელობას. 2005 წელს მხატვარი გადავიდა ჩრდილოეთ კალიფორნიაში, მას შემდეგ მისი ნამუშევრების თემა მნიშვნელოვნად გაფართოვდა და ახლა მოიცავს ფერწერის უფრო თავისუფალ მეთოდებს, მათ შორის აბსტრაქციას და სხვადასხვა მულტიმედიას, რაც ხელს უწყობს იდეებისა და არსებობის იდეალების გამოხატვას ფერწერის საშუალებით.

ალისა მონკსი

ალისა მონკსი თანამედროვე ამერიკელი მხატვარია. დაიბადა 1977 წელს, რიჯვუდში, ნიუ ჯერსიში. მხატვრობით დაინტერესება ჯერ კიდევ ბავშვობიდან დავიწყე. სწავლობდა ნიუ-იორკის The New School-ში და მონტკლერის სახელმწიფო უნივერსიტეტში და დაამთავრა ბოსტონის კოლეჯი 1999 წელს ბაკალავრის ხარისხით. პარალელურად სწავლობდა მხატვრობას ფლორენციის ლორენცო დე მედიჩის აკადემიაში.

შემდეგ სწავლა განაგრძო ნიუ-იორკის ხელოვნების აკადემიის სამაგისტრო პროგრამაზე, ფიგურული ხელოვნების ფაკულტეტზე, რომელიც დაამთავრა 2001 წელს. დაამთავრა ფულერტონის კოლეჯი 2006 წელს. გარკვეული პერიოდის განმავლობაში იგი კითხულობდა ლექციებს უნივერსიტეტებსა და საგანმანათლებლო დაწესებულებებში მთელი ქვეყნის მასშტაბით, ასწავლიდა მხატვრობას ნიუ-იორკის ხელოვნების აკადემიაში, ასევე მონკლერის სახელმწიფო უნივერსიტეტში და ლაიმის ხელოვნების აკადემიაში.

„ფილტრების გამოყენებით, როგორიცაა მინა, ვინილი, წყალი და ორთქლი, მე ვამახინჯებ ადამიანის სხეულს. ეს ფილტრები საშუალებას გაძლევთ შექმნათ აბსტრაქტული დიზაინის დიდი უბნები, ფერების კუნძულებით, რომლებიც თვალშისაცემია - ადამიანის სხეულის ნაწილები.

ჩემი ნახატები ცვლის თანამედროვე შეხედულებას ბანაობის ქალების უკვე ჩამოყალიბებულ, ტრადიციულ პოზებსა და ჟესტებზე. მათ შეეძლოთ ყურადღებიანი მაყურებლისთვის ბევრი რამ ეთქვათ ისეთი ერთი შეხედვით ცხადი რაღაცეების შესახებ, როგორიცაა ცურვის, ცეკვის და ა.შ. ჩემი გმირები თავს იჭერენ შხაპის ფანჯრის მინაზე, ამახინჯებენ საკუთარ სხეულებს და ხვდებიან, რომ ამით გავლენას ახდენენ შიშველ ქალზე ყბადაღებული მამაკაცის მზერაზე. საღებავის სქელი ფენები ურევენ, რათა შორიდან მიბაძონ შუშის, ორთქლის, წყლისა და ხორცის. თუმცა, ახლოდან აშკარა ხდება ზეთის საღებავის საოცარი ფიზიკური თვისებები. საღებავისა და ფერის ფენების ექსპერიმენტებით, ვპოულობ ისეთ წერტილს, სადაც აბსტრაქტული ფუნჯის შტრიხები სხვა რამე ხდება.

როდესაც პირველად დავიწყე ადამიანის სხეულის ხატვა, მაშინვე მოვიხიბლე და შეპყრობილიც კი ვიყავი მისით და მჯეროდა, რომ ჩემი ნახატები მაქსიმალურად რეალისტური უნდა გამეხადა. რეალიზმს „ვაჟღერებდი“ მანამ, სანამ მან არ დაიწყო თავის თავში წინააღმდეგობების ამოხსნა და გამოვლენა. მე ახლა ვიკვლევ მხატვრობის სტილის შესაძლებლობებსა და პოტენციალს, სადაც რეპრეზენტაციული ფერწერა და აბსტრაქცია ერთმანეთს ხვდება - თუ ორივე სტილს შეუძლია თანაარსებობა დროის ერთსა და იმავე მომენტში, მე ამას გავაკეთებ.

ანტონიო ფინელი

იტალიელი მხატვარი - " Time Observer” – ანტონიო ფინელი დაიბადა 1985 წლის 23 თებერვალს. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს იტალიაში რომსა და კამპობასოს შორის. მისი ნამუშევრები გამოიფინა რამდენიმე გალერეაში იტალიაში და მის ფარგლებს გარეთ: რომში, ფლორენციაში, ნოვარაში, გენუაში, პალერმოში, სტამბოლში, ანკარაში, ნიუ-იორკში და ასევე შეგიძლიათ იხილოთ კერძო და საჯარო კოლექციებში.

ფანქრის ნახატები" Time Observer„ანტონიო ფინელი მარადიულ მოგზაურობაში მიგვიყვანს ადამიანის დროებითობის შინაგან სამყაროში და ამ სამყაროს მასთან დაკავშირებულ სკრუპულოზურ ანალიზში, რომლის მთავარი ელემენტია დროში გავლა და კვალი, რომელიც მას ტოვებს კანზე.

ფინელი ხატავს ნებისმიერი ასაკის, სქესის და ეროვნების ადამიანების პორტრეტებს, რომელთა სახის გამონათქვამები მიუთითებს დროში გავლაზე და მხატვარი ასევე იმედოვნებს, რომ მისი პერსონაჟების სხეულებზე დროის დაუნდობლობის მტკიცებულებებს აღმოაჩენს. ანტონიო თავის ნამუშევრებს განსაზღვრავს ერთი, ზოგადი სათაურით: „ავტოპორტრეტი“, რადგან ფანქრის ნახატებში იგი არა მხოლოდ ასახავს ადამიანს, არამედ საშუალებას აძლევს მაყურებელს იფიქროს ადამიანის შიგნით დროის გავლის რეალურ შედეგებზე.

ფლამინია კარლონი

Flaminia Carloni არის 37 წლის იტალიელი მხატვარი, დიპლომატის ქალიშვილი. სამი შვილი ჰყავს. იგი ცხოვრობდა რომში თორმეტი წელი, ხოლო სამი წელი ინგლისსა და საფრანგეთში. მან მიიღო ხარისხი ხელოვნების ისტორიაში BD ხელოვნების სკოლისგან. შემდეგ მან მიიღო ხელოვნების რესტავრატორის დიპლომი. სანამ თავის მოწოდებას იპოვიდა და მთლიანად მხატვრობას დაუთმობდა, მუშაობდა ჟურნალისტად, კოლორიტისტად, დიზაინერად და მსახიობად.

ფლამინიას მხატვრობისადმი გატაცება ბავშვობაში გაჩნდა. მისი მთავარი საშუალება ზეთია, რადგან უყვარს "კუიფერ ლა პატე" და ასევე მასალასთან თამაში. მსგავსი ტექნიკა მან აღიარა მხატვრის პასკალ ტორუას შემოქმედებაში. ფლამინია შთაგონებულია ფერწერის დიდი ოსტატებით, როგორებიცაა ბალტუსი, ჰოპერი და ფრანსუა ლეგრანი, ასევე სხვადასხვა მხატვრული მოძრაობები: ქუჩის ხელოვნება, ჩინური რეალიზმი, სიურეალიზმი და რენესანსის რეალიზმი. მისი საყვარელი მხატვარი კარავაჯოა. მისი ოცნებაა აღმოაჩინოს ხელოვნების თერაპიული ძალა.

დენის ჩერნოვი

დენის ჩერნოვი ნიჭიერი უკრაინელი მხატვარია, დაიბადა 1978 წელს სამბირში, ლვოვის რეგიონი, უკრაინა. ხარკოვის სამხატვრო სკოლის დამთავრების შემდეგ 1998 წელს დარჩა ხარკოვში, სადაც ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს. ასევე სწავლობდა ხარკოვის დიზაინისა და ხელოვნების სახელმწიფო აკადემიაში, გრაფიკული ხელოვნების განყოფილებაში, რომელიც დაამთავრა 2004 წელს.

ის რეგულარულად მონაწილეობს მხატვრულ გამოფენებში, მათგან დღემდე სამოცზე მეტია, როგორც უკრაინაში, ასევე მის ფარგლებს გარეთ. დენის ჩერნოვის ნამუშევრების უმეტესობა ინახება კერძო კოლექციებში უკრაინაში, რუსეთში, იტალიაში, ინგლისში, ესპანეთში, საბერძნეთში, საფრანგეთში, აშშ-ში, კანადასა და იაპონიაში. ნამუშევრების ნაწილი Christie's-ში გაიყიდა.

დენისი მუშაობს გრაფიკული და ფერწერის ტექნიკის ფართო სპექტრში. ფანქრით ნახატები მისი ფერწერის ერთ-ერთი ყველაზე საყვარელი მეთოდია; მისი ფანქრით ნახატების თემების სია ასევე ძალიან მრავალფეროვანია; ის ხატავს პეიზაჟებს, პორტრეტებს, შიშველს, ჟანრულ კომპოზიციებს, წიგნის ილუსტრაციებს, ლიტერატურულ და ისტორიულ რეკონსტრუქციებს და ფანტაზიებს.

ხელოვნებაში არის მარადიული თემები. ერთ-ერთი მათგანია ქალის თემა, დედობის თემა. თითოეულ ეპოქას აქვს ქალის საკუთარი იდეალი, კაცობრიობის მთელი ისტორია აისახება იმაზე, თუ როგორ ხედავდნენ ადამიანები ქალს, რა მითები აკრავდა მას და დაეხმარა მის შექმნაში. ერთი რამ არის გარკვეული - ყველა საუკუნეში და დროში ქალურმა პერსონაჟმა მიიპყრო, იზიდავს და გააგრძელებს მხატვრების განსაკუთრებულ ყურადღებას.

პორტრეტულ ხელოვნებაში შექმნილი ქალების გამოსახულებები ატარებენ პოეტურ იდეალს მისი სულიერი თვისებებისა და გარეგნული გარეგნობის ჰარმონიულ ერთობაში. პორტრეტებიდან შეგვიძლია ვიმსჯელოთ, თუ როგორ მოქმედებს ქალის გარეგნობაზე და მის გონებრივ სახეზე სოციალური მოვლენები, მოდა, ლიტერატურა, ხელოვნება და თავად მხატვრობა.

წარმოგიდგენთ ქალების მრავალფეროვან სურათებს სხვადასხვა მიმართულების ნახატებში

რეალიზმი

მიმართულების არსი არის რეალობის რაც შეიძლება ზუსტად და ობიექტურად აღბეჭდვა. ფერწერაში რეალიზმის დაბადება ყველაზე ხშირად ფრანგი მხატვრის გუსტავ კურბეს შემოქმედებას უკავშირდება, რომელმაც 1855 წელს პარიზში გახსნა თავისი პერსონალური გამოფენა "რეალიზმის პავილიონი". რომანტიზმისა და აკადემიზმის საპირისპირო. 1870-იან წლებში რეალიზმი დაიყო ორ ძირითად მიმართულებად - ნატურალიზმად და იმპრესიონიზმიდ. ნატურალისტები იყვნენ მხატვრები, რომლებიც ცდილობდნენ რეალობას რაც შეიძლება ზუსტად და ფოტოგრაფიულად აღებეჭდათ.

ივან კრამსკოი "უცნობი"

სეროვი "გოგონა ატმებით"

აკადემიზმი

აკადემიიზმი გაიზარდა კლასიკური ხელოვნების გარეგანი ფორმების მიყოლებით. აკადემიიზმი განასახიერებდა უძველესი ხელოვნების ტრადიციებს, რომლებშიც ბუნების გამოსახულება იყო იდეალიზებული. XIX საუკუნის პირველი ნახევრის რუსულ აკადემიზმს ახასიათებს ამაღლებული თემატიკა, მაღალი მეტაფორული სტილი, მრავალფეროვნება, მრავალფიგურა და პომპეზურობა. პოპულარული იყო ბიბლიური სცენები, სალონის პეიზაჟები და საზეიმო პორტრეტები. მიუხედავად ნახატების შეზღუდული თემატიკისა, აკადემიკოსთა ნამუშევრები გამოირჩეოდა მაღალი ტექნიკური ოსტატობით.

ბუგერო "პლეადები"

ბუგერო "განწყობა"

კაბანელი "ვენერას დაბადება"

იმპრესიონიზმი

სტილის წარმომადგენლები ცდილობდნენ, ყველაზე ბუნებრივი და მიუკერძოებლად დაეფიქსირებინათ რეალური სამყარო მისი მობილურობითა და ცვალებადობით და გადმოეცათ თავიანთი წარმავალი შთაბეჭდილებები. ფრანგულმა იმპრესიონიზმმა არ წამოჭრა ფილოსოფიური საკითხები. ამის ნაცვლად, იმპრესიონიზმი ყურადღებას ამახვილებს ზედაპირულობაზე, მომენტის სითხეზე, განწყობაზე, განათებაზე ან ხედვის კუთხეზე. მათი ნახატები წარმოადგენდა მხოლოდ ცხოვრების პოზიტიურ ასპექტებს, არ არღვევდა სოციალურ პრობლემებს და თავს არიდებდნენ ისეთ პრობლემებს, როგორიცაა შიმშილი, დაავადება და სიკვდილი. ბიბლიური, ლიტერატურული, მითოლოგიური და ისტორიული საგნები, რომლებიც თან ახლავს ოფიციალურ აკადემიზმს, გაუქმდა. იღებდნენ ფლირტის, ცეკვის, კაფესა და თეატრში ყოფნის, ნავით სეირნობის, პლაჟებზე და ბაღებში ყოფნის საგნებს. იმპრესიონისტების ნახატებით თუ ვიმსჯელებთ, ცხოვრება არის პატარა არდადეგების, წვეულებების, სასიამოვნო გართობების სერია ქალაქგარეთ ან მეგობრულ გარემოში.

ბოლდინი "მულენ რუჟი"

რენუარი "ჟანა სამარის პორტრეტი"

მანე "საუზმე ბალახზე"

მაიო "როზაბრავა"

ლოტრეკი "ქალი ქოლგით"

სიმბოლიზმი

სიმბოლისტებმა რადიკალურად შეცვალეს არა მხოლოდ ხელოვნების სხვადასხვა სახეობა, არამედ თავად დამოკიდებულება მის მიმართ. მათი ექსპერიმენტული ხასიათი, ინოვაციის სურვილი და კოსმოპოლიტიზმი გახდა მოდელი თანამედროვე ხელოვნების მოძრაობებისთვის. ისინი იყენებდნენ სიმბოლოებს, გაუფასურებას, ალუზიებს, საიდუმლოებას, იდუმალებას. მთავარი განწყობა ხშირად პესიმიზმი იყო, სასოწარკვეთამდე მიაღწია, ხელოვნების სხვა მოძრაობებისგან განსხვავებით, სიმბოლიზმი სჯერა „მიუღწეველი“, ზოგჯერ მისტიკური იდეების, მარადისობისა და სილამაზის გამოსახულებების გამოხატვას.

რედონ "ოფელია"

ფრანც ფონ შტუკი "სალომე"

ვატი "იმედი"

როსეტი "პერსეფონე"

ᲗᲐᲜᲐᲛᲔᲓᲠᲝᲕᲔ

არტ ნუვო ცდილობდა შექმნილი ნამუშევრების მხატვრული და უტილიტარული ფუნქციების გაერთიანებას და ადამიანის საქმიანობის ყველა სფეროს სილამაზის სფეროში ჩართვას. შედეგად ჩნდება ინტერესი გამოყენებითი ხელოვნების მიმართ: ინტერიერის დიზაინი, კერამიკა, წიგნის გრაფიკა. არტ ნუვოს მხატვრებმა შთაგონება მიიღეს ძველი ეგვიპტისა და უძველესი ცივილიზაციების ხელოვნებიდან. არტ ნუვოს ყველაზე შესამჩნევი თვისება იყო სწორი კუთხისა და ხაზების მიტოვება უფრო გლუვი, მრუდი ხაზების სასარგებლოდ. არტ ნუვოს მხატვრები ხშირად იღებდნენ ორნამენტებს მცენარეული სამყაროდან თავიანთი ნახატების საფუძვლად.

კლიმტი "ადელ ბლოხ-ბაუერ I-ის პორტრეტი"

კლიმტი "დანაე"

კლიმტი "ქალის სამი საუკუნე"

ფრენა "ხილი"

ექსპრესიონიზმი

ექსპრესიონიზმი მე-20 საუკუნის ერთ-ერთი ყველაზე გავლენიანი მხატვრული მოძრაობაა. ექსპრესიონიზმი წარმოიშვა როგორც რეაქცია მე-20 საუკუნის პირველი მეოთხედის მწვავე კრიზისზე, პირველ მსოფლიო ომზე და შემდგომ რევოლუციურ მოძრაობებზე, ბურჟუაზიული ცივილიზაციის სიმახინჯეზე, რამაც გამოიწვია ირაციონალურობის სურვილი. გამოიყენეს ტკივილისა და ყვირილის მოტივები, გამოსახულების პრინციპმა დაიწყო გამოსახულების გაბატონება.

მოდილიანი. ქალების სხეულებისა და სახეების გამოყენებით, ის ცდილობს შეაღწიოს თავისი პერსონაჟების სულებში. „ადამიანი მაინტერესებს. სახე ბუნების უდიდესი ქმნილებაა. დაუღალავად ვიყენებ, - გაიმეორა მან.

მოდილიანი "შიშველი მძინარე"

შილე "ქალი შავ წინდებში"

კუბიზმი

კუბიზმი არის მოდერნისტული მოძრაობა სახვითი ხელოვნებაში (ძირითადად ფერწერა) მე-20 საუკუნის I მეოთხედში, რომელიც ხაზს უსვამს თვითმფრინავზე სამგანზომილებიანი ფორმის აგების ფორმალურ ამოცანას, ხელოვნების ვიზუალური და შემეცნებითი ფუნქციების მინიმიზაციას. კუბიზმის გაჩენა ტრადიციულად თარიღდება 1906-1907 წლებით და ასოცირდება პაბლო პიკასოსა და ჟორჟ ბრაკის შემოქმედებასთან. ზოგადად, კუბიზმი იყო რეალისტური ხელოვნების ტრადიციის დარღვევა, რომელიც განვითარდა რენესანსის დროს, მათ შორის თვითმფრინავში სამყაროს ვიზუალური ილუზიის შექმნა. კუბისტების ნამუშევრები იყო გამოწვევა სალონური ხელოვნების სტანდარტული სილამაზის, სიმბოლიზმის ბუნდოვანი ალეგორიებისა და იმპრესიონისტული მხატვრობის არასტაბილურობისთვის. მეამბოხე, ანარქისტული, ინდივიდუალისტური მოძრაობების წრეში შესვლისას კუბიზმი მათ შორის გამოირჩეოდა ფერთა ასკეტიზმით, მარტივი, წონიანი, ხელშესახები ფორმებითა და ელემენტარული მოტივებით.

პიკასო "მტირალი ქალი"

პიკასო "მანდოლინზე უკრავს"

პიკასოს "Les Demoiselles d'Avignon"

სიურეალიზმი

სიურეალიზმის ძირითადი კონცეფცია, სიურეალიზმი- ოცნებისა და რეალობის კომბინაცია. ამის მისაღწევად, სიურეალისტებმა შესთავაზეს ნატურალისტური გამოსახულების აბსურდული, წინააღმდეგობრივი კომბინაცია კოლაჟის საშუალებით და ობიექტის არამხატვრული სივრციდან მხატვრულში გადატანა, რის გამოც ობიექტი მოულოდნელი მხრიდან ვლინდება, თვისებები, რომლებიც არ შეიმჩნევა გარედან. მასში ჩნდება მხატვრული კონტექსტი. სიურეალისტები შთაგონებული იყვნენ რადიკალური მემარცხენე იდეოლოგიით, მაგრამ მათ შესთავაზეს რევოლუციის დაწყება საკუთარი ცნობიერებით. ისინი ხელოვნებას განთავისუფლების მთავარ ინსტრუმენტად მიაჩნდათ. ეს მიმართულება განვითარდა ფროიდის ფსიქოანალიზის თეორიის დიდი გავლენით. სიურრეალიზმი სიმბოლიზმში იყო დაფუძნებული და თავდაპირველად გავლენა მოახდინეს სიმბოლისტ მხატვრებზე, როგორებიც იყვნენ გუსტავ მორო და ოდილონ რედონი. ბევრი პოპულარული მხატვარი იყო სიურეალისტი, მათ შორის რენე მაგრიტი, მაქს ერნსტი, სალვადორ დალი, ალბერტო ჯაკომეტი.

გილ ელვგრენი (1914-1980) იყო მეოცე საუკუნის მთავარი პინ-აპ არტისტი. მთელი თავისი პროფესიული კარიერის განმავლობაში, რომელიც დაიწყო 1930-იანი წლების შუა ხანებში და გაგრძელდა ორმოც წელზე მეტი ხნის განმავლობაში, იგი ჩამოყალიბდა, როგორც აშკარა ფავორიტი კოლექციონერებსა და პინ-აპების თაყვანისმცემლებს შორის მთელ მსოფლიოში. და მიუხედავად იმისა, რომ გილ ელვგრენი, პირველ რიგში, პინ-აპ არტისტად ითვლება, ის იმსახურებს კლასიკურ ამერიკელ ილუსტრატორად ჩათვლას, რომელსაც შეეძლო კომერციული ხელოვნების სხვადასხვა სფეროს გავრცელება.

Coca-Cola-ს რეკლამაში 25 წლიანი მუშაობა დაეხმარა მას დამკვიდრებულიყო, როგორც ერთ-ერთი უდიდესი ილუსტრატორი ამ სფეროში. Coca-Cola-ს რეკლამებში გამოსახული იყო „ელვგრენის გოგოების“ პინ-აპ სურათები, რომელთა უმეტესობა ასახავდა ტიპურ ამერიკელ ოჯახებს, ბავშვებს, მოზარდებს - ჩვეულებრივ ადამიანებს, რომლებიც თავიანთ ყოველდღიურ საქმეს ასრულებდნენ. მეორე მსოფლიო ომისა და კორეის ომის დროს ელვგრენმა კოკა-კოლას სამხედრო თემატიკის ილუსტრაციებიც კი დახატა, რომელთაგან ზოგიერთი ამერიკაში „ხატი“ იქცა.

ელვგრენის ნამუშევარი Coca-Cola-სთვის ასახავდა ამერიკულ ოცნებას უსაფრთხო, კომფორტულ ცხოვრებაზე და მისი ჟურნალის ზოგიერთი ილუსტრაცია ასახავდა მათი მკითხველების იმედებს, შიშებსა და სიხარულს. ეს სურათები გამოქვეყნდა 1940-იან და 1950-იან წლებში არაერთ ცნობილ ამერიკულ ჟურნალში, როგორიცაა McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping და Woman's Home Companion. Coca-Cola-სთან ერთად ელვგრენი ასევე მუშაობდა Orange Crush-თან, Schlitz Beer-თან, Sealy Mattress-თან, General Electric-თან, Sylvania-სა და Napa Auto Parts-თან.

ელვგრენი გამოირჩეოდა არა მხოლოდ მისი ნახატებითა და სარეკლამო გრაფიკით - ის ასევე იყო პროფესიონალი ფოტოგრაფი, რომელიც ოსტატურად ატარებდა კამერას, როგორც ფუნჯს. მაგრამ მისი ენერგია და ნიჭი აქ არ შეჩერებულა: გარდა ამისა, ის იყო მასწავლებელი, რომლის სტუდენტებიც მოგვიანებით ცნობილი მხატვრები გახდნენ.

ჯერ კიდევ ადრეულ ბავშვობაში ელვგრენი იყო შთაგონებული ცნობილი ილუსტრატორების სურათებით. ყოველ კვირას ის არღვევდა ჟურნალებიდან გვერდებს და ყდებს იმ სურათებით, რომლებიც მოსწონდა, რის შედეგადაც მან შეაგროვა უზარმაზარი კოლექცია, რომელმაც კვალი დატოვა ახალგაზრდა მხატვრის შემოქმედებაზე.

ელვგრენის ნამუშევრებზე გავლენა მოახდინა ბევრმა მხატვარმა, როგორიცაა ფელიქს ოქტავიუს კარ დარლი (1822-1888), პირველი მხატვარი, რომელიც დაუპირისპირდა ინგლისური და ევროპული ილუსტრაციის სკოლების უპირატესობას ამერიკულ კომერციულ ხელოვნებაზე; ნორმან როკველი (1877-1978), რომელსაც ელვგრენი 1947 წელს შეხვდა და ამ შეხვედრამ დაიწყო ხანგრძლივი მეგობრობა; ჩარლზ დანა გიბსონი (1867-1944), რომლის ფუნჯიდანაც წარმოიშვა იდეალური გოგონა, რომელიც აერთიანებდა „მეზობელს“ (გოგონას მეზობლად) და „შენი ოცნების გოგოს“, ჰოვარდ ჩენდლერ კრისტი, ჯონ ჰენრი ჰინტერმაისტერი ( 1870-1945) და სხვა.

ელვგრენი ყურადღებით შეისწავლა ამ კლასიკური მხატვრების ნამუშევრები, რის შედეგადაც მან შექმნა საფუძველი, რომელზედაც დაფუძნებული იყო პინ-აპ ხელოვნების შემდგომი განვითარება.

ასე რომ, გილ ელვგრენი დაიბადა 1914 წლის 15 მარტს და გაიზარდა სენტ-პოლ მინეაპოლისში. მისი მშობლები, ალექსი და გოლდი ელვგრენები, ფლობდნენ მაღაზიას ქალაქის ცენტრში, რომელიც ყიდდა ფონი და საღებავები.

სკოლის დამთავრების შემდეგ გილს სურდა არქიტექტორი გამხდარიყო. მისმა მშობლებმა მოიწონეს ეს სურვილი, რადგან შენიშნეს მისი ხატვის ნიჭი, როდესაც რვა წლის ასაკში ბიჭი სკოლიდან გაათავისუფლეს, რადგან მან სახელმძღვანელოების კიდეებზე დახატა. ელვგრენი საბოლოოდ დაესწრო მინესოტას უნივერსიტეტს არქიტექტურისა და დიზაინის შესასწავლად მინეაპოლისის ხელოვნების ინსტიტუტში ხელოვნების კურსების გავლისას. სწორედ იქ მიხვდა, რომ ნახატი უფრო მეტად აინტერესებდა, ვიდრე შენობების დიზაინი.

იმავე წლის შემოდგომაზე ელვგრენი დაქორწინდა ჯანეტ კამინზე. ასე რომ, საახალწლოდ ახალდაქორწინებულები საცხოვრებლად ჩიკაგოში გადავიდნენ, სადაც მხატვრებისთვის უამრავი შესაძლებლობა იყო. რა თქმა უნდა, მათ შეეძლოთ ნიუ-იორკის არჩევა, მაგრამ ჩიკაგო უფრო ახლოს და უსაფრთხო იყო.

ჩიკაგოში ჩასვლისთანავე გილი ცდილობდა ყველაფერი გაეკეთებინა კარიერის განვითარებისთვის. ის დაესწრო პრესტიჟულ ამერიკულ სახვითი ხელოვნების აკადემიას ცენტრში, სადაც დაუმეგობრდა ბილ მოსბის, წარმატებულ მხატვარს და მასწავლებელს, რომელიც ყოველთვის ამაყობდა გილის განვითარებით მისი ხელმძღვანელობით.

როდესაც გილ ელვგრენი აკადემიაში მოვიდა, რა თქმა უნდა, ნიჭიერი იყო, მაგრამ არ გამოირჩეოდა იქ სწავლული სტუდენტების უმეტესობისგან. მაგრამ მხოლოდ ერთი რამ განასხვავებდა მას სხვებისგან: მან ზუსტად იცოდა რა სურდა. ყველაზე მეტად ის ოცნებობდა გამხდარიყო კარგი მხატვარი. სწავლის ორ წელიწადში მან აითვისა სამნახევარზე გათვლილი კურსი: გაკვეთილებს ესწრებოდა ღამით, ზაფხულში. თავისუფალ დროს ყოველთვის ხატავდა.

კარგი მოსწავლე იყო და სხვებზე მეტად მუშაობდა. გილი დაესწრო ყველა კურსს, რომლებშიც მას შეეძლო მიეღო სულ მცირე ცოდნა ფერწერის შესახებ. ორ წელიწადში მან ფენომენალური პროგრესი განიცადა და აკადემიის ერთ-ერთი საუკეთესო კურსდამთავრებული გახდა.

გილი წარმოუდგენელი მხატვარია, რომელსაც ცოტას თუ შეედრება. აღნაგობით ძლიერი, ფეხბურთელს ჰგავს; მისი დიდი ხელები საერთოდ არ ჰგავს მხატვრის ხელებს: ფანქარი სიტყვასიტყვით "იძირება" მათში, მაგრამ მისი მოძრაობების სიზუსტე და შრომისმოყვარეობა შეიძლება მხოლოდ ქირურგის ოსტატობას შევადაროთ.

კოლეჯის დროს გილმა არასოდეს შეწყვიტა მუშაობა. მისი ილუსტრაციები უკვე ამშვენებდა იმ აკადემიის ბროშურებსა და ჟურნალებს, სადაც სწავლობდა.

იქ გილმა გაიცნო მრავალი მხატვარი, რომლებიც გახდნენ მისი მთელი ცხოვრების მეგობრები, მაგალითად: ჰაროლდ ანდერსონი, ჯოის ბალანტინი.

1936 წელს გილი და მისი მეუღლე დაბრუნდნენ მშობლიურ ქალაქში, სადაც გახსნეს საკუთარი სტუდია. მანამდე ცოტა ხნით ადრე ის იღებს თავის პირველ ანაზღაურებად საკომისიოს: მოდის ჟურნალის ყდას, რომელზეც გამოსახულია სიმპათიური მამაკაცი, რომელიც გამოწყობილია ორმაგ ქურთუკში და მსუბუქ საზაფხულო შარვალში. მას შემდეგ, რაც ელვგრენმა მომხმარებელს თავისი ნამუშევარი გაუგზავნა, კომპანიის დირექტორმა დაურეკა, რომ მიულოცა და კიდევ ნახევარი ათეული ყდა შეუკვეთა.

შემდეგ მოვიდა კიდევ ერთი საინტერესო კომისია, რომელიც უნდა დაეხატა დიონ კვინტულეტები, რომელთა დაბადება მედიის სენსაციად იქცა. კლიენტი იყო Brown and Biglow, ყველაზე დიდი კალენდარული გამომცემლობა. ეს ნამუშევარი დაიბეჭდა 1937-1938 წლების კალენდრებში, რომელიც გაიყიდა მილიონობით ეგზემპლარი. მას შემდეგ ელვგრენმა დაიწყო ამერიკაში ყველაზე ცნობილი გოგოების დახატვა, რამაც მას უზარმაზარი წარმატება მოუტანა. ელვგრენის მოწვევა დაიწყო სხვა კომპანიებთან თანამშრომლობისთვის, მაგალითად, ბრაუნისა და ბიგლოუს კონკურენტი, Louis F. Dow Calendar Company. მხატვრის ნამუშევრების დაბეჭდვა დაიწყო ბუკლეტებზე, ბანქოზე და ასანთის კოლოფებზეც კი. შემდეგ მისი ბევრი ნატურალური ზომის ნახატი სამეფო გვირგვინის სოდასთვის შესრულებული გამოჩნდა სასურსათო მაღაზიებში. ეს წელი ასევე განსაკუთრებით მნიშვნელოვანი ხდება ელვგრენისთვის, რადგან მან და მისმა მეუღლემ პირველი შვილი, კარენი მიიღო.

ელვგრენი აგრძელებს ბრძანებების მიღებას და გადაწყვეტს ჩიკაგოში დაბრუნებას ოჯახთან ერთად. მალე ის შეხვდა ჰადონ ჰ.სუნდბლომს (1899-1976), რომელიც მისი კერპი იყო. Sandblom-ს უდიდესი გავლენა აქვს ელვგრენის შემოქმედებაზე.

Sundblom-ის წყალობით ელვგრენი გახდა კოკა-კოლას რეკლამების მხატვარი. დღემდე ეს ნამუშევრები არის ხატები ამერიკული ილუსტრაციის ისტორიაში.

პერლ ჰარბორის დაბომბვისთანავე, ელვგრენს სთხოვეს, დაეხატა ნახატები სამხედრო კამპანიისთვის. მისი პირველი ნახატი ამ სერიისთვის 1942 წელს გამოქვეყნდა ჟურნალში Good Housekeeping სათაურით „მან იცის რა არის სინამდვილეში თავისუფლება“ და ასახავდა წითელი ჯვრის ოფიცრის ფორმაში გამოწყობილ გოგონას.

1942 წელს დაიბადა გილ უმცროსი, ხოლო 1943 წელს მისი მეუღლე უკვე მესამე შვილს ელოდა. ელვგრენის ოჯახი გაიზარდა, ისევე როგორც მისი ბიზნესი. ჯილი მუშაობს სარეკლამო პროექტებზე და ასევე ყიდის თავის ძველ ნამუშევრებს. ის ტკბებოდა ცხოვრებით, რადგან თვითონ უკვე პატივცემული ხელოვანი და ბედნიერი ოჯახის კაცი იყო. როდესაც მის ოჯახში მესამე შვილი დაიბადა, ელვგრენი უკვე იღებდა დაახლოებით 1000 დოლარს თითო ნახატზე, ე.ი. დაახლოებით $24,000 წელიწადში, რაც იმ დროისთვის უზარმაზარი თანხა იყო. ეს იმას ნიშნავდა, რომ გილი შეიძლება გამხდარიყო ყველაზე მაღალანაზღაურებადი ილუსტრატორი შეერთებულ შტატებში და, ბუნებრივია, განსაკუთრებული ადგილი ეკავა ბრაუნსა და ბიგელოუში.

სანამ მუშაობდა ექსკლუზიურად ბრაუნისა და ბიგელოუსთვის, მან მიიღო თავისი პირველი (და ერთადერთი) საკომისიო ჯოზეფ ჰუვერის ფილადელფიის ფირმისგან. ბრაუნთან და ბიგელოუსთან პრობლემების თავიდან ასაცილებლად მან შეთავაზება მიიღო იმ პირობით, რომ ნახატზე ხელი არ მოეწერა. ამ ნამუშევრისთვის, სახელწოდებით „ოცნების გოგონა“, მან მიიღო 2500 დოლარი, რადგან... ეს იყო ყველაზე დიდი, რაც კი ოდესმე დახატა (101,6 სმ x 76,2 სმ).

ბრაუნთან და ბიგელოუთან თანამშრომლობამ ელვგრენს საშუალება მისცა გაეგრძელებინა ხატვა Coca-Cola-სთვის, თუმცა, მას შეეძლო ემუშავა ნებისმიერ სხვა კომპანიაში, რომელსაც არ ჰქონდა კონფლიქტი ბრაუნთან და ბიგელოუსთან. ამრიგად, 1945 წელს ელვგრენმა და ბრაუნმა და ბიგელოუმ დაიწყეს თანამშრომლობა, რომელიც გაგრძელდა ოცდაათ წელზე მეტ ხანს.

ბრაუნისა და ბიგელოუს რეჟისორმა ჩარლზ უორდმა ელვგრენი ცნობილი გახადა. მან გილი მიიწვია შიშველ სტილში პინ-აპის გასაკეთებლად, რაზეც მხატვარი დიდი ენთუზიაზმით დაეთანხმა. ამ ნახატზე გამოსახული იყო შიშველი ქერა ნიმფა სანაპიროზე, იასამნისფერ-ლურჯი მთვარის შუქის ქვეშ იასამნისფერ ფერებში. ეს ილუსტრაცია გამოვიდა კარტების გემბანში, სხვა მხატვრის - ზოი მოცერტის ნამუშევრებთან ერთად. მომდევნო წელს უორდმა უბრძანა კიდევ ერთი შიშველი პინ-აპი ელვგრენს შემდეგი ბარათებისთვის, მაგრამ ამჯერად მთლიანად ელვგრენმა გააკეთა. ამ პროექტმა მოხსნა ბრაუნისა და ბიგელოუს გაყიდვების რეკორდები და ეწოდა "Mais Oui by Gil Elvgren".

ბრაუნისა და ბიგელოუს პირველი სამი პინ-აპ პროექტი გახდა კომპანიის ბესტსელერი სულ რაღაც ორი კვირის შემდეგ. ეს სურათები მალევე გამოიყენეს ბანქოს სათამაშოდ.

ათწლეულის ბოლოს, ელვგრენი გახდა ბრაუნისა და ბიგელოუს ყველაზე წარმატებული მხატვარი, მედიის წყალობით მისი ნამუშევრები ფართოდ იყო ცნობილი საზოგადოებისთვის, ჟურნალები კი აქვეყნებდნენ სტატიებს მის შესახებ. კომპანიები, რომლებთანაც მუშაობდა: Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four ვარდები შერეული ვისკი, General Electric Appliance და Pangburn's შოკოლადები.

მისი ნამუშევრის ასეთი მოთხოვნის წინაშე ელვგრენი ფიქრობდა საკუთარი სტუდიის გახსნაზე, რადგან უკვე ბევრი მხატვარი იყო, ვინც აღფრთოვანებული იყო მისი ნამუშევრებით და ეგრეთ წოდებული „მაიონეზის ნახატით“ (ე.წ. Sundblom და Elvgren, რადგან საღებავები ნამუშევრები გამოიყურებოდა "კრემისფერი" და აბრეშუმივით გლუვი). მაგრამ ყველა დადებითი და უარყოფითი მხარეების აწონვის შემდეგ მან მიატოვა ეს იდეა.

გილ ელვგრენი ბევრს მოგზაურობდა და ბევრ გავლენიან ადამიანს შეხვდა. მისი ხელფასი ბრაუნსა და ბიგელოუში შეიცვალა 1000 დოლარიდან თითო ტილოზე 2500 დოლარამდე და წელიწადში 24 ნახატის დამზადება, პლუს პროცენტი იმ ჟურნალებიდან, რომლებიც აქვეყნებდნენ მის ილუსტრაციებს. მან ოჯახი გადაიყვანა ახალ სახლში გარეუბან ვინნეტკაში, სადაც მან სხვენში საკუთარი სტუდიის აშენება დაიწყო, რამაც მას საშუალება მისცა კიდევ უფრო პროდუქტიული ყოფილიყო.

გილს შესანიშნავი გემოვნება ჰქონდა და ასევე მახვილგონივრული. მისი ნამუშევრები ყოველთვის საინტერესოა კომპოზიციით, ფერადი სქემებით და ყურადღებით გააზრებული პოზები და ჟესტები მათ აცოცხლებს და ამაღელვებელს ხდის. მისი ნახატები გულწრფელია. გილმა იგრძნო ქალის სილამაზის ევოლუცია, რაც ძალიან მნიშვნელოვანი იყო. ამიტომ ელვგრენი ყოველთვის მოთხოვნადი იყო მომხმარებლების მხრიდან.

1956 წელს გილი ოჯახთან ერთად საცხოვრებლად ფლორიდაში გადავიდა. ის სრულიად კმაყოფილი დარჩა თავისი ახალი საცხოვრებელი ადგილით. იქ მან გახსნა შესანიშნავი სტუდია, სადაც სწავლობდა ბობი ტუმბსი, რომელიც სამართლიანად გახდა აღიარებული მხატვარი. მან თქვა, რომ ელვგრენი იყო შესანიშნავი მასწავლებელი, რომელმაც ასწავლა მას მთელი თავისი უნარების გააზრებულად გამოყენება.

ფლორიდაში გილმა დახატა უამრავი პორტრეტი, მის მოდელებს შორის იყვნენ მირნა ლოი, არლენ დალი, დონა რიდი, ბარბარა ჰეილი, კიმ ნოვაკი. 1950-1960-იან წლებში ყველა დამწყებ მოდელსა თუ მსახიობს სურდა, ელვგრენს დაეხატა გოგონა მის მსგავსებაში, რომელიც შემდეგ კალენდრებსა და პლაკატებზე დაიბეჭდებოდა.

ელვგრენი ყოველთვის ეძებდა ახალ იდეებს თავისი ნახატებისთვის. მიუხედავად იმისა, რომ ამაში მას ბევრი მეგობარი მხატვარი დაეხმარა, ის ყველაზე მეტად ოჯახს ეყრდნობოდა: თავის იდეებს მეუღლესთან და შვილებთან ერთად განიხილავდა.

ელვგრენი მუშაობდა მხატვართა წრეში, რომლებსაც ასწავლიდა ან, პირიქით, ვისგანაც სწავლობდა; ვინ იყვნენ მისი მეგობრები, რომლებთანაც ბევრი საერთო ჰქონდა. მათ შორის იყვნენ ჰარი ანდერსონი, ჯოის ბალანტინი, ალ ბუელი, მეტ კლარკი, ერლ გროსი, ედ ჰენრი, ჩარლზ კინგჰემი და სხვები.

გილ ელვგრენმა მთელი ცხოვრება იცხოვრა. როგორც გატაცებული გარე კაცი, მას უყვარდა თევზაობა და ნადირობა. მას შეეძლო საათების გატარება აუზში, უყვარდა სარბოლო მანქანები და ასევე იზიარებდა შვილების გატაცებას ანტიკვარული იარაღის შეგროვებით.

წლების განმავლობაში ელვგრენს ჰყავდა მრავალი სტუდიის ასისტენტი, რომელთა უმეტესობა წარმატებული მხატვარი გახდა. როდესაც ელვგრენი იძულებული გახდა უარი ეთქვა კომპანიებთან თანამშრომლობაზე სამუშაოს უზარმაზარი მოცულობის გამო, სამხატვრო დირექტორები შეთანხმდნენ, რომ დაელოდებინათ ერთი წელი, ან კიდევ მეტი, თუ მხოლოდ გილი იმუშავებდა მათთვის.

მაგრამ გილის მთელი წარმატება 1966 წელს დაჩრდილა საშინელმა ტრაგედიამ, რომელიც მის ოჯახს დაატყდა თავს: გილის ცოლი ჯანეტი კიბოთი გარდაიცვალა. ამის შემდეგ ის კიდევ უფრო ჩაეფლო სამსახურში. მისი პოპულარობა უცვლელი რჩება, შრომის შედეგის გარდა არაფერზე წუხს. ეს იყო ელვგრენის კარიერის საუკეთესო პერიოდი, რომ არა მისი მეუღლის გარდაცვალება.

ელვგრენის ქალური სილამაზის გადმოცემის უნარი შეუდარებელი იყო. ხატვისას ის ჩვეულებრივ იჯდა ბორბლებზე დადებულ სავარძელში, რათა ადვილად გადაადგილებულიყო და ნახატს სხვადასხვა კუთხით შეხედა, ხოლო მის უკან დიდი სარკე საშუალებას აძლევდა მას მთელი ნახატის მიმოხილვა ჰქონოდა. მის საქმიანობაში მთავარი გოგოები იყვნენ: უპირატესობას ანიჭებდა 15-20 წლის მოდელებს, რომლებიც ახლახან იწყებდნენ კარიერას, რადგან მათ ჰქონდათ სპონტანურობა, რომელიც გამოცდილებით ქრება. როდესაც ჰკითხეს მის ტექნიკას, მან თქვა, რომ ამატებს საკუთარ შტრიხებს: ფეხების გახანგრძლივება, მკერდის გაფართოება, წელის შევიწროება, ტუჩების სავსე, თვალები უფრო გამომხატველი, ცხვირის დახშობა, რითაც მოდელს უფრო მეტ მიმზიდველობას ანიჭებს. ელვგრენი ყოველთვის ყურადღებით ამუშავებდა თავის იდეებს თავიდან ბოლომდე: ის ირჩევდა მოდელს, რეკვიზიტებს, განათებას, კომპოზიციას, თმის ვარცხნილობაც კი ძალიან მნიშვნელოვანი იყო. ყოველივე ამის შემდეგ მან გადაიღო სცენა და დაიწყო ხატვა.

გილის ნამუშევრების გამორჩეული თვისება ის იყო, რომ ნახატების დათვალიერებისას ჩანდა, რომ მათში მყოფი გოგონები გაცოცხლებას აპირებდნენ, მიესალმებოდნენ ან ყავის დალევას შესთავაზებენ. ისინი ლამაზად და ენთუზიაზმით სავსე გამოიყურებოდნენ. მუდამ მომხიბვლელები, მეგობრული ღიმილით შეიარაღებული, ომის დროსაც კი ჯარისკაცებს აძლევდნენ ძალას და იმედს, რომ დაბრუნდნენ თავიანთ გოგოებთან სახლში.

ბევრი მხატვარი ოცნებობდა დაეხატა ისე, როგორც ელვგრენი აკეთებდა; ყველა აღფრთოვანებული იყო მისი ნიჭით და წარმატებით.

ყოველწლიურად ის უფრო მარტივად და პროფესიონალიზმით ხატავდა, მისი ადრეული ნახატები უფრო „მძიმე“ ჩანდა მის შემდგომ ნახატებთან შედარებით. მან მიაღწია ბრწყინვალების მწვერვალს თავის სფეროში.

1980 წლის 29 თებერვალს გილ ელვგრენი, ადამიანი, რომელმაც თავი მიუძღვნა ხალხისთვის სიხარულის მინიჭებას თავისი შემოქმედებით, გარდაიცვალა კიბოთი 65 წლის ასაკში. მისმა შვილმა დრეიკმა იპოვა ბოლო დაუმთავრებელი, მაგრამ მიუხედავად ამისა, ბრწყინვალე ნახატი ბრაუნისა და ბიგელოუს მამის სახელოსნოში. ელვგრენის გარდაცვალებიდან სამი ათეული წელი გავიდა, მაგრამ მისი ხელოვნება ჯერ კიდევ ცოცხლობს. ეჭვგარეშეა, ელვგრენი ისტორიაში დარჩება, როგორც მხატვარი, რომელმაც დიდი წვლილი შეიტანა მეოცე საუკუნის ამერიკულ ხელოვნებაში.