ჰოლანდია. მე-17 საუკუნე ქვეყანა უპრეცედენტო კეთილდღეობას განიცდის. „ოქროს ხანა“ ე.წ. XVI საუკუნის ბოლოს ქვეყნის რამდენიმე პროვინციამ ესპანეთისგან დამოუკიდებლობა მოიპოვა.
ახლა პროტესტანტულმა ნიდერლანდებმა საკუთარი გზა წავიდნენ. და კათოლიკური ფლანდრია (დღევანდელი ბელგია) ესპანეთის ფრთის ქვეშ არის საკუთარი.
დამოუკიდებელ ჰოლანდიაში რელიგიური მხატვრობა თითქმის არავის სჭირდებოდა. პროტესტანტულმა ეკლესიამ არ მოიწონა მდიდრული დეკორაცია. მაგრამ ეს გარემოება საერო მხატვრობის "ხელში ითამაშა".
ფაქტიურად ახალი ქვეყნის ყველა მაცხოვრებელმა გაიღვიძა ამ ტიპის ხელოვნების შეყვარებით. ჰოლანდიელებს სურდათ ნახატებში საკუთარი ცხოვრების ნახვა. და მხატვრები ნებით შეხვდნენ მათ შუა გზაზე.
აქამდე არასოდეს ყოფილა ასე ასახული გარემომცველი რეალობა. ჩვეულებრივი ხალხი, ჩვეულებრივი ოთახები და ქალაქის მკვიდრის ყველაზე ჩვეულებრივი საუზმე.
რეალიზმი აყვავდა. მე-20 საუკუნემდე აკადემიზმის ღირსეული კონკურენტი იქნება თავისი ნიმფებითა და ბერძენი ქალღმერთებით.
ამ მხატვრებს „პატარა“ ჰოლანდიელებს უწოდებენ. რატომ? ნახატები მცირე ზომის იყო, რადგან ისინი პატარა სახლებისთვის იყო შექმნილი. ამრიგად, იან ვერმეერის თითქმის ყველა ნახატი არ აღემატება ნახევარ მეტრს.
მაგრამ მე სხვა ვერსია უფრო მომწონს. მე-17 საუკუნეში ნიდერლანდებში ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა დიდი ოსტატი, „დიდი“ ჰოლანდიელი. და ყველა დანარჩენი მასთან შედარებით "პატარა" იყო.
საუბარია, რა თქმა უნდა, რემბრანდტზე. დავიწყოთ მასთან.
1. რემბრანდტი (1606-1669 წწ.)
რემბრანდტი. ავტოპორტრეტი 63 წლის ასაკში. 1669 ლონდონის ეროვნული გალერეა რემბრანდტმა თავისი ცხოვრების განმავლობაში განიცადა ემოციების ფართო სპექტრი. ამიტომ არის ამდენი მხიარულება და თავხედობა მის ადრეულ საქმიანობაში. და ძალიან ბევრი რთული გრძნობაა - შემდეგში.
აქ ის ახალგაზრდა და უდარდელია ნახატში "უძღები შვილი ტავერნაში". მუხლებზე მისი საყვარელი ცოლი სასკია. ის პოპულარული მხატვარია. შეკვეთები შემოდის.
რემბრანდტი. უძღები შვილი ტავერნაში. 1635 ძველი ოსტატების გალერეა, დრეზდენი მაგრამ ეს ყველაფერი გაქრება დაახლოებით 10 წელიწადში. სასკია მოხმარებით მოკვდება. პოპულარობა კვამლივით გაქრება. დიდ სახლს უნიკალური კოლექციით ვალები წაართმევენ.
მაგრამ გამოჩნდება იგივე რემბრანდტი, რომელიც დარჩება საუკუნეების განმავლობაში. გმირების შიშველი გრძნობები. მათი ღრმა აზრები.
2. ფრანს ჰალსი (1583-1666 წწ.)
ფრანს ჰალსი. Ავტოპორტრეტი. 1650 მეტროპოლიტენის ხელოვნების მუზეუმი, ნიუ-იორკი ფრანს ჰალსი ყველა დროის ერთ-ერთი უდიდესი პორტრეტის მხატვარია. აქედან გამომდინარე, მას ასევე მივაკუთვნებდი "დიდ" ჰოლანდიელს.
ჰოლანდიაში იმ დროს ჩვეულებრივი იყო ჯგუფური პორტრეტების შეკვეთა. აი რამდენი მსგავსი ნამუშევარი გამოჩნდა, რომლებზეც ერთად მუშაობდნენ ადამიანები: ერთი გილდიის მსროლელები, ერთი ქალაქის ექიმები, მოხუცთა სახლის მენეჯერები.
ამ ჟანრში ყველაზე მეტად ჰალსი გამოირჩევა. ყოველივე ამის შემდეგ, ამ პორტრეტების უმეტესობა კარტების დასტას ჰგავდა. ხალხი მაგიდასთან სხედან ერთი და იგივე სახის გამომეტყველებით და უბრალოდ უყურებენ. ჰალსით სხვანაირად იყო.
შეხედეთ მის ჯგუფურ პორტრეტს “Arrows of the Guild of St. გიორგი."
ფრანს ჰალსი. ისრები გილდიის წმ. გიორგი. 1627 ფრანს ჰალსის მუზეუმი, ჰარლემი, ნიდერლანდები აქ ვერ ნახავთ ერთ გამეორებას პოზაში ან სახის გამომეტყველებაში. ამასთან, აქ ქაოსი არ არის. ბევრი პერსონაჟია, მაგრამ არავინ ჩანს ზედმეტი. ფიგურების საოცრად სწორი განლაგების წყალობით.
და თუნდაც ერთ პორტრეტში ჰალსი აღემატებოდა ბევრ მხატვარს. მისი ნიმუშები ბუნებრივია. მის ნახატებში მაღალი საზოგადოების ხალხი მოკლებულია გამოგონილ სიდიადეს და დაბალი კლასის მოდელები დამცირებულად არ გამოიყურებიან.
და მისი გმირებიც ძალიან ემოციურები არიან: იღიმებიან, იცინიან და ჟესტიკულაციას აკეთებენ. როგორიც, მაგალითად, ეს "ბოშა" ეშმაკური მზერით.
ფრანს ჰალსი. ბოშა. 1625-1630 წწ ჰალსმა რემბრანდტის მსგავსად სიცოცხლე სიღარიბეში დაასრულა. იმავე მიზეზით. მისი რეალიზმი ეწინააღმდეგებოდა მისი მომხმარებლების გემოვნებას. ვისაც სურდა მათი გარეგნობა შელამაზებულიყო. ჰალსმა არ მიიღო აშკარა მლიქვნელობა და ამით ხელი მოაწერა საკუთარ განაჩენს - "დავიწყება".
3. ჟერარ ტერბორხი (1617-1681 წწ.)
ჟერარ ტერბორხი. Ავტოპორტრეტი. 1668 სამეფო გალერეა Mauritshuis, ჰაგა, ნიდერლანდები თერბორხი ყოველდღიური ჟანრის ოსტატი იყო. მდიდარი და არც თუ ისე მდიდარი ბურგერები თავისუფლად საუბრობენ, ქალბატონები კითხულობენ წერილებს და მყიდველი უყურებს შეყვარებულობას. ორი ან სამი მჭიდროდ დაშორებული ფიგურა.
სწორედ ამ ოსტატმა განავითარა ყოველდღიური ჟანრის კანონები. რომელიც მოგვიანებით ისესხეს იან ვერმეერმა, პიტერ დე ჰუჩმა და სხვა ბევრმა „პატარა“ ჰოლანდიელმა.
ჟერარ ტერბორხი. ჭიქა ლიმონათი. 1660-იანი წლები. სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმი, სანქტ-პეტერბურგი „ჭიქა ლიმონათი“ ტერბორხის ერთ-ერთი ცნობილი ნამუშევარია. ეს მხატვრის კიდევ ერთ უპირატესობას აჩვენებს. კაბის ქსოვილის წარმოუდგენლად რეალისტური გამოსახულება.
არაჩვეულებრივი ნამუშევრები აქვს ტერბორჩსაც. რაც ბევრს მეტყველებს მის სურვილზე, გასცდეს მომხმარებლის მოთხოვნებს.
მისი "The Grinder" გვიჩვენებს ჰოლანდიის უღარიბესი ხალხის ცხოვრებას. ჩვენ შეჩვეულები ვართ "პატარა" ჰოლანდიელების ნახატებში მყუდრო ეზოებისა და სუფთა ოთახების ხილვას. მაგრამ ტერბორხმა გაბედა უსიამოვნო ჰოლანდიის ჩვენება.
ჟერარ ტერბორხი. საფქვავი. 1653-1655 წწ ბერლინის სახელმწიფო მუზეუმები როგორც გესმით, ასეთი სამუშაო არ იყო მოთხოვნადი. და ისინი იშვიათი მოვლენაა თუნდაც ტერბორხში.
4. იან ვერმეერი (1632-1675 წწ.)
იან ვერმეერი. მხატვრის სახელოსნო. 1666-1667 წწ Kunsthistorisches მუზეუმი, ვენა ზუსტად არ არის ცნობილი, როგორ გამოიყურებოდა იან ვერმეერი. მხოლოდ აშკარაა, რომ ნახატში "მხატვრის სახელოსნო" მან საკუთარი თავი გამოავლინა. სიმართლე უკნიდან.
ამიტომ გასაკვირია, რომ ახლახან ცნობილი გახდა ახალი ფაქტი ოსტატის ცხოვრებიდან. ეს უკავშირდება მის შედევრს "დელფტის ქუჩას".
იან ვერმეერი. დელფტის ქუჩა. 1657 Rijksmuseum ამსტერდამში აღმოჩნდა, რომ ვერმეერმა ბავშვობა ამ ქუჩაზე გაატარა. სურათზე გამოსახული სახლი დეიდას ეკუთვნოდა. მან იქ გაზარდა თავისი ხუთი შვილი. ალბათ ის კარის ზღურბლზე ზის და კერავს, ხოლო მისი ორი შვილი ტროტუარზე თამაშობს. მოპირდაპირე სახლში თავად ვერმეერი ცხოვრობდა.
მაგრამ უფრო ხშირად იგი ასახავდა ამ სახლების ინტერიერს და მათ მცხოვრებლებს. როგორც ჩანს, ნახატების ნაკვეთები ძალიან მარტივია. აქ არის ლამაზი ქალბატონი, მდიდარი ქალაქის მცხოვრები, რომელიც ამოწმებს მისი სასწორის მუშაობას.
იან ვერმეერი. ქალი სასწორით. 1662-1663 წწ ხელოვნების ეროვნული გალერეა, ვაშინგტონი რატომ გამოირჩეოდა ვერმეერი ათასობით სხვა "პატარა" ჰოლანდიელებს შორის?
ის იყო სინათლის უბადლო ოსტატი. ნახატში „ქალი სასწორებით“ შუქი რბილად აკრავს ჰეროინის სახეს, ქსოვილებსა და კედლებს. გამოსახულებას უცნობი სულიერების მინიჭება.
და ვერმეერის ნახატების კომპოზიციები საგულდაგულოდ არის გადამოწმებული. ვერც ერთ ზედმეტ დეტალს ვერ ნახავთ. საკმარისია ერთი მათგანის ამოღება, სურათი "დაიშლება" და ჯადოქრობა გაქრება.
ეს ყველაფერი ვერმეერისთვის ადვილი არ იყო. ასეთ გასაოცარ ხარისხს შრომატევადი შრომა მოითხოვდა. წელიწადში მხოლოდ 2-3 ნახატი. შედეგად, ოჯახის გამოკვების შეუძლებლობა. ვერმეერი ასევე მუშაობდა ხელოვნების დილერად, ყიდდა სხვა მხატვრების ნამუშევრებს.
5. პიტერ დე ჰუჩი (1629-1884 წწ.)
პიტერ დე ჰუჩი. Ავტოპორტრეტი. 1648-1649 წწ Rijksmuseum, ამსტერდამი ჰოხს ხშირად ადარებენ ვერმეერს. პარალელურად მუშაობდნენ, ერთ ქალაქში პერიოდიც კი იყო. და ერთ ჟანრში - ყოველდღიური. ჰოჩში ასევე ვხედავთ ერთ ან ორ ფიგურას მყუდრო ჰოლანდიურ ეზოებსა თუ ოთახებში.
ღია კარები და ფანჯრები მისი ნახატების სივრცეს ფენოვანსა და გასართობს ხდის. და ფიგურები ძალიან ჰარმონიულად ჯდება ამ სივრცეში. როგორც, მაგალითად, მის ნახატში "მოახლე გოგონასთან ერთად ეზოში".
პიტერ დე ჰუჩი. მოახლე გოგონასთან ერთად ეზოში. 1658 ლონდონის ეროვნული გალერეა
მე-20 საუკუნემდე ჰოჩს ძალიან აფასებდნენ. მაგრამ ცოტამ თუ შეამჩნია მისი კონკურენტ ვერმეერის მცირე ნამუშევრები.
მაგრამ მე-20 საუკუნეში ყველაფერი შეიცვალა. ჰოხის დიდება გაქრა. თუმცა ძნელია არ აღიარო მისი მიღწევები ფერწერაში. რამდენიმე ადამიანს შეუძლია ასე კომპეტენტურად შეუთავსოს გარემო და ხალხი.
პიტერ დე ჰუჩი. ბანქოს მოთამაშეები მზიან ოთახში. 1658 სამეფო ხელოვნების კოლექცია, ლონდონი გთხოვთ გაითვალისწინოთ, რომ მოკრძალებულ სახლში ტილოზე "ბარათის მოთამაშეები" არის ნახატი ჩამოკიდებული ძვირადღირებულ ჩარჩოში.
ეს კიდევ ერთხელ აჩვენებს, თუ რამდენად პოპულარული იყო მხატვრობა ჩვეულებრივ ჰოლანდიელებში. ნახატები ამშვენებდა ყველა სახლს: მდიდარი ბურგერის, მოკრძალებული ქალაქის მკვიდრის და თუნდაც გლეხის სახლს.
6. იან სტინი (1626-1679 წწ.)
იან სტინი. ავტოპორტრეტი ლაითით. 1670-იანი წლები Thyssen-Bornemisza მუზეუმი, მადრიდი იან სტინი ალბათ ყველაზე მხიარული "პატარა" ჰოლანდიელია. მაგრამ უყვარს მორალური სწავლება. ის ხშირად ასახავდა ტავერნებს ან ღარიბ სახლებს, რომლებშიც მანკიერება არსებობდა.
მისი მთავარი გმირები არიან მოქეიფეები და მარტივი სათნოების მქონე ქალბატონები. მას სურდა მაყურებლის გართობა, მაგრამ ლაღად გააფრთხილა იგი მანკიერი ცხოვრების შესახებ.
იან სტინი. არეულობაა. 1663 Kunsthistorisches მუზეუმი, ვენა სტენს უფრო მშვიდი ნამუშევრებიც აქვს. მაგალითად, "დილის ტუალეტი". მაგრამ აქაც არტისტი მაყურებელს ზედმეტად გამჟღავნებული დეტალებით აოცებს. შემორჩენილია ელასტიკის კვალი და არა ცარიელი კამერული ქოთანი. და რატომღაც სულაც არ არის მიზანშეწონილი, რომ ძაღლი ბალიშზე იწვა.
იან სტინი. დილის ტუალეტი. 1661-1665 წწ Rijksmuseum, ამსტერდამი მაგრამ მიუხედავად ყველა უაზრობისა, სტენის ფერადი სქემები ძალიან პროფესიონალურია. ამით ის ბევრ "პატარა ჰოლანდიელზე" აღემატებოდა. შეხედეთ, რა იდეალურად უხდება წითელი წინდა ლურჯ ქურთუკსა და ნათელ კრემისფერ ხალიჩას.
7. იაკობს ვან რუისდაელი (1629-1882 წწ.)
რუისდაელის პორტრეტი. ლითოგრაფია მე-19 საუკუნის წიგნიდან. "ბურგერი" ბაროკო ჰოლანდიურ ფერწერაშიXVIIვ. – ყოველდღიური ცხოვრების ასახვა (P. de Hooch, Vermeer). კალფის „მდიდრული“ ნატურმორტები. ჯგუფური პორტრეტი და მისი მახასიათებლები ჰალსის და რემბრანდტის მიერ. მითოლოგიური და ბიბლიური სცენების ინტერპრეტაცია რემბრანდტის მიერ.
მე -17 საუკუნის ჰოლანდიური ხელოვნება
მე-17 საუკუნეში ჰოლანდია გახდა მოდელი კაპიტალისტური ქვეყანა. იგი აწარმოებდა ფართო კოლონიალურ ვაჭრობას, გააჩნდა ძლიერი ფლოტი და გემთმშენებლობა ერთ-ერთი წამყვანი ინდუსტრია იყო. პროტესტანტიზმი (კალვინიზმი, როგორც მისი ყველაზე მკაცრი ფორმა), რომელმაც მთლიანად ჩაანაცვლა კათოლიკური ეკლესიის გავლენა, განაპირობა ის, რომ ჰოლანდიაში სასულიერო პირებს არ ჰქონდათ ისეთივე გავლენა ხელოვნებაზე, როგორც ფლანდრიაში და განსაკუთრებით ესპანეთში ან იტალიაში. ჰოლანდიაში ეკლესია არ თამაშობდა ხელოვნების ნიმუშების დამკვეთის როლს: ეკლესიები არ იყო მორთული საკურთხევლის გამოსახულებებით, რადგან კალვინიზმი უარყოფდა ფუფუნების ნებისმიერ მინიშნებას; პროტესტანტული ეკლესიები იყო მარტივი არქიტექტურით და არანაირად არ იყო მორთული შიგნით.
მე-18 საუკუნის ჰოლანდიური ხელოვნების მთავარი მიღწევა. - დაზგური ფერწერაში. ადამიანი და ბუნება იყო ჰოლანდიელი მხატვრების დაკვირვებისა და გამოსახვის ობიექტები. საყოფაცხოვრებო მხატვრობა ხდება ერთ-ერთი წამყვანი ჟანრი, რომლის შემქმნელებმა ისტორიაში მიიღეს სახელი "პატარა ჰოლანდიელები". ასევე წარმოდგენილია სახარების და ბიბლიის თემებზე დაფუძნებული ნახატები, მაგრამ არა ისე, როგორც სხვა ქვეყნებში. ჰოლანდიაში არასოდეს ყოფილა კავშირი იტალიასთან და კლასიკურმა ხელოვნებამ ისეთი როლი არ შეასრულა, როგორც ფლანდრიაში.
რეალისტური ტენდენციების დაუფლება, თემების გარკვეული დიაპაზონის განვითარება, ჟანრების დიფერენციაცია, როგორც ერთიანი პროცესი, დასრულდა XVII საუკუნის 20-იან წლებში. მე -17 საუკუნის ჰოლანდიური მხატვრობის ისტორია. შესანიშნავად აჩვენებს ჰოლანდიის ერთ-ერთი უდიდესი პორტრეტის მხატვრის, ფრანს ჰალსის (დაახლოებით 1580-1666) შემოქმედების ევოლუციას. 10-30-იან წლებში ჰალსი ბევრს მუშაობდა ჯგუფური პორტრეტების ჟანრში. ამ წლების ტილოებიდან გამოიყურებიან მხიარული, ენერგიული, ინიციატივიანი ადამიანები, საკუთარ შესაძლებლობებში და მომავალზე დარწმუნებულნი („სენტ. ადრიანის მსროლელთა გილდია“, 1627 და 1633 წ.;
„მსროლელთა გილდია წმ. გიორგი“, 1627 წ.).
მკვლევარები ხანდახან ჰალსის ინდივიდუალურ პორტრეტებს ჟანრის პორტრეტებს უწოდებენ გამოსახულების განსაკუთრებული სპეციფიკის გამო. ჰულსის ესკიზური სტილი, მისი თამამი წერა, როდესაც ფუნჯის მოსმით ძერწავს ფორმაც და მოცულობაც და გადმოსცემს ფერს.
გვიანი პერიოდის ჰალსის პორტრეტებში (50-60-იანი წლები) ქრება გამოსახული პიროვნებების პერსონაჟებში უდარდელი ოსტატობა, ენერგია და ინტენსივობა. მაგრამ შემოქმედების გვიან პერიოდში ჰალსმა მიაღწია ოსტატობის მწვერვალს და შექმნა ყველაზე ღრმა ნაწარმოებები. მისი ნახატების შეღებვა თითქმის მონოქრომული ხდება. გარდაცვალებამდე ორი წლით ადრე, 1664 წელს, ჰალსი კვლავ დაუბრუნდა ჯგუფურ პორტრეტს. მოხუცთა თავშესაფრის მეფისნაცვლებისა და რეგენტების ორ პორტრეტს ხატავს, რომელთაგან ერთ-ერთში სიცოცხლის ბოლოს თავად იპოვა თავშესაფარი. რეგენტების პორტრეტში არ არის წინა კომპოზიციების ამხანაგობის სული, მოდელები დაშლილები, უძლურები არიან, დუნე მზერა აქვთ, სახეზე ნგრევა ეწერა.
ჰალსის ხელოვნებას დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა თავისი დროისთვის, მან გავლენა მოახდინა არა მხოლოდ პორტრეტების, არამედ ყოველდღიური ჟანრების, პეიზაჟების და ნატურმორტების განვითარებაზე.
განსაკუთრებით საინტერესოა მე-17 საუკუნის ჰოლანდიის ლანდშაფტის ჟანრი. ჰოლანდია გამოსახულია იან ვან გოიენის (1596-1656) და სალომონ ვან რუისდაელის (1600/1603-1670) მიერ.
ჰოლანდიურ სკოლაში ლანდშაფტის მხატვრობის აყვავება მე-17 საუკუნის შუა ხანებიდან იწყება. რეალისტური ლანდშაფტის უდიდესი ოსტატი იყო იაკობ ვან რუისდაელი (1628/29-1682), მისი ნამუშევრები, როგორც წესი, სავსეა ღრმა დრამატულობით, მიუხედავად იმისა, ასახავს თუ არა ტყის ბუჩქებს („ტყის ჭაობი“).
პეიზაჟები ჩანჩქერით ("ჩანჩქერი") ან რომანტიული პეიზაჟი სასაფლაოებით ("ებრაული სასაფლაო").
რუისდაელის ბუნება ჩნდება დინამიკაში, მარადიულ განახლებაში.
ანიმალისტური ჟანრი მჭიდროდ არის დაკავშირებული ჰოლანდიურ ლანდშაფტთან. ალბერტ კუიპის საყვარელი მოტივი არის ძროხები საწყალში ("მზის ჩასვლა მდინარეზე", "ძროხები ნაკადის ნაპირზე").
ნატურმორტი ბრწყინვალე განვითარებას აღწევს. ჰოლანდიური ნატურმორტი, ფლამანდურისგან განსხვავებით, ინტიმური ხასიათის ნახატია, მოკრძალებული ზომისა და მოტივებით. Pieter Claes (დაახლოებით 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) ყველაზე ხშირად ასახავდნენ ეგრეთ წოდებულ საუზმეებს: კერძებს ლორით ან ღვეზელით შედარებით მოკრძალებულად მირთმეულ მაგიდაზე. ხედას "საუზმეებს" კალფის მდიდრული "დესერტები" ცვლის. უბრალო ჭურჭელს ცვლის მარმარილოს მაგიდები, ხალიჩის სუფრები, ვერცხლის თასები, მარგალიტის ჭურვისაგან დამზადებული ჭურჭელი და ბროლის ჭიქები. კალფი საოცარ ვირტუოზობას აღწევს ატმის, ყურძნისა და ბროლის ზედაპირის ტექსტურის გადმოცემაში.
XVII საუკუნის 20-30-იან წლებში. ჰოლანდიელებმა შექმნეს სპეციალური ტიპის მცირე ფიგურის მხატვრობა. 40-60-იანი წლები იყო მხატვრობის აყვავების დღე, რომელიც ადიდებდა ჰოლანდიის მშვიდ ბურგერულ ცხოვრებას, გაზომილი ყოველდღიური არსებობა.
ადრიან ვან ოსტადე (1610-1685) თავდაპირველად ასახავს გლეხობის ცხოვრების ჩრდილოვან მხარეებს („ბრძოლა“).
40-იანი წლებიდან მის შემოქმედებაში სატირული ნოტები სულ უფრო და უფრო შეიცვალა იუმორისტული ჩანაწერებით („სოფლის ტავერნაში“, 1660 წ.).
ხანდახან ამ პატარა ნახატებს დიდი ლირიკული გრძნობით აფერადებენ. ოსტადეს "მხატვარი სტუდიაში" (1663), რომელშიც მხატვარი ადიდებს შემოქმედებით მუშაობას, სამართლიანად ითვლება ოსტადეს მხატვრობის შედევრად.
მაგრამ "პატარა ჰოლანდიელების" მთავარი თემა მაინც არ არის გლეხის ცხოვრება, არამედ ბურგერული ცხოვრება. ჩვეულებრივ, ეს არის სურათები რაიმე მომხიბლავი სიუჟეტის გარეშე. ამ ტიპის ფილმებში ყველაზე სახალისო მთხრობელი იყო იან სტანი (1626-1679) ("მახალისებლები", "ნარდის თამაში"). ამაში კიდევ უფრო დიდ ოსტატობას მიაღწია ჟერარ ტერბორხმა (1617-1681).
განსაკუთრებით პოეტური ხდება "პატარა ჰოლანდიელების" ინტერიერი. ამ თემის ნამდვილი მომღერალი იყო პიტერ დე ჰუჩი (1629-1689). მისი ოთახები ნახევრად ღია ფანჯრით, შემთხვევით დაგდებული ფეხსაცმლით ან ცოცხით დატოვებული, ხშირად ადამიანის ფიგურის გარეშეა გამოსახული.
ჟანრული მხატვრობის ახალი ეტაპი იწყება 50-იან წლებში და ასოცირდება ეგრეთ წოდებულ დელფტის სკოლასთან, ისეთი მხატვრების სახელებით, როგორიცაა კარელ ფაბრიციუსი, ემანუელ დე ვიტე და იან ვერმეერი, რომლებიც ხელოვნების ისტორიაში ცნობილია როგორც დელფტის ვერმერი (1632-1675 წწ. ). ვერმეერის ნახატები არანაირად ორიგინალური არ ჩანს. ეს არის გაყინული ბურგერის ცხოვრების იგივე სურათები: კითხულობს წერილს, ჯენტლმენი და ქალბატონი საუბრობენ, მოახლეები აკეთებენ მარტივ საშინაო საქმეებს, ამსტერდამის ან დელფტის ხედები. ეს ნახატები მარტივია მოქმედებაში: "გოგონა კითხულობს წერილს",
"ჯენტლმენი და ქალბატონი ზურგზე"
„ოფიცერი და მოცინარი გოგონა“ და ა.შ. - სავსეა სულიერი სიცხადით, დუმილითა და სიმშვიდით.
ვერმეერის, როგორც მხატვრის მთავარი უპირატესობა სინათლისა და ჰაერის გადაცემაშია. მსუბუქი ჰაერის გარემოში ობიექტების დაშლამ, ამ ილუზიის შექმნის უნარმა, პირველ რიგში განსაზღვრა ვერმეერის აღიარება და დიდება ზუსტად მე-19 საუკუნეში.
ვერმეერმა გააკეთა ის, რაც არავის გაუკეთებია მე-17 საუკუნეში: მან დახატა პეიზაჟები ცხოვრებიდან ("ქუჩა", "დელფტის ხედი").
მათ შეიძლება ეწოდოს ჰაეროვანი მხატვრობის პირველი მაგალითები.
ჰოლანდიური რეალიზმის მწვერვალი, მე-17 საუკუნის ჰოლანდიური კულტურის ფერწერული მიღწევების შედეგი, არის რემბრანდტის შემოქმედება. ჰარმენს ვან რეინ რემბრანდტი (1606-1669) დაიბადა ლეიდენში. 1632 წელს რემბრანდტი გაემგზავრა ამსტერდამში, ჰოლანდიის მხატვრული კულტურის ცენტრში, რამაც ბუნებრივია მიიპყრო ახალგაზრდა მხატვარი. 30-იანი წლები იყო მისი უდიდესი დიდების დრო, რომლის გზაც მხატვრისთვის გაიხსნა 1632 წლის დიდი შეკვეთილი ნახატით - ჯგუფური პორტრეტი, რომელიც ასევე ცნობილია როგორც "ექიმ ტულპის ანატომია", ან "ანატომიის გაკვეთილი".
1634 წელს რემბრანდტი დაქორწინდა გოგონაზე, მდიდარი ოჯახიდან, სასკია ვან უილენბორხზე. მისი ცხოვრების ყველაზე ბედნიერი პერიოდი იწყება. ის ხდება ცნობილი და მოდური მხატვარი.
მთელი ეს პერიოდი რომანტიკით არის მოცული. რემბრანდტის ამ წლების მსოფლმხედველობა ყველაზე ნათლად არის გადმოცემული ცნობილი "ავტოპორტრეტი სასკია მუხლებზე" (დაახლოებით 1636 წ.). მთელი ტილო გაჟღენთილია სიცოცხლის გულწრფელი სიხარულით და სიხარულით.
ბაროკოს ენა ყველაზე ახლოს არის მაღალი სულისკვეთების გამოხატვასთან. და რემბრანდტმა ამ პერიოდში დიდი გავლენა მოახდინა იტალიური ბაროკოს მიერ.
1635 წლის ნახატის "აბრაამის მსხვერპლშეწირვის" პერსონაჟები ჩვენს წინაშე რთული კუთხით ჩნდებიან. კომპოზიცია უაღრესად დინამიურია, აგებულია ბაროკოს ყველა წესის მიხედვით.
იმავე 30-იან წლებში რემბრანდტმა პირველად დაიწყო სერიოზულად ჩართვა გრაფიკით, პირველ რიგში, ოქროთი. რემბრანდტის ოქროვები ძირითადად ბიბლიური და ევანგელური თემებია, მაგრამ მის ნახატებში, როგორც ნამდვილი ჰოლანდიელი მხატვარი, ის ხშირად მიმართავს ამ ჟანრს. მხატვრის შემოქმედების ადრეული პერიოდისა და მისი შემოქმედებითი სიმწიფის მიჯნაზე, ჩვენ წინაშე ჩნდება მისი ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ნახატი, რომელიც ცნობილია როგორც "ღამის დარაჯი" (1642) - კაპიტანი ბანინგი კოკის თოფის კომპანიის ჯგუფური პორტრეტი.
მან გააფართოვა ჟანრის ფარგლები, წარმოადგინა საკმაოდ ისტორიული სურათი: განგაშის სიგნალის შემდეგ, ბანინგ მამლის რაზმი მიემართება კამპანიაში. ზოგი მშვიდი და თავდაჯერებულია, ზოგი აღფრთოვანებულია მომავალის მოლოდინით, მაგრამ ყველა ატარებს ზოგადი ენერგიის, პატრიოტული ენთუზიაზმის და სამოქალაქო სულის ტრიუმფის გამოხატვას.
რემბრანდტის მიერ დახატული ჯგუფური პორტრეტი განვითარდა ეპოქისა და საზოგადოების გმირულ გამოსახულებად.
ნახატი უკვე იმდენად ბნელი იყო, რომ ღამის სცენის გამოსახულებად ითვლებოდა, აქედან გამომდინარე მისი არასწორი სახელი. ლეიტენანტის მსუბუქ ტანსაცმელზე კაპიტნის ფიგურის ჩრდილი მოწმობს, რომ ღამეა არა, დღე.
იმავე 1642 წელს სასკიას გარდაცვალებასთან ერთად მოხდა რემბრანდტის ბუნებრივი გაწყვეტა მისთვის უცხო პატრიციულ წრეებთან.
40-50-იანი წლები შემოქმედებითი სიმწიფის დროა. ამ პერიოდში ის ხშირად მიმართავს წინა ნამუშევრებს, რათა ახლებურად გადააკეთოს ისინი. ასე იყო, მაგალითად, „დანაეს“ შემთხვევაში, რომელიც მან ჯერ კიდევ 1636 წელს დახატა. 40-იან წლებში ნახატზე გადასვლით მხატვარმა ემოციური მდგომარეობა გააძლიერა.
მან გადაწერა ცენტრალური ნაწილი ჰეროინთან და მოახლესთან ერთად. დანაეს აწეული ხელის ახალი ჟესტი მისცა, მან გადასცა მას დიდი აღელვება, სიხარულის გამოხატვა, იმედი, მიმართვა.
40-50-იან წლებში რემბრანდტის ოსტატობა სტაბილურად იზრდებოდა. ის ინტერპრეტაციისთვის ირჩევს ადამიანის არსებობის ყველაზე ლირიკულ, პოეტურ ასპექტებს, იმ კაცობრიობას, რომელიც არის მარადიული, ყოვლისმომცველი: დედობრივი სიყვარული, თანაგრძნობა. წმინდა წერილი მას ყველაზე მეტ მასალას აწვდის, მისგან კი - წმინდა ოჯახის ცხოვრების სცენებს, რემბრანდტი ასახავს უბრალო ცხოვრებას, უბრალო ადამიანებს, როგორც ნახატში "წმინდა ოჯახი".
ბოლო 16 წელი ყველაზე ტრაგიკული წლებია რემბრანდტის ცხოვრებაში; დანგრეულია და ბრძანება არ აქვს. მაგრამ ეს წლები სავსე იყო საოცარი შემოქმედებითი აქტივობით, რის შედეგადაც შეიქმნა თვალწარმტაცი გამოსახულებები, განსაკუთრებული მონუმენტური ხასიათითა და სულიერებით, ღრმად ფილოსოფიური ნაწარმოებებით. რემბრანტის ამ წლების მცირე ზომის ნამუშევრებიც კი არაჩვეულებრივი სიდიადე და ნამდვილი მონუმენტურობის შთაბეჭდილებას ქმნიან. ფერი იძენს ჟღერადობას და ინტენსივობას. მისი ფერები თითქოს სინათლეს ასხივებენ. გვიანი რემბრანდტის პორტრეტები ძალიან განსხვავდება 30-იანი და 40-იანი წლების პორტრეტებისაგან. ეს არის ძალიან მარტივი (ნახევრად სიგრძის ან თაობის) გამოსახულებები მხატვართან ახლოს მყოფი ადამიანების შინაგან სტრუქტურაში. რემბრანდტმა მიაღწია დახასიათების უდიდეს დახვეწილობას თავის ავტოპორტრეტებში, რომელთაგან ასამდე ჩვენამდე მოვიდა. ჯგუფური პორტრეტების ისტორიაში ბოლო ნამუშევარი იყო რემბრანდტის მიერ ტანსაცმლის სახელოსნოს უხუცესების გამოსახვა - ეგრეთ წოდებული „სინდიკები“ (1662), სადაც მწირი საშუალებებით რემბრანდტმა შექმნა ცოცხალი და ამავე დროს განსხვავებული ადამიანური ტიპები, მაგრამ. რაც მთავარია, მან შეძლო სულიერი გაერთიანების, ურთიერთგაგებისა და ადამიანებს შორის ურთიერთკავშირის გრძნობის გადმოცემა.
მოწიფულ წლებში (ძირითადად 50-იან წლებში) რემბრანდტმა შექმნა თავისი საუკეთესო ოქროები. მას, როგორც ოქროპირს, მსოფლიო ხელოვნებაში ტოლი არ ჰყავს. ყველა მათგანში გამოსახულებებს ღრმა ფილოსოფიური მნიშვნელობა აქვს; ისინი საუბრობენ არსებობის საიდუმლოებებზე, ადამიანის ცხოვრების ტრაგედიაზე.
ის ბევრს ხატავს. რემბრანდტმა დატოვა 2000 ნახატი. მათ შორისაა ესკიზები ცხოვრებიდან, ესკიზები ნახატებისთვის და მზადება ოხრებისთვის.
XVII საუკუნის ბოლო მეოთხედში. იწყება ჰოლანდიური ფერწერის სკოლის დაცემა, მისი ეროვნული თვითმყოფადობის დაკარგვა და მე-18 საუკუნის დასაწყისიდან იწყება ჰოლანდიური რეალიზმის დიდი ეპოქის დასასრული.
ჰოლანდიური მხატვრობაწარმოიშვა მე-17 საუკუნის პირველ წლებში. ჰოლანდიური ფერწერის სკოლა იყო დამოუკიდებელი, დიდი, დამოუკიდებელი სკოლა უნიკალური და განუმეორებელი მახასიათებლებითა და იდენტობით.
მე-17 საუკუნემდე ჰოლანდია არ გამოირჩეოდა ეროვნული მხატვრების სიმრავლით. მიუხედავად იმისა, რომ ეს ქვეყანა იყო ერთი სახელმწიფო ფლანდრიასთან, ძირითადად ფლანდრიაში იყო ინტენსიურად შექმნილი და განვითარებული ორიგინალური მხატვრული მოძრაობები.
ფლანდრიაში მოღვაწეობდნენ გამოჩენილი მხატვრები ვან ეიკი, მემლინგი, როჟე ვან დერ ვეიდენი, რომელთა მსგავსი ჰოლანდიაში არ მოიძებნა. მე-16 საუკუნის დასაწყისში მხატვრობაში მხოლოდ გენიოსის ცალკეული აფეთქებები შეიძლება აღინიშნოს, ეს არის მხატვარი და გრავიორი ლუკა ლეიდენელი, რომელიც ბრიუგეს სკოლის მიმდევარია. მაგრამ ლუკა ლეიდენს არ შეუქმნია არც ერთი სკოლა. იგივე შეიძლება ითქვას ჰარლემელ მხატვარ დირკ ბუტსზე, რომლის შემოქმედება თითქმის არ გამოირჩევა ფლამანდური სკოლის წარმოშობის სტილისა და მანერის ფონზე, მხატვრებზე მოსტერტზე, სკორელზე და ჰემსკერკეზე, რომლებიც, მიუხედავად მათი მნიშვნელობისა, არ არის ინდივიდუალური ნიჭი, რომელიც მათ ორიგინალურობით ახასიათებს ქვეყანას.
მე-16 საუკუნის ბოლოს, როდესაც პორტრეტებმა უკვე შექმნეს სკოლა, დაიწყეს სხვა მხატვრების გამოჩენა და ჩამოყალიბება. ნიჭის მრავალფეროვნება იწვევს ფერწერის განვითარების მრავალ სხვადასხვა მიმართულებასა და გზას. ჩნდებიან რემბრანდტის უშუალო წინამორბედები - მისი მასწავლებლები იან პეისი და პიტერ ლასტმანი. ჟანრული მეთოდებიც უფრო თავისუფალი ხდება - ისტორიულობა ისეთი სავალდებულო არ არის, როგორც ადრე. იქმნება განსაკუთრებული, ღრმად ეროვნული და თითქმის ისტორიული ჟანრი - ჯგუფური პორტრეტები, რომლებიც განკუთვნილია საზოგადოებრივი ადგილებისთვის - მერიებისთვის, კორპორაციებისთვის, სახელოსნოებისთვის და თემებისთვის.
ეს მხოლოდ დასაწყისია, თავად სკოლა ჯერ არ არსებობს. ბევრი ნიჭიერი მხატვარია, მათ შორის არიან გამოცდილი ხელოსნები, რამდენიმე დიდი მხატვარი: მორელსე, იან რავეშტეინი, ლასტმანი, ფრანს ჰალსი, პულენბურგი, ვან შოტენი, ვან დე ვენი, თომას დე კეიზერი, ჰონთჰორსტი, კეიპ უფროსი, ბოლოს, ესაიას ვან. დე ველდე და ვან გოიენი - ყველა მათგანი დაიბადა მე -16 საუკუნის ბოლოს.
განვითარებაში ჰოლანდიური მხატვრობაეს იყო კრიტიკული მომენტი. არასტაბილური პოლიტიკური ბალანსის პირობებში ყველაფერი მხოლოდ შემთხვევითობაზე იყო დამოკიდებული. ფლანდრიაში, სადაც მსგავსი გამოღვიძება დაფიქსირდა, პირიქით, უკვე იყო თავდაჯერებულობისა და სტაბილურობის გრძნობა, რომელიც ჯერ კიდევ არ იყო ჰოლანდიაში. ფლანდრიაში უკვე არსებობდნენ მხატვრები, რომლებიც ჩამოყალიბდნენ ან ახლოს იყვნენ მასთან.
ამ ქვეყანაში პოლიტიკური და სოციალურ-ისტორიული პირობები უფრო ხელსაყრელი იყო. არსებობდა სერიოზული მიზეზები იმისა, რომ ფლანდრია მეორედ გამხდარიყო ხელოვნების დიდი ცენტრი. ამისთვის ორი რამ აკლდა: რამდენიმე წელი მშვიდობა და ოსტატი, რომელიც სკოლის შემოქმედი იქნებოდა.
1609 წელს ჰოლანდიის ბედი გადაწყდა, ზავის ხელშეკრულების (ესპანეთსა და ნიდერლანდებს შორის) და გაერთიანებული პროვინციების ოფიციალური აღიარების შემდეგ, მაშინვე სიმშვიდე მოხდა. საოცარია, რა მოულოდნელად და რა მოკლე დროში - არაუმეტეს ოცდაათი წლისა - პატარა სივრცეში, უმადური უდაბნოს ნიადაგზე, მძიმე საცხოვრებელ პირობებში, მხატვრების და, თანაც, დიდი მხატვრების შესანიშნავი გალაქტიკა გამოჩნდა.
ისინი გამოჩნდნენ მაშინვე და ყველგან: ამსტერდამში, დორდრეხტში, ლეიდენში, დელფტში, უტრეხტში, როტერდამში, ჰარლემში, თუნდაც საზღვარგარეთ - თითქოს მინდვრის გარეთ დავარდნილი თესლიდან. ყველაზე ადრეული არიან იან ვან გოიენი და ვიჯანცი, რომლებიც დაიბადნენ საუკუნის ბოლოს. და შემდგომში, საუკუნის დასაწყისიდან მისი პირველი მესამედის ბოლომდე - კუიპი, ტერბორხი, ბროუერი, რემბრანდტი, ადრიან ვან ოსტადე, ფერდინანდ ბოლი, ჟერარდ დაუ, მეცუ, ვენიქსი, ვაუერმანი, ბერჩემი, პოტერი, იან სტეინი. , იაკობ რუისდაელი. შემდეგი არის პიტერ დე ჰუჩი, ჰობემა. ბოლო დიდები იყვნენ ვან დერ ჰეიდენი და ადრიან ვან დე ველდე 1636 და 1637 წლებში. დაახლოებით ეს წლები შეიძლება ჩაითვალოს ჰოლანდიური სკოლის პირველი ყვავილობის დროდ. საჭირო იყო ერისთვის ხელოვნების შექმნა.
ჰოლანდიური მხატვრობა, იყო და შეიძლება იყოს მხოლოდ გარეგნული გარეგნობის გამოხატულება, ჰოლანდიის ნამდვილი, ზუსტი, მსგავსი პორტრეტი. ჰოლანდიური ფერწერის სკოლის ძირითადი ელემენტები იყო პორტრეტები, პეიზაჟები და ყოველდღიური სცენები. ჰოლანდიური სკოლა უკვე საუკუნეა იზრდება და მოქმედებს.
ჰოლანდიელმა მხატვრებმა აღმოაჩინეს საგნები და ფერები, რათა დაეკმაყოფილებინათ ნებისმიერი ადამიანური მიდრეკილება და ლტოლვა. ჰოლანდიური პალიტრა საკმაოდ იმსახურებს მათ ნახატს, აქედან გამომდინარე, მათი ხატვის მეთოდის სრულყოფილი ერთიანობა. ნებისმიერი ჰოლანდიური ნახატი ადვილად ამოსაცნობია მისი გარეგნობით. ის მცირე ზომისაა და გამოირჩევა ძლიერი, მკაცრი ფერებით. ამას მხატვრისგან დიდი სიზუსტე, სტაბილური ხელი და ღრმა კონცენტრაცია სჭირდება.
ზუსტად ჰოლანდიური მხატვრობაიძლევა ყველაზე ნათელ წარმოდგენას ამ ფარული და მარადიული პროცესის შესახებ: გრძნობა, ფიქრი და გამოხატვა. მსოფლიოში უფრო მდიდარი სურათი არ არსებობს, რადგან სწორედ ჰოლანდიელები აერთიანებენ ამდენ შინაარსს ასეთ პატარა სივრცეში. ამიტომ აქ ყველაფერი ზუსტ, შეკუმშულ და შეკუმშულ ფორმას იღებს.
ჰოლანდიური ფერწერის უფრო სრულყოფილი სურათისთვის საჭირო იქნებოდა დეტალურად განვიხილოთ ამ მოძრაობის ელემენტები, მეთოდების თავისებურებები და პალიტრის ბუნება. ჰოლანდიური ხელოვნების ძირითადი ნიშნების აღწერა საშუალებას გვაძლევს განვასხვავოთ ეს სკოლა სხვებისგან და მივყვეთ მის წარმოშობას.
ექსპრესიული სახით ილუსტრაცია ჰოლანდიური მხატვრობა, არის ადრიან ვან ოსტადეს ნახატი ამსტერდამის მუზეუმიდან "მხატვრის ატელიე". ეს თემა ჰოლანდიელი მხატვრების ერთ-ერთი ფავორიტი იყო. ჩვენ ვხედავთ ყურადღებიან მამაკაცს, ოდნავ მოხრილს, მომზადებული პალიტრით, თხელი, სუფთა ფუნჯებით და გამჭვირვალე ზეთით. ბინდიში წერს. სახე კონცენტრირებული აქვს, ხელი უფრთხილდება.
მხოლოდ, ალბათ, ეს მხატვრები იყვნენ უფრო გაბედულები და იცოდნენ, როგორ უნდა გაეცინათ უდარდელად და დატკბნენ ცხოვრებით, ვიდრე გადარჩენილი სურათებიდან შეიძლება დავასკვნათ.
ჰოლანდიური ფერწერის სკოლას საფუძველი ჩაუყარეს იან ვან გოიენმა და იან ვან ვიჯანცმა XVII საუკუნის დასაწყისში, დაადგინეს ფერწერის ზოგიერთი კანონი.
შესავალი
1. პატარა ჰოლანდიელი
ჰოლანდიური ფერწერის სკოლა
ჟანრული მხატვრობა
4. სიმბოლიზმი. Ჯერ კიდევ ცოცხალი
რემბრანდტ ვან რინი
დელფტის ვერმეერი იან
დასკვნა
შესავალი
საკონტროლო სამუშაოს მიზანია:
· შემოქმედებითი პოტენციალის განვითარებაში;
· ხელოვნებისადმი ინტერესის ჩამოყალიბება;
· ცოდნის კონსოლიდაცია და შევსება.
ჰოლანდიური ხელოვნება მე-17 საუკუნეში დაიბადა. ეს ხელოვნება ითვლება დამოუკიდებლად და დამოუკიდებლად, მას აქვს გარკვეული ფორმები და მახასიათებლები.
მე-17 საუკუნემდე ჰოლანდიას არ ჰყავდა საკუთარი მნიშვნელოვანი მხატვრები ხელოვნებაში, რადგან ეკუთვნოდა ფლანდრიის შტატს. თუმცა, ამ პერიოდის განმავლობაში რამდენიმე მხატვარი აღინიშნება. ეს არის მხატვარი და გრავიორი ლუკა ლეიდენსკი (1494-1533), მხატვარი დირკ ბოტსი (1415-1475), მხატვარი სკორელი (1495-1562).
თანდათანობით, სხვადასხვა სკოლები აირია და ოსტატებმა დაკარგეს თავიანთი სკოლების გამორჩეული თვისებები და ჰოლანდიის დარჩენილ ხელოვანებს შეწყვიტეს ეროვნული შემოქმედების სულისკვეთება. ბევრი განსხვავებული და ახალი სტილი ჩნდება. მხატვრები ცდილობენ ხატვას ყველა ჟანრში, ეძებენ ინდივიდუალურ სტილს. წაშლილია ჟანრული მეთოდები: ისტორიულობა არ არის ისეთი საჭირო, როგორც ადრე. იქმნება ახალი ჟანრი - ჯგუფური პორტერები.
XVII საუკუნის დასაწყისში, როდესაც ჰოლანდიის ბედი წყდებოდა, ფილიპე III დათანხმდა ზავი ესპანეთსა და ნიდერლანდებს შორის. საჭირო იყო რევოლუცია, პოლიტიკური თუ სამხედრო სიტუაცია. დამოუკიდებლობისთვის ბრძოლამ გააერთიანა ხალხი. ომმა გააძლიერა ეროვნული სული. ესპანეთთან ხელმოწერილმა ხელშეკრულებებმა ჰოლანდიას თავისუფლება მისცა. ამან აიძულა საკუთარი და განსაკუთრებული ხელოვნების შექმნა, რომელიც გამოხატავდა ჰოლანდიელთა არსს.
ჰოლანდიელი მხატვრების თავისებურება იყო უმცირეს დეტალებამდე რეალური გამოსახულების შექმნა - გრძნობებისა და აზრების გამოვლინება. ეს არის ჰოლანდიური სკოლის საფუძველი. ის რეალისტურ ხელოვნებად იქცევა და მე-17 საუკუნის შუა ხანებისთვის ყველა სფეროში მწვერვალებს აღწევს.
ჰოლანდიისთვის დამახასიათებელია დაყოფა არა მხოლოდ ჟანრებად, არამედ მრავალ ქვეტიპებად. ზოგიერთი ოსტატი ხატავს სცენებს ბურგერებისა და ოფიცრების ცხოვრებიდან - პიტერ დე ჰუჩი (1495-1562), ჟერარ ტერბორხი (1617-1681), გაბრიელ მეცუ (1629-1667), ზოგი - გლეხის ცხოვრებიდან - ადრიან ვან ოსტადე (1610-1685 წწ.). ), მესამე - სცენები მეცნიერთა და ექიმების ცხოვრებიდან - გერიტ დუ (1613-1675); ლანდშაფტის მხატვრები - იან პორჩელისი (1584-1632), სიმონ დე ვლიგერი (1601-1653), ტყის კუთხეების გამომსახველები - მაინდერტ ჰობემა (1638-1609), ინტერიერის ოსტატები - პიტერ იანსენსი (1623-1682). დროდადრო ხელოვნების სკოლებში გარკვეული ჟანრი ტრადიციული ხდება. მაგალითად, ჰარლემის ნატურმორტი ე.წ. „საუზმეების“ მხატვრები - პიტერ კლეესი (1598-1661), ვილემ ჰედა (1594-1680).
მხატვრები აჩვენებენ წეს-ჩვეულებებს, ადამიანის ქცევის ეთიკურ და მორალურ სტანდარტებს. ხშირად ასახულია ოჯახური მოვლენები. ლანდშაფტის მხატვრები და ნატურმორტის მხატვრები ღია ცის ქვეშ გადმოსცემენ სინათლეს და ოსტატურად ასახავს საგნების ტექსტურას დახურულ სივრცეში. საყოფაცხოვრებო მხატვრობა სათავეშია იან სტეინის (1626-1679), გერჰარდ ტერბორხის (1617-1681), პიტერ დე ჰუჩის (1629-1624) წყალობით.
1. პატარა ჰოლანდიელი
პატარა ჰოლანდიელები მე-17 საუკუნის მხატვართა ჯგუფია, რომელიც „აერთიანებს“ მცირე ზომის ლანდშაფტისა და ყოველდღიური ჟანრის მხატვრებს (აქედან სახელწოდებაც). ასეთი ნახატები განკუთვნილი იყო საცხოვრებელი კორპუსების მოკრძალებული ინტერიერისთვის. ისინი იყიდეს ქალაქელებმა და გლეხებმა. ასეთ ნახატებს ახასიათებს სურათზე კომფორტის განცდა, დეტალების დახვეწილობა, პიროვნებასა და ინტერიერს შორის სიახლოვე.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. and S. van Ruisdael (1628-1682) და (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. ჰედა, ვ. კალფი (1619-1693), გ. ტერბორხი, გ. მეცუ, ა. ვან ოსტადე, ჯ. სტინი (1626-1679), ა. კუიპი (1620-1691) და ა.შ. თითოეული სპეციალიზირებულია, როგორც წესი. , ერთ კონკრეტულ ჟანრში. "პატარა ჰოლანდიელებმა" განაგრძეს რენესანსის ჰოლანდიელი ოსტატების ტრადიციები, რომლებიც ამტკიცებდნენ, რომ ხელოვნებამ არა მხოლოდ სიამოვნება უნდა მოიტანოს, არამედ ფასეულობებიც შეახსენოს.
მხატვრების შემოქმედება შეიძლება დაიყოს 3 ჯგუფად:
1630-იანი წლები - რეალიზმის დამკვიდრება ეროვნულ მხატვრობაში (წამყვანი მხატვრული ცენტრი იყო ჰარლემი, მნიშვნელოვანი ფაქტორი იყო ფ. ჰალსის გავლენა);
1640-1660 წწ - სამხატვრო სკოლის აყვავება (ხელოვნების ცენტრი გადადის ამსტერდამში, იზიდავს მხატვრებს სხვა ქალაქებიდან, რემბრანდტის გავლენა ხდება აქტუალური.<#"justify">2. ჰოლანდიური ფერწერის სკოლა
სამი მეოთხედი საუკუნის განმავლობაში ხელოვნების აღზევება გრძელდებოდა ნიდერლანდების ჩრდილოეთით, გაერთიანებული პროვინციების რესპუბლიკაში, რომელსაც ჰოლანდია ეძახიან. 1609 წელს ამ რესპუბლიკამ მიიღო სახელმწიფო სტატუსი. აქ გაჩნდა ბურჟუაზიული სახელმწიფო.
იტალიელი მხატვარი კარავაჯო (1571-1610) მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა რენესანსის მხატვრობაში. ის ძალიან რეალისტურად ხატავდა თავის ნახატებს და საგნებსა და ფიგურებს ჰქონდა მაღალი ქიაროსკუროს ტექნიკა.
ბევრი მხატვარი იყო და ისინი ცხოვრობდნენ პატარა ქალაქებში: ჰარლემში, დელფტში, ლეიდენში. თითოეულმა ამ ქალაქმა შექმნა საკუთარი სკოლა თავისი ჟანრული თემებით, მაგრამ ამსტერდამმა ყველაზე მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა ჰოლანდიური ხელოვნების განვითარებაში.
3. ჟანრული მხატვრობა
ჰოლანდიაში ლანდშაფტის ჟანრის პოპულარობასთან ერთად ჩნდება ახლები: მარინა - ზღვის პეიზაჟი, ქალაქის პეიზაჟი - ვედუტა, ცხოველების გამოსახულებები - ცხოველთა მხატვრობა. პიტერ ბრიუგელის ნამუშევრებმა მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა პეიზაჟზე (1525-1529 წწ.). ჰოლანდიელებმა დახატეს მშობლიური მიწის ბუნების საკუთარი უნიკალური სილამაზე. მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიური ფერწერის სკოლა გახდა ერთ-ერთი წამყვანი ევროპაში. ადამიანების გარემოცვა იქცა ხელოვანთა შთაგონების წყაროდ. ამ დროის ხელოვნებაში დასრულდა რენესანსში დაწყებული ჟანრების სისტემის ჩამოყალიბება. პორტრეტებში, ყოველდღიურ ნახატებში, პეიზაჟებსა და ნატურმორტებში მხატვრები გადმოსცემდნენ თავიანთ შთაბეჭდილებებს ბუნებისა და ყოველდღიურობის შესახებ. ყოველდღიური ფერწერის ჟანრში დაიწყო ახალი კონცეფცია - ჟანრული ფერწერა. ყოველდღიური ჟანრი განვითარდა ორ სახეობაში - გლეხური და ბურგერული (ურბანული) ჟანრი. ჟანრულ ნახატებში ასახულია კერძო პირის ცხოვრება: ქეიფები, ეკონომიური საქმიანობა, მუსიკის დაკვრა. მხატვრები ყურადღებას აქცევდნენ გარეგნობას, პოზებს და კოსტიუმებს. საგნები კომფორტის ნაწილი გახდა: მაჰოგანის მაგიდა, გარდერობი, ტყავით მოპირკეთებული სავარძელი, მუქი შუშის ჭურჭელი და მინა, ხილი. ეს ჟანრი ასახავდა სხვადასხვა კლასს მიკუთვნებული ადამიანების ქცევას და კომუნიკაციას.
გარარდ დოუს ნამუშევრები იმ დროს ძალიან პოპულარული იყო. ის ხატავს მოკრძალებულ სცენებს წვრილი ბურჟუაზიის ცხოვრებიდან. ხშირად გამოსახულია მოხუცი ქალები, რომლებიც მჯდომარე ბორბალთან ან კითხულობენ. დოუს აშკარა მიდრეკილებაა გამოსახოს საგნების ზედაპირები მის პატარა ნახატებში - ქსოვილის ნიმუშები, ნაოჭები ძველ სახეებზე, თევზის ქერცლები და ა.შ. (დანართი; სურ.
მაგრამ ჟანრულმა მხატვრობამ განიცადა ევოლუცია. ხელახლა ჩამოყალიბების პერიოდში ვრცელდებოდა სიუჟეტები დასვენების, გართობის, ოფიცრების ცხოვრებიდან სცენების თემაზე. ასეთ ნახატებს ეძახდნენ "საუზმე", "ბანკეტები", "საზოგადოებები", "კონცერტები". ეს ნახატი გამოირჩეოდა ფერთა მრავალფეროვნებითა და მხიარული ტონებით. ორიგინალური ჟანრი იყო "საუზმე". ეს არის ნატურმორტის სახეობა, რომელშიც მათი მფლობელების ხასიათი ჭურჭლისა და სხვადასხვა კერძების გამოსახულებით იყო გადმოცემული.
ყოველდღიური ჟანრი ჰოლანდიური სკოლის ყველაზე გამორჩეული და ორიგინალური ფენომენია, რომელმაც კერძო ადამიანის ყოველდღიურობა გაუხსნა მსოფლიო ხელოვნებას.
იან სტინი ასევე წერდა ხელოვნების ჟანრულ თემაზე. ის იუმორის გრძნობით აღნიშნავდა ყოველდღიური ცხოვრების დეტალებს და ადამიანებს შორის ურთიერთობებს. ნახატში "Revelers" თავად მხატვარი მხიარულად და ეშმაკურად უყურებს მაყურებელს, რომელიც მჯდომს ცოლის გვერდით, რომელსაც მხიარული ქეიფის შემდეგ ჩაეძინა. ფილმში კი, გმირების სახის გამომეტყველებითა და ჟესტებით, იან სტინი ოსტატურად ამჟღავნებს წარმოსახვითი ავადმყოფობის სიუჟეტს.
30-იანი წლების დასაწყისისთვის დასრულდა ჰოლანდიური ჟანრის მხატვრობის ფორმირება. ჟანრული მხატვრობა იყოფა სოციალური კრიტერიუმების მიხედვით: თემები ბურჟუაზიის ცხოვრებიდან და სცენები გლეხებისა და ქალაქელი ღარიბების ცხოვრებიდან.
ერთ-ერთი ცნობილი მხატვარი, რომელიც "გლეხურ ჟანრში" ხატავდა, იყო ადრიან ვან ოსტადი. შემოქმედების ადრეულ პერიოდში გლეხების გამოსახვა კომიკური იყო. ამრიგად, სურათზე, მკაცრი შუქით განათებული მებრძოლები, როგორც ჩანს, არა ცოცხალი ადამიანები, არამედ თოჯინები არიან. ცივი და თბილი ფერების შეხამება, სინათლის მკვეთრი კონტრასტები ქმნის ნიღბებს გაბრაზებული ემოციებით სახეზე.
მოგვიანებით, მხატვარი ხატავს სურათებს უფრო მშვიდი საგნებით, ასახავს ადამიანს ჩვეული საქმიანობის დროს, ყველაზე ხშირად დასვენების მომენტებში. მაგალითად, ინტერიერის ნახატი "სოფლის მუსიკოსები". Ostade გადმოსცემს "მუსიკოსების" კონცენტრაციას, ასახავს ბავშვებს, რომლებიც მათ ფანჯრიდან უყურებენ დახვეწილი იუმორით. ადრიანის ძმა ისააკ ვან ოსტადი, რომელიც ადრე გარდაიცვალა, ასევე მუშაობდა "გლეხის ჟანრში". ის ასახავდა ჰოლანდიის სოფლის ცხოვრებას. ნახატზე „ზამთრის ხედი“ წარმოდგენილია ტიპიური პეიზაჟი მიწაზე ჩამოკიდებული ნაცრისფერი ცა, გაყინული მდინარე, რომლის ნაპირებზე არის სოფელი.
XVII საუკუნის 50-60-იან წლებში ჟანრული მხატვრობის თემატიკა ვიწროვდება და სტრუქტურა შეიცვალა. ისინი ხდებიან უფრო მშვიდი, უფრო ლირიკული, უფრო მოაზროვნე. ეს ეტაპი წარმოდგენილია ისეთი მხატვრების შემოქმედებით, როგორებიც არიან: პიტერ დე ჰუჩი, ჟერარ ტერბორხი, გაბრიელ მეცუ, პიტერ იანსენსი. მათი ნამუშევრები ხასიათდება ჰოლანდიური ბურჟუაზიის ცხოვრების იდეალიზებული სურათით. ამრიგად, პიტერ იანსენსის ინტერიერის ნახატზე "ოთახი ჰოლანდიურ სახლში" მზის შუქით სავსე მყუდრო ოთახი გამოსახულია იატაკზე და კედლებზე დაკვრალი მზის სხივებით. კომპოზიციის არჩევანი ხაზს უსვამს ადამიანისა და მისი გარემოს ერთიანობას.
ჰოლანდიელი ჟანრის მხატვრები ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში ადამიანის შინაგანი სამყაროს ასახვას. რეგულარულ სიტუაციებში მათ შეძლეს გამოცდილების სამყაროს ჩვენება. ამრიგად, ჟერარდ ტერბორხმა ფილმში "ჭიქა ლიმონათი" ასახავდა ჟესტების, ხელის შეხების, თვალის კონტაქტის დახვეწილ ენას, რომელიც ავლენს გმირებს შორის გრძნობებისა და ურთიერთობების მთელ სპექტრს.
დახვეწილობა და ჭეშმარიტება რეალობის ხელახლა შექმნისას ჰოლანდიელი ოსტატების მიერ შერწყმულია შეუმჩნეველი და ყოველდღიური სილამაზით. ეს თვისება უფრო მკაფიოდ იჩენდა თავს ნატურმორტში. ჰოლანდიელებმა მას "სტილევენი" უწოდეს. ამ გაგებით, ოსტატებმა უსულო ობიექტებში დაინახეს ფარული ცხოვრება, რომელიც დაკავშირებულია ადამიანის ცხოვრებასთან, მის ცხოვრების წესთან, ჩვევებთან და გემოვნებასთან. ჰოლანდიელმა მხატვრებმა შექმნეს ბუნებრივი „არეულობის“ შთაბეჭდილება ნივთების განლაგებაში: მათ აჩვენეს დაჭრილი ღვეზელი, გახეხილი ლიმონი სპირალურად ჩამოკიდებული ქერქი, დაუმთავრებელი ჭიქა ღვინო, ანთებული სანთელი, ღია წიგნი - ეს ყოველთვის ჩანს. რომ ვინმე შეეხო ამ ობიექტებს, მხოლოდ რომ გამოიყენეს, იგრძნობა ადამიანის უხილავი ყოფნა.
მე-17 საუკუნის პირველ ნახევარში ჰოლანდიური ნატურმორტის წამყვანი ოსტატები იყვნენ პიტერ კლაესი 1და უილემ ჰედი. მათი ნატურმორტის საყვარელი თემაა ე.წ. ვ.ხედას „საუზმე ლობსტერში“ (დანართი; სურ. 16) ყველაზე მრავალფეროვანი ფორმისა და მასალის საგნები - ყავის ქვაბი, ჭიქა, ლიმონი, ვერცხლის თეფში. ობიექტები ისეა მოწყობილი, რომ აჩვენოს თითოეულის მიმზიდველობა და თავისებურება. სხვადასხვა ტექნიკის გამოყენებით ჰედა შესანიშნავად გადმოსცემს მასალას და მათი ტექსტურის სპეციფიკას; ამრიგად, სინათლის ელვარება განსხვავებულად თამაშობს მინის და ლითონის ზედაპირზე. კომპოზიციის ყველა ელემენტი გაერთიანებულია სინათლით და ფერით. პ.კლასის "ნატურმორტი სანთლით" არა მხოლოდ ობიექტების მატერიალური თვისებების რეპროდუქციის სიზუსტეა აღსანიშნავი - კომპოზიცია და განათება მათ დიდ ემოციურ ექსპრესიულობას ანიჭებს. კლასისა და ხედას ნატურმორტები ერთმანეთს ჰგავს - ეს არის სიახლოვისა და კომფორტის განწყობა, სიმშვიდე ბურგერის სახლის ცხოვრებაში, სადაც კეთილდღეობაა. ნატურმორტი შეიძლება ჩაითვალოს ჰოლანდიური ხელოვნების ერთ-ერთ მნიშვნელოვან თემად - კერძო პირის ცხოვრების თემად. მან მთავარი გადაწყვეტილება ჟანრულ ფილმში მიიღო.
სიმბოლიზმი. Ჯერ კიდევ ცოცხალი
ჰოლანდიური ნატურმორტის ყველა ობიექტი სიმბოლურია. მე-18 საუკუნეში გამოცემული კოლექციები<#"justify">ო ვაზის მახლობლად დამსხვრეული ფურცლები სისუსტის ნიშნებია;
ო გამხმარი ყვავილი გრძნობების გაქრობის მინიშნებაა;
ო ირისები ღვთისმშობლის ნიშანია;
ო წითელი ყვავილები ქრისტეს გამომსყიდველი მსხვერპლის სიმბოლოა;
ო თეთრი შროშანი არა მხოლოდ ლამაზი ყვავილია, არამედ ღვთისმშობლის სიწმინდის სიმბოლოც;
ო მიხაკი - ქრისტეს დაღვრილი სისხლის სიმბოლო;
ო თეთრი ტიტები - ცრუ სიყვარული.
ო ბროწეული - აღდგომის სიმბოლო, უბიწოების სიმბოლო;
ო ვაშლი, ატამი, ფორთოხალი შემოდგომას მოგაგონებდათ;
ო ღვინო ჭიქაში ან დოქში წარმოადგენდა ქრისტეს მსხვერპლშეწირულ სისხლს;
ო ზეთისხილი - მშვიდობის სიმბოლო;
ო დამპალი ხილი დაბერების სიმბოლოა;
ო ხორბლის ყურები, სურო - აღორძინების და სიცოცხლის ციკლის სიმბოლო.
ო მინა სისუსტის სიმბოლოა;
ო ფაიფური - სისუფთავე;
ო ბოთლი ცოდვისა და სიმთვრალის სიმბოლოა;
ო გატეხილი ჭურჭელი სიკვდილის სიმბოლოა;
ო შებრუნებული ან ცარიელი ჭიქა ნიშნავს სიცარიელეს;
ო დანა - ღალატის სიმბოლო;
ო ვერცხლის ჭურჭელი სიმდიდრის პერსონიფიკაციაა.
ო ქვიშის საათი - შეხსენება ცხოვრების წარმავლობისა;
ო თავის ქალა - სიკვდილის გარდაუვალობის შეხსენება;
ო ხორბლის ყურები - აღორძინების სიმბოლოები და სიცოცხლის ციკლი;
ო პური უფლის სხეულის სიმბოლოა;
ო იარაღი და ჯავშანი არის ძალაუფლებისა და ძლევამოსილების სიმბოლო, აღნიშვნა იმისა, რისი წაღებაც არ შეიძლება თქვენთან ერთად საფლავში;
ო გასაღებები - სიმბოლური ძალა;
ო მწეველი ჩიბუხი არის წარმავალი და გაუგებარი მიწიერი სიამოვნების სიმბოლო;
ო კარნავალის ნიღაბი - ადამიანის არყოფნის ნიშანია; უპასუხისმგებლო სიამოვნება;
ო სარკეები, შუშის ბურთები არის ამაოების სიმბოლო, ანარეკლი, არარეალურობის ნიშანი.
ჰოლანდიური რეალისტური ლანდშაფტის საფუძვლები ჩამოყალიბდა XVII საუკუნის დასაწყისში. მხატვრებმა თავიანთი საყვარელი ბუნება დიუნებითა და არხებით, სახლებითა და სოფლებით გამოსახეს. ისინი ცდილობდნენ გამოესახათ ლანდშაფტის ეროვნება, ჰაერის ატმოსფერო და სეზონის მახასიათებლები. ოსტატები სულ უფრო და უფრო უმორჩილებდნენ სურათის ყველა კომპონენტს ერთ ტონს. მათ ჰქონდათ მკვეთრი ფერის გრძნობა და ოსტატურად გადმოსცემდნენ გადასვლებს შუქიდან ჩრდილში, ტონიდან ტონში.
ჰოლანდიური რეალისტური ლანდშაფტის ყველაზე დიდი წარმომადგენელი იყო იან ვან გოიენი (1596-1656). მუშაობდა ლეიდენსა და ჰააგაში. მხატვარს უყვარდა ხეობებისა და მდინარეების წყლის ზედაპირის გამოსახვა მცირე ზომის ტილოებზე. გოიენმა დიდი ადგილი დატოვა ცას ღრუბლებით. ეს არის ნახატი "მდინარე ვაალის ხედი ნიჟმეგენთან ახლოს", შექმნილია დახვეწილი ყავისფერი-ნაცრისფერი ფერების დიაპაზონში.
მოგვიანებით იცვლება პეიზაჟების დამახასიათებელი არსი. ის ხდება უფრო ფართო, უფრო ემოციური. სპეციფიკა იგივე რჩება - თავშეკავებული, მაგრამ ტონები სიღრმეს იძენენ.
ლანდშაფტის სტილის ყველა ახალი თვისება განასახიერა იაკობ ვან რუისდაელის (1629-1682) ნახატებში. ხეებისა და ბუჩქების მოცულობითი გამოსახვით, ეს ქმნიდა განცდას, რომ ისინი წინა პლანზე გადადიოდნენ და ძლიერდებიან. პერსპექტივის შესანიშნავი გრძნობით, რუისდაელმა ოსტატურად გადმოსცა ჰოლანდიის ფართო დაბლობები და შემოგარენი. ტონისა და განათების არჩევანი ფოკუსს იწვევს. რუისდაელს ასევე უყვარდა ნანგრევები, როგორც დეკორატიული დეტალები, რომლებიც საუბრობენ ნგრევაზე და მიწიერი არსებობის სისუსტეზე. „ებრაული სასაფლაო“ მიტოვებულ ტერიტორიას წარმოადგენს. რუისდაელი თავის დროზე არ იყო წარმატებული. მისი ნახატების რეალიზმი არ შეესაბამებოდა საზოგადოების გემოვნებას. მხატვარი, რომელიც ახლა დამსახურებულად სარგებლობს მსოფლიო პოპულარობით, გარდაიცვალა ღარიბი კაცი ჰარლემის საწყალში.
პორტრეტის მხატვრობა. ფრანს ჰალსი
ერთ-ერთი დიდი ჰოლანდიელი მხატვარი იყო ფრანს ჰალსი (დაახლოებით 1580-1666 წწ.). დაიბადა მე-17 საუკუნეში ანტვერპენში. როგორც ძალიან ახალგაზრდა მხატვარი ის ჩავიდა ჰარლემში, სადაც გაიზარდა და ჩამოყალიბდა კარელ ვან მანდერის სკოლის სტილში. ჰარლემი ამაყობდა თავისი მხატვრით და მათ მის სტუდიაში გამოჩენილი სტუმრები მიიყვანეს - რუბენსი და ვან დიკი.
ჰალსი თითქმის ექსკლუზიურად პორტრეტის მხატვარი იყო, მაგრამ მისი ხელოვნება ბევრს ნიშნავდა არა მხოლოდ ჰოლანდიური პორტრეტისთვის, არამედ სხვა ჟანრების ფორმირებისთვისაც. ჰალსის შემოქმედებაში შეიძლება გამოიყოს პორტრეტული კომპოზიციების სამი ტიპი: ჯგუფური პორტრეტი, შეკვეთილი ინდივიდუალური პორტრეტი და სპეციალური ტიპის პორტრეტული გამოსახულება, რომელიც ბუნებით მსგავსია ჟანრულ ფერწერასთან.
1616 წელს ჰალსმა დახატა "სენტ-ჯორჯის მსროლელი პოლკის ასეულის ოფიცერთა ბანკეტი", რომელშიც მან მთლიანად დაარღვია ჯგუფური პორტის ტრადიციული ნიმუში. ძალიან ცოცხალი ნაწარმოების შექმნით, პერსონაჟების ჯგუფებად გაერთიანებითა და სხვადასხვა პოზების მინიჭებით, მან თითქოს გააერთიანა პორტრეტი ჟანრულ მხატვრობასთან. ნამუშევარი წარმატებით დასრულდა და მხატვარი შეკვეთებით იყო სავსე.
მისი გმირები ბუნებრივად და თავისუფლად დგანან პორტრეტზე, მათი პოზა და ჟესტები არასტაბილური ჩანს, სახეების გამომეტყველება კი შეიცვლება. ჰალსის შემოქმედებითი მანერის ყველაზე გამორჩეული თვისებაა ხასიათის გადმოცემის უნარი ინდივიდუალური სახის გამონათქვამებითა და ჟესტებით, თითქოს ფრენაზე დაიჭირეს - "მხიარული სასმელი კომპანიონი", "მულატო", "ღიმილიანი ოფიცერი". მხატვარს უყვარდა დინამიკით სავსე ემოციური მდგომარეობა. მაგრამ იმ მომენტში, როდესაც ჰალსმა დაიპყრო, ყოველთვის იპყრობს "ბოშას" გამოსახულების ყველაზე არსებითი ბირთვი, "მალე ბაბა".
თუმცა, 30-40-იანი წლების ბოლოდან ჰალსის გამოსახულებებში ჩნდება ფიქრი და სევდა, რომლებიც უცხოა მისი პერსონაჟებისთვის ვილემ ჰეიტუიზენის პორტრეტში და ზოგჯერ მცირე ირონია სრიალებს მხატვრის მათ მიმართ დამოკიდებულებაში. ხალსას ხელოვნებიდან თანდათან ქრება სიცოცხლისა და ადამიანის მხიარული მიღება.
გარდამტეხი მომენტები დადგა ხალსის მხატვრობაში. 50-60-იან წლებში დახატულ ჰალსის პორტრეტებში დახასიათების სიღრმისეული ოსტატობა შერწყმულია ახალ შინაგან მნიშვნელობასთან. გვიანი ჰალსის ერთ-ერთი ყველაზე ძლიერი ნამუშევარია მამაკაცის პორტრეტი ნიუ-იორკის მეტროპოლიტენის ხელოვნების მუზეუმიდან (1650-1652). პორტრეტის კომპოზიცია არის ფიგურის თაობის გამოსახულება, მისი განლაგება მკაფიო ფრონტზე, მზერა პირდაპირ მნახველზეა მიმართული, იგრძნობა პიროვნების მნიშვნელობა. მამაკაცის პოზა ავლენს ცივ ავტორიტეტს და ამპარტავან ზიზღს ყველას მიმართ. მასში თავმოყვარეობა შერწყმულია უზარმაზარ ამბიციასთან. ამავდროულად, იმედგაცრუების ელფერი მოულოდნელად იპყრობს მზერას, თითქოს ამ ადამიანში იმალება სინანული წარსულის შესახებ - მისი ახალგაზრდობისა და მისი თაობის ახალგაზრდობის შესახებ, რომელთა იდეალები დავიწყებულია და ცხოვრებისეული სტიმული გაქრა.
ჰალსის 50-60-იანი წლების პორტრეტები ბევრს გვიჩვენებს იმ წლების ჰოლანდიური რეალობის შესახებ. მხატვარმა დიდხანს იცოცხლა და მას საშუალება ჰქონდა შეესწრო ჰოლანდიური საზოგადოების გადაგვარებას და მისი დემოკრატიული სულისკვეთების გაქრობას. შემთხვევითი არ არის, რომ ხალსა ხელოვნება ახლა მოდიდან გადადის. ჰალსის გვიანდელი ნამუშევრები სენსიტიურად ასახავს დროის სულისკვეთებას, ოსტატისთვის ასე უცხო, მაგრამ მათში შეიძლება მოისმინოს საკუთარი იმედგაცრუება გარემომცველ რეალობაში. ამ წლების ზოგიერთ ნამუშევარში აღბეჭდილია ძველი მხატვრის პირადი განცდების გამოძახილი, რომელიც კარგავდა ყოფილ დიდებას და უკვე ნანახი ჰქონდა სიცოცხლის მოგზაურობის დასასრული.
გარდაცვალებამდე ორი წლით ადრე, 1664 წელს, ჰალსმა დახატა ჰარლემის მოხუცთა სახლის რეგენტებისა და რეგენტების (რწმუნებულების) პორტრეტები.
„რეგენტთა პორტრეტში“ ყველას აერთიანებს იმედგაცრუების და განწირულობის განცდა. რეგენტებში არ არის სიცოცხლისუნარიანობა, როგორც ჰალსის ადრეულ ჯგუფურ პორტრეტებში. ყველა მარტოსულია, ყველა თავისთავად არსებობს. შავი ტონები მოწითალო-ვარდისფერი ლაქებით ქმნის ტრაგიკულ ატმოსფეროს.
„რეგენტთა პორტრეტი“ სხვა ემოციური გასაღებით არის გადაწყვეტილი. გულჩათხრობილი მოხუცი ქალების თითქმის უმოძრაო პოზებში, რომლებმაც არ იციან თანაგრძნობა, იგრძნობა ბატონის ავტორიტეტი და ამავდროულად, ყველა მათგანში ცხოვრობს ღრმა დეპრესია, უძლურების და სასოწარკვეთის განცდა მოახლოებული სიკვდილის წინაშე.
სიცოცხლის ბოლომდე ჰალსმა შეინარჩუნა თავისი უნარის უცდომელობა და ოთხმოცი წლის მხატვრის ხელოვნებამ მიიღო გამჭრიახობა და ძალა.
6. რემბრანდტ ვან რინი
რემბრანდტი (1606-1669) ჰოლანდიური მხატვრობის ოქროს ხანის უდიდესი წარმომადგენელია. დაიბადა ლეიდენში 1606 წელს. სამხატვრო განათლების მისაღებად მხატვარი გადავიდა ამსტერდამში და შევიდა პიტერ ლასტმანის სახელოსნოში, შემდეგ კი დაბრუნდა ლეიდენში, სადაც 1625 წელს დაიწყო დამოუკიდებელი შემოქმედებითი ცხოვრება. 1631 წელს რემბრანდტი საბოლოოდ გადავიდა ამსტერდამში და ოსტატის დარჩენილი ცხოვრება სწორედ ამ ქალაქთან იყო დაკავშირებული.
რემბრანდტის შემოქმედება გაჟღენთილია ცხოვრებისა და ადამიანის შინაგანი სამყაროს ფილოსოფიური გაგებით. ეს არის მე-17 საუკუნის ჰოლანდიური ხელოვნების განვითარების მწვერვალი. რემბრანდტის მხატვრული მემკვიდრეობა გამოირჩევა ჟანრის მრავალფეროვნებით. ხატავდა პორტრეტებს, ნატურმორტებს, პეიზაჟებს, ჟანრულ სცენებს, ნახატებს ისტორიულ, ბიბლიურ და მითოლოგიურ თემებზე. მაგრამ მხატვრის შემოქმედებამ უდიდეს სიღრმეს მიაღწია მისი სიცოცხლის ბოლო წლებში. უფიზს აქვს დიდი ოსტატის სამი ნამუშევარი. ეს არის ავტოპორტრეტი ახალგაზრდობაში, ავტოპორტრეტი სიბერეში, მოხუცის (რაბინის) პორტრეტი. თავის გვიანდელ ნამუშევრებში მხატვარი ტილოს მთელ ზედაპირს სიბნელეში აქცევს, ამახვილებს მაყურებლის ყურადღებას. სახეზე.
ასე წარმოაჩინა თავი რემბრანდტმა 23 წლის ასაკში.
ამსტერდამში გადასვლის პერიოდი რემბრანდტის შემოქმედებით ბიოგრაფიაში აღინიშნა მრავალი მამაკაცისა და ქალის ჩანახატების შექმნით.
1653 წელს, როდესაც ფინანსური სირთულეები განიცადა, მხატვარმა თითქმის მთელი ქონება გადასცა შვილს ტიტუსს, რის შემდეგაც მან 1656 წელს გაკოტრება გამოაცხადა. სახლისა და ქონების გაყიდვის შემდეგ მხატვარი საცხოვრებლად ამსტერდამის გარეუბანში, ებრაულ კვარტალში გადავიდა, სადაც სიცოცხლის დარჩენილი ნაწილი გაატარა. ყველაზე ახლობელი მასთან იმ წლებში, როგორც ჩანს, ტიტე იყო, რადგან მისი სურათები ყველაზე მრავალრიცხოვანია. ტიტუსის გარდაცვალება 1668 წელს ბედის ერთ-ერთი ბოლო დარტყმა იყო მხატვრისთვის; ის თავად გარდაიცვალა ერთი წლის შემდეგ. "მათე და ანგელოზი" (1661). შესაძლოა, ტიტე იყო ანგელოზის მოდელი.
რემბრანდტის ცხოვრების ბოლო ორი ათწლეული გახდა მისი, როგორც პორტრეტის მხატვრის ოსტატობის მწვერვალი. მოდელები მხატვრის ამხანაგები არიან (ნიკოლას ბრეუნინგი
7. დელფტის ვერმეერი იან
ჰოლანდიური ხელოვნების მხატვრობა ნატურმორტი
ვერმეერი დელფტ იანელი (1632-1675) - ჰოლანდიელი მხატვარი, ჰოლანდიური ჟანრისა და პეიზაჟის მხატვრობის უდიდესი ოსტატი. ვერმეერი მუშაობდა დელფტში. როგორც მხატვარი, იგი განვითარდა კარელ ფაბრიციუსის გავლენით, რომელიც ტრაგიკულად დაიღუპა დენთის საწყობის აფეთქებისას.
ვერმეერის ადრეულ ნახატებს აქვთ შესანიშნავი გამოსახულება ( ქრისტე მართასთან და მარიამთან ერთად ). ვერმეერის შემოქმედებაზე ძლიერი გავლენა მოახდინა ჟანრული მხატვრობის ოსტატის პიტერ დე ჰუჩის შემოქმედებამ. ამ მხატვრის სტილი კიდევ უფრო განვითარდა ვერმეერის ნახატებში.
50-იანი წლების მეორე ნახევრიდან ვერმეერი ხატავდა პატარა ნახატებს ერთი ან მეტი ფიგურით სახლის ინტერიერის ვერცხლისფერ შუქზე ( გოგონა წერილით მოახლე რძით ). 50-იანი წლების ბოლოს ვერმეერმა შექმნა ლანდშაფტის მხატვრობის ორი შედევრი: სულიერი ნახატი. ქუჩა მბზინავი, სუფთა, სუფთა, ფერებითა და ნახატებით ხედი ქალაქ დელფტზე . 60-იან წლებში ვერმეერის შემოქმედება უფრო დაიხვეწა და მისი მხატვრობა უფრო ცივი გახდა. ( გოგონა მარგალიტის საყურით).
60-იანი წლების ბოლოს მხატვარი ხშირად ასახავდა მდიდრულად მოწყობილ ოთახებს, სადაც ქალბატონები და ბატონები უკრავდნენ მუსიკას და გალანტური საუბრები ჰქონდათ.
ვერმეერის სიცოცხლის ბოლო წლებში მისი ფინანსური მდგომარეობა ძალიან გაუარესდა. ნახატებზე მოთხოვნა მკვეთრად დაეცა, მხატვარი იძულებული გახდა აეღო სესხი თერთმეტი ბავშვისა და ოჯახის სხვა წევრების გამოსაკვებად. ამან ალბათ დააჩქარა სიკვდილის მოახლოება. უცნობია, რა მოხდა - მწვავე ავადმყოფობა, ან დეპრესია ფინანსების გამო, მაგრამ ვერმეერი 1675 წელს დაკრძალეს დელფტის ოჯახის საძვალეში.
ვერმეერის ინდივიდუალური ხელოვნება მისი გარდაცვალების შემდეგ მისმა თანამედროვეებმა არ დააფასეს. მის მიმართ ინტერესი აღორძინდა მხოლოდ მე-19 საუკუნეში, ხელოვნებათმცოდნე და ხელოვნებათმცოდნე ეტიენ თეოფილ ტორეს ნაშრომის წყალობით, რომელმაც ფართო საზოგადოებისთვის ვერმეერი „აღმოაჩინა“.
დასკვნა
რეალობისადმი მიმართვამ ხელი შეუწყო ჰოლანდიური ხელოვნების მხატვრული შესაძლებლობების გაფართოებას და მისი ჟანრის თემის გამდიდრებას. თუ მე-17 საუკუნემდე ბიბლიურ და მითოლოგიურ თემებს დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა ევროპულ სახვით ხელოვნებაში და სხვა ჟანრები ცუდად იყო განვითარებული, მაშინ ჰოლანდიურ ხელოვნებაში ჟანრებს შორის ურთიერთობა მკვეთრად იცვლება. აღზევებაა ისეთი ჟანრები, როგორიცაა: ყოველდღიური ცხოვრება, პორტრეტი, პეიზაჟი, ნატურმორტი. თავად ბიბლიური და მითოლოგიური საგნები ჰოლანდიურ ხელოვნებაში დიდწილად კარგავენ განსახიერების წინა ფორმებს და ახლა განიმარტება როგორც ყოველდღიური ნახატები.
მისი ყველა მიღწევის მიუხედავად, ჰოლანდიური ხელოვნება ასევე ატარებდა შეზღუდვის გარკვეულ მახასიათებლებს - საგნებისა და მოტივების ვიწრო დიაპაზონს. კიდევ ერთი მინუსი: მხოლოდ ზოგიერთი ოსტატი ცდილობდა ეპოვა თავისი ღრმა საფუძველი ფენომენებში.
მაგრამ ბევრ კომპოზიციურ ფერწერასა და პორტრეტში გამოსახულებები ყველაზე ღრმა ბუნებისაა და პეიზაჟები აჩვენებენ ნამდვილ და რეალურ ბუნებას. ეს გახდა ჰოლანდიური ხელოვნების გამორჩეული თვისება. ამრიგად, მხატვრებმა ხელოვნებაში დიდი მიღწევები მიაღწიეს ადამიანის შინაგანი სამყაროსა და გამოცდილების გამოსახულებების დახატვის რთულ და რთულ უნარს.
ტესტმა მომცა საშუალება გამომეცადა ჩემი შემოქმედებითი შესაძლებლობები, შემევსო ჩემი თეორიული ცოდნა და მეტი გამეგო ჰოლანდიელი მხატვრებისა და მათი ნამუშევრების შესახებ.
რეპეტიტორობა
გჭირდებათ დახმარება თემის შესწავლაში?
ჩვენი სპეციალისტები გაგიწევენ კონსულტაციას ან გაგიწევენ რეპეტიტორულ მომსახურებას თქვენთვის საინტერესო თემებზე.
გაგზავნეთ თქვენი განაცხადითემის მითითება ახლავე, რათა გაიგოთ კონსულტაციის მიღების შესაძლებლობის შესახებ.
ჩვენ ყველამ ვიცით, რომ ხელოვნების უნიკალური ნიმუშები საუკუნეების განმავლობაში იქმნებოდა ჰოლანდიაში. მაგრამ რა ხდება დღეს თანამედროვე ხელოვნების სცენაზე? რომელ ახალგაზრდა ხელოვანს შეუძლია დაიკავოს თავისი ადგილი ისტორიაში? ამსტერდამში, ისევე როგორც ჰოლანდიის ბევრ სხვა დიდ ქალაქს, აქვს მრავალი საინტერესო გალერეა, რომელიც მასპინძლობს ნიჭიერი შემოქმედებითი მხატვრების დიდ გამოფენებს მთელი ქვეყნის მასშტაბით. ვინაიდან თანამედროვე ჰოლანდიელი მხატვრების დიდი რაოდენობაა ცნობილი როგორც სახლში, ისე მის ფარგლებს გარეთ, მათი ნამუშევრები შეგიძლიათ ნახოთ როგორც დიდ მუზეუმებში, როგორიცაა Stedelijk, ასევე პატარა გალერეებში KochxBos Gallery ან Nederlands Fotomuseum.
ქვემოთ მოცემულია ხუთი ამომავალი ჰოლანდიელი მხატვარი, რომლებმაც მიიპყრეს გლობალური ყურადღება და უდავოდ ხელს შეუწყობენ ჰოლანდიის ხელოვნების ისტორიას.
დაან რუზგორდი
„ჩემი მუშაობის მიზანია ხალხის მომავალზე ფიქრი“, - ამბობს რუზგორი. ეს ხელოვანი და ნოვატორი რამდენიმე ჯილდოს მფლობელია. იგი ცნობილი გახდა თანამედროვე ხელოვნების სამყაროში თავისი 2006 წლის ინსტალაციის Dune-ით. როტერდამში, მდინარე მაასის გასწვრივ დაყენებულმა ინტერაქტიულმა განათებულმა აბრატებმა კარი გაუღეს ტექნოლოგიით, დიზაინითა და არქიტექტურით შეპყრობილ ხელოვანს. თავის ნამუშევრებში რუზგორი ქმნის ფუტურისტულ სამყაროს, რომელშიც ადამიანები და ტექნოლოგია ერთმანეთთან ჰარმონიულად ურთიერთობენ. თებერვლიდან 5 მაისამდე, "Lotus Dome" გამოფენილი იქნება Rijksmuseum-ის Beuning დარბაზში. ეს ორმეტრიანი გუმბათი რეაგირებს ხალხის მიახლოებაზე: ასობით ალუმინის ყვავილი ყვავის, გრძნობს სტუმრების სითბოს.
ლევი ვან ველიუ
ვან ველუუუს, ჰეუველაკენელი მხატვრის ხელოვნების ნიმუშების შექმნის ტრადიციული გზები აშკარად არ არის საკმარისი. მისი პორტფოლიო მოიცავს ფოტოსურათებს, ქანდაკებებს, ნახატებს და ინსტალაციას და საკუთარი თავის მასალად გამოყენება მისი შემოქმედების დამახასიათებელი ნიშანია. შემთხვევითი არ არის, რომ მის პირველ გამოფენაში ამსტერდამის რონ მანდოსის გალერეაში წარმოდგენილი იყო ექვსი ფოტოსურათის სერია, რომლებიც ასახავს ბურთულიანი კალმით ლამაზად დეტალურ ნახატებს. ტილოს ნაცვლად მხატვარმა საკუთარ სახეზე დახატა. კავშირი სხეულსა და ზედაპირს შორის აღმოაჩინეს ომისშემდგომი მხატვრების მიერ, რომლებმაც განავითარეს პერფორმანსული ხელოვნება უნახავ დონეზე. მაგრამ ვან ველუვეს წარმატებაში მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა ყოველდღიური საგნების გამოყენებამ, როგორიცაა კალამი, ხელოვნების ნიმუშის შესაქმნელად. იდეის საკუთარ პერსონალურ სტილში შემუშავებით, ლევი ვან ველუვმა შეძლო თავისი ნამუშევრების გამოფენა მსოფლიოს საუკეთესო მუზეუმებში და თანამედროვე ჰოლანდიური ხელოვნების საერთაშორისო ასპარეზზე გატანა.
ტონი ვან ტილი
ტონი ვან ტილმა 2007 წელს დაამთავრა სახვითი ხელოვნება სენტ ჯასტი, საგანმანათლებლო დაწესებულება, რომელიც მდებარეობს პატარა სამხრეთ ქალაქ ბრედაში. სკოლის დამთავრების შემდეგ ახალგაზრდა მხატვარი საინტერესო პროექტებით არის დაკავებული. ერთ-ერთი მათგანია „ტვიტერის სკულპტურები“. 2012 წლიდან მას აქვს Twitter-ის ანგარიში, სადაც აღწერს იდეებს სკულპტურებისთვის 140 სიმბოლოთი. მაგალითად, ერთ-ერთი იდეა არის „ბოტოქსის სილამაზის პორტრეტი, გადიდებული 4-სართულიანი კედლის ზომამდე“, სხვები უფრო აბსტრაქტულია: „ჩრდილების შექმნა მზარდი ტკივილით“. მხატვრის სხვა ნამუშევრებს შორისაა ნახატების სერია, რომელიც შეიცავს უფრო მეტ იდეას სკულპტურებისთვის. არის თუ არა ტვიტერი შემოქმედებითი პროცესი? ვან ტილისთვის პასუხი არის დიახ.
ანუუკ კრუიტოფი
დორდრეხტში დაფუძნებული ეს მხატვარი იყენებს ფოტოებს, როგორც წყაროს მასალას, რათა შექმნას ქანდაკებები, ინსტალაციები, წიგნები და ბროშურები გასავრცელებლად. ის ზოგჯერ ქმნის ანონიმურ ნივთებს (როგორიცაა ბარათები და პლაკატები), რომლებიც სტუმრებს შეუძლიათ სახლში წაიღონ. Stedelijk-ის მუზეუმი ამჟამად მასპინძლობს მისი და თანამემამულე ჰოლანდიელი მხატვრის პაულინ ოლსეტენის გამოფენას. პირველ სართულზე ინსტალაცია წარმოადგენს ქუჩის ფოტოგრაფიის მათ ინტერპრეტაციას. ნამუშევრების დამახასიათებელი თვისებაა ხაზგასმული აღფრთოვანება ადამიანებისა და უცნობების მიმართ. ცხოვრების კიდევ ერთი ასპექტი, რომელიც მის ყურადღებას იპყრობს, არის ფერი. მხატვრის თქმით, იგი "ქმნის წესრიგს ქაოსში" ფერის გრადაციის მეთოდის გამოყენებით.
ჰარმა ჰეიკენსი
თანამედროვე ჰოლანდიურ ხელოვნებაზე საუბრისას ძნელია არ აღვნიშნო Harma Heikens. მისი პირველი გამოფენები 1990-იანი წლების დასაწყისით თარიღდება. ნატურალური ზომის ქანდაკებები აერთიანებს მანგას სტილს და თანამედროვე ქუჩის ხელოვნებას. Harma Heikens-ის ნამუშევარი არ არის ადვილი აღქმადი, განსაკუთრებით თავიდან. ბევრი მათ "უცნაურ კიჩსაც" უწოდებდა. ეს გამოწვეულია იმით, რომ მხატვარმა აირჩია ძალიან მტკივნეული თემა: ბავშვების ექსპლუატაცია სამომხმარებლო საზოგადოებაში, სადაც ფასეულობები დამახინჯებულია. მისი ქანდაკებები ასახავს ღარიბი და ექსპლუატაციაში მყოფი ბავშვების აშლილ სამყაროს, რომლებიც მაყურებლის გამოღვიძების ზარის როლს ასრულებენ ღრმად ფესვგადგმული სოციალური პრობლემების გადასაჭრელად.
