იაპონიის მონოქრომული მხატვრობა აღმოსავლური ხელოვნების ერთ-ერთი უნიკალური ფენომენია. მას ბევრი სამუშაო და კვლევა მიეძღვნა, მაგრამ ის ხშირად აღიქმება როგორც ძალიან ჩვეულებრივი და ზოგჯერ დეკორატიულადაც კი. ეს ასე არ არის, იაპონელი მხატვრის სულიერი სამყარო ძალიან მდიდარია და მას არა იმდენად ესთეტიკური კომპონენტი ადარდებს, რამდენადაც სულიერი. აღმოსავლეთის ხელოვნება არის გარეგანი და შინაგანი, ექსპლიციტური და იმპლიციტურის სინთეზი.
ამ პოსტში მინდა ყურადღება მივაქციო არა მონოქრომული მხატვრობის ისტორიას, არამედ მის არსს. ეს არის ის, რაზეც ვისაუბრებთ.
ეკრანი "Pines" ჰასეგავა ტოჰაკუ, 1593 წ
რასაც ჩვენ ვხედავთ მონოქრომული ნახატებში, მხატვრის ურთიერთქმედების შედეგია ძირითად ტრიადასთან: ქაღალდი, ფუნჯი, მელანი. ამიტომ, ნამუშევრის სწორად გასაგებად, თქვენ უნდა გესმოდეთ თავად მხატვარი და მისი დამოკიდებულება.
"პეიზაჟი" სეშუ, 1398 წ
ქაღალდიიაპონელი ოსტატისთვის ეს არ არის მხოლოდ ხელთ არსებული მასალა, რომელსაც ის ემორჩილება თავის ახირებას, არამედ პირიქით - ეს არის „ძმა“ და, შესაბამისად, მის მიმართ დამოკიდებულებაც შესაბამისად განვითარდა. ქაღალდი გარემომცველი ბუნების ნაწილია, რომელსაც იაპონელები ყოველთვის პატივისცემით ეპყრობოდნენ და ცდილობდნენ არა დაემორჩილებინათ, არამედ მშვიდობიანად ეცხოვრათ მასთან. ქაღალდი არის ხე წარსულში, რომელიც იდგა გარკვეულ ადგილას გარკვეული დროით, "ხედავდა" რაღაცას მის გარშემო და ინახავს ყველაფერს. ასე აღიქვამს მასალას იაპონელი მხატვარი. ხშირად, მუშაობის დაწყებამდე, ოსტატები დიდხანს უყურებდნენ ცარიელ ფურცელს (ჭვრეტდნენ მას) და მხოლოდ ამის შემდეგ იწყებდნენ ხატვას. ახლაც, თანამედროვე იაპონელი მხატვრები, რომლებიც იყენებენ ნიჰონ-გას ტექნიკას (ტრადიციული იაპონური მხატვრობა) ყურადღებით ირჩევენ ქაღალდს. შეკვეთით ყიდულობენ ქაღალდის ქარხნებიდან. თითოეულ მხატვარს აქვს გარკვეული სისქე, ტენიანობის გამტარიანობა და ტექსტურა (ბევრი მხატვარი აფორმებს შეთანხმებას ქარხნის მფლობელთან, რომ არ მიჰყიდოს ეს ქაღალდი სხვა მხატვრებს) - შესაბამისად, თითოეული ნახატი აღიქმება, როგორც რაღაც უნიკალური და ცოცხალი.
"კითხვა ბამბუკის კორომში" Xubun, 1446 წ
ამ მასალის მნიშვნელობაზე საუბრისას, ღირს იაპონური ლიტერატურის ისეთი ცნობილი ძეგლების აღნიშვნა, როგორიცაა სეი შონაგონის „შენიშვნები ლოგინთან“ და მურასაკი შიკიბუს „გენჯი მონოგოტარი“: როგორც „ნოტებში“, ასევე „გენჯიში“ შეგიძლიათ ნახოთ ნაკვეთები. როდესაც კარისკაცები ან შეყვარებულები ცვლიან შეტყობინებებს. ქაღალდი, რომელზედაც ეს შეტყობინებები იყო დაწერილი, იყო წელიწადის შესაბამისი დროის, ჩრდილისა და ტექსტის წერის წესი მის ტექსტურას შეესაბამებოდა.
"მურასაკი შიკიბუ იშიამას სალოცავში" კიოსენი
ფუნჯი- მეორე კომპონენტი არის ოსტატის ხელის გაგრძელება (ისევ, ეს ბუნებრივი მასალაა). ამიტომ, ფუნჯებიც შეკვეთით მზადდებოდა, მაგრამ ყველაზე ხშირად თავად მხატვრის მიერ. მან შეარჩია საჭირო სიგრძის თმები, შეარჩია ფუნჯის ზომა და ყველაზე კომფორტული სახელური. ოსტატი ხატავს მხოლოდ საკუთარი ფუნჯით და არა სხვა. (პირადი გამოცდილებიდან: მე ვიყავი ჩინელი მხატვრის ჯიანგ შილუნის მასტერკლასზე, აუდიტორიამ სთხოვა ეჩვენებინა, თუ რისი გაკეთება შეეძლოთ მის სტუდენტებს, რომლებიც ესწრებოდნენ მასტერკლასს და თითოეულმა მათგანმა, აიღო სამაგისტრო ფუნჯი, თქვა, რომ შედეგი არ იქნება ის, რაც მათ მოელოდნენ, რადგან ფუნჯი მათი არ არის, ისინი არ არიან მიჩვეულები და არ იციან როგორ გამოიყენონ ის სწორად).
კაცუშიკა ჰოკუსაის "ფუჯი" მელნის ესკიზი
ტუში- მესამე მნიშვნელოვანი ელემენტი. არსებობს ტუშის სხვადასხვა სახეობა: მას შეუძლია გაშრობის შემდეგ პრიალა ან მქრქალი ეფექტის მიცემა, შეიძლება შერეული იყოს ვერცხლის ან ოხრის ფერებში, ამიტომ მნიშვნელოვანია ტუშის სწორი არჩევანიც.
იამამოტო ბაიცუ, მე -18 - მე -19 საუკუნეების ბოლოს.
მონოქრომული ფერწერის ძირითადი საგნებია პეიზაჟები. რატომ არ არის მათში ფერები?
დაწყვილებული ეკრანი "Pines", ჰასეგავა ტოჰაკუ
ჯერ ერთი, იაპონელი მხატვარი არ არის დაინტერესებული თავად ობიექტით, არამედ მისი არსით, გარკვეული კომპონენტით, რომელიც საერთოა ყველა ცოცხალი არსებისთვის და იწვევს ჰარმონიას ადამიანსა და ბუნებას შორის. მაშასადამე, გამოსახულება ყოველთვის მინიშნებაა, ის მიმართულია ჩვენს გრძნობებს და არა ხედვას. გაუგებრობა არის დიალოგის სტიმული და, შესაბამისად, კავშირი. ხაზები და ლაქები მნიშვნელოვანია გამოსახულებაში - ისინი ქმნიან მხატვრულ ენას. ეს არ არის ოსტატის თავისუფლება, რომელმაც დატოვა გაბედული კვალი, სადაც სურდა, არამედ სხვაგან, პირიქით, დაქვეითდა - სურათზე ყველაფერს თავისი მნიშვნელობა და მნიშვნელობა აქვს და არ არის შემთხვევითი.
მეორეც, ფერი ყოველთვის ატარებს რაიმე სახის ემოციურ კონოტაციას და განსხვავებულად აღიქმება სხვადასხვა მდგომარეობაში მყოფი ადამიანების მიერ, ამიტომ ემოციური ნეიტრალიტეტი მაყურებელს საშუალებას აძლევს ყველაზე ადეკვატურად შევიდეს დიალოგში, განათავსოს იგი აღქმისთვის, ჭვრეტისთვის და აზროვნებისთვის.
მესამე, ეს არის იინისა და იანგის ურთიერთქმედება; ნებისმიერი მონოქრომული ნახატი ჰარმონიულია მელნის თანაფარდობის თვალსაზრისით ქაღალდის ხელუხლებელ არეალთან.
რატომ არის ქაღალდის სივრცის უმეტესი ნაწილი გამოუყენებელი?
"პეიზაჟი" Xubun, მე -15 საუკუნის შუა ხანები.
პირველ რიგში, ცარიელი სივრცე ჩაძირავს მაყურებელს სურათში; მეორეც, გამოსახულება იქმნება ისე, თითქოს ერთი წუთით ამოფრინდა ზედაპირზე და გაქრება - ეს დაკავშირებულია მსოფლმხედველობასთან და მსოფლმხედველობასთან; მესამე, იმ ადგილებში, სადაც მელანი არ არის, ქაღალდის ტექსტურა და ჩრდილი გამოდის წინა პლანზე (ეს ყოველთვის არ ჩანს რეპროდუქციაში, მაგრამ სინამდვილეში ეს ყოველთვის არის ორი მასალის ურთიერთქმედება - ქაღალდი და მელნი).
სეშუ, 1446 წ
რატომ პეიზაჟი?
"ჩანჩქერის ჭვრეტა" გაიამი, 1478 წ
იაპონური მსოფლმხედველობის მიხედვით, ბუნება უფრო სრულყოფილია ვიდრე ადამიანი, ამიტომ მან უნდა ისწავლოს მისგან, დაიცვას იგი ყოველმხრივ და არ გაანადგუროს ან დაიმორჩილოს იგი. ამიტომ, ბევრ პეიზაჟში შეგიძლიათ იხილოთ ადამიანების მცირე გამოსახულებები, მაგრამ ისინი ყოველთვის უმნიშვნელოა, მცირეა თავად ლანდშაფტთან მიმართებაში, ან ქოხების გამოსახულებები, რომლებიც ჯდება მათ მიმდებარე სივრცეში და ყოველთვის არ არის შესამჩნევი - ეს ყველაფერი სიმბოლოა. მსოფლმხედველობა.
"სეზონები: შემოდგომა და ზამთარი" სეშუ. "პეიზაჟი" სეშუ, 1481 წ
დასასრულს, მინდა ვთქვა, რომ მონოქრომული იაპონური მხატვრობა არ არის ქაოტურად მოფენილი მელანი, ეს არ არის მხატვრის შინაგანი ეგოს ახირება - ეს არის სურათებისა და სიმბოლოების მთელი სისტემა, ეს არის ფილოსოფიური აზროვნების საცავი და რაც მთავარია, საკუთარი თავის და ჩვენს გარშემო სამყაროს კომუნიკაციისა და ჰარმონიზაციის გზა.
აქ, ვფიქრობ, არის პასუხები იმ მთავარ კითხვებზე, რომლებიც ჩნდება მაყურებელში მონოქრომული იაპონური მხატვრობის წინაშე. ვიმედოვნებ, რომ ისინი დაგეხმარებიან მის ყველაზე სწორად გაგებაში და შეხვედრისას მის აღქმაში.
აქვს ძალიან მდიდარი ისტორია; მისი ტრადიცია უზარმაზარია, იაპონიის უნიკალური პოზიციით მსოფლიოში დიდ გავლენას ახდენს იაპონელი მხატვრების დომინანტური სტილი და ტექნიკა. საყოველთაოდ ცნობილი ფაქტია, რომ იაპონია მრავალი საუკუნის განმავლობაში საკმაოდ იზოლირებული იყო, არა მხოლოდ გეოგრაფიის, არამედ იაპონური კულტურული იზოლაციისადმი დომინანტური ტენდენციის გამო, რამაც ქვეყნის ისტორია აღნიშნა. საუკუნეების განმავლობაში, რასაც ჩვენ შეგვიძლია ვუწოდოთ "იაპონური ცივილიზაცია", კულტურა და ხელოვნება განცალკევებით განვითარდა დანარჩენი მსოფლიოსგან. და ეს კი შესამჩნევია იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში. მაგალითად, ნიჰონგას ნახატები იაპონური ფერწერის პრაქტიკის მთავარ ნამუშევრებს შორისაა. იგი ეფუძნება ათას წელზე მეტ ტრადიციას და ნახატები ჩვეულებრივ იქმნება ფუნჯებით ან ვაშიზე (იაპონური ქაღალდი) ან ეგინაზე (აბრეშუმი).
თუმცა, იაპონურ ხელოვნებასა და ფერწერაზე გავლენა იქონია უცხოურმა მხატვრულმა პრაქტიკამ. პირველი, ეს იყო ჩინური ხელოვნება მე -16 საუკუნეში და ჩინური მხატვრობა და ჩინური ხელოვნების ტრადიცია, რომელიც განსაკუთრებით გავლენიანი იყო რამდენიმე ასპექტში. მე-17 საუკუნიდან იაპონური მხატვრობა ასევე განიცადა დასავლური ტრადიციების გავლენა. კერძოდ, ომამდელ პერიოდში, რომელიც გაგრძელდა 1868 წლიდან 1945 წლამდე, იაპონურ ფერწერაზე იმპრესიონიზმისა და ევროპული რომანტიზმის გავლენის ქვეშ იყო. ამავდროულად, ახალ ევროპულ მხატვრულ მოძრაობებზე ასევე მნიშვნელოვანი გავლენა იქონია იაპონური მხატვრული ტექნიკით. ხელოვნების ისტორიაში ამ გავლენას „იაპონიზმს“ უწოდებენ და განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია იმპრესიონისტებისთვის, კუბისტებისთვის და მოდერნიზმთან ასოცირებული მხატვრებისთვის.
იაპონური ფერწერის ხანგრძლივი ისტორია შეიძლება ჩაითვალოს, როგორც რამდენიმე ტრადიციის სინთეზი, რომელიც ქმნის აღიარებული იაპონური ესთეტიკის ნაწილებს. უპირველეს ყოვლისა, ბუდისტურმა ხელოვნებამ და ფერწერის მეთოდებმა, ისევე როგორც რელიგიურმა მხატვრობამ, მნიშვნელოვანი კვალი დატოვა იაპონური მხატვრობის ესთეტიკას; პეიზაჟების წყლის მელნით დახატვა ჩინური ლიტერატურული მხატვრობის ტრადიციით არის კიდევ ერთი მნიშვნელოვანი ელემენტი, რომელიც აღიარებულია ბევრ ცნობილ იაპონურ ნახატში; ცხოველებისა და მცენარეების ნახატები, განსაკუთრებით ფრინველები და ყვავილები, არის ის, რაც ჩვეულებრივ ასოცირდება იაპონურ კომპოზიციებთან, ისევე როგორც პეიზაჟები და სცენები ყოველდღიური ცხოვრებიდან. დაბოლოს, უძველესი იდეები სილამაზის შესახებ ძველი იაპონიის ფილოსოფიისა და კულტურისგან დიდი გავლენა იქონია იაპონურ მხატვრობაზე. ვაბი, რაც ნიშნავს გარდამავალ და უხეში სილამაზეს, საბი (ბუნებრივი ქათმისა და დაბერების სილამაზე) და იუგენი (ღრმა მადლი და დახვეწილობა) განაგრძობენ გავლენას იდეალებზე იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში.
და ბოლოს, თუ კონცენტრირდებით ათი ყველაზე ცნობილი იაპონური შედევრის არჩევაზე, უნდა აღვნიშნოთ ukiyo-e, რომელიც ხელოვნების ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ჟანრია იაპონიაში, მიუხედავად იმისა, რომ იგი ეკუთვნის ბეჭდვას. ის დომინირებდა იაპონურ ხელოვნებაში მე-17-მე-19 საუკუნეებში, ამ ჟანრის მხატვრები ქმნიდნენ ხეზე ჭრებს და ნახატებს ისეთი საგნების შესახებ, როგორებიცაა ლამაზი გოგოები, კაბუკი მსახიობები და სუმოისტები, აგრეთვე სცენები ისტორიიდან და ხალხური ზღაპრებიდან, მოგზაურობის სცენები და პეიზაჟები. ფლორა. და ფაუნა და ეროტიკაც კი.
ყოველთვის რთულია მხატვრული ტრადიციებიდან საუკეთესო ნახატების სიის შედგენა. ბევრი საოცარი ნამუშევარი გამოირიცხება; თუმცა, ამ სიაში წარმოდგენილია ათი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატი მსოფლიოში. ამ სტატიაში წარმოდგენილი იქნება მხოლოდ მე-19 საუკუნიდან დღემდე შექმნილი ნახატები.
იაპონურ მხატვრობას ძალიან მდიდარი ისტორია აქვს. საუკუნეების განმავლობაში, იაპონელმა მხატვრებმა შეიმუშავეს უამრავი უნიკალური ტექნიკა და სტილი, რომლებიც იაპონიის ყველაზე ღირებული წვლილია ხელოვნების სამყაროში. ერთ-ერთი ასეთი ტექნიკაა სუმი-ე. Sumi-e სიტყვასიტყვით ნიშნავს "მელნით ნახატს" და აერთიანებს კალიგრაფიას და მელნით მხატვრობას, რათა შექმნას ფუნჯით დახატული კომპოზიციების იშვიათი სილამაზე. ეს სილამაზე პარადოქსულია - უძველესი, მაგრამ თანამედროვე, მარტივი, მაგრამ რთული, თამამი, მაგრამ დამორჩილებული, უდავოდ ასახავს ხელოვნების სულიერ საფუძველს ზენ ბუდიზმში. ბუდისტმა მღვდლებმა მეექვსე საუკუნეში ჩინეთიდან იაპონიაში შეიტანეს მყარი მელნის ბლოკები და ბამბუკის ფუნჯები და ბოლო 14 საუკუნის განმავლობაში იაპონიამ შეიმუშავა მელნის ფერწერის მდიდარი მემკვიდრეობა.
გადადით ქვემოთ და ნახეთ იაპონური ფერწერის 10 შედევრი
1. კაცუშიკა ჰოკუსაი "მეთევზის ცოლის ოცნება"
ერთ-ერთი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატია "მეთევზის ცოლის ოცნება". იგი 1814 წელს დახატა ცნობილმა მხატვარმა ჰოკუსაიმ. მკაცრი განმარტებით, ჰოკუსაის ეს საოცარი ნამუშევარი არ შეიძლება ჩაითვალოს ნახატად, რადგან ის არის უკიიო-ე ჟანრის ხის კვეთა წიგნიდან ახალგაზრდა ფიჭვი (Kinoe no Komatsu), რომელიც სამტომიანი შუნგას წიგნია. კომპოზიციაში გამოსახულია ახალგაზრდა ამა მყვინთავი, რომელიც სქესობრივად არის გადახლართული რვაფეხას წყვილთან. ამ სურათმა დიდი გავლენა მოახდინა მე-19 და მე-20 საუკუნეებში. ნამუშევარმა გავლენა მოახდინა მოგვიანებით მხატვრებზე, როგორებიც არიან ფელისიენ როპსი, ოგიუსტ როდენი, ლუი ოკოკი, ფერნანდ ნოპფი და პაბლო პიკასო.
2. ტესაი ტომიოკა „აბე ნო ნაკამარო წერს ნოსტალგიურ ლექსს მთვარის ყურებისას“
ტესაი ტომიოკა ცნობილი იაპონელი მხატვრისა და კალიგრაფის ფსევდონიმია. ის ითვლება ბუნჯინგის ტრადიციის ბოლო მთავარ მხატვრად და ნიჰონგას სტილის ერთ-ერთ პირველ მთავარ მხატვრად. ბუნინგა იყო იაპონური მხატვრობის სკოლა, რომელიც აყვავდა გვიან ედო ეპოქაში მხატვრებს შორის, რომლებიც თავს ლიტერატორებად ან ინტელექტუალად თვლიდნენ. თითოეულმა ამ ხელოვანმა, მათ შორის ტესაიამ, შეიმუშავა საკუთარი სტილი და ტექნიკა, მაგრამ ისინი ყველანი იყვნენ ჩინური ხელოვნებისა და კულტურის დიდი თაყვანისმცემლები.
3. Fujishima Takeji "მზის ამოსვლა აღმოსავლეთის ზღვაზე"
ფუჯიშიმა ტაკეჯი იყო იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია მე-19 საუკუნის ბოლოს და მე-20 საუკუნის დასაწყისში იოგას (დასავლური სტილის) ხელოვნების მოძრაობაში რომანტიზმისა და იმპრესიონიზმის განვითარებაში. 1905 წელს ის გაემგზავრა საფრანგეთში, სადაც მასზე გავლენა მოახდინა იმდროინდელმა ფრანგულმა მოძრაობებმა, განსაკუთრებით იმპრესიონიზმით, რაც ჩანს მის ნახატში მზის ამოსვლა აღმოსავლეთის ზღვაზე, რომელიც დახატულია 1932 წელს.
4. კიტაგავა უტამარო „ქალის სახეების ათი ტიპი, მმართველი ლამაზმანების კოლექცია“
კიტაგავა უტამარო იყო გამოჩენილი იაპონელი მხატვარი, რომელიც დაიბადა 1753 წელს და გარდაიცვალა 1806 წელს. ის, რა თქმა უნდა, ყველაზე ცნობილია სერიით, სახელწოდებით „ქალის სახეების ათი ტიპი. დომინანტური ლამაზმანების კრებული, კლასიკური პოეზიის დიდი სასიყვარულო თემები“ (ზოგჯერ უწოდებენ „შეყვარებულ ქალებს“, რომელიც შეიცავს ცალკეულ გრავიურებს „შიშველი სიყვარული“ და „გააზრებული სიყვარული“). ის არის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი მხატვარი, რომელიც მიეკუთვნება ukiyo-e ხის ჭრის ჟანრს.
5. კავანაბე კიოსაი "ვეფხვი"
კავანაბე კიოსაი იყო ედო პერიოდის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარი. მის ხელოვნებაზე გავლენა მოახდინა ტოჰაკუს, მე-16 საუკუნის კანოს სკოლის მხატვრის ნამუშევრებმა, რომელიც იყო თავისი დროის ერთადერთი მხატვარი, რომელმაც ეკრანები მთლიანად მელნით დახატა ოქროს ფხვნილის დელიკატურ ფონზე. მიუხედავად იმისა, რომ ცნობილია როგორც კარიკატურისტი, კიოსაიმ დახატა ზოგიერთი ყველაზე ცნობილი ნახატი მე-19 საუკუნის იაპონიის ხელოვნების ისტორიაში. „ვეფხვი“ ერთ-ერთი იმ ნახატთაგანია, რომლის შესაქმნელად კიოსაიმ აკვარელი და მელანი გამოიყენა.
6. ჰიროში იოშიდა „ფუჯი კავაგუჩის ტბიდან“
ჰიროში იოშიდა ცნობილია, როგორც შინ-ჰანგას სტილის ერთ-ერთი მთავარი ფიგურა (შინ-ჰანგა არის მხატვრული მოძრაობა იაპონიაში მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ტაიშოსა და შოუას პერიოდებში, რომელმაც გააცოცხლა უკიიო-ე-ს ტრადიციული ხელოვნება. ფესვები ედო და მეიჯის ხანაში (XVII - XIX სს.) ჰქონდა. ის სწავლობდა დასავლური ზეთის მხატვრობის ტრადიციას, რომელიც იაპონიიდან იყო მიღებული მეიჯის პერიოდში.
7. ტაკაში მურაკამი “727”
ტაკაში მურაკამი ალბათ ჩვენი დროის ყველაზე პოპულარული იაპონელი მხატვარია. მისი ნამუშევრები დიდ აუქციონებზე ასტრონომიულ ფასებში იყიდება და მისი ნამუშევრები უკვე შთააგონებს ხელოვანთა ახალ თაობას არა მხოლოდ იაპონიაში, არამედ მის ფარგლებს გარეთაც. მურაკამის ხელოვნება მოიცავს მედიუმების მთელ რიგს და, როგორც წესი, აღწერილია, როგორც სუპერბრტყელი. მისი ნამუშევარი ცნობილია ფერების გამოყენებით, იაპონური ტრადიციული და პოპულარული კულტურის მოტივებით. მისი ნახატების შინაარსს ხშირად აღწერენ, როგორც "საყვარელ", "ფსიქოდელიურ" ან "სატირულ".
8. იაიოი კუსამა "გოგრა"
იაოი კუსამა ასევე ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარია. იგი ქმნის მრავალფეროვან მედიაში, მათ შორის ფერწერაში, კოლაჟში, სკულპტურაში, პერფორმანსში, გარემოს ხელოვნებასა და ინსტალაციაში, რომელთა უმეტესობა გამოხატავს მის თემატურ ინტერესს ფსიქოდელიური ფერების, განმეორებისა და ნიმუშის მიმართ. ამ დიდი მხატვრის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი სერიალია "გოგრა". პოლკა წერტილებით დაფარული ჩვეულებრივი გოგრა კაშკაშა ყვითელში წარმოდგენილია წმინდა ფონზე. ერთობლივად, ყველა ასეთი ელემენტი ქმნის ვიზუალურ ენას, რომელიც უდავოდ შეესაბამება მხატვრის სტილს და განვითარდა და დაიხვეწა ათწლეულების განმავლობაში მტკივნეული წარმოებისა და რეპროდუქციის განმავლობაში.
9. Tenmyoya Hisashi “იაპონური სული No14”
Tenmyoya Hisashi არის თანამედროვე იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია თავისი ნეონიჰონგას ნახატებით. მან მონაწილეობა მიიღო იაპონური მხატვრობის ძველი ტრადიციის აღორძინებაში, რომელიც სრულიად საპირისპიროა თანამედროვე იაპონური მხატვრობისა. 2000 წელს მან ასევე შექმნა თავისი ახალი ბუტუჰას სტილი, რომელიც ავლენს ძლიერ დამოკიდებულებას ავტორიტეტული ხელოვნების სისტემის მიმართ მისი ნახატების საშუალებით. "იაპონური სული No. 14" შეიქმნა "BASARA" მხატვრული სქემის ფარგლებში, რომელიც ინტერპრეტირებულია იაპონურ კულტურაში, როგორც ქვედა არისტოკრატიის მეამბოხე ქცევა მეომარი სახელმწიფოების პერიოდში, რათა უარი თქვან ხელისუფლებაში მყოფებს მიაღწიონ იდეალურ ცხოვრების წესს. მდიდრულ და ძვირადღირებულ ტანსაცმელში ჩაცმა და თავისუფლად მოქმედება, ნება, რომელიც არ შეესაბამებოდა მათ სოციალურ კლასს.
10. კაცუშიკა ჰოკუსაი "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა"
დაბოლოს, კანაგავას დიდი ტალღა ალბათ ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატია, რაც კი ოდესმე დახატა. ეს არის იაპონიაში შექმნილი ხელოვნების ყველაზე ცნობილი ნიმუში. მასზე გამოსახულია უზარმაზარი ტალღები, რომლებიც ემუქრებიან ნავებს კანაგავას პრეფექტურის სანაპიროსთან. მიუხედავად იმისა, რომ ზოგჯერ ცუნამში ცდება, ტალღა, როგორც ნახატის სათაური გვთავაზობს, სავარაუდოდ უბრალოდ არანორმალურად მაღალია. ნახატი შესრულებულია უკიიო-ე ტრადიციით.
მდებარეობა:
იაპონური მხატვრობა აბსოლუტურად უნიკალური მოძრაობაა მსოფლიო ხელოვნებაში. ის არსებობდა უძველესი დროიდან, მაგრამ როგორც ტრადიცია არ დაუკარგავს პოპულარობა და გაოცების უნარი.
ყურადღება ტრადიციებზე
აღმოსავლეთი არ არის მხოლოდ პეიზაჟები, მთები და ამომავალი მზე. ეს ის ხალხია, ვინც შექმნეს მისი ისტორია. სწორედ ეს ხალხი მხარს უჭერდა იაპონური ფერწერის ტრადიციას მრავალი საუკუნის განმავლობაში, ავითარებდა და აძლიერებდა მათ ხელოვნებას. მათ, ვინც მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა ისტორიაში, იაპონელი მხატვრები არიან. მათი წყალობით, თანამედროვეებმა შეინარჩუნეს ტრადიციული იაპონური მხატვრობის ყველა კანონი.
ნახატების შესრულების წესი
ევროპისგან განსხვავებით, იაპონელი მხატვრები ამჯობინებდნენ გრაფიკასთან უფრო ახლოს ხატვას, ვიდრე ფერწერას. ასეთ ნახატებში ვერ ნახავთ იმპრესიონისტებისთვის დამახასიათებელ უხეშ, დაუფიქრებელ ზეთის შტრიხებს. როგორია ისეთი ხელოვნების გრაფიკული ბუნება, როგორიცაა იაპონური ხეები, კლდეები, ცხოველები და ფრინველები - ამ ნახატებში ყველაფერი დახატულია რაც შეიძლება ნათლად, მყარი და თავდაჯერებული მელნის ხაზებით. კომპოზიციის ყველა ობიექტს უნდა ჰქონდეს მონახაზი. კონტურის შიგნით შევსება ჩვეულებრივ ხდება აკვარელით. ფერი ირეცხება, სხვა ჩრდილები ემატება და სადღაც ქაღალდის ფერი რჩება. დეკორატიულობა არის ზუსტად ის, რაც განასხვავებს იაპონურ ნახატებს მთელი მსოფლიო ხელოვნებისგან.
კონტრასტები ფერწერაში
კონტრასტი არის კიდევ ერთი დამახასიათებელი ტექნიკა, რომელსაც იყენებენ იაპონელი მხატვრები. ეს შეიძლება იყოს განსხვავება ტონში, ფერში ან თბილი და ცივი ჩრდილების კონტრასტში.
მხატვარი მიმართავს ამ ტექნიკას, როდესაც სურს ხაზი გაუსვას საგნის რომელიმე ელემენტს. ეს შეიძლება იყოს ვენა მცენარეზე, ცალკე ფურცელი ან ხის ტოტი ცისკენ. შემდეგ გამოსახულია ობიექტის მსუბუქი, განათებული ნაწილი და მის ქვეშ არსებული ჩრდილი (ან პირიქით).
გადასვლები და ფერადი გადაწყვეტილებები
იაპონური ნახატების ხატვისას ხშირად გამოიყენება გადასვლები. ისინი შეიძლება იყოს განსხვავებული: მაგალითად, ერთი ფერიდან მეორეზე. წყლის შროშანებისა და პეონის ფურცლებზე შეგიძლიათ შეამჩნიოთ გადასვლა ღია ჩრდილიდან მდიდარ, ნათელ ფერზე.
გადასვლები ასევე გამოიყენება წყლის ზედაპირისა და ცის გამოსახულებაში. მზის ჩასვლიდან ბნელ, გაღრმავებულ ბინდიზე გლუვი გადასვლა ძალიან ლამაზად გამოიყურება. ღრუბლების დახატვისას ასევე გამოიყენება გადასვლები სხვადასხვა ჩრდილებიდან და რეფლექსებიდან.
იაპონური მხატვრობის ძირითადი მოტივები
ხელოვნებაში ყველაფერი ურთიერთკავშირშია რეალურ ცხოვრებასთან, მასში ჩართული ადამიანების განცდებთან და ემოციებთან. როგორც ლიტერატურაში, მუსიკაში და შემოქმედების სხვა ფორმებში, ფერწერაშიც არსებობს რამდენიმე მარადიული თემა. ეს არის ისტორიული საგნები, ადამიანებისა და ბუნების გამოსახულებები.
იაპონური პეიზაჟები მრავალი სახეობისაა. ხშირად ნახატებში არის აუზების გამოსახულებები - იაპონელებისთვის საყვარელი ავეჯი. იქვე დეკორატიული აუზი, რამდენიმე წყლის შროშანა და ბამბუკი - ასე გამოიყურება მე-17-18 საუკუნეების ტიპიური სურათი.
ცხოველები იაპონურ ფერწერაში
ცხოველები ასევე ხშირად განმეორებადი ელემენტია აზიურ ფერწერაში. ტრადიციულად ეს არის მფრინავი ვეფხვი ან შინაური კატა. ზოგადად, აზიელებს ძალიან უყვართ და ამიტომ მათი წარმომადგენლები აღმოსავლური ხელოვნების ყველა ფორმაში გვხვდება.
ფაუნის სამყარო კიდევ ერთი თემაა, რომელსაც იაპონური მხატვრობა მისდევს. ჩიტები - წეროები, დეკორატიული თუთიყუშები, მდიდრული ფარშევანგი, მერცხლები, შეუმჩნეველი ბეღურები და მამლებიც კი - ყველა მათგანი აღმოსავლური ოსტატების ნახატებშია ნაპოვნი.
თევზები თანაბრად აქტუალური თემაა იაპონელი მხატვრებისთვის. კოი კობრი ოქროს თევზის იაპონური ვერსიაა. ეს არსებები ცხოვრობენ აზიაში ყველა აუზში, თუნდაც პატარა პარკებსა და ბაღებში. კოი კობრი ერთგვარი ტრადიციაა, რომელიც კონკრეტულად იაპონიას ეკუთვნის. ეს თევზი სიმბოლოა ბრძოლა, განსაზღვრა და თქვენი მიზნის მიღწევა. ტყუილად არ არის გამოსახული ისინი ნაკადთან ერთად მცურავი, ყოველთვის დეკორატიული ტალღის ღეროებით.
იაპონური ნახატები: ხალხის გამოსახვა
ადამიანები იაპონურ ფერწერაში განსაკუთრებული თემაა. მხატვრები ასახავდნენ გეიშებს, იმპერატორებს, მეომრებს და უხუცესებს.
გეიშები გამოსახულია ყვავილებით გარშემორტყმული, ყოველთვის ეცვათ დახვეწილი სამოსი მრავალი ნაკეცებითა და ელემენტებით.
ბრძენები გამოსახულნი არიან მჯდომარეში ან რაღაცას უხსნიან თავიანთ მოსწავლეებს. ძველი მეცნიერის გამოსახულება აზიის ისტორიის, კულტურისა და ფილოსოფიის სიმბოლოა.
მეომარი გამოსახული იყო როგორც ძლიერი, ზოგჯერ შემზარავი. გრძელები დეტალურად იყო დახატული და მავთულს ჰგავდა.
ჩვეულებრივ, ჯავშნის ყველა დეტალი ირკვევა მელნის გამოყენებით. ხშირად შიშველ მეომრებს ამშვენებს აღმოსავლეთის დრაკონის გამოსახული ტატუ. ეს არის იაპონიის ძლიერებისა და სამხედრო ძლიერების სიმბოლო.
მმართველები იმპერიული ოჯახებისთვის იყო გამოსახული. ულამაზესი სამოსი და დეკორაციები მამაკაცის თმაში არის ის, რაც უხვადაა ხელოვნების ასეთი ნაწარმოებები.
პეიზაჟები
ტრადიციული იაპონური პეიზაჟი - მთები. აზიელმა მხატვრებმა მიაღწიეს სხვადასხვა პეიზაჟების გამოსახვას: მათ შეუძლიათ ერთი და იგივე მწვერვალი გამოსახონ სხვადასხვა ფერებში, სხვადასხვა ატმოსფეროში. ერთადერთი, რაც უცვლელი რჩება, არის ყვავილების სავალდებულო ყოფნა. როგორც წესი, მხატვარი მთებთან ერთად წინა პლანზე გამოსახავს რაიმე სახის მცენარეს და დაწვრილებით ხატავს. მთები და ალუბლის ყვავილი ლამაზად გამოიყურება. და თუ ისინი დაცემულ ფურცლებს ხატავენ, სურათი აღფრთოვანებას იწვევს მისი სევდიანი სილამაზით. სურათის ატმოსფეროში კონტრასტი იაპონური კულტურის კიდევ ერთი შესანიშნავი თვისებაა.
იეროგლიფები
ხშირად იაპონურ ფერწერაში სურათის კომპოზიცია შერწყმულია დამწერლობასთან. იეროგლიფები ისეა მოწყობილი, რომ კომპოზიციურად ლამაზად გამოიყურებოდეს. ისინი, როგორც წესი, დახატულია ნახატის მარცხნივ ან მარჯვნივ. იეროგლიფებს შეუძლიათ წარმოადგინონ ის, რაც ნახატზეა გამოსახული, მისი სათაური ან მხატვრის სახელი.
იაპონია ერთ-ერთი ყველაზე მდიდარი ქვეყანაა ისტორიით და კულტურით. მთელ მსოფლიოში იაპონელები ზოგადად პედანტურ ადამიანებად ითვლებიან, რომლებიც ცხოვრების აბსოლუტურად ყველა გამოვლინებაში პოულობენ ესთეტიკას. მაშასადამე, იაპონური ნახატები ყოველთვის ძალიან ჰარმონიულია ფერში და ტონში: თუ არსებობს ნათელი ფერის ნაპერწკლები, ეს მხოლოდ სემანტიკურ ცენტრებშია. მაგალითად, აზიელი მხატვრების ნახატების გამოყენებით, შეგიძლიათ შეისწავლოთ ფერების თეორია, ფორმის სწორი წარმოდგენა გრაფიკისა და კომპოზიციის გამოყენებით. იაპონური ნახატების შესრულების ტექნიკა იმდენად მაღალია, რომ შეიძლება მაგალითი იყოს აკვარელებთან მუშაობისა და გრაფიკული ნამუშევრების „გარეცხვის“ შესასრულებლად.
რომელიც მოიცავს ბევრ ტექნიკას და სტილს. თავისი ისტორიის მანძილზე მან განიცადა დიდი რაოდენობით ცვლილებები. დაემატა ახალი ტრადიციები და ჟანრები და დარჩა ორიგინალური იაპონური პრინციპები. იაპონიის გასაოცარ ისტორიასთან ერთად, ნახატი ასევე მზად არის წარმოადგინოს მრავალი უნიკალური და საინტერესო ფაქტი.
ძველი იაპონია
პირველი სტილები ჩნდება ქვეყნის უძველეს ისტორიულ პერიოდში, ძვ.წ. ე. მაშინ ხელოვნება საკმაოდ პრიმიტიული იყო. ჯერ 300 წ. ჩვენს წელთაღრიცხვამდე გაჩნდა სხვადასხვა გეომეტრიული ფიგურები, რომლებსაც ჭურჭელზე ამზადებდნენ ჯოხებით. არქეოლოგების ასეთი აღმოჩენა, როგორც ბრინჯაოს ზარების ორნამენტი, გვიანდელი დროით თარიღდება.
ცოტა მოგვიანებით, უკვე 300 წ. ე., ჩნდება კლდის ნახატები, რომლებიც ბევრად უფრო მრავალფეროვანია, ვიდრე გეომეტრიული ნიმუშები. ეს უკვე სრულფასოვანი სურათებია სურათებით. ისინი საძვალეში აღმოაჩინეს და, სავარაუდოდ, ამ სამარხებში დაკრძალეს მათზე დახატული ადამიანები.
VII საუკუნეში ე. იაპონია იღებს მწერლობას, რომელიც მოდის ჩინეთიდან. დაახლოებით ამავე დროს იქიდან მოვიდა პირველი ნახატები. შემდეგ მხატვრობა ხელოვნების ცალკეულ სფეროდ გვევლინება.
ედო
ედო შორს არის პირველი და არა უკანასკნელი ნახატისაგან, მაგრამ კულტურაში ბევრი ახალი რამ შემოიტანა. პირველ რიგში, ეს არის სიკაშკაშე და ფერადოვნება, რომელიც დაემატა ჩვეულებრივ ტექნიკას, რომელიც შესრულებულია შავ და ნაცრისფერ ტონებში. სოტასუ ამ სტილის ყველაზე გამორჩეულ მხატვრად ითვლება. მან შექმნა კლასიკური ნახატები, მაგრამ მისი პერსონაჟები ძალიან ფერადი იყო. მოგვიანებით ის ბუნებაზე გადავიდა და მისი პეიზაჟების უმეტესობა მოოქროვილი ფონზე იყო დახატული.
მეორეც, ედოს პერიოდში გაჩნდა ეგზოტიკა, ნამბანის ჟანრი. იგი იყენებდა თანამედროვე ევროპულ და ჩინურ ტექნიკას, რომლებიც გადახლართული იყო ტრადიციულ იაპონურ სტილებთან.
და მესამე, ჩნდება ნანგას სკოლა. მასში მხატვრები ჯერ მთლიანად ბაძავენ ან თუნდაც კოპირებენ ჩინელი ოსტატების ნამუშევრებს. შემდეგ ჩნდება ახალი ფილიალი, რომელსაც ბუნჯინგი ჰქვია.
მოდერნიზაციის პერიოდი
ედოს პერიოდი მეიჯს უთმობს და ახლა იაპონური მხატვრობა იძულებულია განვითარების ახალ ეტაპზე გადავიდეს. ამ დროს მსოფლიოში პოპულარული ხდებოდა ისეთი ჟანრები, როგორიცაა ვესტერნი და მსგავსი, ამიტომ ხელოვნების მოდერნიზაცია გახდა საერთო მდგომარეობა. თუმცა, იაპონიაში, ქვეყანაში, სადაც ყველა ადამიანი პატივს სცემს ტრადიციებს, ამ დროს ვითარება მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა სხვა ქვეყნებში მომხდარისგან. აქ სასტიკი კონკურენციაა ევროპელ და ადგილობრივ ტექნიკოსებს შორის.
მთავრობა ამ ეტაპზე უპირატესობას ახალგაზრდა ხელოვანებს ანიჭებს, რომლებიც დასავლურ სტილში თავიანთი უნარების გაუმჯობესების დიდ დაპირებას იჩენენ. ამიტომ აგზავნიან მათ ევროპისა და ამერიკის სკოლებში.
მაგრამ ეს მხოლოდ პერიოდის დასაწყისში იყო. ფაქტია, რომ ცნობილი კრიტიკოსები საკმაოდ მკაცრად აკრიტიკებდნენ დასავლურ ხელოვნებას. ამ საკითხის გარშემო დიდი აჟიოტაჟის თავიდან ასაცილებლად, ევროპული სტილისა და ტექნიკის აკრძალვა დაიწყო გამოფენებზე, მათი ჩვენება შეწყდა, ისევე როგორც მათი პოპულარობა.
ევროპული სტილის გაჩენა
შემდეგი მოდის ტაიშოს პერიოდი. ამ დროს სამშობლოში ბრუნდებიან უცხოურ სკოლებში სასწავლებლად წასული ახალგაზრდა ხელოვანები. ბუნებრივია, მათ თან მოაქვთ იაპონური მხატვრობის ახალი სტილები, რომლებიც ძალიან ჰგავს ევროპულს. ჩნდება იმპრესიონიზმი და პოსტიმპრესიონიზმი.
ამ ეტაპზე ყალიბდება მრავალი სკოლა, რომლებშიც ძველი იაპონური სტილის აღორძინება ხდება. მაგრამ დასავლური ტენდენციებისგან სრულად მოშორება შეუძლებელია. ამიტომ, ჩვენ უნდა გავაერთიანოთ რამდენიმე ტექნიკა, რათა მოვიწონოთ როგორც კლასიკის მოყვარულები, ასევე თანამედროვე ევროპული ფერწერის მოყვარულები.
ზოგიერთ სკოლას სახელმწიფო აფინანსებს, რის წყალობითაც მრავალი ეროვნული ტრადიციის შენარჩუნებაა შესაძლებელი. კერძო მესაკუთრეები იძულებულნი არიან მიჰყვნენ მომხმარებელთა მაგალითს, რომლებსაც სურდათ რაღაც ახალი; ისინი დაიღალნენ კლასიკისგან.
ნახატი მეორე მსოფლიო ომისგან
ომის დაწყების შემდეგ, იაპონური მხატვრობა გარკვეული დროით მოშორებული დარჩა მოვლენებისგან. იგი განვითარდა ცალკე და დამოუკიდებლად. მაგრამ ეს სამუდამოდ ვერ გაგრძელდებოდა.
დროთა განმავლობაში, როდესაც ქვეყანაში პოლიტიკური ვითარება უარესდება, მაღალი და პატივცემული მოღვაწეები ბევრ ხელოვანს იზიდავს. ზოგიერთმა მათგანმა პატრიოტული სტილით შექმნა ომის დასაწყისშიც კი დაიწყო. დანარჩენები ამ პროცესს მხოლოდ ხელისუფლების ბრძანებით იწყებენ.
შესაბამისად, იაპონურმა სახვითმა ხელოვნებამ ვერ განვითარდა განსაკუთრებით მეორე მსოფლიო ომის დროს. ამიტომ, ფერწერისთვის მას შეიძლება ეწოდოს სტაგნაცია.
მარადიული სუიბოკუგა
იაპონური სუმი-ე ფერწერა, ან სუიბოკუგა, სიტყვასიტყვით ნიშნავს "მელნით მხატვრობას". ეს განსაზღვრავს ამ ხელოვნების სტილს და ტექნიკას. ის ჩინეთიდან მოვიდა, მაგრამ იაპონელებმა გადაწყვიტეს დაარქვეს მას საკუთარი. და თავდაპირველად ტექნიკას არ ჰქონდა რაიმე ესთეტიკური მხარე. მას იყენებდნენ ბერები თვითგანვითარებისთვის ზენის შესწავლისას. უფრო მეტიც, ისინი ჯერ ხატავდნენ ნახატებს და შემდეგ ავარჯიშებდნენ კონცენტრაციას მათი ნახვისას. ბერებს სჯეროდათ, რომ მკაცრი ხაზები, ბუნდოვანი ტონები და ჩრდილები - ყველაფერი რასაც მონოქრომული ჰქვია - ეხმარება გაუმჯობესებას.
იაპონური მელნით მხატვრობა, ნახატებისა და ტექნიკის მრავალფეროვნების მიუხედავად, არ არის ისეთი რთული, როგორც ერთი შეხედვით შეიძლება ჩანდეს. იგი დაფუძნებულია მხოლოდ 4 ნაკვეთზე:
- ქრიზანთემა.
- ორქიდეა.
- ქლიავის ტოტი.
- ბამბუკი.
ნაკვეთების მცირე რაოდენობა არ აჩქარებს ტექნიკის დაუფლებას. ზოგიერთი ოსტატი თვლის, რომ სწავლა გრძელდება მთელი ცხოვრება.
მიუხედავად იმისა, რომ სუმი-ე დიდი ხნის წინ გამოჩნდა, ის ყოველთვის მოთხოვნადია. უფრო მეტიც, დღეს ამ სკოლის ოსტატებს შეხვდებით არა მხოლოდ იაპონიაში, ის ფართოდ არის გავრცელებული მის საზღვრებს მიღმა.
თანამედროვე პერიოდი
მეორე მსოფლიო ომის დასრულების შემდეგ იაპონიაში ხელოვნება მხოლოდ დიდ ქალაქებში აყვავდა; სოფლის მოსახლეობას და სოფლის მოსახლეობას საკმარისი ფიქრი ჰქონდა. უმეტესწილად, მხატვრები ცდილობდნენ თავი დაეღწიათ ომის დროს დანაკარგებისგან და ტილოზე გამოესახათ თანამედროვე ქალაქის ცხოვრება მთელი თავისი შემკულობითა და მახასიათებლებით. ევროპული და ამერიკული იდეები წარმატებით იქნა მიღებული, მაგრამ ეს მდგომარეობა დიდხანს არ გაგრძელებულა. ბევრმა ოსტატმა თანდათან დაიწყო მათგან დაშორება იაპონური სკოლებისკენ.
ყოველთვის მოდური დარჩა. ამიტომ, თანამედროვე იაპონური ფერწერა შეიძლება განსხვავდებოდეს მხოლოდ შესრულების ტექნიკით ან პროცესში გამოყენებული მასალებით. მაგრამ მხატვრების უმეტესობა კარგად ვერ აღიქვამს სხვადასხვა სიახლეებს.
შეუძლებელია არ ავღნიშნოთ მოდური თანამედროვე სუბკულტურები, როგორიცაა ანიმე და მსგავსი სტილი. ბევრი მხატვარი ცდილობს გააფუჭოს ზღვარი კლასიკასა და დღეს მოთხოვნადს შორის. უმეტესწილად, ეს მდგომარეობა განპირობებულია კომერციით. კლასიკასა და ტრადიციულ ჟანრებს პრაქტიკულად არ ყიდულობენ, შესაბამისად, წამგებიანია მხატვრად მუშაობა საყვარელ ჟანრში, საჭიროა მოდას მოერგოს.
დასკვნა
უდავოა, იაპონური მხატვრობა სახვითი ხელოვნების საგანძურია. შესაძლოა, აღნიშნული ქვეყანა ერთადერთი იყო, რომელიც არ მიჰყვებოდა დასავლურ ტენდენციებს და არ ეგუებოდა მოდას. ახალი ტექნიკის გამოჩენის დროს მრავალი დარტყმის მიუხედავად, იაპონელმა მხატვრებმა მაინც შეძლეს ეროვნული ტრადიციების დაცვა მრავალ ჟანრში. ალბათ ამიტომაა, რომ კლასიკურ სტილში შესრულებულ ნახატებს დღეს ძალიან აფასებენ გამოფენებზე.
