თეატრის კოსტიუმი,შესრულების დიზაინის ელემენტი. თეატრის ისტორიაში ცნობილია თეატრალური კოსტუმის სამი ძირითადი ტიპი: სახასიათო, თამაში და პერსონაჟის სამოსი. კოსტუმის ეს სამი ძირითადი ტიპი არსებობს საშემსრულებლო ხელოვნების ყველა საფეხურზე - რიტუალური და ფოლკლორული წინათეატრიდან თანამედროვე მხატვრულ პრაქტიკამდე.

პერსონაჟის კოსტუმი არის ერთგვარი ვიზუალურ-პლასტიკური კომპოზიცია შემსრულებლის ფიგურაზე, რომელიც ამოქმედდა მის მიერ და გაჟღერდა (ტექსტის წარმოთქმით ან სიმღერით), ზოგჯერ მთლიანად მალავს მის ფიგურას, ისევე, როგორც ნიღაბი ფარავდა მის სახეს. პერსონაჟების კოსტიუმების მაგალითები რიტუალებსა და ცერემონიებში მთელს მსოფლიოში. ინდური კოსტუმის ზარის ფორმის სილუეტი იყო ნაგარა შახარას კოშკ-კარვის ტაძრისა და წმინდა მთის მენიუს (ინდუს მითოლოგიაში სამყაროს ცენტრი და ღერძი) პარაფრაზი. ჩინური - თავისი ფორმით, დიზაინით, ორნამენტითა და ფერით გამოხატავს სინათლისა და სიბნელის ბუნებრივი მონაცვლეობის უძველეს კოსმოლოგიურ სიმბოლიკას, სამყაროს შექმნის აქტში ცისა და დედამიწის შერწყმას. ჩრდილოეთის ხალხების შამანური კოსტუმი განასახიერებს ფანტასტიკური ფრინველის გამოსახულებებს, რომლებიც დაკავშირებულია "ზემო სამყაროსთან" და მხეცთან ("ქვედა სამყაროს" მკვიდრი). სამხრეთ რუსული სამყაროს ერთგვარი მოდელია. პეკინის ოპერის ტრადიციულ სპექტაკლებში კოსტუმი წარმოადგენდა შესანიშნავი დრაკონის გამოსახულებას, იაპონურ No თეატრში - ბუნების მოტივებს და მე -17 საუკუნის ბაროკოს ეპოქაში. - სამართლიანი თუ მშვიდობა. თუ რიტუალური რიტუალური და ფოლკლორული მოქმედებებისთვის სახასიათო კოსტიუმები (როგორც სცენოგრაფიის ყველა სხვა ელემენტი) ანონიმური ხალხური მხატვრების შემოქმედების ნაყოფი იყო, მაშინ მე-20 საუკუნეში, თავიდანვე, მხატვრებმა დაიწყეს მათი შედგენა: ი. ბილიბინი - ქ. ოპერა ოქროს მამალინ.რიმსკი-კორსაკოვი (1909), კ.ფრიჩი - ქ ბურევ.შექსპირი (1913), ვ.ტატლინი - ქ ცარ მაქსიმილიანი, პ.ფილონოვი - ტრაგედიაში ვლადიმერ მაიაკოვსკისაბოლოოდ, პროექტშია კ.მალევიჩი მზეზე გამარჯვება(სამივე დადგმა 1913 წ.). შემდეგ კი, 1910-იანი წლების ბოლოს - 1920-იანი წლების პირველი ნახევარი. პერსონაჟების კოსტიუმების მთელი სერია შექმნეს იტალიელმა ფუტურისტებმა ე.პრამპოლინიმ, ფ.დეპერომ და სხვებმა, ო.შლემერმა გერმანული ბაუჰაუსიდან, ხოლო ბალეტში - პ.პიკასომ, რომელმაც აჩვენა გროტესკული მენეჯერები აღლუმი E. Satie და F. Leger - Negro Deities in სამყაროს შექმნად.მილო. საბოლოოდ, ა. ვესნინის კუბისტურმა კოსტიუმმა „არქიტექტურამ“ სახასიათო მნიშვნელობა შეიძინა ა.ტაიროვის სპექტაკლებში - ქ. ხარება, საკუთარი სუპრემატისტური კომპოზიციები გმირების ფიგურებზე ფედრა.ჩართულია სხვა სცენები - იუ.ანენკოვის „ჭურვი ლუქსი“ სპექტაკლში გაზიგ.კაიზერი და ა.პეტრიცკი - ქ ვიი, ასევე ფანტასტიკური კოლაჟები, როგორც პერსონაჟების კოსტიუმები პიესისთვის ინსპექტორი,რომლებიც შექმნეს პ.ფილონოვის მოსწავლეებმა (ნ. ევგრაფიოვი, ა. ლანდსბერგი და ა. საშინი) მარკების, გერბების, ბეჭდების, კონვერტების და ა.შ თემაზე - ფოსტალის პერსონაჟი, რეცეპტები, ხელმოწერები, შპრიცები, enemas, თერმომეტრები - ექიმის პერსონაჟი, ბოთლები, ძეხვეული, ლორები, საზამთრო და ა.შ. - ტავერნა კაცის პერსონაჟი. მე-20 საუკუნის მეორე ნახევარში. კოსტიუმები, როგორც დამოუკიდებელი ვიზუალური პერსონაჟები, მსახიობებისგან განცალკევებით ნაჩვენები, როგორც სცენოგრაფიის ელემენტი, შექმნეს მ. კიტაევმა და ს. სტავცევამ, ხოლო როგორც სხვადასხვა სახის კომპოზიციები მსახიობების ფიგურებზე - კ. შიმანოვსკაია, დ. მატაიტენ, ი. ხარიკოვი.

სამსახიობო კოსტუმი არის მსახიობის გარეგნობის გარდაქმნის საშუალება და მისი შესრულების ერთ-ერთი ელემენტი. რიტუალურ და ფოლკლორულ აქტებში ტრანსფორმაციას ყველაზე ხშირად ჰქონდა გროტესკული პაროდიული ხასიათი, როდესაც მამაკაცები ჩაცმულნი იყვნენ როგორც ქალები, ქალები - როგორც მამაკაცები, ახალგაზრდები - როგორც მოხუცები, ლამაზმანები, როგორც ჯადოქრები, ან როდესაც ისინი ასახავდნენ სხვადასხვა ცხოველებს. ამავდროულად, გამოიყენებოდა ყველაფერი, რაც ხელთ იყო: ქურთუკი, ცხვრის ტყავის ქურთუკი, გარსაცმები, ცხვრის ტყავი - ყოველთვის შიგნიდან გადაბრუნებული, უფრო მხიარული და სახალისო, ისევე როგორც ნებისმიერი სხვა, გარკვეულწილად სასაცილო, "შებრუნებული" ტანსაცმელი, მაგალითად, უკიდურესად შემცირებული შარვალი, ზედმეტად განიერი პერანგი, ნახვრეტიანი წინდები, ყველა სახის ნაწიბურები, ნაწიბურები, ნაწიბურები, ჩანთები, თოკები; გამოიყენებოდა ყველაფერი, რაც ბუნებამ უზრუნველყო: ბალახი, ყვავილები, ჩალა, ფოთლები. ბოლოს, გასაფორმებლად გამოიყენებოდა აგრეთვე სხვადასხვა ხელოვნური დეკორაციები: ფერადი ქაღალდი, არყის ქერქი, ფოლგა, მინა, ლენტები, სარკეები, ზარები, ბუმბული და ა.შ. გროტესკული შენიღბვის ტექნიკა გადავიდა ძველი ბერძნული კომედიების სპექტაკლებში და აღმოსავლეთის ტრადიციულ თეატრში, სადაც ისინი შერწყმულია მსახიობის მრავალფეროვან შესრულებასთან მისი კოსტუმის ელემენტებით: გრძელი სახელოები და ხოხბის ბუმბული პეკინის ოპერაში, მატარებლები, პირსახოცი. და ფანები იაპონურ No. იტალიური კომედია dell'arte-ის სპექტაკლები, შექსპირისა და ლოპე დე ვეგას პიესები ეფუძნებოდა გაუთავებელ შენიღბვასა და შენიღბვას. მე-18 საუკუნის ბოლოს. ემა ჰარტმა (ლედი ჰემილტონმა) თავისი ცნობილი ცეკვა დააფუძნა შალით თამაშზე, რის შემდეგაც მსგავსი ტექნიკა (მანიპულაციები შარფებით, საწოლებით, ფარდები და კოსტუმის სხვა მსგავსი ელემენტები) ფართოდ გამოიყენებოდა მე-19 საუკუნის ბალეტის თეატრში და მიაღწია უმაღლესს. მხატვრული სიმაღლეები L. .Bakst-ის შემოქმედებაში, რომლის ქორეოგრაფიული სურათების ესკიზები მოიცავდა სხვადასხვა მფრინავი ქსოვილების, ქამრების, შარფების, კალთების, შარფების, მოსასხამების, კეპების, გულსაკიდი, გარტერების დინამიკას. დრამატულ სცენაზე მსახიობის მოძრაობებთან ერთად კოსტიუმების თამაშის ტრადიცია - კუბო-ფუტურისტული ექსპრესიულობის საშუალებით - ა.ექსტერმა გააგრძელა კამერული თეატრის სპექტაკლებში. სალომეო.უაილდი და რომეო და ჯულიეტაშექსპირი და მის შემდეგ მისი სტუდენტი პ.ჩელიშჩევი და 1920-იანი წლების დასაწყისის სხვა ოსტატები: ვ.ხოდასევიჩი და ი.ნივინსკი, ი.რაბინოვიჩი და გ.იაკულოვი, ს.ეიზენშტეინი და გ.კოზინცევი, ბოლოს ისევ ბალეტის სცენაზე. , კ.გოლეიზოვსკის სპექტაკლებში - ბ.ერდმანი. თუ ამ პერიოდში სათამაშო კოსტიუმები ქმნიდა მთელ ტენდენციას სცენოგრაფიაში, მაშინ მე-20 საუკუნის მეორე ნახევარში. მათ ასევე საკმაოდ ფართოდ იყენებდნენ მხატვრები და რეჟისორები, მაგრამ აუცილებლობის გამო, როგორც მათ ხელთ არსებული გამოხატვის საშუალებების „პალიტრის“ ელემენტი. თანამედროვე პიესის კოსტიუმების ავტორებს შორის არიან ქართველი მხატვრები სამეული, გ.ალექსი-მესხიშვილი და ნ.იგნატოვი, მსგავსი მაგალითები გვხვდება სხვა ქვეყნების თეატრებში: პოლონეთში, ჩეხეთში, გერმანიაში, იტალიაში.

კოსტუმი, ისევე როგორც პერსონაჟის სამოსი, ხშირად საფუძვლად უდევს ზემოთ განხილული კოსტუმის ტიპების შექმნას (პერსონაჟი და თამაში), თეატრის ისტორიული განვითარების ყველა პერიოდში, მეტ-ნაკლებად, ეს არის განსახიერება სცენაზე იმისა, თუ რას ატარებდნენ ადამიანები მოცემულ პერიოდში. ასე იყო ძველ ტრაგედიაში და ასე რჩება ჩვენი დროის სპექტაკლებში. ამავდროულად, ამ ტიპის კოსტუმის ზოგადი ევოლუცია ხასიათდებოდა გადაადგილებით რეალური ტანსაცმლის ჩვეულებრივი ფორმებიდან (ბაროკოსა და კლასიციზმის ეპოქაში) მის მზარდ ისტორიულ, გეოგრაფიულ, ეროვნულ ავთენტურობამდე, სიზუსტესა და ავთენტურობამდე. ნატურალიზმისა და ფსიქოლოგიური რეალიზმის თეატრში კოსტუმი სრულიად ადეკვატური ხდება პერსონაჟის ხასიათთან, გამოხატავს არა მხოლოდ მის სოციალურ მდგომარეობას, არამედ მის სულიერ მდგომარეობასაც. ამავდროულად, როგორც დღეს, ისე გასულ საუკუნეებში, კოსტუმი რჩება ხელოვანთა განსაკუთრებული შემოქმედების საგანი (რომელთა შორის არიან სახვითი ხელოვნებისა და სცენის დიზაინის ყველაზე გამორჩეული ოსტატები) და ისინი ქმნიან მას (თუნდაც ერთი შეხედვით ყოველდღიური მოხმარების კოსტიუმებს, არა. რომ ვთქვათ ფანტასტიკური ), არა მხოლოდ როგორც ცალკეული ნამუშევარი, არამედ როგორც შესრულების აუცილებელი კომპონენტი.

„კოსტიუმი მსახიობის მეორე გარსია, ეს არის რაღაც განუყოფელი მისი არსებისგან, ეს არის მისი სასცენო გამოსახულების ხილული სახე, რომელიც ასე ჰოლისტურად უნდა შეერწყას მას, რათა განუყოფელი გახდეს...“ ა. ია. ტაიროვი. თეატრალური კოსტუმი არის მსახიობის სასცენო იმიჯის კომპონენტი; ეს არის გამოსახული პერსონაჟის გარეგანი ნიშნები და მახასიათებლები, რომლებიც ხელს უწყობს მსახიობის ტრანსფორმაციას; მაყურებელზე მხატვრული გავლენის საშუალება. მსახიობისთვის კოსტუმი არის მატერია, ფორმა, შთაგონებული როლის მნიშვნელობით. როგორც მსახიობი სიტყვითა და ჟესტით, მოძრაობითა და ხმის ტემბრით ქმნის სასცენო გამოსახულების ახალ არსებას, დაწყებული სპექტაკლში მოცემულიდან, ასევე მხატვარი, პიესის იგივე მონაცემებით ხელმძღვანელობით, განასახიერებს გამოსახულებას. თავისი ხელოვნების საშუალებებით.

თეატრალური კოსტიუმების კერვა თეატრალური კოსტიუმების კერვა, უპირველეს ყოვლისა, პირადი მხატვრული გამოსახულების შექმნაა, როგორც წესი, ასეთ კოსტიუმებს აქვთ მდიდარი დეკორაციები, მოცულობის ფორმა და დეტალები. ეს კოსტუმი დამოუკიდებლად თამაშობს და უჩვეულო ატმოსფეროს ქმნის. თეატრალური და სასცენო კოსტიუმების პროფესიონალური შეკერვა დიდ პასუხისმგებლობას აკისრებს ისე, რომ სტილი მოერგოს გარემოს - კვადრატული საცეკვაო კოსტიუმები, ბუფონის კოსტიუმები, ისტორიული კოსტიუმები (XVII, XVIII, XIX სს.), ცირკის კოსტიუმები, ქალისა და მამაკაცის კაბები სხვადასხვა დროის გათვალისწინებით. ზუსტად ის გარემო, რისთვისაც არის განკუთვნილი სარჩელის გამოყენება. სასცენო ტანსაცმელი ყოველთვის იყო და რჩება მაყურებლისთვის კაშკაშა, საინტერესო და უჩვეულო, რომელიც აოცებს თავისი ფუფუნებით, ელეგანტურობითა და უჩვეულოობით. მაგრამ არა მოდის დიზაინერებისა და ნამდვილი ხელოსნებისთვის. სცენაზე ტანსაცმელი მუდმივ შთაგონებას მოითხოვს დიზაინერისგან, რომელიც მხატვრის როლს ასრულებს. იდეალური მოდის დიზაინერი არის მხატვარი, რომელიც ასევე არის კარგი ფსიქოლოგი და შესანიშნავი მკერავი. ბოლოს და ბოლოს, მხოლოდ მსახიობთან ან მომხმარებელთან კონტაქტით შეგიძლიათ შექმნათ ზუსტად ის იმიჯი, რომელიც აუცილებელია თეატრალური სცენის კოსტუმის შეკერვისას. თეატრალური კოსტიუმები იკერება პროფესიონალური სამკერვალო ტექნიკით, რაც უდავოდ მოქმედებს კოსტიუმების ხარისხზე. არის კოსტუმის დეტალების ხელით დასრულება. კოსტიუმები მზადდება თქვენი ინდივიდუალური ნიმუშების მიხედვით, ასე რომ ისინი იდეალურად მოერგება თქვენს ფიგურას.

თეატრალური კოსტიუმების თავისებურებები თეატრალური კოსტიუმი უნდა იყოს მორგებული და არ შეუქმნას შფოთვა ან დისკომფორტი მსახიობს. კოსტუმზე ბევრი მუშაობს - რეჟისორი, რომელიც სასურველ გამოსახულების ზოგად მახასიათებლებს იძლევა, დიზაინერები, მჭრელები, მკერავები, რომლებიც კოსტუმის იდეას აცოცხლებენ. ჩვეულებრივ, კოსტუმის შეკერვამდე კეთდება ერთზე მეტი მორგება. სცენაზე სპექტაკლის ჩვენებამდე დაახლოებით ორი კვირით ადრე მსახიობები კოსტუმებში რეპეტიციას ატარებენ. ეს აუცილებელია იმისთვის, რომ ისინი უფრო ღრმად მოხვდნენ როლში, იგრძნონ ეს არა მხოლოდ სულით, არამედ კანითაც. ქსოვილების კომბინაცია თეატრალურ კოსტუმში შეიძლება იყოს ძალიან მრავალფეროვანი. ეს მოიცავს კალიკოსა და ბურლაპის, ატლასის და ნაქსოვი ტანსაცმლისა და ნაქსოვი ნაწილების კომბინაციებს. ქსოვილის არჩევანი ასევე დამოკიდებულია შესრულების არსზე, მის გამოსახულებებზე. თეატრალური კოსტუმი არ უნდა იყოს გადატვირთული დეტალების სიმრავლით. ყოველივე ამის შემდეგ, ყველა ლენტი, ყველა ღილაკი შეიცავს გარკვეულ ინფორმაციას.

თეატრალური კოსტუმის ხელოვნება

"გადასასვლელის ის ნაწილი, რომელიც მსახიობების ხელშია, მისი კოსტუმია."
ფრანგული ენციკლოპედია.

„კოსტიუმი მსახიობის მეორე გარსია, ეს არის რაღაც განუყოფელი მისი არსებისგან, ეს არის მისი სასცენო გამოსახულების ხილული სახე, რომელიც ასე მთლიანად უნდა შეერწყას მას, რათა განუყოფელი გახდეს...“
A. Ya. Tairov.

თეატრი სინთეზური ხელოვნების ფორმაა, რომელიც საშუალებას გვაძლევს არა მარტო მოვისმინოთ, არა მხოლოდ წარმოვიდგინოთ, არამედ ვუყუროთ და დავინახოთ. თეატრი გვაძლევს შესაძლებლობას გავხდეთ ფსიქოლოგიური დრამები და მონაწილეობა მივიღოთ ისტორიულ მიღწევებსა და მოვლენებში. თეატრი, თეატრალური სპექტაკლი, შექმნილია მრავალი ხელოვანის ძალისხმევით, რეჟისორიდან და მსახიობიდან დაწყებული რეჟისორით დამთავრებული, რადგან სპექტაკლი არის „სხვადასხვა ხელოვნების ერთობლიობა, რომელთაგან თითოეული გარდაიქმნება ამ გეგმაში და იძენს ახალ ხარისხს. ...”.

თეატრალური კოსტუმი არის მსახიობის სასცენო იმიჯის კომპონენტი; ეს არის გამოსახული პერსონაჟის გარეგანი ნიშნები და მახასიათებლები, რომლებიც ხელს უწყობს მსახიობის ტრანსფორმაციას; მაყურებელზე მხატვრული გავლენის საშუალება. მსახიობისთვის კოსტუმი არის მატერია, ფორმა, შთაგონებული როლის მნიშვნელობით.
როგორც მსახიობი სიტყვითა და ჟესტით, მოძრაობითა და ხმის ტემბრით ქმნის სასცენო გამოსახულების ახალ არსებას, დაწყებული სპექტაკლში მოცემულიდან, ასევე მხატვარი, პიესის იგივე მონაცემებით ხელმძღვანელობით, განასახიერებს გამოსახულებას. თავისი ხელოვნების საშუალებებით.

თეატრალური ხელოვნების მრავალსაუკუნოვანი ისტორიის განმავლობაში დეკორაციის დიზაინმა მუდმივად განიცადა ევოლუციური ტრანსფორმაცია, რაც გამოწვეული იყო არა მხოლოდ სასცენო ტექნოლოგიის გაუმჯობესებით, არამედ შესაბამისი დროის სტილისა და მოდის ყველა პერიპეტიებით. ეს დამოკიდებული იყო პიესის ლიტერატურული სტრუქტურის ბუნებაზე, დრამის ჟანრზე, მაყურებლის სოციალურ შემადგენლობაზე, სასცენო ტექნოლოგიის დონეზე.

ანტიკურობის სტაბილური არქიტექტურული სტრუქტურების პერიოდებმა ადგილი დაუთმო შუა საუკუნეების პრიმიტიულ სცენას, რომელიც თავის მხრივ დაუთმო სამეფო კარის თეატრებს სპექტაკლების თვითკმარი ფუფუნებით. იყო წარმოდგენები ქსოვილში, კომპლექსურ კონსტრუქციულ დეკორაციებში, მხოლოდ განათების დიზაინში, საერთოდ დეკორაციის გარეშე - შიშველ სცენაზე, პლატფორმაზე, მხოლოდ ტროტუარზე.

კოსტუმის, როგორც „მოძრავი“ დეკორაციის როლი ყოველთვის დომინანტური იყო. შეიცვალა თვალსაზრისი მის „ურთიერთობაზე“ მსახიობთან, დროსთან და ისტორიასთან და ბოლოს, მის უშუალო „პარტნიორთან“ - სცენის მხატვრულ დიზაინთან.

თანამედროვე თეატრის ხელოვნების პროგრესული განვითარების, სარეჟისორო ინოვაციების, მხატვრული დიზაინის მეთოდის ტრანსფორმაციის პროცესში, კოსტუმების ხელოვნების როლი არ იკლებს - პირიქით. უმცროსი და უფრო მოქნილი ძმების - კინოსა და ტელევიზიის ზრდასთან ერთად, თეატრი უდავოდ იძენს თავის ძიებაში და ტანჯვაში სანახაობრივი ტექნიკის ახალ ფორმებს, ზუსტად ისეთებს, რომლებიც დაიცავს და განსაზღვრავს თეატრის პოზიციას, როგორც დამოუკიდებელი ხელოვნების მუდმივ ღირებულებას. ფორმა. კოსტიუმს, როგორც თეატრალური დეკორაციის ყველაზე მოძრავ ელემენტს, ამ ძიებაში პირველი ადგილი ენიჭება.

თეატრალური ხელოვნების მაღალი თანამედროვე კულტურა, დახვეწილი და ღრმა რეჟისორის ნამუშევარი სპექტაკლებზე და სპექტაკლებზე და მსახიობების ნიჭიერი სპექტაკლები მოითხოვს, რომ კოსტიუმების დიზაინერი, რომელიც აფორმებს სპექტაკლს, ყურადღებით უნდა შეაღწიოს სპექტაკლის დრამატურგიაში და მჭიდრო კონტაქტში რეჟისორთან. თანამედროვე დიზაინი არ არის კანონიზირებული წესებით. ეს არის ინდივიდუალური და კონკრეტული თითოეულ კონკრეტულ შემთხვევაში. „რეჟისორის შემოქმედება განუყოფელია ხელოვანის შემოქმედებისგან. უპირველეს ყოვლისა, რეჟისორმა უნდა მოძებნოს საკუთარი პასუხები ნაკრების ძირითად პრობლემებზე. ხელოვანმა თავის მხრივ უნდა იგრძნოს წარმოების ამოცანები და დაჟინებით ეძიოს გამომსახველობითი საშუალებები...“
თეატრალური კოსტუმი პირველად იქმნება ვიზუალური საშუალებების, ანუ ესკიზის გამოყენებით.
თეატრის კოსტიუმების დიზაინი

"გადასასვლელის ის ნაწილი, რომელიც მსახიობების ხელშია, მისი კოსტუმია."
ფრანგული ენციკლოპედია.

„კოსტიუმი მსახიობის მეორე გარსია, ეს არის რაღაც განუყოფელი მისი არსებისგან, ეს არის მისი სასცენო გამოსახულების ხილული სახე, რომელიც ასე მთლიანად უნდა შეერწყას მას, რათა განუყოფელი გახდეს...“
A. Ya. Tairov.

თეატრი სინთეზური ხელოვნების ფორმაა, რომელიც საშუალებას გვაძლევს არა მარტო მოვისმინოთ, არა მხოლოდ წარმოვიდგინოთ, არამედ ვუყუროთ და დავინახოთ. თეატრი გვაძლევს შესაძლებლობას გავხდეთ ფსიქოლოგიური დრამები და მონაწილეობა მივიღოთ ისტორიულ მიღწევებსა და მოვლენებში. თეატრი, თეატრალური სპექტაკლი, შექმნილია მრავალი ხელოვანის ძალისხმევით, რეჟისორიდან და მსახიობიდან დაწყებული რეჟისორით დამთავრებული, რადგან სპექტაკლი არის „სხვადასხვა ხელოვნების ერთობლიობა, რომელთაგან თითოეული გარდაიქმნება ამ გეგმაში და იძენს ახალ ხარისხს. ...”.

თეატრალური კოსტუმი არის მსახიობის სასცენო იმიჯის კომპონენტი; ეს არის გამოსახული პერსონაჟის გარეგანი ნიშნები და მახასიათებლები, რომლებიც ხელს უწყობს მსახიობის ტრანსფორმაციას; მაყურებელზე მხატვრული გავლენის საშუალება. მსახიობისთვის კოსტუმი არის მატერია, ფორმა, შთაგონებული როლის მნიშვნელობით.

როგორც მსახიობი სიტყვითა და ჟესტით, მოძრაობითა და ხმის ტემბრით ქმნის სასცენო გამოსახულების ახალ არსებას, დაწყებული სპექტაკლში მოცემულიდან, ასევე მხატვარი, პიესის იგივე მონაცემებით ხელმძღვანელობით, განასახიერებს გამოსახულებას. თავისი ხელოვნების საშუალებებით.

თეატრალური ხელოვნების მრავალსაუკუნოვანი ისტორიის განმავლობაში დეკორაციის დიზაინმა მუდმივად განიცადა ევოლუციური ტრანსფორმაცია, რაც გამოწვეული იყო არა მხოლოდ სასცენო ტექნოლოგიის გაუმჯობესებით, არამედ შესაბამისი დროის სტილისა და მოდის ყველა პერიპეტიებით. ეს დამოკიდებული იყო პიესის ლიტერატურული სტრუქტურის ბუნებაზე, დრამის ჟანრზე, მაყურებლის სოციალურ შემადგენლობაზე, სასცენო ტექნოლოგიის დონეზე.

ანტიკურობის სტაბილური არქიტექტურული სტრუქტურების პერიოდებმა ადგილი დაუთმო შუა საუკუნეების პრიმიტიულ სცენას, რომელიც თავის მხრივ დაუთმო სამეფო კარის თეატრებს სპექტაკლების თვითკმარი ფუფუნებით. იყო წარმოდგენები ქსოვილში, კომპლექსურ კონსტრუქციულ დეკორაციებში, მხოლოდ განათების დიზაინში, საერთოდ დეკორაციის გარეშე - შიშველ სცენაზე, პლატფორმაზე, მხოლოდ ტროტუარზე.

კოსტუმის, როგორც „მოძრავი“ დეკორაციის როლი ყოველთვის დომინანტური იყო. შეიცვალა თვალსაზრისი მის „ურთიერთობაზე“ მსახიობთან, დროსთან და ისტორიასთან და ბოლოს, მის უშუალო „პარტნიორთან“ - სცენის მხატვრულ დიზაინთან.

თანამედროვე თეატრის ხელოვნების პროგრესული განვითარების, სარეჟისორო ინოვაციების, მხატვრული დიზაინის მეთოდის ტრანსფორმაციის პროცესში, კოსტუმების ხელოვნების როლი არ იკლებს - პირიქით. უმცროსი და უფრო მოქნილი ძმების - კინოსა და ტელევიზიის ზრდასთან ერთად, თეატრი, უდავოდ, თავის ძიებაში და ტანჯვაში იძენს სანახაობრივი ტექნიკის ახალ ფორმებს, ზუსტად ისეთებს, რომლებიც დაიცავს და განსაზღვრავს თეატრის პოზიციას, როგორც დამოუკიდებელის მუდმივ ღირებულებას. ხელოვნების ფორმა. კოსტიუმს, როგორც თეატრალური დეკორაციის ყველაზე მოძრავ ელემენტს, ამ ძიებაში პირველი ადგილი ენიჭება.

თეატრალური ხელოვნების მაღალი თანამედროვე კულტურა, დახვეწილი და ღრმა რეჟისორის ნამუშევარი სპექტაკლებზე და სპექტაკლებზე და მსახიობების ნიჭიერი სპექტაკლები მოითხოვს, რომ კოსტიუმების დიზაინერი, რომელიც აფორმებს სპექტაკლს, ყურადღებით უნდა შეაღწიოს სპექტაკლის დრამატურგიაში და მჭიდრო კონტაქტში რეჟისორთან. თანამედროვე დიზაინი არ არის კანონიზირებული წესებით. ეს არის ინდივიდუალური და კონკრეტული თითოეულ კონკრეტულ შემთხვევაში. „რეჟისორის შემოქმედება განუყოფელია ხელოვანის შემოქმედებისგან. უპირველეს ყოვლისა, რეჟისორმა უნდა მოძებნოს საკუთარი პასუხები ნაკრების ძირითად პრობლემებზე. ხელოვანმა თავის მხრივ უნდა იგრძნოს წარმოების ამოცანები და დაჟინებით ეძიოს გამომსახველობითი საშუალებები...“ თეატრალური კოსტუმი პირველად იქმნება ვიზუალური საშუალებების, ანუ ესკიზის გამოყენებით.

თქვენი კარგი სამუშაოს გაგზავნა ცოდნის ბაზაში მარტივია. გამოიყენეთ ქვემოთ მოცემული ფორმა

სტუდენტები, კურსდამთავრებულები, ახალგაზრდა მეცნიერები, რომლებიც იყენებენ ცოდნის ბაზას სწავლასა და მუშაობაში, ძალიან მადლობლები იქნებიან თქვენი.

• 3
• 2. ანტიკური თეატრის კოსტიუმი 5
• 7
• 9
• 5. ევროპის თეატრის კოსტიუმი დან XVIვ. თანამედროვე დრომდე 13
• 17

1. რა არის თეატრალური კოსტუმი?

თეატრი ხელოვნების ისეთი ფორმაა, რომელიც მაყურებლის გარეშე ვერ იარსებებს, ამიტომ მასში ყველაფერი გარეგანი ეფექტისთვისაა შექმნილი. თეატრალური კოსტუმი (ცრუ ულვაშებთან და წვერებთან, პარიკებთან, კოსმეტიკასთან, ნიღბებთან ერთად) თეატრალური მაკიაჟის ნაწილია. მაკიაჟი (ფრანგული "გრიმერიდან" - "სახის შეფერვა") არის მსახიობის გარეგნობის შეცვლის ხელოვნება მოცემულ როლზე და ამისათვის აუცილებელი საშუალებები.

თეატრი (და მასთან ერთად მაკიაჟი) წარმოიშვა ანტიკურობის მაგიური სინკრეტული რიტუალის სიღრმეში. ხალხმა მასში დაინახა სამკურნალო ძალა, რომელიც წმენდს სხეულს სხვადასხვა ვნებებისგან.

უძველესი დროიდან მსოფლიოს ყველა ხალხს ჰქონდა დღესასწაულები, რომლებიც დაკავშირებულია ბუნების სიკვდილისა და აღორძინების წლიურ ციკლებთან. ამ დღესასწაულებმა სიცოცხლე მისცა თეატრს.

ძველ ბერძნებს უყვარდათ და პატივს სცემდნენ ახალგაზრდა ღმერთს დიონისეს. ისინი პატივს სცემდნენ უზენაეს ღვთაებას - ზევსს - მხოლოდ ოთხ წელიწადში ერთხელ (ოლიმპიური თამაშები); ათენა - ორ წელიწადში ერთხელ; აპოლონი - ორ წელიწადში ერთხელ; მაგრამ დიონისე – წელიწადში სამჯერ. ეს გასაგებია: დიონისე მეღვინეობის ღმერთი იყო.მარტში დიდ დიონისიაზე ათენში ყველა ბერძნული ქალაქ-სახელმწიფოებიდან მოვიდა ხალხი. ერთი კვირის განმავლობაში დებდნენ გარიგებებს, პოლიტიკურ ალიანსებს და უბრალოდ მხიარულობდნენ.

დღესასწაული ბორბლებზე ნავით ხის დიონისეს შემოტანით დაიწყო. ამ ნავს თან ახლდა სატირი მუმიების გუნდი. ამიტომ, ამ ღვთაების გამოჩენა ყოველთვის ასოცირდებოდა ჩაცმასთან და კარნავალურ კოსტიუმებთან.

დღესასწაულის კულმინაცია მესამე დღეს დადგა. ამ დღეს მამრობითი სქესის ცხოველებს სწირავდნენ დიონისეს, რადგან ის, ზევსის ბარძაყიდან დაბადებული, წმინდა მამაკაცურ პრინციპთან იყო დაკავშირებული. მსხვერპლი შეიძლება იყვნენ მამლები, ხარები, მაგრამ ყველაზე ხშირად თხები. როდესაც ასეთი "განტევების ვაცი" მოკლეს, მათ მღეროდნენ სევდიანი "თხის სიმღერა" - ტრაგედია. შემდეგ კალათა თხის ნაწლავებითა და ფალოსით მინდორში გაიტანეს დედამიწის გასანაყოფიერებლად, თანდათან სვამდნენ დიონისესადმი მიძღვნილ ღვინოს. სახლში დაბრუნებულმა კალათის მატარებლებმა გაკიცხეს ვინმე (მაგალითად, ადგილობრივი პოლიტიკოსი). ქალაქში შესვლისას მათ მამაკაცის სახლთან კომოსი - თხის ნაწლავი ჩამოკიდეს. ეს ქმედება, ეს ბრბო და ის მხიარული სიმღერები. რომელსაც იგი მღეროდა ეწოდა კომოს ("revelers"). სწორედ აქედან მოდის კომედია. მართალია, თეატრის წარმოშობის სხვა ვერსიებიც არსებობს.

რაც შეეხება ფესტივალის მონაწილეთა სამოსს, ცნობილია, რომ ისინი ცხოველის ტყავი იყო (თხის ფეხის სატირებს რომ უფრო დაემსგავსონ). მოგვიანებით, სცენაზე პოეტების შეჯიბრის წყალობით, ტრაგიკული და კომიკური სიმღერები დამოუკიდებელ თეატრალურ ჟანრად იქცა.

2. ანტიკური თეატრის კოსტიუმი

უძველესი თეატრის დაბადების ოფიციალურ წლად ითვლება 534 წ. ე.. როცა დიდ დიონისიაზე პირველად დაიდგა თესპისის ტრაგედია.

იმ დროისთვის თეატრალური კოსტიუმი უკვე ძალიან განსხვავდებოდა ყოველდღიურისგან. მხატვარი, რომელიც თავიდან მხოლოდ ერთი იყო, სცენაზე აყვავებულ და კაშკაშა კაბით გამოჩნდა. მის სახეზე იყო ნიღაბი, რომელიც დაკავშირებული იყო პარიკთან და აღჭურვილი იყო ლითონის ხმის რეზონატორით, რომელიც მდებარეობს მის პირთან ახლოს. ნიღაბს თვალებისთვის ხვრელები ჰქონდა. მსახიობს ბუსკინები მაღალ პლატფორმაზე ეცვა. ეს ყველაფერი მაყურებლის დისტანციისთვის იყო გათვლილი, რადგან ბერძნული ღია ცის ქვეშ თეატრი 17000-მდე ადამიანს იტევდა. ნათელი კაბა, დიდი ნიღაბი და მაღალი ფეხსაცმელი შესაძლებელს ხდიდა შემსრულებლის უკეთ დანახვას. რეზონატორი აძლიერებდა ხმას (თუმცა ძველ თეატრებში აკუსტიკა ისეთი იყო, რომ სცენის ცენტრში ჩურჩულით წარმოთქმული სიტყვა ბოლო რიგებამდე აღწევდა).

სამოცდაათამდე სხვადასხვა სახის ნიღაბი იყო. ისინი ასევე აუცილებელი იყო, რადგან ყველა როლს მაშინ კაცები ასრულებდნენ. მსახიობმა ნიღაბი აქციის დროს იცვალა, როცა ახალ როლს ასრულებდა და როცა მაყურებელს პერსონაჟის განწყობის ცვლილება აჩვენა. ნიღბები გამოხატავდა ტიპურ გამოხატულებას სიხარულის, მწუხარების, ხრიკების და ა.შ. მათ ხისგან ან თაბაშირის ქსოვილისგან ამზადებდნენ და შემდეგ ღებავდნენ.

მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა ფერის სიმბოლიკამ. მმართველებს იისფერი ტანსაცმელი ჰქონდათ: მათი ცოლები თეთრი; დევნილები - შავი ან ლურჯი; ახალგაზრდები - წითელი; ჩვეულებრივი ქალები ყვითლები არიან; ჰეთერები ჭრელია.

კოსტიუმებს თან ახლდა მუდმივი ატრიბუტები, რათა მაყურებელმა უფრო ადვილად ამოიცნო პერსონაჟი. მმართველს ჰქონდა კვერთხი, მოხეტიალეს – კვერთხი, დიონისეს – პლუშის აყვავებული ტოტი (თირსუსი), აპოლონს – მშვილდი და ისრები, ზევსს – ელვა და ა.შ.

გრძელი ტანსაცმლისა და მაღალი ფეხსაცმლის წყალობით ტრაგიკული მსახიობები მონუმენტურად გამოიყურებოდნენ და შეუფერხებლად მოძრაობდნენ. კომიკოსებს უფრო მოკლე, უფრო მორგებული კოსტიუმები ეცვათ. მათ, ვინც სატირებსა და სილენეებს ასახავდა, უკან ცხენის კუდი შეახვიეს, ცხოველის ნიღაბი (ან რქები) გაიკეთეს და ეს იყო მათი მაკიაჟის დასასრული. ასეთი ტანსაცმელი სცენაზე თავისუფლად გადახტომის საშუალებას გაძლევდა. რომში უპირატესობას ანიჭებდნენ მსუბუქ ჟანრებს, ტრაგედიებს კი კომედიას. იქ პანტომიმა შემოვიდა სცენაზე. ცირკის აქტები ძალიან პოპულარული იყო. მაყურებელმა უფრო ადვილად აღიქვა ფლაკები (ბერძნული „ფლიაქსიდან“ - „ხუმრობა“) - ტრაგედიებისა და კომედიების პაროდიები; მიმები - პატარა სცენები ყოველდღიურ თემებზე; atellans - მხიარული იმპროვიზაციები.

კოსტუმი უფრო დაუახლოვდა ყოველდღიურ კოსტიუმებს. მართალია, ფერის სიმბოლიკა მაინც შენარჩუნდა. მიმებს ნიღბები აღარ ჰქონდათ და მაყურებელი მსახიობების სახის გამომეტყველებას აკვირდებოდა. ამ სპექტაკლებში არა მხოლოდ მამაკაცები, არამედ ქალებიც თამაშობდნენ, რამაც გააძლიერა ეროტიული მომენტი და შექმნა საჯარო სტრიპტიზის მიზეზი.

ბერძნულ-რომაული თეატრალური კოსტუმი განაგრძობდა გავლენას შემდგომი დროის სასცენო კოსტუმებზე.

3. ევროპული შუა საუკუნეების თეატრალური კოსტიუმი

შუა საუკუნეებში ხალხი არ ივიწყებდა ანტიკურ გართობებს და თითქმის ყველა ქრისტიანულ დღესასწაულს თან ახლდა ზედმიწევნითი წარმოდგენა: გვირგვინი ჟამისთვის, ქუდი მეფისთვის.

ჰისტრიონები (ლათინური "histrio" - "მსახიობი") ტრიალებს ევროპაში, რომლებსაც საფრანგეთში უწოდებენ ჟონგლერებს, ინგლისში - მინსტრებს. გერმანიაში შპილმანები არიან, რუსეთში კი ბუფონები. ისინი ერთპიროვნული შოუა, რადგან შეუძლიათ მსახიობობა და სიმღერა. თოკზე სიარული, ჟონგლირება. ამ ხალხის კოსტუმი შესაფერისი იყო აკრობატიკისთვის: კოლგოტები, რბილი ფეხსაცმელი, მოკლე ქამრით ტუნიკა; ჰისტრონების გვერდით მოგზაურობდნენ მაწანწალები - „მაწანწალები“: ნახევრად განათლებული სკოლის მოსწავლეები, სემინარიელები, გათავისუფლებული მღვდლები. ჯერ არ არსებობდა საზღვრები, როგორც ასეთი, და ენები არ განსხვავდებოდნენ ძალიან შორს ერთი ბაზისგან, რამაც შესაძლებელი გახადა ყველგან გაგება. მაწანწალების სამოსი არ განსხვავდებოდა შუა საუკუნეების ადამიანის ყოველდღიური კოსტიუმისგან.

მაწანწალებმა დადგა სახალისო სპექტაკლები - კომუ, რომელშიც ეკლესია დასცინოდნენ დედა სულელის გამოსახულებით, რის გამოც ოფიციალური რელიგიის წარმომადგენლები დევნიდნენ მხატვრებს.

თუმცა, ეკლესიას ასევე სჭირდებოდა თავისი „სპექტაკლების“ გასართობი ღირებულების გაზრდა, ამიტომ ტაძრის შიგნით წარმოიქმნება ლიტურგიული დრამა. ეპიზოდებს ბიბლიიდან დგამდნენ თავად მღვდლები თავიანთი ფორმებით. მაგრამ რაც უფრო იზრდებოდა ამ სპექტაკლებში მსახიობობის მომენტი, მით უფრო "უხამსი" ხდებოდნენ ისინი ეკლესიის კედლებში. ამიტომ წარმოდგენა ჯერ ვერანდაზე, შემდეგ კი მოედანზე გადაიტანეს. გამოჩნდა ახალი ჟანრი - სასწაული ("სასწაული"), რომელიც წარმოადგენს ღვთისმშობელ მარიამთან და იესოსთან დაკავშირებულ სასწაულებრივ მოვლენებს. სასწაულის საფუძველში ჩნდება საიდუმლო ("საიდუმლო") - თეატრალური მოქმედება ბუნდოვნად დაკავშირებული ბიბლიურ შეთქმულებასთან.

საიდუმლოების გმირები შეიძლება იყვნენ არა მხოლოდ ღვთისმშობელი, იესო და ბიბლიური წინასწარმეტყველები, არამედ ეშმაკები, ეშმაკები და სამართლიანი ქალაქელები. ამიტომ კოსტუმი უფრო მრავალფეროვანი გახდა. ქრისტე, მოციქულები და წინასწარმეტყველები სასულიერო პირების სამოსით ასრულებდნენ. და თავად ამ როლების შემსრულებლები შეიძლება იყვნენ მღვდლები ან ბერები (ეს არ იყო აკრძალული). ვაჭრები, ხელოსნები და სხვა გმირები თავიანთი დროის ქალაქელების ტანსაცმელს ატარებდნენ. ფანტასტიკური პერსონაჟები გამოწყობილი კომპლექსურ კოსტუმში შეუცვლელი ატრიბუტებით, როგორიცაა რქები, კუდები და მგლის ან ვერძის ეშმაკის ტყავი. პერსონიფიცირებულ დაავადებებს (ჭირი, ჩუტყვავილა), ცოდვებს (სიხარბეს, მლიქვნელობას), სათნოებებს (სიმართლე, იმედი) შეიძლება ჰქონდეს ნიღბები.

თუმცა, ხშირად არ კეთდებოდა სპეციალური კოსტიუმები (ისევე როგორც დეკორაციები). სავსებით საკმარისი იყო წარწერები „სამოთხე“, „ჯოჯოხეთი“, „მამა ღმერთი“ და ა.შ.

სინათლე იყო შუა საუკუნეების ესთეტიკის მთავარი კატეგორია, ამიტომ ყველაზე მნიშვნელოვანი ღვთაებრივი პერსონაჟები თეთრ და მბზინავ ტანსაცმელში იყვნენ, ეშმაკის ქვირითი კი შავებში. ვერამ თეთრი კაბა ჩაიცვა. იმედი - მწვანეში. სიყვარული წითელ ფერშია.

როგორც უძველეს თეატრალურ კოსტიუმში, გმირებს მუდმივი ატრიბუტები ჰქონდათ: რწმენას ჰქონდა ჯვარი, იმედს – წამყვანი, სიყვარულს – გული ან ვარდი, სიძუნწეს – საფულე, სიამოვნებას – ფორთოხალი, მლიქვნელობას – მელას კუდი.

დროთა განმავლობაში თეატრალური კოსტიუმი უფრო და უფრო ემსგავსებოდა ჩვეულებრივ საყოფაცხოვრებო კოსტიუმს, ყოველდღიური კი უფრო თეატრალური.

4 თეატრალური კოსტუმი სამხრეთ-აღმოსავლეთ აზიის ქვეყნებში

პრიმიტიული კულტურის სინკრეტიზმი (სხვადასხვა სახის კულტურული აქტივობების განუყოფლობა) თავს იჩენდა ჯადოსნურ ქალაქებში, სადაც მითოლოგიის სიღრმეში გვერდიგვერდ თანაარსებობდნენ ცეკვა, მუსიკა, მხატვრობა, თეატრალური წარმოდგენები და ა.შ.. ჯერ კიდევ ძვ.წ. ე. ცეკვა და პანტომიმა ძველ ინდოეთში ღმერთების თაყვანისცემის ნაწილი იყო. ეპოსები „მაჰაბ-ჰარაპი“ და „რამაიანა“, რომლებიც გაჩნდა ჩვენს წელთაღრიცხვამდე I ათასწლეულში. ე., საფუძვლად დაედო ინდოეთის და იმ ქვეყნების კლასიკურ თეატრს, სადაც ინდუიზმი არსებობს, რადგან ეს ეპოსები ამ რელიგიის წმინდა წიგნებია. სხვადასხვა ფორმით (ფაქტობრივი თეატრი, თოჯინების თეატრი, ჩრდილების თეატრი, ბალეტი) ჯერ კიდევ არსებობს მაჰაბჰარატასა და რამაიანას ეპიზოდების სპექტაკლები. ახლა კი იყენებენ ძალიან ნათელ, ძვირადღირებულ კოსტიუმებს, ნიღბებს ან ნიღბის მსგავს მაკიაჟს. პეიზაჟები არ არის, ყველაფერი დიდებული ბუნების კალთაში ხდება.

ჩინეთში თეატრი ასევე განვითარდა ცეკვისა და აკრობატული ელემენტებიდან, რომლებიც წმინდა რიტუალების ნაწილი იყო. VII-X საუკუნეებში გავრცელდა ცეკვები ისტორიულ და გმირულ თემაზე, მცირე თეატრალური ინტერლუდიებით შერწყმული. პირველად გამოჩნდა სპეციალური თეატრალური კოსტიუმები.

XIII-XIV საუკუნეებში ჩინურმა თეატრმა პიკს მიაღწია ზაჯუს სახით. ეს შერეული წარმოდგენა მოიცავდა მუსიკას, სიმღერას, ცეკვას და აკრობატიკას.

არ იყო დეკორაციები, ამიტომ განსაკუთრებული მნიშვნელობა ენიჭებოდა მსახიობობას და მათ გარეგნობას. ყველა როლს მამაკაცები ასრულებდნენ. ყველაზე პათეტიკური სცენები შენელებულ კადრში გათამაშდა.

ყველა მოძრაობა მკაცრად იყო კანონიზირებული. თავად მსახიობებმა ისაუბრეს საკუთარ თავზე, როგორც გმირებზე, განსაზღვრეს მოქმედების დრო და ადგილი.

მომდევნო საუკუნეებში ზაჯუ არ მოკვდა, არამედ სხვადასხვა ფორმებად გადაკეთდა. როგორც ადრე, სცენაზე ცოტა რეკვიზიტია და რაც ხელმისაწვდომია, მრავალფუნქციურად გამოიყენება: მაგიდა არის მთა, საკურთხეველი და სადამკვირვებლო მოედანი; შავი დროშები სიმბოლოა ქარი, წითელი - ცეცხლი და ა.შ. ფერის სიმბოლიკა გამოიყენება მაკიაჟსა და კოსტუმში: წითელი - გამბედაობა, თეთრი - უზნეობა, ყვითელი - იმპერატორის ფერი.

იაპონიაში ასევე განვითარდა რამდენიმე სახის თეატრალური წარმოდგენები, რომლებიც დღემდე შემორჩა. კანამი კპეცუგუმ და მისმა ვაჟმა ზეამიმ მე-14 და მე-15 საუკუნეების მიჯნაზე შექმნეს ნოჰ თეატრი გაფანტული სიმღერისა და ცეკვის ნომრებიდან. ისინი თავად იყვნენ მსახიობები, რეჟისორები, ავტორები და კომპოზიტორები (და ზეამი იყო ნოჰ თეატრის თეორეტიკოსიც). მათი ნამუშევარი მოხდა იმ დროს, როდესაც იაპონური ცხოვრების წესი შესამჩნევად თეატრალიზებული იყო: დაბალი წარმოშობის ხალხი მმართველები ხდებოდნენ და, როგორც ყველა ნეოფიტი, ისინი განსაკუთრებით იცავდნენ რიტუალს. გართობისადმი ლტოლვამ გამოიწვია ჩაის მასიური ცერემონიები ან ალუბლის ყვავილებით აღფრთოვანებული ზეიმი (რაც თავისთავად აბსურდია, რადგან იაპონელებისთვის ეს რაღაც ძალიან პირადია). ნოჰ თეატრის წარმოდგენები ცერემონიებისა და მიღებების სავალდებულო ნაწილი გახდა. ხშირად, მრავალსაათიანი (და თუნდაც მრავალდღიანი) წარმოდგენები ისტორიულ და გმირულ თემებზე იწყებოდა რეალური მოვლენების მიმდინარეობის შეცვლას (მაგალითად, დღესასწაულის მიმდინარეობა). მმართველები შეეჩვივნენ სასცენო გმირების გამოსახულებებს. ხოლო შოგუნი (სამხედრო დიქტატორი) ტოიოტომი ჰიდეიოში, ნოჰ თეატრის დიდი გულშემატკივრიდან, მსახიობად გადაიქცა და 1593 წელს, შვილის დაბადების საპატივცემულოდ, სამდღიანი სპექტაკლის დროს, მან შეასრულა ათ სპექტაკლში. თვითონ ითამაშა.

ნოჰ თეატრს აქვს ის დამახასიათებელი ნიშნები, რაც უკვე აღვნიშნეთ: დეკორაციის ნაკლებობა, ნელი მოძრაობები სპექტაკლის მნიშვნელოვან ნაწილში და მამაკაცი მსახიობები. სცენები ოქროს ფონზე ფიჭვის ხის გამოსახულების წინ განვითარდა. ფიჭვის ხის გამოსახულება უძველეს აგრარულ ჯადოსნურ სიმბოლოებს დაუბრუნდა და ოქრო განასახიერებდა მზესა და ქალღმერთ ამატერასუს. გარდა ამისა, ასეთი ფონი განასახიერებდა ბუნებასთან შერწყმას, მით უმეტეს, რომ მოქმედებები შეიძლება გასცდეს სცენას და შეუერთდეს მიღების ან ზეიმის რეალურ ატმოსფეროს.

მსახიობის კოსტუმი მე-17 საუკუნემდე. არ განსხვავდებოდა თავადაზნაურობის ყოველდღიური კოსტიუმისგან (მოგვიანებით დაიწყეს მისი დამზადება მე-14-მე-15 საუკუნეების გრავიურებისა და ნიმუშების მიხედვით). არსებობდა მსახიობებისთვის ძვირადღირებული კაბების ჩუქების ტრადიცია (ეს განსაკუთრებით გავრცელდა თეატრის მმართველის ტოიოტომი ჰიდეიოშის დროს). შედეგად, ნოჰ თეატრი ასევე გახდა მდიდრული ტანსაცმლის მუზეუმი. ახლა ყველაზე ძველი სამოსი, რომელიც ინახება თეატრში, არის მე-15 საუკუნის შოგუნის კოსტუმი.

1615 წელს მმართველმა იეიასა ტოტკუგავამ გამოსცა კოდი, რომელიც არეგულირებს ქსოვილების ფერებსა და ხარისხს. ძვირადღირებული მასალების აკრძალვა ნოჰ თეატრსაც შეეხო. რეჟისორებმა დაიწყეს განსხვავებული ფიგურალური გამოხატულების ძებნა, ძვირადღირებული სამოსის ხარჯზე. კოსტუმის ქსოვილი სიმბოლურ წიგნად იქცა, რომელიც შეიძლებოდა ინფორმაციის ავსებით. ახლა ნოჰ თეატრის სტილიზებული კანონიკური კოსტუმი ავლენს დამახასიათებელ გამოსახულებას. მასში ყველაფერი სიმბოლურია - ჭრიდან ნაქარგამდე.

ფერი მნიშვნელოვან როლს ასრულებს. თეთრი ნიშნავს კეთილშობილებას, წითელი ეკუთვნის ღმერთებს და ლამაზმანებს, ღია ცისფერი ასოცირდება სიმშვიდესთან, ყავისფერი ნიშნავს დაბალ დაბადებას.

ნოჰ თეატრში მსახიობები მამაკაცები არიან, ამიტომ ნიღბები და თაყვანისმცემლები მნიშვნელოვანია. გულშემატკივართა ზომა, შეღებვა, დიზაინი და მოძრაობა ახასიათებს პერსონაჟს. ნიღბები მარტივია, მაგრამ ძალიან ელეგანტური. ისინი მზადდება კვიპაროსისგან, პრიმიტირებული და ქვიშიანი. ნიღაბი იდება პარიკზე და დამაგრებულია ჰალსტუხებით. განათების ან კუთხის ოდნავი ცვლილება მას ახალ გამოხატულებას აძლევს. აქ არის სხვადასხვა სქესის, ასაკის, პერსონაჟის და თუნდაც ფანტასტიკური არსებების ნიღბები.

5. ევროპული თეატრალური კოსტუმი XVI საუკუნისა. თანამედროვე დრომდე

აღორძინების ეპოქაში, ევროპაში პროფესიონალურ საფუძველზე მომუშავე პირველი მუდმივი დასიები გამოჩნდნენ. ისინი იხეტიალებენ ან ჩერდებიან ერთ ადგილზე. ხალხს სიცილი უფრო მოსწონს, ვიდრე ტირილი, ამიტომ მსახიობები დგამენ შუქს, კომიკურ სპექტაკლებს, ფარსებს და პაროდიებს. მოხეტიალე კომიკოსებმა განაგრძეს შუა საუკუნეების ტრადიციები და (როგორც რენესანსის მთელი კულტურა) მიმართეს უძველეს მემკვიდრეობას. ყველაზე ადრე ასეთი დასი წარმოიშვა იტალიაში. იქ გამოჩნდა თეატრი commedia dell'arte, ანუ "ნიღბების კომედია".

Commedia dell'arte-ში იყო ერთი გარემო - ქალაქის ქუჩა. მუდმივი შეთქმულება არ არსებობდა: ჯგუფის ხელმძღვანელი (კაპოკომიკო) ადგენდა მას და მსახიობები იმპროვიზაციას აკეთებდნენ, როგორც ძველ ატელანებში. ის ხრიკები და ხაზები, რამაც საზოგადოების მოწონება გამოიწვია, განმეორდა და განმტკიცდა. მოქმედება ახალგაზრდების სიყვარულის გარშემო ტრიალებდა, რასაც მოხუცები აფერხებდნენ და მსახურები ეხმარებოდნენ.

ნიღაბი ყველაზე მნიშვნელოვან როლს თამაშობდა კომედიაში. შავი ნიღაბი დაფარავს მთელ სახეს ან მის ნაწილს. ზოგჯერ ეს იყო დაწებებული ცხვირი ან სულელური სათვალე. მთავარია შექმნათ მულტფილმამდე გამძაფრებული ტიპიური სახე.

კოსტუმისთვის ორი მოთხოვნა იყო: მოხერხებულობა და კომედია. ამიტომ, ერთი მხრივ, შუა საუკუნეების ისტრიონების სამოსს დაემსგავსა, მეორე მხრივ კი დამახასიათებელი სასაცილო დეტალებით ავსებდა.

მაგალითად, პანტალონეს - ძუნწ ვაჭარს - ყოველთვის ჰქონდა თავისი საფულე. მისი სამოსი ვენეციელი ვაჭრების ტანისამოსს ჰგავდა: ჟაკეტი, მოკლე შარვალი, წინდები, ხალათი და მრგვალი ქუდი. მაგრამ ერთ დღეს არტისტი სცენაზე ფართო წითელი შარვლით გამოჩნდა და მაყურებელს მოეწონა ეს დამახასიათებელი დეტალი. შედეგად, პანტალონი და მისი შარვალი ისე გაერთიანდა ხალხის გონებაში, რომ დროთა განმავლობაში, ქალის საცვლების საერთო არსებითი სახელი, პანტალონი, ჩამოყალიბდა პირადი სახელიდან.

ექიმი, კომედია დელ'არტეს კიდევ ერთი გმირი, მეცნიერის პაროდია იყო და გამოჩნდა შავ აკადემიურ ხალათში, მაქმანებიანი საყელოთი და მანჟეტებით. ხელში ყოველთვის ქაღალდის გრაგნილები ეჭირა და თავზე ფართო ქუდი ეხურა.

კაპიტანი იყო სამხედრო ავანტიურისტი, ეცვა კუირასი, შარვალი, ჩექმები უზარმაზარი სპურებით, მოკლე მოსასხამი და ბუმბულიანი ქუდი. მისი მუდმივი ატრიბუტი იყო ხის ხმალი, რომელიც რათქმაუნდა საჭიროების შემთხვევაში გარსში იჭედებოდა.

ყველაზე მრავალრიცხოვანი და მრავალფეროვანი პერსონაჟები იყვნენ მსახურები (ზანნი), რადგან ისინი იყვნენ "პროგრესის ძრავები" სასიყვარულო კონფლიქტში. პულჩინელას უზარმაზარი კაუჭიანი ცხვირი ჰქონდა; ჰარლეკინს იმდენი ნაჭერი აქვს, რომ დროთა განმავლობაში ისინი სტილიზებული იქნა შამის შაბლონად; პიეროს აქვს თეთრი ფართო პერანგი საჭრელი საყელოთი და გრძელი შარვალი; ბრიგელას აქვს ფართო თეთრი ბლუზა და შესაბამისი შარვალი.

ეს ხალხური თეატრი, თავისი მსუბუქი სიუჟეტების წყალობით, ბევრად უფრო პოპულარული იყო, ვიდრე შექსპირის ან ლოპე დე ვეგას თეატრები, რომლებიც უფრო მეტ უპირატესობას ანიჭებდნენ არა გართობას, არამედ შინაარსის სიღრმეს. მაგალითად, ლოპე დე პეგას ნამუშევრებისთვის, სახელიც კი გამოჩნდა "მოსახამისა და ხმლის კომედიები", რადგან მათ რეალურად ასრულებდნენ მსახიობები მხოლოდ ავტორის თანამედროვე კოსტიუმებში.

მოგზაურთა დასის პარალელურად არსებობდა სასამართლო თეატრებიც, რომელთა კოსტიუმები ასეულობით ითვლებოდა და გამოირჩეოდა მაღალი ღირებულებით. ისინი სპექტაკლის სპექტაკლისგან ცალკე იყო ნაჩვენები.

მე-17-18 საუკუნეებში თეატრალური კოსტუმის განვითარებაში შემცირდა. სიტყვა გამოდის წინა პლანზე, დიალოგი იპყრობს აუდიტორიის მთელ ყურადღებას. სცენაზე გამოყენებულია ყოველდღიური კოსტუმი, რომელიც მოკლებულია ისტორიულობას. ეს იმ დროის ჩვეულებრივი მოდური კოსტუმია. მართალია, სპექტაკლში ვერ იხილავთ გახეხილ მსახურს ან ცუდად ჩაცმულ მწყემს ქალს. კოსტიუმი დახვეწილია. ეს არის ცხოვრების თეატრალიზაციის შედეგი. თეატრი იმდენად ღრმად შედის ყოველდღიურ ცხოვრებაში, რომ ზღვარი „თეატრალურ და ყოველდღიურ“ კოსტიუმებს შორის წაშლილია. უნდა აღინიშნოს, რომ მე-17-18 საუკუნეებში თეატრალური კოსტიუმი ხშირად განსაზღვრავდა მოდას (როგორც უკვე აღვნიშნეთ წინა თავებში). მხატვრები სხვებზე უკეთ და ექსტრავაგანტულად იცვამდნენ. მე-17 საუკუნეში Monsieur à la რეჟიმისთვის სცენაზე სპეციალური მაყურებლის სკამები მოეწყო, სადაც ისინი არა მხოლოდ უყურებდნენ წარმოდგენას, არამედ განიხილავდნენ არტისტებსა და მათ კოსტიუმებს.

მე-17 და მე-18 საუკუნეებში აყვავდა სინთეტიკური ჟანრები: ოპერა, ბალეტი, ცირკი (თუმცა ადრეც იყო ცნობილი). ამ ჟანრებში შედის დრამატული მოქმედება, ტრიუკები, მუსიკა, სიმღერა და ნათელი, დასამახსოვრებელი მაკიაჟი. სინთეზური ჟანრები აერთიანებს ყოველდღიური ცხოვრების ელემენტებს. მაგალითად, სამეჯლისო ცეკვა კანკანი (ფრანგული კანკანი) ფეხების დამახასიათებელი მაღალი დარტყმით წარმოიშვა მე-18 საუკუნის 70-იან წლებში. თანდათან ის ხდება ოპერეტის - მუსიკალური და საცეკვაო კომედიის ჟანრის განუყოფელი ნაწილი.

მე-19 საუკუნეში ისტორიისადმი ინტერესი აღორძინდა კულტურის ყველა სფეროში. არქეოლოგიური და ლიტერატურული აღმოჩენების წყალობით შესაძლებელი გახდა ანტიკურობის კოსტიუმების შესახებ მეტის გაგება, ამიტომ ისტორიულ პიესებში პირველად ხდება წარსულის ავთენტური კოსტიუმების რეპროდუცირების მცდელობები.

კრიტიკული რეალიზმის, როგორც ხელოვნების მეთოდისა და სამყაროს აღქმის ხერხის განვითარება მივყავართ იქამდე, რომ სცენაზე აღარ იხილავთ გლეხ ქალებს პენუარებში და სახამებლიან მსახურებში. თეატრში ჩნდება რეკვიზიტები, რომლებიც აქამდე ზრდილობიან საზოგადოებაში ხმამაღლა არ უხსენებიათ. გამოხატვის ახალი ფორმების ძიებას მივყავართ ნატურალისტურ მაკიაჟამდე. აი რას წერს ვ.ა. გილიაროვსკი თავის ნარკვევებში მოსკოვისა და მოსკოვის შესახებ:

”1879 წელს, როგორც ბიჭი პენზაში, თეატრის პარიკმახერის შიშკოვის ხელმძღვანელობით, პატარა მიტია სტუდენტი იყო. ეს იყო პენზას მეწარმის V.P. დალმატოვის ფავორიტი, რომელმაც მარტო ნება მისცა მას თმაზე შეხებოდა და მაკიაჟის გაკეთება ასწავლა. ერთხელ. ვ.პ. დალმატოვმა მის სასარგებლოდ დადგა სპექტაკლი "შეშლილის ნოტები" და მიტიას უბრძანა მელოტი პარიკი გაემზადებინა, სპექტაკლზე სველი ხარის ბუშტი მიიტანა და დალმატოვის მოვლილ ვარცხნილობაზე დაიწყო... მსახიობის ტირილზე. მსახიობები საპირფარეშოში გაიქცნენ.

- დიდი ხელოვანი ხარ, ვასილი პანტელეიმონოვიჩ, მაგრამ ნება მომეცით ვიყო მხატვარი ჩემს სფეროში! - თავი მაღლა ასწია მაღალ ვ.პ.დალმატოვს, ბიჭმა იმართლა. - უბრალოდ სცადე!

V.P. დალმატოვი საბოლოოდ დათანხმდა - და რამდენიმე წუთის შემდეგ ბუშტი ჩაიცვა, აქეთ-იქით შეზეთეს და B.P. დალმატოვის თვალები სიამოვნებისგან ანათებდნენ: სრულიად შიშველი თავის ქალა შავი თვალებით და ექსპრესიული მაკიაჟით ძლიერ შთაბეჭდილებას ტოვებდა.

მე-19 და მე-20 საუკუნეების მიჯნაზე მოდერნიზმის ტენდენციამ წარმოშვა თეატრალური კოსტუმების ახალი ფორმები. კოსტიუმები სტილიზებულია, გადაიქცევა სიმბოლოებად. ევროპელებმა აღმოაჩინეს აღმოსავლეთის თეატრები, რაც აისახა სასცენო კოსტიუმებში.

ოქტომბრის რევოლუციის შემდეგ პირველ წლებში თეატრალური კოსტუმი მთლიანად გაქრა, ის შეიცვალა "საერთო ტანსაცმლით", რადგან მსახიობები "თეატრის მუშები" არიან.

თანდათან ყველაფერი ნორმალურად დაბრუნდა და თეატრალური კოსტიუმი ისევ სცენას დაუბრუნდა. უფრო მეტიც, მე-20 საუკუნეში. გამოჩნდა ისეთი ახალი სპექტაკლი, როგორიცაა მოდის თეატრი. სამოდელო შოუები გადაიქცა მუსიკალურ და დრამატულ შოუებად. ასე რომ, საყოფაცხოვრებო კოსტუმი საბოლოოდ ღიად "შეერწყა" თეატრს.

გამოყენებული ლიტერატურის სია

2. გელდეროდ მ.დე. თეატრი: სატ.: პერ. ფრ-დან / შემდგომი სიტყვა ლ ანდრევა, გვ. 653-694 წწ

3. კომენტარი. ს.შკუნაევა; მხატვარი ნ.ალექსეევი. -მ.: ხელოვნება, 2003. -717გვ.

4. De Filippo E. თეატრი: პიესები: ტრანს. მასთან ერთად. /შემდგომ L. Vershinina, გვ. 759-775 წწ.; მხატვარი ნ.ალექსეევი. -მ.: ხელოვნება, 2007. -775გვ.

მსგავსი დოკუმენტები

თეატრალური კოსტუმის მახასიათებლები. მოთხოვნები მისი ესკიზისთვის. ადამიანის ფიგურის გამოსახულების ანალიზი; გრაფიკულ წყაროებში გამოყენებული ტექნიკა და ინსტრუმენტები. თეატრალური კოსტუმის გრაფიკული ტექნიკის გამოყენება ტანსაცმლის კოლექციის შემუშავებაში.

კურსის სამუშაო, დამატებულია 28/09/2013


ფიგურის ანთროპომორფოლოგიური მახასიათებლები. ისტორიული კოსტუმის ანალიზი. მამაკაცის კოსტუმის მახასიათებლები. საბაზისო მოდელის არჩევის დასაბუთება. ანალოგური მოდელების მხატვრული და კომპოზიციური ანალიზი. დაპროექტებული პროდუქტის ნახატების გაანგარიშება და აგება.

კურსის სამუშაო, დამატებულია 28/04/2015


კოსტუმი, როგორც სოციალურ-კულტურული ანალიზის ობიექტი: განვითარების ისტორია, მნიშვნელობა, როლი, ფუნქციები და ტიპოლოგია. კოსტუმის სემიოტიკური ასპექტების მახასიათებლები, ატრიბუტები, აქსესუარები, სოციალური და ფსიქოლოგიური საფუძველი. „დენდი“ კოსტუმის სიმბოლიკის ანალიზი.

დისერტაცია, დამატებულია 24/01/2010


დეკორატიული ხელოვნების კონცეფცია, როგორც თეატრალური ხელოვნების გამოხატვის საშუალება. თეატრალური ხელოვნების ექსპრესიულობის ძირითადი საშუალებები: დეკორაციის, კოსტუმის, მაკიაჟის როლი პერსონაჟების გამოსახულების გამოვლენაში, სპექტაკლის ვიზუალური და ოპტიკური დიზაინი.

ტესტი, დამატებულია 12/17/2010


მე-19 საუკუნის ევროპული კოსტუმის ისტორია. განსხვავებები იმპერიის სტილსა და კლასიციზმს შორის. კოსტიუმების კომპოზიციის მახასიათებლები. სილამაზის ესთეტიკური იდეალი. ტანსაცმლის ძირითადი ტიპები, მათი დიზაინის გადაწყვეტილებები. შაბათ-კვირის კაბა, ფეხსაცმელი, ქუდები, ვარცხნილობები, სამკაულები.

კურსის სამუშაო, დამატებულია 03/27/2013


მინგის დინასტიის ისტორიული მახასიათებლები. ეროვნული ჩინური ტანსაცმელი, როგორც ჩინეთის ისტორიის ნაწილი. კოსტუმის ორნამენტი, დეკორატიული თვისებები და სიმბოლიკა. კოსტუმის მხატვრული დიზაინის პრინციპები, მისი ორიგინალობა. ფერის სქემის ზოგადი ხასიათი.

რეზიუმე, დამატებულია 23/05/2014


კოსტუმის როლი და მნიშვნელობა ძველ სამყაროში: ეგვიპტე, საბერძნეთი, რიმა, ინდოეთი და ბიზანტია. დასავლეთ ევროპის კოსტუმი შუა საუკუნეებში. რენესანსის კოსტუმი: იტალიური, ესპანური, ფრანგული, გერმანული, ინგლისური. იმპერიის სტილი და რომანტიზმი, როკოკო და ბაროკო.

კურსის სამუშაო, დამატებულია 26/12/2013


ბაროკოს ეპოქის კოსტუმის განვითარების მახასიათებლები, სილამაზის ესთეტიკური იდეალი და ქსოვილების, ფერების და ორნამენტების თვისებები. ქალისა და მამაკაცის კოსტიუმების, ფეხსაცმლისა და ვარცხნილობის განსაკუთრებული მახასიათებლები. ბაროკოს ეპოქის ჭრის სისტემის მახასიათებლები, მათი ასახვა თანამედროვე მოდაში.

კურსის სამუშაო, დამატებულია 12/07/2010


იაპონიის კულტურისა და ხელოვნების ზოგადი მახასიათებლები. იაპონური კოსტუმების ფორმირების პრინციპების აღწერა. კიმონოს სახეები, ნაჭრები და აქსესუარები. იაპონური კოსტუმის თანამედროვე ინტერპრეტაცია ცნობილი დიზაინერების (J. Galliano, A. McQueen, I. Miyake, M. Prada) ნამუშევრებში.

რეზიუმე, დამატებულია 01/07/2013


ბიზანტიის იმპერიის ქალის ვარცხნილობა. მე-15-მე-16 საუკუნეების მამაკაცის ვარცხნილობის დამახასიათებელი ნიშნები. სასამართლო კოსტუმის ევოლუცია რუსეთში მე -18 საუკუნეში. "რომანული" სტილი თანამედროვე ქალის იმიჯში. კეთილშობილური კოსტუმის გავლენა სხვა კლასების კოსტიუმებზე.