ვ.ლ. ხელოვნების ნიმუშების ჭეშმარიტების ანალიზი (გრაფიკა, ფერწერა, ქანდაკება, არქიტექტურა)

ანალიზის ალგორითმი

ᲮᲔᲚᲝᲕᲜᲔᲑᲘᲡ ᲜᲘᲛᲣᲨᲘ

აკადემიურ დისციპლინაში "კულტუროლოგია"

დისციპლინა „კულტურული კვლევების“ შემსწავლელი სტუდენტების მიზანია განავითარონ მომავალი პროფესიული საქმიანობის სოციოკულტურული მნიშვნელობის გააზრება კულტურის, როგორც მთლიანობის შესახებ სისტემური ცოდნის დაუფლებისას; ღირებულებების შეგნებული არჩევანის გაკეთება თანამედროვე კულტურის სამყაროში.

კულტურის შემსწავლელი კურსის შესწავლის ერთ-ერთი ფორმა პრაქტიკული სავარჯიშოებია. სასწავლო გეგმის მიხედვით არის 2. ყოველი პრაქტიკული გაკვეთილი მოიცავს ერთ დავალებას, რომელზეც წერილობით უნდა გასცეთ დეტალური და დასაბუთებული პასუხი.

პრაქტიკული სამუშაოები მასწავლებელს წარედგინება გამოცდის დღეს. დასრულებული პრაქტიკული სამუშაოების გარეშე სტუდენტს არ ეძლევა ტესტირება.

თითოეული მოსწავლე ასრულებს თავის პრაქტიკულ სამუშაოს. ნამუშევრის მოცულობა - 6 გვერდამდე საბეჭდი ტექსტი A4 ფურცელზე, დაბეჭდილი 1,5 ინტერვალით, შრიფტი - Times New Roman, ზომა 14, ყველა ზღვარი უნდა იყოს 2 სმ. ტექსტი გასწორებულია სიგანეში, ხაზგასმულია აბზაცები, მინდვრები მიმომხილველის შენიშვნები და გვერდების ნუმერაცია.

ნამუშევარი უნდა შეიცავდეს:

1. სათაური ფურცელი უნივერსიტეტისა და ფაკულტეტის სახელის მითითებით, გვარი, სტუდენტის ინიციალები, კოდი, სწავლის სემესტრი, აკადემიური დისციპლინა, ადგილი (ქალაქი) და წერის წელი.

2. პრაქტიკული დავალების კითხვა No1, არქიტექტურული ძეგლის ფოტო, სახელი, ფოტო, გვარი, არქიტექტორის სახელი და თქვენი დავალების აღწერა.

3. პრაქტიკული დავალების კითხვა No2, ნახატის ფოტო, სათაური, ფოტო, გვარი, მხატვრის სახელი და თქვენი დავალების აღწერა.

4. გამოყენებული ლიტერატურისა და ინტერნეტ რესურსების სია, გვერდებისა და საიტების მითითებით. გამოცემის წლის შემდეგ მონოგრაფიებისა და სახელმძღვანელოების გამოყენებისას უნდა მიუთითოთ ამ წიგნის გვერდების საერთო რაოდენობა. ლექსიკონების, ენციკლოპედიების, ჟურნალების, კრებულების სტატიების გამოყენებისას უნდა მიუთითოთ ის გვერდები, რომლებზეც გამოქვეყნდა ეს სტატიები.

მხატვრული ნაწარმოების წერილობითი ანალიზის სავარაუდო ფორმატი

პრაქტიკული გაკვეთილი No2

დავალება: გააკეთეთ თქვენი ქალაქის (სოფელი, რაიონი) არქიტექტურული ნაწარმოების შინაარსიანი ანალიზი.

შუამავლის ეკლესია ნერლზე (Pokrov on the Nerl) არის თეთრი ქვის ეკლესია რუსეთის ვლადიმირის რეგიონში, ბოგოლიუბოვიდან ერთნახევარი კილომეტრის დაშორებით.

ეს არის მსოფლიო არქიტექტურის შედევრი, ვლადიმირის ოსტატების შემოქმედების მწვერვალი ვლადიმერ-სუზდალის სამთავროს აყვავების დროიდან.

ლიტერატურაში, ტაძრის დათარიღება მიღებულია N.N. ვორონინის მიხედვით - 1165 წ., ანდრეი ბოგოლიუბსკის ცხოვრების გზავნილის საფუძველზე, რომ შუამავლობის ეკლესია აშენდა დიდი ჰერცოგის გარდაცვლილი ვაჟის - იზიასლავ ანდრეევიჩის ხსოვნას.

ეკლესია აკურთხეს მე-12 საუკუნის შუა ხანებში რუსეთში ანდრეი ბოგოლიუბსკის ინიციატივით დაარსებული ღვთისმშობლის შუამავლობის დღესასწაულის საპატივცემულოდ. ეს არის ალბათ პირველი შუამავლობის ეკლესია რუსეთში. ლეგენდის თანახმად, რომელიც შეიცავს ანდრეი ბოგოლიუბსკის ცხოვრებას, ეკლესიის ასაგებად თეთრი ქვა აიღო ანდრეი ბოგოლიუბსკის მიერ დაპყრობილი ბულგარეთის სამეფოდან. თუმცა, ეს ლეგენდა უარყოფილია როგორც ისტორიული ფაქტებით, ასევე იმით, რომ შუამავლის ეკლესიის ქვა გამოირჩევა განსაკუთრებული სითეთრით (ეს არის უმაღლესი ხარისხის ქვა ყველა თეთრი ქვის ვლადიმირ-სუზდალის ეკლესიაში) და ქვა. ვოლგაში ბულგარეთში ნაცრისფერი-ყავისფერი ელფერი აქვს. მე -18 საუკუნის ბოლოს, შუამავლობის ეკლესიის დაბალი რენტაბელობის გამო, ბოგოლიუბსკის მონასტრის წინამძღვარი ცდილობდა ტაძრის დემონტაჟს, საშენი მასალისთვის მონასტრის სამრეკლოს ასაშენებლად, მაგრამ სახსრების ნაკლებობა არ აძლევდა საშუალებას. მუშაობა დასაწყებად.

ტაძრის მდებარეობა უნიკალურია: ღვთისმშობლის ეკლესია დაბლობზე, წყლის მდელოზე აშენდა. ადრე ეკლესიის მახლობლად იყო ადგილი, სადაც ნერლი მიედინება კლიაზმაში (ახლა მდინარის კალაპოტებმა შეიცვალა პოზიცია). ეკლესია პრაქტიკულად მდებარეობდა მდინარე „სპიტზე“, რომელიც ქმნიდა ყველაზე მნიშვნელოვანი წყლის სავაჭრო გზების გზაჯვარედინს. შუამავლის ეკლესია აშენდა ადამიანის მიერ შექმნილ ბორცვზე. ჩვეულ ზოლიან საძირკველს 1,6 მ სიღრმეზე აგრძელებს 3,7 მ სიმაღლის კედლების ძირი, რომლებიც დაფარული იყო თეთრი ქვით შემოსილი ნაპირის თიხის ნიადაგით. ამრიგად, საძირკველი ხუთ მეტრზე მეტ სიღრმეზე წავიდა. ამ ტექნოლოგიამ შესაძლებელი გახადა მდინარის წყალდიდობის დროს (3 მ-მდე) წყლის აწევის წინააღმდეგობა.

XII საუკუნის ტაძრიდან დღემდე ძირითადი მოცულობა მნიშვნელოვანი დამახინჯების გარეშეა შემორჩენილი - გრძივი ღერძის გასწვრივ მცირე, ოდნავ წაგრძელებული (დაახლოებით 8 x 7 მ აფსიდების გამოკლებით, გუმბათის კვადრატის გვერდი დაახლოებით 3,2 მ) ოთხკუთხედი და გუმბათი. ტაძარი ჯვარ-გუმბათოვანი ტიპისაა, ოთხკუთხა, სამაფსიდიანი, ერთგუმბათიანი, თაღოვან-სვეტიანი სარტყლებით და პერსპექტიული კარებით. ეკლესიის კედლები მკაცრად ვერტიკალურია, მაგრამ განსაკუთრებულად კარგად აღმოჩენილი პროპორციების წყალობით, ისინი შიგნიდან მიდრეკილნი გამოიყურებიან, რაც სტრუქტურის უფრო დიდი სიმაღლის ილუზიას აღწევს. ინტერიერში ჯვრის ფორმის სვეტები ზევით იწევს, რაც ტაძრის მცირე ზომის გათვალისწინებით ინტერიერში დამატებით „სიმაღლის“ განცდას ქმნის. ტაძრის ჩრდილოეთი და სამხრეთი კედლების დანაყოფები ასიმეტრიულია, აღმოსავლეთის ღეროები ძალიან ვიწრო. თუმცა, გვერდითი აფსიდების ამობურცვისა და კედლების აღმოსავლეთის მონაკვეთების სიგანის ჯამი თითქმის უტოლდება კედლების შუა მონაკვეთების სიგანეს და ამის წყალობით ტაძრის კომპოზიცია გაწონასწორებულად გამოიყურება. ნებისმიერი მხარე. ნერლზე შუამდგომლობის ეკლესიის კედლების გარე მხარეს მრავალმოტეხილი პილასტრები ნახევარსვეტებით შეესაბამება შიდა პირებს. მათი საერთო სისქე კედლებზე დაახლოებით ერთნახევარჯერ აღემატება და ეს ქმნის ტაძრის ძალიან მკაფიო სტრუქტურულ „ნახატს“.

ეკლესიის კედლები მორთულია ჩუქურთმიანი რელიეფებით. ტაძრის სამი ფასადის კომპოზიციაში ცენტრალური ფიგურა ტახტზე მჯდომარე დავით მეფე ფსალმუნით (სიმებიანი მუსიკალური საკრავი) მარცხენა ხელში, მარჯვენა ხელით აკურთხებს ორი თითით. დიზაინში ასევე გამოიყენება ლომები, ჩიტები და ქალის ნიღბები. ტაძრის ორიგინალური ინტერიერის მხატვრობა მთლიანად დაიკარგა (ისინი დაანგრიეს 1877 წელს რემონტის დროს). ტაძრის პროპორციების დახვეწილობას და საერთო ჰარმონიას აღნიშნავს მრავალი მკვლევარი; შუამავლობის ეკლესიას ხშირად უწოდებენ ულამაზეს რუსულ ეკლესიას.

ელეგანტური ტაძრის ნათელი გამოსახულება განასახიერებდა რუსი პრინცის ღრმა მწუხარებას მისი დაკარგული შვილისთვის. ჩემთვის მისი ფიქრი მშვიდი სევდისა და სიმშვიდის განცდას იწვევს.

წყლის ზედაპირი, დატბორილი მდელოები და მსუბუქი, ერთგუმბათოვანი ტაძარი, რომელიც საოცრად მაღლა დგას მათ სივრცეზე მთელი თავისი უსაზღვრო მადლით, კაშკაშა სითეთრით ანათებს (რაც საკმაოდ იშვიათია ტაძრებისთვის), ჩემში სანთელთან ასოციაციას იწვევს. .

ნახვები: 20779

სახვითი ხელოვნების ნიმუშების ანალიზის პრინციპები

სახვითი ხელოვნების ნიმუშების ანალიზისა და აღწერის ძირითადი პრინციპები

იმის მიახლოებითი რაოდენობა, რაც თქვენ უნდა იცოდეთ არის

• –დისციპლინის შესწავლის შესავალი „ხელოვნების ნაწარმოების აღწერა და ანალიზი“.

დისციპლინის ძირითადი ცნებები: ხელოვნება, მხატვრული გამოსახულება; ხელოვნების მორფოლოგია; ხელოვნების ტიპი, გვარი, ჟანრი; პლასტიკური ხელოვნების დროებითი, სინთეზური სახეობები; ტექტონიკური და ფიგურალური; სტილი, ხელოვნების „ენა“; სემიოტიკა, ჰერმენევტიკა, ლიტერატურული ტექსტი; ფორმალური მეთოდი, სტილისტური ანალიზი, იკონოგრაფია, იკონოლოგია; ატრიბუცია, მცოდნეობა; ესთეტიკური შეფასება, მიმოხილვა, რაოდენობრივი მეთოდები ხელოვნებათმცოდნეობაში.

• – ხელოვნების ესთეტიკური თეორია: მხატვრული გამოსახულება ხელოვნებისა და მხატვრული აზროვნების უნივერსალური ფორმაა; მხატვრული ნაწარმოების სტრუქტურა; სივრცე და დრო ხელოვნებაში, ხელოვნების ფორმების ისტორიული დინამიკა; ხელოვნების სინთეზი ისტორიულ და კულტურულ პროცესში.
• – ხელოვნების მორფოლოგია: ხელოვნების სახეობების კლასიფიკაცია; ჟანრი, როგორც მხატვრული მორფოლოგიის კატეგორია.
• – პლასტიკური ხელოვნების სპეციფიკური მახასიათებლები, როგორც სახეები: არქიტექტურა, ქანდაკება, გრაფიკა, ფერწერა.
• - ხელოვნების სემიოტიკა და ჰერმენევტიკა ხელოვნების ნიმუშის აღწერისა და ანალიზის კონტექსტში: ხელოვნების ენები, ნიშანთა მიდგომა ხელოვნების შესწავლისადმი, ხელოვნების ნიმუში, როგორც ტექსტი, ტექსტის ჰერმენევტიკული გაგება.
• – ლიტერატურული ტექსტის ანალიზის მეთოდოლოგიური საფუძვლები: ფორმალურ-სტილისტური, იკონოგრაფიული, იკონოლოგიური.

ნებისმიერი მეცნიერების მსგავსად, ხელოვნების ისტორიის თეორიას აქვს თავისი მეთოდები. დავასახელოთ ძირითადი: იკონოგრაფიული მეთოდი, ვოლფლინის მეთოდი, ანუ ფორმალური სტილისტური ანალიზის მეთოდი, იკონოლოგიური მეთოდი, ჰერმენევტიკის მეთოდი.

იკონოგრაფიული მეთოდის ფუძემდებელი იყო რუსი მეცნიერი ნ.პ. კონდაკოვი და ფრანგი ე.მალ. ორივე მეცნიერი სწავლობდა შუა საუკუნეების ხელოვნებას (კონდაკოვი ბიზანტიელი იყო, მალ სწავლობდა დასავლურ შუა საუკუნეებს). ეს მეთოდი ემყარება "სურათის ისტორიას", ნაკვეთის შესწავლას. ნაწარმოებების აზრი და შინაარსის გაგება შესაძლებელია გამოსახულის შესწავლით. ძველი რუსული ხატის გაგება შეგიძლიათ მხოლოდ სურათების გარეგნობისა და განვითარების ისტორიის ღრმა შესწავლით.

ცნობილმა გერმანელმა მეცნიერმა გ.ვოლფლინმა შეისწავლა პრობლემა არა იმაზე, თუ რა არის გამოსახული, არამედ როგორ არის გამოსახული. ვოლფლინი ხელოვნების ისტორიაში შევიდა როგორც "ფორმალისტი", რომლისთვისაც ხელოვნების გაგება მოდის მისი ფორმალური სტრუქტურის შესწავლაზე. მან შესთავაზა ფორმალური სტილისტური ანალიზის ჩატარება, ხელოვნების ნიმუშის შესწავლას, როგორც „ობიექტურ ფაქტს“, რომელიც პირველ რიგში უნდა გავიგოთ საკუთარი თავისგან.

ხელოვნების ნიმუშის ანალიზის იკონოლოგიური მეთოდი შეიმუშავა ამერიკელმა ისტორიკოსმა და ხელოვნების თეორეტიკოსმა ე.პანოფსკიმ (1892-1968 წწ.). ეს მეთოდი ეფუძნება ნაწარმოების მნიშვნელობის გამოვლენის „კულტურულ“ მიდგომას. გამოსახულების გასაგებად, მეცნიერის აზრით, საჭიროა არა მხოლოდ იკონოგრაფიული და ფორმალურ-სტილისტური მეთოდების გამოყენება, მათგან სინთეზის შექმნა, არამედ ადამიანის სულიერი ცხოვრების მნიშვნელოვანი ტენდენციების გაცნობა, ე.ი. ეპოქის და პიროვნების მსოფლმხედველობა, ფილოსოფია, რელიგია, სოციალური მდგომარეობა - ყველაფერს, რასაც "დროის სიმბოლოებს" უწოდებენ. აქ ხელოვნებათმცოდნეს მოეთხოვება უზარმაზარი ცოდნა კულტურის სფეროში. ეს არ არის იმდენად ანალიზის უნარი, რამდენადაც ინტუიციის სინთეზის მოთხოვნა, რადგან ხელოვნების ერთ ნაწარმოებში მთელი ეპოქა, თითქოსდა, სინთეზირებულია. ამრიგად, პანოფსკიმ ბრწყინვალედ გამოავლინა დიურერის ზოგიერთი გრავიურის, ტიციანის ნამუშევრების მნიშვნელობა და ა.შ. ეს სამივე მეთოდი, თავისი დადებითი და უარყოფითი მხარეებით, შეიძლება გამოყენებულ იქნას კლასიკური ხელოვნების გასაგებად.

რთულია მე-20 საუკუნის ხელოვნების გაგება. და განსაკუთრებით მე-20 საუკუნის მეორე ნახევარი, პოსტმოდერნიზმის ხელოვნება, რომელიც აპრიორი არ არის შექმნილი ჩვენი გაგებისთვის: მასში მნიშვნელობის არარსებობა არის ნაწარმოების მნიშვნელობა. პოსტმოდერნიზმის ხელოვნება ეფუძნება ტოტალურ სათამაშო პრინციპს, სადაც მაყურებელი მოქმედებს როგორც ნაწარმოების შექმნის პროცესის ერთგვარი თანაავტორი. ჰერმენევტიკა არის გაგება ინტერპრეტაციით. მაგრამ ი. კანტმა ასევე თქვა, რომ ნებისმიერი ინტერპრეტაცია არის ახსნა იმისა, რაც არ არის აშკარა და რომ იგი ეფუძნება ძალადობრივ ქმედებას. Დიახ ეს არის. იმისათვის, რომ გავიგოთ თანამედროვე ხელოვნება, ჩვენ იძულებულნი ვართ ჩავერთოთ ამ „თამაშში წესების გარეშე“ და თანამედროვე ხელოვნების თეორეტიკოსები ქმნიან პარალელურ სურათებს, ინტერპრეტირებენ იმას, რასაც ხედავენ.

ამრიგად, ხელოვნების გაგების ამ ოთხი მეთოდის გათვალისწინების შემდეგ, უნდა აღინიშნოს, რომ ხელოვნების ისტორიის ამა თუ იმ პერიოდთან დაკავშირებული ყველა მეცნიერი ყოველთვის ცდილობს საკუთარი მიდგომა მოძებნოს ნაწარმოების მნიშვნელობისა და შინაარსის გამოსავლენად. და ეს არის ხელოვნების თეორიის მთავარი მახასიათებელი.

• – ხელოვნების ფაქტობრივი შესწავლა. მხატვრული ნაწარმოების ატრიბუცია: ატრიბუცია და მცოდნეობა, ატრიბუციის თეორია და მისი ფორმირების ისტორია, ატრიბუციის მუშაობის პრინციპები და მეთოდები.

მცოდნეობის ისტორია ნათლად და დეტალურად არის აღწერილი ადგილობრივი ხელოვნების მეცნიერების მიერ ვ.ნ. ლაზარევი (1897-1976) ("კეთილშობილების ისტორია"), ბ.რ. Whipper (1888-1967) („ატრიბუციის პრობლემის შესახებ“). მე-19 საუკუნის შუა ხანებში. ჩნდება ხელოვნების ახალი ტიპის „მცოდნე“, რომლის მიზანიც არის ატრიბუცია, ე.ი. ნაწარმოების ავთენტურობის, დროის, შექმნის ადგილისა და ავტორის დადგენა. მცოდნეს აქვს ფენომენალური მეხსიერება და ცოდნა, უნაკლო გემოვნება. ნანახი აქვს მრავალი სამუზეუმო კოლექცია და, როგორც წესი, აქვს ნაწარმოების ატრიბუტის საკუთარი მეთოდი. ცოდნის, როგორც მეთოდის განვითარებაში წამყვანი როლი იტალიელს ეკუთვნოდა ჯოვანი მორელი (1816-1891), რომელიც პირველად ცდილობდა გამოეტანა გარკვეული კანონზომიერება ფერწერული ნაწარმოების აგებაში, შეექმნა „მხატვრული ენის გრამატიკა“, რომელიც უნდა გამხდარიყო (და გახდა) ატრიბუციის მეთოდის საფუძველი. . მორელიმ რამდენიმე ყველაზე ღირებული აღმოჩენა გააკეთა იტალიური ხელოვნების ისტორიაში. მორელის მიმდევარი იყო ბერნარდ ბერნსონი (1865-1959), რომელიც ამტკიცებდა, რომ განსჯის ერთადერთი ჭეშმარიტი წყარო თავად ნაწარმოებია. ბერნსონმა გრძელი და ფერადი ცხოვრება გაატარა. ვ.ნ. ლაზარევმა, ცოდნის ისტორიის შესახებ პუბლიკაციაში, ენთუზიაზმით აღწერა მეცნიერის მთელი შემოქმედებითი გზა. თავადაზნაურობის ისტორიაში არანაკლებ საინტერესოა გერმანელი მეცნიერი მაქს ფრიდლენდერი (1867-1958 წწ.). ფრიდლანდერმა მიიჩნია ატრიბუციის მეთოდის საფუძველი, როგორც პირველი შთაბეჭდილება, რომელიც მიღებულ იქნა ნანახი ხელოვნების ნაწარმოებიდან. მხოლოდ ამის შემდეგ შეგვიძლია დავიწყოთ მეცნიერული ანალიზი, რომელშიც უმცირესი დეტალი შეიძლება იყოს მნიშვნელოვანი. მან აღიარა, რომ ნებისმიერ კვლევას შეუძლია დაადასტუროს და შეავსოს პირველი შთაბეჭდილება ან, პირიქით, უარყოს იგი. მაგრამ ის არასოდეს ჩაანაცვლებს მას. მცოდნეს, ფრიდლენდერის აზრით, უნდა ჰქონდეს მხატვრული ნიჭი და ინტუიცია, რომელიც „კომპასის ისარივით, რყევების მიუხედავად, გზას გვიჩვენებს“. რუსეთის ხელოვნების ისტორიაში მრავალი მეცნიერი და მუზეუმის მუშაკი იყო დაკავებული ატრიბუციით და ცნობილი იყო როგორც ექსპერტები. ბ.რ. უიპერმა გამოყო ატრიბუციის სამი ძირითადი შემთხვევა: ინტუიციური, შემთხვევითი და მესამე - ატრიბუციის მთავარი გზა - როდესაც მკვლევარი სხვადასხვა ტექნიკის გამოყენებით უახლოვდება ნაწარმოების ავტორის დამკვიდრებას. ვიპერის მეთოდის განმსაზღვრელი კრიტერიუმია ნახატის ტექსტურა და ემოციური რიტმი. ტექსტურა ეხება საღებავს, ინსულტის ბუნებას და ა.შ. ემოციური რიტმი არის სენსორული და სულიერი გამოხატვის დინამიკა ფერწერაში ან სახვითი ხელოვნების ნებისმიერ სხვა ფორმაში. რიტმისა და ტექსტურის გაგების უნარი არის მხატვრული ხარისხის სწორი გაგებისა და დაფასების არსი. ამგვარად, ექსპერტებისა და მუზეუმის მუშაკების მიერ გაკეთებულმა მრავალრიცხოვანმა ატრიბუტებმა და აღმოჩენებმა უდავო წვლილი შეიტანა ხელოვნების ისტორიაში: მათი აღმოჩენების გარეშე, ჩვენ ვერ ვიცნობდით ნამუშევრების ნამდვილ ავტორებს, რომლებიც ყალბს ორიგინალებად მივიჩნევდით. ნამდვილი ექსპერტი ყოველთვის ცოტა იყო, ისინი ცნობილი იყვნენ ხელოვნების სამყაროში და მათი ნამუშევრები დიდად აფასებდნენ. მცოდნე-ექსპერტის როლი განსაკუთრებით გაიზარდა მე-20 საუკუნეში, როდესაც ხელოვნების ბაზარი, სახვითი ხელოვნების ნიმუშებზე უზარმაზარი მოთხოვნილების გამო, ყალბებით აივსო. არცერთი მუზეუმი ან კოლექციონერი არ იყიდის ნამუშევარს საფუძვლიანი შემოწმების გარეშე. თუ პირველმა ექსპერტებმა დასკვნები გააკეთეს ცოდნისა და სუბიექტური აღქმის საფუძველზე, მაშინ თანამედროვე ექსპერტი ეყრდნობა ტექნიკური და ტექნოლოგიური ანალიზის ობიექტურ მონაცემებს, კერძოდ: ნახატის რენტგენის სკანირებას, საღებავის ქიმიური შემადგენლობის დადგენას, დადგენას. ტილოს, ხის და ნიადაგის ასაკი. ამ გზით თქვენ შეგიძლიათ თავიდან აიცილოთ შეცდომები. ამდენად, ხელოვნების ისტორიის, როგორც დამოუკიდებელი ჰუმანიტარული მეცნიერების ჩამოყალიბებისთვის დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა მუზეუმების გახსნას და ექსპერტთა საქმიანობას.

• – მხატვრული ნაწარმოების ემოციური და ესთეტიკური შეფასება. ხელოვნების ისტორიული კვლევის ჟანრული ფორმები, მეთოდები.

პრიმიტიული ანალიზის ალგორითმი:

მხატვრობის ნამუშევრების ანალიზის ალგორითმი

1. ნახატის სათაურის მნიშვნელობა.
2. ჟანრის კუთვნილება.
3. სურათის სიუჟეტის მახასიათებლები. ხატვის მიზეზები. ეძებს პასუხს კითხვაზე: გადასცა თუ არა ავტორმა მაყურებელს თავისი აზრი?
4. ნახატის კომპოზიციის თავისებურებები.
5. მხატვრული გამოსახულების ძირითადი საშუალებები: ფერი, ნახატი, ტექსტურა, ქიაროსკურო, ფუნჯი.
6. რა გავლენა მოახდინა ამ ხელოვნების ნიმუშმა შენს გრძნობებსა და განწყობაზე?
7. სად მდებარეობს ეს ხელოვნების ნიმუში?

არქიტექტურის ნამუშევრების ანალიზის ალგორითმი

1. რა არის ცნობილი არქიტექტურული სტრუქტურის შექმნის ისტორიისა და მისი ავტორის შესახებ?
2. მიუთითეთ, ეკუთვნის თუ არა ეს ნამუშევარი კულტურულ-ისტორიულ ეპოქას, მხატვრულ სტილს ან მოძრაობას.
3. რა განსახიერება იქნა ნაპოვნი ვიტრუვიუსის ფორმულის ამ ნაწარმოებში: ძალა, სარგებელი, სილამაზე?
4. მიუთითეთ არქიტექტურული გამოსახულების შექმნის მხატვრული საშუალებები და ტექნიკა (სიმეტრია, რიტმი, პროპორციები, შუქ-ჩრდილი და ფერის მოდელირება, მასშტაბი), ტექტონიკური სისტემები (პოსტ-სხივი, წვეტიანი თაღი, თაღოვანი გუმბათი).
5. მიუთითეთ არქიტექტურის ტიპი: მოცულობითი ნაგებობები (საზოგადოებრივი: საცხოვრებელი, სამრეწველო); ლანდშაფტი (მებაღეობა ან მცირე ფორმები); ურბანული დაგეგმარება.
6. მიუთითეთ კავშირი არქიტექტურული ნაგებობის გარე და შიდა იერსახეს შორის, კავშირი შენობასა და რელიეფს შორის, ლანდშაფტის ბუნება.
7. როგორ გამოიყენება ხელოვნების სხვა ფორმები მისი არქიტექტურული გარეგნობის დიზაინში?
8. რა შთაბეჭდილება დატოვა თქვენზე ნამუშევარმა?
9. რა ასოციაციებს იწვევს მხატვრული გამოსახულება და რატომ?
10. სად მდებარეობს არქიტექტურული ნაგებობა?

ქანდაკების ნამუშევრების ანალიზის ალგორითმი

1. ნაწარმოების შექმნის ისტორია.
2. Ავტორის შესახებ. რა ადგილი უჭირავს ამ ნაწარმოებს მის შემოქმედებაში?
3. ეკუთვნის მხატვრულ ეპოქას.
4. ნაწარმოების სათაურის მნიშვნელობა.
5. მიეკუთვნება ქანდაკების სახეობებს (მონუმენტური, მემორიალური, დაზგური).
6. მასალისა და დამუშავების ტექნოლოგიის გამოყენება.
7. სკულპტურის ზომები (თუ მნიშვნელოვანია იცოდეთ).
8. კვარცხლბეკის ფორმა და ზომა.
9. სად მდებარეობს ეს ქანდაკება?
10. რა შთაბეჭდილება დატოვა თქვენზე ამ ნამუშევარმა?
11. რა ასოციაციებს იწვევს მხატვრული გამოსახულება და რატომ?

Უფრო ვრცლად:

კითხვების ნიმუში ხელოვნების ნაწარმოების ანალიზისთვის

ემოციური დონე:

• რა შთაბეჭდილებას ახდენს ნამუშევარი?
• რა განწყობის გადმოცემას ცდილობს ავტორი?
• რა შეგრძნებები შეიძლება განიცადოს მაყურებელმა?
• როგორია სამუშაოს ბუნება?
• როგორ უწყობს ხელს მისი მასშტაბი, ფორმატი, ნაწილების ჰორიზონტალური, ვერტიკალური ან დიაგონალური განლაგება, გარკვეული არქიტექტურული ფორმების გამოყენება, ფერწერაში გარკვეული ფერების გამოყენება და არქიტექტურულ ძეგლში სინათლის განაწილება ნაწარმოების ემოციურ შთაბეჭდილებას?

საგნის დონე:

• რა (ან ვინ) არის ნაჩვენები სურათზე?
• რას ხედავს მაყურებელი ფასადის წინ დგომისას? ინტერიერში?
• ვის ხედავთ სკულპტურაში?
• მონიშნეთ მთავარი რაც ნახეთ.
• შეეცადეთ აგიხსნათ, რატომ გეჩვენებათ ეს მნიშვნელოვანი?
• რა საშუალებებით ხაზს უსვამს ხელოვანი (არქიტექტორი, კომპოზიტორი) მთავარს?
• როგორ არის მოწყობილი საგნები ნაწარმოებში (საგნის კომპოზიცია)?
• როგორ არის შედგენილი ძირითადი ხაზები ნაწარმოებში (წრფივი კომპოზიცია)?
• როგორ არის შედარებული მოცულობები და სივრცეები არქიტექტურულ სტრუქტურაში (არქიტექტურულ კომპოზიციაში)?
• სიუჟეტის დონე:
• შეეცადეთ ხელახლა თქვათ სურათის სიუჟეტი.
• შეეცადეთ წარმოიდგინოთ, რა მოვლენები შეიძლება მოხდეს უფრო ხშირად ამ არქიტექტურულ სტრუქტურაში.
• რისი გაკეთება შეუძლია (ან თქვას) ამ სკულპტურამ, თუ ის გაცოცხლდება?

სიმბოლური დონე:

• არის თუ არა ნაწარმოებში საგნები, რომლებიც რაიმეს სიმბოლოა?
• სიმბოლურია თუ არა ნაწარმოების კომპოზიცია და მისი ძირითადი ელემენტები: ჰორიზონტალური, ვერტიკალური, დიაგონალი, წრე, ოვალური, ფერი, კუბი, გუმბათი, თაღი, სარდაფი, კედელი, კოშკი, შუბი, ჟესტი, პოზა, ტანსაცმელი, რიტმი, ტემბრი, და ა.შ..?
• რა არის ნაწარმოების სათაური? როგორ უკავშირდება ის მის შეთქმულებასა და სიმბოლიკას?
• როგორ ფიქრობთ, რისი გადმოცემა სურდა ნაწარმოების ავტორს ხალხისთვის?

ნახატის ანალიზის გეგმა

1. 1. ავტორი, ნაწარმოების სათაური, შექმნის დრო და ადგილი, იდეისა და მისი განხორციელების ისტორია. მოდელის შერჩევა.
2. 2.სტილი, მიმართულება.
3. 3.მხატვრობის ტიპი: დაზგური, მონუმენტური (ფრესკა, ტემპერა, მოზაიკა).
4. 4.მასალის შერჩევა (დაზგური ფერწერისთვის): ზეთის საღებავები, აკვარელი, გუაში, პასტელი. მხატვრისთვის ამ მასალის გამოყენების მახასიათებლები.
5. 5. ფერწერის ჟანრი (პორტრეტი, პეიზაჟი, ნატურმორტი, ისტორიული მხატვრობა, პანორამა, დიორამა, ხატწერა, მარინა, მითოლოგიური ჟანრი, ყოველდღიური ჟანრი). ჟანრის მახასიათებლები მხატვრის ნამუშევრებისთვის.
6. 6. თვალწარმტაცი ნაკვეთი. სიმბოლური შინაარსი (ასეთის არსებობის შემთხვევაში).
7. 7.ნაწარმოების ფერწერული მახასიათებლები:

• ფერი;
• მსუბუქი;
• მოცულობა;
• სიბრტყეზე;
• ფერი;
• მხატვრული სივრცე (მხატვრის მიერ გარდაქმნილი სივრცე);
• ხაზი.

9. ნაწარმოების ნახვისას მიღებული პირადი შთაბეჭდილება.

სპეციფიკა:

• შემადგენლობის სქემა და მისი ფუნქციები
  • ზომა
  • ფორმატი (ვერტიკალურად და ჰორიზონტალურად წაგრძელებული, კვადრატული, ოვალური, მრგვალი, გამოსახულების ფორმატის თანაფარდობა)
  • გეომეტრიული სქემები
  • ძირითადი კომპოზიციური ხაზები
  • ბალანსი, გამოსახულების ნაწილების ურთიერთობა ერთმანეთთან და მთლიანთან,
  • ნახვის თანმიმდევრობა
• სივრცე და მისი ფუნქციები.
  • პერსპექტივა, გაქრობის წერტილები
  • სიბრტყე და სიღრმე
  • სივრცითი გეგმები
  • მანძილი მაყურებელსა და ნაწარმოებს შორის, მაყურებლის ადგილი სურათის სივრცეში ან მის გარეთ
  • ხედვა და კუთხეების არსებობა, ჰორიზონტის ხაზი
• კიაროსკურო, მოცულობა და მათი როლი.
  • მოცულობა და თვითმფრინავი
  • ხაზი, სილუეტი
  • სინათლის წყაროები, დღის დრო, განათების ეფექტები
  • სინათლისა და ჩრდილის ემოციური გავლენა
• ფერი, შეღებვა და მისი ფუნქციები
  • ტონალური ან ადგილობრივი შეფერილობის სჭარბობს
  • თბილი ან ცივი ფერი
  • წრფივი ან თვალწარმტაცი
  • ძირითადი ფერის ლაქები, მათი ურთიერთობები და მათი როლი კომპოზიციაში
  • ტონი, ღირებულებები
  • რეფლექსები
  • ფერის ემოციური გავლენა
• ზედაპირის ტექსტურა (ინსულტი).
  • ინსულტის ხასიათი (ღია ტექსტურა, გლუვი ტექსტურა)
  • დარტყმის მიმართულება
  • ინსულტის ზომა
  • მინაშენი

არქიტექტურული ძეგლების აღწერა და ანალიზი

თემა 1. არქიტექტურის მხატვრული ენა.

არქიტექტურა, როგორც ხელოვნების ფორმა. "მხატვრული არქიტექტურის" კონცეფცია. მხატვრული გამოსახულება არქიტექტურაში. არქიტექტურის მხატვრული ენა: მხატვრული გამოხატვის ისეთი საშუალებების კონცეფცია, როგორიცაა ხაზი, სიბრტყე, სივრცე, მასა, რიტმი (არითმია), სიმეტრია (ასიმეტრია). კანონიკური და სიმბოლური ელემენტები არქიტექტურაში. შენობის გეგმის, ექსტერიერის, ინტერიერის კონცეფცია. სტილი არქიტექტურაში.

თემა 2. არქიტექტურული ნაგებობების ძირითადი ტიპები

ურბანული დაგეგმარების ხელოვნების ძეგლები: ისტორიული ქალაქები, მათი ნაწილები, ანტიკური დაგეგმარების სფეროები; არქიტექტურული კომპლექსები, ანსამბლები. საცხოვრებელი არქიტექტურის ძეგლები (ვაჭარი, სათავადაზნაურო, გლეხური მამულები, საცხოვრებელი კორპუსები და ა.შ.) სამოქალაქო საზოგადოებრივი არქიტექტურის ძეგლები: თეატრები, ბიბლიოთეკები, საავადმყოფოები, სასწავლო შენობები, ადმინისტრაციული შენობები, მატარებლის სადგურები და ა.შ. რელიგიური ძეგლები: ტაძრები, სამლოცველოები, მონასტრები. თავდაცვის არქიტექტურა: ციხესიმაგრეები, ციხე-კოშკები და სხვ. სამრეწველო არქიტექტურის ძეგლები: ქარხნის კომპლექსები, შენობები, სამჭედლოები და ა.შ.

ლანდშაფტის ძეგლები, მებაღეობა და ლანდშაფტის ხელოვნება: ბაღები და პარკები.

თემა 3. არქიტექტურული ძეგლის აღწერა და ანალიზი

შენობის გეგმა, სამშენებლო მასალა, გარე მოცულობის შემადგენლობა. ქუჩის და ეზოს ფასადის, კარ-ფანჯრის ღიობების, აივნების, ექსტერიერის და ინტერიერის დეკორატიული გაფორმების აღწერა. დასკვნა არქიტექტურული ძეგლის სტილისა და მხატვრული ღირსებების, მისი ადგილის შესახებ ქალაქის, სოფლის, რეგიონის ისტორიულ და არქიტექტურულ მემკვიდრეობაში.

არქიტექტურული ძეგლის მონოგრაფიული ანალიზის მეთოდები

1. სტრუქტურული და ტექტონიკური სისტემების ანალიზი ვარაუდობს:

ა) მისი სტრუქტურული საფუძვლის გრაფიკული იდენტიფიკაცია ძეგლის პერსპექტიულ ან ორთოგონალურ პროექციებზე (მაგალითად, თაღების და გუმბათების წერტილოვანი მონახაზები, ფასადზე შიდა სტრუქტურის „გამოვლინება“, ფასადის ერთგვარი „კომბინაცია“ მონაკვეთთან. , ზედაპირების დაჩრდილვა მონაკვეთებზე ინტერიერის სტრუქტურის გასარკვევად და ა.შ.)

ბ) სტრუქტურული ელემენტებისა და შესაბამისი ტექტონიკური არქიტექტურული ფორმების სიახლოვისა და ურთიერთდაკავშირების ხარისხის გარკვევა (მაგალითად, თაღების, თაღების სექციებში გამოყოფა და მათი გავლენის დადგენა ზაკომარების, კოკოშნიკების, სამწახნაგოვანი თაღების ფორმებზე და ა.შ.)

გ) ძეგლის გარკვეული ტექტონიკური დიაგრამების შედგენა (მაგ., გოთური ტაძრის თაღოვანი ბალახის საფარის დიაგრამა ან უგოლო ტაძრის შიდა სივრცის „ჩასხმული“ დიაგრამა - აქსონომეტრიაში და სხვ.);

2. პროპორციებისა და პროპორციების ანალიზი ტარდება, როგორც წესი, ორთოგონალურ პროექციებში და შედგება ორი წერტილისაგან:

ა) ძეგლის ძირითად განზომილებიან პარამეტრებს შორის მრავალი თანაფარდობის ძიება (მაგალითად, 2:3, 4:5 და ა.შ.), იმის გათვალისწინებით, რომ ეს პროპორციები ერთ დროს შეიძლებოდა გამოყენებული ყოფილიყო მშენებლობის დროს დასადგმელად. საჭირო რაოდენობით ნატურით. ამავდროულად, განზომილებიანი მნიშვნელობები (მოდულები), რომლებიც არაერთხელ ჩნდება ძეგლში, უნდა შევადაროთ სიგრძის ისტორიულ ზომებს (ფეხები, ფოთები და ა.შ.);

ბ) ძეგლის ძირითადი ფორმებისა და განყოფილებების ზომებს შორის მეტ-ნაკლებად მუდმივი გეომეტრიული კავშირის ძიება უმარტივესი გეომეტრიული ფიგურების (კვადრატი, ორმაგი კვადრატი, ტოლგვერდა სამკუთხედი და სხვ.) ელემენტების ბუნებრივი მიმართებების საფუძველზე და მათი წარმოებულები. გამოვლენილი პროპორციული მიმართებები არ უნდა ეწინააღმდეგებოდეს ძეგლის ტექტონიკური ფორმების აგების ლოგიკას და მისი ცალკეული ნაწილების აგების აშკარა თანმიმდევრობას. ანალიზი შეიძლება დასრულდეს ორიგინალური გეომეტრიული ფიგურის (მაგალითად, კვადრატის) ზომების მოდულთან და სიგრძის ისტორიული ზომების დაკავშირებით.

სავარჯიშო სავარჯიშოში არ უნდა ცდილობთ იდენტიფიციროთ ძალიან ბევრი ურთიერთობა; გაცილებით მნიშვნელოვანია ყურადღება მიაქციოთ გამოვლენილი პროპორციებისა და პროპორციების ხარისხს, ანუ მათ კომპოზიციურ მნიშვნელობას, მათ კავშირს ძირითადი ტექტონიკური განყოფილებების განზომილებიანი ურთიერთობებით. მოცულობები და მათი გამოყენების შესაძლებლობა ძეგლის აღმართვის პროცესში.

3. მეტრო-რიტმული ნიმუშების ანალიზი შეიძლება განხორციელდეს როგორც ორთოგონალურ ნახაზებზე, ასევე ძეგლის პერსპექტიულ გამოსახულებებზე (ნახატები, ფოტოები, სლაიდები და სხვა). მეთოდის არსი ემყარება გრაფიკულ ხაზგასმას (ხაზით, ტონით, დაჩრდილვით ან ფერით) ფორმათა მეტრიკული და რიტმული სერიების ძეგლის ნებისმიერ გამოსახულებაზე, როგორც ვერტიკალურად, ასევე ჰორიზონტალურად. ამ გზით გამოვლენილი მეტრიკული რიგები (მაგალითად, კოლონადები, ფანჯრების ღიობები, კარნიზის სამაგრი და ა.შ.) და რიტმული რიგები (მაგალითად, იარუსების შემცირება, თაღების ღიობების შეცვლა და ა.შ.) შესაძლებელს ხდის „სტატიკური“ იდენტიფიცირებას. ანუ ამ ძეგლის „დინამიური“ არქიტექტურული კომპოზიცია. ამავდროულად, ფორმების რიტმული სერიის წევრებში ცვლილებების ნიმუშის გარკვევა მჭიდრო კავშირშია პროპორციების ანალიზთან. კვლევის შედეგად შედგენილია პირობითი დიაგრამები, რომლებიც ასახავს მოცემული ხუროთმოძღვრული ძეგლის ფორმათა მეტრორიტმული სერიის კონსტრუქციულ თავისებურებებს.

4. გრაფიკული რეკონსტრუქცია საშუალებას გაძლევთ აღადგინოთ ძეგლის დაკარგული იერსახე მისი ისტორიული არსებობის ნებისმიერ ეტაპზე. რეკონსტრუქცია ტარდება ან ორთოგონალური ნახაზის სახით (გეგმა, ფასადი), როდესაც არსებობს შესაბამისი საფუძველი, ან პერსპექტიული გამოსახულების სახით, რომელიც დამზადებულია ნახატიდან ან ფოტოსურათიდან (სლაიდი). რეკონსტრუქციის წყაროდ უნდა გამოიყენოთ ძეგლის გამოქვეყნებული უძველესი გამოსახულებები, სხვადასხვა სახის ისტორიული აღწერილობები, ასევე მასალები იმავე ეპოქის მსგავს ძეგლებზე.

საგანმანათლებლო მიზნებისთვის მოსწავლეს სთხოვენ შეასრულოს მხოლოდ ესკიზის რეკონსტრუქცია, მხოლოდ ზოგადი თვალსაზრისით, რომელიც გადმოსცემს ძეგლის ორიგინალური ან შეცვლილი იერსახის ბუნებას.

ზოგიერთ შემთხვევაში, სტუდენტი შეიძლება შემოიფარგლოს მხოლოდ ერთი და იმავე ძეგლის რეკონსტრუქციის ვარიანტების შედარებით, რომლებიც შედგენილია სხვადასხვა მკვლევარის მიერ. მაგრამ მაშინ აუცილებელია ამ ვარიანტებს მივცეთ გონივრული შეფასება და გამოვყოთ ყველაზე სავარაუდო. მოსწავლემ თავისი არჩევანი გრაფიკულად უნდა დაასაბუთოს მსგავსი ძეგლების გამოსახულებებით ან მათი ფრაგმენტებით.

სპეციალური ტიპის რეკონსტრუქცია - ძეგლის ორიგინალური და შემდგომში დაკარგული შეღებვის რეკონსტრუქცია - ხორციელდება ორთოგონალური ფასადების ან პერსპექტიული გამოსახულების საფუძველზე, ისტორიული ურბანული გარემოს შესაძლო ჩართვით.

გრაფიკული რეკონსტრუქციის ამოცანის შესრულებისას შეიძლება ფართოდ იქნას გამოყენებული ნახატების დასრულების მეთოდი და ფოტომონტაჟი.

5. არქიტექტურული ნახატების მშენებლობა - განვითარებული მოცულობითი კომპოზიციის მქონე ძეგლების ანალიზის ტექნიკა, რომელიც განკუთვნილია დროთა განმავლობაში თანდათანობითი აღქმისთვის, როგორიცაა ერეხთეონი ათენში ან შუამავლობის საკათედრო ტაძარი მოსკოვში. ასეთ ძეგლზე სეირნობისას მნახველი, ზოგიერთი მოცულობის სხვის მიერ დაფარვის გამო, აღიქვამს ერთმანეთში ჩაედინება პერსპექტიული გამოსახულების სიმრავლეს, რასაც არქიტექტურულ ფერწერას უწოდებენ.

მოსწავლის ამოცანაა არქიტექტურული ნახატების თვისობრივად განსხვავებული ჯგუფების იდენტიფიცირება, გეგმაზე დანიშნოს ნახატების ამ ჯგუფების აღქმის ზონები და თითოეული ჯგუფის ილუსტრირება ერთი, დამახასიათებელით, პერსპექტიული ნახატის ან ფოტოსურათის (სლაიდის) სახით.

ხარისხობრივად განსხვავებული ნახატების რაოდენობა, როგორც წესი, არ აღემატება ხუთს ან ექვსს.

6. მასშტაბისა და მასშტაბის ანალიზი მოიცავს არქიტექტურული მოცულობის დანაყოფების ფართომასშტაბიანი როლის იდენტიფიცირებას და ძეგლის ორთოგონალურ ან პერსპექტიულ გამოსახულებებზე დამახასიათებელი დეტალების გრაფიკულად გამოკვეთას - „მასშტაბის ინდიკატორებს“, როგორიცაა საფეხურები, ბალუსტრადები და ა.შ. ყურადღება უნდა მიექცეს შეკვეთის როლს, როგორც უნივერსალური ხელსაწყოს არქიტექტურული მასშტაბი.

არქიტექტურული ძეგლების შედარებითი ანალიზის მეთოდები

1. ორი ძეგლის მოცულობითი კომპოზიციის შედარება ხდება საერთო მასშტაბით მოყვანილი გეგმების, ფასადების ან მონაკვეთების შედარებით. ძალზე ეფექტურია გეგმების, ამაღლების და მონაკვეთების ზედმიწევნის ან გაერთიანების ტექნიკა; ზოგჯერ ორი ძეგლის პროექციების შერწყმისას სასარგებლოა მათი რაიმე საერთო ზომამდე მიყვანა, მაგალითად, იმავე სიმაღლეზე ან სიგანეზე (ამ შემთხვევაში, ძეგლების პროპორციებიც შედარებულია).

ასევე შესაძლებელია ძეგლების პერსპექტიული გამოსახულებების შედარება ცხოვრებიდან ნახატების ან ფოტოების სახით. ამ შემთხვევაში ნახატები ან ფოტომასალა უნდა იყოს გადაღებული მსგავსი კუთხით და იმ წერტილებიდან, საიდანაც ვლინდება ძეგლების მოცულობით-სივრცითი კომპოზიციის დამახასიათებელი ნიშნები. უზრუნველყოფილი უნდა იყოს, რომ მათი შედარებითი ზომების მიხედვით, ძეგლების გამოსახულებები დაახლოებით შეესაბამებოდეს მათი ზომის თანაფარდობებს ნატურით.

შედარებითი შედარების ყველა შემთხვევაში, ძეგლებს შორის განსხვავებები, როგორც წესი, უფრო ნათლად ჩანს, ვიდრე მათი მსგავსება. აქედან გამომდინარე, აუცილებელია გრაფიკულად ხაზგასმით აღვნიშნოთ, თუ რა აერთიანებს შედარებულ ობიექტებს, მაგალითად, კომპოზიციური ტექნიკის იდენტურობა, ანალოგია მოცულობების ერთობლიობაში, დანაყოფების მსგავსი ბუნება, ღიობების მდებარეობა და ა.შ.

სკულპტურული ძეგლების აღწერა და ანალიზი

ქანდაკების მხატვრული ენა

სკულპტურის ნამუშევრების გაანალიზებისას აუცილებელია გავითვალისწინოთ ქანდაკების, როგორც ხელოვნების ფორმის საკუთარი პარამეტრები. ქანდაკება არის ხელოვნების ფორმა, რომელშიც რეალური სამგანზომილებიანი მოცულობა ურთიერთქმედებს მის გარშემო არსებულ სამგანზომილებიან სივრცესთან. ქანდაკების ანალიზისას მთავარია მოცულობა, სივრცე და მათი ურთიერთქმედება. ქანდაკების მასალები. ქანდაკების სახეები. ქანდაკების ჟანრები.

სკულპტურის ნაწარმოების აღწერა და ანალიზი.

გეგმის ნიმუში:

1. რა ზომისაა ეს ქანდაკება? ქანდაკება შეიძლება იყოს მონუმენტური, დაზგური ან მინიატურული. ზომა გავლენას ახდენს მის ინტერაქციაზე სივრცესთან.

2. რა სივრცეში იყო განთავსებული გაანალიზებული ნამუშევარი (ტაძარში, მოედანზე, სახლში და ა.შ.)? რა თვალსაზრისით იყო განკუთვნილი (შორიდან, ქვემოდან, ახლოდან)? ეს არის არქიტექტურული ან სკულპტურული ანსამბლის ნაწილი თუ დამოუკიდებელი ნამუშევარია?

3. რამდენად ფარავს მოცემული ნამუშევარი სამგანზომილებიან სივრცეს (მრგვალი ქანდაკება და არქიტექტურასთან დაკავშირებული ქანდაკება; არქიტექტურულ-სკულპტურული ფორმა, მაღალი რელიეფი; რელიეფი; ბარელიეფი; ფერწერული რელიეფი; კონტრრელიეფი)

4. რა მასალისგან არის დამზადებული? რა თვისებები აქვს ამ მასალას? მაშინაც კი, თუ თქვენ აანალიზებთ კასრებს, მნიშვნელოვანია გახსოვდეთ, რა მასალისგან იყო დამზადებული ორიგინალი. გადადით ორიგინალების დარბაზებში, ნახეთ, როგორ გამოიყურება თქვენთვის საინტერესო მასალისგან დამზადებული ქანდაკება. რა მახასიათებლებს სკულპტურა ნაკარნახევია მისი მასალა (რატომ შეირჩა ეს კონკრეტული მასალა ამ ნამუშევრისთვის)?

5. არის თუ არა სკულპტურა შექმნილი ფიქსირებული თვალსაზრისისთვის, თუ ის სრულად ვლინდება თავს გარშემო სიარულის დროს? რამდენი დასრულებული ექსპრესიული სილუეტი აქვს ამ სკულპტურას? რა არის ეს სილუეტები (დახურული, კომპაქტური, გეომეტრიულად რეგულარული თუ თვალწარმტაცი, ღია)? როგორ უკავშირდება სილუეტები ერთმანეთს?

6. როგორია პროპორციები (ნაწილებისა და მთელის თანაფარდობა) ამ სკულპტურაში ან სკულპტურულ ჯგუფში? როგორია ადამიანის ფიგურის პროპორციები?

7. როგორია ქანდაკების დიზაინი (დიდი კომპოზიციურ ბლოკებს შორის ურთიერთობების განვითარება და გართულება, შიდა დანაყოფების რიტმი და ზედაპირის განვითარების ბუნება)? თუ რელიეფზეა საუბარი, როგორ იცვლება მთლიანი ხედვის კუთხის ცვლილებისას? როგორ იცვლება რელიეფის სიღრმე და როგორ არის აგებული სივრცითი გეგმები, რამდენია?

8. როგორია სკულპტურული ზედაპირის ტექსტურა? ერთიანი თუ განსხვავებული სხვადასხვა ნაწილში? გლუვი ან „ჩანახატი“, ხელსაწყოების შეხების კვალი ჩანს, ბუნებრივი, ჩვეულებრივი. როგორ უკავშირდება ეს ტექსტურა მასალის თვისებებს? როგორ მოქმედებს ტექსტურა სკულპტურული ფორმის სილუეტისა და მოცულობის აღქმაზე?

9. რა როლი აქვს ფერს ქანდაკებაში? როგორ ურთიერთქმედებენ მოცულობა და ფერი, როგორ გავლენას ახდენენ ისინი ერთმანეთზე?

10. რა ჟანრს განეკუთვნება ეს სკულპტურა? რისთვის იყო განკუთვნილი?

11. როგორია მოტივის ინტერპრეტაცია (ნატურალისტური, კონვენციური, კანონით ნაკარნახევი, ნაკარნახევი ქანდაკების მიერ დაკავებული ადგილით მის არქიტექტურულ გარემოში, თუ სხვაგვარად).

12. გრძნობთ თუ არა რაიმე სხვა სახის ხელოვნების გავლენას ნაწარმოებში: არქიტექტურა, ფერწერა?

ნახატების აღწერა და ანალიზი

ფერწერის მხატვრული ენა

ფერწერის კონცეფცია. მხატვრული გამოხატვის საშუალებები: მხატვრული სივრცე, კომპოზიცია, ფერი, რიტმი, ფერადოვანი შტრიხის ხასიათი. ფერწერის მასალები და ტექნიკა: ზეთი, ტემპერა, გუაში, აკვარელი, შერეული ტექნიკა და სხვ. დაზგური და მონუმენტური მხატვრობა. მონუმენტური მხატვრობის სახეები: ფრესკა, მოზაიკა, ვიტრაჟი და სხვა ფერწერის ჟანრები: პორტრეტი, პეიზაჟი, ყოველდღიური ცხოვრება, ნატურმორტი, ცხოველთა მხატვრობა, ისტორიული და სხვ.

ნახატების აღწერა

ნაწარმოების ძირითადი პარამეტრების განსაზღვრა: ავტორი, შექმნის თარიღი, ნახატის ზომა, ნახატის ფორმატი: მართკუთხედი წაგრძელებული ჰორიზონტალურად ან ვერტიკალურად (შესაძლოა მომრგვალებული ბოლოთი), კვადრატი, წრე (ტონდო), ოვალური. ტექნიკა (ტემპერა, ზეთი, აკვარელი და სხვ.) და რის საფუძველზე (ხის, ტილოს და ა.შ.) შესრულდა ნახატი და ა.შ.

ნახატების ანალიზი

ნიმუშის ანალიზის გეგმა:

1. აქვს თუ არა ფილმს სიუჟეტი? რა არის ნაჩვენები? რა გარემოშია განთავსებული გამოსახული პერსონაჟები და საგნები?
2. გამოსახულების ანალიზის საფუძველზე შეგიძლიათ გააკეთოთ დასკვნა ჟანრის შესახებ. რა ჟანრს: პორტრეტი, პეიზაჟი, ნატურმორტი, შიშველი, ყოველდღიური, მითოლოგიური, რელიგიური, ისტორიული, ცხოველური, ეკუთვნის ნახატი?
3. როგორ ფიქრობთ, რას წყვეტს მხატვარი - ვიზუალურ პრობლემას? ექსპრესიული? როგორია გამოსახულების პირობითობის ან ნატურალიზმის ხარისხი? მიდრეკილია კონვენცია იდეალიზაციისკენ თუ ექსპრესიული დამახინჯებისკენ? როგორც წესი, სურათის კომპოზიცია ასოცირდება ჟანრთან.
4. რა კომპონენტები ქმნიან კომპოზიციას? რა კავშირია გამოსახულების საგანსა და ფონს/სივრცეს შორის ნახატის ტილოზე?
5. რამდენად ახლოს არის სურათზე მოცემული ობიექტები?
6. რა ხედვის კუთხე აირჩია მხატვარმა - ზემოდან, ქვემოდან, გამოსახული ობიექტების დონეზე?
7. როგორ დგინდება მაყურებლის პოზიცია - ჩართულია თუ არა ის სურათზე გამოსახულთან ინტერაქციაში, თუ ენიჭება განცალკევებული ჭვრეტის როლი?
8. შეიძლება კომპოზიციას ეწოდოს დაბალანსებული, სტატიკური ან დინამიური? თუ არის მოძრაობა, როგორ არის მიმართული?
9. როგორ არის აგებული სურათის სივრცე (ბრტყელი, განუსაზღვრელი, სივრცითი ფენა შემოღობილია, ღრმა სივრცე იქმნება)? როგორ მიიღწევა სივრცის სიღრმის ილუზია (გამოსახული ფიგურების ზომის განსხვავება, ობიექტების მოცულობის ან არქიტექტურის ჩვენება, ფერის გრადაციების გამოყენებით)? კომპოზიცია შემუშავებულია ნახატის საშუალებით.
10. რამდენად გამოხატულია ხაზოვანი დასაწყისი ნახატში?
11. ხაზგასმულია თუ დამალული კონტურები, რომლებიც ზღუდავს ცალკეულ ობიექტებს? რა საშუალებებით მიიღწევა ეს ეფექტი?
12. რამდენად არის გამოხატული ობიექტების მოცულობა? რა ტექნიკა ქმნის მოცულობის ილუზიას?
13. რა როლს ასრულებს სინათლე ნახატში? როგორია (თუნდაც, ნეიტრალური; კონტრასტული, სკულპტურული მოცულობა; მისტიკური). იკითხება სინათლის წყარო/მიმართულება?
14. იკითხება თუ არა გამოსახული ფიგურების/საგნების სილუეტები? რამდენად გამომხატველი და ღირებულია ისინი თავისთავად?
15. რამდენად დეტალური (ან პირიქით განზოგადებული) არის სურათი?
16. გადმოცემულია თუ არა გამოსახული ზედაპირების (ტყავი, ქსოვილი, ლითონი და ა.შ.) ტექსტურის მრავალფეროვნება? ფერი.
17. რა როლს თამაშობს ფერი სურათში (ექვემდებარება თუ არა ნიმუშს და მოცულობას, ან, პირიქით, ექვემდებარება ნიმუშს და თავად აშენებს კომპოზიციას).
18. ფერი უბრალოდ მოცულობის შეფერილობაა თუ სხვა? არის ის ოპტიკურად ერთგული თუ ექსპრესიული?
19. მხატვრობაში ჭარბობს ადგილობრივი ფერები თუ ტონალური შეფერილობა?
20. ჩანს თუ არა ფერის ლაქების საზღვრები? ემთხვევა თუ არა ისინი მოცულობისა და ობიექტების საზღვრებს?
21. მხატვარი ფერთა დიდი მასებით მოქმედებს თუ პატარა ლაქა-შტრიხებით?
22. როგორ იწერება თბილი და ცივი ფერები, იყენებს თუ არა მხატვარი დამატებითი ფერების კომბინაციას? რატომ აკეთებს ის ამას? როგორ არის გადმოცემული ყველაზე განათებული და დაჩრდილული ადგილები?
23. არის მზერა ან რეფლექსები? როგორ იწერება ჩრდილები (ღრმა თუ გამჭვირვალე, ფერადია)?
24. შესაძლებელია თუ არა რიტმული გამეორებების იდენტიფიცირება ნებისმიერი ფერის ან ჩრდილების კომბინაციის გამოყენებისას, შესაძლებელია თუ არა რომელიმე ფერის განვითარების მიკვლევა? არის თუ არა დომინანტური ფერის/ფერის კომბინაცია?
25. როგორია ფერწერის ზედაპირის ტექსტურა - გლუვი თუ იმპასტო? განასხვავებენ თუ არა ცალკეულ დარტყმებს? თუ ასეა, რა არის ისინი - პატარა თუ გრძელი, წასმული თხევადი, სქელი ან თითქმის მშრალი საღებავით?

გრაფიკული ნამუშევრების აღწერა და ანალიზი

გრაფიკის მხატვრული ენა

გრაფიკა, როგორც სახვითი ხელოვნების ფორმა. გრაფიკის მხატვრული გამომსახველობის ძირითადი საშუალებები: ხაზი, შტრიხი, ლაქა და სხვ. ხაზოვანი და შავ-თეთრი ნახატი. გრავიურა, გრავიურის სახეები: ხეზე კვეთა, ლითოგრაფია, ლინოჭრობა, ოკრატი, მონოტიპი, აკვატინტი და სხვ. დაზგური გრაფიკა. წიგნის გრაფიკა. პლაკატების ხელოვნება, პლაკატები. გამოყენებითი გრაფიკა.

გრაფიკული ნამუშევრების აღწერა

ნაწარმოების ძირითადი პარამეტრების განსაზღვრა: ავტორი, შექმნის თარიღი, ფურცლის ზომა, ფორმატი, ტექნიკა.

გრაფიკული ნამუშევრების ანალიზი

ნიმუშის ანალიზის გეგმა:

1. სივრცითი სიტუაციის ზოგადი განმარტება, გამოსახული სივრცის მახასიათებლები. სივრცე - ღრმა თუ არა, დახურული თუ ღია, რა სიბრტყეზეა აქცენტი კონცენტრირებული. სიღრმის აგების და მათი გამოყენების უპირატესი (ამ სამუშაოსთვის ყველაზე მნიშვნელოვანი) საშუალებები. მაგალითად: ხაზოვანი ან საჰაერო პერსპექტივის ბუნება (თუ გამოიყენება). გამოსახული სივრცის მახასიათებლები. სივრცის მთლიანობა/დაშლა. გეგმებად დაყოფა, ყურადღების განაწილება (გარკვეული გეგმების გამორჩეულობა ან აღქმის ერთგვაროვნება). Შეხედულება. მაყურებელსა და გამოსახულ სივრცეს შორის ურთიერთქმედება (ეს წერტილი აუცილებელია მაშინაც კი, თუ არ არსებობს ღრმა სივრცის გამოსახულება).
2. მდებარეობა, ურთიერთობა, ელემენტების ურთიერთობა სიბრტყეზე და სივრცეში.

შემადგენლობის ტიპის განსაზღვრა - თუ შესაძლებელია. დამატებითი განმარტება: როგორ არის ზუსტად ამ ტიპის კომპოზიცია განსახიერებული ამ გრაფიკულ ნამუშევარში, რა არის მისი გამოყენების ნიუანსი. ფორმატის მახასიათებლები (პროპორციული ზომა). ურთიერთობა ფორმატსა და კომპოზიციას შორის: გამოსახულება და მისი საზღვრები. მასების განაწილება ფოთოლში. კომპოზიციური აქცენტი და მისი მდებარეობა; მისი ურთიერთობა სხვა ელემენტებთან; დომინანტური მიმართულებები: დინამიკა და სტატიკა. კომპოზიციის ძირითადი ელემენტების ურთიერთქმედება სივრცულ სტრუქტურასთან, აქცენტების განთავსება.

1. გრაფიკული ტექნოლოგიების ანალიზი.
2. ანალიზის შედეგია ფორმის აგების პრინციპების, მისი გამომსახველობითი თვისებების და ზემოქმედების იდენტიფიცირება. ნაწარმოების ფორმალური და გამომსახველობითი თვისებებიდან გამომდინარე, შეიძლება დაისვას საკითხი მისი მნიშვნელობის (შინაარსი, იდეა), ე.ი. გადავიდეთ მის ინტერპრეტაციაზე. ამ შემთხვევაში აუცილებელია სიუჟეტის გათვალისწინება (როგორ არის ინტერპრეტირებული სიუჟეტი ამ ნაწარმოებში?), პერსონაჟების გამოსახვის სპეციფიკა (სიუჟეტის ფერწერასა და პორტრეტში - პოზები, ჟესტები, სახის გამონათქვამები, მზერა), სიმბოლიზმი (ასეთის არსებობის შემთხვევაში) და ა.შ., მაგრამ ამავე დროს არის გამოსახულების საშუალება და შესაბამისად სურათის გავლენა. ასევე შესაძლებელია ნაწარმოების გამოვლენილი ინდივიდუალური მახასიათებლების კორელაცია იმ ტიპისა და ჟანრის მოთხოვნებთან, რომელსაც ეკუთვნის იგი, უფრო ფართო მხატვრულ კონტექსტთან (ავტორის ნამუშევარი მთლიანობაში: ეპოქის ხელოვნება, სკოლა და ა.შ.) . აქედან შეიძლება დავასკვნათ ნაწარმოების ღირებულება და მნიშვნელობა, მისი ადგილი ხელოვნების ისტორიაში.

დეკორატიული, გამოყენებითი და ხალხური ხელოვნების ნიმუშების აღწერა და ანალიზი

დეკორატიული, გამოყენებითი და ხალხური ხელოვნების სახეები

ფერწერა ხეზე, ლითონზე და ა.შ ნაქარგობა. ხალიჩების ქსოვა. საიუველირო ხელოვნება. ხეზე კვეთა, ძვლები. კერამიკა. მხატვრული ლაქები და სხვ.

დეკორატიული, გამოყენებითი და ხალხური ხელოვნების ძეგლების აღწერა

დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების სახეობა. მასალა. მისი დამუშავების თავისებურებები. ზომები. მიზანი. ფერის, ტექსტურის მახასიათებლები. ობიექტის უტილიტარულ და მხატვრულ-ესთეტიკურ ფუნქციებს შორის კორელაციის ხარისხი.

დეკორატიული, გამოყენებითი და ხალხური ხელოვნების ძეგლების ანალიზი

ნიმუშის ანალიზის გეგმა

1. რისთვის არის განკუთვნილი ასეთი ნივთი?
2. როგორია მისი ზომები?
3. როგორ მდებარეობს ნივთის დეკორაცია? სად მდებარეობს ფიგურული და ორნამენტული დეკორაციის ადგილები? როგორ არის დაკავშირებული სურათების განლაგება ობიექტის ფორმასთან?
4. რა სახის ორნამენტები გამოიყენება? ობიექტის რომელ ნაწილებზეა განლაგებული?
5. სად მდებარეობს ფიგურული გამოსახულებები? უფრო მეტ ადგილს იკავებს, ვიდრე ორნამენტულს, თუ ისინი უბრალოდ ერთ-ერთი ორნამენტული რეგისტრია?
6. როგორ აგებულია რეესტრი ფიგურული გამოსახულებებით? შეგვიძლია ვთქვათ, რომ აქ თავისუფალი კომპოზიციის ტექნიკაა გამოყენებული ან შეჯვარების პრინციპი (ფიგურები იდენტურ პოზებში, მინიმალური მოძრაობა, ერთმანეთის გამეორება)?
7. როგორ არის გამოსახული ფიგურები? არიან ისინი მოძრავი, გაყინული, სტილიზებული?
8. როგორ არის გადმოცემული ფიგურების დეტალები? უფრო ბუნებრივად გამოიყურებიან თუ ორნამენტულად? რა ხერხებს იყენებენ ფიგურების გადმოსაცემად?
9. შეხედეთ ნივთის შიგნით, თუ ეს შესაძლებელია. არის იქ გამოსახულებები და ორნამენტები? აღწერეთ ისინი ზემოთ მოცემული სქემის მიხედვით.
10. რა პირველადი და დამატებითი ფერები გამოიყენება ორნამენტებისა და ფიგურების აგებაში? როგორია თავად თიხის ტონი? როგორ აისახება ეს გამოსახულების ხასიათზე - ხდის მას უფრო ორნამენტულს თუ, პირიქით, უფრო ბუნებრივ?

Ტექსტი:

ნაწარმოების ანალიზი ინტელექტის რთული სამუშაოა, რომელიც მოითხოვს დიდ ცოდნას და უნარს.

არსებობს მრავალი მიდგომა, ტექნიკა და ანალიზის მეთოდი, მაგრამ ისინი ყველა ჯდება რამდენიმე რთულ მოქმედებაში:

1. 1) ინფორმაციის გაშიფვრა, რომელიც შეიცავს თავად ნაწარმოების ქსოვილს,
2. 2) ხელოვნების ნიმუშის შექმნის პროცესისა და გარემოებების ანალიტიკური შესწავლა, რაც ხელს უწყობს მისი გაგების გაღრმავებასა და გამდიდრებას,
3. 3) ინდივიდუალური და კოლექტიური აღქმაში ნაწარმოების მხატვრული გამოსახულების ისტორიული დინამიკის შესწავლა.

პირველ შემთხვევაში, ჩვენ ვმუშაობთ ნაწარმოებთან, როგორც შინაგან ღირებულებასთან - „ტექსტთან“; მეორეში, ჩვენ განვიხილავთ ტექსტს კონტექსტში, ვადგენთ მხატვრულ გამოსახულებაში გარეგანი იმპულსების გავლენის კვალს, მესამეში ვსწავლობთ ცვლილებებს მხატვრულ გამოსახულებაში იმისდა მიხედვით, თუ როგორ იცვლება მისი აღქმა სხვადასხვა ეპოქაში.

თითოეული ხელოვნების ნიმუში თავისი ორიგინალურობიდან გამომდინარე კარნახობს თავის გზას, საკუთარ ლოგიკას, ანალიზის თავის მეთოდებს.

მიუხედავად ამისა, მსურს თქვენი ყურადღება გავამახვილო ხელოვნების ნაწარმოებთან პრაქტიკული ანალიტიკური მუშაობის რამდენიმე ზოგად პრინციპზე და რამდენიმე რჩევა მივცე.

"ევრიკა!" (ანალიზის ინტრიგა). პირველი და რაც მთავარია: თავად მხატვრული ნაწარმოები გვთავაზობს, თუ რა გზით შეიძლება შეაღწიოს მხატვრული გამოსახულების მნიშვნელობის სიღრმეში. არის ერთგვარი „მინიშნება“, რომელიც იპყრობს ცნობიერებას მოულოდნელად გაჩენილი კითხვით. მასზე პასუხის პოვნა - იქნება ეს შიდა მონოლოგში, თუ თანამშრომლებთან თუ სტუდენტებთან ურთიერთობაში - ხშირად იწვევს გამჭრიახობას (ევრიკა!). ამიტომ ამ ტიპის საუბრებს - თქვენ უნდა ისწავლოთ მათი წარმართვა ჯგუფთან ერთად - ეწოდება ევრისტიკული. მუზეუმში ან არქიტექტურულ გარემოში ანალიტიკური სამუშაოები, როგორც წესი, იწყება ასეთი კითხვებით – მხატვრულ „ტექსტში“ ჩადებული ინფორმაციის „გაშიფვრით“.

კითხვის დასმა ხშირად ბევრად უფრო რთულია, ვიდრე პასუხის პოვნა.

- რატომ აქვს ალექსანდრე ივანოვის "შიშველ ბიჭს" ასეთი ტრაგიკული სახე?

- რატომ არის იგივე ივანოვის ნახატში „მესიის გამოჩენა“ დამბლა აწეული ახალგაზრდა მამაკაცის ფიგურა ქრისტეს სამოსში გამოწყობილი?

- რატომ არის ხატის ყუთი ცარიელი კ.ს.-ს სურათზე? პეტროვ-ვოდკინის 1915 წლის „დედა“?

- რატომ P.D. ფედოტოვი ნახატის "მაიორის მაჭანკლობა" მეორე ვერსიაში შლის ჭაღს - დეტალს, რომელსაც ამდენი ხანი ეძებდა?

— რატომ შ.ი.-ის სკულპტურულ ბიუსტში. მახელსონი, შუბინის მიერ, მარმარილო გაპრიალებულია მდიდარ სიპრიალამდე, ხოლო უმეტეს შემთხვევაში მის საკუთარ პორტრეტებში სახეების „კანი“ მქრქალია?

ბევრი ასეთი კითხვა შეიძლება გავიხსენოთ, ყველა მათგანი არის თითოეული ადამიანის თანდაყოლილი უნიკალური, პირადი ხედვის მტკიცებულება. აქ მიზანმიმართულად არ გავცემ პასუხებს - შეეცადეთ თავად იპოვოთ ისინი.

ხელოვნების ნაწარმოებთან ანალიტიკურ ნამუშევარში დაგეხმარებათ არა მხოლოდ მისი ახალი თვალით დანახვის, უშუალოდ აღქმის უნარი, არამედ აბსტრაქციის უნარი, აღქმის გარკვეული მომენტების იზოლირება და ფორმისა და შინაარსის ელემენტები. .

თუ პლასტიკურ ხელოვნებაზეა საუბარი, ეს არის კომპოზიცია, დიაგრამები, ანალიტიკური ჩანახატები, კოლორისტული „განლაგება“, სივრცითი კონსტრუქციის ანალიზი, აქსესუარების „თამაში“ და ა.შ. ეს ყველაფერი და სხვა საშუალებები შეიძლება გამოყენებულ იქნას სამუშაოში. მაგრამ ერთი რამ უნდა გვახსოვდეს: ნებისმიერი ანალიტიკური ტექნიკა, უპირველეს ყოვლისა, არის ფორმის ელემენტების ინტერპრეტაციისა და მათი გაგების საშუალება. გაზომეთ, დახაზეთ, დახაზეთ დიაგრამები, მაგრამ არა თავად ამ დიაგრამების გულისთვის, არამედ მათი მნიშვნელობის გაგების სახელით, რადგან ჭეშმარიტად მხატვრულ გამოსახულებაში არ არის „სიცარიელეები“ - თავად მასალა, ზომა და ფორმატი. , ტექსტურამდე, ანუ ობიექტის ხელოვნების ზედაპირი სავსეა მნიშვნელობით. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, ჩვენ ვსაუბრობთ ხელოვნების ენაზე.

მიუხედავად ორიგინალურობისა და უნიკალურობისა, ხელოვნების ნიმუშები ტიპოლოგიას ექვემდებარება; ისინი შეიძლება დაჯგუფდეს, ბუნებრივია, უპირველეს ყოვლისა ხელოვნების ტიპების მიხედვით.

ტიპოლოგიზაციის პრობლემა თქვენთვის იქნება შესწავლის საგანი ხელოვნების თეორიისა და ესთეტიკის კურსებზე და ტრენინგის დასაწყისში გვინდა გავამახვილოთ ყურადღება მის იმ ასპექტებზე, რომლებიც მნიშვნელოვან როლს თამაშობენ ანალიზში, განსაკუთრებით ინტერპრეტაციაში. ხელოვნების. გარდა ამისა, ჩვენ ვიღებთ შესაძლებლობას დავაზუსტოთ ფუნდამენტური ცნებების მნიშვნელობა (ამ ნაშრომის მნიშვნელობა ზემოთ აღინიშნა).

Ისე, ხელოვნების ნიმუში შეიძლება მიეკუთვნებოდეს ერთ-ერთ ტიპს, რომლებიც იყოფა: ერთკომპონენტიან (მონოსტრუქტურულ), სინთეტიკურ და ტექნიკურად.

• ერთკომპონენტიანი - ფერწერა, გრაფიკა, ქანდაკება, არქიტექტურა, ლიტერატურა, მუსიკა, დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნება.
• სინთეზური - თეატრალური და გასართობი ხელოვნება.
• ტექნიკური - კინო, ტელევიზია, კომპიუტერული გრაფიკა.

თავის მხრივ, ერთკომპონენტიანი ხელოვნება იყოფა:

• სივრცითი (არქიტექტურა, ფერწერა, გრაფიკა, დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნება)
• დროებითი (ლიტერატურა, მუსიკა),

ასევე სახვითი (ფერწერა, გრაფიკა, ქანდაკება) და არასახვითი (არქიტექტურა, ხელოვნება და ხელოსნობა, ლიტერატურა, მუსიკა).

ვინაიდან ხელოვნების კლასიფიკაციაში სხვადასხვა თვალსაზრისი არსებობს და რადგან ყველა ეს განსაზღვრება არა აბსოლუტური, არამედ ფარდობითია, ჩვენ დავაკონკრეტებთ მათ და პირველ რიგში - ძალიან მოკლედ - შევეხებით ხელოვნებაში სივრცისა და დროის პრობლემას. რადგან ის არც ისე მარტივია, როგორც ერთი შეხედვით ჩანს და ძალიან მნიშვნელოვანია ნაწარმოების გაანალიზებისას.

უპირველეს ყოვლისა, აღვნიშნავთ, რომ ხელოვნების დაყოფა სივრცით და დროებით არის ძალიან თვითნებური და ეფუძნება ნაწარმოების არსებობის თავისებურებებს: სივრცითი ხელოვნების მატერიალური მატარებლები არიან ჭეშმარიტად ობიექტური, იკავებენ ადგილს სივრცეში და მხოლოდ ასაკი და კოლაფსი. დროზე. მაგრამ მუსიკალური და ლიტერატურული ნაწარმოებების მატერიალური მატარებლები სივრცეშიც იკავებენ ადგილს (ფურცლები, ჩანაწერები, კასეტები და ბოლოს შემსრულებლები და მათი ინსტრუმენტები; ხელნაწერები, წიგნები, ჟურნალები). თუ ვსაუბრობთ მხატვრულ გამოსახულებებზე, მაშინ ისინი „იკავებენ“ გარკვეულ სულიერ სივრცეს და ყველა ხელოვნებაში ისინი დროთა განმავლობაში ვითარდებიან.

ამიტომ, შევეცდებით, ამ კატეგორიების, როგორც კლასიფიკაციის არსებობის აღნიშვნისას, მათზე ვისაუბროთ ანალიტიკური პოზიციებიდან, რომლებიც ჩვენთვის - ამ შემთხვევაში - უფრო მნიშვნელოვანია.

ზემოთ აღვნიშნეთ, რომ ხელოვნების ყოველი ნაწარმოები, როგორც მატერიალურ-იდეალური ფენომენი, არსებობს სივრცესა და დროში და მისი მატერიალური საფუძველი ამა თუ იმ გზით, უპირველეს ყოვლისა, სივრცეს უკავშირდება, ხოლო იდეალურ საფუძველს დროს.

თუმცა, ხელოვნების ნიმუში ეხება სივრცეს სხვა ასპექტებშიც. ბუნებრივ სივრცეს და მის გამოცდილებას ადამიანის მიერ უზარმაზარი გავლენა აქვს მხატვრულ გამოსახულებაზე, რაც, მაგალითად, ფერწერასა და გრაფიკაში წარმოშობს სივრცითი კონსტრუქციების სხვადასხვა სისტემებს, განსაზღვრავს არქიტექტურაში სივრცითი პრობლემების გადაჭრის თავისებურებებს და სივრცის ასახვას ლიტერატურაში. . ყველა ხელოვნებაში გამოიყოფა „ნივთის სივრცე“, „ადამიანის სივრცე“, „საზოგადოების სივრცე“, ბუნებრივი - მიწიერი და კოსმიური - სივრცე და ბოლოს უმაღლესი სულიერი რეალობის სივრცე - აბსოლუტი, ღმერთო.

იცვლება სამყაროს ხედვა, რასაც მოსდევს მხატვრული აზროვნების სისტემა; ეს მოძრაობა ძველი სისტემიდან ახალში ხასიათდება სივრცითი კონცეფციის ცვლილებებით. ამრიგად, ყურადღების ცენტრის გადატანა უმაღლესი სულიერი რეალობიდან - ღმერთი, ზეციური სამყარო მე-17 საუკუნეში ადამიანზე მე-17 საუკუნის რუსულ ხელოვნებაში, თითქოს ავიწროებდა მხატვრის ჰორიზონტს და საპირისპირო პერსპექტივის უსასრულობა შეიცვალა. პირდაპირის შეზღუდვები.

დროც მოქნილი და მრავალმხრივია.

ეს არის მასალის მატარებლის რეალური დრო, როდესაც ნოტები ყვითლდება, ფილმები დემაგნიტიზებულია, ზეთიანი დაფები შავდება და მხატვრული გამოსახულების დრო, რომელიც უსასრულოდ ვითარდება, თითქმის უკვდავია. ეს არის ასევე ილუზორული დრო, რომელიც არსებობს მხატვრული გამოსახულების შიგნით, დრო, რომელშიც ცხოვრობს გამოსახული ნივთი და პიროვნება, საზოგადოება და მთლიანად კაცობრიობა. ეს არის ნაწარმოების შექმნის დრო, ისტორიული ეპოქა და ცხოვრების პერიოდი, ბოლოს და ბოლოს, ავტორის ხანა, ეს არის მოქმედების ხანგრძლივობა და „პაუზების“ დრო - შესვენებები გამოსახულ ეპიზოდებს შორის. დაბოლოს, ეს არის აღქმისთვის მომზადების დრო, აღქმა ნაწარმოებთან შეხებაში, აღქმული მხატვრული გამოსახულების განცდა და გაგება.

თითოეულ ხელოვნებაში სივრცე და დრო განსხვავებულად არის გამოსახული და ეს განხილულია მომდევნო თავებში, რომელთაგან თითოეული ეძღვნება ხელოვნების განსაკუთრებულ ტიპს მხატვრული გამოსახულების თანდაყოლილი სტრუქტურით.

შემთხვევითი არ არის, რომ მე დავწერე "ჩვენებული" და არა "გამოსახული", რადგან ჩვენ უნდა გამოვყოთ ეს ცნებები.

ჩვენება ნიშნავს რეალობის ფენომენის ფიგურალური ეკვივალენტის პოვნას, მხატვრული გამოსახულების ქსოვილში ჩაქსოვას, ნივთის ვიზუალური - ხილული, ვერბალური - ვერბალური ან ბგერითი - სმენითი ანალოგის შექმნას. ხელოვნება იყოფა, როგორც ზემოთ აღვნიშნეთ, ფიგურულ და არაფიგურად, არა იმიტომ, რომ მუსიკაში შეუძლებელია გამოსახული იყოს, მაგალითად, მატარებლის ხმაური ან მამლის ტირილი (ან თუნდაც მთელი ფრინველის ეზო), არამედ. ლიტერატურაში შეუძლებელია თითქმის ნებისმიერი ხილული ან გასაგონი ობიექტის აღწერა. ეს შესაძლებელია მუსიკაშიც და ლიტერატურაშიც: პირველ შემთხვევაში საქმე გვაქვს ონომატოპეასთან, მეორეში - აღწერასთან. უფრო მეტიც, ნიჭიერ ავტორს, რომელსაც ღრმად აქვს შეხება ფერწერის, ქანდაკების ან მუსიკის ნაწარმოებთან, შეუძლია ისეთი სიტყვების პოვნა, რომ მისი აღწერა გახდება ნატიფი ან მუსიკალური ნაწარმოების სრულფასოვანი და მაღალმხატვრული ვერბალური (ვერბალური) ანალოგი. ხელოვნება.

არქიტექტურული ნამუშევრები (რომ აღარაფერი ვთქვათ მათ ნაწილებზე: ეგვიპტური ტაძრების ლოტოსის ფორმის სვეტები, კორები, ატლასები, რელიეფი და სხვა დეკორატიული სკულპტურული ელემენტები) ასევე შეიძლება იყოს გამოსახულება: მაგალითად, 1930-იან წლებში საბჭოთა კავშირში მოდური იყო სახლების აშენება. მანქანების ან სხვა ნივთების ფორმა. ლენინგრადში სკოლაც კი ააგეს ნამგალისა და ჩაქუჩის სახით, თუმცა ეს მხოლოდ ჩიტის თვალით ჩანს. და სხვადასხვა ჭურჭელი ჩიტების, თევზის, ადამიანის ფიგურების და ა.შ არაფიგურულ - დეკორატიულ და გამოყენებით ხელოვნებაში!

ამის საპირისპიროდ, სახვითი ხელოვნების ნიმუშები ხშირად „არაფერს წარმოადგენენ“, როგორიცაა აბსტრაქტული ფერწერა და ქანდაკება.

ასე რომ, ეს კლასიფიკაციის ფუნქცია შედარებითი აღმოჩნდება. და მაინც ის არსებობს: არის ვიზუალურად, ანუ ვიზუალურად აღქმული „სახვითი ხელოვნება“, რომელიც ეფუძნება მსოფლიო ფენომენების გამოსახულებას და არავიზუალური, ვერბალური და მუსიკალური.

ხელოვნება ყოველთვის პირობითია და არ შეუძლია (რომ აღარაფერი ვთქვათ იმაზე, რომ არ უნდა) შექმნას ცოცხალი ცხოვრების ამა თუ იმ ფენომენის სრული მსგავსება. ხელოვანი არ აორმაგებს არსებულ რეალობას, ის ქმნის სამყაროს თუ მისი ელემენტების მხატვრულ და წარმოსახვით მოდელებს, ამარტივებს და გარდაქმნის მათ. ფერწერასაც კი, ხელოვნებათა ყველაზე „ილუზიურს“, რომელსაც, როგორც ჩანს, შეუძლია ტილოზე აღბეჭდოს და გადმოსცეს მსოფლიოს მრავალფეროვნების მთელი სიმდიდრე, აქვს ჯიშის მიბაძვის უკიდურესად შეზღუდული შესაძლებლობები.

მე ნამდვილად მიყვარს CS. პეტროვა-ვოდკინა. ერთ-ერთ გამოფენაზე, მისი "ჩვენი ლედი - ბოროტი გულების სინაზე" - სუფთა ალისფერი, ლურჯი და ოქროს ბზინვარება - განთავსდა რუსეთის მუზეუმის დარბაზში ფანჯრის გვერდით კედელზე.

მრავალი წლის განმავლობაში ნახატი დამალული იყო საცავში და ახლა, როდესაც ის დარბაზში იყო, შეიძლება დაჯდომა და მისი ნახვა, როგორც ჩანს, სამუდამოდ. ფონი ბრწყინავდა ზეციური სიღრმის კოსმიურად ღრმა, გამჭოლი სუფთა შუქით, რომელიც ალისფერი მაფორიუმთან ერთად ჩრდილავდა ღვთისმშობლის მშვენიერ თვინიერ სახეს...

დიდხანს ვიჯექი, გარეთ ბნელოდა, ზამთრის საღამო ფანჯარაში ანათებდა - და რა შოკი იყო ჩემთვის სანქტ-პეტერბურგის ზამთრის მოკრძალებული ბინდის წყნარი ბზინვარება ფანჯარაში - ისინი ლურჯების გვერდით იყურებოდნენ. პეტროვ-ვოდკინის ნახატი, როგორც მბზინავი საფირონი ლურჯი ქაღალდის გვერდით, რომელსაც ასანთის კოლოფებზე აკრავენ. სწორედ მაშინ მქონდა საშუალება, არა გამეგო, არამედ მენახა და მეგრძნო, რამდენად შეზღუდულია ხელოვნების შესაძლებლობები ცხოვრების მიბაძვაში, თუ მას გულუბრყვილო მაყურებლის საყვარელი კრიტერიუმიდან გამომდინარე ვიმსჯელებთ: გამოსახულება მსგავსია თუ არა მსგავსი. ორიგინალს. და მისი სიძლიერე არ მდგომარეობს იმაში, რომ ცხოვრებისეული ფენომენების რაც შეიძლება მჭიდროდ, უკიდურესად მიამიტური გზით რეპროდუცირება.

მხატვრული გამოსახულება არ არის ცხოვრების უბრალო გამეორება და მისი ჭეშმარიტება - ვერბალური თუ ვიზუალური - სულაც არ არის მთავარი ხარისხი. ხელოვნება სამყაროს დაუფლების ერთ-ერთი გზაა: მისი ცოდნა, შეფასება, ადამიანის მიერ გარდაქმნა. და ყოველ ჯერზე მხატვრულ გამოსახულებაში - განსხვავებულად სხვადასხვა ტიპის ხელოვნებაში და სხვადასხვა მხატვრულ სისტემაში - არის კორელაცია ფენომენს (რაც აღიქმება ადამიანის გრძნობებით, მას ავლენს) და არსს (ფენომენის არსს, მისი არსებითი თვისებების მთლიანობა), რომლის გამოსახვაც აღიარებულია ხელოვნებაში.

მხატვრული აზროვნების თითოეული სისტემა აყალიბებს არსის შემეცნების საკუთარ მეთოდს – შემოქმედებით მეთოდს. სკოლაში თქვენ უკვე გაეცანით ევროპულ შემოქმედებით მეთოდებს, როგორიცაა ბაროკო, კლასიციზმი, სენტიმენტალიზმი, რომანტიზმი, რეალიზმი, სიმბოლიზმი, მოდერნიზმი, სოციალისტური რეალიზმი, სიურრეალიზმი და ა.შ. ადამიანისა და მთლიანად სამყაროს და მათი ინდივიდუალური თვისებების გაგება, დაფასება, ტრანსფორმაცია. დაიმახსოვრე, როგორ „გროვდება“ ცოდნა ადამიანის შესახებ: ბაროკო სწავლობს და ასახავს მშფოთვარე, აღვირახსნილ ადამიანურ გრძნობებს; კლასიციზმი არის მისი გაწონასწორებული გონება, რომელიც ზომავს ყველაფერს; სენტიმენტალიზმი ამტკიცებს ადამიანის უფლებას კონფიდენციალურობისა და ამაღლებული, მაგრამ წმინდა პირადი გრძნობების შესახებ; რომანტიზმი - პიროვნების თავისუფალი განვითარების სილამაზე "კარგისთვის თუ ცუდისთვის", მისი გამოვლინება სამყაროს "საბედისწერო მომენტებში"; რეალიზმი ასახავს ადამიანის ჩამოყალიბებისა და ცხოვრების სოციალურ საფუძვლებს; სიმბოლიზმი კვლავ მიდის ადამიანის სულის იდუმალ სიღრმეებში, სიურრეალიზმი კი ცდილობს შეაღწიოს ქვეცნობიერის სიღრმეში და ა.შ. ასე რომ, თითოეულ დასახელებულ შემოქმედებით სისტემას აქვს გამოსახვის საკუთარი საგანი, იზოლირებული ერთ ობიექტში - პიროვნებაში. და მისი ფუნქციები: იდეალის დადასტურება, შესწავლა, ექსპოზიცია და ა.შ.

ამის შესაბამისად, ასევე შემუშავებულია ობიექტის გარდაქმნის მეთოდი, რაც შესაძლებელს ხდის გამოავლინოს მისი რეალური შინაარსი: ეს არის ობიექტის იდეალიზაცია - ტრანსფორმაცია, "არასრულყოფილი რეალობის მხატვრული გათავისუფლება მისი არასრულყოფილებისგან", ასიმილაცია მის იდეალთან. (მოკლე ფილოსოფიური ენციკლოპედია. მ., 1994) ისეთ მეთოდებში, როგორიცაა ბაროკო, კლასიციზმი, რომანტიზმი, რომლებიც ერთმანეთისგან იმით განსხვავდება, რომ თავად იდეალი სხვაგვარად არის გაგებული; ეს არის რეალიზმისთვის დამახასიათებელი ტიპიფიკაცია და სიმბოლიზაცია, რომელსაც კაცობრიობა იყენებდა სამყაროს მხატვრული ძიების სხვადასხვა ეტაპზე.

განზოგადების ძალიან მაღალ დონეზე შევხედოთ ხელოვნების განვითარების ისტორიას, შეგვიძლია ვთქვათ, რომ იგი ვითარდება სამყაროს მხატვრული და ფიგურალური მოდელირების ორ პოლუსს შორის: მისი შექმნის სურვილიდან ზღვრამდე, ილუზიამდე. სარწმუნო რეპროდუქცია მაქსიმალურ განზოგადებამდე. ეს ორი მეთოდი შეიძლება იყოს დაკავშირებული ტვინის ორი ნახევარსფეროს მუშაობასთან: მარცხენა ანალიტიკური, ფენომენის ნაწილებად დაყოფა მისი ცოდნის სახელით, და მარჯვენა - განზოგადება, წარმოსახვითი, ქმნის ჰოლისტურ გამოსახულებებს (არ არის აუცილებელი მხატვრული) იგივე მიზანი.

დედამიწაზე არის ზონები, რომლებშიც ერთ-ერთი ნახევარსფეროს განვითარებაში შესამჩნევი უპირატესობის მქონე ადამიანები ჭარბობენ. შეიძლება, რა თქმა უნდა, ძალიან პირობითად ითქვას, რომ ცნებები "აღმოსავლეთი", "აღმოსავლეთის კაცი" ასოცირდება მარჯვენა ნახევარსფეროსთან - წარმოსახვითი (წარმოსახვითი) აზროვნებით, ხოლო "დასავლეთი", "დასავლეთის კაცი" მარცხენა ნახევარსფერო, ანალიტიკური, მეცნიერული.

აქ კი თვალსაჩინო პარადოქსის წინაშე ვდგავართ.

გავიხსენოთ: მარცხენა ნახევარსფერო ზედამხედველობს აბსტრაქტულ-ლოგიკურ, ვერბალურ, ანალიტიკურ აზროვნებას; მარჯვენა - კონკრეტული, ხატოვანი, არავერბალური, განმაზოგადებელი.

ერთი შეხედვით, ადვილია იმის დადგენა, თუ რა არის უფრო სპეციფიკური: პორტრეტი, რომელიც გადმოსცემს გარკვეული ადამიანის გარეგნობას და ხასიათს, ან, ვთქვათ, პატარა კაცის შუქნიშანზე - პიროვნების უკიდურესად განზოგადებული აღნიშვნა, ყურძნის მტევანი. დახატული ჰოლანდიური ნატურმორტი, ან გაუთავებელი ვაზი აღმოსავლურ ორნამენტში, რომელიც შედგება სხვადასხვა სახის ჩვეულებრივი ელემენტების ფოთლებისა და ყურძნისგან, მოყვანილი ორნამენტაციის დონემდე.

პასუხი აშკარაა: მიამიტური გამოსახულებები - პორტრეტები, ნატურმორტები - კონკრეტულია, ორნამენტული განზოგადება უფრო აბსტრაქტული. პირველ შემთხვევაში საჭიროა ცნებები „ეს ადამიანი“, „ეს თაიგული“, მეორე შემთხვევაში საკმარისია „კაცი“, „თაიგული“.

გარკვეულწილად რთულია იმის გაგება, რომ პორტრეტები და ნატურმორტები, როგორც მხატვრული გამოსახულებები, ამავე დროს უფრო ანალიტიკურია - "მარცხენა ნახევარსფერო" - ვიდრე ორნამენტის ელემენტები. სინამდვილეში, წარმოიდგინეთ, რამდენი სიტყვა იქნება საჭირო პორტრეტის აღსაწერად - ამ სურათის სიტყვიერი „თარგმანი“ საკმაოდ გრძელი და მეტ-ნაკლებად მოსაწყენი იქნება, ხოლო ორნამენტში ვაზი განისაზღვრება ერთი, მაქსიმუმ სამი სიტყვით: ცოცვის ვაზის ორნამენტი. მაგრამ, ცხოვრებიდან ვაზის დახატვის შემდეგ, ორნამენტის ავტორმა გაიმეორა ეს სურათი არაერთხელ, მიაღწია საბოლოო განზოგადებას, რაც საშუალებას აძლევდა მიაღწიოს სიმბოლოს დონეს, რომელიც შეიცავს არა ერთ, არამედ ბევრ მნიშვნელობას.

თუ გსურთ გაიგოთ მეტი ვიზუალური გამოსახულების შექმნის დასავლური ანალიტიკური (მიმიტური, იმიტაციური) და აღმოსავლური განზოგადებული (ორნამენტული) მეთოდების შესახებ, წაიკითხეთ შესანიშნავი წიგნი L.A. ლელეკოვი "ძველი რუსეთისა და აღმოსავლეთის ხელოვნება" (მოსკოვი, 1978). მხატვრული და ფიგურალური აზროვნების ორ სისტემაზე საუბრისას ავტორი ერთმანეთს უპირისპირებს განცხადებების ორ სერიას.

პირველი ეკუთვნის სოკრატეს: „მხატვრობა არის გამოსახულება იმისა, რასაც ჩვენ ვხედავთ“.

მეორე არის ბუდას: „მხატვარმა მოამზადა საღებავები, რათა შეექმნა ისეთი სურათი, რომელიც ფერად არ ჩანს“.

უძველესი ლეგენდა ორ გამოცდილი მხატვრის - ზეუკსისისა და პარჰასიუსის შეჯიბრის შესახებ - მოგვითხრობს, თუ როგორ დახატა ერთ-ერთმა მათგანმა ყურძნის რტო და როგორ მიფრინავდნენ ჩიტები ამ ნახატზე, რომ გამოსახული კენკრა აკრიფონ - იმდენად დიდი იყო ილუზია, რომ სიცოცხლე ავსებდა მას. მეორემ ძმის თვალი მოატყუა ტილოზე იმ ფარდის გამოსახვით, რომლითაც თითქოს ნახატი იყო დაფარული, ისეთი ოსტატობით, რომ სთხოვა სწრაფად დაეწია უკან. ილუზიის შექმნა - ხილულის იმიტაცია - იყო უმაღლესი მიზანი თითოეული მეტოქესთვის.

ბუდა სულ სხვა მიზანზე საუბრობს: საღებავებით დახატული ხილული გამოსახულება მხოლოდ ადამიანის სულში დაბადებული გამოსახულების მატარებელია. ქრისტიანი ფილოსოფოსი იოანე დამასკელი ეხმიანება ბუდას: „ყოველი გამოსახულება არის გამოცხადება და დამალულის დემონსტრირება“.

ფაქტობრივად, ვაზი, რომელიც ამშვენებს კანკელის სვეტებს, არის სიცოცხლისა და ნაყოფიერების სიმბოლო, ედემის ბაღი (ქრისტეს სიწმინდე), მარადისობის სიმბოლო.

ასე წერს L.A. ლელეკოვი კიდევ ერთი ორნამენტის შესახებ: ხილისა და ყვავილის მონაცვლეობა, რომელიც ძალიან გავრცელებულია აღმოსავლეთის ორნამენტებში, აღნიშნავს „მიზეზისა და შედეგის ერთიანობის და ყოფიერების მარადისობის ცნებებს, შექმნის თემას და სიცოცხლის მუდმივ განახლებას. წარსულისა და მომავლის ურთიერთობა, დაპირისპირებათა შეჯახება“ (იქვე გვ. 39).

მაგრამ როგორც გამოკვეთილი „მარცხენა ნახევარსფეროს“ შედარებით მცირე ჯგუფს - მეცნიერებსა და „მარჯვენა ნახევარსფეროებს“ - მხატვრებს შორის, ჭარბობს გარდამავალი ტიპების რაოდენობა, ასევე ნატურალისტურს შორის - თავისთავად ტოლი, თავისთავად ღირებული და არ გააჩნია. ფარული მნიშვნელობები, გარეგნობის (ფენომენის) მოჩვენებითი სურათი და მრავალი მნიშვნელობის შემცველი სუფთა ორნამენტი დევს შერეული ტიპის გამოსახულებების მიერ დაკავებულ ვრცელ სივრცეში - მათზე ზემოთ ვისაუბრეთ.

მათ შორის ყველაზე ჰარმონიული ალბათ რეალისტური გამოსახულებაა, როდესაც მხატვარი ცდილობს განასახიეროს ფენომენის არსი, განასახიეროს ხილული. დიახ, ალ. ივანოვმა, აღმოაჩინა პლეინ ჰაერის კანონები და შეიმუშავა მეთოდი ადამიანის შინაგანი თვისებებისა და თვისებების განსახიერებაში მის გარეგნობაში, შეავსო მისი შემოქმედება ღრმა სიმბოლური მნიშვნელობით.

მე-20 საუკუნის აბსტრაქციონისტი მხატვრები, დემატერიალიზებულნი, ავრცელებდნენ თავიანთ ნახატებს, უარს ამბობდნენ ტილოზე „მეორე“, ილუზორული რეალობის შექმნაზე, მიმართავდნენ ადამიანის ზეცნობიერების სფეროს, ცდილობდნენ გამოსახულების დაფიქსირებას მის პირველყოფილ მდგომარეობაში, სიღრმეში. ადამიანის სული, ან, პირიქით, ააშენა იგი.

ამიტომ, ანალიზის დროს, თქვენ მოგიწევთ, პირველ რიგში წამოჭრილი კითხვის ინტრიგის შემდეგ, დაფიქრდეთ იმაზე, თუ რა არის ნაწარმოების მხატვრული გამოსახულების „სივრცე-დროის კონტინუუმი“, გამოსახულების საგანი, მეთოდი და საშუალებები. ობიექტის გარდაქმნა. და კიდევ ერთი მნიშვნელოვანი კითხვა ჩნდება თქვენს წინაშე: რა არის ელემენტარული კომპოზიცია და კავშირი - მხატვრული გამოსახულების სტრუქტურა.

ნაწარმოების მხატვრული გამოსახულება არის მთლიანობა, და როგორ შეიძლება წარმოიდგინოს ნებისმიერი მთლიანობა, აღწერილი, როგორც სისტემა, რომელიც შედგება ელემენტებისაგან (რომლებიც, თავის მხრივ, ასევე განუყოფელია და შეიძლება წარმოდგენილი იყოს როგორც სისტემა) და მათი კავშირები ერთმანეთთან. სტრუქტურა და ელემენტების საკმარისი რაოდენობა უზრუნველყოფს მხატვრული გამოსახულების ფუნქციონირებას, როგორც მთლიანობას, ისევე როგორც საჭირო ნაწილების არსებობა და მათი სწორი შეკრება - კავშირი, სტრუქტურა - უზრუნველყოფს მაღვიძარას პროგრესს და დროულად რეკვას.

რა შეიძლება დაინიშნოს მხატვრული გამოსახულების ელემენტებად? რითმა, ჰარმონია, ფერი, მოცულობა და ა.შ.? ეს არის ფორმის ელემენტები. გამოსახულების საგანი, ობიექტი, არსი, ფენომენი? ეს არის შინაარსის ელემენტები. ლოგიკურად მსჯელობისას, ცხადია, უნდა ვაღიაროთ, რომ ნაწარმოების მხატვრული გამოსახულების ელემენტები ასევე გამოსახულებებია: ადამიანის მთელ დიაპაზონში პეტროგლიფების უმარტივესი ხატოვანი გამოსახულებადან ფსიქოლოგიურ პორტრეტამდე; მატერიალურ-ობიექტური სამყარო ადამიანის მიერ შექმნილი ნივთების უთვალავი მრავალფეროვნებით, რომელთა მთლიანობას ხშირად ცივილიზაციას ან „მეორე ბუნებას“ უწოდებენ; სოციალური კავშირები, ოჯახიდან უნივერსალურამდე; ბუნება, რომელიც არ არის შექმნილი ადამიანის ხელით, ყველა მისი გამოვლინებითა და ფორმით: ცხოველთა ცხოველური სამყარო, უსულო სამყარო - ახლომდებარე, პლანეტარული და კოსმოსური; და ბოლოს, ის უმაღლესი სულიერი წესრიგი, რომელიც არის ყველა მხატვრულ სისტემაში და რომელსაც სხვადასხვა ეპოქის ბრძენები სხვანაირად უწოდებენ: უმაღლესი გონება, აბსოლუტი, ღმერთი.

თითოეული ეს სურათი განსხვავებულად არის რეალიზებული სხვადასხვა ხელოვნებაში და აქვს ზესპეციფიკური, ზოგადი ხასიათი.

მხატვრულ ნაწარმოებში კონკრეტიკის მოპოვებით, ასეთი სურათი შეიძლება შევიდეს როგორც კომპონენტი უფრო რთული მთლიანობის სისტემაში (მაგალითად, ბუნების გამოსახულებებს მნიშვნელოვანი ადგილი უჭირავს ტურგენევის რომანებში და რიმსკი-კორსაკოვის ოპერებში. და რეპინის ნახატებში). ერთ-ერთმა სურათმა შეიძლება დაიკავოს ცენტრალური ადგილი, დაუქვემდებაროს სხვებს (ეს არის სახვითი ხელოვნების მონოსტრუქტურული ჟანრები - პორტრეტები, პეიზაჟები და ა. მაგალითად, ვ.ა. სეროვის „პეტრიადა“) მე ისეთ გიგანტურ წარმონაქმნებზე, როგორიცაა „ლენინიანა“ საბჭოთა ხელოვნებაში.

ასე რომ, ნაწარმოების ანალიზის პროცესში შესაძლებელია ფიგურული ელემენტების ამოცნობა და მათ შორის კავშირის დამყარება. ხშირად, ასეთი ნამუშევარი ხელს უწყობს ავტორის ზრახვების უფრო ღრმად გააზრებას და ნაწარმოებთან ურთიერთობისას განცდილი გრძნობების გაცნობიერებას, მხატვრული გამოსახულების უკეთ გაგებასა და ინტერპრეტაციას.

რომ შევაჯამოთ ეს მოკლე ნაწილი ხელოვნების ნიმუშის, როგორც „ტექსტის“ თვითკმარი მთლიანობის ანალიზი., აღვნიშნოთ ყველაზე მნიშვნელოვანი:

1. 1) ანალიზი არის მხოლოდ ერთ-ერთი ოპერაცია, რომელიც შედის ხელოვნების ნიმუშთან მუშაობის სისტემაში. ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი კითხვა, რომელსაც თქვენ უნდა უპასუხოთ ანალიტიკური მუშაობის პროცესში, არის შემდეგი: როგორ, რა გზით და რა საშუალებებით შეძლო მხატვარმა მიაღწიოს ზუსტად იმ შთაბეჭდილებას, რაც თქვენ განიცადეთ და გააცნობიერეთ წინასწარ ანალიტიკურ კომუნიკაციაში. მხატვრული გამოსახულება?
2. 2) ანალიზი, როგორც მთლიანობის ნაწილებად დაყოფის ოპერაცია (თუმცა ის სინთეზის ელემენტებს გულისხმობს) არ არის თვითმიზანი, არამედ მხატვრული გამოსახულების სემანტიკურ ბირთვში უფრო ღრმა შეღწევის გზა;
3. 3) ხელოვნების თითოეული ნამუშევარი უნიკალურია, განუმეორებელია, ამიტომ მეთოდურად სწორია - და მასწავლებლისთვის ძალიან მნიშვნელოვანია - იპოვოთ "ანალიზის ინტრიგა" - მთავარი კითხვა, რომელიც გამოიწვევს, განსაკუთრებით კოლექტიურ მუშაობაში, ჯაჭვს, უფრო სწორად, კითხვების სისტემა, რომლებზედაც პასუხები ვითარდება ანალიზის ჰოლისტიკური სურათის სახით;
4. 4) ხელოვნების ყოველი ნამუშევარი არის სამყაროს მხატვრული და ფიგურალური მოდელი, რომელიც ასახავს რეალურ ასპექტებს, ნაწილებს, ასპექტებს.
   სამყარო და მისი ძირითადი ელემენტები: ადამიანი, საზოგადოება, ცივილიზაცია, ბუნება, ღმერთი. ყოფის ეს ასპექტები, ნაწილები, ასპექტები ქმნიან აზრობრივ საფუძველს - გამოსახულების საგანს, რომელიც, ერთის მხრივ, უკვე ობიექტური რეალობაა, რადგან მხოლოდ მის ნაწილს შეადგენს, მეორე მხრივ კი, თავდაპირველად უფრო მდიდარია. , რადგან ატარებს ავტორის დამოკიდებულებას, მდიდრდება შემოქმედებით პროცესში, აძლევს სამყაროს შესახებ ცოდნის ზრდას ობიექტური სახით, ხელოვნების ნაწარმოებში და ბოლოს, აქტუალიზდება შემოქმედების პროცესში. ანალიტიკურ სამუშაოში თქვენ უნდა უპასუხოთ კითხვებს: რა არის გამოსახულების ობიექტი ამ ნაწარმოებში? რა არის სურათის საგანი? რა სიახლეს ვსწავლობთ სამყაროს შესახებ ნაწარმოების მხატვრული გამოსახულების ათვისებით?
5. 5) ხელოვნების თითოეული ნამუშევარი ეკუთვნის ხელოვნების ერთ-ერთ სახეობას, რომლის მიხედვითაც ყალიბდება გამოსახულების საგნის გარდაქმნის მეთოდი, მხატვრული გამოსახულების ფორმირება და ხელოვნების სპეციფიკური ენა.
6. 6) ხელოვნება მთლიანად და ინდივიდუალური ნაწარმოები, როგორც მატერიალური სამყაროს ფენომენი, არსებობს სივრცეში და დროში. ყოველი ეპოქა, თითოეული ესთეტიკური სისტემა ავითარებს დროისა და სივრცის საკუთარ მხატვრულ კონცეფციას ამ რეალობისა და მისი მიზნების გაგების შესაბამისად. ამიტომ ნაწარმოებში სივრცისა და დროის განსახიერების თავისებურებების ანალიზი აუცილებელი ანალიტიკური ოპერაციაა;
7. 7) სამყაროს მხატვრულ-ფიგურული მოდელი შეიძლება იყოს ფიგურალური (ვიზუალური) ან არაფიგურული (სმენა, ვერბალური ან ვიზუალური-კონსტრუქციული). ცხოვრების იმიტაცია (თუნდაც „ცრუ“ ილუზიის შექმნის სურვილამდე) ან, პირიქით, გამოსახულების სრული „დისობიექტირება“, ისევე როგორც ყველა შუალედური ფორმა, თავისთავად არ არის მიზანი, ის ყოველთვის არის. მნიშვნელოვანი, ემსახურება ანალიზში გამოვლენილი მიზნების დასახვის განსახიერებას. ამ შემთხვევაში მყარდება ურთიერთობა ფენომენსა და არსს შორის, რომლის გააზრება და დაუფლება საბოლოოდ წარმოადგენს ხელოვნების ერთ-ერთ მთავარ ფუნქციას. ასე რომ, ანალიზის პროცესში აუცილებელია იმის გაგება, თუ რა ფენომენს უდევს საფუძვლად მხატვრული გამოსახულება (გამოსახულების ობიექტი), რა თვისებები, თვისებები, საგნების ასპექტები იყო დაინტერესებული მხატვრისთვის (სურათის საგანი), როგორ. , რა გზით მოხდა ობიექტის ტრანსფორმაცია და როგორია სტრუქტურა - ელემენტარული კომპოზიცია და მიღებული მხატვრული გამოსახულების სტრუქტურა. ამ კითხვებზე პასუხის გაცემით საკმაოდ კარგად შეიძლება გავიგოთ ხელოვნების ნიმუშის მნიშვნელობა, რა არის არსი, რომელიც ანათებს მხატვრული გამოსახულების ქსოვილში.

სანამ ანალიზზე და მის ადგილს მხატვრულ ნაწარმოებთან მუშაობაში დავასრულებთ საუბარს, ნება მომეცით მოგცეთ ორი რჩევა.

პირველი ეხება ანალიზის მნიშვნელობას. მიუხედავად იმისა, ესა თუ ის ნამუშევარი თქვენთვის ახლოა თუ შინაგანად უცხო, ანალიზი და ინტერპრეტაცია დაგეხმარებათ ავტორის გაგებაში და ნაწარმოებზე საუბრისას დაასაბუთოთ თქვენი შეფასება. ხელოვნებასთან ურთიერთობაში „მოწონება ან არ მომწონს“ უკეთესია სხვა ფორმულირებებით ჩანაცვლება:

"მესმის და ვიღებ" ან "მესმის, მაგრამ არ ვიღებ!" და ამავე დროს, ყოველთვის მზად იყავით თქვენი აზრის დასაბუთებისთვის.

მეორე რჩევა განსაკუთრებით გამოგადგებათ, თუ თანამედროვე ხელოვნების გამოფენაზე მოგიწევთ მუშაობა ან მის სახელოსნოში მხატვრის მონახულება.

ნებისმიერი ნორმალური ადამიანისთვის ავტორის ყოფნა შემაკავებელი ფაქტორია, ამიტომ თანამედროვე ხელოვნების გამოფენაზე ყოველთვის იმუშავეთ ისე, თითქოს ავტორი ახლოს იდგა - ეს ძალიან რეალური შესაძლებლობაა.

მაგრამ მთავარი: ერთხელ და სამუდამოდ უარი თქვით იმ აზრზე, რომ არსებობს „სწორი“ და „არასწორი“ ხელოვნება, „კარგი“ და „ცუდი“. მხატვრული ნაწარმოები ექვემდებარება შეფასებას: ბოლოს და ბოლოს, მისი შემქმნელი შეიძლება იყოს ოსტატი, ან ასევე შეიძლება იყოს მახარებელი მოყვარული, სუპერადაპტაციური ოპორტუნისტი, სპეკულანტი.

მაგრამ საგამოფენო დარბაზში არ უნდა იჩქაროთ პროკურორის როლი, ჯერ სცადოთ იმის გაგება, თუ რატომ გამოიწვია ნამუშევარმა თქვენში ასეთი გაღიზიანება მოსალოდნელი სიხარულის ნაცვლად: არის ის, რომ თქვენ ინტუიციურად იგრძნო გამოსახულების დისჰარმონია, მისი ზოგადი დესტრუქციული ძალა, მისგან გამომავალი უარყოფითი ენერგიის ტალღები, ან ის, რომ თქვენი პიროვნების მახასიათებლების გამო, თქვენ არ მოხვდით „რეზონანსში“ იმ, ფიგურალურად რომ ვთქვათ, ვიბრაციებთან, რაც გამოიწვია მხატვრულმა გამოსახულებამ.

რამდენად განსხვავებულად აღვიქვამთ ხელოვნებას - როგორც მის ელემენტებში, ისე ზოგადად - სრულიად მოულოდნელად ვიგრძენი თავი ტელეეკრანის სიახლოვეს. ...ძალიან მიყვარს კოლომენსკოე - ყაზანის ღვთისმშობლის წყნარი თეთრი ეკლესიით, ქრისტეს ამაღლების ეკლესიის წვრილი კარავით, რომელიც სწრაფად მაღლა დგას მდინარე მოსკოვზე, იოანე ნათლისმცემლის ტაძრის მოოქროვილი გუმბათებით. დიაკოვო ხევის უკან მთაზე, ხეების გროვებით, უძველესი სვეტებითა და ძვირფასი ქვებით სქელ მწვანე ბალახში. მრავალი წელია, ხელოვნების ისტორიის კურსებზე სტუდენტებს ვუყვები მე-16-17 საუკუნეების ამ შესანიშნავი შემოქმედების შესახებ. მაგრამ პატარა სეგმენტი ტელევიზიით The Travelers Club-ში ჩემთვის აღმოჩენა იყო. წინამძღვარმა აჩვენა და დაამტკიცა, რომ მეტრიკულად ჩამოყალიბებული ანსამბლი ბუნებრივ და არქიტექტურულ ფორმებში განასახიერებს სოფიას ხატის - ღვთის სიბრძნის გამოსახულებას. მე, ჩამოყალიბებული რაციონალური ცნობიერების მქონე ადამიანს, ვერასდროს შევძლებდი ამ სასწაულის ასე დანახვას. მაგრამ ახლა, რა თქმა უნდა, თავდაპირველ წყაროზე მითითებით, სტუდენტებს სხვათა შორის ამ ინტერპრეტაციას შევთავაზებ.

ლიტერატურა:

ვოლფლინი

Janson H.V., Janson E.F. ხელოვნების ისტორიის საფუძვლები - პოვნა. ნაპოვნია. გამოაქვეყნე. და გომბრიჩიც.

კონტაქტში

ძირითადი ცნებების ლექსიკონი.... 419

ხელოვნების ნაწარმოების ანალიზი

კითხვებისა და დიაგრამების ნიმუშები

არქიტექტურის ნამუშევარი

არქიტექტურის ნამუშევრების გაანალიზებისას აუცილებელია არქიტექტურის, როგორც ხელოვნების ფორმის თავისებურებების გათვალისწინება. არქიტექტურა არის ხელოვნების სახეობა, რომელიც გამოიხატება სტრუქტურის მხატვრულ ხასიათში. ამიტომ, უნდა გაანალიზდეს სტრუქტურის გარეგნობა, მასშტაბი და ფორმა.

1. შენობის რომელი ობიექტები იმსახურებს ყურადღებას?

2. რა ტექნიკითა და საშუალებებით არის გამოხატული ავტორის იდეები ამ ნაწარმოებში?

3. რა შთაბეჭდილებას ახდენს ნამუშევარი?

4. რა შეგრძნება შეიძლება განიცადოს მიმღებმა (აღმქმელმა)?

5. როგორ ეხმარება მისი მასშტაბი, ფორმატი, ნაწილების ჰორიზონტალური, ვერტიკალური ან დიაგონალური განლაგება, გარკვეული არქიტექტურული ფორმების გამოყენება და სინათლის განაწილება არქიტექტურულ ძეგლში ნაწარმოების ემოციურ შთაბეჭდილებას?

6. რას ხედავს სტუმარი ფასადის წინ დგომისას?

7. სცადეთ ახსნათ, რატომ გეჩვენებათ ეს ყველაზე მნიშვნელოვანი?

8. რა საშუალებით გამოყოფს არქიტექტორი მთავარს? აღწერეთ არქიტექტურული გამოსახულების შექმნის ძირითადი მხატვრული საშუალებები და ტექნიკა (სიმეტრია, რიტმი, პროპორციები, სინათლე და ჩრდილი და ფერის მოდელირება, მასშტაბი).

9. როგორ არის შედგენილი მოცულობები და სივრცეები არქიტექტურულ სტრუქტურაში (არქიტექტურული კომპოზიცია)?

10. აღწერეთ, ეკუთვნის თუ არა ეს ობიექტი არქიტექტურის გარკვეულ ტიპს: მოცულობითი ნაგებობები (საზოგადოებრივი: საცხოვრებელი, სამრეწველო); ლანდშაფტი (მებაღეობა ან მცირე ფორმები), ურბანული დაგეგმარება.

11. შეეცადეთ წარმოიდგინოთ, რა მოვლენები შეიძლება მოხდეს უფრო ხშირად ამ არქიტექტურულ სტრუქტურაში.

12. სიმბოლურია თუ არა ნაწარმოების კომპოზიცია და მისი ძირითადი ელემენტები: გუმბათი, თაღი, სარდაფი, კედელი, კოშკი, სიმშვიდე?

13. რა ჰქვია ნაწარმოებს? რას დაარქმევდით?

14. დაადგინეთ, ეკუთვნის თუ არა ეს ნამუშევარი კულტურულ და ისტორიულ ეპოქას, მხატვრულ სტილს ან მოძრაობას.

16. როგორ უკავშირდება ამ ნაწარმოების ფორმა და შინაარსი?

17. რა კავშირია ამ არქიტექტურული ნაგებობის გარე და შიდა იერსახეს შორის? ჯდება თუ არა ჰარმონიულად გარემოში?

18. თქვენი აზრით, რა განსახიერება იპოვა ვიტრუვიუსის ფორმულამ ამ ნაწარმოებში: სარგებელი, ძალა, სილამაზე?

19. გამოიყენება თუ არა ხელოვნების სხვა სახეობები ამ არქიტექტურული ობიექტის იერსახის შესაქმნელად? რომელი? როგორ ფიქრობთ, გამართლებულია ავტორის არჩევანი?

ფერწერის ნამუშევარი

სიუჟეტისა და ყოველდღიური ცხოვრების აღქმისგან აბსტრაქტის მიზნით, გახსოვდეთ, რომ ნახატი არ არის ფანჯარა სამყაროში, არამედ თვითმფრინავი, რომელზეც სივრცის ილუზია შეიძლება შეიქმნას ფერწერული საშუალებებით. აქედან გამომდინარე, პირველ რიგში მნიშვნელოვანია სამუშაოს ძირითადი პარამეტრების ანალიზი.

1. ნახატის ზომა (მონუმენტალური, დაზგური, მინიატურული)?

2. ნახატის ფორმატი: ჰორიზონტალურად თუ ვერტიკალურად წაგრძელებული მართკუთხედი (შესაძლოა მომრგვალებული ბოლოთი), კვადრატი, წრე (ტონდო), ოვალური?

3. რა ტექნიკით (ტემპერა, ზეთი, აკვარელი და ა.შ.) და რის საფუძველზე (ხის, ტილოს და სხვ.) შესრულდა ნახატი?

4. რა მანძილიდან არის ის ყველაზე კარგად აღქმული?

გამოსახულების ანალიზი.

5. აქვს თუ არა ფილმს სიუჟეტი? რა არის ნაჩვენები? რა გარემოშია განთავსებული გამოსახული პერსონაჟები და საგნები?

6. გამოსახულების ანალიზის საფუძველზე გამოიტანეთ დასკვნა ჟანრის შესახებ (პორტრეტი, პეიზაჟი, ნატურმორტი, შიშველი, ყოველდღიური, მითოლოგიური, რელიგიური, ისტორიული, ცხოველური).

7. როგორ ფიქრობთ, რა პრობლემას წყვეტს მხატვარი - ვიზუალური? ექსპრესიული? როგორია გამოსახულების პირობითობის ან ნატურალიზმის ხარისხი? მიდრეკილია კონვენცია იდეალიზაციისკენ თუ ექსპრესიული დამახინჯებისკენ?

კომპოზიციის ანალიზი

8. რა კომპონენტებისგან შედგება კომპოზიცია? რა კავშირია გამოსახულების საგანსა და ფონს/სივრცეს შორის ნახატის ტილოზე?

9. რამდენად ახლოს არიან სურათზე მოცემული ობიექტები?

10. ხედვის რა კუთხე აირჩია მხატვარმა - ზემოდან, ქვემოდან, გამოსახული საგნების დონეზე?

11. როგორ დგინდება მაყურებლის პოზიცია - ჩართულია თუ არა სურათზე გამოსახულთან ინტერაქციაში, თუ ენიჭება განცალკევებული ჭვრეტის როლი?

12. შეიძლება თუ არა კომპოზიციას ეწოდოს დაბალანსებული, სტატიკური ან დინამიური? თუ არის მოძრაობა, როგორ არის მიმართული?

13. როგორ არის აგებული სურათის სივრცე (ბრტყელი, განუსაზღვრელი, სივრცითი ფენა შემოღობილია, ღრმა სივრცე იქმნება)? როგორ მიიღწევა სივრცის სიღრმის ილუზია (გამოსახული ფიგურების ზომის განსხვავება, ობიექტების მოცულობის ან არქიტექტურის ჩვენება, ფერის გრადაციების გამოყენებით)?

ნახატის ანალიზი.

14. რამდენად გამოხატულია ხაზოვანი დასაწყისი სურათზე?

15. ცალკეული ობიექტების განმსაზღვრელი კონტურები ხაზგასმულია თუ გათლილი? რა საშუალებებით მიიღწევა ეს ეფექტი?

16. რამდენად არის გამოხატული საგნების მოცულობა? რა ტექნიკა ქმნის მოცულობის ილუზიას?

17. რა როლს ასრულებს სინათლე სურათზე? როგორია ის (თუნდაც, ნეიტრალური; კონტრასტული, სკულპტურული მოცულობა; მისტიკური)? იკითხება სინათლის წყარო/მიმართულება?

18. იკითხება თუ არა გამოსახული ფიგურების/საგნების სილუეტები? რამდენად გამომხატველი და ღირებულია ისინი თავისთავად?

19. რამდენად დეტალური (ან პირიქით განზოგადებული) გამოსახულებაა?

20. გადმოცემულია თუ არა გამოსახული ზედაპირების (ტყავი, ქსოვილი, ლითონი და ა.შ.) ტექსტურის მრავალფეროვნება?

ფერის ანალიზი.

21. რა როლს თამაშობს ფერი სურათში (ექვემდებარება თუ არა დიზაინს და მოცულობას, თუ პირიქით, ექვემდებარება დიზაინს და თავად აშენებს კომპოზიციას)?

22. ფერი უბრალოდ მოცულობის შეფერილობაა თუ სხვა რამე? არის ის ოპტიკურად ერთგული თუ ექსპრესიული?

23. ჩანს თუ არა ფერთა ლაქების საზღვრები? ემთხვევა თუ არა ისინი მოცულობისა და ობიექტების საზღვრებს?

24. მხატვარი ოპერირებს ფერთა დიდი მასებით თუ მცირე ლაქა-შტრიხებით?

25. როგორ იღებება თბილი და ცივი ფერები, იყენებს თუ არა მხატვარი დამატებითი ფერების კომბინაციას? რატომ აკეთებს ის ამას? როგორ არის გადმოცემული ყველაზე განათებული და დაჩრდილული ადგილები?

26. არსებობს მზერა ან რეფლექსები? როგორ იწერება ჩრდილები (ღრმა თუ გამჭვირვალე, ფერადია)? არის თუ არა დომინანტური ფერის/ფერის კომბინაცია?

სხვა ვარიანტები

1. ობიექტისადმი ავტორის ემოციური დამოკიდებულების რომელი ობიექტები (ფაქტი, მოვლენა, ფენომენი) იმსახურებს ყურადღებას?

2. დაადგინეთ ეკუთვნის თუ არა ეს ნამუშევარი ფერწერის ჟანრს (ისტორიული, პორტრეტი, ნატურმორტი, ბრძოლა, სხვა).

3. რა ხერხები და საშუალებებია გამოყენებული ამ ნაწარმოებში ავტორის იდეების გამოსახატავად?

4. რა შთაბეჭდილებას ახდენს ნამუშევარი?

7. როგორ ეხმარება გარკვეული ფერების გამოყენება ემოციურ შთაბეჭდილებას?

8. რა არის ნაჩვენები სურათზე?

9. მონიშნეთ მთავარი ნანახიდან.

10. სცადეთ ახსნათ, რატომ გეჩვენებათ ეს ყველაზე მნიშვნელოვანი?

11. რა საშუალებით გამოყოფს ხელოვანი მთავარი?

12. როგორ ხდება ფერების შედარება ნაწარმოებში (ფერთა კომპოზიცია)?

13. სცადეთ ნახატის სიუჟეტის ხელახლა მოთხრობა.

14. არის თუ არა ნაწარმოებში რაიმე ნაკვეთი, რომელიც რაიმეს სიმბოლოა?

15. რა ჰქვია ნაწარმოებს? როგორ უკავშირდება ის მის შეთქმულებასა და სიმბოლიკას?

16. სიმბოლურია თუ არა ნაწარმოების კომპოზიცია და მისი ძირითადი ელემენტები: ჰორიზონტალური, ვერტიკალური, დიაგონალური, წრე, ოვალური, ფერი, კუბი?

ქანდაკების ნამუშევარი

სკულპტურის ნამუშევრების გაანალიზებისას აუცილებელია გავითვალისწინოთ ქანდაკების, როგორც ხელოვნების ფორმის საკუთარი პარამეტრები. ქანდაკება არის ხელოვნების ფორმა, რომელშიც რეალური სამგანზომილებიანი მოცულობა ურთიერთქმედებს მის გარშემო არსებულ სამგანზომილებიან სივრცესთან. ამიტომ, უნდა გაანალიზდეს მოცულობა, სივრცე და როგორ ურთიერთქმედებენ ისინი.

1. რა შთაბეჭდილებას ახდენს ნამუშევარი?

3. როგორია სამუშაოს ხასიათი?

4. ობიექტისადმი ავტორის ემოციური დამოკიდებულების რომელი ობიექტები (ფაქტი, მოვლენა, ფენომენი) იმსახურებს ყურადღებას?

5. რა ხერხები და საშუალებებია გამოყენებული ამ ნაწარმოებში ავტორის იდეების გამოსახატავად?

6. რა ზომისაა ქანდაკება? სკულპტურის ზომა (მონუმენტური, დაზგური, მინიატურული) გავლენას ახდენს მის ინტერაქციაზე სივრცესთან.

7. რა ჟანრს განეკუთვნება ეს სკულპტურა? რისთვის იყო განკუთვნილი?

8. აღწერეთ ავტორის მიერ გამოყენებული ორიგინალური მასალა და მისი მახასიათებლები. რა მახასიათებლებს სკულპტურა ნაკარნახევია მისი მასალა (რატომ შეირჩა ეს კონკრეტული მასალა ამ ნამუშევრისთვის)? შეესაბამება თუ არა მისი თვისებები ნაწარმოების იდეას? შესაძლებელია თუ არა იგივე ნამუშევრის წარმოდგენა სხვა მასალებისგან? როგორი იქნებოდა?

9. როგორია სკულპტურული ზედაპირის ტექსტურა? ერთიანი თუ განსხვავებული სხვადასხვა ნაწილში? გლუვი ან „ჩანახატი“, ხელსაწყოების შეხების კვალი ჩანს, ბუნებრივი, ჩვეულებრივი. როგორ უკავშირდება ეს ტექსტურა მასალის თვისებებს? როგორ მოქმედებს ტექსტურა სკულპტურული ფორმის სილუეტისა და მოცულობის აღქმაზე?

10. როგორ ეხმარება მისი მასშტაბი, ფორმატი, ნაწილების ჰორიზონტალური, ვერტიკალური თუ დიაგონალური განლაგება ნაწარმოების ემოციურ შთაბეჭდილებას?

11. რა როლი აქვს ფერს ქანდაკებაში? როგორ ურთიერთქმედებენ მოცულობა და ფერი, როგორ გავლენას ახდენენ ისინი ერთმანეთზე?

12. ვის (რას) ხედავთ სკულპტურაში?

13. ნანახიდან მონიშნეთ ყველაზე მნიშვნელოვანი, განსაკუთრებით ღირებული.

14. შეეცადეთ აგიხსნათ, რატომ გეჩვენებათ ეს ყველაზე მნიშვნელოვანი, განსაკუთრებით ღირებული?

15. რა საშუალებით ხაზს უსვამს მოქანდაკე მთავარს?

16. როგორ არის განლაგებული საგნები ნაწარმოებში (საგნის კომპოზიციაში)?

17. რა სივრცეში იყო განთავსებული ნამუშევარი (ტაძარში, მოედანზე, სახლში და ა.შ.)? აღქმის რომელ პუნქტში იყო იგი განკუთვნილი (შორიდან, ქვემოდან, ახლოს)? ეს არის არქიტექტურული ან სკულპტურული ანსამბლის ნაწილი თუ დამოუკიდებელი ნამუშევარია?

18. არის თუ არა სკულპტურა შექმნილი ფიქსირებული თვალსაზრისისთვის, თუ ის სრულად ვლინდება თავს გარშემო სიარულის დროს? რამდენი დასრულებული ექსპრესიული სილუეტი აქვს მას? რა არის ისინი (დახურული, კომპაქტური, გეომეტრიულად რეგულარული თუ თვალწარმტაცი, ღია)? როგორ უკავშირდებიან ისინი ერთმანეთს?

19. რისი გაკეთება შეუძლია (ან თქვას) ამ სკულპტურამ, თუ ის „გაცოცხლდება“?

20. რა ჰქვია ნაწარმოებს? რას ნიშნავს მისი (სახელი), როგორ ფიქრობთ? როგორ უკავშირდება ის სიუჟეტსა და სიმბოლიკას?

21. როგორია მოტივის ინტერპრეტაცია (ნატურალისტური, კონვენციური, კანონით ნაკარნახევი, ქანდაკების მიერ მის არქიტექტურულ გარემოში დაკავებული ადგილით ნაკარნახევი, თუ სხვა)?

22. როგორ ფიქრობთ, რა იდეოლოგიური პოზიციების გადმოცემა სურდა ნაწარმოების ავტორს ხალხისთვის?

23. გრძნობთ თუ არა რაიმე სხვა სახის ხელოვნების გავლენას ნაწარმოებში: არქიტექტურა, ფერწერა?

24. როგორ ფიქრობთ, რატომ არის სასურველი ქანდაკების ნახვა პირდაპირ, ვიდრე ფოტოებზე ან რეპროდუქციებში? მიეცით თქვენი პასუხის მიზეზები.

დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების ნივთები

დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების ობიექტების გაანალიზებისას უნდა გვახსოვდეს, რომ ისინი უპირველეს ყოვლისა ასრულებდნენ პრაქტიკულ როლს ადამიანის ცხოვრებაში და ყოველთვის არ ასრულებენ ესთეტიკურ ფუნქციას. ამავდროულად, ობიექტის ფორმა და მისი ფუნქციური მახასიათებლები გავლენას ახდენს გამოსახულების ბუნებაზე.

1. რისთვის არის განკუთვნილი ასეთი ნივთი?

2. როგორია მისი ზომები?

3. როგორ მდებარეობს ნივთის დეკორაცია? სად მდებარეობს ფიგურული და ორნამენტული დეკორაციის ადგილები? როგორ არის დაკავშირებული სურათების განლაგება ობიექტის ფორმასთან?

4. რა სახის ორნამენტები გამოიყენება? ობიექტის რომელ ნაწილებზეა განლაგებული?

5. სად მდებარეობს ფიგურული გამოსახულებები? უფრო მეტ ადგილს იკავებს, ვიდრე ორნამენტულს, თუ ისინი უბრალოდ ერთ-ერთი ორნამენტული რეგისტრია?

6. როგორ აგებულია ფიგურული გამოსახულებებით რეგისტრი? შეგვიძლია ვთქვათ, რომ აქ თავისუფალი კომპოზიციის ტექნიკაა გამოყენებული ან შეჯვარების პრინციპი (ფიგურები იდენტურ პოზებში, მინიმალური მოძრაობა, ერთმანეთის გამეორება)?

7. როგორ არის გამოსახული ფიგურები? არიან ისინი მოძრავი, გაყინული, სტილიზებული?

8. როგორ არის გადმოცემული ფიგურების დეტალები? უფრო ბუნებრივად გამოიყურებიან თუ ორნამენტულად? რა ხერხებს იყენებენ ფიგურების გადმოსაცემად?

9. შეხედეთ ობიექტის შიგნით, თუ ეს შესაძლებელია. არის იქ გამოსახულებები და ორნამენტები? აღწერეთ ისინი ზემოთ მოცემული სქემის მიხედვით.

10. რა ძირითადი და დამატებითი ფერებია გამოყენებული ორნამენტებისა და ფიგურების აგებაში? როგორია თავად თიხის ტონი? როგორ აისახება ეს გამოსახულების ხასიათზე - ხდის მას უფრო ორნამენტულს თუ, პირიქით, უფრო ბუნებრივ?

11. შეეცადეთ გამოიტანოთ დასკვნა ამ ტიპის დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების ცალკეულ ნიმუშებზე.

ხელოვნების ნიმუშების ანალიზის ალგორითმები

ამ ალგორითმთან მუშაობის მთავარი პირობაა ის, რომ ნახატის სახელი არ უნდა იყოს ცნობილი სამუშაოს შემსრულებლებისთვის.

რას დაარქმევდით ამ ნახატს?

მოგწონთ სურათი თუ არა? (პასუხი უნდა იყოს ორაზროვანი).

გვიამბეთ ამ სურათის შესახებ ისე, რომ მასზე წარმოდგენა გაუჩნდეს უცნობმა ადამიანმა.

როგორ გრძნობს თავს ეს სურათი?

გსურთ დაამატოთ ან შეცვალოთ რაიმე თქვენს პასუხში პირველ კითხვაზე?

დაუბრუნდით მეორე კითხვაზე პასუხს. თქვენი შეფასება იგივე დარჩა თუ შეიცვალა? რატომ აფასებთ ახლა ამ სურათს ასე ძალიან?

მხატვრობის ნამუშევრების ანალიზის ალგორითმი

ნახატის სათაურის მნიშვნელობა.

ჟანრის კუთვნილება.

სურათის სიუჟეტის მახასიათებლები. ხატვის მიზეზები. ეძებს პასუხს კითხვაზე: გადასცა თუ არა ავტორმა მაყურებელს თავისი აზრი?

ნახატის კომპოზიციის თავისებურებები.

მხატვრული გამოსახულების ძირითადი საშუალებები: ფერი, ნახატი, ტექსტურა, ქიაროსკურო, ფუნჯი.

რა გავლენა მოახდინა ამ ხელოვნების ნიმუშმა შენს გრძნობებსა და განწყობაზე?

სად მდებარეობს ეს ხელოვნების ნიმუში?

არქიტექტურის ნამუშევრების ანალიზის ალგორითმი

რა არის ცნობილი არქიტექტურული სტრუქტურის შექმნის ისტორიისა და მისი ავტორის შესახებ?

მიუთითეთ, ეკუთვნის თუ არა ეს ნამუშევარი კულტურულ-ისტორიულ ეპოქას, მხატვრულ სტილს ან მოძრაობას.

რა განსახიერება იქნა ნაპოვნი ვიტრუვიუსის ფორმულის ამ ნაწარმოებში: ძალა, სარგებელი, სილამაზე?

მიუთითეთ არქიტექტურული გამოსახულების შექმნის მხატვრული საშუალებები და ტექნიკა (სიმეტრია, რიტმი, პროპორციები, შუქ-ჩრდილი და ფერის მოდელირება, მასშტაბი), ტექტონიკური სისტემები (პოსტ-სხივი, წვეტიანი თაღი, თაღოვანი გუმბათი).

მიუთითეთ არქიტექტურის ტიპი: მოცულობითი ნაგებობები (საზოგადოებრივი: საცხოვრებელი, სამრეწველო); ლანდშაფტი (მებაღეობა ან მცირე ფორმები); ურბანული დაგეგმარება.

მიუთითეთ კავშირი არქიტექტურული ნაგებობის გარე და შიდა იერსახეს შორის, კავშირი შენობასა და რელიეფს შორის, ლანდშაფტის ბუნება.

როგორ გამოიყენება ხელოვნების სხვა ფორმები მისი არქიტექტურული გარეგნობის დიზაინში?

რა შთაბეჭდილება დატოვა თქვენზე ნამუშევარმა?

რა ასოციაციებს იწვევს მხატვრული გამოსახულება და რატომ?

სად მდებარეობს არქიტექტურული ნაგებობა?

ქანდაკების ნამუშევრების ანალიზის ალგორითმი

ნაწარმოების შექმნის ისტორია.

ეკუთვნის მხატვრულ ეპოქას.

ნაწარმოების სათაურის მნიშვნელობა.

მიეკუთვნება ქანდაკების სახეობებს (მონუმენტური, მემორიალური, დაზგური).

მასალისა და დამუშავების ტექნოლოგიის გამოყენება.

სკულპტურის ზომები (თუ მნიშვნელოვანია იცოდეთ).

კვარცხლბეკის ფორმა და ზომა.

სად მდებარეობს ეს ქანდაკება?

რა შთაბეჭდილება დატოვა თქვენზე ამ ნამუშევარმა?

რა ასოციაციებს იწვევს მხატვრული გამოსახულება და რატომ?

ფილმის ისტორიის ანალიზი.

ანალიზის პირველი ნაწილი. გარეგნობის ისტორია. რეჟისორის იდეა. მუშაობს სცენარისტთან და ოპერატორთან.

1. პერსონაჟების პერსონაჟების ანალიზი.

ფილმი სავსეა პერსონაჟებით. მთავარი გმირების მახასიათებლები (პერსონიფიკაციის დეტალები). მცირე პერსონაჟების მახასიათებლები (მათი ფუნქციები მთავარ გმირებთან, ფილმის მოქმედებასთან მიმართებაში). მსახიობები, რომლებიც თავიანთ როლებზე მუშაობენ. მსახიობის თამაშის ანალიზი.

2. ფილმის ანალიზი, როგორც რეჟისორის სუბიექტურობის ასახვა

მხატვრული კინო, როგორც დამოუკიდებელი ხელოვნების ნიმუში. ავტორის, ე.ი. რეჟისორის პოზიცია (ყველაზე ხშირად ის ვლინდება მის ინტერვიუებში; გვხვდება ინტერვიუებში, მემუარებში და ფილმის შექმნის მონაწილეთა სტატიებში). მის პირად და სოციალურ ცხოვრებაში რეალური მოვლენების გავლენა ფილმზე. რეჟისორის შინაგანი სამყაროს ანარეკლი.

დანართი 1.

ხელოვნების ნიმუშის ანალიზი ალგორითმის საფუძველზე:

"როგორ შეგიძლია გააანალიზო ხელოვნების ნიმუშები?"

კრეატიულობა?

2. მიეკუთვნება ჟანრს: ისტორიული, ყოველდღიური, საბრძოლო, პორტრეტი,

პეიზაჟი, ნატურმორტი, ინტერიერი.

3. მხატვრული გამოსახულების შექმნის ძირითადი საშუალებები: შეღებვა, დახატვა,

კიაროსკურო, ტექსტურა, წერის სტილი.

4. სახელის მნიშვნელობა. სიუჟეტისა და კომპოზიციის მახასიათებლები.

5. კულტურულ-ისტორიულ ეპოქას, მხატვრულ სტილსა თუ მოძრაობას მიეკუთვნება.

6. როგორია თქვენი პირადი შთაბეჭდილებები ნახატებზე?

დანართი 2.

1 ჯგუფი „რომანტიკოსების ცეცხლოვანი ფუნჯები“ (ტურისტული გიდები) მსოფლიო მხატვრობის ისტორიაში რომანტიზმმა შექმნა ნათელი, ბრწყინვალე ეპოქა.

სიტყვა "რომანტიზმი" ბრუნდება ლათინური romanus - რომაული, ანუ რომაული კულტურიდან გამომდინარე ან მასთან მჭიდრო კავშირში.

ადამიანის გრძნობებისა და გამოცდილების სამყარო. რომანტიზმის მხატვრობას ახასიათებდა „შემოქმედების წყურვილი ყველა შესაძლო გზით“. ფერწერის საშუალებები იყო: ნათელი მდიდარი ფერები, კონტრასტული განათება, ემოციური მანერა.

როგორია რომანტიული თაობის ადამიანი? ხშირად ის მოწმე ხდება სასტიკი სისხლისღვრა და ომები, მთელი ერების ტრაგიკული ბედი. ის ასრულებს გმირულ საქმეებს, რომლებსაც შეუძლიათ სხვების შთაგონება. რომანტიკოსები იზიდავდნენ ისტორიულ მოვლენებს, საიდანაც ისინი ასახავდნენ შეთქმულებებს თავიანთი მრავალი ნაწარმოებისთვის.

1. მხატვრობაში რომანტიზმის მოძრაობის თვალსაჩინო წარმომადგენელი იყო ესპანელი მხატვარი ფრანცისკო გოია (1746-1828). დაეუფლა მხატვრობის ყველა ჟანრს. მას ჰქონდა რელიგიური საგნების ნახატები და სასამართლო პორტრეტები.

ა. ის შეესწრო ნაპოლეონის ომებს, რომლებმაც გაანადგურეს და გაანადგურეს ესპანეთი. 1808 წელს, ნაპოლეონის ოკუპაციის სასტიკი რეპრესიების საპასუხოდ, მადრიდში სახალხო აჯანყება დაიწყო. ამ მძიმე წლებში ფრანცისკო გოია თავის ხალხთან ერთად იყო. ნახატი "აჯანყებულთა სიკვდილით დასჯა 1808 წლის 3 მაისის ღამეს", დახატული 1814 წელს და გამოფენილი მადრიდის პრადოს მუზეუმში, იყო მხატვრის ბრალდება ბოროტებისა და ძალადობისთვის. მან აშკარად იგრძნო ხალხის ტრაგედიის რეალური მასშტაბები.

ნახატზე ასახულია ფრანგი ოკუპანტების წინააღმდეგ ესპანეთის განმათავისუფლებელი ბრძოლის დასაწყისი, კერძოდ, საოკუპაციო ფრანგული ჯარების მიერ ესპანელი აჯანყებულების სიკვდილით დასჯის სცენა. ესპანელი აჯანყებულები და ფრანგი ჯარისკაცები გოიას მიერ გამოსახულია, როგორც ორი დაპირისპირებული ჯგუფი: რამდენიმე უიარაღო მადრიდის ხელოსანი და ჯარისკაცების რიგი აწეული იარაღით. ესპანელების სახეები და პოზები გოიას მიერ საკმაოდ მკაფიოდ არის გამოსახული (პატრიოტიზმი, სიმამაცე, ბრაზი, უშიშრობა და ა.შ.), ხოლო ფრანგი ჯარისკაცები თავისუფლად არიან გამოსახული და თითქოს ერწყმიან ერთ უსახო მასას.

B. "კარლოს VI-ის სამეფო ოჯახის პორტრეტი"

მარცხნიდან მარჯვნივ: დონ კარლოს უფროსი, ესპანეთის მომავალი მეფე ფერდინანდ VII, კარლოს IV-ის და მარია ჯოზეფა კარმელა, უცნობი ქალი, მარია იზაბელა, კარლოს IV-ის ცოლი დედოფალი მარია ლუიზა პარმა, ფრანცისკო დე პაულა დე ბურბონი, მეფე კარლოს IV, მისი ძმა ანტონიო პასკუალი, კარტოლა ხოაკინა (თავის მხოლოდ ნაწილი ჩანს), ლუი I მეუღლესთან მარია ლუიზთან ერთად, ხელში ჰყავთ ვაჟი - ჩარლზ II, პარმას მომავალი ჰერცოგი. ფონზე, ჩრდილში გოია საკუთარ თავს გამოსახავდა. ჯადოსნური, ცქრიალა ფერები ვერ მალავს გმირების სევდას, სისულელეს, მორალურ და გონებრივ სიზარმაცეს.

2. დიდი ესპანელის თანამედროვე თეოდორ გერიკო ასევე ღრმა ინტერესს იჩენდა ადამიანის შინაგანი სამყაროს მიმართ. გერიკოს ნამუშევრებს ახასიათებს ექსტრემალური დრამატიზმი, ვნებების სიმძაფრე და ფერთა კონტრასტი. სამეფო მუშკეტერებში მსახურობისას გერიკო ძირითადად საბრძოლო სცენებს ხატავდა, მაგრამ 1817-19 წლებში იტალიაში მოგზაურობის შემდეგ. მან შეასრულა დიდი და რთული ნახატი "მედუზას ჯოხი"

(მდებარეობს ლუვრში, პარიზი). სიუჟეტის სიახლე, კომპოზიციის ღრმა დრამატურგია და ამ ოსტატურად დაწერილი ნაწარმოების სასიცოცხლო ჭეშმარიტება დაუყოვნებლივ არ დაფასებულა, მაგრამ მან მალევე მოიპოვა აღიარება და მხატვარს ნიჭიერი და მამაცი ნოვატორის პოპულარობა მოუტანა.

მას დიდი ხანი არ მოუწია დიდებით ტკბობა: ძლივს მოახერხა ინგლისიდან პარიზში დაბრუნება, სადაც მისი სწავლის მთავარი საგანი ცხენების შესწავლა იყო, ავარიის შედეგად - ცხენიდან ჩამოვარდნის შედეგად წავიდა საფლავზე.

ფილმის სიუჟეტი ეფუძნება რეალურ შემთხვევას, რომელიც მოხდა 1816 წლის 2 ივლისს სენეგალის სანაპიროსთან. შემდეგ, არგენ შოლზე, აფრიკის სანაპიროდან 40 ლიეს მანძილზე, ფრეგატი მედუზა ჩამოვარდა. 140 მგზავრმა და ეკიპაჟის წევრმა გაქცევა სცადეს ჯოხზე ასვლით. მათგან მხოლოდ 15 გადარჩა და ხეტიალის მეთორმეტე დღეს ისინი ბრიგად არგუსმა აიყვანა. გადარჩენილთა მოგზაურობის დეტალებმა შოკში ჩააგდო თანამედროვე საზოგადოებრივი აზრი, თავად ჩაძირვა კი სკანდალში გადაიზარდა საფრანგეთის მთავრობაში გემის კაპიტნის არაკომპეტენტურობისა და მსხვერპლის გადარჩენის არასაკმარისი მცდელობის გამო.

ნახატის „მედუზას ჯოხი“ გარდა, ლუვრში დაცულია ამ მხატვრის შვიდი საბრძოლო ნახატი და ექვსი ნახატი. მისი ნახატები სავსეა დაბნეულობითა და შფოთვით.

3. ევგენი დელაკრუა (1798-1863) ასევე წერდა თეოდორ გერიკოს ანალოგიურად.

ა მას ახასიათებდა ყურადღება აღმოსავლური საგნების მიმართ. მისი ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული ქმნილებაა ნახატი "ხოცვა ქიოსზე", სადაც ნაჩვენებია ბერძნულ-თურქეთის ომის ეპიზოდები. ასე უწოდეს ისტორიკოსები 1822 წლის 11 აპრილს თურქების მიერ კუნძულ ქიოსის მცხოვრებთა სასტიკ ხოცვა-ჟლეტას, რადგან კუნძულელები მხარს უჭერდნენ საბერძნეთის დამოუკიდებლობისთვის მებრძოლებს. კუნძულის 155000 მოსახლედან მხოლოდ დაახლოებით

2000 წ. 25000-მდე დახოცეს, დანარჩენები მონებად აიყვანეს ან გადასახლებაში მოხვდნენ.

საფრანგეთის დიდმა რევოლუციამ და ნაოლეონის შემდგომმა აგრესიულმა კამპანიებმა, სასტიკმა პოლიტიკურმა რეპრესიებმა და სიკვდილით დასჯამ, მთავრობების გაუთავებელმა ცვლილებებმა 1830 წელს განსაკუთრებული აქტუალობა წამოაყენა ისტორიაში ხალხისა და ინდივიდის როლის შესახებ.

ბ.დელაკრუას პოლიტიკური პათოსი ახასიათებდა. 1830 წელს მხატვარმა დაასრულა ტილო "თავისუფლება ლიდერობს ხალხს". დელაკრუამ ნახატი შექმნა 1830 წლის ივლისის რევოლუციის საფუძველზე, რომელმაც ბოლო მოუღო ბურბონის მონარქიის აღდგენის რეჟიმს. მრავალი მოსამზადებელი ჩანახატის შემდეგ, ნახატის დახატვას მხოლოდ სამი თვე დასჭირდა. 1830 წლის 12 ოქტომბერს ძმისადმი მიწერილ წერილში დელაკრუა წერს: „თუ მე არ ვიბრძოლე ჩემი სამშობლოსთვის, მაშინ მაინც დავწერ მისთვის“. "თავისუფლება ლიდერობს ხალხს" პირველად გამოიფინა პარიზის სალონში 1831 წლის მაისში, სადაც ნახატი დიდი ენთუზიაზმით მიიღეს და მაშინვე შეიძინა სახელმწიფომ. რევოლუციური თემის გამო, ნახატი არ იყო გამოფენილი საჯაროდ დაახლოებით 25 წლის განმავლობაში. სისხლით, ტანჯვითა და სიკვდილით მშვენიერი ქალი სამფეროვანი ბანერით ხელში ხალხს გამარჯვებისკენ მიჰყავს. შიშველი მკერდი სიმბოლურად იმდროინდელი ფრანგების თავდადებას განასახიერებს, რომლებიც მტრის წინააღმდეგ მკერდით შიშველი წავიდნენ. ბრბოში ჩანს შეიარაღებული ღარიბები, ღარიბების მაცხოვრებლები, სტუდენტი და პატარა გავროში პისტოლეტებით. მხატვარმა თავი გამოაჩინა, როგორც მამაკაცი მთავარი გმირის მარცხნივ. ზოგჯერ სურათი შეცდომით ასოცირდება საფრანგეთის დიდი რევოლუციის მოვლენებთან.

თანამედროვეებმა ნახატს "ფრანგული ფერწერის მარსელიზა" უწოდეს, ხოლო ხელისუფლებამ დელაკრუა საშიშ მხატვრად გამოაცხადა.

დანართი 3.

ჯგუფი 2 „ჩვენ გვჭირდება ხელოვნების მანიპულირება“ (ექსპერტები – ART CHILDISTS) რეალიზმი არის მოძრაობა მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის ხელოვნებაში. რეალიზმის ლათინური კონცეფცია realis ნიშნავს რეალობის ღრმა ასახვას. მე-19 საუკუნის შუა ხანებისთვის რეალიზმი გახდა წამყვანი და ყველაზე გავლენიანი ხელოვნების მიმართულება.

რა ახალი ამოცანები დაისახა ახლა ხელოვნება?

1. ლითოგრაფიის გამოჩენილი ოსტატი (გრაფიკული ბეჭდვის ტიპი, რომლისთვისაც ქვის ზედაპირია) ფრანგი მხატვარი ონორე დომიე, როგორც ადამიანი, რომელსაც სძულდა ყოველგვარი ჩაგვრა და ძალადობა, ყოველთვის პასუხობდა თავისი დროის აქტუალურ საკითხებს და აძლევდა მათ. საკუთარი შეფასება. კარიკატურისტად დაიწყო მუშაობა, ჟურნალისთვის სატირული ნახატების დახატვით. მისი ლითოგრაფიები მყისიერად გაიყიდა, ყველასთვის ცნობილი იყო.

ცნობილი ლითოგრაფია "ტრანსნონენის ქუჩა" თანამედროვეებმა აღიქვეს, როგორც პროტესტი იმ ტერორისა და სისხლისღვრის წინააღმდეგ, რომელიც მოხდა ივლისის რევოლუციის (1834) შემდეგ. ამ ნაშრომის ისტორიული საფუძველი იყო 1834 წლის აპრილის მოვლენები, რომლებიც დაკავშირებულია სამთავრობო ჯარების მიერ პოლიტიკური დემონსტრაციების დარბევასთან. ტრანსნონენის ქუჩაზე მე-12 სახლიდან, ჟალუზებით დაფარული რომელიღაც ფანჯრიდან, ესროლე ჯარისკაცებს, რომლებიც დემონსტრაციას ფანტავდნენ. საპასუხოდ ჯარისკაცები სახლში შეიჭრნენ და ყველა მცხოვრები მოკლეს. დამიერს სურდა, რომ ლითოგრაფიას მოჰყოლოდა არა სამწუხარო, არამედ გაბრაზება. ზუსტად ასე აღიქვამდნენ თანამედროვეებს: „ეს არ არის კარიკატურა, არა კარიკატურა, ეს არის თანამედროვე ისტორიის სისხლიანი ფურცელი, ცოცხალი ხელით შექმნილი და კეთილშობილური აღშფოთებით ნაკარნახევი გვერდი“.

კარიკატურისტი დაუმიე საზოგადოებისთვის კარგად იყო ცნობილი, მაგრამ ბევრმა არ იცოდა, რომ იგი მხატვრობით იყო დაკავებული. მხატვრის პატარა სახელოსნოში ტილოები დაგროვდა. განსაკუთრებული ადგილი უკავია ნახატებს დონ კიხოტის შესახებ. სიკეთისა და სამართლიანობის საძიებლად მოხეტიალე რაინდი შიშისა და საყვედურის გარეშე, სულის სიმტკიცით იზიდავდა დამიერს. მხიარული გარეგნობისა და სასაცილო მოქმედებების მიღმა დგას კეთილშობილება, სიდიადე და თანაგრძნობა ადამიანების მიმართ.

2. გუსტავ კურბე ფრანგი ფერმწერი, პეიზაჟისტი, ჟანრის მხატვარი და პორტრეტის მხატვარი. იგი ითვლება რომანტიზმის ერთ-ერთ ფინალისტად და მხატვრობაში რეალიზმის ფუძემდებლად. მე-19 საუკუნის საფრანგეთის ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარი, ფრანგული რეალიზმის მთავარი ფიგურა.

საფრანგეთში დაბადებული, მისი შემოსვლა ფრანგულ მხატვრობაში სკანდალური იყო. ზოგი გააფთრებით აკრიტიკებდა მის ნამუშევრებს და უწოდებდა მათ მახინჯს, ზოგი კი პირიქით, დიდ მომავალს უწინასწარმეტყველებდა. პარიზში 1855 წელს მან გახსნა გამოფენა "რეალიზმის პავილიონი". მისტერ კურბე ცდილობდა ხალხის წარმოჩენას ისეთივე მახინჯი და უხეში, როგორიც მას ხედავს. მიმდებარე სამყაროს, ბუნების, სოციალური ურთიერთობებისა და პიროვნების ინდივიდუალური მახასიათებლებისადმი მჭიდრო ყურადღება განსაზღვრავდა ხელოვნებაში რეალისტური მოძრაობის არსს.

თავის ნახატში „ქვის მტვრევა“ მოხუცი მუშა უხეშად შეკერილი ტანსაცმლითა და დაბზარული ხის ფეხსაცმელებით, დაჩოქილი, ჩაქუჩით ამსხვრევს მშენებლობისთვის გამზადებულ ქვებს. ნაცარში ჩაცმული ახალგაზრდა ძლივს უჭირავს ხელში მძიმე კალათას. გაზეთებში მხატვარს ადანაშაულებდნენ მახინჯების განდიდებაში, მაგრამ უბრალოდ შეხედეთ ნახატს "ქარისპირები", რათა გაიგოთ, რა პატივისცემით ხატავდა კურბე მშრომელ ხალხს.

3. „გლეხი მხატვარი“ - ასე ჰქვია ფრანგი მხატვრის, ჟან მილეტის მეტსახელს. საფრანგეთის სოფლის სამყარო მისი შემოქმედების ამოუწურავი წყარო გახდა. უკვე ცნობილი მხატვარი, იგი განაგრძობდა გლეხთა შრომას, თავისუფალ დროს უთმობდა ფერწერას.

1857 წელს წარმოადგინეს მისი ტილო "ყურის შემგროვებლები". მკრეფებს ნება დართეს გამთენიისას გაევლოთ მინდვრებში და აეღოთ სათიბებს გამოტოვებული წვერები. ამ ტილოზე მხატვარმა გამოსახა სამი მათგანი მიწაზე მოხრილი დაბალ მშვილდში - მხოლოდ ასე ახერხებენ მოსავლის აღების შემდეგ დარჩენილი ყურმილის შეგროვებას... მათში მილეტმა აჩვენა მძიმე მოძრაობის სამი ეტაპი, რაც ქალებს განუწყვეტლივ უწევდათ უსასრულოდ გამეორება - მოხრა, მარცვლეულის წვერის კრეფა და ისევ გასწორება. მათ ხელში პატარა მტევნები ეწინააღმდეგება მდიდარ მოსავალს, რომელიც ჩანს ფონზე. აქ არის თივის ღეროები, თაიგულები, ურემი და სამსახურში დაკავებული მკის ბრბო.

მხატვარს შეეძლო ძალიან ზუსტად გადმოეცა გლეხების შრომისმოყვარეობა, მათი სიღარიბე და თავმდაბლობა. თუმცა ნაწარმოებმა საზოგადოებისა და კრიტიკოსების განსხვავებული შეფასებები გამოიწვია, რამაც მილეტ აიძულა დროებით მიემართა გლეხური ცხოვრების უფრო პოეტურ მხარეებზე.

დანართი 4.

ჯგუფი 3 „უარყოფილთა სალონი“ (იმპრესიონისტი მხატვრები) პარიზი, 1863 წელი, ინდუსტრიის სასახლე: აქ გამართული ცნობილი სამხატვრო გამოფენის სალონის ჟიური ყოველწლიურად უარყოფს წარმოდგენილი ნამუშევრების სამოცდაათ პროცენტს... თავად იმპერატორ ნაპოლეონ III-ს მოუწია. ჩაერიოს ატეხილი სკანდალში. გაეცნო უარყოფილ ნახატებს, მან გულითადად დაუშვა მათი წარდგენა მრეწველობის სასახლის სხვა ნაწილში. ასე რომ, 1863 წლის 15 მაისს გაიხსნა გამოფენა, რომელმაც მაშინვე მიიღო სახელი "უარყოფილთა სალონი".

მე-19 საუკუნის დასასრული და მე-20 საუკუნის დასაწყისი ცვლილებების დრო იყო. სამეცნიერო და ტექნოლოგიურმა პროგრესმა და პოლიტიკურმა კატაკლიზმებმა გამოიწვია ხელოვნებაში სერიოზული ცვლილებები და გამოავლინა განვითარების ახალი და ორიგინალური გზები. მე-19 საუკუნის ხელოვნება აღიქმება როგორც ძველი მხატვრული ტრადიციების უარყოფა, წარსულის კლასიკური მემკვიდრეობის შემოქმედებითად გადახედვის მცდელობა. ჩნდება გაბედული ინოვაციები და ექსპერიმენტები, შეუზღუდავი რაიმე ჩარჩოებით ან კონვენციებით. მხატვარი თავის შემოქმედებაში გათავისუფლებული და თავისუფალი გახდა. საკუთარი გემოვნებითა და შეღავათებით ხელმძღვანელობდა.

იმპრესიონიზმი - ფრანგული სიტყვა impression ითარგმნება როგორც შთაბეჭდილება.

რომანტიკოსებისა და რეალისტებისგან განსხვავებით, იმპრესიონისტები არ ცდილობდნენ ისტორიული წარსულის გამოსახვას, მათი ინტერესის სფერო აწმყო იყო.

წამოაყენეს მიმდებარე სამყაროს აღქმისა და ჩვენების საკუთარი პრინციპები, შექმნეს ახალი ფერწერული ენა. მათთვის მნიშვნელოვანი იყო არა თავად სიუჟეტი, არამედ მისი სენსორული აღქმა, შთაბეჭდილება, რომელიც მას შეეძლო დაეტოვებინა მაყურებელზე. იმპრესიონისტები ცდილობდნენ ნახატში გადმოეცათ „მომენტები“, მომენტალური შეგრძნებები. ამ შეგრძნებებმა გაანადგურა ჩვეულებრივი ფორმები და სტანდარტული დიზაინი. მათი შეხედულება იყო მხოლოდ ინდივიდუალური.

1. იმპრესიონიზმის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენელი და მისი ერთ-ერთი ფუძემდებელია ედუარდ მანე, რომელიც აღფრთოვანებულია მისი ნახატებით „ემილ ზოლას პორტრეტი“.

მზის კაშკაშა შუქი, ადამიანის ბედნიერი განწყობა მხატვრის გამოხატვის საშუალებაა. საერთო ყურადღების ცენტრში იყო ედუარ მანეს ნახატი "ლანჩი ბალახზე".

ძველი ოსტატების ნახატების სუბიექტებისა და მოტივების გამოყენებით და ხელახალი ინტერპრეტაციით, მანე ცდილობდა შეევსო ისინი მკვეთრი თანამედროვე ხმით, პოლემიკურად შეეტანა თანამედროვე ადამიანის გამოსახულება ცნობილ კლასიკურ კომპოზიციებში. მანეს დიდების გზა გრძელი და რთული აღმოჩნდა; სალონის ჟიური უცვლელად უარყოფდა მის ნახატებს და მხოლოდ რამდენიმე გაბედა მხატვრის დაცვა. მათ შორის იყო ემილ ზოლა, რომელმაც გაზეთში დაწერა: „ბატონ მანეს ადგილი ლუვრში უკვე უზრუნველყოფილია“.

"ემილ ზოლას პორტრეტი" - მხატვარი ასახავს თავის მეგობარს თავის კაბინეტში ქაღალდებითა და წიგნებით სავსე მაგიდასთან. ინტერიერი მოწმობს მფლობელის გემოვნებაზე: იაპონური ეკრანი ფანტასტიკური პეიზაჟით, მანეს ნახატის რეპროდუქცია. მწერლის გარეგნობა ავლენს ძლიერ პიროვნებას, ნათელ ინდივიდუალობას.

"საუზმე ბალახზე", რამაც გამოიწვია ემოციების ქარიშხალი, მკაცრი კრიტიკა და ერთსულოვანი განაჩენი, რომ ეს "საუზმე" აბსოლუტურად "უჭამია". საზოგადოება განსაკუთრებით აღაშფოთა იმ ფაქტმა, რომ ტყის გაწმენდაში, წესიერად ჩაცმული, ჩაცმულობით, ჰალსტუხებით და ხელჯოხებით შეკრებილიყვნენ, გვერდით შიშველი ქალის სხეულებით ანათებდნენ. ნახატის სათაური რაღაც პიკანტურ მნიშვნელობას იძენს, მით უმეტეს, რომ საკვები არაფერია გამოსახული. წინა პლანზე მარცხენა კუთხე შეიცავს საკვების სუსტ მინიშნებას, მაგრამ აშკარად ჩანს, რომ ქსოვილის ნაჭერზე, შესაძლოა ვიღაცის კაბაზე, ნახევრად ცარიელი კალათაა რამდენიმე სოკოთი, მწვანე ფოთლებზე კი რამდენიმე კენკრა ჩანს. . სულ ეს არის საუზმე. ბალახზე თავისუფლად გაშლილი ორი საკმაოდ ახალგაზრდა მამაკაცი ანიმაციურად რაღაცაზე საუბრობს. მარჯვენა, ჟესტიკულაციით, რაღაც საინტერესოს, სასაცილოს ეუბნება, რადგან თანამოსაუბრე ტკბილად იღიმის. მის გვერდით მჯდომ ქალს დარცხვენილი ღიმილიც ეფინება. ქვეშ დაქუცმაცებული ღია ცისფერი ქსოვილია, თავად ქალი ზის თავისუფალ, მსუბუქ პოზაში, სრულიად შიშველი, არც თუ ისე ახალგაზრდა, ცოტა მსუქანი. ერთმანეთის გვერდით მჯდომ წყვილს თმის ფერი აქვს, ერთი ასაკის არიან, შესაძლოა, მეუღლეები. ოდნავ უფრო შორს მოჩანს მეორე ქალი ღია, გაშლილი, თეთრი პერანგით, მაგრამ საუბარი ესმის, მისგან ირკვევა, რომ უსმენს და ასევე იღიმება. სურათი სავსეა ნათელი სიმშვიდით, თბილი ნეტარებით.

ზოლამ ტილოს უწოდა მყარი ხორცი, რომელიც მოდელირებულია სინათლის ნაკადებით უბრალოდ, ჭეშმარიტად და გამჭრიახად.

2. თუმცა, იმპრესიონისტებმა თავი 1874 წელს ერთობლივი გამოფენით მართლაც გახდნენ ცნობილი. მთელმა მოძრაობამ მიიღო სათაური, რომელიც ეფუძნება კლოდ მონეს ნახატს „შთაბეჭდილება. მზის ამოსვლა“ (ბოლოს და ბოლოს, ფრანგულად „impression“ არის „imprission“.).

ტერმინი "იმპრესიონიზმი" წარმოიშვა ჟურნალ "Le Charivari"-ს კრიტიკოსის ლუი ლეროის მსუბუქი ხელით, რომელმაც დაასახელა თავისი ფელეტონი უარყოფილთა სალონის შესახებ "იმპრესიონისტების გამოფენა", საფუძვლად დაედო კლოდის ამ ნახატის სათაურს. მონე.

დახვეწილი პეიზაჟისტი, შეყვარებული პარიზის გარეუბნებით, მონე გატაცებული იყო წყლის ელემენტით.

კლოდ მონემ გააცნო ნახატების სერიის შექმნის პრაქტიკა სხვადასხვა განათებით, მაგალითად "რუანის ტაძარი". ორი წლის განმავლობაში მოგზაურობდა რუანში და უყურებდა სინათლის თამაშს. მონემ საკათედრო ტაძრის 20-ზე მეტი ხედი დახატა დღის სხვადასხვა დროს: დილის მზის სხივებში, კაშკაშა შუადღეს, გვიან შუადღის ბინდიში. საზოგადოებამ დაიწყო საუბარი მისი ნახატების ერთფეროვნებაზე.

3. კამილ პისარომ დაიწყო ციდან მისი ნებისმიერი ნახატის დახატვა, თვლიდა, რომ ცა მას სიღრმეს ანიჭებს და მოძრაობას ანიჭებს. ასე თქვა პისარომ თავისი ნახატების შექმნის შესახებ. „მხოლოდ ლაქებს ვხედავ. როცა მხატვრობას ვიწყებ, პირველი რასაც ვაკეთებ არის... თანაფარდობის დადგენა. ამ ცას, დედამიწასა და წყალს შორის უდავოდ არის გარკვეული ურთიერთობა და ეს ურთიერთობა არ შეიძლება იყოს სხვა არაფერი, თუ არა ჰარმონიული. ეს არის ხატვის მთავარი სირთულე. სულ უფრო ნაკლებად მაინტერესებს ფერწერის მატერიალური მხარე (ანუ ხაზები). მთავარია, ყველა უმცირესი დეტალიც კი მთლიანობის ჰარმონიამდე მივიყვანოთ, ანუ თანმიმდევრულობამდე“. ტილო "ბულვარი მონმარტი პარიზში" მიგვიყვანს გადატვირთულ გზატკეცილზე. ბევრი ვაგონი მოძრაობს სხვადასხვა მიმართულებით, გამვლელები დატვირთულად ჩქარობენ. ყველაფერი გამჭვირვალე იასამნისფერი ნისლითაა მოცული. მხატვარი სწრაფი სვლით ხატავს, ფუნჯით ძლივს ეხება ტილოს.

მაგრამ ამ წერტილებიდან და შტრიხებიდან გაზაფხულის მზიანი დღის სურათი ჩნდება, ცოცხალი და მხურვალე.

4. ოგიუსტ რენუარს სინათლის ჯადოქარს უწოდებენ. სინათლის კაშკაშა გამოსახულებას აცოცხლებს და მოძრაობაში აყენებს. ნამუშევრები გამოირჩევა ცოცხალი მოძრავი კომპოზიციით. რენუარი წერდა: „მიყვარს ნახატები, რომლებიც მაიძულებს მათ სიღრმეში სიარული, თუ პეიზაჟია, ან ხელით შევეხო, თუ ქალის გამოსახულებაა...“. ყველაზე ხშირად, რენუარი ხატავს ქალებსა და ბავშვებს, მათ ბუნების ყველაზე სრულყოფილ ქმნილებად მიიჩნევს. მას იზიდავს არა ცივი საერო ლამაზმანები, არამედ მხიარული და ცოცხალი "ნამდვილი" ფრანგი ქალები. მაგრამ სრულიად განსხვავებული სურათი შეიქმნა პორტრეტისთვის "გოგონა ფანი". ახალგაზრდა, მხიარული გოგონა. სახე ნაზ ტონებშია შეღებილი, სქელი შავი თმა იასამნისფერი და იისფერია. სკამის მოწითალო ანარეკლი ასახულია ვენტილატორის თეთრ ტილოზე.

5. ფერების გამოყენების უზარმაზარი შესაძლებლობები გახსნა პასტელის ტექნიკამ (ფრ.

პასტელი) - ფერწერა ფერადი ფანქრებით და ფერადი ფხვნილით. ედგარ დეგას განსაკუთრებით უყვარდა იქ მუშაობა. პასტელის ტექსტურა ხავერდოვანია, მას შეუძლია გადმოსცეს ფერის ვიბრაცია, რომელიც თითქოს შიგნიდან ანათებს. ფილმში "ცისფერი მოცეკვავეები"

პასტელის ტექნიკა გამოიყენება კომპოზიციის დეკორატიულობისა და მსუბუქი ხმის გასაძლიერებლად. კაშკაშა შუქის სნობი, რომელიც დატბორავს სურათს, ხელს უწყობს ბალეტის ცეკვის განსაკუთრებული სადღესასწაულო ატმოსფეროს შექმნას; როგორც ჩანს, აქ სინათლე მთლიანად ცვლის ნახატს, ის აწყობს და იწვევს ფერების რთული სიმფონიის ერთიან მნიშვნელობას. კაშკაშა ცისფერ ტუტუსებში, თმებში ყვავილებით, მოცეკვავეები ლამაზ ფერებს ჰგვანან, რომლებიც მონაწილეობენ ჯადოსნურ ექსტრავაგანზაში.

ნახატი ინახება მოსკოვის ა.ს.პუშკინის სახელობის სახვითი ხელოვნების სახელმწიფო მუზეუმში, რომელიც 1948 წელს იქნა მიღებული ახალი დასავლური ხელოვნების სახელმწიფო მუზეუმიდან; 1918 წლამდე ის მოსკოვში სერგეი ივანოვიჩ შჩუკინის კოლექციაში იყო, ფერწერის შემდეგ ნახატი ინახებოდა პარიზის დიურან-რუელის კოლექციაში.

დანართი 5.

ჯგუფი 4 „საკუთარი გზის პოვნა“ (გამოფენის სტუმრები) მე-19 საუკუნის ბოლოს მხატვრებმა პოლ სეზანმა და ვინსენტ ვან გოგმა ხმამაღლა გაიცნეს თავი. ისინი გაერთიანდნენ ჯგუფში, რომელმაც სახელი მისცა ახალ ხელოვნების მოძრაობას, პოსტიმპრესიონიზმს. პოსტიმპრესიონიზმი (ფრანგ. postimpressionisme) არის მოძრაობა სახვით ხელოვნებაში. იგი წარმოიშვა XIX საუკუნის 80-იან წლებში. ამ მოძრაობის მხატვრები არ იცავდნენ მხოლოდ ვიზუალურ შთაბეჭდილებებს, არამედ ცდილობდნენ თავისუფლად და ზოგადად გადმოეცათ სამყაროს მატერიალურობა და მიმართეს დეკორატიულ სტილიზაციას. პოსტიმპრესიონიზმის დასაწყისი მე-19 საუკუნის ბოლოს იმპრესიონიზმის კრიზისზე მოდის.

1. ფერწერის ახალი კომპოზიციური გადაწყვეტის დაუღალავი ძიება, ფერისა და სინათლის გადაცემის მეთოდები დამახასიათებელია პოლ სეზანის შემოქმედებისთვის.

ის ნატურმორტებს ხილით ხატავდა; ყველაზე ნაკლებად ადარდებდა მათი მსგავსება ორიგინალთან. სეზანის ნამუშევრებში უჩვეულო იყო ფერების გამოყენება; მხატვარი თვლიდა, რომ ცივ ფერებს (ლურჯი და მწვანე) აქვთ სურათში ღრმად გადაადგილების თვისება, რაც სურათს სამგანზომილებიანს ხდის.

2. ვინსენტ ვან გოგი - მსოფლიოში ცნობილი ჰოლანდიელი პოსტიმპრესიონისტი მხატვარი. 1880-იანი წლების ბოლოს მისი ნახატების პირველი გამოფენის შემდეგ, ვან გოგის პოპულარობა სტაბილურად იზრდებოდა თანატოლებს, ხელოვნებათმცოდნეებს, დილერებსა და კოლექციონერებს შორის. მისი გარდაცვალების შემდეგ მემორიალური გამოფენები მოეწყო ბრიუსელში, პარიზში, ჰააგასა და ანტვერპენში.

"მზესუმზირები" ჰქვია ჰოლანდიელი მხატვრის ვინსენტ ვან გოგის ნახატების ორ ციკლს. პირველი სერია გაკეთდა პარიზში 1887 წელს. იგი ეძღვნება ცრუ ყვავილებს. მეორე სერია დასრულდა ერთი წლის შემდეგ, არლში. იგი ასახავს მზესუმზირის თაიგულს ვაზაში. ვან გოგის მეგობარმა პოლ გოგენმა ორი პარიზული ნახატი შეიძინა.

"ზამბახი" მხატვარმა დახატა, როდესაც ის ცხოვრობდა წმინდა პავლეს მავზოლეუმის საავადმყოფოში სენ-რემი-დე-პროვანსის მახლობლად, სიკვდილამდე ერთი წლით ადრე, 1890 წელს. ფილმს აკლია ის მაღალი დაძაბულობა, რაც მის შემდგომ ნამუშევრებში ჩნდება. მან ნახატს უწოდა "ელვისებური ჯოხი ჩემი ავადმყოფობისთვის", რადგან გრძნობდა, რომ შეეძლო დაეკავებინა ავადმყოფობა, სანამ აგრძელებდა ხატვას.

სიცოცხლის ბოლო ორი თვის განმავლობაში - 1890 წლის მაისიდან ივლისამდე - ვან გოგი ცხოვრობდა პარიზის მახლობლად Auvers-sur-Oise-ში, სადაც, სხვა საკითხებთან ერთად, რამდენიმე ნახატი დახატა ყვავილებით. "ვარდისფერი ვარდები" ერთ-ერთი საუკეთესო ნახატია ამ სერიაში. ეს დამახასიათებელია მხატვრის გვიანდელი შემოქმედებისთვის. ნათელი ფორთოხლისა და ყვითელისგან განსხვავებით, რომელიც მან გამოიყენა არლში (მაგალითად, მზესუმზირის ციკლში), აქ ვან გოგი იყენებს ფერების უფრო რბილ და მელანქოლიურ კომბინაციას, რაც საუბრობს უფრო ნაყოფიერ და ნოტიო ჩრდილოეთ კლიმატზე. ეს ნახატი ასევე დამახასიათებელია ვინსენტ ვან გოგის შემოქმედების ბოლო პერიოდისთვის, რომ პრაქტიკულად არ არის გრავიტაცია (ერთი შეხედვით ჩანს, რომ ნახატი შეიძლება თავდაყირა იყოს, მაგრამ ეფექტი არ შეიცვლება) და სივრცულობა (ყვავილები თითქოს გადაიყვანეთ სურათის სიბრტყიდან კოსმოსში, სადაც მდებარეობს მაყურებელი). ვან გოგმა მოახერხა ვარდების სიახლოვის განცდა დამკვირვებლისთვის გადაეცა. სად არის ნახატი ბოლოში, მიუთითებს თითქმის უხილავი თასი ყვავილების ქვეშ, ხოლო სიღრმეზე მიუთითებს მხოლოდ ოდნავ ცვალებადი შტრიხების ფორმა და მწვანე ფერებში უმნიშვნელო ცვლილება. ვარდების ფოთლებისა და ღეროების მკვეთრი მუქი ლურჯი კონტურები, ასევე ვიბრაციული და მღელვარე ხაზები მხატვარზე იაპონური ხეზე კვეთის გავლენის მაგალითია. მიუხედავად იმისა, რომ ეს ტექნიკა მოგვაგონებს პოლ გოგენისა და ემილ ბერნარდის სტილს, ვან გოგი მათ იყენებს საკუთარი ენით აუწერელი სახით.

ნახატი „წითელი ვენახები არლში“ ვან გოგმა 1888 წელს დახატა.

სამხრეთ საფრანგეთში მცხოვრები მხატვარი უსაზღვრო შთაგონებას იღებდა ქალაქური და სოფლის ხედებიდან, ბუნების ნათელი ფერებიდან და მზის შუქიდან. ეს პერიოდი ყველაზე პროდუქტიულია ვან გოგის შემოქმედებაში.

გოგენი მას არლში ესტუმრა და ერთ დღეს, ქალაქის გარეუბანიდან სახლში დაბრუნებულმა, მხატვრები უჩვეულო ნახატის მომსწრე გახდნენ:

ჩამავალი მზე თავისი სხივებით ანათებდა ვენახს, ფოთლებს ჟოლოსფერ-წითელ ფერად ღებავდა, ხალხი და დედამიწა კი იასამნისფერი ფერფლის ფერებში. ამის შემდეგ მალევე, ვან გოგმა დაიწყო მუშაობა ნახატზე, რომელიც ასახავს ყურძნის მოსავალს მონმაჟურის მიდამოებში. მხატვარმა გამოსახა არა მხოლოდ პეიზაჟი, არამედ ერთგვარი იგავი, სადაც ყველაფერს სიმბოლური მნიშვნელობა აქვს. ცხელი, უზარმაზარი მზე ყვითელ ცაზე აფრქვევს მწვანე და ნარინჯისფერ ანარეკლებს. ყველაფერი მიწაზე თითქოს დნება მის ქვეშ.

ვაზის ფოთლები წითელ ელვარებად იქცევა და მათ ქვეშ მიწა იისფერ შეფერილობას იღებს. სურათის მარჯვენა მხარე წყალს ეთმობა, რომელიც ასახავს ყვითელ ცეცხლოვან ცას.

ყურძნის მკრეფა ხალხი სიცოცხლის სიმბოლოა. ვან გოგს ესმოდა მათი ყოველდღიური სამუშაო, როგორც ის, რაც ადამიანს აძლევს საშუალებას გახდეს სამყაროს განუყოფელი ნაწილი.

ნახატი გახდა ერთ-ერთი იმ რამდენიმე ნამუშევრიდან, რომელიც გაიყიდა ვან გოგის სიცოცხლეში. ახლა ის მოსკოვის პუშკინის მუზეუმშია.

დანართი 6.

მუსიკა მე-19 საუკუნეში.

XIX საუკუნის პირველი ნახევრის კომპოზიტორები იყვნენ ფ. ლისტი, ფ. შოპენი, ფ. შუბერტი, რ. შუმანი. ამ სკოლის კომპოზიტორებს ახასიათებდათ მიდრეკილება მცირე ფორმისაკენ. მათი მუსიკა ლირიკული და მელოდიურია და ძირითადად კამერული მუსიკა იყო.

პარალელურად იტალიური ოპერა აყვავების ხანას განიცდიდა. მისი ყველაზე ნათელი წარმომადგენლები არიან G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. იტალიურ ოპერაში ორი მიმართულება იყო კონფლიქტში: ერთი მიზიდული იყო ტრადიციული ოპერის ბუფასკენ (ე.ი.

კომედია), მეორემ მიუთითა ეროვნული ოპერის ჩამოყალიბების ტენდენციაზე.

ამ უკანასკნელის წარმომადგენელი იყო გ.ვერდი (1813-1901). ავტორი იყო ოპერების „Regoleto“, „La Traviata“, „Othello“, „Macbeth“, „Aida“, „Falstaff“, „Il Trovatore“ და სხვა. მისი ოპერებიდან არიები გახდა ხალხური სიმღერები და ეროვნული ჰიმნები, რომლებიც იტალიელებს დამოუკიდებლობისთვის ბრძოლისკენ მოუწოდებდნენ.

ოპერის სერიოზული რეფორმა განხორციელდა ჟ.ბიზემ და რ.ვაგნერმა. ბიზე, ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ოპერის, კარმენის ავტორი, იყო უკიდურესად რეალისტური სიუჟეტისა და მელოდიის მომხრე, რომელიც გულწრფელად გამოხატავს ადამიანურ გრძნობებს. რ. ვაგნერმა გაანადგურა ოპერის ჩვეული სტრუქტურა, მასში შემოიტანა დრამატული წარმოდგენისა და სიმფონიური კონცერტის ელემენტები. მის ოპერებში ბევრი სიმფონიური კონცერტი იყო. მის ოპერებს ჰქონდათ მრავალი სიმფონიური ჩანართი და რეჩიტატივი.

„სიმფონიური მუსიკის რეფორმა ჩაატარა ფრანგმა კომპოზიტორმა C. Debussy-მ. დებიუსიმ ფაქტობრივად მიატოვა სიმფონიური მუსიკის ჩვეულებრივი მელოდიები. ის ცდილობდა გრძნობების ასახვას დამკვიდრებული მუსიკალური ფორმების განადგურებით.

ფრანც შუბერტი არის ავსტრიელი კომპოზიტორი, მუსიკაში რომანტიზმის ერთ-ერთი ფუძემდებელი, 600-მდე სიმღერის, ცხრა სიმფონიის, ასევე დიდი რაოდენობით კამერული და სოლო საფორტეპიანო მუსიკის ავტორი. (უსმენს ჩანაწერის ფრაგმენტს "ტყის მეფე") ფრედერიკ შოპენი არის მრავალი ნაწარმოების ავტორი ფორტეპიანოსათვის.

პოლონური მუსიკალური ხელოვნების უდიდესი წარმომადგენელი. მან მრავალი ჟანრის ინტერპრეტაცია ახლებურად განმარტა: რომანტიკულ საფუძველზე გააცოცხლა პრელუდია, შექმნა ფორტეპიანოს ბალადა, პოეტური და დრამატიზირებული ცეკვები - მაზურკა, პოლონეზი, ვალსი; სკერცო დამოუკიდებელ ნაწარმოებად აქცია.

ჯუზეპე ვერდი დიდი იტალიელი კომპოზიტორია, რომლის შემოქმედება მსოფლიო ოპერის ერთ-ერთი უდიდესი მიღწევა და მე-19 საუკუნის იტალიური ოპერის განვითარების კულმინაციაა. კომპოზიტორმა შექმნა 26-ზე მეტი ოპერა და ერთი რეკვიემი. კომპოზიტორის საუკეთესო ოპერები: Un ballo in maschera, Rigoletto, Trovatore, La Traviata. შემოქმედების მწვერვალია უახლესი ოპერები: "აიდა", "ოტელო".

ჟორჟ ბიზე არის რომანტიული პერიოდის ფრანგი კომპოზიტორი, საორკესტრო ნაწარმოებების, რომანსების, ფორტეპიანოს პიესების, ასევე ოპერების ავტორი, რომელთაგან ყველაზე ცნობილი იყო კარმენი.

კლოდ დებიუსი იყო არა მხოლოდ ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი ფრანგი კომპოზიტორი, არამედ მე-19 და მე-20 საუკუნეების მიჯნაზე მუსიკის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი ფიგურა; მისი მუსიკა წარმოადგენს გარდამავალ ფორმას გვიანი რომანტიული მუსიკიდან მოდერნიზმამდე მე-20 საუკუნის მუსიკაში.

რუსეთის ფედერაციის ტრანსპორტის სამინისტრო

ფედერალური სახელმწიფო ბიუჯეტის საგანმანათლებლო
უმაღლესი სასწავლებელი
"რუსეთის ტრანსპორტის უნივერსიტეტი"
RUT (MIIT)
რუსეთის ღია სატრანსპორტო აკადემია

ტრანსპორტის ფაკულტეტი

ფილოსოფიის, სოციოლოგიის და ისტორიის კათედრა

Პრაქტიკული სამუშაო

დისციპლინის მიხედვით

"კულტუროლოგია"

მე გავაკეთე სამუშაო

1 კურსის სტუდენტი

ZSA-192 ჯგუფი

ნიკინ ა.ა.

კოდი 1710-ts/SDs-0674

მოსკოვი 2017-2018 წწ

პრაქტიკული გაკვეთილი No1

დავალება: მიეცით თქვენს ქალაქში (სოფელი, რაიონი) არქიტექტურული ნაწარმოების მნიშვნელოვანი ანალიზი.

რკინიგზის მუშაკთა ძეგლი, 2006 წ მოქანდაკე ი.დიკუნოვი

მე ვარ ვორონეჟის რაიონის ქალაქ ლისკიდან. ჩემი ქალაქი ყველაზე დიდი სარკინიგზო კვანძია. 1871 წლიდან ქალაქის ისტორია გადაჯაჭვულია რკინიგზის განვითარებასთან. ჩვენს ქალაქში ყოველი მეექვსე მაცხოვრებელი მჭიდროდ არის დაკავშირებული რკინიგზის პროფესიასთან, ამიტომ, როდესაც გაჩნდა კითხვა სამხრეთ-აღმოსავლეთის რკინიგზის 140 წლის იუბილესთან დაკავშირებით ძეგლის ადგილმდებარეობის შესახებ, არჩევანი ჩვენს ქალაქზე დაეცა. რკინიგზის მუშაკთა ძეგლი 2006 წელს გაიხსნა.

ეს არის ერთ-ერთი იმ რამდენიმე ორიგინალური ნამუშევარი ქალაქში, რომელიც დამზადებულია ცნობილი ვორონეჟელი მოქანდაკის ივან დიკუნოვის მიერ მეუღლესთან ელზა პაკთან და ვაჟებთან მაქსიმსა და ალექსეითან თანამშრომლობით. ისინი არიან საბჭოთა კავშირისა და რუსეთის გმირების ბიუსტების ავტორები დიდების ბილიკზე, ასევე ზღაპრის გმირები, რომლებიც ამშვენებს ჩვენს ქალაქში ქალაქის პარკს.

დიკუნოვი ივან პავლოვიჩი - რუსეთის ფედერაციის დამსახურებული არტისტი, დამსახურებული არტისტი, სახელმწიფო პრემიის ლაურეატი 1990 წელს. პეტროვსკის მეცნიერებათა და ხელოვნების აკადემიის ნამდვილი წევრი, პროფესორი.

ივან პავლოვიჩი დაიბადა 1941 წელს ვორონეჟის რაიონის პავლოვსკის რაიონის სოფელ პეტროვკაში. მისი ბავშვობა ომის შემდგომ რთულ წლებში იყო. მიუხედავად სირთულეებისა, მან გამონახა დრო შემოქმედებისთვის - უყვარდა ხატვა, უფრო მეტად კი ძერწვა. მაშინაც შესამჩნევი იყო მისი ნიჭი. ივან დიკუნოვმა დაამთავრა ლენინგრადის სამხატვრო სკოლა V.A. სეროვი 1964 წელს, შემდეგ ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის ინსტიტუტი. ი.ე. რეპინი 1970 წელს. 1985 წელს ის ჩავიდა ვორონეჟში და სამუშაოდ წავიდა ვორონეჟის არქიტექტურისა და სამოქალაქო ინჟინერიის სახელმწიფო ინსტიტუტში, სადაც ასწავლიდა 20 წლის განმავლობაში. 1988 წლიდან 1995 წლამდე დიკუნოვი იყო ვორონეჟის სამხატვრო სკოლის მასწავლებელი.

ვორონეჟისა და ლიპეცკის რეგიონების ქალაქებში, VGASU-ს კოლეგებთან თანამშრომლობით, ივან პავლოვიჩმა შექმნა მრავალი მნიშვნელოვანი ძეგლი, რომელიც წარმოადგენს არქიტექტურული გარემოს ფორმირების უნიკალურ სურათებს და წარმოადგენს მონუმენტური ქანდაკებისა და არქიტექტურის ერთობლიობას. ის იყო პროექტების ავტორი და შემოქმედებითი ჯგუფების ლიდერი ვორონეჟის ძეგლების შესაქმნელად გამოჩენილი რუსი პიროვნებებისთვის - M.E. Pyatnitsky (1987), A.S. Pushkin (1999), A.P. პლატონოვი (1999) და სხვები. ივან პავლოვიჩი მუდმივად მონაწილეობს რეგიონულ, ზონალურ, რესპუბლიკურ, გაერთიანებულ, რუსულ და უცხოურ გამოფენებში.

დიკუნოვის თქმით, რკინიგზის მუშაკთა ძეგლზე მუშაობას სამი წელი დასჭირდა და მისი მთავარი იდეა იყო რკინიგზის იდეის ჩვენება მოძრაობაში. ძეგლი მდებარეობს ქალაქ ლისკის შესასვლელთან და არის ჩვენი ქალაქის დამახასიათებელი ნიშანი.

რკინიგზის მუშაკთა ძეგლი არის ძეგლი, რომელიც გვაოცებს თავისი რთული კომპოზიციით, ღრმა მნიშვნელობითა და სიმბოლიზმით. თავდაპირველი გეგმის მიხედვით, ძეგლი იყო რკინიგზის მუშაკების გამოსახულება, რომლებიც სვეტიდან სხვადასხვა მიმართულებით შორდებიან. მაგრამ შემდგომში მოქანდაკეები მივიდნენ კომპოზიციამდე, რომელშიც ორივე ფიგურა დადის პლატფორმის გასწვრივ იმავე მიმართულებით. ამან განაპირობა წინსვლისა და ერთიანობის ტონი რკინიგზის მუშაკთა თაობების განუყოფელ კავშირში.

ძეგლის შესაქმნელად გამოიყენეს ქვა და ლითონი. იგი შეიცავს უამრავ სიმბოლურ დეტალს, რომლებიც ფრთხილად შემოწმების შემდეგ ქმნიან რკინიგზის ტევად, განუყოფელ სურათს. კომპოზიციის ცენტრში არის მაღალი, ელეგანტური ფორმის სვეტი კვადრატულ კვარცხლბეკზე, შემკული სამუშაო იარაღების გამოსახულებებით განსხვავებული სხივების ფონზე. იგი დაგვირგვინებულია რკინიგზის ემბლემით და წარწერით „ლისკი“. 3,5 მეტრის სიმაღლის ფიგურები წარმოადგენენ რკინიგზის მუშაკთა ორ თაობას - რკინიგზის მუშაკს ფარანითა და გრძელი ჩაქუჩით, XIX საუკუნის გამოსახულება და თანამედროვე მძღოლი ფორმაში, პორტფელით ხელში. როგორც ჩანს, ისინი მატარებლის მახლობლად პლატფორმის გასწვრივ დადიან.

ტანსაცმლისა და აღჭურვილობის დეტალები შეირჩა განსაკუთრებული სიფრთხილით: მათ შეინარჩუნეს ფორმა და ხელახლა შექმნეს დახვეწილობა მუზეუმის ნახატებიდან და ექსპონატებიდან. მოქანდაკეების მოდელები იყვნენ ლისკინსკის სარკინიგზო კვანძის მუშები. ფილის კიდესთან არის წარწერა: „ეძღვნება რკინიგზის მუშაკებს, მშრომელებს, მეომრებს და გმირებს SE რკინიგზის 140 წლის განმავლობაში.

ეს ძეგლი მაძლევს სიამაყის განცდას ჩემი ქალაქისთვის, რიგითი მშრომელი ხალხისთვის, რომელთა რთული, საპასუხისმგებლო პროფესია ძეგლშია უკვდავებული. და სხვადასხვა თაობის ორი მოღვაწე ამბობს, რომ რკინიგზა წინ მიიწევს განვითარებაში, ყოველწლიურად იხვეწება.

პრაქტიკული დავალება No2

დავალება: მიეცით თქვენი ქალაქის (სოფლის, რეგიონის) მხატვრის ნახატის მნიშვნელოვანი ანალიზი.

ჩემი თანამემამულე იყო ცნობილი რუსი მხატვარი ივან ნიკოლაევიჩ კრამსკოი (1837 წლის 27 მაისი - 1887 წლის 24 მარტი). იგი დაიბადა ქალაქ ოსტროგოჟსკში, ვორონეჟის პროვინციაში (ჩემი მშობლიური ქალაქ ლისკიდან 30 კმ) არასრულწლოვანთა ოჯახში.

სწავლობდა პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიაში (1863-1868) 1863 წ. დაჯილდოვდა მცირე ოქროს მედლით ნახატისთვის "მოსე გამოაქვს წყალი კლდიდან". კრამსკოი იყო "თოთხმეტის აჯანყების" ინიციატორი, რომელიც დასრულდა სამხატვრო აკადემიის კურსდამთავრებულთა გასვლით, რომლებმაც მოაწყვეს მხატვართა არტელი. ის ასევე იყო 1870 წელს "მოგზაური ხელოვნების გამოფენების ასოციაციის" ერთ-ერთი დამფუძნებელი. .” რუსი დემოკრატიული რევოლუციონერების იდეების გავლენით, კრამსკოიმ დაიცვა მათთან შეთანხმებული აზრი მხატვრის მაღალი სოციალური როლის, რეალიზმის ფუნდამენტური პრინციპების, ხელოვნების მორალური არსის და მისი ეროვნების შესახებ. 1869 წელს ასწავლიდა მხატვართა წახალისების საზოგადოების ნახატის სკოლაში. 1869 წელს კრამსკოიმ მიიღო აკადემიკოსის წოდება.

XIX საუკუნის 70-80-იანი წლები ივან ნიკოლაევიჩისთვის გახდა პერიოდი, როდესაც დაიწერა მისი ყველაზე ცნობილი ნაწარმოებები - ეს არის "პოლესოვშიკი", "მინა მოისეევა", "გლეხი ლაგამი" და სხვა. მხატვარი სულ უფრო მეტად აერთიანებდა პორტრეტს და ყოველდღიურ თემებს თავის ნამუშევრებში ("უცხო", "უნუგეშო მწუხარება").

კრამსკოის ბევრი ნახატი აღიარებულია, როგორც რუსული მხატვრობის კლასიკა; ის იყო პორტრეტების, ისტორიული და ჟანრული სცენების ოსტატი.

მინდა შევჩერდე მისი ნახატის „ქრისტე უდაბნოში“ ანალიზზე, რომელსაც განსაკუთრებული ადგილი უჭირავს ი.კრამსკოის შემოქმედებით ბიოგრაფიაში.

ქრისტე უდაბნოში.

ტილო, ზეთი.

180 x 210 სმ.

კრამსკოის იმ წლების მთავარი აზრი, რამაც იგი დიდად დაიპყრო, იყო იმ მაღალი ბუნების ცხოვრების ტრაგედია, რომლებმაც ნებაყოფლობით მიატოვეს ყოველგვარი პირადი ბედნიერება; საუკეთესო, ყველაზე სუფთა გამოსახულება, რაც მხატვარს შეეძლო თავისი იდეის გამოსახატავად, იყო იესო ქრისტე.

კრამსკოი მთელი ათი წლის განმავლობაში ფიქრობდა თავის ნახატზე. 1860-იანი წლების დასაწყისში, ჯერ კიდევ სამხატვრო აკადემიაში ყოფნისას, მან გააკეთა პირველი ესკიზი, 1867 წელს, ნახატის პირველი ვერსია, რომელიც მას არ აკმაყოფილებდა. ნახატის პირველი ვერსიის შეცდომა იყო ტილოს ვერტიკალური ფორმატი და მხატვარმა გადაწყვიტა, ჰორიზონტალურ ტილოზე ქვებზე მჯდომი უფრო დიდი კაცის სურათი დაეხატა. ჰორიზონტალურმა ფორმატმა შესაძლებელი გახადა წარმოედგინა გაუთავებელი კლდოვანი უდაბნოს პანორამა, რომლის გასწვრივ მარტოხელა კაცი დადიოდა მუნჯი სიჩუმეში დღე და ღამე. მხოლოდ დილით, დაღლილი და ძალაგამოცლილი დაჯდა ქვაზე, ჯერ კიდევ ვერაფერი უნახავს წინ. მის დაღლილ, პირქუშ სახეზე მტკივნეული და ღრმა განცდების კვალი ჩანს, ფიქრების სიმძიმე თითქოს მხრებზე დაედო და თავი დაუქნია.

სურათის სიუჟეტი უკავშირდება იესო ქრისტეს ორმოცდღიან მარხვას ახალ აღთქმაში აღწერილ უდაბნოში, სადაც ის პენსიაზე გავიდა ნათლობის შემდეგ და ქრისტეს ცდუნებას ეშმაკის მიერ, რაც მოხდა ამ მარხვის დროს. მხატვრის თქმით, მას სურდა აღებეჭდა მორალური არჩევანის დრამატული სიტუაცია, რომელიც გარდაუვალი იყო თითოეული ადამიანის ცხოვრებაში.

ნახატზე გამოსახულია ქრისტე მჯდომარე ნაცრისფერ ქვაზე, რომელიც მდებარეობს იმავე ნაცრისფერ კლდოვან უდაბნოში, გორაზე. კრამსკოი იყენებს ცივ ფერებს ადრეული დილის გამოსახატავად - გარიჟრაჟი ახლახან იწყება. ჰორიზონტის ხაზი საკმაოდ დაბლა ეშვება, სურათს უხეშად შუაზე ყოფს. ქვედა ნაწილში ცივი კლდოვანი უდაბნოა, ზევით კი გათენებამდელი ცა, სინათლის, იმედისა და მომავლის გარდაქმნის სიმბოლო. შედეგად, ქრისტეს ფიგურა, რომელიც გამოწყობილია წითელ ქიტონში და მუქი ლურჯი კონცხით, დომინირებს სურათის სივრცეში, მაგრამ ჰარმონიაშია მიმდებარე მკაცრ პეიზაჟთან. ცივ ქვებს შორის გამოსახულ მარტოსულ ფიგურაში გრძნობს არა მხოლოდ სევდიან ფიქრს და დაღლილობას, არამედ „მზადყოფნას გადადგას პირველი ნაბიჯი გოლგოთაში მიმავალ კლდოვან გზაზე“.

ქრისტეს ხელები (სურათის დეტალი)

ტანსაცმლის გამოსახვის თავშეკავება საშუალებას აძლევს მხატვარს მთავარი მნიშვნელობა მიანიჭოს ქრისტეს სახეს და ხელებს, რომლებიც ქმნიან გამოსახულების ფსიქოლოგიურ დამაჯერებლობას და ჰუმანურობას. მჭიდროდ შეკრული ხელები მდებარეობს ტილოს თითქმის ცენტრში. ისინი ქრისტეს სახესთან ერთად წარმოადგენენ კომპოზიციის სემანტიკურ და ემოციურ ცენტრს, იპყრობენ მაყურებლის ყურადღებას. შეკრული ხელები, რომლებიც მდებარეობს ჰორიზონტის ხაზის დონეზე, „კრუნჩხვითი ნებაყოფლობითი დაძაბულობის პირობებში, თითქოს ცდილობს, როგორც ქვაბის ქვა, მთელი სამყარო - ცა და დედამიწა - ერთად დააკავშიროს“. ქრისტეს შიშველი ფეხები ჭრიან ბასრ ქვებზე დიდხანს სიარულისგან. მაგრამ ამასობაში ქრისტეს სახე წარმოუდგენელ ნებისყოფას გამოხატავს.

ამ ნაწარმოებში მოქმედება არ არის, მაგრამ თვალსაჩინოდ არის ნაჩვენები სულის ცხოვრება და აზროვნების შრომა. ნახატზე ქრისტე უფრო ჰგავს კაცს, თავისი ტანჯვითა და ეჭვებით, ვიდრე ღმერთს და ეს მის გამოსახულებას გასაგები და ახლობელი ხდის მნახველს. ეს ადამიანი დგამს მნიშვნელოვან ნაბიჯს ცხოვრებაში და მის გადაწყვეტილებაზეა დამოკიდებული იმ ადამიანების ბედი, ვისაც მისი სჯერა, გმირის სახეზე ვხედავთ ამ პასუხისმგებლობის ტვირთს.

ამ სურათს რომ უყურებ, ხვდები, რომ ცდუნება ადამიანის ცხოვრების ნაწილია. ხშირად ადამიანებს არჩევანის წინაშე დგანან: იმოქმედონ პატიოსნად, სამართლიანად, ან, პირიქით, გააკეთონ რაიმე უკანონო და გასაკიცხი. აბსოლუტურად ყველა გადის ამ გამოცდას. ეს სურათი მეუბნება, რომ რაც არ უნდა დიდი იყოს ცდუნება, თქვენ უნდა იპოვოთ ძალა საკუთარ თავში, რომ ებრძოლოთ მას.

დღეს ეს ნახატი მოსკოვის ტრეტიაკოვის გალერეაშია.

ბიბლიოგრაფია:

1. (ელექტრონული რესურსი) ლისკის რკინიგზის მუშაკთა ძეგლი - წვდომის რეჟიმი: https:// yandex.ru / search / ? ტექსტი = ლისკის რკინიგზის მუშაკთა ძეგლი (შესვლის თარიღი: 2017 წლის 23 ნოემბერი)

2. (ელექტრონული რესურსი): დიკუნოვი ივან პავლოვიჩი მოქანდაკე vrnsh.ru›?page_id=1186 (წვდომის თარიღი 23.11.2017)

3. გამოჩენილი ადამიანების ცხოვრება. 70 ცნობილი მხატვარი. ბედი და შემოქმედება. ა.ლადვინსკაია დონეცკი - 2006 წ 448 გვ.

4. 100 დიდი ნახატი. მოსკოვი. გამომცემლობა „ვეჩე“ - 2003 წ., 510 გვ.