დიდი ჰოლანდიელი. რემბრანდტი და ვინსენტ ვან გოგი - დიდი ჰოლანდიელი მხატვრები სხვა ჰოლანდიელი მხატვრები

ხილი და ფრენა

მხატვარი იან ვან ჰუსუმი, დიდი მხატვარი და ჰოლანდიური ნატურმორტის ოსტატი, ცხოვრობდა მეჩვიდმეტე საუკუნის ბოლოს და მეთვრამეტე საუკუნის დასაწყისში და უდიდესი პოპულარობით სარგებლობდა თავის თანამედროვეებში.

ძალიან ცოტაა ცნობილი იან ვან ჰიუისუმის ცხოვრებისა და მოღვაწეობის შესახებ. იგი დაიბადა მხატვრის იუსტუს ვან ჰუისუმ უფროსის ოჯახში, მისი სამი ძმაც მხატვრები იყვნენ. 1704 წელს იან ვან ჰაისუმი დაქორწინდა მარგარეტ შუტენზე.

იან ვან ჰუისუმის პორტრეტი არნოლდ ბონენის მიერ, დაახლოებით 1720 წ

მხატვარი ძალიან სწრაფად გახდა ცნობილი მხატვარი და ჰოლანდიური ნატურმორტის აღიარებული ოსტატი. გვირგვინოსანი თავები თავიანთ პალატებსა და სახელმწიფო ოთახებს ოსტატის ნახატებით ამშვენებდნენ. იან ვან ჰუისუმის ნამუშევრები არ იყო ხელმისაწვდომი დანარჩენი საზოგადოებისთვის. ფაქტია, რომ ოსტატი თითოეულ ნახატზე ძალიან დიდხანს მუშაობდა. და მისი ნამუშევრები ძალიან ძვირი ღირდა - ათჯერ უფრო ძვირი, ვიდრე რემბრანდტის, იან სტეინის და ალბერტ კუიპის ნახატები.
თითოეული ნახატი შედგება გამჭვირვალე საღებავისა და ზედმიწევნით შეღებილი დეტალების ათობით ფენისგან: ფენა-ფენა და სტრიქონი. ამრიგად, რამდენიმე წლის განმავლობაში დაიბადა ამ ოსტატის ნატურმორტი.

იან ვან ჰუისუმის ფუნჯები მოიცავს რამდენიმე საკმაოდ საინტერესო პეიზაჟს, მაგრამ მხატვრის მთავარი თემა ნატურმორტია. ექსპერტები იან ვან ჰიუისუმის ნატურმორტებს ორ ჯგუფად ყოფენ: ნატურმორტები ღია ფონზე და ნატურმორტები ბნელ ფონზე. "მსუბუქი ნატურმორტები" მხატვრისგან უფრო "მომწიფებულ" უნარს მოითხოვს - გამოცდილება და ნიჭია საჭირო სინათლის კომპეტენტური მოდელირებისთვის. თუმცა ეს უკვე დეტალებია.

ჯობია ამ ნამუშევრებს გადახედო. ისინი მართლაც მშვენიერია.

მხატვრის იან ვან ჰიუისუმის ნახატები

ხილი, ყვავილები და მწერები

მელოუები და სხვა ყვავილები ვაზაში

ყვავილები და ხილი

ვაზა ყვავილებით

ყვავილები და ხილი

ვაზა ყვავილებით

ყვავილები და ხილი

ყვავილები ტერაკოტას ვაზაში

ვაზა ყვავილებით ნიშში

ხილი და ყვავილები

კალათა ყვავილებით და პეპლებით

Შენიშვნა. ნიდერლანდებიდან ჩამოსული მხატვრების გარდა, სიაში ასევე მოხვდნენ ფლანდრიელი მხატვრები.

მე-15 საუკუნის ჰოლანდიური ხელოვნება
რენესანსის ხელოვნების პირველი გამოვლინებები ნიდერლანდებში თარიღდება მე-15 საუკუნის დასაწყისში. პირველი ნახატები, რომლებიც უკვე შეიძლება კლასიფიცირდეს ადრეული რენესანსის ძეგლებად, შექმნეს ძმებმა ჰუბერტმა და იან ვან ეიკებმა. ორივემ - ჰუბერტმა (გარდაიცვალა 1426 წელს) და იანმა (დაახლოებით 1390-1441) - გადამწყვეტი როლი ითამაშეს ჰოლანდიური რენესანსის ჩამოყალიბებაში. ჰუბერტის შესახებ თითქმის არაფერია ცნობილი. იანი აშკარად ძალიან განათლებული კაცი იყო, სწავლობდა გეომეტრიას, ქიმიას, კარტოგრაფიას და ასრულებდა დიპლომატიური დავალებების შესრულებას ბურგუნდიის ჰერცოგ ფილიპ კარგისთვის, რომლის სამსახურშიც, სხვათა შორის, შედგა მისი მოგზაურობა პორტუგალიაში. რენესანსის პირველი ნაბიჯები ნიდერლანდებში შეიძლება ვიმსჯელოთ ძმების ნახატებით, შესრულებული მე-15 საუკუნის 20-იან წლებში და მათ შორის, როგორიცაა „მირონის მატარებელი ქალები საფლავზე“ (შესაძლოა პოლიპტიხის ნაწილი; როტერდამი. , მუზეუმი ბოიმანს ვან ბეინინგენი), ” მადონა ეკლესიაში” (ბერლინი), ”სენტ ჯერონიმი” (დეტროიტი, ხელოვნების ინსტიტუტი).

ძმები ვან ეიკები განსაკუთრებულ ადგილს იკავებენ თანამედროვე ხელოვნებაში. მაგრამ ისინი არ იყვნენ მარტო. პარალელურად მათთან ერთად მუშაობდნენ სხვა მხატვრებიც, რომლებიც სტილისტურად და პრობლემურად იყვნენ მათთან დაკავშირებული. მათ შორის პირველი ადგილი უდავოდ ეკუთვნის ე.წ. Flemal master-ს. მრავალი ეშმაკური მცდელობა გაკეთდა მისი ნამდვილი სახელისა და წარმომავლობის დასადგენად. მათგან ყველაზე დამაჯერებელი ვერსია ის არის, რომ ამ მხატვარს აქვს სახელი რობერტ კამპინი და საკმაოდ განვითარებული ბიოგრაფია. ადრე ეწოდებოდა მეროდის საკურთხევლის (ან "ხარების" ოსტატი). ასევე არსებობს არადამაჯერებელი თვალსაზრისი, რომელიც მისთვის მიკუთვნებულ ნამუშევრებს ახალგაზრდა როჟე ვან დერ ვეიდენს მიაწერს.

კამპინის შესახებ ცნობილია, რომ იგი დაიბადა 1378 ან 1379 წელს ვალენსიენში, მიიღო ოსტატის წოდება 1406 წელს ტურნაიში, ცხოვრობდა იქ, ასრულებდა, მხატვრობის გარდა, მრავალი დეკორატიული ნამუშევარი, იყო მრავალი მხატვრის მასწავლებელი (მათ შორის როჟე ვან დერ ვაიდენი, რომელიც ქვემოთ იქნება განხილული - 1426 წლიდან და ჟაკ დარაის - 1427 წლიდან) და გარდაიცვალა 1444 წელს. კამპენის ხელოვნებამ შეინარჩუნა ყოველდღიური თვისებები ზოგად "პანთეისტურ" სქემაში და ამით აღმოჩნდა ძალიან ახლოს ჰოლანდიელი მხატვრების მომდევნო თაობასთან. როჟე ვან დერ ვეიდენისა და ჟაკ დარაისის ადრეული ნამუშევრები, ავტორი, რომელიც უკიდურესად იყო დამოკიდებული კამპინზე (მაგალითად, მისი "მოძღვრების თაყვანისცემა" და "მარიამისა და ელისაბედის შეხვედრა", 1434-1435; ბერლინი), აშკარად ცხადყოფს. ინტერესი ამ ოსტატის ხელოვნებისადმი, რომელშიც უდავოა დროის ტენდენცია.

როჟე ვან დერ ვეიდენი დაიბადა 1399 ან 1400 წელს, გაწვრთნილი იყო კამპინის ქვეშ (ანუ ტურნეში), 1432 წელს მიიღო ოსტატის წოდება, ხოლო 1435 წელს გადავიდა ბრიუსელში, სადაც იყო ქალაქის ოფიციალური მხატვარი: 1449 წელს – 1450 იგი იმოგზაურა იტალიაში და გარდაიცვალა 1464 წელს. მასთან ერთად სწავლობდა ჰოლანდიური რენესანსის ზოგიერთი უდიდესი მხატვარი (მაგალითად, მემლინგი) და ფართო პოპულარობით სარგებლობდა არა მხოლოდ სამშობლოში, არამედ იტალიაშიც (ცნობილი მეცნიერი და ფილოსოფოსი). ნიკოლოზ კუზაელმა მას უწოდა უდიდესი მხატვარი; მოგვიანებით დიურერმა აღნიშნა მისი შემოქმედება). როჟე ვან დერ ვეიდენის ნამუშევარი მკვებავი საფუძველი იყო მომავალი თაობის მხატვრების მრავალფეროვნებისთვის. საკმარისია ითქვას, რომ მისმა სახელოსნომ - პირველმა ფართოდ ორგანიზებულმა სახელოსნომ ნიდერლანდებში - ძლიერი გავლენა მოახდინა მე-15 საუკუნეში ერთი ოსტატის სტილის უპრეცედენტო გავრცელებაზე, საბოლოოდ შეამცირა ეს სტილი სტენლის ტექნიკის ჯამამდე და ითამაშა კიდეც. მუხრუჭის როლი ფერწერაზე საუკუნის ბოლოს. და მაინც, მე-15 საუკუნის შუა პერიოდის ხელოვნება არ შეიძლება შემცირდეს როჰირის ტრადიციამდე, თუმცა ის მჭიდროდ არის დაკავშირებული მასთან. სხვა გზა განსახიერებულია ძირითადად დირიკ ბუტსისა და ალბერტ ოუვატერის ნამუშევრებით. მათ, ისევე როგორც როჟეს, გარკვეულწილად უცხოა სიცოცხლის პანთეისტური აღტაცება და მათი იმიჯი ადამიანის შესახებ სულ უფრო და უფრო კარგავს კავშირს სამყაროს კითხვებთან - ფილოსოფიურ, თეოლოგიურ და მხატვრულ კითხვებთან, იძენს უფრო და უფრო მეტ კონკრეტულობას და ფსიქოლოგიურ დარწმუნებას. მაგრამ როჟე ვან დერ ვეიდენი, ამაღლებული დრამატული ჟღერადობის ოსტატი, მხატვარი, რომელიც მიისწრაფოდა ინდივიდუალური და ამავე დროს ამაღლებული გამოსახულებებისკენ, ძირითადად დაინტერესებული იყო ადამიანის სულიერი თვისებების სფეროთი. Bouts-ისა და Ouwater-ის მიღწევები მდგომარეობს გამოსახულების ყოველდღიური ავთენტურობის გაძლიერების სფეროში. ფორმალურ პრობლემებს შორის, მათ უფრო მეტად აინტერესებდათ საკითხები, რომლებიც დაკავშირებულია არა იმდენად ექსპრესიული, როგორც ვიზუალური პრობლემების გადაჭრასთან (არა ნახატის სიმკვეთრე და ფერის გამოხატვა, არამედ სურათის სივრცითი ორგანიზაცია და მსუბუქი ჰაერის გარემოს ბუნებრიობა). .

ახალგაზრდა ქალის პორტრეტი, 1445, ხელოვნების გალერეა, ბერლინი

წმინდა ივო, 1450, ეროვნული გალერეა, ლონდონი

წმინდა ლუკა ხატავს მადონას გამოსახულებას, 1450 წელი, გრონინგენის მუზეუმი, ბრიუგე

მაგრამ სანამ ამ ორი მხატვრის ნამუშევრების განხილვას გადავიდოდეთ, ღირს უფრო მცირე მასშტაბის ფენომენზე შეჩერება, რომელიც გვიჩვენებს, რომ შუა საუკუნის ხელოვნების აღმოჩენები, როგორც ვან ეიკ-კამპენის ტრადიციის გაგრძელება, ასევე გამგზავრებაა. მათგან ღრმად გაამართლეს ორივე ამ თვისებაში. უფრო კონსერვატიული მხატვარი პეტრუს კრისტუსი ნათლად აჩვენებს ამ განდგომის ისტორიულ გარდაუვალობას, თუნდაც მხატვრებისთვის, რომლებიც არ არიან მიდრეკილნი რადიკალური აღმოჩენებისკენ. 1444 წლიდან კრისტუსი გახდა ბრიუგეს მოქალაქე (იგი გარდაიცვალა იქ 1472/1473 წლებში) - ანუ მან ნახა ვან ეიკის საუკეთესო ნამუშევრები და მისი ტრადიციის გავლენა მოახდინა. როჟე ვან დერ ვეიდენის მკვეთრი აფორიზმის გარეშე, კრისტუსმა მიაღწია უფრო ინდივიდუალურ და დიფერენცირებულ დახასიათებას, ვიდრე ვან ეიკმა. თუმცა, მისი პორტრეტები (ე. გრიმსტონი - 1446, ლონდონი, ეროვნული გალერეა; ქართუსი ბერი - 1446, ნიუ-იორკი, მეტროპოლიტენის ხელოვნების მუზეუმი) ამავე დროს მიუთითებს მის შემოქმედებაში გამოსახულების გარკვეულ დაცემაზე. ხელოვნებაში უფრო და უფრო ცხადი ხდებოდა ლტოლვა კონკრეტულის, ინდივიდუალურისა და განსაკუთრებულის მიმართ. შესაძლოა, ეს ტენდენციები ყველაზე მკაფიოდ გამოიხატა ბუტსის შემოქმედებაში. როჟე ვან დერ ვეიდენზე ახალგაზრდა (დაიბადა 1400-1410 წლებში), ის შორს იყო ამ ოსტატის დრამატული და ანალიტიკური ხასიათისგან. თუმცა ადრეული ბოუტსი ძირითადად როჟედან მოდის. საკურთხეველი "ჯვრიდან დაშვებით" (გრანადა, ტაძარი) და მრავალი სხვა ნახატი, მაგალითად, "Entombment" (ლონდონი, ეროვნული გალერეა), მიუთითებს ამ მხატვრის შემოქმედების ღრმა შესწავლაზე. მაგრამ ორიგინალობა აქ უკვე შესამჩნევია - ბოტსი თავის გმირებს უფრო მეტ სივრცეს აძლევს, მას აინტერესებს არა იმდენად ემოციური გარემო, რამდენადაც მოქმედება, მისი პროცესი, მისი პერსონაჟები უფრო აქტიურები არიან. იგივე ეხება პორტრეტებს. კაცის შესანიშნავ პორტრეტში (1462; ლონდონი, ეროვნული გალერეა), ლოცვით აწეული - თუმცა ყოველგვარი ამაღლების გარეშე - თვალები, განსაკუთრებული პირი და აკურატულად დაკეცილი ხელები ისეთი ინდივიდუალური შეღებვა აქვთ, რომ ვან ეიკმა არ იცოდა. დეტალებშიც კი შეგიძლიათ იგრძნოთ ეს პირადი შეხება. გარკვეულწილად პროზაული, მაგრამ უდანაშაულოდ რეალური ასახვა დევს ოსტატის ყველა ნამუშევარში. ყველაზე მეტად შესამჩნევია მის მრავალფიგურულ კომპოზიციებში. და განსაკუთრებით მის ყველაზე ცნობილ ნაწარმოებში - წმინდა პეტრეს ლუვენის ეკლესიის საკურთხეველი (1464 და 1467 წლებში). თუ მაყურებელი ყოველთვის აღიქვამს ვან ეიკის შემოქმედებას, როგორც შემოქმედების, შემოქმედების სასწაულს, მაშინ ბოუტსის ნამუშევრებამდე სხვადასხვა გრძნობები ჩნდება. ბუტსის კომპოზიციური ნამუშევარი ბევრს მეტყველებს მასზე, როგორც რეჟისორზე. ასეთი „რეჟისორის“ მეთოდის წარმატებების გათვალისწინებით (ანუ მეთოდი, რომლის დროსაც მხატვრის ამოცანაა დამახასიათებელი პერსონაჟების მოწყობა, თითქოს ბუნებიდან ამოღებული, სცენის ორგანიზება) მომდევნო საუკუნეებში, ყურადღება უნდა მიაქციოს ამას. ფენომენი დირკ ბოუტსის შემოქმედებაში.

ჰოლანდიური ხელოვნების შემდეგი ეტაპი მოიცავს მე-15 საუკუნის ბოლო სამ-ოთხ ათწლეულს - უკიდურესად მძიმე პერიოდი ქვეყნის ცხოვრებისა და კულტურისთვის. ეს პერიოდი იხსნება იოს ვან ვასენჰოვის (ან იოს ვან გენტი; 1435–1440 წლებში - 1476 წლის შემდეგ) შემოქმედებით, მხატვრის, რომელმაც მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა ახალი მხატვრობის განვითარებაში, მაგრამ რომელიც 1472 წელს გაემგზავრა იტალიაში, იქ აკლიმატიზირებული იყო და. ორგანულად ჩაერთო იტალიურ ხელოვნებაში. მისი საკურთხეველი „ჯვარცმით“ (გენტი, წმინდა ბავოს ეკლესია) თხრობის სურვილზე მიუთითებს, მაგრამ ამავე დროს ცივი უვნებლობის ამბის წართმევის სურვილზე. მას სურს მიაღწიოს ამ უკანასკნელს მადლისა და დეკორატიულობის დახმარებით. მისი საკურთხეველი არის საერო ნამუშევარი ბუნებაში, ღია ფერის სქემით, რომელიც დაფუძნებულია დახვეწილ ირისფერ ტონებზე.
ეს პერიოდი განსაკუთრებული ნიჭის ოსტატის - უგო ვან დერ გოესის მოღვაწეობით გრძელდება. იგი დაიბადა დაახლოებით 1435 წელს, გახდა ოსტატი გენტში 1467 წელს და გარდაიცვალა 1482 წელს. ჰუსის ადრეული ნამუშევრები მოიცავს მადონას და ბავშვის რამდენიმე სურათს, რომლებიც გამოირჩევიან გამოსახულების ლირიკული ასპექტით (ფილადელფია, ხელოვნების მუზეუმი და ბრიუსელი, მუზეუმი) და ნახატი „წმინდა ანა, მარიამი და ბავშვი და დონორი“ (ბრიუსელი). მუზეუმი). როჟე ვან დერ ვეიდენის დასკვნების შემუშავებისას ჰუსი კომპოზიციაში ხედავს არა იმდენად გამოსახულების ჰარმონიულად ორგანიზების გზას, არამედ სცენის ემოციური შინაარსის კონცენტრირებისა და ამოცნობის საშუალებას. ჰუსისთვის ადამიანი გამორჩეულია მხოლოდ მისი პირადი გრძნობების სიძლიერით. ამავდროულად, გასს ტრაგიკული გრძნობები იზიდავს. თუმცა, წმინდა ჟენევიევის გამოსახულება (გოდების უკანა მხარეს) მიუთითებს იმაზე, რომ შიშველი ემოციის ძიებაში უგო ვან დერ გოესმა დაიწყო ყურადღების მიქცევა მის ეთიკურ მნიშვნელობაზე. პორტინარის საკურთხეველში ჰუსი ცდილობს გამოხატოს თავისი რწმენა ადამიანის სულიერი შესაძლებლობების მიმართ. მაგრამ მისი ხელოვნება ხდება ნერვული და დაძაბული. ჰუსის მხატვრული ხერხები მრავალფეროვანია – განსაკუთრებით მაშინ, როცა მას სჭირდება ადამიანის სულიერი სამყაროს ხელახლა შექმნა. ზოგჯერ, როგორც მწყემსების რეაქციის გადმოცემისას, ახლო განცდებს გარკვეული თანმიმდევრობით ადარებს. ზოგჯერ, როგორც მარიამის გამოსახულებაში, მხატვარი ასახავს გამოცდილების ზოგად თავისებურებებს, რომლის მიხედვითაც მაყურებელი სრულყოფს გრძნობას მთლიანობაში. ზოგჯერ - ვიწროთვალა ანგელოზის ან მარგარიტას გამოსახულებებში - ის მიმართავს კომპოზიციურ ან რიტმულ ტექნიკას გამოსახულების გასაშიფრად. ხანდახან ფსიქოლოგიური გამოთქმის თვით უხერხულობაც მისთვის დამახასიათებელ საშუალებად იქცევა – ასე თამაშობს ღიმილის ანარეკლი მარია ბარონჩელის მშრალ, უფერულ სახეზე. და პაუზები დიდ როლს თამაშობს - სივრცითი გადაწყვეტილების მიღებაში და მოქმედებაში. ისინი იძლევიან შესაძლებლობას გონებრივად განავითარონ და დაასრულონ ის გრძნობა, რომელიც მხატვარმა გამოსახა გამოსახულებაში. უგო ვან დერ გოესის სურათების ხასიათი ყოველთვის დამოკიდებულია იმ როლზე, რომელიც მათ მთლიანობაში უნდა შეასრულონ. მესამე მწყემსი მართლაც ბუნებრივია, იოსები მთლიანად ფსიქოლოგიურია, მის მარჯვნივ ანგელოზი თითქმის არარეალურია, ხოლო მარგარეტისა და მაგდალინელის გამოსახულებები რთული, სინთეზური და აგებული უკიდურესად დახვეწილ ფსიქოლოგიურ გრადაციაზე.

უგო ვან დერ გოესს ყოველთვის სურდა გამოეხატა და გამოესახა ადამიანის სულიერი სიმდაბლე, მისი შინაგანი სითბო. მაგრამ არსებითად, მხატვრის უახლესი პორტრეტები მიუთითებს ჰუსის შემოქმედებაში მზარდ კრიზისზე, რადგან მისი სულიერი სტრუქტურა წარმოიშვა არა იმდენად პიროვნების ინდივიდუალური თვისებების გაცნობიერებით, არამედ ადამიანისა და სამყაროს ერთიანობის ტრაგიკული დაკარგვით. ხელოვანი. ბოლო ნამუშევარში - "მარიამის სიკვდილი" (ბრიუგე, მუზეუმი) - ეს კრიზისი იწვევს მხატვრის ყველა შემოქმედებითი მისწრაფების კრახს. მოციქულთა სასოწარკვეთა უიმედოა. მათი ჟესტები უაზროა. გასხივოსნებაში მცურავი ქრისტე, თავისი ტანჯვით, თითქოს ამართლებს მათ ტანჯვას და მისი გახვრეტილი ხელები მაყურებლისკენ არის მიბრუნებული და განუსაზღვრელი ზომის ფიგურა არღვევს ფართომასშტაბიან სტრუქტურას და რეალობის განცდას. ასევე შეუძლებელია მოციქულთა გამოცდილების რეალობის გაგება, რადგან მათ ყველას ერთნაირი გრძნობა ჰქონდათ. და ეს არ არის იმდენად მათი, რამდენადაც მხატვრის. მაგრამ მისი მატარებლები მაინც ფიზიკურად რეალური და ფსიქოლოგიურად დამაჯერებელი არიან. მსგავსი გამოსახულებები მოგვიანებით გაცოცხლდება, როდესაც მე-15 საუკუნის ბოლოს ჰოლანდიურ კულტურაში ასწლიანი ტრადიცია დასრულდა (ბოშში). უცნაური ზიგზაგი ქმნის ნახატის კომპოზიციის საფუძველს და აწყობს მას: მჯდომარე მოციქული, ერთადერთი უმოძრაო, უყურებს მნახველს, მარცხნიდან მარჯვნივ გადახრილი, დამხობილი მარიამი მარჯვნიდან მარცხნივ, ქრისტე ცურავს მარცხნიდან მარჯვნივ. . და იგივე ზიგზაგი ფერთა სქემაში: მჯდომარე ადამიანის ფიგურა ასოცირდება ფერად მარიამთან, მოღუშულ ლურჯ ქსოვილზე მწოლიარე, ხალათში ასევე ლურჯი, მაგრამ უკიდურესი, უკიდურესი ლურჯი, შემდეგ - ეთერული, ქრისტეს არამატერიალური ლურჯი. ირგვლივ კი მოციქულთა სამოსის ფერებია: ყვითელი, მწვანე, ლურჯი - უსაზღვროდ ცივი, ნათელი, არაბუნებრივი. "მიძინებაში" განცდა შიშველია. ეს არ ტოვებს ადგილს იმედს და ადამიანობას. სიცოცხლის ბოლოს უგო ვან დერ გოესი მონასტერში შევიდა; მისი ბოლო წლები ფსიქიკურმა დაავადებამ დაჩრდილა. როგორც ჩანს, ამ ბიოგრაფიულ ფაქტებში ჩანს ტრაგიკული წინააღმდეგობების ასახვა, რომელიც განსაზღვრავდა ოსტატის ხელოვნებას. ჰუსის ნამუშევარი ცნობილი და დაფასებული იყო და მან ყურადღება ნიდერლანდების ფარგლებს გარეთაც მიიპყრო. ჟან კლუე უფროსმა (მულენის ოსტატი) დიდი გავლენა მოახდინა მისმა ხელოვნებამ, დომენიკო გირლანდაიო იცოდა და შეისწავლა პორტინარის სამსხვერპლო. თუმცა, მის თანამედროვეებს არ ესმოდათ მისი. ნიდერლანდური ხელოვნება სტაბილურად იხრებოდა სხვა გზისკენ და ჰუსის შემოქმედების გავლენის ცალკეული კვალი მხოლოდ ხაზს უსვამს ამ სხვა ტენდენციების სიძლიერესა და გავრცელებას. ისინი ყველაზე სრულად და თანმიმდევრულად გამოჩნდნენ ჰანს მემლინგის შემოქმედებაში.

მიწიერი ამაოება, ტრიპტიქი, ცენტრალური პანელი,

ჯოჯოხეთი, ტრიპტიხის მარცხენა პანელი "მიწიერი ამაოებანი",
1485, სახვითი ხელოვნების მუზეუმი, სტრასბურგი

ჰანს მემლინგი, როგორც ჩანს, დაიბადა სელიგენშტადტში, მაინის ფრანკფურტის მახლობლად, 1433 წელს (გარდაიცვალა 1494 წელს), მხატვარმა მიიღო შესანიშნავი ტრენინგი როჟერისგან და, ბრიუგეში გადასვლის შემდეგ, იქ ფართო პოპულარობა მოიპოვა. უკვე შედარებით ადრეული ნამუშევრები ცხადყოფს მისი ძიების მიმართულებას. სინათლისა და ამაღლების პრინციპებმა მისგან მიიღო ბევრად უფრო საერო და მიწიერი მნიშვნელობა, ხოლო ყველაფერი მიწიერი - გარკვეული იდეალური აღფრთოვანება. ამის მაგალითია საკურთხეველი მადონასთან, წმინდანებთან და შემომწირველებთან (ლონდონი, ეროვნული გალერეა). მემლინგი ცდილობს შეინარჩუნოს თავისი ნამდვილი გმირების ყოველდღიური გარეგნობა და დააახლოოს თავისი იდეალური გმირები მათთან. ამაღლებული პრინციპი წყვეტს გარკვეული პანთეისტურად გაგებული ზოგადი მსოფლიო ძალების გამოხატულებას და იქცევა ადამიანის ბუნებრივ სულიერ საკუთრებად. მემლინგის მუშაობის პრინციპები უფრო მკაფიოდ ვლინდება ეგრეთ წოდებულ ფლორენის საკურთხეველში (1479; ბრიუგე, მემლინგის მუზეუმი), რომლის მთავარი სცენა და მარჯვენა ფრთა არსებითად როჟეს მიუნხენის საკურთხევლის შესაბამისი ნაწილების უფასო ასლებია. ის გადამწყვეტად ამცირებს საკურთხევლის ზომას, წყვეტს როჟეს კომპოზიციის ზედა და გვერდით ნაწილებს, ამცირებს ფიგურების რაოდენობას და, როგორც იქნა, აახლოებს მოქმედებას მაყურებელთან. მოვლენა კარგავს თავის დიდებულ ფარგლებს. მონაწილეთა გამოსახულებები კარგავენ წარმომადგენლობას და იძენენ პირად მახასიათებლებს, კომპოზიცია რბილი ჰარმონიის ჩრდილია, ხოლო ფერი, სიწმინდისა და გამჭვირვალობის შენარჩუნებისას, მთლიანად კარგავს როგიროვის ცივ, მკვეთრ ჟღერადობას. როგორც ჩანს, ის კანკალებს მსუბუქი, მკაფიო ჩრდილებით. კიდევ უფრო დამახასიათებელია ხარება (დაახლოებით 1482; ნიუ-იორკი, ლემანის კოლექცია), სადაც გამოყენებულია როჟეს სქემა; მარიამის გამოსახულებას რბილი იდეალიზაციის თვისებები ენიჭება, ანგელოზი საგრძნობლად ჟანრობრივად არის ჩამოყალიბებული, ინტერიერის ნივთები კი ვან ეიკის სიყვარულით არის მოხატული. ამავდროულად, იტალიური რენესანსის მოტივები - გირლანდები, პუტი და ა.შ. - სულ უფრო მეტად აღწევს მემლინგის შემოქმედებაში, ხოლო კომპოზიციური სტრუქტურა უფრო გაზომილი და ნათელი ხდება (ტრიპტიქი "მადონა და ბავშვი, ანგელოზი და დონორი", ვენა). მხატვარი ცდილობს წაშალოს ზღვარი კონკრეტულ, ბურგერული ამქვეყნიურ პრინციპსა და იდეალიზებულ, ჰარმონიულს შორის.

მემლინგის ხელოვნებამ მიიპყრო ჩრდილოეთ პროვინციების ოსტატების ყურადღება. მაგრამ მათ ასევე აინტერესებდათ სხვა თვისებები - ის, რაც დაკავშირებული იყო ჰუსის გავლენას. ჩრდილოეთ პროვინციები, მათ შორის ჰოლანდია, ჩამორჩებოდა სამხრეთ პროვინციებს იმ პერიოდში როგორც ეკონომიურად, ასევე სულიერად. ადრეული ჰოლანდიური მხატვრობა, როგორც წესი, არ სცილდებოდა გვიანი შუასაუკუნეების და პროვინციული შაბლონის ფარგლებს, და მისი ხელოსნობის დონე არასოდეს ამაღლებულა ფლამანდიელი მხატვრების მხატვრულობამდე. მხოლოდ მე-15 საუკუნის ბოლო მეოთხედში შეიცვალა სიტუაცია ჰერტგენ ტოტ სინტ იანსის ხელოვნების წყალობით. ის ცხოვრობდა ჰარლემში, იოჰანიტ ბერებთან (რომელსაც ევალება მისი მეტსახელი - სინტ იანსი ნიშნავს წმინდა იოანეს) და გარდაიცვალა ახალგაზრდა - ოცდარვა წლის ასაკში (დაიბადა ლეიდენში (?) დაახლოებით 1460/65 წლებში, გარდაიცვალა ჰარლემში 1490 წელს - 1495 წ.). ჰერტგენი ბუნდოვნად გრძნობდა იმ შფოთვას, რომელიც ჰუსს აწუხებდა. მაგრამ, ტრაგიკული შეხედულებების გარეშე, მან აღმოაჩინა მარტივი ადამიანური გრძნობის რბილი ხიბლი. ის ჰუსთან ახლოსაა ადამიანის შინაგანი, სულიერი სამყაროსადმი ინტერესით. გოერტგენის მთავარ ნამუშევრებს შორისაა ჰარლემ იოჰანიტებისთვის დახატული სამსხვერპლო. მისგან შემორჩენილია მარჯვენა ფრთა, რომელიც ახლა ორივე მხრიდან ხერხდება. მისი შიდა მხარე წარმოადგენს გლოვის დიდ მრავალფიგურიან სცენას. გერტგენი ასრულებს ორივე დროის დასახულ ამოცანას: სითბოს გადმოცემას, გრძნობის ჰუმანურობას და სასიცოცხლოდ დამაჯერებელ ნარატივის შექმნას. ეს უკანასკნელი განსაკუთრებით შესამჩნევია კარის გარედან, სადაც იულიანე განდგომილის მიერ იოანე ნათლისმცემლის ნეშტის დაწვაა გამოსახული. მოქმედების მონაწილეები დაჯილდოვებულნი არიან გაზვიადებული ხასიათით და მოქმედება დაყოფილია რიგ დამოუკიდებელ სცენებად, რომელთაგან თითოეული წარმოდგენილია ნათელი დაკვირვებით. გზად, ოსტატი ქმნის, ალბათ, ერთ-ერთ პირველ ჯგუფურ პორტრეტს თანამედროვეობის ევროპულ ხელოვნებაში: პორტრეტის მახასიათებლების მარტივი კომბინაციის პრინციპზე აგებული, იგი ელის მე-16 საუკუნის ნამუშევრებს. მისი „ქრისტეს ოჯახი“ (ამსტერდამი, Rijksmuseum), წარმოდგენილი ეკლესიის ინტერიერში, ინტერპრეტირებული, როგორც რეალური სივრცითი გარემო, ბევრს გვაძლევს გერტგენის ნაწარმოების გასაგებად. წინა პლანზე ფიგურები რჩება მნიშვნელოვანი, არ ამჟღავნებენ რაიმე გრძნობას, ინარჩუნებენ ყოველდღიურ გარეგნობას მშვიდი ღირსებით. მხატვარი ქმნის სურათებს, რომლებიც, ალბათ, ყველაზე ბუნებრივ ბუნებაშია ნიდერლანდების ხელოვნებაში. ამავე დროს, მნიშვნელოვანია, რომ გერტგენს ესმის სინაზე, სიტკბო და გარკვეული გულუბრყვილობა არა როგორც გარეგნულად დამახასიათებელი ნიშნები, არამედ როგორც ადამიანის სულიერი სამყაროს გარკვეული თვისებები. და ცხოვრების ბურგერული გრძნობის ღრმა ემოციურობის ეს შერწყმა გერტგენის შემოქმედების მნიშვნელოვანი მახასიათებელია. შემთხვევითი არ არის, რომ მან თავისი გმირების სულიერ მოძრაობებს არ მიანიჭა ამაღლებული, უნივერსალური ხასიათი. თითქოს ის შეგნებულად უშლის ხელს თავის გმირებს გამონაკლისები გახდნენ. ამის გამო ისინი ინდივიდუალურად არ გამოიყურებიან. მათ აქვთ სინაზე და არ აქვთ სხვა გრძნობები ან ზედმეტი აზრები; მათი გამოცდილების სიცხადე და სისუფთავე აშორებს მათ ყოველდღიურ ცხოვრებას. თუმცა, გამოსახულების იდეალურობა არასოდეს ჩანს აბსტრაქტული ან ხელოვნური. ეს მახასიათებლები ასევე განასხვავებს მხატვრის ერთ-ერთ საუკეთესო ნამუშევარს, "შობა" (ლონდონი, ეროვნული გალერეა), პატარა ნახატი, რომელიც მალავს აღელვებისა და გაოცების გრძნობას.
გერტგენი ადრე გარდაიცვალა, მაგრამ მისი ხელოვნების პრინციპები გაურკვევლობაში არ დარჩენილა. თუმცა, ბრუნსვიკის დიპტიხის ოსტატმა („სენტ ბავო“, ბრუნსვიკი, მუზეუმი; „შობა“, ამსტერდამი, რიკსმუზეუმი) და მასთან ყველაზე ახლოს მყოფმა სხვა ანონიმურმა ოსტატებმა, არც ისე კარგად განავითარეს ჰერტგენის პრინციპები. როგორც მათ ანიჭებენ ფართოდ გავრცელებული სტანდარტის ხასიათს. მათ შორის, ალბათ, ყველაზე მნიშვნელოვანი ქალწული ქალწულთა ოსტატია (ამსტერდამის რიკსმუზეუმის ნახატის მიხედვით, სადაც მარიამი წმინდა ქალწულებს შორისაა გამოსახული), რომელიც მიზიდული იყო არა იმდენად ემოციის ფსიქოლოგიურ დასაბუთებამდე, არამედ მისი გამოხატვის სიმკვეთრემდე. პატარა, საკმაოდ ყოველდღიური და ზოგჯერ თითქმის განზრახ მახინჯი ფიგურები ("Entombment", სენტ ლუი, მუზეუმი; "გოდება", ლივერპული; "ხარება", როტერდამი). Მაგრამ ასევე. მისი ნამუშევარი უფრო მრავალსაუკუნოვანი ტრადიციის ამოწურვის მტკიცებულებაა, ვიდრე მისი განვითარების გამოხატულება.

მხატვრული დონის მკვეთრი დაცემა შეინიშნება სამხრეთ პროვინციების ხელოვნებაშიც, რომელთა ოსტატები სულ უფრო მეტად მიდრეკილნი იყვნენ უმნიშვნელო ყოველდღიური დეტალებით გატაცებისკენ. სხვებზე უფრო საინტერესოა წმინდა ურსულას ლეგენდის ძალიან ნარატიული ოსტატი, რომელიც მოღვაწეობდა ბრიუგეში XV საუკუნის 80-90-იან წლებში („წმინდა ურსულას ლეგენდა“; ბრიუგე, შავი დების მონასტერი). ბარონჩელის მეუღლეების პორტრეტების უცნობი ავტორი, რომლებიც ოსტატობას მოკლებული არ არიან (ფლორენცია, უფფიზი), ასევე ძალიან ტრადიციული ბრიუგეს ოსტატი წმინდა ლუსიას ლეგენდის შესახებ (Saltar of St. Lucia, 1480, Bruges, Church of St. ჯეიმსი, ასევე პოლიპტიქი, ტალინი, მუზეუმი). მე-15 საუკუნის ბოლოს ცარიელი, წვრილმანი ხელოვნების ჩამოყალიბება ჰუსისა და ჰერტგენის ძიების გარდაუვალი ანტითეზაა. ადამიანმა დაკარგა თავისი მსოფლმხედველობის მთავარი საყრდენი – სამყაროს ჰარმონიული და ხელსაყრელი წესრიგის რწმენა. მაგრამ თუ ამის საერთო შედეგი მხოლოდ წინა კონცეფციის გაღატაკება იყო, მაშინ უფრო ახლოს მყოფმა გამოავლინა სამყაროში საშიში და იდუმალი თვისებები. იმდროინდელ გადაუჭრელ კითხვებზე პასუხის გასაცემად გამოიყენებოდა გვიანი შუა საუკუნეების ალეგორიები, დემონოლოგია და წმინდა წერილის პირქუში წინასწარმეტყველებები. მზარდი მწვავე სოციალური წინააღმდეგობებისა და მძიმე კონფლიქტების პირობებში წარმოიშვა ბოშის ხელოვნება.

ჰიერონიმუს ვან აკენი, მეტსახელად ბოში, დაიბადა ს-ჰერტოგენბოშში (გარდაიცვალა იქ 1516 წელს), ანუ ნიდერლანდების მთავარი მხატვრული ცენტრებიდან მოშორებით. მისი ადრეული ნამუშევრები არ არის პრიმიტიულობის მინიშნება. მაგრამ უკვე უცნაურად აერთიანებენ ბუნების ცხოვრების მკვეთრ და შემაშფოთებელ გრძნობას ადამიანების გამოსახულებაში ცივ გროტესკულობასთან. Bosch ეხმაურება თანამედროვე ხელოვნების ტენდენციას - ლტოლვით რეალურისადმი, პიროვნების იმიჯის კონკრეტიზაციით და შემდეგ - მისი როლისა და მნიშვნელობის შემცირებით. ის ამ მიდრეკილებას გარკვეულ ზღვრამდე ატარებს. ბოშის ხელოვნებაში ჩნდება ადამიანის რასის სატირული ან, უკეთ რომ ვთქვათ, სარკასტული გამოსახულებები. ეს არის მისი "ოპერაცია სისულელის ქვების ამოღების მიზნით" (მადრიდი, პრადო). ოპერაციას ბერი აკეთებს - და აქ ბოროტი ღიმილი უჩნდება სასულიერო პირებს. მაგრამ ის, ვისზეც ეს კეთდება, დაჟინებით უყურებს მაყურებელს და ეს მზერა გვაიძულებს ჩაერთოს მოქმედებაში. ბოშის შემოქმედებაში სარკაზმი მატულობს; ის ადამიანებს სულელების გემზე მგზავრებად წარმოუდგენია (ნახატი და მისი ნახატი ლუვრშია). ის გადადის ხალხურ იუმორზე - და ხელების ქვეშ ბნელ და მწარე ელფერს იღებს.
Bosch მოდის ცხოვრების პირქუში, ირაციონალური და ძირეული ბუნების დასადასტურებლად. ის არა მხოლოდ გამოხატავს თავის მსოფლმხედველობას, ცხოვრების გრძნობას, არამედ აძლევს მას მორალურ და ეთიკურ შეფასებას. „თივის დასტა“ Bosch-ის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარია. ამ საკურთხეველში რეალობის შიშველი გრძნობა ერწყმის ალეგორიას. თივის ღერო მიგვანიშნებს ძველ ფლამანდური ანდაზაზე: „სამყარო თივის ღეროა: და ყველა მისგან იღებს იმას, რაც შეუძლია“; ხალხი კოცნის თვალწინ და უკრავს მუსიკას ანგელოზსა და რომელიმე ეშმაკ არსებას შორის; ფანტასტიკური არსებები ატარებენ ეტლს, პაპი, იმპერატორი და უბრალო ხალხი სიხარულით და მორჩილად მიჰყვება მას: ზოგი წინ გარბის, ბორბლებს შორის მირბის და კვდება, დამსხვრეული. შორს პეიზაჟი არ არის ფანტასტიკური ან ზღაპრული. და ყველაფერზე მაღლა - ღრუბელზე - პატარა ქრისტეა აწეული ხელებით. თუმცა, არასწორი იქნება ვიფიქროთ, რომ Bosch მიზიდულობს ალეგორიული შედარების მეთოდისკენ. პირიქით, ის ცდილობს უზრუნველყოს, რომ მისი იდეა განხორციელდეს მხატვრული გადაწყვეტილებების არსში, რათა ის მაყურებლის წინაშე გამოჩნდეს არა როგორც დაშიფრული ანდაზა ან იგავი, არამედ როგორც განზოგადებული უპირობო ცხოვრების წესი. შუა საუკუნეებისთვის უცნობი წარმოსახვის დახვეწილობით, ბოში ავსებს თავის ნახატებს არსებებით, რომლებიც უცნაურად აერთიანებს სხვადასხვა ცხოველურ ფორმებს, ან ცხოველურ ფორმებს უსულო სამყაროს საგნებთან, ათავსებს მათ აშკარად წარმოუდგენელ ურთიერთობებში. ცა წითლდება, იალქნებით აღჭურვილი ჩიტები დაფრინავენ ჰაერში, ამაზრზენი არსებები დაცოცავენ დედამიწის ზურგზე. ცხენის ფეხებით თევზები პირს ხსნიან, მათ გვერდით კი ვირთხები არიან, რომლებიც ზურგზე ატარებენ ცოცხალ ხის ღობეებს, საიდანაც ადამიანები იჩეკებიან. ცხენის კრუპი გიგანტურ დოქად იქცევა და კუდიანი თავი სადღაც წვრილ შიშველ ფეხებზე იპარება. ყველაფერი ცოცავს და ყველაფერი დაჯილდოებულია მკვეთრი, ნაკაწრი ფორმებით. და ყველაფერი ენერგიით არის დაინფიცირებული: ყოველი არსება - პატარა, მატყუარა, დაჟინებული - მრისხანე და ნაჩქარევი მოძრაობით არის ჩაფლული. Bosch ანიჭებს ამ ფანტასმაგორიულ სცენებს უდიდეს დამაჯერებლობას. ის ტოვებს წინა პლანზე გაშლილ მოქმედების იმიჯს და მთელ მსოფლიოში ავრცელებს მას. ის თავის მრავალფიგურიან დრამატულ ექსტრავაგანზას საშინელ ტონს ანიჭებს თავისი უნივერსალურობით. ზოგჯერ ის ანდაზის დრამატიზაციას ასახავს სურათში - მაგრამ მასში იუმორი აღარ რჩება. ცენტრში კი წმინდა ანტონის პატარა დაუცველ ფიგურას ათავსებს. ასეთია, მაგალითად, საკურთხეველი "წმინდა ანტონის ცდუნება" ლისაბონის მუზეუმის ცენტრალურ კარზე. მაგრამ შემდეგ ბოში აჩვენებს რეალობის უპრეცედენტო მწვავე, შიშველ გრძნობას (განსაკუთრებით აღნიშნული საკურთხევლის გარე კარების სცენებში). Bosch-ის სექსუალურ ნამუშევრებში სამყარო უსაზღვროა, მაგრამ მისი სივრცულობა განსხვავებულია - ნაკლებად სწრაფი. ჰაერი უფრო სუფთა და დამღლელი ჩანს. ასე წერია „იოანე პატმოსზე“. ამ ნახატის უკანა მხარეს, სადაც წრიულად არის გამოსახული ქრისტეს წამების სცენები, საოცარი პეიზაჟებია წარმოდგენილი: გამჭვირვალე, სუფთა, ფართო მდინარის სივრცეებით, მაღალი ცა და სხვა - ტრაგიკული და ინტენსიური („ჯვარცმა“). მაგრამ რაც უფრო დაჟინებით ფიქრობს ბოში ადამიანებზე. ის ცდილობს მოძებნოს მათი ცხოვრების ადეკვატური გამოხატულება. ის მიმართავს დიდი საკურთხევლის ფორმას და ქმნის ადამიანების ცოდვილი ცხოვრების უცნაურ, ფანტასმაგორიულ გრანდიოზულ სპექტაკლს - "აღფრთოვანების ბაღს".

მხატვრის უახლესი ნამუშევრები უცნაურად აერთიანებს მისი წინა ნამუშევრების ფანტაზიასა და რეალობას, მაგრამ ამავე დროს ახასიათებს სევდიანი შერიგების განცდა. ბოროტი არსებების კოლტები, რომლებიც ადრე ტრიუმფალურად გავრცელდა სურათის მთელ ველზე, მიმოფანტულია. ინდივიდუალური, პატარები, ისინი კვლავ იმალებიან ხის ქვეშ, გამოჩნდებიან წყნარი მდინარის ნაკადებიდან ან გარბიან უკაცრიელ ბალახით დაფარულ ბორცვებზე. მაგრამ მათ შემცირდა ზომა და დაკარგა აქტივობა. ისინი აღარ ესხმიან თავს ადამიანებს. და ის (ჯერ კიდევ წმინდა ანტონი) ზის მათ შორის - კითხულობს, ფიქრობს ("წმინდა ანტონი", პრადო). ბოშს არ აინტერესებდა ერთი ადამიანის პოზიცია მსოფლიოში. წმიდა ანტონი თავის წინა ნამუშევრებში არის დაუცველი, საცოდავი, მაგრამ არა მარტოხელა - ფაქტობრივად, მას მოკლებულია დამოუკიდებლობის ის წილი, რომელიც საშუალებას მისცემს მას თავი მარტოდ იგრძნოს. ახლა ლანდშაფტი კონკრეტულად ერთ ადამიანს ეხება და ბოშის შემოქმედებაში ჩნდება სამყაროში ადამიანის მარტოობის თემა. მე-15 საუკუნის ხელოვნება მთავრდება Bosch-ით. Bosch-ის ნამუშევარი სრულყოფს ამ ეტაპს სუფთა შეხედულებებისა, შემდეგ ინტენსიური ძიებებისა და ტრაგიკული იმედგაცრუებების შესახებ.
მაგრამ მისი ხელოვნებით პერსონიფიცირებული ტენდენცია ერთადერთი არ იყო. არანაკლებ სიმპტომატურია კიდევ ერთი ტენდენცია, რომელიც დაკავშირებულია განუზომლად მცირე მასშტაბის ოსტატის - ჯერარდ დევიდის მუშაობასთან. გვიან გარდაიცვალა - 1523 წელს (დაიბადა დაახლოებით 1460 წელს). მაგრამ, ბოშის მსგავსად, მან დახურა მე -15 საუკუნე. უკვე მისი ადრეული ნამუშევრები („ხარება“; დეტროიტი) პროზაულად რეალისტურია; 1480-იანი წლების ბოლოს დასრულებული ნამუშევრები (ორი ნახატი კამბისეს სასამართლო პროცესის ნაკვეთზე; ბრიუგე, მუზეუმი) ავლენს მჭიდრო კავშირს ბუტსთან; სხვებზე უკეთესია ლირიკული ხასიათის კომპოზიციები განვითარებული, აქტიური ლანდშაფტური გარემოთი („დაისვენე ეგვიპტის ფრენისას“; ვაშინგტონი, ეროვნული გალერეა). მაგრამ ოსტატის შეუძლებლობა საუკუნის საზღვრებს გასცდეს ყველაზე ნათლად ჩანს მის ტრიპტიქში „ქრისტეს ნათლით“ (მე-16 საუკუნის დასაწყისი; ბრიუგე, მუზეუმი). ნახატის სიახლოვე და მინიატურული ბუნება, როგორც ჩანს, პირდაპირ წინააღმდეგობაშია ნახატის დიდ მასშტაბებთან. მის ხედვაში რეალობა მოკლებულია სიცოცხლეს, დაღლილი. ფერის ინტენსივობის მიღმა არც სულიერი დაძაბულობა დგას და არც სამყაროს ძვირფასი გრძნობა. ნახატის მინანქრის სტილი ცივი, თვითმყოფადი და ემოციური დანიშნულების გარეშეა.

მე-15 საუკუნე ნიდერლანდებში იყო დიდი ხელოვნების დრო. საუკუნის ბოლოს მან ამოწურა თავი. ახალმა ისტორიულმა პირობებმა და საზოგადოების განვითარების სხვა საფეხურზე გადასვლამ გამოიწვია ხელოვნების ევოლუციის ახალი ეტაპი. იგი წარმოიშვა XVI საუკუნის დასაწყისიდან. მაგრამ ნიდერლანდებში, საერო პრინციპის თავდაპირველი კომბინაციით რელიგიურ კრიტერიუმებთან ცხოვრებისეული ფენომენების შეფასებისას, მათი ხელოვნებისთვის დამახასიათებელი, რომელიც მოდის ვან ეიკსისგან, პიროვნების თვითკმარი სიდიადის აღქმის შეუძლებლობით, კითხვების მიღმა. სამყაროსთან თუ ღმერთთან სულიერი ზიარების - ნიდერლანდებში ახალი ერა გარდაუვლად უნდა დადგეს მთელი წინა მსოფლმხედველობის ყველაზე ძლიერი და მძიმე კრიზისის შემდეგ. თუ იტალიაში მაღალი რენესანსი იყო კვატროჩენტოს ხელოვნების ლოგიკური შედეგი, მაშინ ჰოლანდიაში ასეთი კავშირი არ არსებობდა. ახალ ეპოქაზე გადასვლა განსაკუთრებით მტკივნეული აღმოჩნდა, რადგან ის დიდწილად წინა ხელოვნების უარყოფას მოჰყვა. იტალიაში შუა საუკუნეების ტრადიციების დარღვევა მოხდა ჯერ კიდევ მე-14 საუკუნეში და იტალიური რენესანსის ხელოვნებამ შეინარჩუნა მისი განვითარების მთლიანობა რენესანსის განმავლობაში. ჰოლანდიაში სიტუაცია განსხვავებული იყო. მე-15 საუკუნეში შუა საუკუნეების მემკვიდრეობის გამოყენებამ გაართულა მე-16 საუკუნეში დამკვიდრებული ტრადიციების გამოყენება. ჰოლანდიელი მხატვრებისთვის მე-15 და მე-16 საუკუნეების ხაზი დაკავშირებული იყო მათი მსოფლმხედველობის რადიკალურ ცვლილებასთან.

მე-16 საუკუნის ბოლომდე ჰოლანდიური მხატვრობა განუყოფლად იყო დაკავშირებული ფლამანდიურ მხატვრობასთან და ჰქონდა ზოგადი სახელწოდება "ნიდერლანდების სკოლა". ორივე მათგანი, როგორც გერმანული მხატვრობის განშტოება, ძმებს ვან ეიკებს თავის წინაპრებად თვლის და დიდი ხანია ერთი და იგივე მიმართულებით მოძრაობენ, ავითარებენ ერთსა და იმავე ტექნიკას, ისე რომ ჰოლანდიელი მხატვრები არაფრით განსხვავდებიან ფლანდრიისგან. და ძმები ბრაბანტი.

როდესაც ჰოლანდიელებმა თავი დააღწიეს ესპანეთის ჩაგვრას, ჰოლანდიურმა მხატვრობამ ეროვნული ხასიათი შეიძინა. ჰოლანდიელი მხატვრები გამოირჩევიან ბუნების განსაკუთრებული სიყვარულით რეპროდუცირებით მთელი თავისი სიმარტივით და სიმართლით და ფერის დახვეწილი გრძნობით.

ჰოლანდიელებმა პირველებმა გაიგეს, რომ უსულო ბუნებაშიც კი ყველაფერი სიცოცხლეს სუნთქავს, ყველაფერი მიმზიდველია, ყველაფერს შეუძლია აზრის აღძვრა და გულის მოძრაობების აღელვება.

ლანდშაფტის მხატვრებს შორის, რომლებიც ინტერპრეტაციას უკეთებენ მშობლიურ ბუნებას, განსაკუთრებით პატივს სცემენ იან ვან გოიენს (1595-1656), რომელიც ეზაიას ვან დე ველდესთან (დაახლოებით 1590-1630) და პიტერ მოლეინ უფროსთან (1595-1661) ერთად ითვლება. ჰოლანდიური ლანდშაფტის ფუძემდებელი.

მაგრამ ჰოლანდიის მხატვრები არ შეიძლება დაიყოს სკოლებად. გამოთქმა "ჰოლანდიური ფერწერის სკოლა" ძალიან თვითნებურია. ჰოლანდიაში არსებობდა ხელოვანთა ორგანიზებული საზოგადოებები, რომლებიც წარმოადგენდნენ თავისუფალ კორპორაციებს, რომლებიც იცავდნენ თავიანთი წევრების უფლებებს და გავლენას არ ახდენდნენ შემოქმედებით საქმიანობაზე.

რემბრანდტის (1606-1669) სახელი განსაკუთრებით ბრწყინვალედ ანათებს ისტორიაში, რომლის პიროვნებაში იყო კონცენტრირებული ჰოლანდიური მხატვრობის ყველა საუკეთესო თვისება და მისი გავლენა აისახა ყველა სახეობაში - პორტრეტებში, ისტორიულ ნახატებში, ყოველდღიურ სცენებსა და პეიზაჟებში.

მე-17 საუკუნეში წარმატებით განვითარდა ყოველდღიური მხატვრობა, რომლის პირველი ექსპერიმენტები აღინიშნა ძველ ჰოლანდიურ სკოლაში. ამ ჟანრში ყველაზე ცნობილი სახელებია კორნელის ბეგი (1620-64), რიჩარტ ბრაკენბურგი (1650-1702), კორნელის დუსარტი (1660-1704) ჰენრიკ როკესი, მეტსახელად სორგი (1621-82),

მხატვრები, რომლებიც ხატავდნენ სამხედრო ცხოვრების სცენებს, შეიძლება კლასიფიცირდნენ ჟანრის მხატვრებად. ფერწერის ამ დარგის მთავარი წარმომადგენელია ცნობილი და არაჩვეულებრივად ნაყოფიერი ფილიპს ვუვერმანი (1619-68)

განსაკუთრებულ კატეგორიაში გამოვყოფთ ოსტატებს, რომლებიც თავიანთ ნახატებში აერთიანებდნენ პეიზაჟებს ცხოველთა გამოსახულებებს, სოფლის იდილიის ასეთ მხატვრებს შორის ყველაზე ცნობილია პაულუს პოტერი (1625-54); ალბერტ კუიპი (1620-91).

ჰოლანდიელი მხატვრები უდიდეს ყურადღებას აქცევდნენ ზღვას.

ვილემ ვან დე ველდე უფროსის (1611 ან 1612-93), მისი ცნობილი ვაჟის ვილემ ვან დე ველდე უმცროსის (1633-1707), ლუდოლფ ბექჰუიზენის (1631-1708) შემოქმედებაში ზღვის ხედების მხატვრობა მათი სპეციალობა იყო.

ნატურმორტის სფეროში ყველაზე ცნობილი იყვნენ იან-დევიდ დე გემი (1606-83), მისი ვაჟი კორნელისი (1631-95), აბრაამ მინიონი (1640-79), მელქიორ დე გონდეკოტერი (1636-95), მარია ოსტერვიიკი. (1630-93) .

ჰოლანდიური მხატვრობის ბრწყინვალე პერიოდი დიდხანს არ გაგრძელებულა - მხოლოდ ერთი საუკუნე.

მე-18 საუკუნის დასაწყისიდან. მისი დაცემა მოდის, ამის მიზეზი ლუდოვიკო XIV-ის პომპეზური ეპოქის გემოვნება და შეხედულებებია. ბუნებასთან პირდაპირი ურთიერთობის ნაცვლად, დამყარებულია მშობლიური და გულწრფელობის სიყვარული, წინასწარ ჩამოყალიბებული თეორიების დომინირება, კონვენცია და ფრანგული სკოლის მნათობთა მიბაძვა. ამ სამწუხარო ტენდენციის მთავარი გამავრცელებელი იყო ფლამანდიელი ჟერარ დე ლერესი (1641-1711), რომელიც დასახლდა ამსტერდამში.

სკოლის დაცემას ასევე შეუწყო ხელი ცნობილმა ადრიან ვან დე ვერფმა (1659-1722), რომლის ნახატების მოსაწყენი შეღებვა ოდესღაც სრულყოფილების სიმაღლე იყო.

უცხოური გავლენა დიდად ამძიმებდა ჰოლანდიურ მხატვრობას მე-19 საუკუნის ოციან წლებამდე.

შემდგომში ჰოლანდიელი მხატვრები მიმართავდნენ თავიანთ სიძველეს - ბუნების მკაცრ დაკვირვებას.

განსაკუთრებით მდიდარია ლანდშაფტის მხატვრების უახლესი ჰოლანდიური ნახატი. მათ შორისაა ანდრეას შელფჰაუტი (1787-1870), ბარენტ კოეკოკი (1803-62), ანტონ მაუვე (1838-88), იაკობ მარისი (დ. 1837), იოჰანეს ვაისენბრუხი (1822-1880) და სხვები.

ჰოლანდიის უახლეს საზღვაო მხატვრებს შორის, პალმა ეკუთვნის იოჰანეს შოთელს (1787-1838).

Wouters Verschoor-მა (1812-74) ცხოველების ხატვის დიდი უნარი გამოავლინა.

თქვენ შეგიძლიათ შეიძინოთ ჰოლანდიელი მხატვრების ნახატების რეპროდუქციები ჩვენს ონლაინ მაღაზიაში.

ფლამანდური მხატვრობა ერთ-ერთი კლასიკური სკოლაა სახვითი ხელოვნების ისტორიაში. კლასიკური ნახატით დაინტერესებულს ეს ფრაზა გაუგია, მაგრამ რა დგას ასეთი კეთილშობილური სახელის უკან? შეგიძლიათ უყოყმანოდ დაასახელოთ ამ სტილის რამდენიმე მახასიათებელი და დაასახელოთ ძირითადი სახელები? იმისთვის, რომ უფრო თავდაჯერებულად იაროთ დიდი მუზეუმების დარბაზებში და ცოტათი ნაკლებად შეგარცხვინოთ შორეული მე-17 საუკუნის გამო, თქვენ უნდა იცოდეთ ეს სკოლა.

ფლამანდური სკოლის ისტორია

მე-17 საუკუნე დაიწყო ნიდერლანდებში შიდა განხეთქილების გამო, რელიგიური და პოლიტიკური ბრძოლების გამო სახელმწიფოს შიდა თავისუფლებისთვის. ამან გამოიწვია განხეთქილება კულტურის სფეროში. ქვეყანა იყოფა ორ ნაწილად, სამხრეთ და ჩრდილოეთად, რომელთა მხატვრობაც სხვადასხვა მიმართულებით იწყებს განვითარებას. წარმომადგენლები ხდებიან სამხრეთელები, რომლებიც დარჩნენ კათოლიკურ რწმენაში ესპანეთის მმართველობის ქვეშ ფლამანდური სკოლა, ხოლო ჩრდილოეთის ხელოვანებს ხელოვნებათმცოდნეები მიიჩნევენ როგორც ჰოლანდიური სკოლა.

ფლამანდური ფერწერის სკოლის წარმომადგენლებმა განაგრძეს რენესანსის ძველი იტალიელი კოლეგების-მხატვრების ტრადიციები: რაფაელ სანტი, მიქელანჯელო ბუონაროტირომლებიც დიდ ყურადღებას აქცევდნენ რელიგიურ და მითოლოგიურ თემებს. ნაცნობი გზის გასწვრივ, რეალიზმის არაორგანული, უხეში ელემენტებით დამატებული, ჰოლანდიელი მხატვრები ვერ შექმნიდნენ ხელოვნების გამორჩეულ ნამუშევრებს. სტაგნაცია მანამ გაგრძელდა, სანამ მოლბერტთან ადგა პიტერ პოლ რუბენსი(1577-1640 წწ.). რა იყო ისეთი საოცარი, რისი მოტანაც ამ ჰოლანდიელს შეეძლო ხელოვნებაში?

ცნობილი ოსტატი

რუბენსის ნიჭმა შესძლო სიცოცხლის შთაბერვა სამხრეთელების მხატვრობაში, რაც მის წინაშე არც თუ ისე გამორჩეული იყო. მჭიდროდ იცნობდა იტალიელი ოსტატების მემკვიდრეობას, მხატვარმა განაგრძო რელიგიურ თემებზე მოქცევის ტრადიცია. მაგრამ, კოლეგებისგან განსხვავებით, რუბენსმა შეძლო კლასიკურ საგნებში ჰარმონიულად ჩაეტანა საკუთარი სტილის თვისებები, რომლებიც მიდრეკილი იყო მდიდარი ფერებისკენ და სიცოცხლით სავსე ბუნების გამოსახულებებისკენ.

მხატვრის ნახატებიდან, თითქოს ღია ფანჯრიდან, მზის შუქი შემოდის ("უკანასკნელი განაჩენი", 1617). წმინდა წერილებიდან ან წარმართული მითოლოგიიდან კლასიკური ეპიზოდების კომპოზიციის შესაქმნელად უჩვეულო გადაწყვეტილებებმა მიიპყრო ყურადღება ახალ ნიჭზე მის თანამედროვეთა შორის და ახლაც აკეთებს. ასეთი ინოვაცია სუფთად გამოიყურებოდა მისი ჰოლანდიელი თანამედროვეების ნახატების პირქუშ, მდუმარე ჩრდილებთან შედარებით.

ფლამანდიელი მხატვრის მოდელებიც დამახასიათებელ თვისებად იქცა. ჭაღარა, ქერათმიანი ქალბატონები, რომლებიც ინტერესით ხატავდნენ შეუსაბამო გაფორმების გარეშე, ხშირად ხდებოდნენ რუბენსის ნახატების ცენტრალურ გმირებად. მაგალითები შეგიძლიათ იხილოთ ნახატებში "პარიზის განაჩენი" (1625), "სუზანა და უფროსები" (1608), "ვენერა სარკის წინ"(1615) და სხვ.

გარდა ამისა, რუბენსმა წვლილი შეიტანა გავლენა ლანდშაფტის ჟანრის ფორმირებაზე. მან დაიწყო განვითარება ფლამანდიელი მხატვრების ფერწერაში სკოლის მთავარი წარმომადგენლისკენ, მაგრამ ეს იყო რუბენსის ნამუშევარი, რომელმაც დაადგინა ეროვნული ლანდშაფტის მხატვრობის ძირითადი მახასიათებლები, რაც ასახავს ნიდერლანდების ადგილობრივ ფერს.

მიმდევრები

რუბენსი, რომელიც სწრაფად გახდა ცნობილი, მალევე აღმოჩნდა მიმბაძველებისა და სტუდენტების გარემოცვაში. ოსტატმა ასწავლა მათ ტერიტორიის ხალხური თვისებების, ფერის გამოყენება და, შესაძლოა, არაჩვეულებრივი ადამიანის სილამაზის განდიდება. ამან მიიპყრო მაყურებლები და მხატვრები. მიმდევრებმა თავი სცადეს სხვადასხვა ჟანრში - პორტრეტებიდან ( გასპარე დე კაინი, აბრაამ იანსენსი) ნატურმორტებს (ფრანს სნაიდერი) და პეიზაჟებს (იან უაილდენსი). ფლამანდური სკოლის საყოფაცხოვრებო მხატვრობა შესრულებულია ორიგინალურად ადრიან ბროუერიდა დევიდ ტენიერსი უმც.

რუბენსის ერთ-ერთი ყველაზე წარმატებული და გამორჩეული სტუდენტი იყო ენტონი ვან დიკი(1599 - 1641 წწ.). მისი საავტორო სტილი თანდათან განვითარდა, თავიდან მთლიანად დაექვემდებარა მისი მენტორის მიბაძვას, მაგრამ დროთა განმავლობაში ის უფრო ფრთხილად გახდა საღებავების მიმართ. მოსწავლეს მასწავლებლისგან განსხვავებით ნაზი, მდუმარე ჩრდილებისადმი მიდრეკილება ჰქონდა.

ვან დიკის ნახატებიდან ირკვევა, რომ მას არ ჰქონია ძლიერი მიდრეკილება რთული კომპოზიციების, მოცულობითი სივრცეების აგებისკენ, მძიმე ფიგურებით, რაც გამოარჩევდა მისი მასწავლებლის ნახატებს. მხატვრის ნამუშევრების გალერეა სავსეა ცალკეული ან დაწყვილებული პორტრეტებით, საზეიმო თუ ინტიმური, რაც მიუთითებს ავტორის ჟანრულ პრიორიტეტებზე, რომლებიც განსხვავდება რუბენსისგან.

ნიდერლანდები არის ისტორიული რეგიონი, რომელიც იკავებს ვრცელი დაბლობების ნაწილს ჩრდილოეთ ევროპის სანაპიროზე ფინეთის ყურედან ინგლისის არხამდე. ამჟამად ეს ტერიტორია მოიცავს ნიდერლანდების (ჰოლანდიის), ბელგიისა და ლუქსემბურგის შტატებს.
რომის იმპერიის დაშლის შემდეგ, ნიდერლანდები გახდა დიდი და პატარა ნახევრად დამოუკიდებელი სახელმწიფოების ჭრელი კოლექცია. მათ შორის ყველაზე მნიშვნელოვანი იყო ბრაბანტის საჰერცოგო, ფლანდრიისა და ჰოლანდიის საგრაფოები და უტრეხტის ეპისკოპოსი. ქვეყნის ჩრდილოეთით მოსახლეობა ძირითადად გერმანელები იყვნენ - ფრიზიელები და ჰოლანდიელები, სამხრეთში ჭარბობდნენ გალებისა და რომაელების შთამომავლები - ფლამანდები და ვალონები.
ჰოლანდიელები თავდაუზოგავად მუშაობდნენ თავიანთი განსაკუთრებული ნიჭით, „აკეთონ ყველაზე მოსაწყენი საქმეები მოწყენილობის გარეშე“, როგორც ამას ფრანგი ისტორიკოსი იპოლიტ ტეინი ამბობდა ამ ადამიანების შესახებ, რომლებიც მთლიანად ეძღვნებოდნენ ყოველდღიურ ცხოვრებას. მათ არ იცოდნენ ამაღლებული პოეზია, მაგრამ უფრო პატივს სცემდნენ უმარტივეს ნივთებს: სუფთა, კომფორტული სახლი, თბილი კერა, მოკრძალებული, მაგრამ გემრიელი საჭმელი. ჰოლანდიელს სჩვევია უყურებს სამყაროს, როგორც უზარმაზარ სახლს, რომელშიც მოუწოდებენ წესრიგისა და კომფორტის შენარჩუნებას.

ჰოლანდიური რენესანსის ხელოვნების ძირითადი მახასიათებლები

იტალიაში და ცენტრალური ევროპის ქვეყნებში რენესანსის ხელოვნებისთვის საერთოა ადამიანის და მის გარშემო არსებული სამყაროს რეალისტური გამოსახვის სურვილი. მაგრამ ეს პრობლემები სხვაგვარად გადაწყდა კულტურების ბუნების განსხვავებულობის გამო.
რენესანსის იტალიელი მხატვრებისთვის მნიშვნელოვანი იყო ადამიანის იდეალის განზოგადება და შექმნა, ჰუმანიზმის თვალსაზრისით. მათთვის მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა მეცნიერებამ – მხატვრებმა შეიმუშავეს პერსპექტივის თეორიები და პროპორციების დოქტრინა.
ჰოლანდიელი ოსტატები იზიდავდნენ ადამიანების ინდივიდუალური გარეგნობის მრავალფეროვნებას და ბუნების სიმდიდრეს. ისინი არ ცდილობენ შექმნან განზოგადებული სურათი, არამედ გადმოსცენ ის, რაც დამახასიათებელი და განსაკუთრებულია. მხატვრები არ იყენებენ პერსპექტივის და სხვა თეორიებს, არამედ გადმოსცემენ შთაბეჭდილებას სიღრმისა და სივრცის, ოპტიკური ეფექტების და სინათლისა და ჩრდილის ურთიერთობის სირთულეზე ფრთხილად დაკვირვებით.
მათთვის დამახასიათებელია სიყვარული მიწისადმი და საოცარი ყურადღება ყველა წვრილმანზე: მშობლიური ჩრდილოეთის ბუნებისადმი, ყოველდღიური ცხოვრების თავისებურებებისადმი, ინტერიერის დეტალების, კოსტიუმების, მასალისა და ტექსტურის სხვაობისადმი...
ჰოლანდიელი მხატვრები ახდენენ უმცირეს დეტალებს მაქსიმალური სიფრთხილით და ხელახლა ქმნიან ფერების ცქრიალა სიმდიდრეს. ამ ახალი ფერწერის პრობლემების გადაჭრა მხოლოდ ზეთის შეღებვის ახალი ტექნიკის დახმარებით შეიძლებოდა.
ზეთის მხატვრობის აღმოჩენა იან ვან ეიკს მიეწერება. მე-15 საუკუნის შუა წლებიდან ამ ახალმა „ფლამანურმა მანერამ“ შეცვალა ძველი ტემპერატური ტექნიკა იტალიაში. შემთხვევითი არ არის, რომ ჰოლანდიურ სამსხვერპლოებზე, რომლებიც მთელი სამყაროს ანარეკლია, შეგიძლიათ ნახოთ ყველაფერი, რისგანაც იგი შედგება - ლანდშაფტის ყველა ბალახი და ხე, ტაძრებისა და ქალაქის სახლების არქიტექტურული დეტალები, ნაქარგი ორნამენტების ნაკერები. წმინდანთა კვართებზე, ისევე როგორც სხვა, ძალიან მცირე დეტალებზე.

მე-15 საუკუნის ხელოვნება ჰოლანდიური მხატვრობის ოქროს ხანაა.
მისი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი იან ვან ეიკი. ᲙᲐᲠᲒᲘ. 1400-1441 წწ.
ევროპული მხატვრობის უდიდესი ოსტატი:
თავისი ნამუშევრებით მან გახსნა ადრეული რენესანსის ახალი ერა ჰოლანდიურ ხელოვნებაში.
ის იყო ბურგუნდიელი ჰერცოგის ფილიპ კეთილის კარის მხატვარი.
ის იყო ერთ-ერთი პირველი, ვინც დაეუფლა ზეთის მხატვრობის პლასტიკურ და ექსპრესიულ შესაძლებლობებს, ერთმანეთზე მოთავსებული საღებავის თხელი გამჭვირვალე ფენებით (ე.წ. მრავალფენიანი გამჭვირვალე მხატვრობის ფლამანდური სტილი).

ვან ეიკის ყველაზე დიდი ნამუშევარი იყო გენტის საკურთხეველი, რომელიც მან ძმასთან ერთად შეასრულა.
გენტის საკურთხეველი არის გრანდიოზული მრავალსაფეხურიანი პოლიპტიქი. მისი სიმაღლე ცენტრალურ ნაწილში 3,5 მ, გახსნისას სიგანე 5 მ.
საკურთხევლის გარედან (როდესაც ის დახურულია) არის ყოველდღიური ციკლი:
- ქვედა რიგში გამოსახულია შემომწირველები - ქალაქელი ჯოდოკ ვეიდი და მისი მეუღლე, რომლებიც ლოცულობენ წმინდა იოანე ნათლისმცემლისა და იოანე მახარებლის ქანდაკებების წინ, ეკლესიისა და სამლოცველოს მფარველები.
- ზემოთ არის ხარების სცენა, ღვთისმშობლისა და მთავარანგელოზის გაბრიელის ფიგურებით გამოყოფილი სარკმლის გამოსახულებით, რომელშიც ქალაქის ლანდშაფტი ჩნდება.

საკურთხევლის შიგნიდან გამოსახულია სადღესასწაულო ციკლი.
როდესაც საკურთხევლის კარები იხსნება, მაყურებლის თვალწინ მართლაც განსაცვიფრებელი ტრანსფორმაცია ხდება:
- პოლიპტიხის ზომა გაორმაგებულია,
- ყოველდღიური ცხოვრების სურათი მყისიერად იცვლება მიწიერი სამოთხის სანახაობით.
- ვიწრო და პირქუში კარადები ქრება და სამყარო თითქოს იხსნება: ფართო პეიზაჟი ანათებს პალიტრის ყველა ფერით, ნათელი და სუფთა.
სადღესასწაულო ციკლის ნახატი ეძღვნება ქრისტიანულ სახვით ხელოვნებაში იშვიათ თემას, გარდაქმნილი სამყაროს ტრიუმფის, რომელიც უნდა მოხდეს უკანასკნელი განკითხვის შემდეგ, როცა ბოროტება საბოლოოდ დამარცხდება და დედამიწაზე ჭეშმარიტება და ჰარმონია დამყარდება.

ზედა რიგში:
- საკურთხევლის ცენტრალურ ნაწილში ტახტზე მჯდომი მამა ღმერთია გამოსახული,
- ღვთისმშობელი და იოანე ნათლისმცემელი სხედან ტახტის მარცხნივ და მარჯვნივ,
- შემდეგ ორივე მხარეს მღერიან და უკრავენ მუსიკის ანგელოზებს,
- ადამის და ევას შიშველი ფიგურები ხურავს რიგს.
ნახატების ქვედა რიგში გამოსახულია ღვთაებრივი კრავის თაყვანისცემის სცენა.
- მდელოს შუაში დგას საკურთხეველი, მასზე თეთრი ბატკანი დგას, მისი გახვრეტილი მკერდიდან სისხლი ჩაედინება თასში.
- მნახველთან უფრო ახლოს არის ჭა, საიდანაც ცოცხალი წყალი მოედინება.

იერონიმუს ბოში (1450 - 1516)
მისი ხელოვნების კავშირი ხალხურ ტრადიციებთან და ფოლკლორთან.
თავის ნამუშევრებში მან რთულად აერთიანებდა შუა საუკუნეების მხატვრული ლიტერატურის, ფოლკლორის, ფილოსოფიური იგავებისა და სატირის თავისებურებებს.
მან შექმნა მრავალფიგურიანი რელიგიური და ალეგორიული კომპოზიციები, ნახატები ხალხური ანდაზების, გამონათქვამებისა და იგავების თემაზე.
ბოშის ნამუშევრები სავსეა მრავალი სცენითა და ეპიზოდით, ნათელი და უცნაურ-ფანტასტიკური სურათებითა და დეტალებით, სავსე ირონიითა და ალეგორიით.

ბოშის შემოქმედებამ დიდი გავლენა მოახდინა მე-16 საუკუნის ჰოლანდიური მხატვრობის რეალისტური ტენდენციების განვითარებაზე.
კომპოზიცია „ცდუნება წმ. ენტონი" მხატვრის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი და იდუმალი ნამუშევარია. ოსტატის შედევრი იყო ტრიპტიქი "აღფრთოვანების ბაღი", რთული ალეგორია, რომელმაც მრავალი განსხვავებული ინტერპრეტაცია მიიღო. ამავე პერიოდში გამოიცა ტრიპტიქები „უკანასკნელი განაჩენი“, „მოძღვრების თაყვანისცემა“, კომპოზიციები „წმ. იოანე პატმოსზე“, „იოანე ნათლისმცემელი უდაბნოში“.
ბოშის შემოქმედების გვიან პერიოდში შედის ტრიპტიქი "სამოთხე და ჯოჯოხეთი", კომპოზიციები "მაწანწალა", "ჯვრის ტარება".

ბოშის ნახატების უმეტესობა მისი მოწიფული და გვიანდელი პერიოდიდან არის უცნაური გროტესკები, რომლებიც შეიცავს ღრმა ფილოსოფიურ ელფერს.

დიდი ტრიპტიქი "თივის ვაგონი", რომელიც ძალიან აფასებს ესპანეთის ფილიპ II-ს, თარიღდება მხატვრის შემოქმედების მომწიფებული პერიოდით. საკურთხევლის კომპოზიცია, ალბათ, ეფუძნება ძველ ჰოლანდიურ ანდაზას: „სამყარო თივის გროვაა და ყველა ცდილობს, რაც შეიძლება მეტი აიღოს მისგან“.

ცდუნება წმ. ანტონია. ტრიპტიქი. ცენტრალური ნაწილი ხე, ზეთი. 131,5 x 119 სმ (ცენტრალური ნაწილი), 131,5 x 53 სმ (ფოთოლი) უძველესი ხელოვნების ეროვნული მუზეუმი, ლისაბონი
სიამოვნების ბაღი. ტრიპტიქი. დაახლოებით 1485 წ. ცენტრალური ნაწილი
ხე, ზეთი. 220 x 195 სმ (ცენტრალური ნაწილი), 220 x 97 სმ (ფოთოლი) პრადოს მუზეუმი, მადრიდი

მე -16 საუკუნის ჰოლანდიური ხელოვნება. აღინიშნა ანტიკურობისადმი ინტერესის გაჩენით და იტალიური რენესანსის ოსტატების საქმიანობით. საუკუნის დასაწყისში გაჩნდა მოძრაობა, რომელიც დაფუძნებული იყო იტალიური მოდელების იმიტაციაზე, სახელწოდებით „რომანიზმი“ (რომადან, ლათინური სახელწოდება რომიდან).
საუკუნის მეორე ნახევარში ჰოლანდიური მხატვრობის მწვერვალი იყო შემოქმედება პიტერ ბრიუგელი უფროსი. 1525/30-1569 წწ. მეტსახელად მუჟიცკი.
მან შექმნა ღრმად ეროვნული ხელოვნება ჰოლანდიურ ტრადიციებსა და ადგილობრივ ფოლკლორზე.
დიდი როლი ითამაშა გლეხური ჟანრისა და ეროვნული ლანდშაფტის ჩამოყალიბებაში, ბრიუგელის შემოქმედებაში უხეში ხალხური იუმორი, ლირიზმი და ტრაგედია, რეალისტური დეტალები და ფანტასტიკური გროტესკები, დეტალური თხრობისადმი ინტერესი და ფართო განზოგადების სურვილი რთულადაა გადაჯაჭვული.

ბრიუგელის შემოქმედებაში სიახლოვეა შუა საუკუნეების ხალხური თეატრის მორალიზაციულ სპექტაკლებთან.
მასლენიცასა და დიდმარხვას შორის ხუმრობების დუელი ჩვეულებრივი სცენაა ჰოლანდიაში ზამთრის გამოსამშვიდობებელი დღეების დროს გამართულ სამართლიან სპექტაკლებზე.
ყველგან ცხოვრება გაჩაღდა: მრგვალი ცეკვაა, აქ ფანჯრებს რეცხავენ, ზოგი კამათელს თამაშობს, ზოგი ვაჭრობს, ვიღაც მოწყალებას სთხოვს, ვიღაცას დასამარხავად მიჰყავთ...

ანდაზები. 1559. ნახატი ჰოლანდიური ფოლკლორის ერთგვარი ენციკლოპედიაა.
ბრიუგელის გმირები ერთმანეთს ცხვირწინ მიჰყავთ, სხედან ორ სკამს შორის, თავები კედელს ურტყამენ, ცასა და მიწას შორის ეკიდებიან... ჰოლანდიური ანდაზა „და სახურავზე ბზარებია“ მნიშვნელობით ახლოსაა რუსულ „და“. კედლებს ყურები აქვს." ჰოლანდიური "ფული წყალში ჩააგდე" ნიშნავს იგივეს, რაც რუსული "ფულის გაფუჭებას", "ფულის გადაყრა წყალში". მთელი სურათი ფულის, ენერგიისა და მთელი ცხოვრების ფლანგვას ეძღვნება - აქ ბლინებით იფარავენ სახურავს, ისრებს სიცარიელეში ისვრიან, ღორებს იჭრიან, ცეცხლმოკიდებული სახლის ცეცხლით თბებიან და ეშმაკს აღიარებენ.

მთელ დედამიწას ერთი ენა და ერთი დიალექტი ჰქონდა. აღმოსავლეთიდან გადმოსული, შინარის ქვეყანაში დაბლობი იპოვეს და იქ დასახლდნენ. და უთხრეს ერთმანეთს: „ავაშენოთ აგური და დავწვათ ცეცხლით“. და ქვის ნაცვლად აგურს იყენებდნენ, კირის ნაცვლად თიხის ტარს. და მათ თქვეს: „ავაშენოთ ჩვენთვის ქალაქი და კოშკი, რომლის სიმაღლე ზეცას აღწევს და სახელი გავუკეთოთ, სანამ არ გავიფანტებით დედამიწის ზურგზე. და ჩამოვიდა უფალი, რათა ენახა ქალაქი და კოშკი, რომელსაც აშენებდნენ კაცთა ძეები. და უფალმა თქვა: „აჰა, არის ერთი ხალხი და ყველას ერთი ენა აქვს და ეს არის ის, რისი გაკეთებაც მათ დაიწყეს და არ იტყვიან უარს იმის შესახებ, რის გაკეთებასაც აპირებდნენ. ჩავიდეთ და იქ ავურიოთ მათი ენა, რომ ერთს არ ესმოდეს მეორის ლაპარაკი“. და გაფანტა ისინი უფალმა იქიდან მთელ დედამიწაზე; და შეწყვიტეს ქალაქისა და კოშკის მშენებლობა. ამიტომ დაარქვეს მას სახელი: ბაბილონი, რადგან იქ აერია უფალმა მთელი დედამიწის ენა და იქიდან უფალმა გაფანტა ისინი მთელ დედამიწაზე (დაბადება, თავი 11). ბრიუგელის ადრეული ნამუშევრების ფერადი აურზაურისგან განსხვავებით, ეს ნახატი აოცებს მნახველს თავისი სიმშვიდით. სურათზე გამოსახული კოშკი წააგავს რომაულ ამფითეატრს კოლიზეუმს, რომელიც მხატვარმა იხილა იტალიაში და ამავდროულად - ჭიანჭველას. უზარმაზარი სტრუქტურის ყველა სართულზე დაუღალავი შრომა მიმდინარეობს: ბლოკები ბრუნავს, კიბეები იშლება, მუშათა ფიგურები ტრიალებენ. შესამჩნევია, რომ მშენებლებს შორის კავშირი უკვე დაიკარგა, ალბათ, დაწყებული „ენების შერევის“ გამო: სადღაც მშენებლობა გაჩაღდა, სადღაც კოშკი უკვე ნანგრევებად იქცა.

მას შემდეგ, რაც იესო გადასცეს ჯვარზე ჯვარზე, ჯარისკაცებმა მძიმე ჯვარი დაადეს მას და წაიყვანეს სიკვდილით დასჯის ადგილზე, რომელსაც გოლგოთა ჰქვია. გზად შეიპყრეს მინდვრიდან შინ ბრუნდებოდა სიმონ კირენელი და აიძულეს, ჯვარი ეტარებინა იესოსთვის. ბევრი ხალხი გაჰყვა იესოს, მათ შორის იყვნენ ქალები, რომლებიც ტიროდნენ და გლოვობდნენ მასზე. „ჯვრის ტარება“ რელიგიური, ქრისტიანული სურათია, მაგრამ ის აღარ არის ეკლესიის სურათი. ბრიუგელმა წმინდა წერილის ჭეშმარიტებები დააკავშირა პირად გამოცდილებასთან, ბიბლიურ ტექსტებზე ასახული, მისცა მათ საკუთარი ინტერპრეტაცია, ე.ი. ღიად დაარღვია იმ დროს მოქმედი 1550 წლის იმპერიული ბრძანებულება, რომელიც სიკვდილის გამო კრძალავდა ბიბლიის დამოუკიდებელ შესწავლას.

ბრიუგელი ქმნის პეიზაჟების სერიას "თვეები". "მონადირეები თოვლზე" არის დეკემბერი-იანვარი.
ოსტატისთვის ყოველი სეზონი, პირველ რიგში, დედამიწისა და ცის უნიკალური მდგომარეობაა.

ცეკვის სწრაფი რიტმით გატაცებული გლეხების ბრბო.