ნ.ა.ბელუსოვა

მე-18 საუკუნის ხელოვნება (იტალიურად Settecento) წარმოადგენდა იტალიის დიდი კლასიკური ხელოვნების მრავალსაუკუნოვანი ევოლუციის ბოლო ეტაპს. ეს არის იტალიელი მხატვრების პან-ევროპული პოპულარობის დრო. სანქტ-პეტერბურგი, მადრიდი, პარიზი, ლონდონი, ვენა, ვარშავა - არ იყო არც ერთი ევროპული დედაქალაქი, სადაც არ იყვნენ მოწვეული იტალიელი ოსტატები, სადაც სამეფო კარებისა და თავადაზნაურობის ბრძანებებს ასრულებდნენ, ისინი არ მუშაობდნენ როგორც არქიტექტორები და მოქანდაკეები, ფრესკის მხატვრები. ან თეატრის დეკორატორები, პეიზაჟის ან პორტრეტების მხატვრები.

არასწორი იქნება ამ პერიოდში იტალიური მხატვრული კულტურის ასეთი ფართო რეზონანსის ახსნა იმით, რომ მისმა ოსტატებმა დაადგეს ფუნდამენტურად ახალი მხატვრული აღმოჩენების გზას, როგორც ეს იყო რენესანსში და მე-17 საუკუნეში. პირიქით, შეგვიძლია ვთქვათ, რომ იტალიელი ოსტატები თავიანთი მიღწევების ისტორიული პერსპექტივით ხანდახან ჩამორჩებოდნენ სხვა ქვეყნების მხატვრებს, მაგალითად, საფრანგეთსა და ინგლისს. უფრო მეტიც, იტალიელი არქიტექტორები და მხატვრები სხვა ეროვნული სკოლების მხატვრებთან შედარებით უფრო მჭიდროდ იყვნენ დაკავშირებული ფიგურული აზროვნების ბუნებასთან და წინა, მე-17 საუკუნის ოსტატთა ფორმების ენასთან. იტალიელების პან-ევროპულ წარმატებას, უპირველეს ყოვლისა, შეუწყო ხელი მათი ხელოვნების უკიდურესად მაღალმა ზოგადმა დონემ, რომელმაც შთანთქა წინა დიდი ეპოქების მრავალსაუკუნოვანი ნაყოფიერი ტრადიციები, შემდეგ კი ყველა სახის პლასტმასის ერთგვაროვანი მაღალი განვითარება. ხელოვნება და დიდი რაოდენობით ნიჭიერი ოსტატების ყოფნა იტალიაში.

მე -18 საუკუნის იტალიური ხელოვნების ყველაზე ღირებული მიღწევები. ასოცირდება არა მხოლოდ არქიტექტურასთან და მონუმენტურ და დეკორატიულ მხატვრობასთან, სადაც გადამწყვეტი როლი ითამაშა ისეთმა დიდმა ოსტატმა, როგორიც არის ტიეპოლო, არამედ დაზგური ფერწერის სხვადასხვა ჟანრთან (პირველ რიგში არქიტექტურული ლანდშაფტი), თეატრალურ და დეკორატიულ ხელოვნებასთან და გრაფიკასთან. გარდა მისი იდეოლოგიურად არსებითი ასპექტებისა და ეპოქის ნათელი და წარმოსახვითი ასახვისა, მისი მთავარი უპირატესობები მდგომარეობდა მის განსაკუთრებულად მაღალ მხატვრულ ხარისხში და ვირტუოზულ ფერწერაში, რომლის წყალობითაც ბრწყინვალე იტალიური ოსტატობის პრესტიჟი დარჩა უკიდურესად მაღალი.

ევროპაში იტალიელი ხელოსნების ფართო გავრცელების ერთ-ერთი მიზეზი ისიც იყო, რომ მათ სამშობლოში სრულად ვერ იპოვნეს საკუთარი თავისთვის განაცხადი. ომებით დაქანცული იტალია მე-17 საუკუნის ბოლოდან მე-18 საუკუნის დასაწყისამდე გადაიქცა. არა მარტო პოლიტიკურად დაქუცმაცებულ, არამედ თითქმის დანგრეულ ქვეყანას. მისი სამხრეთი ნაწილი ესპანურ ბურბონებს ექვემდებარებოდა; ტოსკანას მართავდნენ ჰაბსბურგების სახლის წევრები, ლომბარდია ავსტრიის ხელში იყო. ფეოდალური წესრიგი, რომელიც დომინირებდა სასულიერო პირებისა და არისტოკრატიის საკუთრებაში არსებულ მიწებზე, მზარდი ფასები, მრეწველობაში დასაქმებული მუშების დაბალი ანაზღაურება - ეს ყველაფერი იწვევდა უკმაყოფილებას და არეულობას მასებში, რასაც მოჰყვა ღარიბების არაორგანიზებული აჯანყება, რაც წარმატებას ვერ მიაღწევდა. ქვეყნის დამორჩილება უცხოელებზე და მისი ეკონომიკური ჩამორჩენილობის გამო. მხოლოდ ვენეციის რესპუბლიკამ და პაპის სახელმწიფოებმა თავისი დედაქალაქი რომით შეინარჩუნეს სახელმწიფოებრივი დამოუკიდებლობა. ეს იყო ვენეცია ​​და რომი, რომლებმაც ითამაშეს ყველაზე გამორჩეული როლი იტალიის სულიერ და მხატვრულ ცხოვრებაში მე -18 საუკუნეში.

მიუხედავად იმისა, რომ მე -17 საუკუნის ბრწყინვალე აყვავების პერიოდთან შედარებით, მე -18 საუკუნის იტალიური არქიტექტურა გარკვეულ დაცემას ავლენს, მან მაინც ბევრი საინტერესო გადაწყვეტა მისცა. ამ საუკუნის რთულ ეკონომიკურ პირობებშიც კი, იტალიელებმა შეინარჩუნეს თავიანთი დამახასიათებელი ვნება უზარმაზარი, დიდებული ნაგებობების მშენებლობისადმი, ისევე როგორც არქიტექტურული ფორმების მონუმენტური ენა. და მაინც, ამ დროის ცალკეული ცნობილი ძეგლების ბრწყინვალებაში უფრო მეტად იგრძნობა სამშენებლო საქმიანობის ყოფილი გრანდიოზული მასშტაბის ერთგვარი ინერცია და არა ორგანული შესაბამისობა რეალობის პირობებთან. ეს დამოკიდებულება წარსულზე, უფრო ძლიერად გამოხატული იტალიაში, ვიდრე ევროპის ბევრ სხვა ეროვნულ სამხატვრო სკოლაში, აისახა აქ, კერძოდ, ბაროკოს სტილის გაბატონებულ როლში, რომელიც ძალიან ნელა უკან დაიხია ახალი კლასიცისტური არქიტექტურის აღმოცენების წინ.

მჭიდრო, არსებითად განუყოფელი კავშირი მე-17 საუკუნის არქიტექტურასთან. განსაკუთრებით შესამჩნევია რომის ძეგლებში. XVIII საუკუნის პირველი ნახევრის რომაელი არქიტექტორები. შეინარჩუნეს თავიანთი აზროვნების დიდი ქალაქგეგმარებითი მასშტაბი. მათ გამოიყენეს ეკონომიკური შესაძლებლობები, რომლებიც ადრე იყო უფრო მოკრძალებული, რათა შეექმნათ ინდივიდუალური დიდი სტრუქტურები, რომლებმაც ღირსეულად დაასრულეს მრავალი ცნობილი არქიტექტურული კომპლექსი და ანსამბლი.

მე-18 საუკუნეში რომში აშენდა ორი ცნობილი ადრეული ქრისტიანული ბაზილიკის ფასადები - სან ჯოვანი ლატერანოში (1736) და სანტა მარია მაჯორე (1734-1750), რომლებიც დომინანტურ ადგილს იკავებენ მიმდებარე ტერიტორიების არქიტექტურაში. ლატერანის ბაზილიკის ფასადის მშენებელმა ალესანდრო გალილეიმ (1691-1736) აირჩია რომაული ტაძრის ფასადი წმ. პეტრე, შექმნილი კარლო მადერნას მიერ. მაგრამ, ამ უკანასკნელისგან განსხვავებით, მსგავს თემას უფრო მხატვრული გადაწყვეტა მისცა. მის ორსართულიან ფასადზე უზარმაზარი მართკუთხა და თაღოვანი ღიობებით და ნახევარსვეტებითა და პილასტრების კოლოსალური წესრიგით, ვიდრე მადერნას, მასიური არქიტექტურული ფორმების სიმძიმე და სიცხადე უფრო მკვეთრად ჩრდილავს ფასადის დაგვირგვინებული უზარმაზარი ქანდაკებების დაუღალავი მოძრაობით. . Sita Maria Maggiore-ს ეკლესიის გარეგნული იერსახე, რომლის ფასადი აშენდა ფერდინანდო ფუგას (1699-1781) დიზაინის მიხედვით, მოწმობს ბაროკოს არქიტექტურული ფორმების განათებასა და დამშვიდებას. ფუგა ასევე იყო ელეგანტური Palazzo del Consulta (1737) მშენებელი, მე-18 საუკუნის რომაული სასახლის არქიტექტურის მაგალითი. დაბოლოს, გერუსალიმში სანტა კროჩეს ეკლესიის ფასადი წარმოადგენს ბაროკოს ეკლესიის ფასადის უაღრესად ინდივიდუალური გადაწყვეტის მაგალითს იმ ასპექტში, რომელიც ხიბლავდა ბევრ იტალიელ არქიტექტორს გეზუს დროიდან მოყოლებული.

ამ დროის რომაულ ხუროთმოძღვრებაში ასევე გვხვდება კვადრატის მაგალითი, რომელიც ერთგვარ ღია დარბაზს ჰგავს ეკლესიის შენობის წინ. ეს არის ძალიან პატარა Piazza Sant'Ignazio, სადაც, განსხვავებით მიმდებარე აგურის ფასადების მრუდი კონტურებისგან, მისი ფორმების უცნაური ელეგანტურობა, რომელიც უფრო ახლოს არის როკოკოსთან, ვიდრე ბაროკოსთან, ეკლესიის ფასადის შთამბეჭდავი ქვის მასა. გასულ საუკუნეში აშენებული სანტ'იგნაციო ეფექტურად გამოირჩევა.

რომის ყველაზე თვალწარმტაცი ძეგლებს შორისაა ცნობილი ესპანური კიბეები, რომელიც ააშენეს არქიტექტორებმა ალესანდრო სპეჩიმ (1668-1729) და ფრანჩესკო დე სანქტისის (დაახლოებით 1623-1740) მიერ. ულამაზესი ტერასული კომპოზიციის პრინციპი, რომელიც შეიმუშავეს ბაროკოს არქიტექტორებმა სასახლისა და პარკის ანსამბლების შექმნისას, აქ პირველად გამოიყენეს ურბანულ განვითარებაში. ციცაბო ფერდობის გასწვრივ დაყოფილი ფართო კიბე აერთიანებს თანმიმდევრულ ანსამბლში Piazza di Spagna, რომელიც მდებარეობს გორაკის ძირში, გზატკეცილებით, რომლებიც გადიან მოედანზე, რომელიც მდებარეობს ამ გორაკის თავზე, ეკლესიის ორი კოშკის ფასადის წინ. სან ტრინიტა დეი მონტის. საფეხურების გრანდიოზული კასკადი, რომელიც ზოგჯერ ერწყმის ერთ სწრაფ ნაკადს, ზოგჯერ განშტოება ცალკეულ მარშებში, რომლებიც ზემოდან ქვემოდან ეშვებიან რთული მრუდი არხის გასწვრივ, გამოირჩევა განსაკუთრებული თვალწარმტაციით და სივრცითი ასპექტების სიმდიდრით.

გვიანი ბაროკოს დეკორატიული ტენდენციები ტრიუმფობს ცნობილ ტრევის შადრევანში (1732-1762), რომელიც შეიქმნა არქიტექტორების ნიკოლო სალვის (დაახლოებით 1697-1751) მიერ. Palazzo Poli-ს პომპეზური ფასადი აქ გამოიყენება, როგორც კედლის უზარმაზარი შადრევნების ფონი და აღიქმება, როგორც ერთგვარი არქიტექტურული გაფორმება, განუყოფლად არის დაკავშირებული ქანდაკებასთან და სწრაფად კასკადურ წყლის ნაკადებთან.

იტალიის სამხრეთ რეგიონების ერთ-ერთ ყველაზე საინტერესო ნაგებობას უნდა ეწოდოს სამეფო სასახლე კასერტაში ნეაპოლის მახლობლად, რომელიც ააგო ლუიჯი ვანვიტელმა (1700-1773). ეს მრავალსართულიანი შენობა, გრანდიოზული მასშტაბით, გეგმაში წარმოადგენს გიგანტურ მოედანს, რომლის შიგნით კვეთს ჯვრის ფორმის შენობები, რომლებიც ქმნიან ოთხ დიდ ეზოს. შენობების კვეთაზე არის კოლოსალური ორსართულიანი ლობი, რომელშიც იყრის თავს უზარმაზარი გალერეები და დიდებული გრანდიოზული კიბეები, რომლებიც სხვადასხვა მხრიდან მოდის.

არქიტექტურა უფრო ისტორიულად პერსპექტიული ფორმებით განვითარდა იტალიის ჩრდილოეთ რეგიონებში - პიემონტსა და ლომბარდიაში, სადაც პროგრესული ტენდენციები უფრო მკაფიოდ გამოიკვეთა ეკონომიკასა და კულტურაში. აქ ყველაზე დიდი არქიტექტორი იყო სიცილიელი ფილიპო იუვარა (1676-1736), რომელიც მუშაობდა ტურინში, რომში და სხვა ქალაქებში და კარიერა ესპანეთში დაასრულა. იუვარა მრავალი სხვადასხვა შენობის ავტორია, მაგრამ ზოგადად მისი ნამუშევრების ევოლუცია მოყვება აყვავებულ, კომპოზიციურად რთული სტრუქტურებიდან უფრო დიდ სიმარტივეს, თავშეკავებას და არქიტექტურული ენის სიცხადეს. მისი ადრეული სტილი წარმოდგენილია ტურინში (1718-1720) Palazzo Madama-ს ფასადით. ტურინის მახლობლად (1729-1734) ეგრეთ წოდებულ სანადირო ციხე სტუპინიჯში (1729-1734) მეტი სიმსუბუქე და თავისუფლებაა - უზარმაზარი ქვეყნის სასახლე, უკიდურესად რთული და ახირებული თავისი გეგმით (რომელიც მიეწერება ფრანგ არქიტექტორს ბოფრანს). სასახლის ძლიერ წაგრძელებული დაბალი ფრთები ეწინააღმდეგება მათ კვეთაზე მოთავსებულ მაღალ ცენტრალურ ნაგებობას, რომელიც დაგვირგვინებულია ლამაზი გუმბათით, რომლის ზემოთ ირმის ფიგურა ამოდის. იუვარას კიდევ ერთი ცნობილი შენობა - უჩვეულოდ შთამბეჭდავი მონასტერი და სუპერგას ეკლესია ტურინში (1716-1731), რომელიც მდებარეობს მაღალ ბორცვზე - თავისი ფორმით კლასიციზმისკენ მიბრუნებას ასახავს.

კლასიციზმი თავის დასრულებულ ფორმებში ყველაზე მკაფიოდ არის გამოხატული მილანელი არქიტექტორის ჯუზეპე პიერმარინის (1734-1808) შემოქმედებაში, რომლის მრავალი ნაგებობიდან ყველაზე ცნობილია მილანის Teatro della Scala (1778). ეს არის ერთ-ერთი პირველი თეატრის შენობა ევროპულ არქიტექტურაში, რომელიც განკუთვნილია დიდი რაოდენობის მაყურებლისთვის (მისი დარბაზი სამნახევარ ათასზე მეტ ადამიანს იკავებს), რომელიც შემდეგ გახდა მოდელი თანამედროვე დროის მრავალი ოპერის თეატრისთვის თავისი არქიტექტურული და ტექნიკური თვისებებით.

1680-იანი წლებიდან ომებით ამოწურულმა ვენეციის რესპუბლიკამ, რომელმაც დაკარგა ბატონობა ხმელთაშუა ზღვაში თურქების წინააღმდეგ ბრძოლაში, დაიწყო აღმოსავლეთში საკუთრების დაკარგვა ერთმანეთის მიყოლებით და მისი ეკონომიკური ვარდნა აშკარა და გარდაუვალი გახდა. გარდა ამისა, სახელმწიფო აპარატის ფორმების არისტოკრატიამ და სიმკაცრემ გამოიწვია მწვავე სოციალური წინააღმდეგობები და ვენეციის საზოგადოების ბურჟუაზიულ-დემოკრატიული ნაწილის განმეორებითი მცდელობები შეცვალოს ეს რეჟიმი მისი რეკონსტრუქციის რადიკალური პროექტებით. მაგრამ მიუხედავად იმისა, რომ ამ მცდელობებს მნიშვნელოვანი წარმატება არ მოჰყოლია, არ უნდა ვიფიქროთ, რომ ვენეციამ მთლიანად ამოწურა თავისი შესაძლებლობები. აქ გაძლიერდა ახალი ბურჟუაზია, გაიზარდა ინტელიგენციის ფენა, რის გამოც ვენეციური სეტეჩენტოს კულტურა გამსჭვალული იყო რთული და წინააღმდეგობრივი ფენომენებით. ამ მხრივ განსაკუთრებით თვალსაჩინო მაგალითია არა იმდენად მხატვრობა, რამდენადაც მაშინდელი ლიტერატურა და დრამა.

ვენეციამ შეინარჩუნა ცხოვრების უნიკალური ბრწყინვალება, რომელიც მე-18 საუკუნეში იყო. ერთგვარი ცხელებაც კი შეიძინა. არდადეგები, კარნავალები, მასკარადები, როდესაც ქალაქში ყველა კლასი იყო გათანაბრებული და ნიღბის ქვეშ შეუძლებელი იყო პატრიციონის გარჩევა პლებეისგან, გაგრძელდა თითქმის მთელი წლის განმავლობაში და იზიდავდა მოგზაურთა ბრბოს ვენეციაში, რომელთა შორის იყვნენ მეფეები, წარმომადგენლები. თავადაზნაურობა, მუსიკოსები, მხატვრები, მსახიობები, მწერლები და უბრალოდ ავანტიურისტები.

პარიზთან ერთად ვენეციამ ტონუსი შექმნა მე-18 საუკუნის ლიტერატურულ, თეატრალურ და მუსიკალურ ცხოვრებაში. როგორც მე-16 საუკუნეში, იგი დარჩა წიგნის ბეჭდვის მნიშვნელოვან ცენტრად. არსებობდა ჩვიდმეტი დრამატული და ოპერის თეატრი, მუსიკალური აკადემია და ოთხი ქალთა ბავშვთა სახლი - "კონსერვატორია" - გადაქცეული შესანიშნავ მუსიკალურ და ვოკალურ სკოლებად. თავისი მუსიკალური ტრიუმფებით ვენეციამ აჯობა ნეაპოლსა და რომს, შექმნა ორგანისა და ვიოლინოს დაკვრის განუმეორებელი სკოლები, დატბორა იმდროინდელი საერთაშორისო მუსიკალური სამყარო თავისი საოცარი მომღერლებით. აქ ცხოვრობდნენ და მოღვაწეობდნენ გამოჩენილი კომპოზიტორები და მუსიკოსები. ვენეციის თეატრები ხალხმრავლობა იყო, საეკლესიო მსახურებებს, სადაც მღეროდნენ მონასტრის მგალობლები და მონაზვნების სოლისტები, თეატრებივით ესწრებოდნენ. ვენეციასა და ნეაპოლში, დრამატულ თეატრთან ერთად, განვითარდა რეალისტური კომიკური ოპერაც, რომელიც ასახავდა ქალაქურ ცხოვრებასა და მორალს. ამ ჟანრის გამოჩენილი ოსტატი გალუპი თავისი შემოქმედების სულისკვეთებით ახლოს იყო მე-18 საუკუნის უდიდეს დრამატურგთან. კარლო გოლდონი, რომლის სახელთან ასოცირდა ახალი ეტაპი ევროპული თეატრის ისტორიაში.

გოლდონმა რადიკალურად შეცვალა ნიღბების კომედია, ჩაასხა მასში ახალი შინაარსი, მისცა ახალი სასცენო დიზაინი, განავითარა ორი ძირითადი დრამატული ჟანრი: მანერების კომედია ბურჟუაზიულ-კეთილშობილური ცხოვრებიდან და კომედია ხალხური ცხოვრებიდან. მიუხედავად იმისა, რომ გოლდონი მოქმედებდა როგორც არისტოკრატიის მტერი, მისი პიესები ვენეციაში დიდი წარმატებით სარგებლობდა გარკვეული პერიოდის განმავლობაში, სანამ იგი ვენეციელი სცენიდან არ გააძევა მისმა იდეოლოგიურმა მოწინააღმდეგემ - დრამატურგმა და პოეტმა, გაღატაკებულმა ვენეციელმა გრაფი კარლო გოზიმ. ამ უკანასკნელმა კვლავ გადაიტანა თავისი თეატრალური რომანტიული პიესები ("ფიაბა") - "სიყვარული სამი ფორთოხლისთვის", "პრინცესა ტურანდოტი", "მეფე ირემი" - ნიღბების იმპროვიზაციული კომედიის მემკვიდრეობად. თუმცა, იტალიური დრამის განვითარებაში მთავარი როლი მათ ეკუთვნოდათ არა მათ, არამედ გოლდონის კომედიებს, რომელთა რეალისტური შემოქმედება ასოცირდებოდა ახალ საგანმანათლებლო იდეებთან.

ვენეციის თეატრალური ხელოვნება ასევე აისახა მისი არქიტექტურისა და განსაკუთრებით დეკორატიული მხატვრობის ბუნებაში. ამ უკანასკნელის განვითარება დიდწილად უკავშირდებოდა ეკლესიების და განსაკუთრებით სასახლეების ბრწყინვალე თეატრალურ და დეკორატიულ ნახატებზე უზარმაზარ მოთხოვნას არა მხოლოდ ვენეციის თავადაზნაურობაში, არამედ იტალიის ფარგლებს გარეთაც. მაგრამ ამ მიმართულებასთან ერთად ვენეციურ მხატვრობაში არაერთი სხვა ჟანრიც განვითარდა: ყოველდღიური ჟანრი, ქალაქის პეიზაჟი, პორტრეტი. გალუპის ოპერებისა და გოლდონის კომედიების მსგავსად, ისინი ასახავდნენ ვენეციური ცხოვრების ყოველდღიურობასა და დღესასწაულებს.

ვენეციაში მე-17 და მე-18 საუკუნეების ხელოვნებას შორის დამაკავშირებელი რგოლია სებასტიანო რიჩის (1659-1734) ნამუშევარი. მრავალი მონუმენტური და დაზგური კომპოზიციის ავტორი, იგი დიდწილად ეყრდნობოდა პაოლო ვერონეზეს ტრადიციებს, რაც ასახულია ისეთი ნაწარმოებებით, როგორიცაა "მადონა და ბავშვი წმინდანებთან" (1708; ვენეცია, სან ჯორჯო მაჯორე ეკლესია) და "სციპიონის დიდებულება". (პარმა, უნივერსიტეტი), თუნდაც მე-16 საუკუნით დათარიღებული იკონოგრაფიული თვალსაზრისით. მიუხედავად იმისა, რომ მან პატივი მიაგო ბაროკოს ოფიციალურ პათოსს, მის შემოქმედებას უფრო ცოცხალი და მიმზიდველობა აქვს, ვიდრე ამ მოძრაობის იტალიელი მხატვრების უმეტესობას. მისმა ტემპერამენტულმა მხატვრობის სტილმა, ნათელმა ფერებმა, სურათების გაზრდილ თეატრალურობასთან ერთად, გახადა იგი პოპულარული არა მხოლოდ ვენეციაში, არამედ მის ფარგლებს გარეთაც, კერძოდ ინგლისში, სადაც მუშაობდა თავის ძმისშვილთან და სტუდენტთან, ლანდშაფტის მხატვარ მარკო რიჩისთან (1679-1729). .

ეს უკანასკნელი ჩვეულებრივ ხატავდა პეიზაჟებს სებასტიანო რიჩის კომპოზიციებში და ორივე ოსტატის ასეთი ერთობლივი ნამუშევარი იყო დიდი ნახატი "დევონპნგის ჰერცოგის ალეგორიული საფლავი" (ბირმინგემი, ბარბერას ინსტიტუტი), რომელიც მოგვაგონებს აყვავებულ კულუარულ თეატრალურ სერიას. თავად მარკო რიჩის ლანდშაფტური ნამუშევრები არის რომანტიული განწყობით, ფართო მხატვრობით შესრულებული კომპოზიციები; მათში შეიძლება გამოიკვეთოს სალვატორ როზასა და მაგნასკოს პეიზაჟებთან საერთოობის ზოგიერთი მახასიათებელი.

მე -18 საუკუნის ვენეციური მხატვრობის საწყისი ეტაპი. წარმოგიდგენთ ჯოვანი ბატისტა პიაცეტას (1683-1754) შემოქმედებას. იგი სწავლობდა ბოლონიელ მხატვარ ჯუზეპე მარია კრესპთან, აიღო მისი ცოცხალი, უნიკალური ხატვის სტილი ქიაროსკუროს ფართო გამოყენებით. კარავაჯოს რეალიზმის ახალი და ძლიერი გავლენა მის ნახატებზეც აისახა. პიაცეტა თავშეკავებული და დახვეწილია თავის პალიტრაში, რომელშიც დომინირებს ღრმა, ხანდახან თითქოს შიგნიდან მოელვარე ფერები - წაბლისფერი წითელი, ყავისფერი, შავი, თეთრი და ნაცრისფერი. თავის საკურთხეველში ვენეციის გეზუათის ეკლესიაში - „წმ. ვინსენტი, ჰიაცინტი და ლორენცო ბერტრანდო“ (დაახლოებით 1730 წ.), აღმავალი დიაგონალის გასწვრივ განლაგებული წმინდანთა სამი ფიგურა - მისი პერსონაჟების შავი, თეთრი და ნაცრისფერი ქიტონები ქმნიან ფერთა სქემას, რომელიც გასაოცარია ჰარმონიით და დახვეწილი მონოქრომულით.

რელიგიურ თემაზე სხვა კომპოზიციები - „წმ. იაკობმა სიკვდილით დასჯა“ და ჭერი სან ჯოვანი ე პაოლოს ვენეციურ ეკლესიაში (1725-1727) ასევე მხატვრის მიერ იყო შესრულებული ფართო ფერწერული მანერით. პიაცეტა გარდამავალი დროის მხატვარია; მისი ნახატების პათოსი რელიგიურ თემებზე და, ამავე დროს, სრულფასოვანი რეალიზმი და გამოსახულების სიცოცხლისუნარიანობა, ღრმა ქიაროსკურო, მთელი ფერწერული ქსოვილის სულიერება და მობილურობა, მდიდარი ცხელი ფერები და ზოგჯერ დახვეწილი ფერების კომბინაციები - ეს ყველაფერი ნაწილობრივ მოაქვს მას. ხელოვნება უფრო ახლოს მე-17 საუკუნის იტალიური სკოლის იმ მიმართულებასთან, რომელიც წარმოადგინეს ფეტიმ, ლისმა და სტროციმ.

პიაცეტამ მრავალი ჟანრის ნახატი დახატა, მაგრამ ყოველდღიური ელემენტი მათში ცუდად არის გამოხატული, მათი გამოსახულებები უცვლელად არის მოცული რომანტიული ნისლით და დახვეწილი პოეტური გრძნობით. ბიბლიური სიუჟეტის ისეთი წმინდა ჟანრული ინტერპრეტაციაც კი, როგორიც, მაგალითად, მის „რებეკა ჭაში“ (მილანი, ბრერა), ლირიკულ-რომანტიკულ კონოტაციას იძენს პიაცეტაში. ქვის აუზის კიდეზე შიშით მიწოლილი, მკერდზე პრიალა სპილენძის დოქით მიჭერილი რებეკა შიშით უყურებს აბრაამის მსახურს, რომელიც მას მარგალიტების სტრიქონს სთავაზობს. მისი დაჩრდილული ფიგურა წაბლისფერ ყავისფერ მოსასხამში კონტრასტს უწევს ბრწყინვალე ოქროს, ოქროსფერ ვარდისფერ და თეთრ ტონებს, რომლებიც ქმნიან რებეკას ფიგურის ფერად სილუეტს. სურათის მარცხენა მხარეს ჩარჩოთი მოჭრილი ძროხების, ძაღლების და აქლემების თავები, რებეკას უკან გლეხი ქალების თვალწარმტაცი ფიგურები (ერთ-ერთი მათგანი მწყემსის თაღლითით) სურათს პასტორალურ ელფერს მატებს.

პიაცეტას ყველაზე ცნობილ ჟანრულ კომპოზიციებს შორისაა "მკითხავი" (ვენეცია, აკადემია). მას ასევე აქვს მრავალი პორტრეტი.

თუმცა პიაცეტას შემოქმედება მხოლოდ მისი ნახატებით არ შემოიფარგლება. ის არის შესანიშნავი ნახატების ავტორი, მათ შორის მოსამზადებელი ჩანახატები და დასრულებული კომპოზიციები, შესრულებული ფანქრითა და ცარცით. მათი უმეტესობა ქალისა და მამაკაცის თავებია, გამოსახული ან წინიდან, ზოგჯერ პროფილში ან სამ მეოთხედში, ინტერპრეტირებული სამგანზომილებიანი ქიაროსკუროს სახით, გასაოცარია დატყვევებული გარეგნობის არაჩვეულებრივი სიცოცხლისუნარიანობითა და მყისიერი სიზუსტით („კაცი მრგვალი ქუდი“, „სტანდარტული მატარებელი და დრამერი“, ვენეცია, აკადემია, იხილეთ ილუსტრაციები).

სეტეცენტოს მონუმენტური და დეკორატიული ხელოვნების გრანდიოზული სფერო ძირითადად ასოცირდება ჯოვანი ბატისტა ტიეპოლოს (1696-1770) სახელთან, რომლის სტილი ჩამოყალიბდა მისი მასწავლებლის პიაცეტასა და სებასტიანო რიჩის გავლენით. სიცოცხლის განმავლობაში სარგებლობდა უზარმაზარი პოპულარობით, ტიეპოლო მუშაობდა არა მხოლოდ იტალიაში, არამედ გერმანიასა და ესპანეთში. მისი კომპოზიციები ასევე ამშვენებდა სამეფო სასახლეებსა და მამულებს რუსეთში მე-18 საუკუნეში. რენესანსისა და მე-17 საუკუნის დეკორატიული მხატვრობის საუკეთესო ტრადიციების გამოყენებით, ტიეპოლომ უკიდურესად გააძლიერა თავისი ნამუშევრების თეატრალური და გასართობი მხარე, აერთიანებდა მას რეალობის ცოცხალ აღქმასთან. შეგრძნების დაკარგვის გარეშე, ტიეპოლომ გააერთიანა რეალური ფენომენების მძაფრი გრძნობა კონვენციის იმ პრინციპებთან, რომლებიც დამახასიათებელია მონუმენტური და დეკორატიული მხატვრობისთვის. ამ ურთიერთშეღწევადმა პრინციპებმა განსაზღვრა მისი მხატვრული ენის ორიგინალურობა. თუმცა, ცხოვრებისეული ჭეშმარიტების თვისებები ცალკეული მოვლენებისა და პერსონაჟების ასახვაში არ იყო შერწყმული ტიეპოლოს ნამუშევრებში მხატვრული გამოსახულების ღრმა ფსიქოლოგიური გამჟღავნებასთან, რამაც ზოგადად გამოიწვია ინდივიდუალური ტექნიკის გარკვეული გამეორება და შეადგენდა მის შეზღუდულ მხარეს. ხელოვნება.

მხატვრის ნაყოფიერება ამოუწურავი იყო; მისი ბრწყინვალე შემოქმედებითი მოღვაწეობა ნახევარ საუკუნეზე მეტ ხანს გაგრძელდა. ტიეპოლოს ფუნჯები მოიცავს უამრავ ფრესკას, საკურთხეველს, დაზგური ნახატს და ბევრ ნახატს; ის ასევე იყო ოსტატის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული ოსტატი.

ტიეპოლოს საქმიანობის ადრეული პერიოდის მაგალითი, რომელმაც დაიწყო მუშაობა დაახლოებით 1716 წელს, არის ფრესკები ვენეციური სკალზის ეკლესიაში -

„აპოთეოზი წმ. ტერეზა“ (1720-1725), სადაც მან პირველად წარმოადგინა თავისი ახალი სივრცითი და დეკორატიული გადაწყვეტილებები, მითოლოგიურ თემებზე დაზგური ნახატების რიგი (მათ შორის დიდი ტილო „საბინელი ქალების გაუპატიურება“, დაახლ. 1720; ერმიტაჟი) და განსაკუთრებით. ათი უზარმაზარი დეკორატიული პანელი მხატვრის მიერ მოხატული ვენეციელი პატრიციუსის დოლფინოს (დაახლოებით 1725) სასახლის გასაფორმებლად.

ამ სერიიდან ხუთი ნახატი - "იმპერატორის ტრიუმფი", "მუციუს სკაევოლა პორსენას ბანაკში", "კორიოლანუსი რომის კედლების ქვეშ" და სხვა - ერმიტაჟის კოლექციაშია. გმირული საგნების ძლიერი და ექსპრესიული გადმოცემა, ფიგურების პლასტიკური, სასიცოცხლოდ დამაჯერებელი ინტერპრეტაცია, ნათელ ფერად კონტრასტებზე აგებული სივრცითი ფერწერული კომპოზიცია სინათლისა და ჩრდილის ეფექტების გამოყენებით, მოწმობს ტიეპოლოს ადრეული მომწიფების უნარს.

უდინეში მთავარეპისკოპოსის სასახლის ფრესკები 1726 წლით თარიღდება, ძირითადად ბიბლიურ თემებზეა მოხატული. ოცდაათი წლის ტიეპოლო მათში ჩნდება, როგორც გამოცდილი მხატვარი, შესანიშნავი კოლორისტული ოსტატობით, რაც ასახულია "ანგელოზის გამოჩენა სარასთან", "სამი ანგელოზის გამოჩენა აბრაამთან" და განსაკუთრებით ფრესკა "აბრაამის მსხვერპლშეწირვა". ”; ბიბლიური პერსონაჟების პოზებითა და ჟესტებით ისინი ბრწყინვალე პერფორმანსს წააგავს.

დაზგური მხატვრობას რომ მივმართავთ, ტიეპოლო ქმნის არანაკლებ შთამბეჭდავ დეკორატიულ კომპოზიციებს, როგორიც არის 1730-იანი წლების ბოლოს მოხატული. დიდი სამნაწილიანი ნახატი ვენეციის სან ალვისეს ეკლესიისთვის - "გზა გოლგოთაში", "ქრისტეს დროშა" და "ეკლებით გვირგვინი", სადაც ნათელი და ბრწყინვალე ფერები ჩანაცვლებულია პირქუში და ღრმა ფერებით. კომპოზიცია უფრო სივრცითი და დინამიური ხდება და მისი გამოსახულების სასიცოცხლო დამაჯერებლობა კიდევ უფრო ძლიერდება, ვიდრე ფრესკებში.

ტიეპოლოს დეკორატიული ნიჭის ბრწყინვალე აყვავება დაიწყო 1740-იანი წლების დასაწყისში, როდესაც მან დახატა მრავალი მითოლოგიური ნახატი, მათ შორის "ამფიტრიტის ტრიუმფი" (დრეზდენი) - ზღვის ქალღმერთი, რომელიც მშვიდად ეყრდნობოდა ეტლს ჭურვის სახით, რომელიც ცხენები და ზღვის ღვთაებები სწრაფად ჩქარობენ ფირუზისფერ მწვანე ტალღებს. საერთო დახვეწილ ფერთა სქემაში, ამფიტრიტის წითელი მოსასხამი, იალქანივით გადაჭიმული ქარიდან, გამოირჩევა როგორც ნათელი წერტილი.

1740-1750-იან წლებში. ტიეპოლო ერთმანეთის მიყოლებით ქმნის შესანიშნავ დეკორატიულ ციკლებს, სამსხვერპლოებს და პატარა დაზგური ნახატებს. ვენეციელი პატრიციების ოჯახები, ისევე როგორც მონასტრები და ეკლესიები, ეჯიბრებიან ერთმანეთს მისი ფუნჯის ნამუშევრების ფლობის სურვილში.

მხატვარმა თავბრუდამხვევად მაღალი ეკლესიის აბაჟურები გადააქცია უძირო ზეციურ სივრცეებად მორევი ღრუბლებით, სადაც მსუბუქი ფრთებიანი ანგელოზები და წმინდანები ტრიალებდნენ მლოცველთა თავზე. რელიგიური და მითოლოგიური საგნები შეიცვალა ბრწყინვალე დღესასწაულებით, ქორწინებებით, დღესასწაულებითა და ტრიუმფებით. თავის კომპოზიციებში მხატვარმა მიაღწია „დღის სინათლის“ გასაოცარ ეფექტებს თეთრი ტონების შერწყმით ღია ცისფერ და ნაცრისფერ ტონებთან და ღრმა სივრცითი პაუზები, რომლებიც ერთმანეთისგან ყოფს არქიტექტურულ ფორმებსა და ადამიანის ფიგურების ნაკადებს, ქმნის ჰაეროვანი სიმსუბუქისა და უწონობის განცდას. მისი ფერების დახვეწილი, ნაზი ჰარმონია, ფერების მძლავრი გრძნობა, კომპოზიციების დინამიზმი, ამოუწურავი ფერწერული ფანტაზია, ყველაზე რთული გრძელვადიანი პრობლემების თამამი გადაწყვეტა - ამ ყველაფერმა ტიეპოლოს თანამედროვეები ისევე გააოცა, როგორც ახლა გვაოცებს. .

1740-1743 წლებში მან დახატა უზარმაზარი პლაფონური კომპოზიციები ვენეციური ეკლესიებისთვის გესუატი, დეგლი სკალზი, სკუოლა დელ კარმინი და სხვა. ღირს შეჩერება სკალზის ეკლესიის მხატვრობაზე - ყველაზე დიდი ზომის და ყველაზე დიდებული ფრესკა, რომელიც შესრულებულია ამ წლებში ტიეპოლოს მიერ მხატვარ მენგოცი კოლონასთან ერთად, რომელიც იყო კვადრატისტი, ანუ მხატვარი, რომელიც ასრულებდა ორნამენტულ ნაწილებს. და არქიტექტურული მხატვრობა ტიეპოლოს კომპოზიციებში. ლონგენას მიერ მე-17 საუკუნეში აშენებული ეკლესიის ინტერიერის გაფორმება გამოირჩეოდა წმინდა ბაროკოს ბრწყინვალებით, დასრულებული ბრწყინვალე ტიეპოლოს აბაჟურით უზარმაზარი კომპოზიციით "მადონას სახლის გადატანა ლორეტოში" (ეს ბაჟური განადგურდა 1918 წელს). ჭერის მხატვრობა, თითქოს აგრძელებდა ეკლესიის კედლების ფაქტობრივ არქიტექტურულ გაფორმებას, შემორჩა უზარმაზარ ფრესკას, რომელიც აგებულია სხვადასხვა ინტენსივობისა და სიღრმის სინათლის გეგმების შედარებაზე, რაც ქმნიდა შუქით განათებული გაუთავებელი ციური სივრცის ილუზიას. გამოსახულება იშლებოდა თითქმის ჭერის სიბრტყის პარალელურად და არა მის სიღრმეში, როგორც ამას დეკორატორები აკეთებდნენ მე-17 საუკუნეში. ტრანსფერის მთავარი სცენის არა ჭერის ცენტრში, არამედ მის კიდეზე დაყენებით და დანარჩენი სივრცის თითქმის ცარიელი დატოვებით, ტიეპოლო აღწევს ადამიანის ფიგურების მასის სწრაფი საჰაერო ფრენის სრულ ილუზიას. ზოგიერთი ფიგურა გამოყოფილია ცენტრალური სცენიდან და მოთავსებულია ფრესკის ჩარჩოს ფონზე, მაგალითად, ფიგურა, რომელიც წარმოადგენს ერესს და მაყურებლისკენ თავდახრილი ეცემა. ამ ეფექტებით მხატვარი თითქოს ზეციურ სცენას ეკლესიის რეალურ ინტერიერს უკავშირებს. ასეთი თვალწარმტაცი ოპტიკური ილუზიები შეესაბამებოდა მე-18 საუკუნის ვენეციური თაყვანისცემის ბუნებას, რომელიც წარმოადგენდა ერთგვარ საეკლესიო საეკლესიო წარმოდგენას, გაჟღენთილი საერო და არა რელიგიური გრძნობებით.

ვენეციური პალაცო ლაბიაში ტიეპოლოს შესანიშნავი ფრესკები თარიღდება 1745 წლის შემდეგ, სადაც მხატვარი ყველაზე ახლოს მივიდა ვერონესის დეკორატიულ პრინციპებთან. დიდი დარბაზის მოპირდაპირე კედლებზე განთავსებული ორი ფრესკა ასახავს "ანტონისა და კლეოპატრას დღესასწაულს" და "ანტონისა და კლეოპატრას შეხვედრას". ჭერზე გამოსახულია რამდენიმე ალეგორიული ფიგურა.

Palazzo Labia-ს ფართო სამეჯლისო დარბაზში შესვლისას მაყურებელი კარგავს რეალური არქიტექტურული სივრცის გრძნობას, რადგან მისი საზღვრები ფართოვდება თვალწარმტაცი დეკორაციით, რომელმაც ვენეციური პალაზოს კედლები მდიდრულ თეატრალურ სპექტაკლად აქცია. ტიეპოლომ ოსტატურად გამოიყენა კედლის სივრცე ორ კარსა და მათ ზემოთ ორ ფანჯარას შორის, რითაც გააერთიანა ნამდვილი არქიტექტურა ილუზორული არქიტექტურით. „დღესასწაულის“ სცენაში, საფეხურები, რომლებზეც ჯუჯა გამოსახულია მაყურებლისკენ ზურგით, მიდის ფართო მარმარილოს ტერასაზე კორინთული სტილის კოლონადითა და გუნდით, რომლის ჩრდილქვეშ ეგვიპტის დედოფალი და რომაული გენერალური ქეიფი. კლეოპატრას, რომელსაც სურს დაუმტკიცოს ანტონის თავისი ზიზღი სიმდიდრის მიმართ, ფასდაუდებელ მარგალიტს აგდებს ჭიქა ძმარში, სადაც ის უკვალოდ უნდა გაიხსნას. უნაკლოდ არის გადმოცემული ადამიანის ფიგურების ურთიერთობა სცენის პერსპექტიულ კონსტრუქციასთან. სინათლითა და ჰაერით გაჯერებული კომპოზიცია აგებულია ორი გადამკვეთი დიაგონალის გასწვრივ, რაც მაყურებლის მზერას სიღრმეში მიჰყავს; როგორც ჩანს, მაყურებელს ეპატიჟება ტერასაზე გასასვლელად და დღესასწაულში მონაწილეობის მისაღებად. საინტერესოა, რომ ფრესკის შუა ნაწილი ფიგურებით არ არის სავსე, მხატვარი აქ იძლევა ეფექტურ სივრცულ პაუზას.

რამდენადაც ეს ფრესკა სიმშვიდით არის სავსე, "ანტონისა და კლეოპატრას შეხვედრის" ყველა ფიგურა მოძრაობაშია ჩაფლული. ისტორიული ჭეშმარიტების ერთგულების მიზნის მიღწევის გარეშე, ტიეპოლო თავის გმირებს უფრო მეტად აქცევს მე-16 საუკუნის ვენეციურ მოდაში ჩაცმულ მსახიობებად. ანტონისა და კლეოპატრას ისტორიის ამ ეპიზოდებმა ისეთი მადლიერი მასალა მისცა ტიეპოლოს შემოქმედებით ფანტაზიას, რომ მან დატოვა მათი მრავალი ვერსია თავის მონუმენტურ და დაზგური ტილოებში. ეს არის "ანტონისა და კლეოპატრას დღესასწაული" მელბურნის, სტოკჰოლმის და ლონდონის მუზეუმებში, "ანტონისა და კლეოპატრას შეხვედრა" ედინბურგსა და პარიზში.

50-60-იან წლებში ტიეპოლოს მხატვრულმა უნარებმა უზარმაზარ სიმაღლეებს მიაღწია. მისი ფერი უჩვეულოდ იხვეწება და იძენს კრემის, ოქროს, ღია ნაცრისფერ, ვარდისფერ და იასამნისფერ ნაზ ფერებს.

მისი ფრესკები ვიურცბურგის ეპისკოპოსის სასახლეში სწორედ ამ პერიოდით თარიღდება (იხ. გერმანიის ხელოვნება). მუშაობდა იქ სამი წლის განმავლობაში, 1751-1753 წლებში, ტიეპოლომ შექმნა შესანიშნავი დეკორატიული ნახატები, რომლებიც მთლიანად შეესაბამება სასახლის არქიტექტურულ დიზაინს. მათი პომპეზური თეატრალური ხასიათი შეესაბამება იმპერიული დარბაზის ფანტასტიკურ და გარკვეულწილად პრეტენზიულ არქიტექტურულ და სკულპტურულ გაფორმებას. ჭერზე გამოსახულია აპოლონი ეტლზე, რომელიც ღრუბლებში მირბის ბეატრიჩე ბურგუნდიელს თავის საქმროს ფრედერიკ ბარბაროსასთან. მსგავსი მოტივი არაერთხელ შეგვხვდა მე-17 საუკუნის დეკორატორებს შორის. (გუერჩინოში, ლუკა ჯორდანოში და სხვებში), მაგრამ მან ვერსად მიაღწია ასეთ სივრცულ გაშუქებას, ატმოსფეროს ასეთ გასხივოსნებულ უძიროობას, ასეთ ბრწყინვალებას ამაღლებული ფიგურების მოძრაობის გადმოცემისას.

დარბაზის მოკლე კედლის კარნიზის ზემოთ, განათების ოსტატურად გამოყენებით, ტიეპოლო ათავსებს ბარბაროსას ქორწილის ამსახველ ფრესკას. ინტერიერის კომპლექსურ კომპოზიციაში, მოტივებით ვერონესის სულისკვეთებით, ის წარმოგიდგენთ ხალხმრავალ საქორწილო ცერემონიას, შეღებილი ხმოვანი და მხიარული ფერებით - ლურჯი-ლურჯი, ჟოლოსფერი, ყვითელი, მწვანე, ვერცხლისფერი ნაცრისფერი.

ამ ფრესკების გარდა, ტიეპოლომ დახატა უზარმაზარი, დაახლოებით 650 კვ. მ, ჭერი სასახლის კიბეზე, სადაც ოლიმპო იყო გამოსახული. მან თითქოს "გაარღვია" ჭერის განუყოფელი ზედაპირი და გადააქცია იგი უსაზღვრო ზეციურ სივრცედ. აპოლონი აჩქარებულ ღრუბლებს შორის მოათავსა, კედლების გარშემო კარნიზის გასწვრივ მან გამოსახა მსოფლიოს სხვადასხვა კუთხის - ევროპის პერსონიფიკაციები ქალის სახით, რომელიც გარშემორტყმული იყო მეცნიერებისა და ხელოვნების ალეგორიული ფიგურებით (ზოგიერთ პერსონაჟს მიენიჭა პორტრეტული ხასიათი; მათ გამოსახა საკუთარი თავი, მისი ვაჟი ჯოვანი დომენიკო და თანაშემწეები), ამერიკა, აზია და აფრიკა ცხოველების გამოსახულებებითა და თავისებური არქიტექტურული მოტივებით. ეს აბაჟური ასევე მე-18 საუკუნის დეკორატიული ხელოვნების ერთ-ერთი მწვერვალია.

ვენეციაში დაბრუნების შემდეგ, ტიეპოლო, რომელიც თავისი დიდების ზენიტში იყო, გახდა ვენეციის ფერწერის აკადემიის პრეზიდენტი და ხელმძღვანელობდა მის საქმიანობას ორი წლის განმავლობაში.

ტიეპოლოს დეკორატიული გენიოსის საუკეთესო შემოქმედება მოიცავს მის ფრესკებს ვიჩენცაში ვილა ვალმარანაში, რომელიც თარიღდება 1757 წლით, სადაც მხატვარი მუშაობდა სტუდენტებთან და მის შვილთან ჯოვანი დომენიკო ტიეპოლოსთან (1727-1804). ამ ვილის ნახატებში, სადაც ტიეპოლო ახალ დეკორატიულ გადაწყვეტილებებს მიმართავს, მისი სტილი განსაკუთრებულ დახვეწილობასა და ბრწყინვალებას იძენს. მხატვარი ახლა აშენებს თავის კომპოზიციებს კედლის სიბრტყის პარალელურად და კვლავ უბრუნდება ვერონესის ტრადიციებს. კედლის თვითმფრინავი იქცევა ანტიკურ პერისტილად, რომლის სვეტებიდანაც იშლება ულამაზესი პეიზაჟის ხედი. დიდი სივრცითი პაუზები ფიგურებს შორის, სიმრავლის სიმრავლე, თეთრი, ლიმონისფერი ყვითელი, ღია ვარდისფერი, ნაზი იასამნისფერი, ღია ყავისფერი, ზურმუხტისფერი მწვანე ტონები მისი პალიტრა აძლევს ვილა ვალმარანას თვალწარმტაც ანსამბლს ნათელ და ხალისიან ხასიათს, რომელიც გამსჭვალულია ნათელი სასიცოცხლო გრძნობით. ძველი და რენესანსული პოეზიის გამოსახულებებიდან.

ვილის მთავარი დარბაზის ფრესკები - ე.წ. დანარჩენი სამი დარბაზი მოხატული იყო ფრესკებით ჰომეროსის ილიადადან, ვერგილიუსის ენეიდიდან და რენესანსის ლექსებიდან ნასესხები თემებით - არიოსტოს როლანდ განრისხებული და ტორკვატო ტასოს იერუსალიმი გათავისუფლებული. ყველა ამ სცენაში არის ბევრი მოძრაობა, სიმსუბუქე, გრაციოზულობა და ემოციურობა, რასაც ტიეპოლოს მიერ არჩეული ლიტერატურული საგნების დრამა გვთავაზობს.

საინტერესოა, რომ დიდმა გერმანელმა პოეტმა გოეთემ, ამ ვილას რომ ეწვია, მაშინვე აღნიშნა მასში ორი სტილის არსებობა - "დახვეწილი" და "ბუნებრივი". ეს უკანასკნელი განსაკუთრებით გამოიხატება ჯოვანი დომენიკო ტიეპოლოს შემოქმედებაში, რომელმაც 1757 წელს ვილას მიმდებარე „გესტჰაუსში“ (ე.წ. ფორესტიერა) რამდენიმე ოთახი დახატა. დიდი ხნის განმავლობაში მამა-შვილის ტიეპოლოს ნამუშევრები იმავე სახელწოდებით მიდიოდა; ახლა უფრო მკაფიოდ გამოიკვეთა ახალგაზრდა ტიეპოლოს შემოქმედებითი გარეგნობის მახასიათებლები. ამრიგად, მის ვილა ვალმარანას ფრესკებში უფრო მძაფრად არის გამოხატული ჟანრული და ყოველდღიური პრინციპი მამის სტილისგან განსხვავებით. ასეთია მისი ნახატები "გლეხის სადილი" ან "გლეხები მოსვენებულზე" ფართო ლანდშაფტის ფონით ან მშვენიერი "ზამთრის პეიზაჟი", სადაც გამოსახულია ორი ბრწყინვალედ ჩაცმული ვენეციელი ქალი. სხვა კედლებზე წარმოდგენილია კარნავალის ეპიზოდები, რომლებიც მე-18 საუკუნის ვენეციური ცხოვრების წესის ნათელ ილუსტრაციას წარმოადგენს. ტიეპოლო უმცროსი ასევე ხატავდა ჟანრის ნახატებს ვენეციის Palazzo Rezzonico-ში. თუმცა მისი ზოგიერთი ჟანრული ნაწარმოები მამასთან ერთად შესრულებულად ითვლება. მისი საუკეთესო მიღწევები მოიცავს ბრწყინვალე ტექნიკური ოქროვების სერიას, რომლის თითოეული ფურცელი ასახავს იოსებისა და მარიამის ბავშვთან ერთად ეგვიპტეში ფრენის ეპიზოდს.

თავად ჯოვანი ბატისტა ტიეპოლო ასევე ცნობილია როგორც პორტრეტის მხატვარი. მისი პორტრეტები ანტონიო რიკობონოს (დაახლოებით 1745; როვიგო, Accademia Concordi), ჯოვანი კვერინის (დაახლოებით 1749; ვენეცია, კუერინი-სტამპალიას მუზეუმი) ძალიან ნათელი და გამომხატველი ხასიათისაა.

დაახლოებით 1759 წელს ტიეპოლომ დახატა დიდი სამსხვერპლო „წმ. თეკლა იხსნის ქალაქ ესტეს ჭირისგან“ (კათედრალი ესტეში), შექმნილი მისი საერო კომპოზიციებისგან განსხვავებული კოლორისტული გასაღებით. ღრმა მუქი ტონები ხაზს უსვამს ამ სცენის დრამატულ დაძაბულობას, რომლის სურათები შეიქმნა მე -16 საუკუნის დიდი ვენეციელი მხატვრის გავლენით. ტინტორეტო.

ტიეპოლომ სიცოცხლის ბოლო წლები გაატარა მადრიდში, რომელსაც ესპანეთის მეფე ჩარლზ III-ის დაკვეთით დაეხატა თავისი სასახლის ჭერის ნათურები. ტახტის ოთახის ჭერზე დახატულია უზარმაზარი ფრესკა "ესპანეთის მონარქიის ტრიუმფები" (1764-1766). ისევე როგორც ვიურცბურგში, ჭერი გარდაიქმნება ზეციურ სივრცედ, ჩარჩოში ჩასმული ფიგურული კომპოზიციებით, რომლებიც წარმოადგენს ესპანეთის კოლონიებსა და პროვინციებს. თუმცა, იგი შესრულებულია უფრო ბრტყლად, ვიდრე ადრინდელი დეკორატიული ციკლები.

ტიეპოლოს შემოქმედების განსაკუთრებულ არეალს წარმოადგენს მისი მხატვრობით ბრწყინვალე ნახატები. შესრულებული სანგვინით ან ბუმბულით სარეცხით, ისინი გამოირჩევიან ფორმების საერთოობით, ინტენსიური დინამიკით და - მიუხედავად გრაფიკული მანერის ესკიზური სიზუსტისა - დიდი დრამატული ექსპრესიულობით. ისინი ხშირად ემსახურებიან როგორც მოსამზადებელ ჩანახატებს მისი უფრო დიდი კომპოზიციების ცალკეული ნაწილებისთვის, ზოგჯერ მათ აქვთ დამოუკიდებელი მნიშვნელობა. არაჩვეულებრივი პლასტიურობით შესრულებული მამაკაცის თავების მისი ნახატები გამოირჩევა ცხოვრებისეული ჭეშმარიტების განცდით და იშვიათი დაკვირვებით. მას ასევე აქვს მკვეთრი და ექსპრესიული კარიკატურები სასულიერო პირების, ვენეციელი დენდიებისა და ნიღბების კომედიის გმირები.

ეტიეპოლომ ოქროვის ტექნიკის გამოყენებით შეასრულა სხვადასხვა მითოლოგიური, ალეგორიული და რომანტიული სცენები, რომელთა მნიშვნელობის გამოვლენა თითქმის შეუძლებელია. ისინი შეიცავს ასტროლოგების, აღმოსავლური სამოსით გამოწყობილი ადამიანების, ბოშების და მეომრების გამოსახულებებს. გამოირჩეოდა მათი უაღრესად თვალწარმტაცი კიაროსკუროს სტილით, ამ ოტირებმა გარკვეული გავლენა მოახდინეს მე-18 და მე-19 საუკუნეების მიჯნაზე უდიდესი ესპანელი მხატვრის გრაფიკაზე. ფრანცისკო გოია.

თავის დროზე მიჯაჭვული ტიეპოლო ვერ ამაღლდა თავის საქმიანობაში ადამიანურობის, სიღრმისა და მთლიანობის იმ მაღალ ზომამდე, რაც დამახასიათებელი იყო რენესანსის დიდი ოსტატებისთვის. მისი მრავალი გმირის გარეგნობა ეფუძნება ცხოვრებისეულ დაკვირვებებს, რასაც ასახავს მისი მრავალი ქალი პერსონაჟი - კლეოპატრა, არმიდა, ამფიტრიტე - თითქმის ყოველთვის უბრუნდება იმავე რეალურ პროტოტიპს - ვენეციელი გონდოლიერის კრისტინას ქალიშვილი, მაგრამ არა გამორჩეული. ნამდვილი შინაგანი მნიშვნელობით. მისი ნათელი და სადღესასწაულო ხელოვნების მნიშვნელოვანი მხარე გამოსახულია არა იმდენად ინდივიდუალური სურათებისა და პერსონაჟების ექსპრესიულობაში, არამედ ფერწერული და პლასტიკური მოტივების მთელ კომპლექსში, მათ გასაოცარ სიმდიდრესა და დახვეწილობაში.

მე-19 საუკუნეში ტიეპოლოს მხატვრობა სათანადოდ არ იყო დაფასებული, რადგან ის შორს იყო იმ მხატვრული პრობლემებისგან, რომლებიც წყდებოდა იმ საუკუნის ხელოვნებაში. მხოლოდ მოგვიანებით დაიკავა ტიეპოლომ თავისი კანონიერი ადგილი ხელოვნების ისტორიაში, როგორც მე-18 საუკუნის ერთ-ერთი ბრწყინვალე ოსტატი, რომელმაც შექმნა საკუთარი სტილი და ფერწერული და დეკორატიული სისტემა, რომელმაც დაასრულა კლასიკური მხატვრული ეპოქების მონუმენტური მხატვრობის მრავალსაუკუნოვანი ევოლუცია.

მე-18 საუკუნის იტალიური მხატვრობისთვის. ჟანრებად დაყოფით გამოირჩეოდა. მასში ფართოდ გავრცელდა ყოველდღიური ჟანრი, პეიზაჟი და პორტრეტი და თითოეული მხატვარი სპეციალიზირებული იყო ხელოვნების საკუთარ ფორმაში. ამრიგად, ვენეციელმა მხატვარმა პიეტრო ლონგიმ (1702-1785) თავის სპეციალობად აირჩია პატარა გალანტური სცენების, ვიზიტების, მასკარადების, კონცერტების, სათამაშო სახლების, ცეკვის გაკვეთილები, ხალხური გართობა, შარლატანები და იშვიათი ცხოველების გამოსახვა. ყოველთვის არ არის სწორი დიზაინით, ზოგჯერ საკმაოდ ელემენტარული ფერის სქემით, მცირე ზომით, ლონგის ნახატები - "ცეკვის გაკვეთილი" (ვენეცია, აკადემია), "ტუალეტის უკან" (ვენეცია, Palazzo Rezzonico), "Rhinoceros" (ibid.) - მნიშვნელოვანი წარმატებით გამოიყენეს. მისმა ნარატიულმა ნახატმა, რომელსაც გოლდონმა თავისი მუზის დას უწოდა, მოგვიტანა „ნიღბის ეპოქის“ თავისებური და პოეტური სულისკვეთება, უდარდელი ქუჩის ცხოვრება, ინტრიგა, უაზრობა და გართობა, ამ დროის ვენეციის დამახასიათებელი.

იტალიური პორტრეტი წარმოდგენილი იყო არაერთი ოსტატის მიერ, რომელთაგან ყველაზე მნიშვნელოვანი იყო ჯუზეპე გისლანდია, რომელსაც მაშინ ეძახდნენ (ბერად აღზრდის შემდეგ) ფრა გალგარიო (1655-1743). წარმოშობით ბერგამოელი, ის დიდხანს მუშაობდა ვენეციაში, სადაც სწავლობდა ჯორჯონის, ტიციანისა და ვერონეზეს შემოქმედებას. მის ფუნჯებში შედის მრავალი, ძირითადად მამაკაცის პორტრეტები, რომლებიც აერთიანებს ბაროკოს პორტრეტებში დამახასიათებელ გარეგნულ წარმომადგენლობას და ფსიქოლოგიური დახასიათების მეთოდებს მე-18 საუკუნისთვის დამახასიათებელ მადლთან, მადლსა და ელეგანტურობასთან. შესანიშნავი კოლორისტი, რომელიც დაეუფლა ვენეციური მხატვრობის საუკეთესო ტრადიციებს, გისლანდი გამოსახავდა დიდებულებს, რომლებიც მისთვის პოზირებდნენ პარიკებში, უზარმაზარ სამკუთხა ქუდებში და ოქროთი მოქარგული მდიდარ კამიზოლებში, მის ნახატში გამოიყენებდნენ ღია ჟოლოს, იასამნისფერ, მწვანე და ყვითელ ტონებს. მაგრამ ამ პომპეზურობით მას არასოდეს დაუფარავს პორტრეტული გამოსახულების რეალისტური არსი.მისი თითოეული პორტრეტი ღრმად ინდივიდუალურია, იქნება ეს მამაკაცის პორტრეტი, სადაც ძალიან ნათლად არის გამოსახული მოდელი - ჯენტლმენი ამპარტავანი სახით, სავსე სენსუალური ტუჩებით და დიდი. ცხვირი (მილანი, პოლდი-პეცოლის მუზეუმი), ან გრაფი ვიალეტის ელეგანტური სრულმეტრაჟიანი პორტრეტი, ან მუქი „რემბრანდტის“ ფერებით დახატული ავტოპორტრეტი, ან ბიჭის მომხიბვლელი პორტრეტი (1732; ერმიტაჟი).

ალესანდრო ლონგი (1733-1813) - პიეტრო ლონგის ვაჟი - ცნობილია ძირითადად, როგორც პორტრეტის მხატვარი. თავის მოდელებს აძლევს საზეიმო, სადღესასწაულო იერს, ის ცდილობს დაახასიათოს ისინი მათ გარშემო არსებული ავეჯით. ეს არის ცნობილი კომპოზიტორის დომენიკო ციმაროსას პორტრეტი (ვენა, ლიხტენშტეინის გალერეა). იგი გამოსახულია აყვავებულ ატლასის მოსასხამში, პარტიტურით ხელში, რომელიც მნახველისკენ უბრუნდება ამპარტავანი და სიმპათიური, მაგრამ ღრმა გამომსახველობის გარეშე, ახალგაზრდა სახეს, რომელიც ჩარჩა თეთრი პარიკით. მაგიდაზე მის გვერდით არის Viola d'Amour, ვიოლინო, ფლეიტა, საყვირი და მელანი ბუმბულით, იმავე სულისკვეთებით არის დაწერილი გოლდონის პორტრეტი (ვენეცია, კორერის მუზეუმი): გამოსახულია ცნობილი დრამატურგი. სრული ჩაცმულობით, თავისი პროფესიის ატრიბუტებით გარემოცული.

ვენეციელმა მხატვარმა როსალბა კარიერამ (1675-1757) დაიწყო თავისი კარიერა მინიატურისტად, მაგრამ ფართო პოპულარობა მოიპოვა პასტელებში დახატული მრავალი პორტრეტით. მისი შეღებვა გამოირჩეოდა დიდი სინაზით და გარკვეული გაცვეთილი ტონებით, რაც აიხსნებოდა პასტელის ტექნიკის სპეციფიკით. მთელი ცხოვრება ხატავდა პორტრეტებს და პოეტურ ალეგორიებს. სრული მსგავსების მიღწევის მიზნის განხორციელების გარეშე, იგი უკიდურესად აამებდა თავის მოდელებს, ზოგჯერ ანიჭებდა მათ სენტიმენტალურ და არისტოკრატულ ხასიათს, რის წყალობითაც იგი უზარმაზარი წარმატებით სარგებლობდა მე -18 საუკუნის ევროპულ თავადაზნაურობას შორის. და აირჩიეს საფრანგეთისა და ვენეციის აკადემიების წევრად.

მაგრამ ყველაზე მნიშვნელოვანი ფენომენი მე -18 საუკუნის ვენეციური მხატვრობის სხვადასხვა ჟანრს შორის იყო ქალაქის პეიზაჟი, ეგრეთ წოდებული ვედუტა (ანუ ხედი), რომელიც აერთიანებდა არქიტექტურული ფერწერის ელემენტებს და თავად ლანდშაფტს.

ვენეციური ლანდშაფტის მხატვრობა, უპირველეს ყოვლისა, იყო პერსპექტიული მხატვრობა, რომელიც ასახავდა ქალაქის ლანდშაფტის რეალურ მოტივებს. თუმცა, თითოეულ ვედუტისტს ჰქონდა საკუთარი მხატვრული ენა და საკუთარი ფერწერული ხედვა, ამიტომ, მიუხედავად მოტივების გარკვეული გამეორებისა და ერთმანეთისგან სესხების მიუხედავად, ისინი არასოდეს იყვნენ მოსაწყენი და ერთნაირი. ვენეციის სილამაზეზე შეყვარებულები გახდნენ მისი ნამდვილი ბიოგრაფები და პორტრეტები, გადმოსცემდნენ მისი გარეგნობის დახვეწილ პოეტურ ხიბლს, აღბეჭდეს უამრავ ფერწერაში, ნახატსა და გრავიურაზე მოედნები, გონდოლებით მორთული არხები, სანაპიროები, სასახლეები, სადღესასწაულო დღესასწაულები და ღარიბი უბნები.

ვენეციური ვედატების წარმოშობა უნდა ვეძებოთ მე-15 საუკუნის მხატვრობაში, ჯენტილ ბელინისა და ვიტორ კარპაჩიოს ნამუშევრებში, მაგრამ შემდეგ ქალაქის პეიზაჟმა არ ითამაშა დამოუკიდებელი როლი და მხატვარს მხოლოდ სადღესასწაულო ქრონიკების ფონად ემსახურებოდა. თხრობითი კომპოზიციები.

მე-18 საუკუნის დასაწყისში. ლუკა კარლევარისი ქმნის ვენეციური ქალაქის პეიზაჟის ტიპს, რომელსაც, თუმცა, შემდგომ ვედუტისტების ნამუშევრებთან შედარებით, საკმაოდ პრიმიტიული ხასიათი ჰქონდა. ამ დარგის ნამდვილი ოსტატი იყო ანტონიო კანალე, მეტსახელად კანალეტო (1697-1768).

თეატრის მხატვრის ბერნარდო კანალეს ვაჟი და სტუდენტი ანტონიო გაემგზავრა ვენეციაში რომში და იქ გაეცნო რომაელი ლანდშაფტის მხატვრებისა და თეატრის დეკორატორების, ძირითადად პანინისა და ბიბიენას ოჯახს. მისი სტილი ძალიან ადრე განვითარდა და არ განიცადა გამოხატული ცვლილებები მისი განვითარების გზაზე. უკვე კაიალეტოს ადრეულ ნაშრომში "Scuola del Carita" (1726 წ.) მკაფიოდ იყო გამოხატული მისი მხატვრული აღქმის პრინციპები. მის ქალაქურ პეიზაჟებში მცირე მოძრაობაა, მათში არაფერია მოჩვენებითი, ცვალებადი ან უცვლელი, მიუხედავად ამისა, ისინი ძალიან სივრცულია; ფერადი ტონები ქმნიან სხვადასხვა ინტენსივობის გეგმებს, რბილდება მათი კონტრასტით კიაროსკუროს მიერ. Canaletto ხატავს ლაგუნების ხედებს, მარმარილოს ვენეციურ სასახლეებს, არკადებისა და ლოჯიების ქვის მაქმანებს, არხების მდიდარ მწვანე ან მოლურჯო წყალში არეკლილი სახლების ჟანგიანი-წითელ და მონაცრისფრო-მოვარდისფრო კედლებს, რომლებზედაც ოქროს სრიალით მორთული გონდოლები და სათევზაო ნავები ტრიალებენ. და ხალხის ბრბო იკრიბება სანაპიროებზე, შეგიძლიათ ნახოთ უსაქმური დიდებულები თეთრ პარიკებში, ბერები კასრებში, უცხოელები და მშრომელი ხალხი. ზუსტი, თითქმის რეჟისორული გათვლებით Canaletto აჯგუფებს მცირე ჟანრის მიზანსცენებს; მათში ის არის ცხოვრებისეული, ზოგჯერ პროზაულიც და უკიდურესად ზედმიწევნითი დეტალების გადმოცემაში.

„დიდი არხი ვენეციაში“ (ფლორენცია, უფფიზი), „სან ჯოვანი ე პაოლოს ეკლესიის წინ მდებარე მოედანი ვენეციაში“ (დრეზდენი), „ქვის ქვისთავის სასამართლო“ (1729-1730; ლონდონი, ეროვნული გალერეა). Canaletto-ს საუკეთესო ნამუშევრები. საბჭოთა მუზეუმებში მდებარე მის ნახატებს შორის უნდა დასახელდეს "საფრანგეთის საელჩოს მიღება ვენეციაში" (ერმიტაჟი) და "დოჟის გამგზავრება ადრიატიკის ზღვაში ნიშნობისთვის" (ა.ს. პუშკინის სახვითი ხელოვნების მუზეუმი).

ფართო პოპულარობა მოიპოვა 30-იანი წლებიდან. როგორც მხატვარი, რომელსაც თავის ჟანრში თანაბარი არ ჰყავს, კანალეტო 1746 წელს მიიწვიეს ლონდონში, სადაც, ინგლისელი მფარველების ბრძანებით, მან დახატა რამდენიმე ქალაქის პეიზაჟი, რომლებშიც მისი ფერი, მოკლებულია ნათელ და პლასტმასის ქიაროსკუროს განათებას, კარგავს თავის ყოფილს. ჟღერადობა და მრავალფეროვნება, ხდება უფრო დამორჩილებული და ადგილობრივი. ესენია "უაითჰოლის ხედი", "ლონდონის ქალაქი ვესტმინსტერის ხიდის თაღის ქვეშ", "დღესასწაული ტემზაზე" და მრავალი სხვა.

გარდა ფერწერისა, კანალეტომ დიდი ყურადღება დაუთმო გრავიურას, რომელიც 1740-1750 წწ. ბრწყინვალე განვითარება მიიღო ვენეციაში. თითქმის ყველა ვენეციელი ლანდშაფტის მხატვარი - მარკო რიჩი, ლუკა კარლევარისი, კანალეტო, ბელოტო - იყო ოსტატის მთავარი ოსტატი. ის, რაც ხანდახან აკლდა კანალეტოს დიდ ტილოებს - მოძრაობა, მთელი ფერწერული ქსოვილის სულიერება - სრულად ჩანდა მის ოქროდებში, გამსჭვალული ნამდვილი პოეტური გრძნობით. მათში ოსტატური ხაზოვანი ტექნიკის გამოყენებით, ღრმა და რბილი შუქ-ჩრდილის გადასვლების მიღწევა სხვადასხვა ინტენსივობის თხელი პარალელური დაჩრდილვის გზით, Canaletto ამავდროულად ამუშავებდა ქაღალდს, წყვეტდა ოდნავ ტალღოვან ჰორიზონტალურ შტრიხებს მსუბუქი ვერტიკალებით ან ჩრდილავს შუქს. მათთან ერთად. ზეცაც და ღრუბლებიც მოცურავს, თითქოს მსუბუქი ნიავი ამოძრავებს და წყალი და ხეები ცოცხლდებიან მის გრავიურებში. სწრაფი და თამამი კონტურები, გამართული შტრიხები სასიცოცხლო ავთენტურობას და რეალობას ანიჭებს მის "დოლოს პორტს" - პატარა მოედანს წყლის აუზის სანაპიროზე, რომლის გასწვრივ მოძრაობს ახალგაზრდა წყვილი - პარიკით და კამიზოლით გამოწყობილი ჯენტლმენი, რომელიც ქალბატონს მიჰყავს. ბრწყინვალე კაბა მკლავზე, რომელიც უნებურად აღძრავს მნახველს მანონ ლესკოს და შევალიე დე გრიეს რომანტიკულ სურათებს აბატ პრევოსტის მოთხრობიდან.

ბერნარდო ბელოტო (1720-1780) - კანალეტოს ძმისშვილი და სტუდენტი - ასევე იყო XVIII საუკუნის ერთ-ერთი გამორჩეული ვედუტისტი. გეგმების მკაფიო პერსპექტიული განაწილება, უკიდურესად მაღალი, თითქმის ფოტოგრაფიული სიზუსტე ბუნების რეპროდუქციაში, მისი ნახატების გარკვეულწილად გათლილი ზედაპირი მათ გარკვეულ უსიცოცხლობას ანიჭებს, რაც გარკვეულწილად გამოწვეულია იმით, რომ ბელოტო ფართოდ იყენებდა კამერის ანარეკლს. ობსკურა მის ნამუშევრებში. მისი საქალაქო ვედუტები არ გამოირჩევიან მხატვრული განზოგადების სიგანით; მათ აქვთ მცირე განწყობა, მოძრაობა ან ჰაეროვნება, მაგრამ მათ აქვთ დიდი მხატვრული და დოკუმენტური ღირებულება. იტალიის გარდა, 1746-1766 წლებში მუშაობდა ვენისა და დრეზდენის სასამართლოებში, ხოლო 1768 წლიდან იყო სასამართლო მხატვარი პოლონეთში, სადაც მან შექმნა მრავალი ხედვა ვარშავაზე. გამოსახული დეტალების სიზუსტით ვიმსჯელებთ, შეიძლება ვივარაუდოთ, რომ ეს ვედუტები მეტ-ნაკლებად სწორ წარმოდგენას იძლევა იმდროინდელი არქიტექტურის, ქალაქის პეიზაჟისა და ცხოვრების შესახებ.

ვენეციელი სეტეჩენტოს ნახატმა ანათებდა სხვა სახელით - ფრანჩესკო გვარდი (1712-1793), შესანიშნავი მხატვარი, რომელმაც თითქმის მე-19 საუკუნემდე მიიტანა ვენეციური მხატვრობის დიდი კოლორისტული ტრადიციები.

ის იყო მისი უფროსი ძმის, ჯოვანი ანტონიო გვარდის (1698/99-1760) სტუდენტი, ნიჭიერი მხატვარი, რომლის სახელოსნოში მუშაობდა სიცოცხლის თითქმის ნახევარი. უფროსი გვარდი, რომელმაც შექმნა რამდენიმე საკურთხევლის ნახატი: „სიკვდილი წმ. ჯოზეფ“ (ბერლინი); "მადონა და ბავშვი და წმინდანები" (ეკლესია ვიგო დ'ანაუნიაში), ცხადია, უმცროსი ძმის მონაწილეობით, თავისებურად დაუკავშირდა სებასტიანო რიჩისა და პიაცეტას.

ფრანჩესკო გვარდის ადრეული ნამუშევრები მოიცავს რამდენიმე საკურთხევლის ნახატს - "ჯვარცმა" (ვენეცია, კერძო კოლექცია), "გოდება" (მიუნხენი). თუმცა, ამ პერიოდის ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარია ვენეციის არკანჯელო რაფაელის ეკლესიაში ორღანის ზეთის მხატვრობა, რომელიც ასახავს სცენებს ტობიას ცხოვრებიდან (დაახლოებით 1753 წ.). ამ ნახატის არაერთი სიუჟეტური და კომპოზიციური მოტივი მხატვარმა ისესხა სხვა იტალიელი მხატვრებისგან, მაგრამ თამამი და უჩვეულო კოლორისტული გადაწყვეტა მას სრულიად ორიგინალურ ნამუშევრად აქცევს. შორეული, მოციმციმე პეიზაჟების მსგავსად, მოციმციმე მანათობელი ვარდისფერი, იასამნისფერი, წითელი, ლიმონის, ოქროსფერ-ნარინჯისფერი, ნაცრისფერი და ლურჯი ტონები, ჩრდილების სისუსტე და ვიბრაცია, ახირებული, თითქმის კაპრიზული ფერადი შეხამება განასხვავებს მის ფერწერულ სტრუქტურას. ყველა ვენეციელ ოსტატებს შორის, გვარდი ყველაზე მეტად ავლენს მიდრეკილებას ჰაერის გარემოს გადმოცემისადმი, დახვეწილი ატმოსფერული ცვლილებების, მზის შუქის მსუბუქ თამაშს, ლაგუნების ტენიან ვურსიან ჰაერს, შეღებილი ფერების საუკეთესო ფერებში. ფუნჯის მსუბუქი, თითქოს აკანკალებული შტრიხებით, გვარდიმ არა მხოლოდ გამოძერწა ფორმა, არამედ მიაღწია არაჩვეულებრივ მობილურობას და სულიერებას მთელი სურათის მთლიანი ზედაპირის მთლიანობაში.

ამავე წლებით თარიღდება ნახატი „ალექსანდრე დარიუსის სხეულის წინ“ (პუშკინის სახელობის სახვითი ხელოვნების სახელმწიფო მუზეუმი), რომელიც წარმოადგენს მე-17 საუკუნის იტალიელი მხატვრის ნახატის უფასო ასლს. ლანგეტი. ძნელი წარმოსადგენია უძველესი ნაკვეთის უფრო არაკლასიკური ინტერპრეტაცია. თუმცა, გვარდის ბრავულური ფერწერულობა და მისი ღია ცისფერი, წითელი, მუქი ყავისფერი, მომწვანო ფერადი ლაქების ნამდვილი ქარიშხალი არ ფარავს სურათის მკაფიო კომპოზიციურ სტრუქტურას ელიფსის სახით, რომელიც იკვეთება დარიუსის დიაგონალურად განლაგებული სხეულით - კომპოზიციის სემანტიკური ცენტრი.

მაგრამ გვარდის შემოქმედების ყველაზე მნიშვნელოვანი მხარე დაკავშირებულია ლანდშაფტის მხატვრობის განვითარებასთან, როდესაც მან, 1740-იანი წლებიდან. მარიესკისა და კანალეტოს გავლენით, რომელთა ნახატებსაც დიდი ხნის განმავლობაში კოპირებდა, დაიწყო მუშაობა არქიტექტურული ლანდშაფტის სფეროში. კანალეტოს შემდეგ, გვარდი ამავე დროს ცდილობდა დაეძლია თავისი მეგზურის ხაზოვანი პერსპექტიული კონსტრუქცია.

1763 წელს, ახალი დოჟ ალვისე IV მოჩენიგოს მეფობის დასაწყისთან დაკავშირებით, რომელიც აღინიშნა მრავალი ბრწყინვალე დღესასწაულებით, გვარდიმ დახატა თორმეტი დიდი ვენეციური ვედა, თითქმის ზუსტად გამოიყენა კანალეტოს კომპოზიციები, რომლებიც ამოტვიფრული იყო ბრუსტოლონის მიერ მისი ნახატებისთვის. ასეთი ნასესხები, როგორც ვხედავთ, გვარდის ფერწერულ პრაქტიკაში არაერთხელ შეგვხვედრია, მაგრამ ამან მისი ნახატების ღირსება არ შეამცირა; გვარდის ჰაეროვანმა ინტერპრეტაციამ მშრალად ავთენტური ვედუტები გარდაქმნა ვენეციის სურათებად, სავსე შიშით, მოძრაობითა და სიცოცხლით.

გვარდი იყო ხატვის დიდი ოსტატი. მისი მთავარი ტექნიკაა კალმით ნახატები, ზოგჯერ ხაზგასმული აკვარელით. მათში ის უპირველეს ყოვლისა ეძებდა მოძრაობას და მყისიერ შთაბეჭდილებას. ადრინდელი ნახატები მონიშნულია როკაილის მოტივებით, ხაზები მომრგვალო, ახირებული და მოქნილი, მოძრაობა გაზვიადებულია, გვიანდელში გაცილებით დიდი განზოგადება ჩანს; მელნით და ბისტრომით რეცხვა მათ შეუდარებელ ფერწერულობას ანიჭებს. ბევრი მათგანი უშუალოდ ცხოვრებიდანაა შექმნილი – ისინი იპყრობენ გაშვებულ ღრუბლებს, წყლის მოძრაობას, გონდოლების სრიალს, მათ არასწორ ანარეკლს, ფიგურების ტემპერამენტულ და გაბედულ მოხვევებს. შენობები, კიბეები, ლოჯიები, კოლონადები გამოკვეთილია დაუმთავრებელი, ბრავურად, ერთმანეთზე გადაკვეთილი მკვეთრი შტრიხებით. ვენეციური არქიტექტურის ჰაეროვანი მადლიც და მისი კონსტრუქციულობაც მხატვარმა ხაზის საოცარი გრძნობით გადმოსცა, ერთბაშად წყვეტილი და განზოგადებული.

გვარდის ყველაზე დამახასიათებელი მხატვრული ხერხები მის ნახატში მოიცავს თავისუფალ ვარიაციებს იმავე საყვარელ თემაზე, ე.წ. ის სულ უფრო მეტ ახალ მოტივებს პოულობს თავისი მუდმივი „მოდელისთვის“, დღის სხვადასხვა საათებში ხატავს ვენეციას, რომელსაც მთელი ცხოვრება არ დაუტოვებია, აღმოაჩენს უფრო და უფრო ფერად ნიუანსებს, აძლევს პეიზაჟებს ან რომანტიკულ იერს, ან. მათი შეღებვა ლირიკული ასახვის სევდიან ტონებში.

1770-იან წლებში გვარდიმ მიაღწია თავისი უნარის მწვერვალს. წვრილი და თავისუფალი შტრიხებით ხატავს მოედნებს, არხებს, ქუჩებს, დანგრეულ შენობებს, ვენეციის გარეუბნებსა და ღარიბ უბნებს, მის განცალკევებულ ეზოებს, მიტოვებულ ლაგუნებს, წყნარ ჩიხებს, რომლებიც მოულოდნელად მთავრდება ფართო დაჩრდილულ თაღში, რომლის თაღიდან, როგორც გიგანტური გამჭვირვალე წვეთი, კიდია შუშის ფარანი, თითქოს დნება საღამოს ვარდისფერ ჰაერში („ქალაქის ხედი“; ერმიტაჟი). არსებითად, გვარდიმ შეცვალა დეკორატიული სასცენო ვედატების ტიპი? რომელიც დომინირებდა ვენეციურ მხატვრობაში მე-18 საუკუნის შუა წლებში, ყველაზე დახვეწილი ლირიკული ჟღერადობის პეიზაჟად, ღრმად პირადი გამოცდილებით გამსჭვალული.

1782 წლისთვის არის ორი დიდი სერია "ზეიმი", რომელსაც გვარდი ასრულებს ოფიციალური ბრძანებების მიხედვით. პირველი მათგანი შედგებოდა ოთხი ტილოსგან, რომელიც ეძღვნებოდა პაპ პიუს VI-ის ვენეციის რესპუბლიკაში ყოფნისადმი, მეორე დახატული იყო რუსეთის ტახტის მემკვიდრის, დიდი ჰერცოგის პაველ პეტროვიჩის ვენეციაში ვიზიტის საპატივსაცემოდ და მოიცავდა ხუთ ნახატს. მათგან ოთხი გადარჩა - "ბურთი სან ბენედეტოში" (პარიზი), "გალა კონცერტი" (მიუნხენი), "ბანკეტი" (პარიზი), "დღესასწაული წმ. მარკ“ (ვენეცია).

"გალა კონცერტი" მხატვრის ერთ-ერთი ყველაზე ბრწყინვალე ნამუშევარია. ამ სურათში აღბეჭდილია ის გაუგებარი რამ, რაც განსაკუთრებით იყო თანდაყოლილი გვარდის ოსტატობაში - გადმოცემულია მე-18 საუკუნის გალანტური დღესასწაულის სული. აქ მუსიკა თავისთავად ისმის, რომელიც დაფრინავს ქალი ვიოლინოს ორკესტრის მსუბუქი მშვილდებიდან. სანთლების რბილ ციმციმში, რომელიც ანათებს მაღალ სამეჯლისო დარბაზს, თბილი ჰაერი თითქოს ტალღებად მოძრაობს; ძვირადღირებული ქალის ტუალეტები ცისფერ, წითელ, ყვითელ, ყავისფერ, ვერცხლისფერ-ნაცრისფერ ტონებში ანათებს, მოხატული აკანკალებული მანათობელი ფერადი შტრიხების მორევში. ფუნჯის მსუბუქი შტრიხებით გვარდი ხაზს უსვამს სახეებს, პარიკებს და ქუდებს, ზოგჯერ გამჭვირვალე ან იმპასტო ლაქებით, რაც ფიგურებს აღნიშნავს.

1784 წელს გვარდიმ, შეასრულა რესპუბლიკის პროკურორის ოფიციალური ბრძანება, დახატა ნახატი "აბურთის აწევა ვენეციაში" (ბერლინი), რომელიც ასახავს იმ დროისთვის უჩვეულო მოვლენას. ნაცნობი მოტივის გამოყენებით, გვარდი წინა პლანზე ათავსებს ქვის დაჩრდილულ ტილოს, რომლის ქვეშ იკრიბებიან ცნობისმოყვარე მაყურებლები, ხოლო სვეტებით ჩარჩოში მოქცეული მოვარდისფრო მოღრუბლული ცა ჩანს მოძრავი ჰაერის ბუშტით.

თავის შემდგომ ნამუშევრებში გვარდი მივიდა ფერწერული საშუალებების უდიდეს განზოგადებასა და ლაკონიზმამდე. მხატვრის ერთ-ერთ ბოლო შესანიშნავ ნახატზე, „ვენეციური ლაგუნა“ (დაახლოებით 1790; მილანი, პოლდი პეცოლის მუზეუმი), შესრულებული შეზღუდულ ფერთა სქემით, მაგრამ მდიდარი ფერებში, არაფერია გამოსახული, გარდა მიტოვებული ყურისა რამდენიმე გონდოლით. და მიედინება ნოტიო ჰაერი, რომელშიც თითქოს დნება ეკლესიებისა და სასახლეების კონტურები, რომლებიც შორიდან ჩანს.

მოკრძალებული, გარეგანი ეფექტის გარეშე, გვარდის პატარა ნახატები არ იყო საკმარისად დაფასებული თავის დროზე და ჩრდილში დარჩა ტიეპოლოს ნამუშევრების გვერდით, ბრწყინვალებით და ბრწყინვალებით სავსე. მხოლოდ მრავალი ათწლეულის შემდეგ გამოიკვეთა მისი ნამუშევრების ნამდვილი მნიშვნელობა, რომლებიც არა მხოლოდ სეტეცენტოს გამორჩეული ძეგლებია, არამედ მე-19 საუკუნის ხელოვნებაში რეალისტური ლანდშაფტის მრავალი მიღწევის წინაპირობა.

პარალელურად ვენეციურ სკოლასთან, რომელსაც წამყვანი პოზიცია ეკავა სეტეჩენტოს ხელოვნებაში, განვითარდა იტალიის სხვა სკოლებიც.

ნეაპოლიტანური სკოლის უმსხვილესი წარმომადგენელი იყო ფრანჩესკო სოლიმენა (1657-1747), რომლის სტილი დაკავშირებული იყო მე-17 საუკუნის გვიან ბაროკოს მხატვრობასთან. ლანფრანკოს, ლუკა ჯორდანოს, პიეტრო და კორტონას და პრეტის გავლენის ქვეშ მყოფი სოლიმენა ძირითადად მუშაობდა დეკორატიული მხატვრობის სფეროში, ნეაპოლიტანური ეკლესიების ფრესკებით (San Paolo Maggiore, San Domenco Maggiore, Gesu Nuovo). მის ფუნჯებში ასევე შედის საკურთხევლის გამოსახულებები, ნახატები რელიგიურ და ალეგორიულ თემებზე და პორტრეტებზე.

სოლიმენას სანახაობრივი ხატვის სტილი თავისი მუქი ყავისფერი ლაქებით, რომლებიც კონტრასტშია ყვითელ და იასამნისფერ ტონებთან და წითელი შტრიხებით, მისი დინამიური კომპოზიციები ამავე დროს ატარებს თავისებური სიცივის კვალს, როგორც პერსონაჟების გამოსახულებაში, რომელთა იმპულსები მოკლებულია ვნებიანი პათოსს, რომელიც გამოირჩეოდა. წინა საუკუნის ბაროკოს ოსტატების გამოსახულებები და ფერადი, სადაც ზოგადი იასამნისფერი ნაცრისფერი ტონი სრიალებს.

მის სტუდენტებს შორის უნდა აღინიშნოს ჯუზეპე ბონიტო (1707-1789). თავდაპირველად Solimena-ს სულისკვეთებით მუშაობდა, ბონიტო მოგვიანებით გადავიდა მისგან ყოველდღიური ჟანრისკენ, მაგრამ ბოლომდე ვერ დაარღვია დეკორატიული სტილის პრინციპები. მისი ნახატების საგნები, ნათელი, მაგრამ გარკვეულწილად ცივი ფერებით, ძირითადად კარნავალის სცენებია.

მე-18 საუკუნის პირველ ნახევარში. იტალიის სხვადასხვა მხატვრულ მოძრაობას შორის წარმოიშვა მკაფიოდ განსაზღვრული ჟანრი, შინაარსით დემოკრატიული. ამ მიმართულებამ, რომელსაც მკვლევარებმა pittura della realita (რეალური სამყაროს მხატვრობა) უწოდეს, გააერთიანა ბევრი ოსტატი, რომლებიც მიმართეს ყოველდღიური ცხოვრების გამოსახვას და თავიანთი ნახატებისთვის საგნებად აირჩიეს სხვადასხვა ყოველდღიური და ჩვეულებრივი სცენები. ბონიტოსთან ერთდროულად მუშაობდა ნეაპოლიტანელი გასპარო ტრავერსი (მუშაობდა 1732-1769 წლებში), კაშკაშა და საინტერესო მხატვარი, რომელმაც გავლენა მოახდინა კარავაჯოს ხელოვნებაზე. გამოირჩევა მკვეთრი კიაროსკუროით, ფორმის რელიეფური ქანდაკებით, ცოცხალი, მკვეთრი კომპოზიციით და ფიგურების ტემპერამენტული ბრუნებით. მის საუკეთესო ნამუშევრებს შორისაა „დაჭრილები“ ​​(ვენეცია, სპილენძის კოლექცია), „საიდუმლო წერილი“ (ნეაპოლი, კაპოდიმონტეს მუზეუმი) და „ნახატის გაკვეთილი“ (ვენა).

ჩვენ ასევე ვხვდებით ამ ტენდენციის ოსტატებს ლომბარდიაში, მათ შორის ბერგამოსა და ბრეშიაში. მათ შორისაა ჯაკომო ფრანჩესკო ჩიპერი, ანუ ტოდესჩინი, წარმოშობით აშკარად გერმანელი, მაგრამ მთელი ცხოვრება იტალიაში მოღვაწეობდა და ლკოპო კერუტი (მუშაობდა მე-18 საუკუნის მეორე მეოთხედში). პირველი არის არათანაბარი ხარისხის მრავალი ჟანრის ნახატის ავტორი, სადაც გამოსახულია ფეხსაცმლის მწარმოებლები, მუსიკოსები, ბანქოს მოთამაშეები და ქალები სამუშაოზე. Jacopo Ceruti იყო ამ ტენდენციის ყველაზე გამორჩეული წარმომადგენელი. მისი ნახატების გმირები თითქმის ყოველთვის მშრომელი ხალხია. მის საუკეთესო ნამუშევრებს შორისაა „მრეცხავი“, ახალგაზრდა ქალი, რომელიც ქვის აუზში ტანსაცმელს რეცხავს; მისი სახე უზარმაზარი სევდიანი თვალებით არის მიბრუნებული მაყურებლისკენ (ბრესია, პინაკოტეკა). „მათხოვარი ზანგი“, „ახალგაზრდა კაცი მილით“, „ქალი, რომელიც ქსოვს კალათს“ - ცოცხალი დაკვირვებით გადმოცემული ყველა ეს სურათი გამოირჩევა დიდი ძალითა და მხატვრული სიმართლის გრძნობით. სხვა ლომბარდი მხატვრებს შორის შეიძლება დავასახელოთ ფრანჩესკო ლონდიო, რომელიც მოღვაწეობდა მილანში. რომში მე-18 საუკუნის პირველ ნახევარში. გამორჩეულია ანტონიო ამოროსი, სცენების ავტორი უბრალო ხალხის ცხოვრებიდან.

ზოგადად, იტალიაში ამ ტენდენციის განვითარება ხანმოკლე იყო - მისმა დემოკრატიულმა ტენდენციებმა ვერ ჰპოვა სათანადო გამოხმაურება და მხარდაჭერა იმდროინდელ სოციალურ და მხატვრულ გარემოში.

რომის მხატვრული ცხოვრება თავისებურად არანაკლებ ინტენსიური იყო, ვიდრე ვენეციაში. მე-18 საუკუნის დასაწყისიდან რომი იქცა ნამდვილ საერთაშორისო მხატვრულ ცენტრად, სადაც იყრიდნენ თავს არა მხოლოდ ხელოვნების ხალხი, არამედ იმდროინდელი მეცნიერები, არქეოლოგები, მთავარი ისტორიკოსები და მწერლები.

ძველი რომის, ჰერკულანეუმის, პომპეის და სამხრეთ იტალიის პასტუმის ტაძრების გათხრებმა იმდროინდელი ხალხის თვალწინ გამოავლინა უძველესი ხელოვნების საგანძური, რომელიც ხელმისაწვდომი გახდა სანახავად. რომანტიკული აღმოჩენებისა და სიურპრიზების სულისკვეთებით აღსავსე იტალია დაუძლევლად იზიდავდა ყველა ქვეყნისა და ეროვნების ახალგაზრდა მხატვრებს, ვისთვისაც რომში მოგზაურობა სანუკვარ ოცნებად იქცა და რომის პრიზის მიღება ყველაზე მაღალი ჯილდო იყო წლების კედლებში გატარებული შეგირდობის შემდეგ. აკადემიები. უძველესი ხელოვნების ისტორიის დანერგვაში ძალიან მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა ცნობილი გერმანელი ხელოვნების ისტორიკოსის ვინკელმანის ნამუშევრებმა, უძველესი კულტურის მგზნებარე ენთუზიასტის, დიდი არქეოლოგიური აღმოჩენების თვითმხილველის, რომლის აღწერასაც მან მიუძღვნა მრავალი თავისი. მუშაობს. მათგან ყველაზე ზოგადი იყო მისი წიგნი "ძველი ხელოვნების ისტორია" (1764 წ.), სადაც პირველად გამოიკვეთა ბერძნული ხელოვნების განვითარების ზოგადი კურსი, რომლის პერსონაჟი ვინკელმანმა განსაზღვრა "კეთილშობილური სიმარტივისა და მშვიდი სიდიადე" ცნებებით. .” ბერძნული ხელოვნების სოციალური და იდეოლოგიური არსის მრავალი შეცდომისა და არასწორი შეფასების მიუხედავად, რომლის იდეაც ვინკელმანს შეეძლო მიეღო ძირითადად ბერძნული ორიგინალების რომაული ასლებიდან, მისი წიგნი იყო ნამდვილი აღმოჩენა მე-18 საუკუნის ადამიანებისთვის.

ამიტომ გასაკვირი არ არის, რომ რომაული სკოლის იტალიელი მხატვრები თავიანთ შემოქმედებაში უგულებელყოფდნენ ძველ მოტივებს. ერთ-ერთი მათგანი იყო პომპეო ბატონი (1708-1787), რომელმაც დაწერა მრავალი კომპოზიცია მითოლოგიურ და რელიგიურ თემებზე, რომლებიც გამოირჩეოდა სურათების გარკვეული სიტკბოებითა და ცივი შეღებვით - "თეტისი აძლევს აქილევსს ქირონის აღზრდას" (1771), "ჰერკულესი". გზაჯვარედინზე“ (1765 წ.) (ორივე - ერმიტაჟი), „მონანიებული მაგდალინელი“ (დრეზდენი, სამხატვრო გალერეა).

საფრანგეთის აკადემიამ ასევე დიდი როლი ითამაშა რომის მხატვრულ ცხოვრებაში, ირგვლივ შემოიკრიბა ახალგაზრდა მხატვრები, რომელთა მხატვრული საქმიანობა უფრო ცოცხალი და ნაყოფიერი იყო, ვიდრე რომაელი ნეოკლასიკოსების უსიცოცხლო, ხელოვნურად პროგრამული შემოქმედება, რომელსაც ხელმძღვანელობდა გერმანელი მხატვარი რაფაელ მენგსი. რომში მოღვაწე ფრანგ ოსტატებს შორის იყვნენ მხატვრები ვიენი, ჰუბერტ რობერტი, ფრაგონარდი, სუბლეირა, დავითი, მოქანდაკე პაჟუ, არქიტექტორი სუფლო და მრავალი სხვა. გარდა ამისა, იყო გერმანელი მხატვრების კოლონია. ბევრმა ფრანგმა ოსტატმა შეიმუშავა კლასიკური ლანდშაფტის მოტივები, უკვე მე-17 საუკუნეში. წარმოდგენილია იტალიაში მცხოვრები უდიდესი ფრანგი მხატვრების - პუსენისა და კლოდ ლორენის მიერ. ამ ჟანრში, ფრანგებთან ერთად, ამ ჟანრში მუშაობდა ვენეციელი ფრანჩესკო ზუკარელი (1702-1788), იდილიური პეიზაჟების ავტორი, ასევე რომაული სკოლის წარმომადგენელი, ცნობილი „ნანგრევების მხატვარი“ ჯოვანი პაოლო პანინი ( 1697-1764), რომლებიც ასახავდნენ არა მხოლოდ რომაულ ვედუტებს, არამედ მათი დროის სხვადასხვა გამორჩეულ მოვლენებს, ასევე ეკლესიების ინტერიერს.

კოლიზეუმის დიდებული ნანგრევები, დანგრეული კოლონადები პომპეისა და პაესტუმში, მავზოლეუმები, ობელისკები, რელიეფები, ქანდაკებები უსაზღვრო არეალს აძლევდა მხატვრულ ფანტაზიას და იზიდავდა მხატვრებს, მხატვრებს და გრავირებს, რომლებიც ასრულებდნენ თავისუფალ კომპოზიციებს ძველ მოტივებზე დაფუძნებულ სცენასთან ერთად. ყოველდღიური ცხოვრებიდან. რომი, თუნდაც განადგურებული, ასწავლის, - წერს ჰუბერტ რობერტი თავის ერთ-ერთ ნახატში. ეს პეიზაჟები დიდი წარმატებით სარგებლობდა რომაულ და საფრანგეთის თავადაზნაურობაში და, ისევე როგორც ვენეციელი ვედუტები, ფართოდ გავრცელდა მე-18 საუკუნის ხელოვნებაში.

მაგრამ ყველაზე გამორჩეული ფენომენი ამ ჟანრის სფეროში იყო არქიტექტურული ნახატის ცნობილი ოსტატის, არქეოლოგისა და გრავიურის ჯოვანი ბატისტა პირანესის (1720-1778) ნამუშევარი, რომელმაც შთააგონა მხატვრებისა და არქიტექტორების მთელი თაობა თავისი არქიტექტურული ფანტაზიებით. წარმოშობით ვენეციელი, მან თითქმის მთელი ცხოვრება რომში გაატარა, სადაც მას მიიპყრო „დაუძლეველი სურვილი შეესწავლა და ენახა ის ცნობილი ქალაქები, სადაც ამდენი დიდი საქმე გაკეთდა, და დაეხატა მათი ძეგლები - დიდი წარსულის მოწმეები. როგორც მისი ბიოგრაფი წერს.

ღრმად გატაცებული იტალიის არქიტექტურული მემკვიდრეობის შესწავლით, პირანესი ასევე გაეცნო თეატრალური არქიტექტორებისა და დეკორატორების დიდი და ფართო ოჯახის მუშაობას - ბიბიენს - ბოლონიის მკვიდრნი, მაგრამ რომლებიც მუშაობდნენ სეტეცენტისტი ოსტატების უმეტესობის მაგალითზე, იტალიის გარდა. ევროპის სხვადასხვა ქალაქში - ბაიროითში, ვენაში, პრაღაში და სხვა. მათი ტრაქტატები და სწავლებები პერსპექტიული ილუზიონიზმის შესახებ, ისევე როგორც ანდრეა პოცოს დეკორატიული ნამუშევრები,

მასზე დიდი გავლენა იქონიეს ძმებმა ვალერიანებმა პანინიმ. პირანესის ნამუშევრებში გვიანდელი რომაული ბაროკოს სტილი თითქმის მჭიდროდ ერწყმის განვითარებული კლასიციზმის სტილს. თეატრალური და დეკორატიული კომპოზიციებისადმი ინტერესმა ხელი შეუწყო მის ნამუშევრებში სივრცის პერსპექტიულ-პერსპექტიული აღქმისა და ღრმა კონტრასტული ქიაროსკუროს დამკვიდრებას.

მისი ერთ-ერთი ადრეული ნამუშევარი, რომელიც გამოიცა 1745 და 1760 წლებში, არის თოთხმეტი დიდი გრავიურის კომპლექტი "Dungeons" ("Carceri"), რომელიც ასახავს სხივებით, კიბეებით, გალერეებით, ხიდებით გადაკვეთილ გაუთავებელ მრავალსართულიან თაღოვან ოთახებს, სადაც სიბნელის კონტრასტია. ხოლო ჭერზე ჩამოკიდებული სინათლე, ბლოკები, ბერკეტები, თოკები, ბორბლები, ჯაჭვები რთულადაა ჩასმული ანტიკვარული სვეტების, ფრიზებისა და ბარელიეფების ფრაგმენტებით. ეს ფანტასტიკური კომპოზიციები, სავარაუდოდ, შთაგონებული პირანესის თანამედროვე თეატრალური სცენებით, გამოირჩევიან მათი უზარმაზარი მასშტაბით, მაგრამ, მიუხედავად ამისა, ნათლად არის გამოკვეთილი მათი დეტალებით, არქიტექტურულად კრისტალიზებული სივრცით.

პირანესის არქიტექტურულმა ნიჭმა აქტიურად ვერ გამოიჩინა თავი იმდროინდელი იტალიის რეალურ მშენებლობაში. „თანამედროვე არქიტექტორს სხვა არჩევანი არ აქვს, თუ არა საკუთარი იდეების გამოხატვა მხოლოდ ნახატებით“, - წერდა პირანესი და ქმნიდა თავის „წარმოსახვით არქიტექტურას“ ცალკეულ ოქროკულ სერიებში. მისი ძირითადი ციკლები ეძღვნება ძველი საბერძნეთისა და რომის დიდებულ შენობებს.

არ ცდილობდა ძველი არქიტექტურის ძეგლების ზუსტი არქეოლოგიური რეკონსტრუქციისკენ, პირანესი, გარდა თავისუფალი ინტერპრეტაციისა, გარშემორტყმული იყო მათ განსაკუთრებული რომანტიული აურით, რამაც გამოიწვია მკვეთრი საყვედური და თავდასხმები მასზე თანამედროვე მეცნიერებისა და არქეოლოგების მხრიდან. მისი ოქროვები რომის დიდი წარსულის მემორიალური ძეგლებია, რომელსაც იგი დაუსრულებელი ვნებით ეთაყვანებოდა.

1747 წელს პირანესიმ გამოუშვა ოკრატების სერია "რომის ხედები", რომელშიც იგი აღწევს არქიტექტურული გამოსახულების არაჩვეულებრივ მონუმენტურობას, გამოსახული შენობების წინა პლანზე მაქსიმალური მიდგომის წყალობით, უფრო მეტიც, ძალიან დაბალი თვალსაზრისით. . ადამიანების პატარა ფიგურები უზარმაზარ სვეტებთან და თაღებთან შედარებით პატარა და უმნიშვნელო ჩანს. მუდამ ოქროვის ტექნიკაში მუშაობისას, პირანესი არბილებდა კონტურებს ღრმა შავ-ხავერდის ჩრდილებით, რაც მის ყველა კომპოზიციას არაჩვეულებრივ ფერწერულობას ანიჭებდა. რომაული ხიდების გამოსახულებებში ის განსაკუთრებით ხაზს უსვამს ძველი რომაული შენობების ძალას, გადმოსცემს მათ საამაყო სიდიადეს. იგივე განწყობაა გაჟღენთილი ოქროთი „ციხე წმ. ანგელოზი რომში."

1756 წელს გამოქვეყნებული მონუმენტური ოთხტომეული სუიტა „რომაული სიძველეები“ გამოირჩევა მატერიალური გაშუქების საოცარი სიგანით.პირანესის ყველაზე ღირსშესანიშნავი ქმნილებები მოიცავს მის ბოლო პაკეტს, რომელიც იშლება ძველი ბერძნული პოსეიდონის ტაძრის პესტუმში. Piranesi-ის გრავიურის ნემსი აქ სასწაულებს ახდენს, რაც ამ კომპოზიციებს ანიჭებს ღრმა თვალწარმტაცობას სინათლისა და რბილი შავი ხავერდის ჩრდილების ჰარმონიული განაწილების წყალობით. აქ კიდევ უფრო თვალშისაცემია ხედების მრავალფეროვნება: გიგანტური კოლონადები მაყურებლის წინაშე სხვადასხვა კუთხით ჩნდება, შორეული გეგმები თითქოს რბილ და თბილ ჰაერშია ჩაფლული, წინა პლანზე თავისუფალი და მსუბუქი, ადრე ყოველგვარი აურაცხელი. პირანესისთვის დამახასიათებელი, წარმატებით ივსება შტაბით - დანგრეული სვეტების ჩრდილში მხატვრები დასახლდნენ და სიძველის მოყვარულები დახეტიალობდნენ. პირანესის გარდაცვალების შემდეგ, ამ ციკლის ზოგიერთი დაუმთავრებელი გრავიურა დაასრულა მისმა ვაჟმა ფრანჩესკომ (დაახლოებით 1758/59-1810), რომელმაც მიიღო მამის გრაფიკული სტილი.

მე-18 საუკუნეში რომაული სკოლის ოსტატების მიერ მიღწეული მხატვრული შედეგები ზოგადად ნაკლებად მნიშვნელოვანი იყო, ვიდრე ვენეციის მიღწევები. მაგრამ მისი მთავარი დამსახურება იყო უძველესი ხელოვნების იდეების პოპულარიზაცია. და მათ, თავის მხრივ, მიიღეს ახალი სოციალური ფოკუსი, გაჯერებული ღრმა შინაარსითა და მაღალი სამოქალაქო პათოსით, ემსახურებოდნენ მძლავრ სტიმულს მოწინავე ევროპელი ოსტატების შემოქმედებისთვის ახალი ეპოქის წინ, რომელიც დაიწყო საფრანგეთის ბურჟუაზიული რევოლუციით. 1789 წ.

იტალიური რენესანსი (იტალიური რენესანსი) დასახელებულია, როგორც ევროპაში ძირითადი კულტურული ცვლილებების პერიოდი, მე-14 და მე-16 საუკუნეებს შორის. სწორედ ამ ეპოქიდან გაჩნდა ცნობილი იტალიელი მხატვრების თანავარსკვლავედი, რომლებიც აღფრთოვანდნენ და მთელ მსოფლიოს აჩვენეს ბუნების სილამაზე და ადამიანის სხეული. მაშ ასე, გადავხედოთ იტალიური რენესანსის 10 ყველაზე ცნობილ ოსტატს.

1. რაფაელ სანტი

რაფაელ სანტი (ყველა ჩვენგანისთვის ცნობილია როგორც რაფაელი) დაიბადა ურბინოში, სასამართლოს მხატვრის ჯოვანი სანტის ოჯახში. ახალგაზრდა რაფაელმა სწავლა სასამართლოში დაიწყო, სადაც შთაგონებული იყო ისეთი დიდი მხატვრების ნამუშევრებით, როგორებიც იყვნენ ანდრეა მანტენია და პიერო დელა ფრანჩესკა. რაფაელი ასევე იყო პიეტრო პერუჯინოს სტუდენტი და მისი ადრეული ნამუშევრები ასახავს მისი იტალიელი რენესანსის მასწავლებლის გავლენას. 1500 და 1508 წლებში რაფაელი მუშაობდა ცენტრალურ იტალიაში და ცნობილი იყო მადონას სურათებითა და პორტრეტებით. 1508 წელს რომის პაპმა იულიუს II-მ სთხოვა დაამშვენებინა პაპის ოთახები ვატიკანში, სადაც მან შეასრულა თავისი საუკეთესო ნამუშევრები, როგორიცაა ათენის სკოლა Stanza della Segnatura-ში.

"სანტი"

2. ლეონარდო და ვინჩი

ლეონარდო და ვინჩის ნამუშევრები ხშირად განიხილება, როგორც ჰუმანისტური იდეალების განსახიერება იტალიური რენესანსის დროს. ლეონარდო და ვინჩი ხელოვნების სხვადასხვა ფორმის ოსტატი იყო, თუმცა ცნობილი გახდა თავისი ნახატებით. ლეონარდო იყო ფლორენციელი ნოტარიუსის და გლეხის ქალის უკანონო შვილი. ახალგაზრდამ საკუთარი სტილი ჩამოაყალიბა ფლორენციელი მხატვრის ანდრეა დელ ვეროკიოს სახელოსნოში სწავლისას. სამწუხაროდ, დღეს მისი მხოლოდ 15 ნახატია ხელმისაწვდომი, მათ შორის მონა ლიზა და ბოლო ვახშამი, მისი ორი ყველაზე ცნობადი და იმიტირებული ნამუშევარი.

3. მიქელანჯელო

მისი თანამედროვე ლეონარდო და ვინჩის მსგავსად, მიქელანჯელო იყო სხვადასხვა მხატვრული დარგის ოსტატი, ყველაზე მნიშვნელოვანი, რა თქმა უნდა, მხატვრობა იყო. ვატიკანის სიქსტის კაპელა შეიცავს ყველაზე შთამბეჭდავ ფრესკებს დასავლური ხელოვნების ისტორიაში: გამოსახულებები, რომლებიც ასახავს ცხრა სცენას დაბადების წიგნიდან ჭერზე და ბოლო განკითხვა საკურთხევლის კედელზე, ორივე მხატვრის მიერ. მიქელანჯელომ დაასრულა ფრესკები სამლოცველოს ჭერზე დაახლოებით ოთხ წელიწადში, კომპოზიცია მოიცავს 500 კვადრატულ მეტრზე მეტს და მოიცავს მინიმუმ 300 სურათს. ამ არაჩვეულებრივმა ნამუშევარმა უდავოდ მოახდინა გავლენა ბაროკოს მრავალ დეკორატიულ ხელოვანზე მრავალი წლის განმავლობაში.

4. სანდრო ბოტიჩელი

კიდევ ერთი მხატვარი, რომელიც ეკუთვნის ცნობილ ფლორენციულ სკოლას, არის სანდრო ბოტიჩელი. ცოტა რამ არის ცნობილი მისი ახალგაზრდობის შესახებ; აშკარაა, რომ ის იყო ფრა ფილიპო ლიპის სტუდენტი და შთაგონებული იყო მასაჩიოს მონუმენტური ნახატებით. ადრეული რენესანსის ოსტატის ბოტიჩელის დახვეწილი ნახატი მადონა და ბავშვი, ისევე როგორც მისი ნატურალური ზომის საკურთხევლის კედლის ნახატები, ცნობილი გახდა მის სიცოცხლეში. ის ძირითადად ცნობილია მითოლოგიური სცენების ამსახველი ორი ნამუშევრით - "ვენერას დაბადება" და "გაზაფხული" - ორივე ნახატი ინახება ფლორენციის უფიზის გალერეაში.

5. ტიციანი

ტიციანო ვეჩელიო, ცნობილი როგორც ტიციანი, იყო მე-16 საუკუნის უდიდესი ვენეციელი მხატვარი. ტიციანი ცნობილია, უპირველეს ყოვლისა, ფერების და მათი ჩრდილების გამოყენების უნარით - ის თანაბრად დაეუფლა პორტრეტების, პეიზაჟების, მითოლოგიური სცენებისა და რელიგიური თემების ხატვის უნარს. მოზარდობისას ის მუშაობდა გამოჩენილ ვენეციელ მხატვრებთან, როგორებიც იყვნენ ჯორჯონე და ჯოვანი ბელინები. იგი ასევე ხატავდა სამეფო ოჯახებისთვის მთელ ევროპაში, მათ შორის ესპანეთის მეფე ფილიპე II-სთვის. კარიერის განმავლობაში ტიციანმა დახატა თავისი დროის მრავალი წამყვანი ფიგურის პორტრეტები, პაპ პავლე III-დან საღვთო რომის იმპერატორ ჩარლზ V-მდე.

"Ავტოპორტრეტი". პრადოს ეროვნული მუზეუმი

6. ტინტორეტო

ჯაკოპო რობუსტი (კომინი), რომელიც ცნობილია თავისი მეტსახელით ტინტორეტო (მისი მამა იყო მღებავი, ან იტალიურად ტინტორი), რენესანსის წამყვანი იტალიელი მხატვრების სიაში შემდეგია. მან გააერთიანა ტიციანის ფერის გამოყენება და მიქელანჯელოს ფორმების დინამიკა. მის შემოქმედებას ახასიათებს ფართომასშტაბიანი საგნები, როგორიცაა მისი ნამუშევარი ბოლო ვახშამი. ნახატს ახასიათებს გამომგონებლობა, სანახაობრივი განათება - შუქისა და ჩრდილის თამაში და ჟესტებისა და სხეულის მოძრაობების გამოყენება დინამიკაში. საქმისადმი გატაცებისა და ხატვის იმპულსურობის გამო ტინტორეტომ კიდევ ერთი მეტსახელი მოიპოვა: II Furious.

"Ავტოპორტრეტი"

7. მასაჩიო

მასაჩომ წარუშლელი კვალი დატოვა მხატვრობის სამყაროში, თუმცა მისი სიცოცხლე ხანმოკლე იყო - ის 26 წლის ასაკში გარდაიცვალა. 1401 წელს დაბადებულმა მან მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა მხატვრობაში დინამიური სურათებისა და მოძრაობების შექმნის უნარის, ასევე პერსპექტივისადმი მეცნიერული მიდგომის წყალობით. სინამდვილეში, მას ბევრი მიიჩნევს იტალიური რენესანსის პირველ დიდ მხატვრად და მხატვრობის თანამედროვე ეპოქის ნოვატორად. მასაჩიოს შემოქმედებაზე გავლენა მოახდინა მოქანდაკე დონატელოსა და არქიტექტორ ბრუნელესკის ნამუშევრებმა. სამწუხაროდ, ჩვენს დროში მხოლოდ ოთხი ნამუშევარია შემორჩენილი, რომელთა ავტორობა კითხვებს არ ბადებს, ხოლო სხვა ნამუშევრები დაიწერა სხვა მხატვრებთან თანამშრომლობით.

8. დომენიკო გირლანდაიო

დომენიკო გირლანდაიო ფლორენციაში დიდი და პროდუქტიული სახელოსნოს ხელმძღვანელობდა, რომელშიც ასევე შედიოდა მისი ორი ძმა. მის სტუდიაში ბევრი მოგვიანებით ცნობილი მხატვარი გაატარა, მათ შორის მიქელანჯელო. ადრეული რენესანსის მხატვარი ცნობილი გახდა თავისი დეტალური საგნებით, რომლებიც ხშირად მოიცავდნენ იმ დროის წამყვან ფიგურებს, როგორიცაა მისი თანამედროვე ფლორენციული საზოგადოების ქრონიკა. ყველაზე მნიშვნელოვანი დავალებები მან მიიღო პაპ სიქსტუს IV-ისგან, რომელმაც ის რომში დაიბარა სიქსტის კაპელას დასახატავად.

"პირველი მოციქულთა მოწოდება"

9. ანდრეა დელ ვეროკიო

ალბათ შენიშნეთ, რომ ანდრეა დელ ვეროკიო უკვე ნახსენებია ჩვენს სიაში. მან დიდი გავლენა მოახდინა იტალიის რენესანსის წარმატებულ მხატვრებზე. მის სტუდენტებს შორის იყვნენ ზემოხსენებული ბოტიჩელი, გირლანდაიო და ლეონარდო და ვინჩიც კი. მისი მფარველები იყვნენ გავლენიანი მედიჩების ოჯახი, ვენეციის სახელმწიფოს და პისტოიას მუნიციპალური საბჭოს წარმომადგენლები. მრავალმხრივმა მხატვარმა შექმნა მრავალი ქანდაკება. მხოლოდ ერთი ცნობილი მხატვრული ქმნილებაა ხელმოწერილი ვერროკიოს მიერ: საკურთხევლის კედელი პისტოიას საკათედრო ტაძარში. ამის მიუხედავად, მის სახელოსნოს მრავალი სხვა ნახატი მიეწერება.

"ქრისტეს ნათლობა"

10. ჯოვანი ბელინი

მხატვართა ოჯახში დაბადებულმა ჯოვანი ბელინიმ, მამა ჯაკოპოსთან და ძმა ჯენტილთან ერთად, მთლიანად შეცვალა მხატვრობა ვენეციის რეგიონში. სუფთა ფერების და რბილი გადასვლების გამოყენებით, ბელინიმ შეძლო მდიდარი ჩრდილების შექმნა და ხაზგასმული დაჩრდილვა. ფერთა ამ ინოვაციებმა დიდი გავლენა მოახდინა სხვა მხატვრებზე, როგორიცაა ტიციანი. ბელინიმ თავის ბევრ ნამუშევარს დაუმატა შენიღბული სიმბოლიზმი, რაც ჩვეულებრივ ჩრდილოეთ რენესანსს მიეკუთვნება.

"მდელოს მადონა"

რენესანსი (რენესანსი). იტალია. XV-XVI სს. ადრეული კაპიტალიზმი. ქვეყანას მართავენ მდიდარი ბანკირები. ისინი დაინტერესებულნი არიან ხელოვნებითა და მეცნიერებით.

მდიდრები და ძლევამოსილნი აგროვებენ გარშემო ნიჭიერებს და ბრძენებს. პოეტები, ფილოსოფოსები, მხატვრები და მოქანდაკეები ყოველდღიურად საუბრობენ თავიანთ პატრონებთან. რაღაც მომენტში ჩანდა, რომ ადამიანებს ბრძენკაცები მართავდნენ, როგორც პლატონს სურდა.

გავიხსენეთ ძველი რომაელები და ბერძნები. მათ ასევე ააშენეს თავისუფალი მოქალაქეების საზოგადოება, სადაც მთავარი ღირებულება ხალხია (რა თქმა უნდა, მონებს არ ჩავთვლით).

რენესანსი არ არის მხოლოდ ძველი ცივილიზაციების ხელოვნების კოპირება. ეს არის ნარევი. მითოლოგია და ქრისტიანობა. ბუნების რეალიზმი და სურათების გულწრფელობა. სილამაზე ფიზიკური და სულიერი.

ეს უბრალოდ ციმციმი იყო. მაღალი რენესანსის პერიოდი დაახლოებით 30 წელია! 1490 წლიდან 1527 წლამდე ლეონარდოს შემოქმედების აყვავების დასაწყისიდან. რომის გაძარცვამდე.

იდეალური სამყაროს მირაჟი სწრაფად გაქრა. იტალია ზედმეტად მყიფე აღმოჩნდა. ის მალე სხვა დიქტატორის მონობაში აღმოჩნდა.

თუმცა, ამ 30 წელმა განსაზღვრა ევროპული მხატვრობის ძირითადი მახასიათებლები მომავალი 500 წლისთვის! Მდე .

გამოსახულების რეალიზმი. ანთროპოცენტრიზმი (როდესაც სამყაროს ცენტრი ადამიანია). ხაზოვანი პერსპექტივა. ზეთის საღებავები. პორტრეტი. Პეიზაჟები…

წარმოუდგენელია, რომ ამ 30 წლის განმავლობაში ერთდროულად რამდენიმე ბრწყინვალე ოსტატი მუშაობდა. სხვა დროს ისინი 1000 წელიწადში ერთხელ იბადებიან.

ლეონარდო, მიქელანჯელო, რაფაელი და ტიციანი რენესანსის ტიტანები არიან. მაგრამ არ შეიძლება არ აღვნიშნოთ მათი ორი წინამორბედი: ჯოტო და მასაჩიო. რომლის გარეშეც არ იქნებოდა რენესანსი.

1. ჯოტო (1267-1337)

პაოლო უჩელო. ჯოტო და ბონდონი. ფრაგმენტი ნახატის "ფლორენციული რენესანსის ხუთი ოსტატი". მე-16 საუკუნის დასაწყისი. .

XIV საუკუნე. პროტო-რენესანსი. მისი მთავარი გმირი ჯოტოა. ეს არის ოსტატი, რომელმაც ერთპიროვნულად მოახდინა რევოლუცია ხელოვნებაში. მაღალ რენესანსამდე 200 წლით ადრე. ის რომ არა, ძნელად დადგებოდა ეპოქა, რომლითაც ასე ამაყობს კაცობრიობა.

ჯოტოს წინ იყო ხატები და ფრესკები. ისინი შეიქმნა ბიზანტიური კანონების მიხედვით. სახეების ნაცვლად სახეები. ბრტყელი ფიგურები. პროპორციების შეუსრულებლობა. ლანდშაფტის ნაცვლად ოქროს ფონია. როგორც, მაგალითად, ამ ხატზე.

გვიდო და სიენა. მოგვების თაყვანისცემა. 1275-1280 წწ ალტენბურგი, ლინდენაუს მუზეუმი, გერმანია.

და უცებ ჩნდება ჯოტოს ფრესკები. მოცულობითი ფიგურები აქვთ. კეთილშობილი ადამიანების სახეები. მოხუცი და ახალგაზრდა. სევდიანი. სამწუხარო. გაკვირვებული. Განსხვავებული.

ჯოტოს ფრესკები პადუაში სკროვენიის ეკლესიაში (1302-1305). მარცხნივ: ქრისტეს გოდება. შუა: იუდას კოცნა (ფრაგმენტი). მარჯვნივ: წმიდა ანას ხარება (დედა მარიამის), ფრაგმენტი.

ჯოტოს მთავარი ნამუშევარია მისი ფრესკების ციკლი პადუაში სკროვენიის სამლოცველოში. როდესაც ეს ეკლესია მრევლისთვის გაიხსნა, მასში ხალხის ბრბო შემოვიდა. მსგავსი არაფერი უნახავთ.

ბოლოს და ბოლოს, ჯოტომ რაღაც უპრეცედენტო გააკეთა. მან თარგმნა ბიბლიური ისტორიები მარტივ, გასაგებ ენაზე. და ისინი ბევრად უფრო ხელმისაწვდომი გახდნენ ჩვეულებრივი ადამიანებისთვის.

ჯოტო. მოგვების თაყვანისცემა. 1303-1305 წწ ფრესკა სკროვეგნის სამლოცველოში პადუაში, იტალია.

ეს არის ზუსტად ის, რაც დამახასიათებელი იქნება რენესანსის მრავალი ოსტატისთვის. ლაკონური გამოსახულებები. გმირების ცოცხალი ემოციები. რეალიზმი.

დაწვრილებით ოსტატის ფრესკების შესახებ წაიკითხეთ სტატიაში.

ჯოტო აღფრთოვანებული იყო. მაგრამ მისი ინოვაცია შემდგომში არ განვითარებულა. საერთაშორისო გოთიკის მოდა მოვიდა იტალიაში.

მხოლოდ 100 წლის შემდეგ გამოჩნდება ჯოტოს ღირსეული მემკვიდრე.

2. მასაჩიო (1401-1428)

მასაჩიო. ავტოპორტრეტი (ფრესკის „წმინდა პეტრე ამბიონზე“ ფრაგმენტი). 1425-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში, ფლორენცია, იტალია.

მე-15 საუკუნის დასაწყისი. ადრეული რენესანსის ე.წ. სცენაზე კიდევ ერთი ნოვატორი შემოდის.

მასაჩიო იყო პირველი მხატვარი, რომელმაც გამოიყენა ხაზოვანი პერსპექტივა. იგი დააპროექტა მისმა მეგობარმა, არქიტექტორმა ბრუნელესკიმ. ახლა გამოსახული სამყარო რეალურს დაემსგავსა. სათამაშოების არქიტექტურა წარსულის საგანია.

მასაჩიო. წმინდა პეტრე თავისი ჩრდილით კურნავს. 1425-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში, ფლორენცია, იტალია.

მან მიიღო ჯოტოს რეალიზმი. თუმცა, წინამორბედისგან განსხვავებით, მან უკვე კარგად იცოდა ანატომია.

დაბლოკილი პერსონაჟების ნაცვლად, ჯოტოს ლამაზად აშენებული ხალხი ჰყავს. ისევე როგორც ძველი ბერძნები.

მასაჩიო. ნეოფიტების ნათლობა. 1426-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო, სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია ფლორენციაში, იტალია.
მასაჩიო. სამოთხიდან განდევნა. 1426-1427 წწ ფრესკა ბრანკაჩის სამლოცველოში, სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია, ფლორენცია, იტალია.

მასაჩომ ხანმოკლე ცხოვრება გაატარა. ის მამამისის მსგავსად მოულოდნელად გარდაიცვალა. 27 წლის ასაკში.

თუმცა მას ბევრი მიმდევარი ჰყავდა. მომდევნო თაობის ოსტატები წავიდნენ ბრანკაჩის სამლოცველოში მისი ფრესკების შესასწავლად.

ამრიგად, მასაჩიოს ინოვაცია მიიღო მაღალი რენესანსის ყველა დიდმა მხატვარმა.

3. ლეონარდო და ვინჩი (1452-1519)

Ლეონარდო და ვინჩი. Ავტოპორტრეტი. 1512 სამეფო ბიბლიოთეკა ტურინში, იტალია.

ლეონარდო და ვინჩი არის რენესანსის ერთ-ერთი ტიტანი. მან უდიდესი გავლენა მოახდინა ფერწერის განვითარებაზე.

სწორედ და ვინჩიმ აამაღლა თავად მხატვრის სტატუსი. მისი წყალობით ამ პროფესიის წარმომადგენლები უბრალოდ ხელოსნები აღარ არიან. ესენი არიან სულის შემქმნელები და არისტოკრატები.

ლეონარდომ გარღვევა პირველ რიგში პორტრეტში გააკეთა.

მას სჯეროდა, რომ არაფერი უნდა გადაიტანოს მთავარი სურათიდან. მზერა არ უნდა იხეტიალოს ერთი დეტალიდან მეორეზე. ასე გამოჩნდა მისი ცნობილი პორტრეტები. ლაკონური. ჰარმონიული.

Ლეონარდო და ვინჩი. ქალბატონი ერმინით. 1489-1490 წწ ჩერტორისკის მუზეუმი, კრაკოვი.

ლეონარდოს მთავარი სიახლე ის არის, რომ მან იპოვა გამოსახულების... ცოცხალი.

მანამდე პორტრეტების პერსონაჟები მანეკენებს ჰგავდნენ. ხაზები ნათელი იყო. ყველა დეტალი საგულდაგულოდ არის დახატული. დახატული ნახატი არ შეიძლებოდა ცოცხალი ყოფილიყო.

ლეონარდომ გამოიგონა სფუმატო მეთოდი. მან დაჩრდილა ხაზები. შუქიდან ჩრდილში გადასვლა ძალიან რბილი გახდა. მისი პერსონაჟები თითქოს ძლივს შესამჩნევი ნისლითაა დაფარული. გმირები გაცოცხლდნენ.

. 1503-1519 წწ ლუვრი, პარიზი.

სფუმატო მომავლის ყველა დიდი ხელოვანის აქტიურ ლექსიკაში შევა.

ხშირად არსებობს მოსაზრება, რომ ლეონარდო, რა თქმა უნდა, გენიოსი იყო, მაგრამ არ იცოდა როგორ დაესრულებინა არაფერი. და ხშირად არ ვასრულებდი ნახატებს. და მისი მრავალი პროექტი დარჩა ქაღალდზე (სხვათა შორის, 24 ტომად). და საერთოდ ის გადააგდეს ან მედიცინაში ან მუსიკაში. ერთ დროს მსახურობის ხელოვნებითაც კი მაინტერესებდა.

თუმცა, თავად იფიქრეთ. 19 ნახატი - და ის არის ყველა დროის უდიდესი მხატვარი. ვიღაც კი სიდიადითაც კი არ უახლოვდება, თუმცა მან თავის ცხოვრებაში 6000 ტილო დახატა. აშკარაა, ვის აქვს უფრო მაღალი ეფექტურობა.

წაიკითხეთ სტატიაში ოსტატის ყველაზე ცნობილი ნახატის შესახებ.

4. მიქელანჯელო (1475-1564)

დანიელ და ვოლტერა. მიქელანჯელო (ფრაგმენტი). 1544 მეტროპოლიტენის ხელოვნების მუზეუმი, ნიუ-იორკი.

მიქელანჯელო თავს მოქანდაკედ თვლიდა. მაგრამ ის იყო უნივერსალური ოსტატი. მისი სხვა რენესანსის კოლეგების მსგავსად. ამიტომ მისი ფერწერული მემკვიდრეობა არანაკლებ გრანდიოზულია.

ის ცნობადია პირველ რიგში ფიზიკურად განვითარებული პერსონაჟებით. მან განასახიერა სრულყოფილი ადამიანი, რომელშიც ფიზიკური სილამაზე სულიერ სილამაზეს ნიშნავს.

ამიტომაა, რომ მისი ყველა გმირი ასე კუნთოვანი და გამძლეა. ქალები და მოხუცებიც კი.

მიქელანჯელო. ფრესკის "უკანასკნელი განკითხვის" ფრაგმენტები სიქსტის კაპელაში, ვატიკანი.

მიქელანჯელო ხშირად ხატავდა პერსონაჟს შიშველს. შემდეგ კი ტანსაცმელი დაამატა ზემოდან. ისე, რომ სხეული მაქსიმალურად გამოძერწილი იყოს.

სიქსტეს კაპელის ჭერი მან მარტო მოხატა. მიუხედავად იმისა, რომ ეს რამდენიმე ასეული ფიგურაა! საღებავის გახეხვის უფლებასაც კი არ აძლევდა ვინმეს. დიახ, ის არასოციალური იყო. მკაცრი და ჩხუბის ხასიათი ჰქონდა. მაგრამ ყველაზე მეტად უკმაყოფილო იყო... საკუთარი თავით.

მიქელანჯელო. ფრესკის ფრაგმენტი "ადამის შექმნა". 1511 სიქსტეს კაპელა, ვატიკანი.

მიქელანჯელომ დიდხანს იცოცხლა. გადაურჩა რენესანსის დაცემას. მისთვის ეს იყო პირადი ტრაგედია. მისი შემდგომი ნამუშევრები სავსეა სევდითა და მწუხარებით.

ზოგადად, მიქელანჯელოს შემოქმედებითი გზა უნიკალურია. მისი ადრეული ნამუშევრები ადამიანის გმირის ზეიმია. თავისუფალი და მამაცი. ძველი საბერძნეთის საუკეთესო ტრადიციებში. რა ჰქვია დავით?

სიცოცხლის ბოლო წლებში ეს ტრაგიკული სურათებია. განზრახ უხეშად თლილი ქვა. თითქოს ვუყურებთ მე-20 საუკუნის ფაშიზმის მსხვერპლთა ძეგლებს. შეხედეთ მის პიეტას.

მიქელანჯელოს სკულპტურები ფლორენციის სახვითი ხელოვნების აკადემიაში. მარცხნივ: დავითი. 1504 მარჯვნივ: პალესტრინის პიეტა. 1555 წ

Როგორ არის ეს შესაძლებელი? ერთმა ხელოვანმა ერთ ცხოვრებაში გაიარა ხელოვნების ყველა ეტაპი რენესანსიდან მე-20 საუკუნემდე. რა უნდა გააკეთონ მომდევნო თაობებმა? Შენი გზით იარე. გააცნობიერე, რომ ბარი ძალიან მაღლა დგას.

5. რაფაელი (1483-1520 წწ.)

. 1506 უფიზის გალერეა, ფლორენცია, იტალია.

რაფაელი არასოდეს დავიწყებია. მის გენიალურობას ყოველთვის აღიარებდნენ: სიცოცხლის დროსაც და სიკვდილის შემდეგაც.

მისი გმირები დაჯილდოვებულნი არიან სენსუალური, ლირიკული სილამაზით. ეს არის ის, ვინც სამართლიანად ითვლება ყველაზე ლამაზ ქალურ სურათებად, რაც კი ოდესმე შექმნილა. გარეგნული სილამაზე ჰეროინების სულიერ სილამაზესაც ასახავს. მათი თვინიერება. მათი მსხვერპლი.

რაფაელი. . 1513 ძველი ოსტატების გალერეა, დრეზდენი, გერმანია.

ფიოდორ დოსტოევსკიმ თქვა ცნობილი სიტყვები "სილამაზე გადაარჩენს სამყაროს". ეს იყო მისი საყვარელი ნახატი.

თუმცა, სენსუალური სურათები არ არის რაფაელის ერთადერთი ძლიერი მხარე. ის ძალიან ფრთხილად ფიქრობდა თავისი ნახატების კომპოზიციებზე. ის იყო შეუდარებელი არქიტექტორი ფერწერაში. უფრო მეტიც, ის ყოველთვის პოულობდა უმარტივეს და ჰარმონიულ გადაწყვეტას სივრცის ორგანიზებაში. როგორც ჩანს, სხვაგვარად არ შეიძლება.

რაფაელი. ათენის სკოლა. 1509-1511 წწ ფრესკა სამოციქულო სასახლის სტროფებში, ვატიკანი.

რაფაელმა მხოლოდ 37 წელი იცოცხლა. ის მოულოდნელად გარდაიცვალა. გაციების და სამედიცინო შეცდომისგან. მაგრამ მისი მემკვიდრეობა ძნელია გადაჭარბებული შეფასება. ბევრმა ხელოვანმა კერპად აქცია ეს ოსტატი. და მათ ათასობით ტილოში გაამრავლეს მისი სენსუალური გამოსახულებები..

ტიციანი შეუდარებელი კოლორიტი იყო. მან ასევე ბევრი ექსპერიმენტი ჩაატარა კომპოზიციაში. ზოგადად, ის გაბედული ნოვატორი იყო.

ყველას უყვარდა ის მისი ნიჭის ასეთი ბრწყინვალების გამო. მას უწოდებენ "მხატვართა მეფეს და მეფეთა მხატვარს".

ტიციანზე საუბრისას მინდა ყოველი წინადადების შემდეგ ძახილის ნიშანი დავაყენო. ბოლოს და ბოლოს, სწორედ მან შემოიტანა დინამიკა ფერწერაში. პათოსი. ენთუზიაზმი. Ნათელი ფერი. ფერების ბზინვარება.

ტიციანი. მარიამის ამაღლება. 1515-1518 წწ სანტა მარია გლორიოსი დეი ფრარის ეკლესია, ვენეცია.

სიცოცხლის ბოლოს მან შეიმუშავა უჩვეულო წერის ტექნიკა. დარტყმები სწრაფი და სქელია. საღებავს ან ფუნჯით ვისვამდი ან თითებით. ეს სურათებს კიდევ უფრო აცოცხლებს და სუნთქავს. და სიუჟეტები კიდევ უფრო დინამიური და დრამატულია.

ტიციანი. ტარკინი და ლუკრეცია. 1571 ფიცვილიამის მუზეუმი, კემბრიჯი, ინგლისი.

ეს რამეს გახსენებს? რა თქმა უნდა, ეს არის ტექნოლოგია. და მე-19 საუკუნის მხატვრების ტექნიკა: ბარბიზონელები და. ტიციანი, ისევე როგორც მიქელანჯელო, ერთ სიცოცხლეში გაივლიდა 500 წლის მხატვრობას. ამიტომ არის ის გენიოსი.

წაიკითხეთ სტატიაში ოსტატის ცნობილი შედევრის შესახებ.

რენესანსის მხატვრები დიდი ცოდნის მფლობელები არიან. ასეთი მემკვიდრეობის დატოვება ბევრი რამ იყო სასწავლი. ისტორიის, ასტროლოგიის, ფიზიკის და ა.შ.

ამიტომ, მათი ყოველი სურათი გვაფიქრებინებს. რატომ არის ეს გამოსახული? რა არის აქ დაშიფრული შეტყობინება?

ისინი თითქმის არასოდეს ცდებოდნენ. იმიტომ, რომ მათ საფუძვლიანად დაფიქრდნენ თავიანთ მომავალ საქმიანობაზე. მთელი ჩვენი ცოდნა გამოვიყენეთ.

ისინი მხატვრებზე მეტი იყვნენ. ისინი ფილოსოფოსები იყვნენ. მხატვრობით გვიხსნიდნენ სამყაროს.

ამიტომ ისინი ყოველთვის ღრმად საინტერესო იქნებიან ჩვენთვის.

კონტაქტში

გამოქვეყნებულია: 2014 წლის 30 აგვისტო

იტალიური ხელოვნება და ფერწერა

იტალიური ხელოვნების ისტორია არის თავად იტალიის ხელოვნება დროში და სივრცეში. ეტრუსკული ცივილიზაციის შემდეგ და განსაკუთრებით რომის რესპუბლიკისა და იმპერიის შემდეგ, რომლებიც დომინირებდნენ მსოფლიოს ამ ნაწილში მრავალი საუკუნის განმავლობაში, იტალიამ ცენტრალური ადგილი დაიკავა ევროპულ ხელოვნებაში რენესანსის დროს. იტალიამაც აჩვენა ევროპის მხატვრული დომინირება მე-16 და მე-17 საუკუნეებში წყალობით ბაროკოს მხატვრული მოძრაობა. მან აღადგინა ძლიერი წარმოდგენა საერთაშორისო ხელოვნების სცენაზე, დაწყებული მე-19 საუკუნის შუა ხანებიდან ისეთი მოძრაობებით, როგორიცაა მაკიაიოლი, ფუტურიზმი, მეტაფიზიკა, ნოვეჩენტო, სპაციალიზმი, არტე პოვერა და ტრანსავანგარდი.

იტალიურმა ხელოვნებამ გავლენა მოახდინა ზოგიერთ მთავარ მოძრაობაზე საუკუნეების განმავლობაში, რამაც შექმნა მრავალი შესანიშნავი შემოქმედი, მათ შორის მხატვრები და მოქანდაკეები. დღეს იტალიას მნიშვნელოვანი ადგილი უკავია საერთაშორისო ხელოვნების სცენაზე, რამდენიმე ძირითადი სამხატვრო გალერეით, მუზეუმებითა და გამოფენებით; ქვეყნის მნიშვნელოვანი ხელოვნების ცენტრები მოიცავს მის დედაქალაქს, რომს, ასევე ფლორენციას, ვენეციას, მილანს, ნეაპოლს, ტურინს და სხვა ქალაქებს.

რაფაელის "გალატეას ტრიუმფი".

ეტრუსკული ხელოვნება

ეტრუსკული ბრინჯაოს ფიგურები და ტერაკოტას დაკრძალვის რელიეფები არის ცენტრალური იტალიის ძლიერი ტრადიციების მაგალითი, რომელიც დასუსტდა იმ დროისთვის, როდესაც რომმა ნახევარკუნძულზე თავისი იმპერიის მშენებლობა დაიწყო. ეტრუსკული ნახატები, რომლებიც დღემდეა შემორჩენილი, ძირითადად არის კედლის ფრესკები სამარხებიდან, ძირითადად ტარქვინიიდან. ეს არის მეცნიერებისთვის ცნობილი წინარომაული იტალიური ხელოვნების ყველაზე მნიშვნელოვანი ნიმუში.

ფრესკები შესრულებულია ახალი თაბაშირის თავზე მოხატვის ტექნიკის გამოყენებით, ეს გაკეთდა ისე, რომ თაბაშირის გაშრობისას მხატვრობა ხდება თაბაშირის ნაწილი და კედლის განუყოფელი ნაწილი, რაც ეხმარება მას ასე კარგად გადარჩენაში (და მართლაც, თითქმის ყველა შემორჩენილი ეტრუსკული და რომაული მხატვრობა წარმოდგენილია მხოლოდ ფრესკებით). ფერები იქმნებოდა სხვადასხვა ფერის ქვებისგან და მინერალებისგან, რომლებიც დაფქვა და ერთმანეთში აირია, პატარა ფუნჯებს ამზადებდნენ ცხოველის თმისგან (საუკეთესო ჯაგრისებსაც კი ხარის ბეწვისგან ამზადებდნენ). IV საუკუნის შუა ხანებიდან ძვ. დაიწყო ქიაროსკუროს გამოყენება სიღრმისა და მოცულობის გამოსახატავად. ზოგჯერ გამოსახულია სცენები ყოველდღიური ცხოვრებიდან, მაგრამ ყველაზე ხშირად ეს არის ტრადიციული მითოლოგიური სცენები. პროპორციის ცნება არცერთ შემორჩენილ ფრესკაში არ ჩანს და ხშირად გვხვდება ცხოველების ან ადამიანების გამოსახულებები სხეულის არაპროპორციული ნაწილებით. ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ეტრუსკული ფრესკა არის ლომების საფლავი ტარქვინიაში.

რომაული ხელოვნება

რომი იმპერატორ კონსტანტინეს ქვეშ, ფოტო: Campus Martius, საზოგადოებრივი საკუთრება

ეტრუსკები პასუხისმგებელნი იყვნენ რომის ადრეული მონუმენტური შენობების მშენებლობაზე. რომაული ტაძრები და სახლები ეტრუსკულ მოდელებს დიდი სიზუსტით აკოპირებდნენ. რომაულ ტაძრებზე ეტრუსკული გავლენის ელემენტები მოიცავდა პოდიუმს და ფასადზე აქცენტს შენობის დანარჩენი სამი მხარის საზიანოდ. დიდი ეტრუსკული სახლები დაჯგუფებული იყო ცენტრალური დარბაზის გარშემო, ისევე, როგორც რომაული დიდი ქალაქის სახლები მოგვიანებით ატრიუმის გარშემო აშენდა. ეტრუსკული არქიტექტურის გავლენა თანდათან შემცირდა რესპუბლიკის დროს მსოფლიოს სხვა ნაწილების გავლენის გამო (განსაკუთრებით ბერძნული). თავად ეტრუსკული არქიტექტურა მოექცა ბერძნების გავლენის ქვეშ, ასე რომ, როდესაც რომაელებმა მიიღეს ბერძნული სტილი, ისინი არ გახდნენ უცხონი მათი კულტურისთვის. რესპუბლიკის დროს, ალბათ, მუდმივი იყო არქიტექტურული გავლენები ძირითადად ელინისტური სამყაროდან, მაგრამ სირაკუზის დაცემის შემდეგ ძვ.წ. 211 წელს. ბერძნული ხელოვნების ნიმუშები რომში შევიდა. ჩვენს წელთაღრიცხვამდე II საუკუნეში ამ ნამუშევრების ნაკადი და, რაც მთავარია, ბერძენი ხელოსნების მიერ, განაგრძობდა რომში შემოდინებას, რამაც გადამწყვეტი გავლენა მოახდინა რომაული არქიტექტურის განვითარებაზე. რესპუბლიკის მიწურულს, როდესაც ვიტრუვიუსმა დაწერა თავისი სამეცნიერო ნაშრომი არქიტექტურაზე, ბერძნულმა არქიტექტურულმა თეორიამ და არქიტექტურული ნაწარმოებების მაგალითებმა უპირატესობა მიენიჭა ყველაფერს.

იმპერიის გაფართოებასთან ერთად რომაული არქიტექტურა გავრცელდა დიდ ტერიტორიებზე და გამოიყენებოდა როგორც საზოგადოებრივი შენობების, ასევე ზოგიერთი დიდი კერძო შენობის შესაქმნელად. ბევრ სფეროში, სტილის ელემენტები, განსაკუთრებით დეკორაცია, გავლენას ახდენდა ადგილობრივი გემოვნებით, მაგრამ არქიტექტურა შესამჩნევად რომაული დარჩა. ადგილობრივ არქიტექტურულ სტილებზე რომაული არქიტექტურის სხვადასხვა ხარისხით გავლენა იქონია და ბევრ რეგიონში რომაული და ხალხური ელემენტები გაერთიანებულია იმავე შენობაში.

ჩვენი წელთაღრიცხვით I საუკუნისათვის რომი გახდა უდიდესი და ყველაზე განვითარებული ქალაქი მთელ მსოფლიოში. ძველმა რომაელებმა გამოიგონეს ახალი ტექნოლოგიები ქალაქის სანიტარული სისტემების, გზებისა და შენობების გასაუმჯობესებლად. მათ შეიმუშავეს აკვედუქების სისტემა, რომელიც მილებით შემოჰქონდა ქალაქში სუფთა წყალს და ააშენეს კანალიზაცია, რომელიც აშორებდა ქალაქის ნარჩენებს. უმდიდრესი რომაელები ცხოვრობდნენ დიდ სახლებში ბაღებით. მოსახლეობის უმეტესობა კი ქვის, ბეტონის ან კირქვისგან აშენებულ საცხოვრებელ კორპუსებში ცხოვრობდა. რომაელებმა შეიმუშავეს ახალი ტექნოლოგიები და გამოიყენეს ისეთი მასალები, როგორიცაა ვულკანური ნიადაგი ნეაპოლის მახლობლად მდებარე სოფლიდან პოცუოლიდან, რათა მათი ცემენტი უფრო ძლიერი და გამაგრებული ყოფილიყო. ამ ცემენტმა მათ საშუალება მისცა აეშენებინათ დიდი ბეტონის საცხოვრებელი კორპუსები, სახელწოდებით ინსულები.

ქანდაკება, რომელიც ცნობილია როგორც "პრიმა პორტას აგვისტო", Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported License

კედლის მხატვრობა მდიდრების სახლებს ამშვენებდა. ნახატებზე ხშირად იყო გამოსახული ბაღის პეიზაჟები, მოვლენები ბერძნული და რომაული მითოლოგიიდან, ისტორიული სცენები ან სცენები ყოველდღიური ცხოვრებიდან. რომაელები იატაკს მოზაიკით ამშვენებდნენ - პატარა ფერის ფილებისგან შექმნილი დიზაინით ან ნიმუშებით. მდიდრულად შეღებილი ფერწერული ტილოები და მოზაიკა დაეხმარა რომაული სახლების ოთახებს ვიზუალურად უფრო დიდი და ნათელი გახადოს, ასევე აჩვენა მფლობელის სიმდიდრე.

გვიანდელი იმპერიის ქრისტიანულ ხანაში 350-500 წწ. ახ. წ., კედლის მხატვრობა, ჭერისა და იატაკის მოზაიკის დეკორაციები და დაკრძალვის სკულპტურები აყვავდა, ხოლო სრული ზომის ყოვლისმომცველი ქანდაკება და მოხატული პანელები თანდათან გაქრა, სავარაუდოდ რელიგიური მიზეზების გამო. როდესაც კონსტანტინემ იმპერიის დედაქალაქი ბიზანტიაში გადაიტანა (ეწოდა კონსტანტინოპოლი), რომაულმა ხელოვნებამ დაიწყო აღმოსავლური გავლენის გავლენის ქვეშ, რამაც წარმოშვა გვიანი იმპერიის ბიზანტიური სტილი. როდესაც V საუკუნეში რომი განადგურდა, ხელოსნები გადავიდნენ და სამუშაოდ იპოვეს აღმოსავლეთის დედაქალაქში. თითქმის 10000 მუშა და ხელოსანი მუშაობდა კონსტანტინოპოლში აია სოფიას ეკლესიის შექმნაზე, ეს იყო რომაული ხელოვნების საბოლოო შეთანხმება იმპერატორ იუსტინიანე I-ის ქვეშ, რომელმაც ასევე ბრძანა რავენის ცნობილი მოზაიკის შექმნა.

შუა საუკუნეების ხელოვნება

შუა საუკუნეების განმავლობაში იტალიური ხელოვნება ძირითადად მოიცავდა არქიტექტურულ გაფორმებას (ფრესკები და მოზაიკა). ბიზანტიური ხელოვნება იტალიაში იყო ძალიან ფორმალური და დახვეწილი გაფორმება, სტანდარტიზებული კალიგრაფიით და ფერების და ოქროს გასაოცარი გამოყენებით. მე-13 საუკუნემდე იტალიაში ხელოვნება თითქმის მთლიანად რეგიონალური იყო, გარე ევროპული და აღმოსავლური მოძრაობების გავლენით. მას შემდეგ, რაც დაახლ. 1250 წელს სხვადასხვა რეგიონის ხელოვნებას ჰქონდა განვითარებული საერთო მახასიათებლები, ამიტომ იყო გარკვეული ერთიანობა და ღრმა ორიგინალურობა.

ბიზანტიური ხელოვნება

დასავლეთის დედაქალაქის დაცემის შემდეგ რომის იმპერიამ კიდევ 1000 წელი იარსება კონსტანტინოპოლის ხელმძღვანელობით. ბიზანტიელი ხელოსნები მონაწილეობდნენ მნიშვნელოვან პროექტებში მთელ იტალიაში, ხოლო ბიზანტიური სტილის მხატვრობა მე-14 საუკუნემდე ჩანს.

გოთური ხელოვნება

გოთური პერიოდი აღნიშნავს გადასვლას შუა საუკუნეების ხელოვნებიდან რენესანსზე და ხასიათდება სტილითა და დამოკიდებულებებით, რომლებიც განვითარდა დომინიკელთა და ფრანცისკანელთა სამონასტრო ორდენების გავლენით, რომლებიც დაარსდა შესაბამისად წმინდა დომინიკისა და წმინდა ფრანცისკე ასიზელის მიერ.

ეს იყო ეკლესიაში რელიგიური დაპირისპირების დრო. ფრანცისკანელთა და დომინიკელთა ორდენები დაარსდა ამ დავების გადაწყვეტისა და კათოლიკური ეკლესიის საფუძვლების დასაბრუნებლად. ფრანცისკანელთა პირველი წლები განსაკუთრებით ახსოვთ წმინდა ფრანცისკეს ქველმოქმედებით, ხოლო დომინიკელებს ახსოვთ, როგორც ყველაზე პასუხისმგებელი ინკვიზიციის აღზევებაზე.

გოთური არქიტექტურა წარმოიშვა ჩრდილოეთ ევროპაში და გავრცელდა სამხრეთით იტალიაში.

რენესანსის ხელოვნება

შუა საუკუნეებში მხატვრები და მოქანდაკეები ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებს რელიგიური ხასიათი მიეცათ. მათ სურდათ, რომ მაყურებელმა ყურადღება გაამახვილა მათი ნახატებისა და ქანდაკებების ღრმა რელიგიურ მნიშვნელობაზე. მაგრამ რენესანსის მხატვრები და მოქანდაკეები, ისევე როგორც ამ ეპოქის მწერლები, ცდილობდნენ ადამიანებისა და ბუნების რეალისტურად გამოსახვას. შუა საუკუნეების არქიტექტორებმა დააპროექტეს უზარმაზარი საკათედრო ტაძრები, რათა ხაზი გაუსვათ ღვთის სიდიადეს და დაემდაბლებინათ ადამიანის სული. რენესანსის არქიტექტორებმა დააპროექტეს შენობები, რომელთა პროპორციები ეფუძნებოდა ადამიანის სხეულის პროპორციებს და რომელთა დეკორაციები ძველ ნიმუშებს მიბაძავდა.

1300-იანი წლების ხელოვნება და 1400-იანი წლების დასაწყისი

1300-იანი წლების დასაწყისში ფლორენციელი მხატვარი ჯოტო გახდა პირველი მხატვარი, რომელმაც ბუნება რეალისტურად გამოსახა. მან შექმნა შესანიშნავი ფრესკები (ხატვა სველ თაბაშირზე) ეკლესიებისთვის ასიზში, ფლორენციაში, პადუასა და რომში. ჯოტო ცდილობდა შეექმნა რეალისტური ფიგურები, რომლებიც აჩვენებდნენ რეალურ ემოციებს. მან განასახიერა თავისი მრავალი პერსონაჟი რეალურ ცხოვრებაში.

ფლორენციელი არქიტექტორების, მხატვრებისა და მოქანდაკეების შესანიშნავმა ჯგუფმა შექმნა თავისი ნამუშევრები 1400-იანი წლების დასაწყისში. მათ შორის იყვნენ მხატვარი მასაჩიო, მოქანდაკე დონატელო და არქიტექტორი ფილიპო ბრუნელესკი.

მასაჩიოს საუკეთესო ნამუშევარი იყო ფრესკების სერია, რომელიც მან შექმნა დაახლოებით 1427 წელს ფლორენციის სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიის ბრანკაჩის სამლოცველოში. ეს ფრესკები რეალისტურად ასახავს ემოციური ინტენსივობის ბიბლიურ სცენებს. ამ ნამუშევრებში მასაჩომ გამოიყენა ბრუნელესკის სისტემა ხაზოვანი პერსპექტივის შესაქმნელად.

დონატელო ცდილობდა გამოეხატა ადამიანის სხეულის ღირსება თავის სკულპტურებში რეალისტური და ხშირად დრამატული დეტალებით. მის შედევრებში შედის ბიბლიური გმირი დავითის სამი ქანდაკება. 1430-იან წლებში დასრულებულ ვერსიაში დონატელოს დავითი გამოსახულია მოხდენილი, შიშველი ახალგაზრდის სახით, რომელიც ნაჩვენებია გიგანტური გოლიათის მოკვლის შემდეგ. ნამუშევარი, რომელიც დაახლოებით 5 ფუტი (1,5 მეტრი) სიმაღლისაა, იყო შიშველი ადამიანის პირველი დიდი თავისუფლად მდგომი ქანდაკება, რომელიც შექმნილია დასავლურ ხელოვნებაში უძველესი დროიდან.

ბრუნელესკი იყო პირველი რენესანსის არქიტექტორი, რომელმაც გააცოცხლა ძველი რომაული არქიტექტურის სტილი. თავის პროექტებში მან გამოიყენა თაღები, სვეტები და კლასიკური არქიტექტურის სხვა ელემენტები. მისი ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი შენობაა ფლორენციაში ლამაზად და ჰარმონიულად აშენებული პაზის სამლოცველო. ეს სამლოცველო, რომლის მშენებლობა დაიწყო 1442 წელს და დასრულდა დაახლოებით 1465 წელს, იყო ერთ-ერთი პირველი შენობა, რომელიც აშენდა ახალი რენესანსის სტილში. ბრუნელესკი ასევე იყო პირველი რენესანსის მხატვარი, რომელიც დაეუფლა ხაზოვან პერსპექტივას, მათემატიკურ სისტემას, რომლითაც მხატვრებს შეეძლოთ სივრცისა და სიღრმის დემონსტრირება ბრტყელ ზედაპირზე.

1400-იანი წლების ბოლოს და 1500-იანი წლების დასაწყისის ხელოვნება

1400-იანი წლების ბოლოს და 1500-იანი წლების დასაწყისის ხელოვნების გამოჩენილი წარმომადგენლები სამი ოსტატი იყო. ესენი იყვნენ მიქელანჯელო, რაფაელი და ლეონარდო და ვინჩი.

მიქელანჯელო იყო გამოჩენილი მხატვარი, არქიტექტორი და პოეტი. გარდა ამისა, მას უწოდეს ისტორიაში უდიდესი მოქანდაკე. მიქელანჯელო იყო ადამიანის სხეულის გამოსახვის ოსტატი. მაგალითად, მისი ცნობილი ქანდაკება ისრაელი ხალხის ლიდერის, მოსეს (1516 წ.) ფიზიკური და სულიერი ძალის არაჩვეულებრივ შთაბეჭდილებას ტოვებს. ეს თვისებები ასევე აშკარაა ბიბლიურ და კლასიკურ ფრესკებში, რომლებიც მიქელანჯელომ დახატა ვატიკანში სიქსტის კაპელის ჭერზე. ეს ფრესკები, მოხატული 1508 წლიდან 1512 წლამდე, არის რენესანსის ხელოვნების უდიდესი ნამუშევრები.

მიქელანჯელოს "დავითი".

პალაცო პიტი

სამხატვრო აკადემიის გალერეა

ბარჯელოს ეროვნული მუზეუმი

სან მარკოს ეროვნული მუზეუმი

ფლორენციის ეროვნული არქეოლოგიური მუზეუმი

Opera del Duomo მუზეუმი

პალაცო ვეკიო

ორსანმიკელის მუზეუმი

ძვირფასი ქვების დამუშავების სახელოსნო

პალაცო როსო

პალაცო ბიანკო

Palazzo Reale

პინაკოტეკა ბრერა

პოლდი პეცოლის მუზეუმი

სფორცას ციხე

პინაკოტეკა ამბროსიანა

ნეაპოლის ეროვნული არქეოლოგიური მუზეუმი

პადუას ქალაქის მუზეუმი

გ.პალერმო

პალაცო აბატელისი

პარმას ეროვნული გალერეა

Magnani Rocca ფონდი

გ.პერუჯა

უმბრიის ეროვნული მუზეუმი

სან მატეოს ეროვნული მუზეუმი

პრატოს ქალაქის მუზეუმი

საკათედრო მუზეუმი

რეჯო კალაბრია

Magna Graecia ეროვნული მუზეუმი

კაპიტოლინის მუზეუმები

მონტემარტინის ცენტრი

ეროვნული რომის მუზეუმი

გალერეა დორია პამფილი

პალაცო ბარბერინი

პალაცო კორსინი

ეროვნული ეტრუსკული მუზეუმი

Castel Sant'Angelo (Castel Sant'Angelo)

სპადა გალერეა

სიენას ეროვნული პინაკოტეკა

Palazzo Publico

სიენის საკათედრო ტაძრის მუზეუმი (დუომოს ნამუშევრების მუზეუმი)

გალერეა საბაუდა

Palazzo Reale (სამეფო სასახლე)

Palazzo Madama

გ.ურბინო

ეროვნული გალერეა მარში

გ.ვენეცია

აკადემიის გალერეა

კა" დ'ორო

სკუოლა სან როკო

Scuola di San Giorgio degli Schiavoni

იტალიური ხელოვნების რამდენიმე ძვირფასი ქვა

ჯორჯონის "ქარიშხალი".

სახელმწიფო ერმიტაჟი პავიის საქალაქო მუზეუმებთან ერთად ატარებს მეცხრამეტე საუკუნის იტალიური მხატვრობის უდიდეს რეტროსპექტივას, რომელშიც სამოცდაათზე მეტი ნამუშევარია.

სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმი, 2011 წლის 19 ნოემბერი - 2012 წლის 22 იანვარი
ზამთრის სასახლის შეიარაღებული დარბაზი

იტალიის წელი რუსეთში და რუსეთის იტალიაში, გამოფენა „მე-19 საუკუნის იტალიური მხატვრობა. ნეოკლასიციზმიდან სიმბოლიზმამდე”, ორგანიზებული იყო სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმის მიერ პავიის საქალაქო მუზეუმებთან ერთად. გამოფენა გასული საუკუნის წინანდელი იტალიური მხატვრობის უდიდესი რეტროსპექტივაა და მოიცავს სამოცდაათზე მეტ ნამუშევარს, რომელთა ნახევარი მოდის პავიის ქალაქის მუზეუმების მე-19 საუკუნის სურათების გალერეის კოლექციიდან. გარდა ამისა, გამოფენა მოიცავს ფლორენციის, მილანის, ტურინისა და გენუას თანამედროვე ხელოვნების გალერეის ნამუშევრებს. გამოფენის მნიშვნელობის გადაჭარბება ძნელია, რადგან ეს პერიოდი რუსი აუდიტორიისთვის პრაქტიკულად უცნობია (ერმიტაჟის კოლექციაში იტალიელი მხატვრების ოტოჩენტოს სამოცზე მეტი ნახატია).

მე-19 საუკუნის მხატვრობის საუკეთესო ნიმუშების მაგალითის გამოყენებით, გამოფენა აჩვენებს სტილებისა და მიმართულებების მთელ სპექტრს, რომლებშიც მუშაობდნენ იტალიელი მხატვრები: კლასიციზმი, რომანტიზმი, ისტორიციზმი, მაკიაიოლი, სიმბოლიზმი.

იტალიური კლასიციზმის ძირითადი მახასიათებლები ჩამოყალიბდა ანტონიო კანოვას შემოქმედებაში. ლომბარდიელი მხატვარი ანდრეა აპიანი მიუბრუნდა მითოლოგიურ თემებზე ამაღლებული იდილიური ნახატების ტიპს, რაც ასახულია ნახატით "ჯუნო, რომელიც ჩაცმულია გრეისებით". ამაღლებული ჰარმონიის იგივე უძველესი კანონია გასპარე ლანდის ნახატებში "პარიზი" და "ჰებე". ნეოკლასიციზმის გმირული განშტოება წარმოდგენილია ვინჩენცო კამუჩინის პოპულარული ნახატით "კეისრის სიკვდილი".

ეროვნული ისტორიის ეპიზოდებისა და გმირებისადმი მიმართვა, ძირითადად უკვე აღწერილია ლიტერატურაში, დამახასიათებელია მე-19 საუკუნის მხატვრობის უმეტესი ნაწილისთვის, დაწყებული რომანტიზმით. ამ მიმართულების მთავარი მხატვარი ფრანჩესკო ჰაიეზია. ნახატში "ოტო II-ის შერიგება დედა ადელაიდასთან ბურგუნდიელთან" მან გაამრავლა მნიშვნელოვანი, მაგრამ ნაკლებად ცნობილი მოვლენა იტალიის შუა საუკუნეების ისტორიაში. "ვენერა მტრედებით თამაშობს" მან განასახიერა ცნობილი ბალერინა კარლოტა შაბერტის თვისებები, "საიდუმლო დენონსიაში" მან აჩვენა ვენეციელი ქალი, ლამაზი და სასტიკი.

რომანტიკული მხატვრები ნებით ასახავდნენ გამოჩენილ ადამიანებს, მეამბოხე გმირებს დიდების ან დაცემის მომენტებში. ასეთი ნამუშევრების მაგალითები: „გალილეო ინკვიზიციის სასამართლოს წინაშე“ კრისტიანო ბანტი, „კრისტოფერ კოლუმბი ამერიკიდან დაბრუნების შესახებ (კრისტოფერ კოლუმბი ჯაჭვებში)“ ლორენცო დელეანის, „ლორდ ბაირონი ბერძნულ ნაპირებზე“ ჯაკომო ტრეკურას.

რომანტიკოსები აცოცხლებენ ინტერესს ფერწერის "უმცროსი" ჟანრების მიმართ - შენობების ინტერიერის და ქალაქის ხედების გამოსახულებით (ტყვია). ტილოზე "სანტა მარია დელა სალუტის ეკლესია ვენეციაში" იპოლიტო კაფი ექსპერიმენტებს ატარებს ვიზუალური აღქმისა და განათების ეფექტებით.

რომანტიზმის ძიება 1860-იან წლებში გააგრძელეს ტოსკანელმა მაკიაიოლებმა: ჯოვანი ფატორი, სილვესტრო ლეგა, ტელემაკო სინიორინი, ჯუზეპე აბატი, ოდორადო ბორანი, ვინჩენცო კაბიანკა. მხატვრებმა შემოგვთავაზეს სტილისტური სტილი, შეცვალეს ტრადიციული ქიაროსკურო ლაქების კონტრასტული კომბინაციით ("მაკია"). ახალი ტექნიკის გამოყენებით, მაკიაიოლებმა წარმოადგინეს ყოველდღიური ცხოვრების ჟანრული სცენები: "Singing Stornello" და "Betrothed, or Bride and Groom" სილვესტრო ლეგას მიერ, "Rendezvous in the Woods" by Telemaco Signorini. ჯოვანი ფატორის ნახატებში „პალმიერის აბანოების როტონდა“ და ჯუზეპე აბატის „კასტილიონჩელოს ხედი“ საინტერესოა, რადგან მის შესაქმნელად მხატვრები ღია ცის ქვეშ მუშაობდნენ.

სიმბოლიზმის ტენდენციები ნათლად არის გამოხატული ჯორჯო კინერკას ტრიპტიქში „ადამიანის საიდუმლო“: მხატვარი გაურბის პერსონაჟების მკაფიო დახასიათებას, ამჯობინებს მნახველის მოხიბვლას ეზოთერული სიმბოლოებით და ზოგადი მაგნიტური ატმოსფეროთი.

მე-19 საუკუნის ბოლო ათწლეულებში ევროპელმა მხატვრებმა ახალი გამოხატვის საშუალებების ექსპერიმენტები ჩაატარეს. იტალიაში ანჯელო მორბელი ​​ავითარებს ცალკეული შტრიხების ტექნიკას (დივიზიონიზმი), რომლის მაგალითია ნახატი სოციალურ თემაზე "80 ცენტეზიმოსთვის!" ჯუზეპე პელიზა და ვოლპედო ასევე იყო დივიზიონისტი, რომელმაც სიმბოლურად განასახიერა მაღალი ჰუმანიზმის იდეალები ფილმში "მრგვალი ცეკვა".

გამოფენა „მე-19 საუკუნის იტალიური მხატვრობა. ნეოკლასიციზმიდან სიმბოლიზმამდე“ არის პასუხი 2011 წლის მარტში კასტელო ვისკონტეოში გახსნილი დიდი გამოფენისა „ლეონარდესკი ფოპიდან ჯამპეტრინომდე: ნახატები ერმიტაჟიდან და პავიის ქალაქის მუზეუმებიდან“, რომელიც მოიცავდა ოცდაორ ნახატს ერმიტაჟის კოლექციიდან.

სახელმწიფო ერმიტაჟის მხრიდან გამოფენის კურატორია ნატალია ბორისოვნა დემინა, დასავლეთ ევროპის სახვითი ხელოვნების დეპარტამენტის მკვლევარი, ხოლო პავიის საქალაქო მუზეუმების მხრივ - სუზანა ზატი, პავიის საქალაქო მუზეუმების დირექტორი.

გამოფენის გახსნისთვის გამოიცა სამეცნიერო კატალოგი რუსულ და იტალიურ ენებზე (გამომცემლობა Skira, მილანი - ჟენევა), მილანის უნივერსიტეტის პროფესორის ფერნანდო მაზოკის, პავიისა და პავიის საქალაქო მუზეუმების კურატორი ფრანჩესკა პორეკოს სტატიებით. სუზანა ზატი.

ყურადღება! საიტზე განთავსებული ყველა მასალა და აუქციონის შედეგების მონაცემთა ბაზა საიტზე, მათ შორის ილუსტრირებული საცნობარო ინფორმაცია აუქციონზე გაყიდული ნამუშევრების შესახებ, განკუთვნილია ექსკლუზიურად ხელოვნების შესაბამისად. რუსეთის ფედერაციის სამოქალაქო კოდექსის 1274. კომერციული მიზნებისთვის გამოყენება ან რუსეთის ფედერაციის სამოქალაქო კოდექსით დადგენილი წესების დარღვევით დაუშვებელია. საიტი არ არის პასუხისმგებელი მესამე მხარის მიერ მოწოდებული მასალების შინაარსზე. მესამე პირების უფლებების დარღვევის შემთხვევაში საიტის ადმინისტრაცია უფლებას იტოვებს უფლებამოსილი ორგანოს მოთხოვნის საფუძველზე ამოიღოს ისინი საიტიდან და ბაზიდან.

• 31.01.2020 თითოეული ლოტის საწყისი ფასი ამ აუქციონზე არ არის დამოკიდებული მის შეფასებაზე და არის ზუსტად $100
• 30.01.2020 მარონი აგროვებს თავის კოლექციას 20 წელზე მეტი ხნის განმავლობაში; იგი შედგება 850 ხელოვნების ნიმუშისგან, სავარაუდოთ 450 მილიონ დოლარად.
• 30.01.2020 გეტის მუზეუმში სკულპტურას სტატუსი „უცნობი მხატვრის ნამუშევარი“ 2019 წლის დეკემბერში შეიცვალა.
• 29.01.2020 კურსი უნდა გაუქმებულიყო პრეტენზიების შემდეგ, რომ ის ზედმეტად იყო ორიენტირებული ევროპულ „თეთრი ხელოვნების ისტორიაზე“ და მამაკაცი მხატვრების შესწავლაზე.
• 29.01.2020 სალვადორ დალის შემოქმედების ყველაზე სრული რეტროსპექტივის ორგანიზატორები საზოგადოებას სთავაზობენ მხატვრის ორას ნამუშევარს და მდიდარ საგანმანათლებლო პროგრამას.

• 31.01.2020 მთლიანმა შემოსავალმა შეადგინა თითქმის 2,5 მილიონი რუბლი. მყიდველები - მოსკოვიდან მაგადანამდე
• 24.01.2020 კატალოგის ლოტების 50%-ზე მეტი ჩაქუჩით გავიდა, მყიდველები პერმიდან მინსკამდე
• 23.01.2020 კატალოგში შედის ოცდაათი ლოტი: თერთმეტი ნახატი, თხუთმეტი ფურცელი ორიგინალური და ერთი ნაბეჭდი გრაფიკა, ერთი შერეული ნამუშევარი, ერთი ფაიფურის ფირფიტა და ერთი ფოტო ალბომი.
• 20.01.2020 2020 წლის პირველი სახვითი ხელოვნებისა და DPI აუქციონის კატალოგი შედგებოდა 547 ლოტისაგან - ფერწერა და გრაფიკა, მინა, ფაიფური, კერამიკა, ვერცხლი, მინანქარი, სამკაულები და ა.შ.
• 17.01.2020 კატალოგში არსებული ლოტების ნახევარზე ცოტა ნაკლები გადავიდა ახალ ხელში. მყიდველებს შორისაა მოსკოვი, ოდინცოვო, მინსკი და პერმი

• 31.01.2020 საუბრის საგნის ისტორიაში შეიძლება რაღაც გულუბრყვილო ჩანდეს, მეორემ კი ბაზრის მონაწილეების პრაქტიკაში გამოყენება. ერთი რამ ცხადია: ნებისმიერ პროფესიაში, ყველა წარმატებული ადამიანის ცოდნა უნდა ეფუძნებოდეს მისი წინამორბედების წარმატებებსა და შეცდომებს.
• 03.12.2019 ძირითადი ფიგურები "რუსული კვირის" სამი ძირითადი ვაჭრობისთვის და ცოტა იმაზე, თუ როგორ შესრულდა ჩვენი პროგნოზები
• 03.12.2019 წელს სალონი ჩატარდა ახალ ადგილას, გოსტინი დვორში და ჩვეულებრივზე ერთი თვის შემდეგ.
• 28.11.2019 მხატვრის სტუდიაში ვიზიტი არის მოვლენა, რომელსაც შეუძლია შეცვალოს როგორც სტუდიის მფლობელის, ასევე მისი სტუმრის ცხოვრება. არც თუ ისე საქმიანი შეხვედრა, მაგრამ, რა თქმა უნდა, არა ჩვეულებრივი მეგობრული ვიზიტი. რამდენიმე მარტივი წესის დაცვა დაგეხმარებათ თავიდან აიცილოთ პრობლემები ამ სიტუაციაში.
• 26.11.2019 მეოთხედ, აკადემიკოს ი.ე. გრაბარის სახელობის სრულიად რუსული სამეცნიერო კვლევითი ცენტრის წინადადებით ვაქვეყნებთ ცრუ საექსპერტო დასკვნას, რომელიც თითქოს ცენტრის ექსპერტების მიერაა გაცემული. Ფრთხილად იყავი!
• 17.12.2019 გამოფენა, რომელიც გაიხსნა 19 დეკემბერს მუზეუმის მთავარ შენობაში, პეტროვკაზე, 25, არის მცდელობა, ახალი თვალი გადავავლოთ მუზეუმის რუსული ხელოვნების ვრცელ კოლექციას: პროექტის კურატორები არიან 20 ცნობილი ფიგურა სხვადასხვა პროფესიული სფეროდან.
• 12.12.2019 2020 წლის 6 აპრილს აღორძინების ეპოქის ერთ-ერთი უდიდესი მხატვრის გარდაცვალებიდან 500 წელი შესრულდა. მომავალ წელს მნიშვნელოვანი მოვლენების წინ, ბერლინის სამხატვრო გალერეა ხსნის რაფაელ სანტის მადონას გამოფენას.