ვენეციური რენესანსი არის სრულიად იტალიური რენესანსის ცალკეული, უნიკალური ნაწილი. აქ მოგვიანებით დაიწყო, მაგრამ გაცილებით დიდხანს გაგრძელდა. უძველესი ტრადიციების როლი ვენეციაში ყველაზე მცირე იყო, ხოლო კავშირი ევროპული მხატვრობის შემდგომ განვითარებასთან იყო ყველაზე პირდაპირი. ვენეციაში დომინირებდა მხატვრობა, რომელიც გამოირჩეოდა ნათელი, მდიდარი და ხალისიანი ფერებით.

მაღალი რენესანსის ეპოქამ (იტალიურად ჟღერს "Cinquecento") ვენეციაში თითქმის მთელი მე -16 საუკუნე დაიკავა. ბევრი გამოჩენილი მხატვარი ხატავდა ვენეციური რენესანსის თავისუფალ და ხალისიან სტილში.

მხატვარი ჯოვანი ბელინი ადრეული რენესანსიდან მაღალ რენესანსამდე გარდამავალი პერიოდის წარმომადგენელი გახდა. ცნობილი ნახატი მას ეკუთვნის" მადონას ტბა„მშვენიერი ნახატია, რომელიც განასახიერებს ოცნებებს ოქროს ხანაზე ან მიწიერ სამოთხეზე.

ჯოვანი ბელინის მოწაფე, მხატვარი ჯორჯიონე ითვლება ვენეციის მაღალი რენესანსის პირველ ოსტატად. მისი ტილო" მძინარე ვენერა"ეს არის შიშველი სხეულის ერთ-ერთი ყველაზე პოეტური გამოსახულება მსოფლიო ხელოვნებაში. ეს ნამუშევარი უბრალო მოაზროვნე, ბედნიერი და უდანაშაულო ადამიანების ოცნების კიდევ ერთი განსახიერებაა, რომლებიც ბუნებასთან სრულ ჰარმონიაში ცხოვრობენ.

არის ნახატი სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმში "ჯუდიტი", რომელიც ასევე ეკუთვნის ჯორჯონის ფუნჯს. ეს ნამუშევარი გახდა სამგანზომილებიანი გამოსახულების მიღწევის თვალსაჩინო მაგალითი არა მხოლოდ ქიაროსკუროს დახმარებით, არამედ სინათლის გრადაციის გამოყენებით.

ჯორჯიონე "ჯუდიტი"

პაოლო ვერონეზე შეიძლება ჩაითვალოს ვენეციის ყველაზე ტიპურ მხატვრად. მისი ფართომასშტაბიანი, მრავალფიგურიანი კომპოზიციები ასახავს მდიდრულ ვახშამს ვენეციური პალაზოებში მუსიკოსებთან, ხუმრებთან და ძაღლებთან ერთად. მათში არაფერია რელიგიური. "Უკანასკნელი ვახშამი"- ეს არის სამყაროს მშვენიერების გამოსახულება მარტივი მიწიერი გამოვლინებებით და მშვენიერი ხორცის სრულყოფილებით აღფრთოვანებით.

პაოლო ვერონეზე "ბოლო ვახშამი"

ტიციანის ნამუშევრები

ჩინკეჩენტოს ვენეციური მხატვრობის ევოლუცია აისახა ტიციანის შემოქმედებაში, რომელიც პირველად მუშაობდა ჯორჯიონესთან ერთად და მასთან ახლოს იყო. ეს აისახა მხატვრის შემოქმედებით სტილში ნამუშევრებში "ზეციური სიყვარული და მიწიერი სიყვარული", "ფლორა". ტიციანის ქალის გამოსახულებები თავად ბუნებაა, რომელიც ანათებს მარადიული სილამაზით.

- მხატვართა მეფე. ფერწერის სფეროში მან არაერთი აღმოჩენა გააკეთა, რომელთა შორისაა ფერთა სიმდიდრე, ფერთა მოდელირება, ორიგინალური ფორმები და ფერების ნიუანსების გამოყენება. ტიციანის წვლილი ვენეციური რენესანსის ხელოვნებაში უზარმაზარი იყო, მან დიდი გავლენა მოახდინა შემდგომი პერიოდის მხატვრების ოსტატობაზე.

გვიან ტიციანი უკვე ახლოსაა ველასკესის და რემბრანდტის მხატვრულ ენასთან: ტონალური ურთიერთობები, ლაქები, დინამიური შტრიხები, ფერადი ზედაპირის ტექსტურა. ვენეციელებმა და ტიციანმა შეცვალეს ხაზის დომინირება ფერის მასივის უპირატესობებით.

ტიციან ვესელიო "ავტოპორტრეტი" (დაახლოებით 1567)

ტიცინის ხატვის ტექნიკა დღესაც საოცარია, რადგან საღებავების არეულობაა. მხატვრის ხელში საღებავები იყო ერთგვარი თიხა, საიდანაც მხატვარი ძერწავდა თავის ნამუშევრებს. ცნობილია, რომ სიცოცხლის ბოლოს ტიციანმა თავისი ტილოები თითებით დახატა. ასე რომ, ეს შედარება უფრო მიზანშეწონილია.

ტიციანის ცეზარის დენარი (დაახლოებით 1516 წ.)

ტიციან ვესელიოს ნახატები

ტიციანის ნახატებს შორისაა შემდეგი:

• "ასუნტა"

• "ბაკუსი და არიადნა"

• "ურბინოს ვენერა"

• "პაპ პავლე III-ის პორტრეტი"

• "ლავინიის პორტრეტი"

• "ვენერა სარკის წინ"

• "მონანიებული მაგდალინელი"

• "წმინდა სებასტიანი"

ფერწერულობა და განცდა ოტიციანის სამგანზომილებიანი ფორმები სრულ წონასწორობაშია. მისი ფიგურები სავსეა სიცოცხლისა და მოძრაობის გრძნობით. კომპოზიციური ტექნიკის სიახლე, უჩვეულო ფერი და თავისუფალი შტრიხები ტიციანის მხატვრობის გამორჩეული თვისებაა. მისმა ნამუშევრებმა განასახიერეს რენესანსის ვენეციური სკოლის საუკეთესო თვისებები.

ვენეციური რენესანსის მხატვრობის დამახასიათებელი ნიშნები

ვენეციელი ჩინკეჩენტოს ბოლო მნათობი მხატვარი ტინტორეტოა. ცნობილია მისი ნახატები "მთავარანგელოზ მიქაელის ბრძოლა სატანასთან"და "უკანასკნელი ვახშამი". სახვითი ხელოვნება განასახიერებდა იდეალის რენესანსის იდეას, გონების ძალის რწმენას, ლამაზი, ძლიერი ადამიანის ოცნებას, ჰარმონიულად განვითარებულ პიროვნებას.

ჯაკოპო ტინტორეტო "მთავარანგელოზ მიქაელის ბრძოლა სატანასთან" (1590)
ჯაკოპო ტინტორეტო "ჯვარცმა"

ხელოვნების ნიმუშები იქმნებოდა ტრადიციულ რელიგიურ და მითოლოგიურ თემებზე. ამის წყალობით თანამედროვეობა ამაღლდა მარადისობის ხარისხში, რითაც დაამტკიცა რეალური ადამიანის ღვთაებრიობა. ამ პერიოდში გამოსახვის ძირითადი პრინციპები იყო ბუნების მიბაძვა და პერსონაჟების რეალობა. ნახატი არის ერთგვარი ფანჯარა სამყაროში, რადგან მხატვარი მასზე ასახავს იმას, რაც ნახა სინამდვილეში.

ჯაკოპო ტინტორეტო "ბოლო ვახშამი"

ფერწერის ხელოვნება ეფუძნებოდა სხვადასხვა მეცნიერების მიღწევებს. მხატვრებმა წარმატებით აითვისეს პერსპექტიული სურათები. ამ პერიოდში შემოქმედება პიროვნული გახდა. დაზგური ხელოვნების ნიმუშები სულ უფრო და უფრო ვითარდება.

ჯაკოპო ტინტორეტო "სამოთხე"

ფერწერაში ჩნდება ჟანრული სისტემა, რომელიც მოიცავს შემდეგ ჟანრებს:

• რელიგიური - მითოლოგიური;
• ისტორიული;
• საყოფაცხოვრებო ლანდშაფტი;
• პორტრეტი.

ამ პერიოდში ჩნდება გრავიურაც და ხატვა მნიშვნელოვან როლს ასრულებს. ხელოვნების ნიმუშები თავისთავად ფასდება, როგორც მხატვრული ფენომენი. ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი შეგრძნება მათი აღქმისას არის სიამოვნება. ვენეციური რენესანსის ნახატების მაღალი ხარისხის რეპროდუქციები თქვენი ინტერიერის შესანიშნავი დამატება იქნება.

განსაკუთრებულ აყვავებას მიაღწია ვენეციურმა მხატვრობამ, რომელიც გამოირჩეოდა თავისი სიმდიდრითა და ფერთა სიმდიდრით. ფიზიკური სილამაზის წარმართული აღფრთოვანება აქ შერწყმული იყო ადამიანის სულიერი ცხოვრებისადმი ინტერესთან. სამყაროს სენსორული აღქმა უფრო პირდაპირი იყო, ვიდრე ფლორენციელები და განაპირობა ლანდშაფტის განვითარება.

ჯორჯიონე. მაღალი რენესანსის სცენა ვენეციაში იხსნება ჯორჯო ბარბარელი და კასტელფრანკოს ხელოვნებით, მეტსახელად ჯორჯიონე (დაახლოებით 1477–1510), რომელმაც იგივე როლი შეასრულა ვენეციურ მხატვრობაში, როგორც ლეონარდომ ცენტრალური იტალიური მხატვრობისთვის.

ლეონარდოს ხელოვნების მკაფიო რაციონალურობასთან შედარებით, ჯორჯონის ნახატი გამსჭვალულია ღრმა ლირიზმითა და ჭვრეტით. პეიზაჟი, რომელიც თვალსაჩინო ადგილს იკავებს მის შემოქმედებაში, ხელს უწყობს მისი სრულყოფილი გამოსახულებების პოეზიისა და ჰარმონიის გამოვლენას. ადამიანსა და ბუნებას შორის ჰარმონიული კავშირი ჯორჯონის შემოქმედების მნიშვნელოვანი მახასიათებელია. ჰუმანისტებს, მუსიკოსებს, პოეტებს და თავად არაჩვეულებრივ მუსიკოსს შორის ჩამოყალიბებული ჯორჯიონე თავის კომპოზიციებში რიტმების ყველაზე დახვეწილ მუსიკალურობას პოულობს. ფერი მათში დიდ როლს თამაშობს. გამჭვირვალე ფენებში გამოყენებული ხმის ფერები არბილებს კონტურებს. მხატვარი ოსტატურად იყენებს ზეთის მხატვრობის თვისებებს. ჩრდილების და გარდამავალი ტონების მრავალფეროვნება ეხმარება მას მიაღწიოს მოცულობის, სინათლის, ფერისა და სივრცის ერთიანობას. მის ადრეულ ნამუშევრებს შორის „ჯუდიტი“ (დაახლოებით 1502, სანკტ-პეტერბურგი, ერმიტაჟი) იზიდავს თავისი ნაზი მეოცნებეობით და დახვეწილი ლირიზმით. ბიბლიური ჰეროინი გამოსახულია როგორც ახალგაზრდა ლამაზი ქალი მშვიდი ბუნების ფონზე. თუმცა, ამ ერთი შეხედვით ჰარმონიულ კომპოზიციაში უცნაური, საგანგაშო ნოტა შემოაქვს ჰეროინის ხელში მახვილით და მის მიერ გათელებული მტრის მოწყვეტილი თავით.

ნახატებში "ჭექა-ქუხილი" (დაახლოებით 1505, ვენეცია, გალერეა Accademia) და "სოფლის კონცერტი" (დაახლოებით 1508–1510, პარიზი, ლუვრი), რომელთა საგნები ამოუცნობი დარჩა, განწყობას ქმნის არა მხოლოდ ხალხი, არამედ ბუნებით: ქარიშხლისწინა - პირველში და მშვიდად გასხივოსნებული, საზეიმო - მეორეში. ლანდშაფტის ფონზე გამოსახულია ხალხი, ჩაძირული ფიქრებში, თითქოს რაღაცას ელოდება ან უკრავს მუსიკას, ქმნიან განუყოფელ მთლიანობას ირგვლივ ბუნებასთან.

პიროვნების მახასიათებლებში იდეალურისა და ჰარმონიის კონკრეტულსა და ინდივიდუალურთან შეხამება განასხვავებს ჯორჯონის მიერ დახატულ პორტრეტებს. იზიდავს ანტონიო ბროკარდოს აზროვნების სიღრმით, ხასიათის კეთილშობილებით, მეოცნებეობით და სულიერებით (1508–1510, ბუდაპეშტი, სახვითი ხელოვნების მუზეუმი). სრულყოფილი ამაღლებული სილამაზისა და პოეზიის გამოსახულება იღებს თავის იდეალურ განსახიერებას „მძინარე ვენერაში“ (დაახლოებით 1508–1510, დრეზდენი, სურათების გალერეა). იგი წარმოდგენილია წყნარ ძილში ჩაძირული სოფლის პეიზაჟის ფონზე. მისი ფიგურის ხაზოვანი მონახაზების გლუვი რიტმი დახვეწილად ჰარმონიზდება ნაზი ბორცვების რბილ ხაზებთან, ბუნების გააზრებულ სიმშვიდესთან. ყველა კონტური დარბილებულია, პლასტიურობა იდეალურად ლამაზია, ნაზად მოდელირებული ფორმები პროპორციულად პროპორციულია. ოქროსფერი ტონის დახვეწილი ნიუანსი გადმოსცემს შიშველი სხეულის სითბოს. ჯორჯიონე გარდაიცვალა მისი შემოქმედებითი ძალების აყვავებულ პერიოდში ჭირისგან, მისი ყველაზე სრულყოფილი ნახატის დასრულების გარეშე. ნახატზე პეიზაჟი დაასრულა ტიციანმა, რომელმაც ასევე დაასრულა ჯორჯონისადმი მიცემული სხვა შეკვეთები.

ტიციანი. მრავალი წლის განმავლობაში მისი ხელმძღვანელის, ტიციანის (1485/1490–1576) ხელოვნებამ განაპირობა ვენეციური ფერწერის სკოლის განვითარება. ლეონარდოს, რაფაელის და მიქელანჯელოს ხელოვნებასთან ერთად, როგორც ჩანს, ის მაღალი რენესანსის მწვერვალია. ტიციანის ერთგულება ჰუმანისტური პრინციპებისადმი, რწმენა ადამიანის ნების, მიზეზისა და შესაძლებლობებისადმი და ძლიერი კოლორიზმი მის ნამუშევრებს უზარმაზარ მიმზიდველ ძალას ანიჭებს. მისი შემოქმედება საბოლოოდ ავლენს ვენეციური ფერწერის სკოლის რეალიზმის უნიკალურობას. ხელოვანის მსოფლმხედველობა სრულფასოვანია, მისი ცხოვრებისეული ცოდნა ღრმა და მრავალმხრივია. მისი ნიჭის მრავალფეროვნება გამოიხატა სხვადასხვა ჟანრისა და თემის განვითარებაში, ლირიკული და დრამატული.

ჯორჯონისგან განსხვავებით, რომელიც ადრე გარდაიცვალა, ტიციანმა იცხოვრა გრძელი, ბედნიერი, შთაგონებული შემოქმედებითი შრომით სავსე. იგი დაიბადა ქალაქ კადორეში, მთელი ცხოვრება ვენეციაში ცხოვრობდა და იქ სწავლობდა - ჯერ ბელინთან, შემდეგ კი ჯორჯიონესთან. მხოლოდ მცირე ხნით, უკვე მიაღწია დიდებას, კლიენტების მიწვევით იმოგზაურა რომსა და აუგსბურგში, ამჯობინა ემუშავა თავისი ფართო, სტუმართმოყვარე სახლის გარემოში, სადაც ხშირად იკრიბებოდნენ მისი ჰუმანისტი მეგობრები და მხატვრები, მათ შორის მწერალი არეტინო. და არქიტექტორი სანსოვინო.

ვენეცია ​​იყო უკანასკნელი იტალიის ქალაქებიდან, არა უადრეს მე-15 საუკუნის შუა წლებში, რომელიც გამსჭვალული იყო რენესანსის იდეებით. დანარჩენი იტალიისგან განსხვავებით, ის თავისებურად ცხოვრობდა. აყვავებული ქალაქი, რომელიც თავს არიდებდა სამხედრო კონფლიქტებს, საზღვაო ვაჭრობის ცენტრი, ვენეცია ​​თვითკმარი იყო. მისი ოსტატები ისე იკავებდნენ თავს, რომ როდესაც მე-16 საუკუნის შუა ხანებში ფლორენციელმა ვაზარმა დაიწყო მასალების შეგროვება „ყველაზე ცნობილი მხატვრების, მოქანდაკეების და არქიტექტორების ცხოვრებისთვის“, მან ვერ შეძლო ადამიანთა ბიოგრაფიის დეტალების მოპოვება. რომელიც ერთი საუკუნის წინ ცხოვრობდა და ყველას ერთ მოკლე თავში აერთიანებდა.


ბელინი. "წმინდა ლოურენსის ხიდის სასწაული". ვენეციელი მხატვრების თვალსაზრისით, ყველა წმინდანი ცხოვრობდა ვენეციაში და დაცურავდნენ გონდოლებით.

ვენეციის ოსტატები არ ჩქარობდნენ რომში უძველესი ნანგრევების შესასწავლად. მათ უფრო მეტად მოეწონათ ბიზანტია და არაბული აღმოსავლეთი, რომლებთანაც ვაჭრობდა ვენეციის რესპუბლიკა. გარდა ამისა, ისინი არ ჩქარობდნენ შუა საუკუნეების ხელოვნებაზე უარის თქმას. და ორი ყველაზე ცნობილი ქალაქის შენობა - წმინდა მარკოზის ტაძარი და დოჟების სასახლე - წარმოადგენს ორ ლამაზ არქიტექტურულ "თაიგულს": პირველი შეიცავს ბიზანტიური ხელოვნების მოტივებს, ხოლო მეორე აერთიანებს შუა საუკუნეების წვეტიან თაღებს და არაბულ ნიმუშებს.

ლეონარდო და ვინჩიმ, დიდმა ფლორენციელმა, დაგმო მხატვრები, რომლებიც ზედმეტად გატაცებულნი იყვნენ ფერის მშვენიერებით და თვლიდა, რომ რელიეფი ფერწერის მთავარ უპირატესობად იყო. ვენეციელებს ჰქონდათ საკუთარი აზრი ამ საკითხთან დაკავშირებით. მათ მოცულობის ილუზიის შექმნაც კი ისწავლეს, თითქმის ფერისა და ჩრდილის გამოყენების გარეშე, მაგრამ იმავე ფერის სხვადასხვა ჩრდილების გამოყენებით. ასე დაიწერა ჯორჯონის მძინარე ვენერა.

ჯორჯიონე. "ქარიშხალი". ფილმის სიუჟეტი საიდუმლოდ რჩება. მაგრამ აშკარაა, რომ მხატვარს ყველაზე მეტად აინტერესებდა პერსონაჟის განწყობა, სულიერი მდგომარეობა ამჟამინდელ, ამ შემთხვევაში, ქარიშხლისწინა მომენტში.

ადრეული რენესანსის მხატვრები ნახატებს და ფრესკებს ხატავდნენ ტემპერატის გამოყენებით, რომელიც ძველ დროში იყო გამოგონილი. ზეთის საღებავები ცნობილი იყო ანტიკურ დროიდან, მაგრამ მხატვრებმა მათი სიამოვნება მხოლოდ მე-15 საუკუნეში შეიმუშავეს. ჰოლანდიელმა ოსტატებმა პირველებმა დაასრულეს ზეთის მხატვრობის ტექნიკა.

მას შემდეგ, რაც ვენეცია ​​აშენდა კუნძულებზე შუა ზღვაში, ფრესკები სწრაფად განადგურდა მაღალი ტენიანობის გამო. ოსტატებმა ასევე ვერ დაწერეს დაფებზე, როგორც ბოტიჩელმა დაწერა თავისი "მოძღვრების თაყვანისცემა": ირგვლივ ბევრი წყალი იყო, მაგრამ ტყე არასაკმარისი. ისინი ტილოზე ზეთის საღებავებით ხატავდნენ და ამით უფრო ჰგავდნენ თანამედროვე მხატვრებს, ვიდრე სხვა რენესანსის მხატვრებს.

ვენეციელ მხატვრებს მეცნიერებისადმი მაგარი დამოკიდებულება ჰქონდათ. ისინი არ გამოირჩეოდნენ თავიანთი ნიჭის მრავალფეროვნებით, იცოდნენ მხოლოდ ერთი რამ - მხატვრობა. მაგრამ ისინი საოცრად ხალისიანები იყვნენ და სიამოვნებით გადასცემდნენ ტილოებს ყველაფერს, რაც თვალს ახარებდა: ვენეციური არქიტექტურა, არხები, ხიდები და ნავები გონდოლიერებით, მშფოთვარე პეიზაჟი. ჯოვანი ბელინი, ცნობილი მხატვარი თავის დროზე ქალაქში, დაინტერესდა, ვაზარის თქმით, პორტრეტის მხატვრობით და ისე აინფიცირებდა თანამოქალაქეებს ამით, რომ ყველა ვენეციელი, ვინც რაიმე მნიშვნელოვან პოზიციას მიაღწია, ჩქარობდა მისი პორტრეტის შეკვეთას. და მისმა ძმამ ჯენტილმა, სავარაუდოდ, შეარყია თურქი სულთანი ცხოვრებიდან დახატვით: როდესაც მან დაინახა თავისი "მეორე მე", სულთანმა ეს სასწაულად ჩათვალა. ტიციანმა მრავალი პორტრეტი დახატა. ცოცხალი ხალხი უფრო საინტერესო იყო ვენეციის მხატვრებისთვის, ვიდრე იდეალური გმირები.

ის ფაქტი, რომ ვენეციას ინოვაციებით აგვიანებდა, მიზანშეწონილი აღმოჩნდა. სწორედ მან შეინარჩუნა, როგორც შეეძლო, იტალიური რენესანსის მიღწევები იმ წლებში, როდესაც ის სხვა ქალაქებში გაქრა. ვენეციური ფერწერის სკოლა გახდა ხიდი რენესანსსა და ხელოვნებას შორის, რომელმაც შეცვალა იგი.

დეტალები კატეგორია: რენესანსის (რენესანსის) სახვითი ხელოვნება და არქიტექტურა გამოქვეყნებულია 07.08.2014 11:19 ნახვები: 6847

ვენეციური მხატვრობის სკოლის მემკვიდრეობა წარმოადგენს ყველაზე ნათელ გვერდს იტალიური რენესანსის ისტორიაში.

ვენეცია ​​იტალიური კულტურის ერთ-ერთი წამყვანი ცენტრი იყო. იგი ითვლება ერთ-ერთ მთავარ იტალიურ ფერწერულ სკოლად. ვენეციური სკოლის აყვავების ხანა თარიღდება მე-15-16 საუკუნეებით.
რას ნიშნავს სახელი "ვენეციის სკოლა"?
იმ დროს ვენეციაში ბევრი იტალიელი მხატვარი მუშაობდა, ერთიანი საერთო მხატვრული პრინციპებით. ეს პრინციპები არის ნათელი კოლორისტული ტექნიკა, ზეთის მხატვრობის პლასტიურობის ოსტატობა, ბუნების სიცოცხლის დამადასტურებელი მნიშვნელობის დანახვის უნარი და თავად ცხოვრება მის ყველაზე მშვენიერ გამოვლინებებში. ვენეციელებს ახასიათებთ ყველაფრის უნიკალური გემოვნება, აღქმის ემოციური სიმდიდრე და სამყაროს ფიზიკური, მატერიალური მრავალფეროვნებით აღფრთოვანება. იმ დროს, როდესაც დაქუცმაცებული იტალია ჩხუბის შედეგად დაიშალა, ვენეცია ​​აყვავდა და წყნარად მიცურავდა წყლების გლუვ ზედაპირზე და საცხოვრებელ სივრცეს, თითქოს ვერ ამჩნევდა არსებობის სირთულეს ან ბევრს არ ფიქრობდა მასზე, განსხვავებით მაღალი რენესანსისგან, რომლის შემოქმედება იყო. იკვებებოდა ფიქრებითა და რთული ქვესტებით.
ვენეციური მხატვრობის სკოლის საკმაოდ გამოჩენილი წარმომადგენლები არიან: პაოლო ვენეციანო, ლორენცო ვენეციანო, დონატო ვენეციანო, კატარინო ვენეზიანო, ნიკოლო სემიტეკოლო, იაკობელო ალბერენიო, ნიკოლო დი პიეტრო, იაკობელო დელ ფიორე, ჯაკოპო ბელინი, ბარტოლომე ვივარინი. ბელინი, ჯოვანი ბელინი, ჯაკომეტო ვენეციანო, კარლო კრიველი, ვიტორიო კრიველი, ალვისე ვივარინი, ლაზარო ბასტიანი, კარპაჩო, ციმა და კონელიანო, ფრანჩესკო დი სიმონე და სანტაკროსი, ტიციანი, ჯორჯონე, პალმა ვეკიო, ჟამო ტილო, ლორენცობასტიო , პაოლო ვერონეზე.
მოდით ვისაუბროთ მხოლოდ რამდენიმე მათგანზე.

პაოლო ვენეზიანო (1333 წლამდე - 1358 წლის შემდეგ)

პაოლო ვენეზიანო „მადონა და ბავშვი“ (1354), ლუვრი
იგი ითვლება ვენეციური ხელოვნების სკოლის ერთ-ერთ დამაარსებლად. პაოლო ვენეზიანოს ოჯახში ყველა მხატვარი იყო: მამა და მისი ვაჟები: მარკო, ლუკა და ჯოვანი.

პაოლო ვენეზიანოს ნამუშევრები კვლავ შეიცავს ბიზანტიური მხატვრობის თავისებურებებს: ოქროს ფონს და ნათელ ფერებს, მოგვიანებით კი - გოთური სტილის თავისებურებებს.
მხატვარმა შექმნა საკუთარი სამხატვრო სახელოსნო, რომელშიც ძირითადად მოზაიკაზე მუშაობდა, საკათედრო ტაძრების ამშვენებს. მხატვრის ბოლო ხელმოწერილი ნამუშევარია კორონაციის სამსხვერპლო.

ტიციანი (1488/1490-1576)

ტიციანი "ავტოპორტრეტი" (დაახლოებით 1567)
ტიციან ვეჩელიო არის იტალიელი რენესანსის მხატვარი. ხატავდა ნახატებს ბიბლიურ და მითოლოგიურ თემებზე, ასევე პორტრეტებს. უკვე 30 წლის ასაკში ცნობილი იყო, როგორც ვენეციის საუკეთესო მხატვარი.
ტიციანი დაიბადა სახელმწიფო და სამხედრო ლიდერის გრეგორიო ვესელიოს ოჯახში. მისი დაბადების ზუსტი თარიღი უცნობია.
10 თუ 12 წლის ასაკში ტიციანი ჩავიდა ვენეციაში, სადაც შეხვდა ვენეციური სკოლის წარმომადგენლებს და მათთან ერთად სწავლობდა. ტიციანის პირველი სამუშაოები, რომლებიც ჯორჯიონესთან ერთად შესრულდა, იყო ფრესკები Fondaco dei Tedeschi-ში, რომელთაგან მხოლოდ ფრაგმენტებია შემორჩენილი.
ტიციანის იმდროინდელი სტილი ძალიან ჰგავს ჯორჯონის სტილს, მან დაასრულა მისთვის დაუმთავრებელი ნახატებიც კი (ჯორჯიონი ახალგაზრდა გარდაიცვალა ვენეციაში მძვინვარებული ჭირისგან).
ტიციანმა დახატა მრავალი ქალის პორტრეტი და მადონას გამოსახულება. ისინი სავსეა სიცოცხლისუნარიანობით, გრძნობების სიკაშკაშით და მშვიდი სიხარულით. საღებავები სუფთაა და ფერით სავსე. იმ დროის ცნობილი ნახატები: "ბოშა მადონა" (დაახლოებით 1511), "მიწიერი სიყვარული და ზეციური სიყვარული" (1514), "ქალი სარკეთი" (დაახლოებით 1514).

ტიციანი "მიწიერი სიყვარული და ზეციური სიყვარული". ზეთი ტილოზე, 118x279 სმ. Boghese Gallery, რომი
ეს ნახატი ვენეციის რესპუბლიკის ათთა საბჭოს მდივანმა ნიკოლო აურელიომ შეუკვეთა, როგორც მისი საქორწილო საჩუქარი თავის საცოლეს. ნახატის თანამედროვე სახელის გამოყენება 200 წლის შემდეგ დაიწყო, მანამდე კი მას სხვადასხვა სახელები ჰქონდა. ხელოვნებათმცოდნეებს არ აქვთ ერთსულოვანი აზრი სიუჟეტის შესახებ. მზის ჩასვლის პეიზაჟის ფონზე წყაროსთან სხედან მდიდრულად ჩაცმული ვენეციელი ქალი, რომელსაც მარცხენა ხელით მანდოლინა უჭირავს და შიშველი ვენერა, რომელსაც ცეცხლის თასი უჭირავს. ფრთიანი კუპიდონი წყალს თამაშობს. ამ სურათში ყველაფერი ექვემდებარება ყოვლისშემძლე სიყვარულისა და სილამაზის გრძნობას.
ტიციანის სტილი თანდათან განვითარდა, როდესაც მან შეისწავლა რენესანსის დიდი ოსტატების რაფაელის და მიქელანჯელოს ნამუშევრები. მისმა პორტრეტულმა ხელოვნებამ პიკს მიაღწია: ის იყო ძალიან გამჭრიახი და იცოდა როგორ დაენახა და გამოესახა ხალხის პერსონაჟების წინააღმდეგობრივი თვისებები: თავდაჯერებულობა, სიამაყე და ღირსება, შერწყმული ეჭვთან, თვალთმაქცობასთან და მოტყუებასთან. მან იცოდა როგორ ეპოვა სწორი კომპოზიციური გამოსავალი, პოზა, სახის გამომეტყველება, მოძრაობა, ჟესტი. მან შექმნა მრავალი ნახატი ბიბლიურ თემებზე.

ტიციანი „აჰა კაცი“ (1543). ტილო, ზეთი. 242x361 სმ Kunsthistorisches Museum, ვენა
ეს ნახატი ტიციანის შედევრად ითვლება. ის დაწერილია სახარების ნაკვეთზე, მაგრამ მხატვარი ოსტატურად გადმოსცემს სახარებისეულ მოვლენებს რეალობაში. პილატე კიბის კიბეებზე დგას და სიტყვებით „აჰა, კაცი“, ღალატობს ქრისტეს, რათა ნაწილებად გაანადგუროს ბრბო, რომელშიც შედიან კეთილშობილი ოჯახის მეომრები და ახალგაზრდები, ცხენოსნები და ბავშვებთან ერთად ქალები. და მხოლოდ ერთი ადამიანი ხვდება იმის საშინელებას, რაც ხდება - ახალგაზრდა მამაკაცი სურათის ქვედა მარცხენა კუთხეში. მაგრამ ის არაფერია მათ წინაშე, ვისაც ახლა ძალაუფლება აქვს ქრისტეზე...
სიცოცხლის ბოლოს ტიციანმა შეიმუშავა ხატვის ახალი ტექნიკა. ფუნჯით, სპატულით და თითებით ტილოზე საღებავები წაისვა. მხატვრის უახლესი შედევრები მოიცავს ნახატებს "Entombment" (1559), "ხარება" (დაახლოებით 1564-1566), "ვენერას თვალდახუჭული კუპიდონი" (დაახლოებით 1560-1565), "ჯვრის ტარება" (1560-იანი წლები), "ტარკინი და ლუკრეცია". " (1569-1571), "წმ. სებასტიანი“ (დაახლოებით 1570), „ეკლის გვირგვინი“ (დაახლოებით 1572-1576 წწ.), „პიეტა“ (1570-იანი წლების შუა ხანები).
ნახატზე „პიეტა“ გამოსახულია ღვთისმშობელი, რომელიც მხარს უჭერს ქრისტეს სხეულს დაჩოქილი ნიკოდიმოსის დახმარებით. მათ მარცხნივ დგას მარიამ მაგდალინელი. ეს ფიგურები ქმნიან სრულყოფილ სამკუთხედს. ნახატი "პიეტა" მხატვრის ბოლო ნამუშევრად ითვლება. ის დაასრულა ჯაკომო პალმა უმცროსმა. ითვლება, რომ ტიციანმა გამოსახა თავი ნიკოდემოსის გამოსახულებით.

ტიციანი „პიეტა“ (1575-1576 წწ.). ტილო, ზეთი. 389x351 სმ აკადემიის გალერეა, ვენეცია
1575 წელს ვენეციაში ჭირის ეპიდემია დაიწყო. 1576 წლის 27 აგვისტოს ტიციანი, რომელიც შვილით დაინფიცირდა, გარდაიცვალა. ის იატაკზე მკვდარი იპოვეს ფუნჯით ხელში.
კანონი აწესებდა, რომ ჭირით დაღუპულთა ცხედრები უნდა დაეწვათ, მაგრამ ტიციანი დაკრძალეს სანტა მარია გლორიოსა დეი ფრარის ვენეციურ ტაძარში.
მის საფლავზე ამოკვეთილია სიტყვები: ”აქ დევს დიდი ტიციან ვეჩელი -
ზევსისა და აპელეს მეტოქე"

ჯორჯიონე (1476/1477-1510)

ჯორჯიონე "ავტოპორტრეტი" (1500-1510)
ვენეციური ფერწერის სკოლის კიდევ ერთი წარმომადგენელი; მაღალი რენესანსის ერთ-ერთი უდიდესი ოსტატი.
მისი სრული სახელია Giorgio Barbarelli da Castelfranco, ვენეციის მახლობლად მდებარე პატარა ქალაქის სახელის მიხედვით. ის იყო ჯოვანი ბელინის სტუდენტი. ის იყო პირველი იტალიელი მხატვრებიდან, ვინც პეიზაჟი, ლამაზი და პოეტური, შემოიტანა რელიგიურ, მითოლოგიურ და ისტორიულ ნახატებში. ის ძირითადად ვენეციაში მუშაობდა: აქ ხატავდა საკურთხევლის გამოსახულებებს, ატარებდა მრავალრიცხოვან პორტრეტულ შეკვეთებს და თავისი ნახატებით იმდროინდელი ჩვეულებისამებრ ამშვენებდა ზარდახშაებს, ყუთებსა და სახლის ფასადებს. გარდაიცვალა ჭირით.
მისი ნამუშევარი გამოირჩევა სინათლისა და ფერის ოსტატურად ოსტატობით, ფერთა გლუვი გადასვლების შესრულებისა და საგნების რბილი კონტურების შექმნის უნარით. მიუხედავად იმისა, რომ ის ძალიან ახალგაზრდა გარდაიცვალა, ბევრი ცნობილი ვენეციელი მხატვარი ითვლება მის სტუდენტად, მათ შორის ტიციანი.
"ჯუდიტი" ითვლება ჯორჯონის ერთ-ერთ ყველაზე ცნობილ ნახატად. სხვათა შორის, ეს მხატვრის ერთადერთი ნახატია, რომელიც მდებარეობს რუსეთში.

ჯორჯიონე "ჯუდიტი" (დაახლოებით 1504 წ.). ტილო (თარგმნილია დაფიდან), ზეთი. 144x68 სმ სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმი, სანკტ-პეტერბურგი
სახვითი ხელოვნების მრავალი ნამუშევარი, რომელიც ეფუძნება ბიბლიურ შეთქმულებას ჯუდიტისა და ჰოლოფერნესის ისტორიის თემაზე. გენერალი ჰოლოფერნე, ნაბუქოდონოსორის არმიის მეთაური, შეასრულა მისი ბრძანება „შურისძიება მთელ დედამიწაზე“. მესოპოტამიაში მან გაანადგურა ყველა ქალაქი, გადაწვა მთელი მოსავალი და მოკლა კაცები, შემდეგ კი ალყა შემოარტყა პატარა ქალაქ ბეთულიას, სადაც ცხოვრობდა ახალგაზრდა ქვრივი ჯუდიტი. იგი შეიპარა ასურეთის ბანაკში და აცდუნა ჰოლოფერნე და როცა სარდალს ჩაეძინა, თავი მოიჭრა. ბელადის გარეშე ჯარმა წინააღმდეგობა ვერ გაუწია ვეტილუის მცხოვრებლებს და გაიფანტა. ჯუდიტმა მიიღო ჰოლოფერნესის კარავი და მთელი მისი ჭურჭელი ტროფეის სახით და ბეთულიაში შევიდა ტრიუმფალურად.
ჯორჯიონემ შექმნა არა სისხლიანი, არამედ მშვიდობიანი სურათი: ჯუდიტს მარჯვენა ხელში ხმალი უჭირავს და მარცხენათი დაბალ პარაპეტს ეყრდნობა. მისი მარცხენა ფეხი ჰოლოფერნესის თავზე ეყრდნობა. შორიდან იხსნება მშვიდობიანი პეიზაჟი, რომელიც სიმბოლოა ბუნების ჰარმონიაზე.

ტინტორეტო (1518/19-1594)

ტინტორეტო "ავტოპორტრეტი"

მისი ნამდვილი სახელია ჯაკოპო რობუსტი. ის იყო გვიანი რენესანსის ვენეციური სკოლის მხატვარი.
იგი დაიბადა ვენეციაში და პროფესიით მიიღო მეტსახელი Tintoretto (პატარა მღებავი) მამისგან, რომელიც იყო მღებავი (tintore). მან ადრევე აღმოაჩინა ხატვის უნარი. გარკვეული პერიოდი იყო ტიციანის სტუდენტი.
მისი შემოქმედების გამორჩეული თვისებები იყო კომპოზიციის ცოცხალი დრამატურგია, ნახატის სითამამე, თავისებური ფერწერულობა სინათლისა და ჩრდილების განაწილებაში, ფერების სითბო და სიმტკიცე. ის იყო გულუხვი და არასასურველი, შეეძლო ამხანაგებისთვის უსასყიდლოდ ემუშავა და აენაზღაურებინა მხოლოდ საღებავის ღირებულება.
მაგრამ ზოგჯერ მისი ნამუშევარი ახასიათებდა აჩქარებას, რაც აიხსნება შეკვეთების დიდი რაოდენობით.
ტინტორეტო ძირითადად ცნობილია ისტორიული მხატვრობით, ისევე როგორც პორტრეტებით, რომელთაგან ბევრი გაოცებულია ფიგურების კომპოზიციით, ექსპრესიულობითა და ფერების ძალით.
ტინტორეტომ თავისი მხატვრული ნიჭი შვილებს გადასცა: მისი ქალიშვილი მარიეტა რობუსტი (1560-1590) წარმატებით ეწეოდა პორტრეტს. ვაჟი, დომენიკო რობუსტი (1562-1637), ასევე იყო მხატვარი, გამოცდილი პორტრეტისტი.

ტინტორეტო "უკანასკნელი ვახშამი" (1592-1594). ტილო, ზეთი. 365x568 სმ.სან ჯორჯო მაგჯორეს ეკლესია, ვენეცია
ნახატი სპეციალურად იქნა დახატული სან-ჯორჯო მაჯორე ვენეციის ეკლესიისთვის, სადაც ის დღემდეა შემორჩენილი. ნახატის თამამმა კომპოზიციამ ხელი შეუწყო მიწიერი და ღვთაებრივი დეტალების ოსტატურად გამოსახვას. ტილოს თემაა სახარებისეული მომენტი, როდესაც ქრისტე პურს ამტვრევს და წარმოთქვამს სიტყვებს: „ეს არის ჩემი სხეული“. მოქმედება ხდება ღარიბ ტავერნაში, მისი სივრცე ბინდიშია ჩაძირული და გრძელი მაგიდის წყალობით უსაზღვრო ჩანს. მხატვარი მიმართავს კონტრასტის ტექნიკას: წინა პლანზე მარჯვნივ არის რამდენიმე ობიექტი და ფიგურა, რომელიც არ არის დაკავშირებული სიუჟეტთან, ხოლო ტილოს ზედა ნაწილი გამსჭვალულია ღრმა სულიერებითა და მისტიკური მღელვარებით.
საოცრებას არ ჩრდილავს დღესასწაულის ხილვა. ოთახი სავსეა ზებუნებრივი სინათლით, ქრისტესა და მოციქულების თავები გარშემორტყმულია მბზინავი ჰალოებით. ცხრილის დიაგონალი გამოყოფს ღვთაებრივ სამყაროს ადამიანური სამყაროსგან.
ეს ნახატი ითვლება ტინტორეტოს შემოქმედების საბოლოო ნამუშევრად. ასეთი უნარი მხოლოდ სრულწლოვან ხელოვანს აქვს.

ვენეციის ხელოვნება წარმოადგენს რენესანსის მხატვრული კულტურის პრინციპების განვითარების განსაკუთრებულ ვარიანტს და რენესანსის ხელოვნების ყველა სხვა ცენტრთან მიმართებაში იტალიაში.

ქრონოლოგიურად, რენესანსის ხელოვნება განვითარდა ვენეციაში უფრო გვიან, ვიდრე იმ ეპოქის იტალიის სხვა ძირითად ცენტრებში. იგი განვითარდა, კერძოდ, უფრო გვიან, ვიდრე ფლორენციაში და ზოგადად ტოსკანაში. ვენეციის სახვითი ხელოვნებაში რენესანსის მხატვრული კულტურის პრინციპების ჩამოყალიბება მხოლოდ მე-15 საუკუნეში დაიწყო. ამას არავითარ შემთხვევაში არ განსაზღვრავდა ვენეციის ეკონომიკური ჩამორჩენილობა. პირიქით, ვენეცია ​​ფლორენციასთან, პიზასთან, გენუასთან და მილანთან ერთად იმდროინდელი იტალიის ეკონომიკურად განვითარებული ცენტრი იყო. ეს იყო ვენეციის ადრეული ტრანსფორმაცია დიდ სავაჭრო და, უფრო მეტიც, უპირატესად სავაჭრო და არა საწარმოო ძალად, რომელიც დაიწყო მე-12 საუკუნეში და განსაკუთრებით დაჩქარდა ჯვაროსნული ლაშქრობების დროს, რაც ამ შეფერხების ბრალია.

ვენეციის კულტურა, იტალიისა და ცენტრალური ევროპის ეს ფანჯარა, "გაჭრილი" აღმოსავლეთის ქვეყნებში, მჭიდროდ იყო დაკავშირებული იმპერიული ბიზანტიური კულტურის ბრწყინვალე სიდიადესთან და საზეიმო ფუფუნებასთან და ნაწილობრივ არაბული სამყაროს დახვეწილ დეკორატიულ კულტურასთან. უკვე მე-12 საუკუნეში, ანუ ევროპაში რომაული სტილის დომინირების ეპოქაში, მდიდარი სავაჭრო რესპუბლიკა, რომელიც ქმნიდა ხელოვნებას, რომელიც ადასტურებდა მის სიმდიდრეს და ძალაუფლებას, ფართოდ მიმართა ბიზანტიის გამოცდილებას, ანუ უმდიდრეს, ყველაზე განვითარებული ქრისტიანული შუა საუკუნეების ძალაუფლება იმ დროს. არსებითად, ვენეციის მხატვრული კულტურა ჯერ კიდევ მე-14 საუკუნეში იყო მონუმენტური ბიზანტიური ხელოვნების ბრწყინვალე სადღესასწაულო ფორმების თავისებური შერწყმა, გაცოცხლებული აღმოსავლეთის ფერადი ორნამენტების გავლენით და მომწიფებული გოთური ხელოვნების დეკორატიული ელემენტების თავისებურად ელეგანტური გადახედვით. .

იტალიის სხვა რეგიონებთან შედარებით ვენეციური კულტურის დროებითი შეფერხების დამახასიათებელი მაგალითია დოჟების სასახლის არქიტექტურა (XIV საუკუნე). ფერწერაში, შუა საუკუნეების ტრადიციების უკიდურესად დამახასიათებელი სიცოცხლისუნარიანობა ნათლად აისახება მე -14 საუკუნის ბოლოს ოსტატების გვიან გოთურ ნამუშევრებში, როგორიცაა ლორენცო და სტეფანო ვენეციანო. ისინი თავს გრძნობენ მე-15 საუკუნის ისეთი მხატვრების ნამუშევრებშიც კი, რომელთა ხელოვნებას უკვე ჰქონდა სრულიად რენესანსული ხასიათი. ასეთია ბარტოლომეოს „მადონები“, ალვისე ვივარინი, ასეთია კარლო კრიველის, ადრეული რენესანსის დახვეწილი და მოხდენილი ოსტატის ნამუშევარი. მის ხელოვნებაში შუა საუკუნეების რემინისცენციები გაცილებით ძლიერად იგრძნობა, ვიდრე ტოსკანისა და უმბრიის თანამედროვე მხატვრებში. დამახასიათებელია, რომ პროტო-რენესანსული ტენდენციები, კავალინისა და ჯოტოს ხელოვნების მსგავსი, რომლებიც ასევე მუშაობდნენ ვენეციის რესპუბლიკაში (მისი ერთ-ერთი საუკეთესო ციკლი შეიქმნა პადუაში), სუსტად და სპორადულად იგრძნობოდა თავს.

მხოლოდ მე -15 საუკუნის შუა ხანებიდან შეგვიძლია ვთქვათ, რომ ვენეციური ხელოვნების საერო პოზიციებზე გადასვლის გარდაუვალი და ბუნებრივი პროცესი, რომელიც დამახასიათებელია რენესანსის მთელი მხატვრული კულტურისთვის, საბოლოოდ დაიწყო სრულად რეალიზება. ვენეციური კვატროჩენტოს ორიგინალობა ძირითადად აისახა ფერების გაზრდილი ზეიმის სურვილში, კომპოზიციაში დახვეწილი რეალიზმის თავისებური კომბინაციისთვის დეკორატიულობასთან, ლანდშაფტის ფონისადმი უფრო დიდი ინტერესით, ლანდშაფტის გარემოში, ადამიანის გარშემო; უფრო მეტიც, დამახასიათებელია, რომ ინტერესი ურბანული ლანდშაფტის მიმართ ალბათ უფრო მეტად იყო განვითარებული, ვიდრე ინტერესი ბუნებრივი ლანდშაფტის მიმართ. XV საუკუნის მეორე ნახევარში ვენეციაში ჩამოყალიბდა რენესანსის სკოლა, როგორც მნიშვნელოვანი და ორიგინალური ფენომენი, რომელმაც მნიშვნელოვანი ადგილი დაიკავა იტალიური რენესანსის ხელოვნებაში. სწორედ ამ დროს, არქაიზატორი კრიველის ხელოვნებასთან ერთად, ჩამოყალიბდა ანტონელო და მესინას შემოქმედება, რომელიც ცდილობდა სამყაროს უფრო ჰოლისტიკური, განზოგადებული აღქმისკენ, პოეტური, დეკორატიული და მონუმენტური აღქმისაკენ. ცოტა მოგვიანებით, ჯენტილ ბელინისა და კარპაჩოს ხელოვნების განვითარების უფრო ნარატიული ხაზი გაჩნდა.

ეს ბუნებრივია. მე-15 საუკუნის შუა ხანებისთვის ვენეციამ მიაღწია თავისი კომერციული და პოლიტიკური აყვავების უმაღლეს ხარისხს. კოლონიური საკუთრება "ადრიატიკის დედოფლის" სავაჭრო პუნქტში მოიცავდა არა მხოლოდ ადრიატიკის ზღვის მთელ აღმოსავლეთ სანაპიროს, არამედ ფართოდ გავრცელდა აღმოსავლეთ ხმელთაშუა ზღვაში. კვიპროსში, როდოსში, კრეტაზე, წმინდა მარკოზის ლომის დროშა ფრიალებს. ბევრი დიდგვაროვანი პატრიციული ოჯახი, რომლებიც ქმნიან ვენეციური ოლიგარქიის მმართველ ელიტას, მოქმედებენ საზღვარგარეთ, როგორც დიდი ქალაქების ან მთელი რეგიონების მმართველები. ვენეციის ფლოტი მტკიცედ უჭირავს თავის ხელში თითქმის ყველა სატრანზიტო ვაჭრობას აღმოსავლეთ და დასავლეთ ევროპას შორის.

მართალია, თურქების მიერ ბიზანტიის იმპერიის დამარცხებამ, რომელიც დასრულდა კონსტანტინოპოლის აღებით, შეარყია ვენეციის სავაჭრო პოზიცია. და მაინც, მე-15 საუკუნის მეორე ნახევარში ვენეციის დაკნინებაზე საუბარი არ შეიძლება. ვენეციური აღმოსავლეთ ვაჭრობის ზოგადი კრახი გაცილებით გვიან მოვიდა. ვენეციელმა ვაჭრებმა დიდი თანხები ჩადეს იმ დროს, ნაწილობრივ განთავისუფლდნენ სავაჭრო ბრუნვისაგან, ვენეციაში ხელოსნობისა და წარმოების განვითარებაში, ნაწილობრივ რაციონალური მეურნეობის განვითარებაში მათ საკუთრებაში, რომლებიც მდებარეობს ნახევარკუნძულის მიმდებარე ტერიტორიებზე (ა.შ. ეწოდება ტერაფერმა).

უფრო მეტიც, რესპუბლიკამ, მდიდარმა და ჯერ კიდევ სიცოცხლისუნარიანობით სავსემ, შეძლო 1509 - 1516 წლებში, აერთიანებდა იარაღის ძალას მოქნილ დიპლომატიასთან, დაეცვა თავისი დამოუკიდებლობა არაერთი ევროპული ძალების მტრულ კოალიციასთან რთულ ბრძოლაში. ამ რთული ბრძოლის შედეგის საერთო აღმავლობამ, რომელმაც დროებით გააერთიანა ვენეციური საზოგადოების ყველა ფენა, გამოიწვია გმირული ოპტიმიზმისა და მონუმენტური ზეიმის თვისებების ზრდა, რაც ასე დამახასიათებელია ვენეციის მაღალი რენესანსის ხელოვნებისთვის, დაწყებული ტიციანიდან. . იმ ფაქტმა, რომ ვენეციამ შეინარჩუნა დამოუკიდებლობა და, დიდწილად, მისი სიმდიდრე, განსაზღვრა ვენეციის რესპუბლიკაში მაღალი რენესანსის ხელოვნების აყვავების ხანა. გარდამტეხი მომენტი გვიანი რენესანსისკენ დაიწყო ვენეციაში ცოტა გვიან, ვიდრე რომსა და ფლორენციაში, კერძოდ, მე -16 საუკუნის 40-იანი წლების შუა ხანებში.

ხელოვნება

მაღალ რენესანსზე გადასვლის წინაპირობების მომწიფების პერიოდი, ისევე როგორც დანარჩენ იტალიაში, მე-15 საუკუნის დასასრულს ემთხვევა. სწორედ ამ წლებში ჯენტილ ბელინისა და კარპაჩოს ნარატიული ხელოვნების პარალელურად ჩამოყალიბდა არაერთი ოსტატის, ასე ვთქვათ, ახალი მხატვრული მიმართულების შემოქმედება: ჯოვანი ბელინისა და ციმა და კონელიანოს. მიუხედავად იმისა, რომ ისინი თითქმის ერთდროულად მუშაობენ ჯენტილ ბელინთან და კარპაჩოსთან, ისინი წარმოადგენენ ვენეციური რენესანსის ხელოვნების განვითარების ლოგიკის შემდეგ ეტაპს. ეს ის მხატვრები იყვნენ, რომელთა ხელოვნებაში ყველაზე მკაფიოდ გამოიკვეთა რენესანსის კულტურის განვითარების ახალ ეტაპზე გადასვლა. ეს განსაკუთრებით მკაფიოდ გამოიკვეთა მოწიფული ჯოვანი ბელინის ნამუშევრებში, სულ მცირე უფრო მეტად, ვიდრე მისი უმცროსი თანამედროვე ციმა და კონელიანოს ან მისი უმცროსი ძმის, ჯენტილ ბელინის ნახატებშიც კი.

ჯოვანი ბელინი (როგორც ჩანს, დაიბადა 1425 წლის შემდეგ და 1429 წლამდე; გარდაიცვალა 1516 წელს) არა მხოლოდ ავითარებს და აუმჯობესებს მისი უშუალო წინამორბედების მიერ დაგროვილ მიღწევებს, არამედ ამაღლებს ვენეციურ ხელოვნებას და, უფრო ფართოდ, აღორძინების ეპოქის კულტურას უფრო მაღალ დონეზე. . მხატვარს ახასიათებს ფორმის მონუმენტური მნიშვნელობის საოცარი გრძნობა, მისი შინაგანი ფიგურალური და ემოციური შინაარსი. მის ნახატებში ჩნდება კავშირი პეიზაჟის მიერ შექმნილ განწყობასა და კომპოზიციის პერსონაჟების ფსიქიკურ მდგომარეობას შორის, რაც ზოგადად თანამედროვე მხატვრობის ერთ-ერთი ღირსშესანიშნავი მიღწევაა. ამავე დროს, ჯოვანი ბელინის ხელოვნებაში - და ეს არის ყველაზე მთავარი - არაჩვეულებრივი ძალით ვლინდება ადამიანის პიროვნების ზნეობრივი სამყაროს მნიშვნელობა.

მისი მუშაობის ადრეულ ეტაპზე კომპოზიციის გმირები ჯერ კიდევ ძალიან სტატიკურია, ნახატი გარკვეულწილად მკაცრია, ფერების კომბინაციები თითქმის მკაცრი. მაგრამ ადამიანის სულიერი მდგომარეობის შინაგანი მნიშვნელობის განცდა, მისი შინაგანი გამოცდილების მშვენიერების გამოვლენა უკვე უზარმაზარ შთამბეჭდავ ძალას აღწევს ამ პერიოდში. ზოგადად, თანდათანობით, გარეგანი მკვეთრი ნახტომების გარეშე, ჯოვანი ბელინი, ორგანულად ავითარებს თავისი შემოქმედების ჰუმანისტურ საფუძველს, თავისუფლდება თავისი უშუალო წინამორბედებისა და თანამედროვეების ხელოვნების ნარატიული ასპექტებისგან. სიუჟეტი მის კომპოზიციებში შედარებით იშვიათად იღებს დეტალურ დრამატულ განვითარებას, მაგრამ მით უფრო ძლიერდება ფერის ემოციური ხმით, ნახატის რიტმული ექსპრესიულობით და კომპოზიციების მკაფიო სიმარტივით, ფორმის მონუმენტური მნიშვნელობით და, ბოლოს და ბოლოს, თავშეკავებული, მაგრამ შინაგანი ძალით სავსე სახის გამომეტყველებით, ვლინდება ადამიანის სულიერი სამყაროს სიდიადე.

ბელინის ინტერესი განათების პრობლემისადმი, ადამიანის ფიგურების მათ ბუნებრივ გარემოსთან კავშირის პრობლემისადმი, ასევე განსაზღვრა მისი ინტერესი ჰოლანდიური რენესანსის ოსტატების მიღწევებით (მახასიათებელი, რომელიც ზოგადად დამახასიათებელია იტალიის ჩრდილოეთის ხელოვნების მრავალი მხატვრისთვის. XV საუკუნის მეორე ნახევრის). თუმცა, ფორმის მკაფიო პლასტიურობა, ლტოლვა ადამიანის გამოსახულების მონუმენტური მნიშვნელობისადმი მისი ინტერპრეტაციის მთელი ბუნებრივი სიცოცხლისუნარიანობით - მაგალითად, "თასის ლოცვა" - განსაზღვრავს გადამწყვეტ განსხვავებას ბელინის, როგორც ოსტატის შორის. იტალიური რენესანსი თავისი გმირული ჰუმანიზმით ჩრდილოეთ რენესანსის მხატვრებისგან, თუმცა მისი ადრეულ პერიოდში შემოქმედებით საქმიანობაში მხატვარი მიმართა ჩრდილოელებს, უფრო სწორედ ნიდერლანდებს, ხანდახან ხაზგასმული ფსიქოლოგიური და ნარატიული ხასიათის მოსაძებნად. გამოსახულების („პიეტა“ ბერგამოდან, დაახლოებით 1450 წ.). ვენეციელთა შემოქმედებითი გზის თავისებურება მანტეგნასთან და ჩრდილოეთის ოსტატებთან შედარებით ნათლად გამოიხატება მის „მადონაში ბერძნული წარწერით“ (1470-იანი წლები, მილანი, ბრერა). სევდიანად ჩაფიქრებული მარიამის ეს სურათი, რომელიც სათუთად მოეხვია სევდიან ჩვილს, რომელიც ბუნდოვნად მოგვაგონებს ხატს, ასევე საუბრობს სხვა ტრადიციაზე, საიდანაც ოსტატი ამახვილებს - ბიზანტიური და, უფრო ფართოდ, მთელი ევროპული შუა საუკუნეების მხატვრობის ტრადიციაზე. თუმცა, აბსტრაქტული აქ გადამწყვეტია ხატის წრფივი რითმებისა და ფერთა აკორდების სულიერება, თავშეკავებული და მკაცრი გამომსახველობით, ფერთა ურთიერთმიმართება სასიცოცხლოდ სპეციფიკურია. ფერები მართალია, სამგანზომილებიანი მოდელირებული ფორმის ძლიერი ქანდაკება ძალიან რეალურია. სილუეტის რიტმების საოცრად მკაფიო სევდა განუყოფელია თავად ფიგურების მოძრაობის თავშეკავებული სასიცოცხლო ექსპრესიულობისგან, ცოცხალი ადამიანისგან და არა აბსტრაქტული სპირიტუალისტური გამოხატვისა მარიამის სევდიანი, სევდიანი და გააზრებული სახისგან, სევდიანი სინაზესგან. ბავშვის ფართოდ გახელილი თვალები. პოეტურად შთაგონებული, ღრმად ადამიანური და არა მისტიკურად გარდაქმნილი გრძნობა გამოიხატება ამ მარტივ და მოკრძალებულ კომპოზიციაში.

1480-იან წლებში ჯოვანი ბელინიმ გადამწყვეტი ნაბიჯი გადადგა თავის შემოქმედებაში და გახდა მაღალი რენესანსის ხელოვნების ერთ-ერთი ფუძემდებელი. მოწიფული ჯოვანი ბელინის ხელოვნების ორიგინალურობა ნათლად ჩანს, როდესაც შევადარებთ მის "ფერისცვალებას" (1480-იანი წლები) მის ადრეულ "ფერისცვალებას" (ვენეცია, კორერის მუზეუმი). კორერის მუზეუმის „ფერისცვალებაში“ ქრისტესა და წინასწარმეტყველთა ხისტად დახატული ფიგურები განლაგებულია პატარა კლდეზე, რომელიც მოგვაგონებს როგორც ძეგლის დიდ კვარცხლბეკს, ასევე საკულტო „კიბეს“. მოძრაობებით გარკვეულწილად კუთხოვანი ფიგურები, რომლებშიც სასიცოცხლო ხასიათის ერთიანობა და ჟესტის პოეტური ამაღლება ჯერ არ არის მიღწეული, გამოირჩევიან სტერეოსკოპიული ბუნებით. სამგანზომილებიანი მოდელირებული ფიგურების მსუბუქი და ცივად გამჭვირვალე, თითქმის მოციმციმე ფერები გარშემორტყმულია ცივად გამჭვირვალე ატმოსფეროთი. თავად ფიგურები, მიუხედავად ფერადი ჩრდილების თამამი გამოყენებისა, მაინც გამოირჩევიან განათების მონოქრომატული ერთგვაროვნებით და გარკვეული სტატიკური ხარისხით.

ჯოვანი ბელინისა და ციმა და კონელიანოს ხელოვნების შემდეგ შემდეგი ეტაპი იყო ვენეციური სკოლის პირველი ოსტატის ჯორჯიონის შემოქმედება, რომელიც მთლიანად ეკუთვნოდა მაღალ რენესანსს. ჯორჯო ბარბარელი დელ კასტელფრანკო (1477/78 - 1510), მეტსახელად ჯორჯიონე, იყო ჯოვანი ბელინის უმცროსი თანამედროვე და სტუდენტი. ჯორჯიონე, ლეონარდო და ვინჩის მსგავსად, ავლენს სულიერად მდიდარი და ფიზიკურად სრულყოფილი ადამიანის დახვეწილ ჰარმონიას. ლეონარდოს მსგავსად, ჯორჯონის შემოქმედება გამოირჩევა ღრმა ინტელექტუალიზმითა და ერთი შეხედვით კრისტალური ინტელექტით. მაგრამ ლეონარდოსგან განსხვავებით, რომლის ხელოვნების ღრმა ლირიზმი ძალიან ფარულია და, როგორც იქნა, ექვემდებარება რაციონალური ინტელექტუალიზმის პათოსს, ჯორჯონეში ლირიკული პრინციპი, რაციონალურ პრინციპთან მკაფიო თანხმობით, თავს უფრო პირდაპირ და თანადგომას ხდის. უფრო დიდი ძალა.

ჯორჯონის ნახატებში ბუნება და ბუნებრივი გარემო იწყებს უფრო მნიშვნელოვან როლს, ვიდრე ბელინისა და ლეონარდოს ნამუშევრებში.

თუ ჯერ ვერ ვიტყვით, რომ ჯორჯონი ასახავს ერთიან ჰაეროვან გარემოს, რომელიც აკავშირებს ლანდშაფტის ფიგურებსა და ობიექტებს ერთ მთლიანობაში, მაშინ ჩვენ, ნებისმიერ შემთხვევაში, გვაქვს უფლება განვაცხადოთ, რომ ფიგურული ემოციური ატმოსფერო, რომელშიც გმირები და ბუნება ცხოვრობს ჯორჯიონეში ატმოსფერო უკვე ოპტიკურად საერთოა როგორც სურათის ფონისთვის, ასევე პერსონაჟებისთვის. ფიგურების ბუნებრივ გარემოში შემოტანისა და ბელინისა და ლეონარდოს გამოცდილების ხელახალი დნობის რაღაც ორგანულად ახალში - „ქართველში“ უნიკალური მაგალითია მისი ნახატი „წმინდა ელიზაბეტ ჩვილი იოანესთან“, რომელშიც განსაკუთრებული, გარკვეულწილად. კრისტალურად სუფთა და მაგარი ატმოსფერო ძალზე დახვეწილად არის გადმოცემული გრაფიკის საშუალებით, რაც თანდაყოლილია ჯორჯონის შემოქმედებაში.

თავად ჯორჯონის ან მისი წრის რამდენიმე ნამუშევარი დღემდეა შემორჩენილი. რიგი ატრიბუტები საკამათოა. თუმცა უნდა აღინიშნოს, რომ 1958 წელს ვენეციაში გამართულმა ჯორჯონისა და ჯორჯიონესკების ნამუშევრების პირველმა სრულმა გამოფენამ შესაძლებელი გახადა არა მხოლოდ რამდენიმე განმარტების შეტანა ოსტატის ნამუშევრების სპექტრში, არამედ მიეწერა არაერთი ადრე საკამათო ნაწარმოები ჯორჯიონეს და დაეხმარა ზოგადად მისი შემოქმედების ხასიათის უფრო სრულად და ნათლად წარმოჩენას.

ჯორჯონის შედარებით ადრეული ნამუშევრები, შესრულებული 1505 წლამდე, მოიცავს მის თაყვანისცემას მწყემსების შესახებ ვაშინგტონის მუზეუმიდან და მოგვების თაყვანისცემა ლონდონის ეროვნული გალერეიდან. „მოძღვრების თაყვანისცემაში“ (ლონდონი), მიუხედავად ნახატის ცნობილი ფრაგმენტაციისა და ფერის აბსოლუტური სიმკაცრისა, უკვე იგრძნობა ოსტატის ინტერესი გმირების შინაგანი სულიერი სამყაროს გადმოცემით. ჯორჯონის შემოქმედების საწყისი პერიოდი მთავრდება მისი შესანიშნავი კომპოზიციით "Madonna of Castelfranco" (დაახლოებით 1504, Castelfranco, Cathedral).

1505 წელს დაიწყო მხატვრის შემოქმედებითი სიმწიფის პერიოდი, რომელიც მალევე შეწყდა მისმა ფატალურმა ავადმყოფობამ. ამ მოკლე ხუთი წლის განმავლობაში შეიქმნა მისი მთავარი შედევრები: "ჯუდიტი", "ჭექა-ქუხილი", "მძინარე ვენერა", "კონცერტი" და რამდენიმე პორტრეტი. სწორედ ამ ნამუშევრებში ვლინდება ზეთის მხატვრობის განსაკუთრებული კოლორისტული და ფიგურალურად გამოხატული შესაძლებლობების ოსტატობა, რომელიც თან ახლავს ვენეციური სკოლის დიდ მხატვრებს. უნდა ითქვას, რომ ვენეციელები, რომლებიც არ იყვნენ ზეთის შეღებვის ტექნიკის პირველი შემქმნელები და გამავრცელებლები, ფაქტობრივად იყვნენ პირველთა შორის, ვინც გამოავლინა ზეთის საღებავის სპეციფიკური შესაძლებლობები და მახასიათებლები.

უნდა აღინიშნოს, რომ ვენეციური სკოლის დამახასიათებელი ნიშნები იყო სწორედ ზეთის მხატვრობის გაბატონებული განვითარება და ფრესკული მხატვრობის გაცილებით სუსტი განვითარება. შუა საუკუნეების სისტემიდან მონუმენტური მხატვრობის რენესანსის რეალისტურ სისტემაზე გადასვლისას, ვენეციელებმა, ბუნებრივია, ისევე როგორც ხალხთა უმეტესობამ, რომლებიც შუა საუკუნეებიდან გადავიდნენ მხატვრული კულტურის განვითარების რენესანსის ეტაპზე, თითქმის მთლიანად მიატოვეს მოზაიკა. მისი სულ უფრო ბრწყინვალე და დეკორატიული ფერი სრულად ვეღარ აკმაყოფილებდა ახალ მხატვრულ მიზნებს. რა თქმა უნდა, მოზაიკის ტექნიკის გამოყენება გაგრძელდა, მაგრამ მისი როლი სულ უფრო ნაკლებად შესამჩნევი ხდებოდა. მოზაიკის ტექნიკის გამოყენებით, ჯერ კიდევ რენესანსში იყო შესაძლებელი შედეგების მიღწევა, რომელიც შედარებით აკმაყოფილებდა იმ დროის ესთეტიკურ მოთხოვნებს. მაგრამ ზუსტად მოზაიკის სმალტის სპეციფიკური თვისებები, მისი ცალსახად ხმოვანი ბზინვარება, სიურეალისტური ბზინვარება და ამავდროულად მთლიანი ეფექტის გაზრდილი დეკორატიულობა სრულად ვერ იქნა გამოყენებული ახალი მხატვრული იდეალის პირობებში. მართალია, ცისფერთვალება მოციმციმე მოზაიკის ნახატის გაზრდილმა შუქმა, თუმცა გარდაიქმნა, ირიბად, გავლენა მოახდინა ვენეციის რენესანსის მხატვრობაზე, რომელიც ყოველთვის მიზიდული იყო ხმოვანი სიცხადისა და ფერების კაშკაშა სიმდიდრისკენ. მაგრამ სწორედ ის სტილისტური სისტემა, რომელთანაც დაკავშირებული იყო მოზაიკა და, შესაბამისად, მისი ტექნიკა, გარკვეული გამონაკლისების გარდა, უნდა დაეტოვებინა დიდი მონუმენტური მხატვრობის სფერო. თავად მოზაიკის ტექნიკა, რომელიც ახლა უფრო ხშირად გამოიყენება უფრო სპეციფიკური და ვიწრო მიზნებისთვის, უფრო დეკორატიული და გამოყენებითი ხასიათისაა, ვენეციელებმა არ დაივიწყეს. უფრო მეტიც, ვენეციური მოზაიკის სახელოსნოები იყო ერთ-ერთი იმ ცენტრებიდან, რომლებმაც ჩვენს დროში მოიტანეს მოზაიკის ტექნიკის ტრადიციები, კერძოდ, სმალტი.

ვიტრაჟის მხატვრობამ ასევე შეინარჩუნა გარკვეული მნიშვნელობა თავისი "ნათელობის" გამო, თუმცა უნდა ვაღიაროთ, რომ მას არასოდეს ჰქონია ისეთი მნიშვნელობა არც ვენეციაში და არც იტალიაში, როგორც მთლიანობაში, როგორც საფრანგეთისა და გერმანიის გოთურ კულტურაში. შუასაუკუნეების ვიტრაჟის მხატვრობის ხედვითი ბრწყინვალების რენესანსის პლასტიკური გადახედვის იდეა მოცემულია მოჩეტოს "წმინდა გიორგი" (16 საუკუნე) სან ჯოვანი ე პაოლოს ეკლესიაში.

ზოგადად, რენესანსის ხელოვნებაში მონუმენტური მხატვრობის განვითარება ხდებოდა ან ფრესკული მხატვრობის ფორმით, ან ტემპერატის ნაწილობრივი განვითარების საფუძველზე და ძირითადად ზეთის მხატვრობის მონუმენტურ და დეკორატიულ გამოყენებაზე (კედლის პანელები). ).

ფრესკო არის ტექნიკა, რომლითაც შეიქმნა ისეთი შედევრები, როგორიცაა მასაჩიოს ციკლი, რაფაელის სტროფები და მიქელანჯელოს სიქსტის კაპელას ნახატები ადრეულ და მაღალ რენესანსში. მაგრამ ვენეციურ კლიმატში მან აჩვენა თავისი არასტაბილურობა ძალიან ადრე და არ იყო გავრცელებული მე -16 საუკუნეში. ამრიგად, გერმანული ეზოს "Fondaco dei Tedeschi" (1508) ფრესკები, რომლებიც შესრულებულია ჯორჯონის მიერ ახალგაზრდა ტიციანის მონაწილეობით, თითქმის მთლიანად განადგურდა. შემორჩენილია მხოლოდ რამდენიმე ნახევრად გაცვეთილი ფრაგმენტი, გაფუჭებული ნესტისგან, მათ შორის ჟორჟონეს მიერ შესრულებული შიშველი ქალის ფიგურა, რომელიც სავსეა თითქმის პრაქსიტელეური ხიბლით. ამიტომ კედლის მხატვრობის ადგილი, ამ სიტყვის სწორი მნიშვნელობით, დაიკავა ტილოზე გაფორმებული კედლის პანელი, რომელიც განკუთვნილია კონკრეტული ოთახისთვის და შესრულებულია ზეთის მხატვრობის ტექნიკით.

ზეთის მხატვრობამ განსაკუთრებით ფართო და მდიდარი განვითარება მიიღო ვენეციაში, თუმცა არა მხოლოდ იმიტომ, რომ ყველაზე მოსახერხებელი ჩანდა ფრესკების შესაცვლელად ტენიან კლიმატზე ადაპტირებული სხვა მხატვრობის ტექნიკით, არამედ იმის გამო, რომ მჭიდრო კავშირში პიროვნების გამოსახულების გადმოცემის სურვილი. მის ირგვლივ არსებულ ბუნებრივ გარემოში, ხილული სამყაროს ტონალური და კოლორისტული სიმდიდრის რეალისტური განსახიერებისადმი ინტერესი გამოიკვეთა განსაკუთრებული სისრულით და მოქნილობით სწორედ ზეთის მხატვრობის ტექნიკაში. ამ მხრივ, სასიამოვნოა თავისი დიდი ფერის ინტენსივობით და აშკარად მბზინავი ჟღერადობით, მაგრამ უფრო დეკორატიული ბუნებით, დაფებზე ტემპერამენტის მხატვრობა დაზგური კომპოზიციებით, ბუნებრივად უნდა დაუთმოს ზეთს და ზეთის მხატვრობით ტემპერას ჩანაცვლების ეს პროცესი განსაკუთრებით თანმიმდევრულად განხორციელდა ვენეცია. არ უნდა დაგვავიწყდეს, რომ ვენეციელი მხატვრებისთვის ზეთის მხატვრობის განსაკუთრებით ღირებული თვისება იყო მისი უნარი უფრო მოქნილად, ვიდრე ტემპერა და ფრესკა, გადმოსცენ ადამიანის გარემოს ღია ფერისა და სივრცითი ჩრდილები, რბილად და რბილად. ხმით გამოძერწავს ადამიანის სხეულის ფორმას. ჯორჯიონისთვის, რომელიც შედარებით ცოტა მუშაობდა დიდი მონუმენტური კომპოზიციების სფეროში (მისი ნახატები ძირითადად ან დაზგური იყო, ან მონუმენტური იყო მათი საერთო ჟღერადობით, მაგრამ არ იყო დაკავშირებული გარემომცველი არქიტექტურული ინტერიერის კომპოზიციების სტრუქტურასთან), ეს შესაძლებლობები თანდაყოლილია. ზეთის მხატვრობაში განსაკუთრებით ღირებული იყო. დამახასიათებელია, რომ ფორმის რბილი ქანდაკება ქიაროსკუროსთანაც თან ახლავს მის ნახატებს.

ადამიანის შინაგანი სულიერი სამყაროს იდუმალი სირთულის განცდა, რომელიც იმალება მისი კეთილშობილური გარეგნობის ერთი შეხედვით მკაფიო გამჭვირვალე სილამაზის მიღმა, თავის გამოხატულებას პოულობს ცნობილ „ჯუდიტში“ (1504 წლამდე, ლენინგრადი, ერმიტაჟი). "ჯუდიტი" ფორმალურად არის კომპოზიცია ბიბლიურ თემაზე. უფრო მეტიც, მრავალი კვატროცენტისტის ნახატებისგან განსხვავებით, ეს არის კომპოზიცია თემაზე და არა ბიბლიური ტექსტის ილუსტრაცია. მაშასადამე, ოსტატი არ ასახავს რაიმე კულმინაციურ მომენტს მოვლენის განვითარების თვალსაზრისით, როგორც ამას ჩვეულებრივ აკეთებდნენ კვატროჩენტოს ოსტატები (ჯუდიტი ხმლით ურტყამს ჰოლოფერნსს ან მის მოკვეთილ თავს მოახლესთან ერთად ატარებს).

მზის ჩასვლამდე მშვიდი პეიზაჟის ფონზე, მუხის ხის ჩრდილში, მოხდენილი ჯუდიტი დგას და ჩაფიქრებული ეყრდნობა ბალუსტრადას. მისი ფიგურის გლუვ სინაზეს ეწინააღმდეგება ძლიერი ხის მასიური ტოტი. ტანსაცმელი რბილი ალისფერია და გაჟღენთილია ნაკეცების მოუსვენარი, გატეხილი რიტმით, თითქოს შორეული ექო გადამდები ქარის. ხელში უჭირავს დიდი ორლესლიანი ხმალი, მისი წვერი მიწაზეა დაყრდნობილი, რომლის ცივი ბზინვარება და სისწორე კონტრასტულად ხაზს უსვამს ნახევრად შიშველი ფეხის მოქნილობას, რომელიც თელავს ჰოლოფერნეს თავს. ჯუდითის სახეზე აურზაური ნახევრად ღიმილი სრიალებს. ეს კომპოზიცია, როგორც ჩანს, გადმოსცემს ახალგაზრდა ქალის იმიჯის მთელ ხიბლს, ცივად მშვენიერს, რომელსაც ეხმიანება, როგორც ერთგვარი მუსიკალური აკომპანიმენტი, ირგვლივ მშვიდი ბუნების რბილი სიცხადით. ამავდროულად, ხმლის ცივი დანა, მოტივის მოულოდნელი სისასტიკე - ნაზი შიშველი ფეხი, რომელიც თელავს ჰოლოფერნეს მკვდარ თავს - ბუნდოვანი შფოთვისა და მოუსვენრობის განცდას შემოაქვს ამ ერთი შეხედვით ჰარმონიულ, თითქმის იდილიური განწყობის სურათში.

ზოგადად, დომინანტურ მოტივად, რა თქმა უნდა, რჩება მეოცნებე განწყობის ნათელი და მშვიდი სიწმინდე. თუმცა, გამოსახულების ნეტარების და ხმლის მოტივის იდუმალი სისასტიკით შეთავსებამ, ამ ორმაგი განწყობის თითქმის რებუსის მსგავსმა სირთულემ შეიძლება თანამედროვე მაყურებელი გარკვეულ დაბნეულობაში ჩააგდოს.

მაგრამ ჯორჯონის თანამედროვეებს აშკარად ნაკლებად აოცებდა კონტრასტის სისასტიკით (რენესანსის ჰუმანიზმი არასდროს გამოირჩეოდა ზედმეტი მგრძნობელობით), ვიდრე იზიდავდა შორეული ქარიშხლებისა და დრამატული კონფლიქტების გამოძახილების ის დახვეწილი გადმოცემა, რომლის ფონზეც დახვეწილი ჰარმონიის შეძენა. მეოცნებე მეოცნებე სილამაზის მდგომარეობა განსაკუთრებით მწვავედ იგრძნობოდა ადამიანის სულს.

ლიტერატურაში ზოგჯერ არის მცდელობა, რომ ჯორჯონის ხელოვნების მნიშვნელობა იმდროინდელ ვენეციაში მხოლოდ პატარა, ჰუმანისტურად განმანათლებლური პატრიციული ელიტის იდეალების გამოხატვამდე დაიყვანონ. თუმცა, ეს არ არის მთლიანად სიმართლე, უფრო სწორად, არა მხოლოდ ასე. ჯორჯონის ხელოვნების ობიექტური შინაარსი განუზომლად უფრო ფართო და უნივერსალურია, ვიდრე იმ ვიწრო სოციალური ფენის სულიერი სამყარო, რომელთანაც უშუალოდ არის დაკავშირებული მისი შემოქმედება. ადამიანის სულის დახვეწილი კეთილშობილების განცდას, გარემოსთან, გარემომცველ სამყაროსთან ჰარმონიაში მცხოვრები ადამიანის ლამაზი გამოსახულების იდეალური სრულყოფის სურვილს, ასევე დიდი საერთო პროგრესული მნიშვნელობა ჰქონდა კულტურის განვითარებისთვის.

როგორც აღვნიშნეთ, პორტრეტის სიმკვეთრისადმი ინტერესი არ არის დამახასიათებელი ჯორჯონის შემოქმედებისთვის. ეს საერთოდ არ ნიშნავს იმას, რომ მისი პერსონაჟები, ისევე როგორც კლასიკური ანტიკური ხელოვნების გამოსახულებები, მოკლებულია რაიმე სპეციფიკურ ინდივიდუალურ იდენტობას. მისი მოგვები ადრეულ „მოთა თაყვანისცემაში“ და ფილოსოფოსები „სამ ფილოსოფოსში“ (დაახლ. 1508, ვენა, Kunsthistorisches Museum) ერთმანეთისგან განსხვავდებიან არა მხოლოდ ასაკით, არამედ გარეგნობით, ხასიათით. თუმცა, ისინი და განსაკუთრებით „სამი ფილოსოფოსი“, გამოსახულებების ყველა ინდივიდუალური განსხვავებებით, აღიქმება ჩვენ მიერ, პირველ რიგში, არა იმდენად, როგორც უნიკალურ, კაშკაშა პორტრეტით დახასიათებულ პიროვნებებად, და მით უმეტეს, როგორც სამი საუკუნის გამოსახულება (ა. ახალგაზრდა კაცი, მოწიფული ქმარი და მოხუცი), მაგრამ როგორც ადამიანის სულის სხვადასხვა ასპექტის, სხვადასხვა ასპექტის განსახიერება. არ არის შემთხვევითი და ნაწილობრივ გამართლებული, რომ სამ მეცნიერში ნახვის სურვილი სიბრძნის სამი ასპექტის განსახიერება: აღმოსავლური ავეროიზმის ჰუმანისტური მისტიკა (კაცი ტურბანში), არისტოტელიზმი (მოხუცი) და მხატვრის თანამედროვე ჰუმანიზმი. (ახალგაზრდა კაცი ცნობისმოყვარეობით უყურებს სამყაროს). სავსებით შესაძლებელია, რომ ჯორჯიონემ ეს მნიშვნელობა მის მიერ შექმნილ სურათშიც ჩადო.

მაგრამ ადამიანური შინაარსი, სურათის სამი გმირის სულიერი სამყაროს რთული სიმდიდრე უფრო ფართო და მდიდარია, ვიდრე მათი ნებისმიერი ცალმხრივი ინტერპრეტაცია.

არსებითად, პირველი ასეთი შედარება რენესანსის განვითარებადი მხატვრული სისტემის ფარგლებში განხორციელდა ჯოტოს ხელოვნებაში - მის ფრესკაში "იუდას კოცნა". თუმცა, იქ ქრისტესა და იუდას შედარება ძალიან მკაფიოდ იკითხებოდა, რადგან ის ასოცირდებოდა იმ დროს საყოველთაოდ ცნობილ რელიგიურ ლეგენდასთან და ამ წინააღმდეგობას სიკეთისა და ბოროტების ღრმა, შეურიგებელი კონფლიქტის ხასიათი აქვს. იუდას ბოროტად მზაკვრული და თვალთმაქცური სახე მოქმედებს როგორც ქრისტეს კეთილშობილი, ამაღლებული და მკაცრი სახის ანტიპოდი. ამ ორი სურათის კონფლიქტს, სიუჟეტის სიცხადის წყალობით, აქვს უზარმაზარი პირდაპირ აღქმული ეთიკური შინაარსი. მორალური და ეთიკური (უფრო ზუსტად, ზნეობრივი და ეთიკური ერთიანობით) უპირატესობა, უფრო მეტიც, ჩვენთვის უდავოდ ნათელია ქრისტეს მორალური გამარჯვება იუდაზე ამ კონფლიქტში.

ჯორჯიონეში, კეთილშობილური ქმრის გარეგნულად მშვიდი, მოდუნებული, არისტოკრატული ფიგურის შედარება და გარკვეულწილად ბოროტი და ძირეული პერსონაჟის ფიგურა, რომელიც მასზე დამოკიდებული პოზიციას იკავებს, არავითარ შემთხვევაში არ არის დაკავშირებული კონფლიქტურ სიტუაციასთან. გმირებისა და მათი ბრძოლის აშკარა წინააღმდეგობრივი შეურიგებლობა, რაც ასეთ ტრაგიკულ მნიშვნელობას ანიჭებს ქვეწარმავალ იუდასა და ქრისტეს ჯოტოში, რომელიც შეკრიბა ქვეწარმავლის კოცნით, მშვენიერი მშვიდად მკაცრი სულიერებით ( ცნობისმოყვარეა, რომ იუდას ჩახუტება, რომელიც ასახავს მოძღვრისთვის ჯვრის წამებას, ეხმიანება მარიამის ელიზაბეთთან შეხვედრის კომპოზიციურ მოტივს, რომელიც ჯოტოს მიერ იყო შეტანილი ქრისტეს ცხოვრების ზოგად ციკლში და მაუწყებლობს შესახებ. მესიის მომავალი დაბადება.).

აშკარად ჩაფიქრებული და ჰარმონიული თავისი ფარული სირთულეებითა და საიდუმლოებით, ჯორჯონის ხელოვნება უცხოა ღია შეტაკებებისა და პერსონაჟების ბრძოლებისთვის. და შემთხვევითი არ არის, რომ ჯორჯიონე ვერ აცნობიერებს მის მიერ გამოსახულ მოტივში მიმალულ დრამატულ და კონფლიქტურ შესაძლებლობებს.

ეს არის მისი განსხვავება არა მხოლოდ ჯოტოსგან, არამედ მისი ბრწყინვალე მოწაფე ტიციანისგანაც, რომელიც თავისი ჯერ კიდევ გმირულად მხიარული შემოქმედების პირველი აყვავების დროს, თუმცა ჯოტოსგან განსხვავებულად, ჩასწვდა თავის "კეისრის დენარიუსს", ასე ვთქვათ. , ქრისტეს ფიზიკური და სულიერი კეთილშობილების ესთეტიკური კონტრასტის ეთიკური მნიშვნელობა ფარისევლის ხასიათის ფუძესა და უხეში ძალასთან. ამავდროულად, უაღრესად ინსტრუქციულია, რომ ტიციანი ასევე მიმართავს სახარების ცნობილ ეპიზოდს, რომელიც ხაზგასმით ეწინააღმდეგება თავად სიუჟეტის ბუნებას, ხსნის ამ თემას, ბუნებრივია, რაციონალური და ჰარმონიული ნების აბსოლუტური გამარჯვების თვალსაზრისით. ადამიანი, რომელიც აქ განასახიერებს რენესანსულ და ჰუმანისტურ იდეალს საკუთარ საპირისპიროზე.

ჯორჯონის პორტრეტულ ნამუშევრებს რომ მივმართოთ, უნდა ვაღიაროთ, რომ მისი შემოქმედებითი პერიოდის ერთ-ერთი ყველაზე დამახასიათებელი პორტრეტია მშვენიერი "ანტონიო ბროკარდოს პორტრეტი" (დაახლოებით 1508 - 1510, ბუდაპეშტი, სახვითი ხელოვნების მუზეუმი). ის, რა თქმა უნდა, ზუსტად გადმოსცემს კეთილშობილი ჭაბუკის ინდივიდუალურ პორტრეტულ მახასიათებლებს, მაგრამ ისინი აშკარად შერბილებულია და თითქოს სრულყოფილი კაცის გამოსახულებაშია ნაქსოვი.

ახალგაზრდა მამაკაცის ხელის მოდუნებული, თავისუფალი მოძრაობა, ენერგია იგრძნო სხეულში, ნახევრად დამალული თავისუფლად ფართო ხალათების ქვეშ, ფერმკრთალი მუქი სახის კეთილშობილური სილამაზე, თავშეკავებული ბუნებრიობა, რომელიც მჯდომია ძლიერ, წვრილ კისერზე. ელასტიურად გამოკვეთილი პირის კონტურის სილამაზე, შორს და გვერდით ვიღაცის დაფიქრებული მეოცნებე, მაყურებლის მზერით - ეს ყველაფერი ქმნის კეთილშობილური ძალით აღსავსე ადამიანის გამოსახულებას, ნათელ, მშვიდ და ღრმა ფიქრებში. . ყურის ნაზი მრუდი უძრავი წყლებით, მდუმარე მთიანი ნაპირი საზეიმოდ მშვიდი შენობებით ქმნის ლანდშაფტის ფონს ( ნახატის ჩაბნელებული ფონის გამო რეპროდუქციებში ლანდშაფტი არ გამოირჩევა.), რომელიც, როგორც ყოველთვის ჟორჟონესთან, ერთხმად არ იმეორებს მთავარი ფიგურის რიტმს და განწყობას, მაგრამ, როგორც იქნა, ირიბად თანხმოვანია ამ განწყობასთან.

სახისა და ხელის შავ-თეთრი ქანდაკების სირბილე გარკვეულწილად ლეონარდოს სფუმატოს მოგვაგონებს. ლეონარდომ და ჯორჯიონემ ერთდროულად გადაჭრეს ადამიანის სხეულის ფორმების პლასტიკურად გამჭვირვალე არქიტექტონიკის შერწყმის პრობლემა მათი შერბილებული მოდელირებით, რაც შესაძლებელს ხდის მისი პლასტმასის და მსუბუქი და ჩრდილების მთელი სიმდიდრის გადმოცემას - ასე ვთქვათ, ძალიან ” ადამიანის სხეულის სუნთქვა. თუ ლეონარდოში ეს უფრო მსუბუქი და სიბნელის გრადაციაა, ფორმის საუკეთესო დაჩრდილვა, მაშინ ჯორჯიონეში სფუმატო განსაკუთრებული ხასიათი აქვს - ეს ჰგავს ადამიანის სხეულის მოცულობების მოდელირებას რბილი სინათლის ფართო ნაკადით.

ჯორჯონის პორტრეტები იწყება განვითარების შესანიშნავი ხაზი მაღალი რენესანსის ვენეციურ პორტრეტებში. ჯორჯონის პორტრეტის მახასიათებლებს კიდევ უფრო განავითარებდა ტიციანი, რომელსაც, თუმცა, ჯორჯონესგან განსხვავებით, გაცილებით მკვეთრი და ძლიერი გრძნობა ჰქონდა გამოსახული ადამიანის პერსონაჟის ინდივიდუალური უნიკალურობისა და სამყაროს უფრო დინამიური აღქმის შესახებ.

ჯორჯონის შემოქმედება მთავრდება ორი ნაწარმოებით - „მძინარე ვენერა“ (დაახლ. 1508 - 1510, დრეზდენი, სამხატვრო გალერეა) და ლუვრის „კონცერტი“ (1508 წ.). ეს ნახატები დაუმთავრებელი დარჩა და მათში ლანდშაფტის ფონი დაასრულა ჯორჯონის უმცროსმა მეგობარმა და სტუდენტმა, დიდმა ტიციანმა. გარდა ამისა, „მძინარე ვენერამ“ დაკარგა თავისი თვალწარმტაცი თვისებები არაერთი დაზიანებებისა და წარუმატებელი რესტავრაციის გამო. მაგრამ, როგორც არ უნდა იყოს, სწორედ ამ ნაწარმოებში გამოიკვეთა ადამიანის ფიზიკური და სულიერი სილამაზის ერთიანობის იდეალი დიდი ჰუმანისტური სისრულით და თითქმის უძველესი სიცხადით.

წყნარ ძილში ჩაძირული შიშველი ვენერა ჯორჯიონეს მიერ გამოსახულია სოფლის პეიზაჟის ფონზე, ბორცვების მშვიდი, ნაზი რიტმი მის გამოსახულებასთან ასეთ ჰარმონიაშია. მოღრუბლული დღის ატმოსფერო არბილებს ყველა კონტურს და ამავდროულად ინარჩუნებს ფორმების პლასტიკურ ექსპრესიულობას. დამახასიათებელია, რომ აქ კვლავ ჩნდება სპეციფიკური ურთიერთობა ფიგურასა და ფონს შორის, გაგებული, როგორც გმირის სულიერი მდგომარეობის ერთგვარი თანხლება. შემთხვევითი არ არის, რომ ბორცვების ინტენსიურად მშვიდი რიტმი, პეიზაჟში შერწყმული მდელოებისა და საძოვრების ფართო რიტმებთან, თავისებურად თანხმოვან კონტრასტში შედის სხეულის კონტურების რბილ, წაგრძელებულ სიგლუვესთან, რაც თავის მხრივ კონტრასტულად არის ხაზგასმული. ქსოვილის მოუსვენარი რბილი ნაკეცები, რომლებზეც შიშველი ვენერა ეყრდნობა. მიუხედავად იმისა, რომ ლანდშაფტი დაასრულა არა თავად ჯორჯონემ, არამედ ტიციანმა, მთლიანობაში სურათის ფიგურალური სტრუქტურის ერთიანობა უდავოდ ემყარება იმ ფაქტს, რომ ლანდშაფტი არ არის მხოლოდ ვენერას გამოსახულებასთან უნისონში და არ არის გულგრილად დაკავშირებული. მას, მაგრამ არის იმ რთულ ურთიერთობაში, რომელშიც ხაზი გვხვდება მომღერლის მუსიკალურ მელოდიებში და მის თანმხლებ კონტრასტულ გუნდში. ჯორჯიონე „ადამიანი-ბუნება“ ურთიერთობის სფეროში გადასცემს გადაწყვეტილების პრინციპს, რომელსაც კლასიკური პერიოდის ბერძნები იყენებდნენ თავიანთ ქანდაკებებში, გვიჩვენებს ურთიერთობას სხეულის სიცოცხლესა და მასზე გადაყრილი მსუბუქი ტანსაცმლის ფარდებს შორის. იქ ფარდების რიტმი იყო, თითქოს, ექო, ადამიანის სხეულის სიცოცხლისა და მოძრაობის გამოძახილი, რომელიც თავის მოძრაობაში ემორჩილებოდა ამავე დროს მისი ინერტული არსების განსხვავებულ ბუნებას, ვიდრე ელასტიურ-ცოცხალ ბუნებას. სუსტი ადამიანის სხეული. ასე რომ, ჩვენს წელთაღრიცხვამდე V - IV სს. ე. გამოვლინდა რიტმი, რომელიც ეწინააღმდეგებოდა თავად სხეულის მკაფიო, ელასტიურად „მომრგვალებულ“ პლასტიურობას.

მაღალი რენესანსის სხვა ქმნილებების მსგავსად, ჯორჯონის ვენერა თავისი სრულყოფილი სილამაზით დახურულია და, როგორც ეს იყო, „გაუცხოებული“ და ამავე დროს „ურთიერთდაკავშირებული“ როგორც მაყურებელთან, ასევე გარემომცველი ბუნების მუსიკასთან, თანხმოვანი. მისი სილამაზე. შემთხვევითი არ არის, რომ იგი ჩაეფლო მშვიდი ძილის ნათელ ოცნებებში. თავის უკან გადაგდებული მარჯვენა ხელი ქმნის ერთ რიტმულ მრუდს, ფარავს სხეულს და ხურავს ყველა ფორმას ერთ გლუვ კონტურში.

მშვიდად მსუბუქი შუბლი, მშვიდად თაღოვანი წარბები, რბილად ჩამოშვებული ქუთუთოები და ლამაზი, მკაცრი პირი ქმნის სიტყვებით აღუწერელ გამჭვირვალე სიწმინდის გამოსახულებას.

ყველაფერი სავსეა იმ კრისტალური გამჭვირვალობით, რაც მიიღწევა მხოლოდ მაშინ, როცა ნათელი, დაუბნელებელი სული ცხოვრობს სრულყოფილ სხეულში.

"კონცერტი" ასახავს მშვიდი საზეიმო პეიზაჟის ფონზე, ორ ახალგაზრდა მამაკაცს ბრწყინვალე ტანსაცმელში და ორ შიშველ ქალს, რომლებიც ქმნიან შემთხვევით თავისუფალ ჯგუფს. ხეების მომრგვალებული გვირგვინები, ტენიანი ღრუბლების მშვიდად ნელი მოძრაობა საოცარ ჰარმონიაშია ახალგაზრდების ტანსაცმლის თავისუფალ, ფართო რიტმებთან და მოძრაობებთან, შიშველი ქალების მდიდრულ სილამაზესთან. დროთა განმავლობაში ჩაბნელებულმა ლაქმა ნახატს თბილი, თითქმის ცხელი ოქროსფერი ფერი მისცა. სინამდვილეში, მისი ნახატი თავდაპირველად გამოირჩეოდა საერთო ტონის ბალანსით. ეს მიიღწევა თავშეკავებული ცივი და ზომიერად თბილი ტონების ზუსტი და დახვეწილი ჰარმონიული შეხამებით. მთლიანი ტონის დახვეწილმა და რთულმა, რბილმა ნეიტრალიტეტმა, რომელიც ზუსტად აღბეჭდილი კონტრასტებით არის შეძენილი, შექმნა არა მხოლოდ ჯორჯონის დამახასიათებელი ერთიანობა ჩრდილების დახვეწილ დიფერენციაციასა და კოლორისტული მთლიანის მშვიდი სიცხადეს შორის, არამედ გარკვეულწილად შეარბილა ეს მხიარულად სენსუალური ჰიმნი. ცხოვრების აყვავებულ სილამაზესა და სიამოვნებას, რაც სურათზეა გამოსახული.

ჯორჯონის სხვა ნაწარმოებებზე მეტად, კონცერტი თითქოს ამზადებს ტიციანის გარეგნობას. ამავე დროს, ჯორჯონის ამ გვიანდელი ნაწარმოების მნიშვნელობა არა მხოლოდ მის, ასე ვთქვათ, მოსამზადებელ როლშია, არამედ იმაში, რომ ის კიდევ ერთხელ ავლენს, რომელიც მომავალში არავის გაუმეორებს, მისი შემოქმედების თავისებურ ხიბლს. პიროვნება. არსებობის სენსუალური სიხარული ტიციანში ასევე ჟღერს ადამიანის ბედნიერების ნათელ და აღფრთოვანებულ ჰიმნად, სიამოვნების მის ბუნებრივ უფლებაზე. ჯორჯიონეში მოტივის სენსუალური სიხარული არბილებს მეოცნებე ჭვრეტას, ექვემდებარება ცხოვრების ჰოლისტიკური ხედვის მკაფიო, განათლებულ, გაწონასწორებულ ჰარმონიას.