იაპონური მხატვრობა ხელოვნების უძველესი ფორმაა. იაპონიის მხატვრები - უძველესი დროიდან დღემდე

ჰოკუსაიმ, მე-18 საუკუნის იაპონელმა მხატვარმა, შექმნა თავბრუდამხვევი ნამუშევრები. ჰოკუსაი მუშაობდა სიბერემდე და უცვლელად ამტკიცებდა, რომ „ყველაფერი, რასაც აკეთებდა 70 წლამდე, არ იყო ღირებული და ყურადღების ღირსი“.

ალბათ ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარი მსოფლიოში, ის ყოველთვის გამოირჩეოდა თავისი თანამემამულეებისგან ყოველდღიური ცხოვრებისადმი ინტერესით. გლამურული გეიშების და გმირული სამურაების გამოსახვის ნაცვლად, ჰოკუსაი ხატავდა მუშებს, მეთევზეებს და ქალაქური ჟანრის სცენებს, რომლებიც ჯერ კიდევ არ იყო იაპონური ხელოვნების ინტერესის საგანი. კომპოზიციისადმი ევროპული მიდგომაც გამოიჩინა.

აქ მოცემულია ძირითადი ტერმინების მოკლე სია, რომელიც დაგეხმარებათ ჰოკუსაის ნამუშევრებში ოდნავ ნავიგაციაში.

1 Ukiyo-e არის პრინტები და ნახატები, რომლებიც პოპულარულია იაპონიაში 1600-დან 1800-იან წლებამდე. მოძრაობა იაპონურ სახვით ხელოვნებაში, რომელიც განვითარდა ედოს პერიოდიდან. ეს ტერმინი მომდინარეობს სიტყვიდან "ukyo", რაც ნიშნავს "ცვალებადი სამყაროს". უიკიე არის მინიშნება მზარდი ვაჭრების კლასის ჰედონისტური სიხარულის შესახებ. ამ მიმართულებით ჰოკუსაი ყველაზე ცნობილი მხატვარია.

ჰოკუსაი მთელი ცხოვრების განმავლობაში იყენებდა მინიმუმ ოცდაათი ფსევდონიმს. იმისდა მიუხედავად, რომ ფსევდონიმების გამოყენება ჩვეულებრივი პრაქტიკა იყო იმდროინდელ იაპონელ მხატვრებს შორის, მან ფსევდონიმების რაოდენობით მნიშვნელოვნად გადააჭარბა სხვა მთავარ ავტორებს. ჰოკუსაის ფსევდონიმებს ხშირად იყენებენ მისი მუშაობის ეტაპების პერიოდიზაციისთვის.

2 ედო პერიოდი იაპონიის ისტორიაში 1603-დან 1868 წლამდე პერიოდია, როდესაც აღინიშნა ეკონომიკური ზრდა და ახალი ინტერესი ხელოვნებისა და კულტურის მიმართ.

3 შუნრო ჰოკუსაის პირველი მეტსახელია.

4 შუნგა სიტყვასიტყვით ნიშნავს "გაზაფხულის სურათს", ხოლო "გაზაფხული" არის იაპონური ჟარგონი სექსისთვის. ამრიგად, ეს არის ეროტიკული ხასიათის გრავიურები. ისინი შექმნეს ყველაზე პატივცემულმა მხატვრებმა, მათ შორის ჰოკუსაიმ.

5 სურიმონო. უახლესმა "სურიმონომ", როგორც ამ საბაჟო პრინტებს უწოდეს, დიდი წარმატება იყო. განსხვავებით ukiyo-e პრინტებისგან, რომლებიც განკუთვნილი იყო მასობრივი აუდიტორიისთვის, სურიმონო იშვიათად იყიდებოდა ფართო საზოგადოებაში.

6 მთა ფუჯი სიმეტრიული მთაა, რომელიც ყველაზე მაღალია იაპონიაში. წლების განმავლობაში მან შთააგონა მრავალი მხატვარი და პოეტი, მათ შორის ჰოკუსაი, რომელმაც გამოაქვეყნა ukiyo-e სერია ფუჯის მთის ოცდათექვსმეტი ხედები. ეს სერია მოიცავს ჰოკუსაის ყველაზე ცნობილ ანაბეჭდებს.

7 იაპონიზმი არის ხანგრძლივი გავლენა, რომელიც ჰოკუსაიმ მოახდინა დასავლელი მხატვრების შემდგომ თაობებზე. იაპონიზმი არის სტილი, რომელიც შთაგონებულია ukiyo-e პრინტების ცოცხალი ფერებით, პერსპექტივის ნაკლებობით და კომპოზიციური ექსპერიმენტებით.

გამარჯობა, ძვირფასო მკითხველებო - ცოდნისა და სიმართლის მაძიებლებო!

იაპონელ მხატვრებს აქვთ უნიკალური სტილი, რომელიც დახვეწილია ოსტატების მთელი თაობის მიერ. დღეს ვისაუბრებთ იაპონური მხატვრობის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენლებზე და მათ ნახატებზე, უძველესი დროიდან თანამედროვეობამდე.

აბა, მოდით ჩავუღრმავდეთ ამომავალი მზის ქვეყნის ხელოვნებას.

ხელოვნების დაბადება

იაპონიაში მხატვრობის უძველესი ხელოვნება უპირველეს ყოვლისა ასოცირდება დამწერლობის თავისებურებებთან და ამიტომ აგებულია კალიგრაფიის საფუძვლებზე. პირველი ნიმუშები მოიცავს გათხრების დროს აღმოჩენილი ბრინჯაოს ზარების, ჭურჭლისა და საყოფაცხოვრებო ნივთების ფრაგმენტებს. ბევრი მათგანი შეღებილი იყო ბუნებრივი საღებავებით და კვლევები გვაძლევს საფუძველს ვიფიქროთ, რომ პროდუქტები დამზადდა 300 წელზე ადრე.

ხელოვნების განვითარების ახალი რაუნდი დაიწყო იაპონიაში ჩასვლით. ბუდისტური პანთეონის ღვთაებების გამოსახულებები, მასწავლებლისა და მისი მიმდევრების ცხოვრებიდან სცენები გამოყენებული იყო ემაკიმონოზე - სპეციალური ქაღალდის გრაგნილები.

მხატვრობაში რელიგიური თემების გაბატონება შეიძლება შუა საუკუნეების იაპონიაში, კერძოდ, მე-10-მე-15 საუკუნეებში. იმ ეპოქის ხელოვანთა სახელები, სამწუხაროდ, დღემდე არ შემორჩენილა.

XV-XVIII საუკუნეების პერიოდში დაიწყო ახალი დრო, რომელიც ხასიათდება განვითარებული ინდივიდუალური სტილის მქონე მხატვრების გაჩენით. მათ გამოკვეთეს სახვითი ხელოვნების შემდგომი განვითარების ვექტორი.

წარსულის ნათელი წარმომადგენლები

დაძაბული Xubun (მე-15 საუკუნის დასაწყისი)

იმისათვის, რომ გამხდარიყო გამოჩენილი ოსტატი, სიუბუნმა შეისწავლა ჩინეთის სიმღერის შემსრულებლების წერის ტექნიკა და მათი ნამუშევრები. შემდგომში იგი გახდა იაპონიაში მხატვრობის ერთ-ერთი ფუძემდებელი და სუმი-ე-ს შემქმნელი.

Sumi-e არის ხელოვნების სტილი, რომელიც დაფუძნებულია მელნით ნახატზე, რაც ნიშნავს ერთ ფერს.

სიუბუნმა ბევრი რამ გააკეთა იმისთვის, რომ ახალი სტილი დაემკვიდრებინა მხატვრულ წრეებში, მან ასწავლა ხელოვნება სხვა ნიჭიერებს, მათ შორის მომავალ ცნობილ მხატვრებს, მაგალითად სეშუს.

Xiubun-ის ყველაზე პოპულარულ ნახატს ჰქვია "კითხვა ბამბუკის ჭალებში".

"კითხვა ბამბუკის გროვში" დაძაბული Xubun

ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)

ის გახდა საკუთარი თავის სახელობის სკოლის – ჰასეგავას შემქმნელი. თავიდან ის ცდილობდა კანოს სკოლის კანონებს მიჰყოლოდა, მაგრამ თანდათან მის ნამუშევრებში დაიწყო მისი ინდივიდუალური „ხელწერა“. Tohaku ხელმძღვანელობდა Sesshu გრაფიკით.

ნამუშევრების საფუძველი იყო მარტივი, ლაკონური, მაგრამ რეალისტური პეიზაჟები მარტივი სათაურებით:

• "ფიჭვები";
• "ნეკერჩხალი";
• "ფიჭვი და აყვავებული მცენარეები."

ჰასეგავა ტოჰაკუს "ფიჭვები".

ძმები ოგატა კორინი (1658-1716) და ოგატა კენზანი (1663-1743)

ძმები მე-18 საუკუნის შესანიშნავი ხელოსნები იყვნენ. უფროსმა, ოგატა კორინმა, მთლიანად მიუძღვნა მხატვრობას და დააარსა რიმპას ჟანრი. ის გაურბოდა სტერეოტიპულ სურათებს, ამჯობინებდა იმპრესიონისტულ ჟანრს.

ოგატა კორინმა დახატა ბუნება ზოგადად და ყვავილები განსაკუთრებით ნათელი აბსტრაქციების სახით. მისი ფუნჯები ეკუთვნის ნახატებს:

• "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი";
• "მაცუშიმას ტალღები";
• "ქრიზანთემები".

ოგატა კორინის "მაცუშიმას ტალღები".

უმცროს ძმას, ოგატა კენზანს, ბევრი ფსევდონიმი ჰქონდა. მიუხედავად იმისა, რომ იგი მხატვრობით იყო დაკავებული, ის უფრო ცნობილი კერამიკოსი იყო.

ოგატა კენზანი დაეუფლა კერამიკის შექმნის ბევრ ტექნიკას. იგი გამოირჩეოდა არასტანდარტული მიდგომით, მაგალითად, კვადრატის სახით ქმნიდა ფირფიტებს.

საკუთარი მხატვრობა არ გამოირჩეოდა ბრწყინვალებით - ეს იყო მისი თავისებურებაც. მას უყვარდა გრაგნილის მსგავსი კალიგრაფიის ან პოეზიის ნაწყვეტების გამოყენება თავის ნივთებზე. ხანდახან ძმასთან ერთად მუშაობდნენ.

კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)

მან შექმნა უკიიო-ე სტილში - ერთგვარი ხის კვეთა, სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, გრავიურა. მთელი თავისი კარიერის განმავლობაში მან 30-მდე სახელი შეცვალა. მისი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარია "დიდი ტალღა კანაგავადან", რომლის წყალობითაც იგი ცნობილი გახდა სამშობლოს ფარგლებს გარეთ.

ჰოკუსაი კაცუშიკას "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა".

ჰოკუსაიმ განსაკუთრებით მძიმე შრომა დაიწყო 60 წლის შემდეგ, რამაც კარგი შედეგი მოიტანა. ვან გოგი, მონე და რენუარი იცნობდნენ მის შემოქმედებას და გარკვეულწილად მან გავლენა მოახდინა ევროპელი ოსტატების მუშაობაზე.

ანდო ჰიროშიგე (1791-1858)

მე-19 საუკუნის ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარი. იგი დაიბადა, ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა ედოში, განაგრძო ჰოკუსაის მოღვაწეობა და შთაგონებული იყო მისი ნამუშევრებით. ის, თუ როგორ ასახავდა ბუნებას, თითქმის ისეთივე შთამბეჭდავია, როგორც თავად ნამუშევრების რაოდენობა.

ედო ტოკიოს ყოფილი სახელია.

აქ არის რამდენიმე ფიგურა მისი ნამუშევრის შესახებ, რომლებიც წარმოდგენილია ნახატების სერიით:

• 5,5 ათასი – ყველა გრავიურის რაოდენობა;
• „ედოს 100 ხედვა;
• „ფუჯის 36 ხედი“;
• "კისოკაიდოს 69 სადგური";
• "ტოკაიდოს 53 სადგური."

ანდო ჰიროშიგეს ნახატი

საინტერესოა, რომ გამოჩენილმა ვან გოგმა დახატა მისი გრავიურების რამდენიმე ეგზემპლარი.

თანამედროვეობა

ტაკაში მურაკამი

მხატვარი, მოქანდაკე, ტანსაცმლის დიზაინერი, მან სახელი უკვე მე-20 საუკუნის ბოლოს მოიპოვა. თავის ნამუშევრებში ის მიჰყვება მოდის ტენდენციებს კლასიკური ელემენტებით და შთაგონებას ანიმე და მანგას მულტფილმებიდან იღებს.

ტაკაში მურაკამის ნახატი

ტაკაში მურაკამის ნამუშევრები განიხილება სუბკულტურად, მაგრამ ამავე დროს ისინი წარმოუდგენლად პოპულარულია. მაგალითად, 2008 წელს მისი ერთ-ერთი ნამუშევარი აუქციონზე 15 მილიონ დოლარად იყიდეს. ერთ დროს თანამედროვე შემოქმედი მოდის სახლებთან Marc Jacobs და Louis Vuitton-თან ერთად მუშაობდა.

მშვიდი აშიმა

წინა მხატვრის კოლეგა, ის ქმნის თანამედროვე სიურეალისტურ ნახატებს. ისინი ასახავს ქალაქების ხედებს, მეგაპოლისების ქუჩებს და არსებებს, თითქოს სხვა სამყაროდან - მოჩვენებები, ბოროტი სულები, უცხო გოგონები. ნახატების ფონზე ხშირად შეგიძლიათ შეამჩნიოთ ხელუხლებელი, ზოგჯერ შემაშინებელი ბუნებაც.

მისი ნახატები დიდ ზომებს აღწევს და იშვიათად შემოიფარგლება ქაღალდის მედიით. ისინი გადაეცემა ტყავის და პლასტმასის მასალებს.

2006 წელს, ბრიტანეთის დედაქალაქში გამოფენის ფარგლებში, ქალმა შექმნა 20-მდე თაღოვანი სტრუქტურა, რომლებიც ასახავდნენ სოფლისა და ქალაქის ბუნების სილამაზეს, დღე და ღამე. ერთმა მათგანმა მეტრო სადგური დაამშვენა.

ჰეი არაკავა

ახალგაზრდას არ შეიძლება ეწოდოს მხოლოდ მხატვარი ამ სიტყვის კლასიკური გაგებით - ის ქმნის 21-ე საუკუნის ხელოვნებაში ასე პოპულარულ ინსტალაციას. მისი გამოფენების თემები ნამდვილად იაპონურია და ეხება როგორც მეგობრულ ურთიერთობებს, ასევე მთელი გუნდის მუშაობას.

ჰეი არაკავა ხშირად მონაწილეობს სხვადასხვა ბიენალეში, მაგალითად, ვენეციაში, გამოფენს თავისი სამშობლოს თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში და დამსახურებულად იღებს სხვადასხვა სახის ჯილდოებს.

იკენაგა იასუნარი

თანამედროვე მხატვარმა იკენაგა იასუნარიმ მოახერხა ორი ერთი შეხედვით შეუთავსებელი რამის შერწყმა: თანამედროვე გოგონების ცხოვრება პორტრეტის სახით და უძველესი დროიდან მოყოლებული ტრადიციული იაპონური ტექნიკა. თავის ნამუშევრებში მხატვარი იყენებს სპეციალურ ფუნჯებს, ბუნებრივ პიგმენტურ საღებავებს, მელანს და ნახშირს. ჩვეულებრივი თეთრეულის ნაცვლად - თეთრეულის ქსოვილი.

იკენაგა იასუნარის ნახატი

გამოსახული ეპოქისა და ჰეროინების გარეგნობის კონტრასტის ეს ტექნიკა ქმნის შთაბეჭდილებას, რომ ისინი წარსულიდან დაგვიბრუნდნენ.

ნიანგის ცხოვრების სირთულეების შესახებ ნახატების სერია, რომელიც ახლახან პოპულარული იყო ინტერნეტ საზოგადოებაში, ასევე შექმნა იაპონელმა კარიკატურისტმა კეიგომ.

დასკვნა

ასე რომ, იაპონური მხატვრობა ჩვენს წელთაღრიცხვამდე III საუკუნეში დაიწყო და მას შემდეგ ბევრი რამ შეიცვალა. პირველი გამოსახულებები გამოიყენეს კერამიკაზე, შემდეგ ბუდისტურმა მოტივებმა დაიწყეს გაბატონება ხელოვნებაში, მაგრამ ავტორების სახელები დღემდე არ შემორჩენილა.

თანამედროვე ეპოქაში ფუნჯის ოსტატები სულ უფრო მეტ ინდივიდუალობას იძენენ და შექმნეს სხვადასხვა მიმართულებები და სკოლები. დღევანდელი სახვითი ხელოვნება არ შემოიფარგლება მხოლოდ ტრადიციული მხატვრობით - გამოიყენება ინსტალაციები, კარიკატურები, მხატვრული ქანდაკებები და სპეციალური სტრუქტურები.

დიდი მადლობა ყურადღებისთვის, ძვირფასო მკითხველებო! ვიმედოვნებთ, რომ ჩვენი სტატია თქვენთვის სასარგებლო აღმოჩნდა და ისტორიები ხელოვნების ყველაზე ნათელი წარმომადგენლების ცხოვრებისა და მოღვაწეობის შესახებ საშუალებას მოგცემთ უკეთ გაეცნოთ მათ.

რა თქმა უნდა, რთულია ერთ სტატიაში საუბარი ყველა ხელოვანზე ანტიკურ დროიდან დღემდე. ამიტომ, ეს იყოს პირველი ნაბიჯი იაპონური მხატვრობის გასაგებად.

და შემოგვიერთდით - გამოიწერეთ ბლოგი - ჩვენ ერთად შევისწავლით ბუდიზმს და აღმოსავლურ კულტურას!

თუ ფიქრობთ, რომ ყველა დიდი ხელოვანი წარსულშია, მაშინ წარმოდგენაც არ გაქვთ, რამდენად ცდებით. ამ სტატიაში გაეცნობით ჩვენი დროის ყველაზე ცნობილ და ნიჭიერ მხატვრებს. და, დამიჯერეთ, მათი ნამუშევრები თქვენს მეხსიერებაში არანაკლებ ღრმად დარჩება, ვიდრე წარსული ეპოქის მაესტროების ნამუშევრები.

ვოიცეჩ ბაბსკი

ვოიცეხ ბაბსკი თანამედროვე პოლონელი მხატვარია. მან სწავლა დაასრულა სილეზიის პოლიტექნიკურ ინსტიტუტში, მაგრამ დაუკავშირდა საკუთარ თავს. ბოლო დროს ძირითადად ქალებს ხატავს. ფოკუსირებულია ემოციების გამოხატვაზე, ცდილობს მიიღოს მაქსიმალური ეფექტი მარტივი საშუალებების გამოყენებით.

უყვარს ფერი, მაგრამ ხშირად იყენებს შავი და ნაცრისფერი ჩრდილებს საუკეთესო შთაბეჭდილების მისაღწევად. არ ეშინია ექსპერიმენტების გაკეთება სხვადასხვა ახალი ტექნიკით. ბოლო დროს ის სულ უფრო მეტ პოპულარობას იძენს საზღვარგარეთ, ძირითადად დიდ ბრიტანეთში, სადაც წარმატებით ყიდის თავის ნამუშევრებს, რომლებიც უკვე ბევრ კერძო კოლექციაშია ნაპოვნი. გარდა ხელოვნებისა, იგი დაინტერესებულია კოსმოლოგიით და ფილოსოფიით. უსმენს ჯაზს. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს კატოვიცეში.

უორენ ჩანგი

უორენ ჩანგი თანამედროვე ამერიკელი მხატვარია. დაიბადა 1957 წელს და გაიზარდა მონტერეიში, კალიფორნია, წარჩინებით დაამთავრა ხელოვნების ცენტრის დიზაინის კოლეჯი პასადენაში 1981 წელს, სადაც მიიღო BFA. მომდევნო ორი ათწლეულის განმავლობაში ის მუშაობდა ილუსტრატორად სხვადასხვა კომპანიებში კალიფორნიასა და ნიუ-იორკში, სანამ 2009 წელს პროფესიონალი მხატვრის კარიერას შეუდგა.

მისი რეალისტური ნახატები შეიძლება დაიყოს ორ ძირითად კატეგორიად: ბიოგრაფიული ინტერიერის ნახატები და ნახატები, რომლებიც ასახავს ადამიანებს სამუშაოზე. მისი ინტერესი ამ სტილის მხატვრობისადმი თარიღდება მე-16 საუკუნის მხატვრის იოჰანეს ვერმეერის შემოქმედებით და ვრცელდება საგნებზე, ავტოპორტრეტებზე, ოჯახის წევრების, მეგობრების, სტუდენტების, სტუდიის ინტერიერებზე, კლასებსა და სახლებზე. მისი მიზანია შექმნას განწყობა და ემოცია თავის რეალისტურ ნახატებში სინათლის მანიპულირებისა და მდუმარე ფერების გამოყენებით.

ჩანგი ცნობილი გახდა ტრადიციულ სახვით ხელოვნებაზე გადასვლის შემდეგ. ბოლო 12 წლის განმავლობაში მან მოიპოვა მრავალი ჯილდო და ჯილდო, რომელთაგან ყველაზე პრესტიჟული არის ნავთობის მხატვრობის უმსხვილესი საზოგადოება ამერიკის შეერთებული შტატების ნავთობის მხატვრობის უმსხვილესი საზოგადოების ოსტატის ხელმოწერა. ამ ჯილდოს მიღების შესაძლებლობა 50-დან მხოლოდ ერთ ადამიანს ეძლევა. უორენი ამჟამად ცხოვრობს მონტერეიში და მუშაობს თავის სტუდიაში, ასევე ასწავლის (ცნობილია როგორც ნიჭიერი მასწავლებელი) სან-ფრანცისკოს ხელოვნების აკადემიაში.

აურელიო ბრუნი

აურელიო ბრუნი იტალიელი მხატვარია. დაიბადა ბლერში, 1955 წლის 15 ოქტომბერს. სპოლეტოს ხელოვნების ინსტიტუტის სცენოგრაფიის დიპლომი მიიღო. როგორც ხელოვანი, თვითნასწავლია, რადგან სკოლაში ჩადებულ საძირკველზე დამოუკიდებლად „აშენდა ცოდნის სახლი“. ზეთში ხატვა 19 წლის ასაკში დაიწყო. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს უმბრიაში.

ბრუნის ადრეული ნახატები საფუძვლად უდევს სიურეალიზმს, მაგრამ დროთა განმავლობაში ის იწყებს ფოკუსირებას ლირიკული რომანტიზმისა და სიმბოლიზმის სიახლოვეზე, აძლიერებს ამ კომბინაციას მისი პერსონაჟების დახვეწილობითა და სიწმინდით. ანიმაციური და უსულო საგნები თანაბარ ღირსებას იძენენ და თითქმის ჰიპერრეალისტურად გამოიყურებიან, მაგრამ ამავე დროს ისინი არ იმალებიან ფარდის მიღმა, არამედ საშუალებას გაძლევთ დაინახოთ თქვენი სულის არსი. მრავალმხრივობა და დახვეწილობა, სენსუალურობა და მარტოობა, გააზრებულობა და ნაყოფიერება არის აურელიო ბრუნის სული, რომელიც საზრდოობს ხელოვნების ბრწყინვალებით და მუსიკის ჰარმონიით.

ალექსანდრე ბალოსი

ალკასანდერ ბალოსი თანამედროვე პოლონელი მხატვარია, რომელიც სპეციალიზირებულია ზეთის ფერწერაში. დაიბადა 1970 წელს პოლონეთში, გლივიცეში, მაგრამ 1989 წლიდან ცხოვრობს და მუშაობს აშშ-ში, შასტაში, კალიფორნია.

ბავშვობაში სწავლობდა ხელოვნებას მამის ჯანის, თვითნასწავლი მხატვრისა და მოქანდაკის ხელმძღვანელობით, ამიტომ ადრეული ასაკიდანვე მხატვრულმა საქმიანობამ ორივე მშობლის სრული მხარდაჭერა მიიღო. 1989 წელს, თვრამეტი წლის ასაკში, ბალოსმა დატოვა პოლონეთი შეერთებულ შტატებში, სადაც მისმა სკოლის მასწავლებელმა და ნახევარ განაკვეთზე მხატვარმა კეტი გაგლიარდიმ წაახალისა ალკასანდერი სამხატვრო სკოლაში ჩარიცხვაზე. შემდეგ ბალოსმა მიიღო სრული სტიპენდია მილუოკის უნივერსიტეტში, ვისკონსინი, სადაც სწავლობდა ფერწერას ფილოსოფიის პროფესორ ჰარი როსინთან.

1995 წელს ბაკალავრიატის დამთავრების შემდეგ, ბალოსი საცხოვრებლად ჩიკაგოში გადავიდა სასწავლებლად სახვითი ხელოვნების სკოლაში, რომლის მეთოდები ეფუძნება ჟაკ-ლუი დავითის ნაშრომებს. ფიგურული რეალიზმი და პორტრეტი ქმნიდნენ ბალოსის ნამუშევრებს 90-იან და 2000-იანი წლების დასაწყისში. დღეს ბალოსი იყენებს ადამიანის ფიგურას ადამიანის არსებობის თავისებურებებისა და ნაკლოვანებების ხაზგასასმელად, ყოველგვარი გადაწყვეტის შეთავაზების გარეშე.

მისი ნახატების სუბიექტური კომპოზიციები მიზნად ისახავს დამთვალიერებლის მიერ დამოუკიდებლად ინტერპრეტაციას, მხოლოდ ამის შემდეგ შეიძენს ნახატები ნამდვილ დროებით და სუბიექტურ მნიშვნელობას. 2005 წელს მხატვარი გადავიდა ჩრდილოეთ კალიფორნიაში, მას შემდეგ მისი ნამუშევრების თემა მნიშვნელოვნად გაფართოვდა და ახლა მოიცავს ფერწერის უფრო თავისუფალ მეთოდებს, მათ შორის აბსტრაქციას და სხვადასხვა მულტიმედიას, რაც ხელს უწყობს იდეებისა და არსებობის იდეალების გამოხატვას ფერწერის საშუალებით.

ალისა მონკსი

ალისა მონკსი თანამედროვე ამერიკელი მხატვარია. დაიბადა 1977 წელს, რიჯვუდში, ნიუ ჯერსიში. მხატვრობით დაინტერესება ჯერ კიდევ ბავშვობიდან დავიწყე. სწავლობდა ნიუ-იორკის The New School-ში და მონტკლერის სახელმწიფო უნივერსიტეტში და დაამთავრა ბოსტონის კოლეჯი 1999 წელს ბაკალავრის ხარისხით. პარალელურად სწავლობდა მხატვრობას ფლორენციის ლორენცო დე მედიჩის აკადემიაში.

შემდეგ სწავლა განაგრძო ნიუ-იორკის ხელოვნების აკადემიის სამაგისტრო პროგრამაზე, ფიგურული ხელოვნების ფაკულტეტზე, რომელიც დაამთავრა 2001 წელს. დაამთავრა ფულერტონის კოლეჯი 2006 წელს. გარკვეული პერიოდის განმავლობაში იგი კითხულობდა ლექციებს უნივერსიტეტებსა და საგანმანათლებლო დაწესებულებებში მთელი ქვეყნის მასშტაბით, ასწავლიდა მხატვრობას ნიუ-იორკის ხელოვნების აკადემიაში, ასევე მონკლერის სახელმწიფო უნივერსიტეტში და ლაიმის ხელოვნების აკადემიაში.

„ფილტრების გამოყენებით, როგორიცაა მინა, ვინილი, წყალი და ორთქლი, მე ვამახინჯებ ადამიანის სხეულს. ეს ფილტრები საშუალებას გაძლევთ შექმნათ აბსტრაქტული დიზაინის დიდი უბნები, ფერების კუნძულებით, რომლებიც თვალშისაცემია - ადამიანის სხეულის ნაწილები.

ჩემი ნახატები ცვლის თანამედროვე შეხედულებას ბანაობის ქალების უკვე ჩამოყალიბებულ, ტრადიციულ პოზებსა და ჟესტებზე. მათ შეეძლოთ ყურადღებიანი მაყურებლისთვის ბევრი რამ ეთქვათ ისეთი ერთი შეხედვით ცხადი რაღაცეების შესახებ, როგორიცაა ცურვის, ცეკვის და ა.შ. ჩემი გმირები თავს იჭერენ შხაპის ფანჯრის მინაზე, ამახინჯებენ საკუთარ სხეულებს და ხვდებიან, რომ ამით გავლენას ახდენენ შიშველ ქალზე ყბადაღებული მამაკაცის მზერაზე. საღებავის სქელი ფენები ურევენ, რათა შორიდან მიბაძონ შუშის, ორთქლის, წყლისა და ხორცის. თუმცა, ახლოდან აშკარა ხდება ზეთის საღებავის საოცარი ფიზიკური თვისებები. საღებავისა და ფერის ფენების ექსპერიმენტებით, ვპოულობ ისეთ წერტილს, სადაც აბსტრაქტული ფუნჯის შტრიხები სხვა რამე ხდება.

როდესაც პირველად დავიწყე ადამიანის სხეულის ხატვა, მაშინვე მოვიხიბლე და შეპყრობილიც კი ვიყავი მისით და მჯეროდა, რომ ჩემი ნახატები მაქსიმალურად რეალისტური უნდა გამეხადა. რეალიზმს „ვაჟღერებდი“ მანამ, სანამ მან არ დაიწყო თავის თავში წინააღმდეგობების ამოხსნა და გამოვლენა. მე ახლა ვიკვლევ მხატვრობის სტილის შესაძლებლობებსა და პოტენციალს, სადაც რეპრეზენტაციული ფერწერა და აბსტრაქცია ერთმანეთს ხვდება - თუ ორივე სტილს შეუძლია თანაარსებობა დროის ერთსა და იმავე მომენტში, მე ამას გავაკეთებ.

ანტონიო ფინელი

იტალიელი მხატვარი - " Time Observer” – ანტონიო ფინელი დაიბადა 1985 წლის 23 თებერვალს. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს იტალიაში რომსა და კამპობასოს შორის. მისი ნამუშევრები გამოიფინა რამდენიმე გალერეაში იტალიაში და მის ფარგლებს გარეთ: რომში, ფლორენციაში, ნოვარაში, გენუაში, პალერმოში, სტამბოლში, ანკარაში, ნიუ-იორკში და ასევე შეგიძლიათ იხილოთ კერძო და საჯარო კოლექციებში.

ფანქრის ნახატები" Time Observer„ანტონიო ფინელი მარადიულ მოგზაურობაში მიგვიყვანს ადამიანის დროებითობის შინაგან სამყაროში და ამ სამყაროს მასთან დაკავშირებულ სკრუპულოზურ ანალიზში, რომლის მთავარი ელემენტია დროში გავლა და კვალი, რომელიც მას ტოვებს კანზე.

ფინელი ხატავს ნებისმიერი ასაკის, სქესის და ეროვნების ადამიანების პორტრეტებს, რომელთა სახის გამონათქვამები მიუთითებს დროში გავლაზე და მხატვარი ასევე იმედოვნებს, რომ მისი პერსონაჟების სხეულებზე დროის დაუნდობლობის მტკიცებულებებს აღმოაჩენს. ანტონიო თავის ნამუშევრებს განსაზღვრავს ერთი, ზოგადი სათაურით: „ავტოპორტრეტი“, რადგან ფანქრის ნახატებში იგი არა მხოლოდ ასახავს ადამიანს, არამედ საშუალებას აძლევს მაყურებელს იფიქროს ადამიანის შიგნით დროის გავლის რეალურ შედეგებზე.

ფლამინია კარლონი

Flaminia Carloni არის 37 წლის იტალიელი მხატვარი, დიპლომატის ქალიშვილი. სამი შვილი ჰყავს. იგი ცხოვრობდა რომში თორმეტი წელი, ხოლო სამი წელი ინგლისსა და საფრანგეთში. მან მიიღო ხარისხი ხელოვნების ისტორიაში BD ხელოვნების სკოლისგან. შემდეგ მან მიიღო ხელოვნების რესტავრატორის დიპლომი. სანამ თავის მოწოდებას იპოვიდა და მთლიანად მხატვრობას დაუთმობდა, მუშაობდა ჟურნალისტად, კოლორიტისტად, დიზაინერად და მსახიობად.

ფლამინიას მხატვრობისადმი გატაცება ბავშვობაში გაჩნდა. მისი მთავარი საშუალება ზეთია, რადგან უყვარს "კუიფერ ლა პატე" და ასევე მასალასთან თამაში. მსგავსი ტექნიკა მან აღიარა მხატვრის პასკალ ტორუას შემოქმედებაში. ფლამინია შთაგონებულია ფერწერის დიდი ოსტატებით, როგორებიცაა ბალტუსი, ჰოპერი და ფრანსუა ლეგრანი, ასევე სხვადასხვა მხატვრული მოძრაობები: ქუჩის ხელოვნება, ჩინური რეალიზმი, სიურეალიზმი და რენესანსის რეალიზმი. მისი საყვარელი მხატვარი კარავაჯოა. მისი ოცნებაა აღმოაჩინოს ხელოვნების თერაპიული ძალა.

დენის ჩერნოვი

დენის ჩერნოვი ნიჭიერი უკრაინელი მხატვარია, დაიბადა 1978 წელს სამბირში, ლვოვის რეგიონი, უკრაინა. ხარკოვის სამხატვრო სკოლის დამთავრების შემდეგ 1998 წელს დარჩა ხარკოვში, სადაც ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს. ასევე სწავლობდა ხარკოვის დიზაინისა და ხელოვნების სახელმწიფო აკადემიაში, გრაფიკული ხელოვნების განყოფილებაში, რომელიც დაამთავრა 2004 წელს.

ის რეგულარულად მონაწილეობს მხატვრულ გამოფენებში, ამ დროისთვის მათგან სამოცზე მეტია, როგორც უკრაინაში, ასევე მის ფარგლებს გარეთ. დენის ჩერნოვის ნამუშევრების უმეტესობა ინახება კერძო კოლექციებში უკრაინაში, რუსეთში, იტალიაში, ინგლისში, ესპანეთში, საბერძნეთში, საფრანგეთში, აშშ-ში, კანადასა და იაპონიაში. ნამუშევრების ნაწილი Christie's-ში გაიყიდა.

დენისი მუშაობს გრაფიკული და ფერწერის ტექნიკის ფართო სპექტრში. ფანქრით ნახატები მისი ფერწერის ერთ-ერთი ყველაზე საყვარელი მეთოდია; მისი ფანქრით ნახატების თემების სია ასევე ძალიან მრავალფეროვანია; ის ხატავს პეიზაჟებს, პორტრეტებს, შიშველს, ჟანრულ კომპოზიციებს, წიგნის ილუსტრაციებს, ლიტერატურულ და ისტორიულ რეკონსტრუქციებს და ფანტაზიებს.

იაპონური მხატვრობა ხელოვნების უძველესი ფორმაა. იგი მოიცავს სხვადასხვა ფორმებს, ჟანრებს და მრავალფეროვან შინაარსს.

იაპონური მხატვრობახელოვნების უძველესი ფორმაა. იგი მოიცავს სხვადასხვა ფორმებს, ჟანრებს და მრავალფეროვან შინაარსს. ელეგანტური ხელოვნება ავლენს მსოფლიოს ნახატებს, რომლებიც არის ეკრანები, კედლის მხატვრობა, აბრეშუმის ან ქაღალდის გრაგნილები, გულშემატკივრები, დაზგური ნახატები და გრავიურები.

იაპონური მხატვრობა გამოირჩევა სხვადასხვა ჟანრისა და სტილის დიდი რაოდენობით. ბუნებას წამყვანი ადგილი უჭირავს იაპონურ მხატვრობაში, ისევე როგორც ლიტერატურაში. იგი წარმოდგენილია როგორც ღვთაებრივი პრინციპის მცველი. იაპონური მხატვრობა სათავეს იღებს ჩინურ ხელოვნებაში, ამიტომ მისი ჟანრები ძალიან ჰგავს ციური იმპერიის ჟანრებს. დღესდღეობით ბევრი იაპონელი მხატვარი ჩინეთში სწავლას ამჯობინებს.

მხატვრობა იაპონიაშიაქვს რამდენიმე ეტაპი მისი განვითარების ისტორიაში. თითოეულ მათგანს აქვს საკუთარი მახასიათებლები და განსაკუთრებული თვისებები.

განვითარების საწყის ეტაპად ითვლება პერიოდი VII საუკუნის შუა წლებიდან VIII საუკუნის ბოლომდე, ე.წ. ნარა. ამ პერიოდში მოხატეს ჰორიუჯის ტაძარი და შესანიშნავი მტკიცებულებაა ინდური და ჩინური ტრადიციების გავლენის იაპონურ კულტურაზე.

იაპონური მხატვრობის განვითარების შემდეგი პერიოდი ე.წ ჰეიანი. იგი განთქმულია ტაძრის მხატვრობის აქტიური აყვავებით და გამოსახვის საერო ხელოვნების ნიმუშებით. ამ პერიოდში შეიქმნა ილუსტრაციები რომანებისა და მოთხრობებისთვის, რომლებიც შექმნილია კეთილშობილური ბატონების გასართობად.

პერიოდი კამაკურა(უკავია დრო მე-12 საუკუნის ბოლოდან მე-14 საუკუნის პირველ ნახევრამდე), რომელსაც ეკავა დრო მეთორმეტე საუკუნის ბოლოდან XIV საუკუნის პირველ ნახევრამდე, ხასიათდება სტილის ცვლილებით. , ცხოვრების ასახვის ახალი გზების ძიება. იაპონური ფერწერის განწყობა მკვეთრად იცვლება. ადრე ნახატები ოპტიმისტურ, მსუბუქ და ხალისიან ატმოსფეროს გადმოსცემდნენ. ამ პერიოდში დიდი ნაბიჯი გადაიდგა რეალისტური იმიჯისკენ, ასევე ნახატს მიეცა თითქმის სამხედრო ხასიათი. ფერწერის ტიპიური საგნებია საბრძოლო სცენები მითებიდან და ისტორიიდან, რელიგიური სცენები ბუდისტური ტრადიციიდან. ფართოდ გამოიყენება მნიშვნელოვანი სამთავრობო მოღვაწეების პორტრეტები.

დროს მურომაჩი(დროი მე-14 საუკუნის პირველი ნახევრიდან მე-16 საუკუნის მეორე ნახევრამდე), წინა პლანზე წამოვიდა ტენდენცია, რომელიც ადიდებდა იაპონურ მხატვრობას მთელ მსოფლიოში. ზენ ბუდიზმის ფილოსოფიას მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა ფერწერაზე, რამაც გამოიწვია ლანდშაფტის ხელოვნების პოპულარობა. მონოქრომული ტექნოლოგიამ განსაკუთრებული ელეგანტურობა მოიპოვა. ამ პერიოდში იაპონურ ფერწერას ჩინეთის გავლენა მოახდინა. Ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარიიმ დროს ტოიო ოდამ, რომელიც სპეციალიზირებული იყო პეიზაჟების ხატვაში, შექმნა თავისი პირველი ნახატები, როდესაც მოგზაურობდა შუა სამეფოში. მიმართულება მან უკვე სამშობლოში განავითარა.

ზემოთ აღწერილი ტენდენცია აქტიურად განვითარდა და დაემატა მომდევნო ორი პერიოდის განმავლობაში იაპონური ფერწერის განვითარებაში - მონოიამადა ედო. მონოქრომული ტექნიკა უფრო დახვეწილი ვარიანტი იყო. დეტალები საგულდაგულოდ იყო დამუშავებული და დახატული. მხატვრებს არ ეშინოდათ ექსპერიმენტების და დაიწყეს ტექნიკის გამოყენება, რომელიც ადრე გამოიყენებოდა გრაგნილებზე და ეკრანებზე კედლის მხატვრობაში. პეიზაჟები და ბრბოს სცენები დაემატა ფსიქოლოგიური ისტორიებით, რომლებიც აჩვენებდნენ გმირს ძლიერი ემოციური სტრესის მომენტში. ტრადიციული ფერწერის გარდა, ხეზე გრავიურა სულ უფრო პოპულარული ხდება იაპონიაში. იგი იყოფა ორ ტიპად: თეატრალური გრავიურა და ყოველდღიური აღწერითი გრავიურა. თეატრალური გრავიურის ყველაზე ცნობილი ოსტატია ჩოშუსაი შარაკუ. ყოველდღიური გრავიურა აქტიურად განვითარდა სუზუკი ჰარუნობუს და კიტაგავა უტამაროს ნამუშევრებში.

იაპონიის მონოქრომული მხატვრობა აღმოსავლური ხელოვნების ერთ-ერთი უნიკალური ფენომენია. მას ბევრი სამუშაო და კვლევა მიეძღვნა, მაგრამ ის ხშირად აღიქმება როგორც ძალიან ჩვეულებრივი და ზოგჯერ დეკორატიულადაც კი. ეს ასე არ არის, იაპონელი მხატვრის სულიერი სამყარო ძალიან მდიდარია და მას არა იმდენად ესთეტიკური კომპონენტი ადარდებს, რამდენადაც სულიერი. აღმოსავლეთის ხელოვნება არის გარეგანი და შინაგანი, ექსპლიციტური და იმპლიციტურის სინთეზი.

ამ პოსტში მინდა ყურადღება მივაქციო არა მონოქრომული მხატვრობის ისტორიას, არამედ მის არსს. ეს არის ის, რაზეც ვისაუბრებთ.

ეკრანი "Pines" ჰასეგავა ტოჰაკუ, 1593 წ

რასაც ჩვენ ვხედავთ მონოქრომული ნახატებში, მხატვრის ურთიერთქმედების შედეგია ძირითად ტრიადასთან: ქაღალდი, ფუნჯი, მელანი. ამიტომ, ნამუშევრის სწორად გასაგებად, თქვენ უნდა გესმოდეთ თავად მხატვარი და მისი დამოკიდებულება.

"პეიზაჟი" სეშუ, 1398 წ

ქაღალდიიაპონელი ოსტატისთვის ეს არ არის მხოლოდ ხელთ არსებული მასალა, რომელსაც ის ემორჩილება თავის ახირებას, არამედ პირიქით - ეს არის „ძმა“ და, შესაბამისად, მის მიმართ დამოკიდებულებაც შესაბამისად განვითარდა. ქაღალდი გარემომცველი ბუნების ნაწილია, რომელსაც იაპონელები ყოველთვის პატივისცემით ეპყრობოდნენ და ცდილობდნენ არა დაემორჩილებინათ, არამედ მშვიდობიანად ეცხოვრათ მასთან. ქაღალდი არის ხე წარსულში, რომელიც იდგა გარკვეულ ადგილას გარკვეული დროით, "ხედავდა" რაღაცას მის გარშემო და ინახავს ყველაფერს. ასე აღიქვამს მასალას იაპონელი მხატვარი. ხშირად, მუშაობის დაწყებამდე, ოსტატები დიდხანს უყურებდნენ ცარიელ ფურცელს (ჭვრეტდნენ მას) და მხოლოდ ამის შემდეგ იწყებდნენ ხატვას. ახლაც, თანამედროვე იაპონელი მხატვრები, რომლებიც იყენებენ ნიჰონ-გას ტექნიკას (ტრადიციული იაპონური მხატვრობა) ყურადღებით ირჩევენ ქაღალდს. შეკვეთით ყიდულობენ ქაღალდის ქარხნებიდან. თითოეულ მხატვარს აქვს გარკვეული სისქე, ტენიანობის გამტარიანობა და ტექსტურა (ბევრი მხატვარი აფორმებს შეთანხმებას ქარხნის მფლობელთან, რომ არ მიჰყიდოს ეს ქაღალდი სხვა მხატვრებს) - შესაბამისად, თითოეული ნახატი აღიქმება, როგორც რაღაც უნიკალური და ცოცხალი.

"კითხვა ბამბუკის კორომში" Xubun, 1446 წ

ამ მასალის მნიშვნელობაზე საუბრისას, ღირს იაპონური ლიტერატურის ისეთი ცნობილი ძეგლების აღნიშვნა, როგორიცაა სეი შონაგონის „შენიშვნები ლოგინთან“ და მურასაკი შიკიბუს „გენჯი მონოგოტარი“: როგორც „ნოტებში“, ასევე „გენჯიში“ შეგიძლიათ ნახოთ ნაკვეთები. როდესაც კარისკაცები ან შეყვარებულები ცვლიან შეტყობინებებს. ქაღალდი, რომელზედაც ეს შეტყობინებები იყო დაწერილი, იყო წელიწადის შესაბამისი დროის, ჩრდილისა და ტექსტის წერის წესი მის ტექსტურას შეესაბამებოდა.

"მურასაკი შიკიბუ იშიამას სალოცავში" კიოსენი

ფუნჯი- მეორე კომპონენტი არის ოსტატის ხელის გაგრძელება (ისევ, ეს ბუნებრივი მასალაა). ამიტომ, ფუნჯებიც შეკვეთით მზადდებოდა, მაგრამ ყველაზე ხშირად თავად მხატვრის მიერ. მან შეარჩია საჭირო სიგრძის თმები, შეარჩია ფუნჯის ზომა და ყველაზე კომფორტული სახელური. ოსტატი ხატავს მხოლოდ საკუთარი ფუნჯით და არა სხვა. (პირადი გამოცდილებიდან: მე ვიყავი ჩინელი მხატვრის ჯიანგ შილუნის მასტერკლასზე, აუდიტორიამ სთხოვა ეჩვენებინა, თუ რისი გაკეთება შეეძლოთ მის სტუდენტებს, რომლებიც ესწრებოდნენ მასტერკლასს და თითოეულმა მათგანმა, აიღო სამაგისტრო ფუნჯი, თქვა, რომ შედეგი არ იქნება ის, რაც მათ მოელოდნენ, რადგან ფუნჯი მათი არ არის, ისინი არ არიან მიჩვეულები და არ იციან როგორ გამოიყენონ ის სწორად).

კაცუშიკა ჰოკუსაის "ფუჯი" მელნის ესკიზი

ტუში- მესამე მნიშვნელოვანი ელემენტი. არსებობს ტუშის სხვადასხვა სახეობა: მას შეუძლია გაშრობის შემდეგ პრიალა ან მქრქალი ეფექტის მიცემა, შეიძლება შერეული იყოს ვერცხლის ან ოხრის ფერებში, ამიტომ მნიშვნელოვანია ტუშის სწორი არჩევანიც.

იამამოტო ბაიცუ, მე -18 - მე -19 საუკუნეების ბოლოს.

მონოქრომული ფერწერის ძირითადი საგნებია პეიზაჟები. რატომ არ არის მათში ფერები?

დაწყვილებული ეკრანი "Pines", ჰასეგავა ტოჰაკუ

ჯერ ერთი, იაპონელი მხატვარი არ არის დაინტერესებული თავად ობიექტით, არამედ მისი არსით, გარკვეული კომპონენტით, რომელიც საერთოა ყველა ცოცხალი არსებისთვის და იწვევს ჰარმონიას ადამიანსა და ბუნებას შორის. მაშასადამე, გამოსახულება ყოველთვის მინიშნებაა, ის მიმართულია ჩვენს გრძნობებს და არა ხედვას. გაუგებრობა არის დიალოგის სტიმული და, შესაბამისად, კავშირი. ხაზები და ლაქები მნიშვნელოვანია გამოსახულებაში - ისინი ქმნიან მხატვრულ ენას. ეს არ არის ოსტატის თავისუფლება, რომელმაც დატოვა გაბედული კვალი, სადაც სურდა, არამედ სხვაგან, პირიქით, დაქვეითდა - სურათზე ყველაფერს თავისი მნიშვნელობა და მნიშვნელობა აქვს და არ არის შემთხვევითი.

მეორეც, ფერი ყოველთვის ატარებს რაიმე სახის ემოციურ კონოტაციას და განსხვავებულად აღიქმება სხვადასხვა მდგომარეობაში მყოფი ადამიანების მიერ, ამიტომ ემოციური ნეიტრალიტეტი მაყურებელს საშუალებას აძლევს ყველაზე ადეკვატურად შევიდეს დიალოგში, განათავსოს იგი აღქმისთვის, ჭვრეტისთვის და აზროვნებისთვის.

მესამე, ეს არის იინისა და იანგის ურთიერთქმედება; ნებისმიერი მონოქრომული ნახატი ჰარმონიულია მელნის თანაფარდობის თვალსაზრისით ქაღალდის ხელუხლებელ არეალთან.

რატომ არის ქაღალდის სივრცის უმეტესი ნაწილი გამოუყენებელი?

"პეიზაჟი" Xubun, მე -15 საუკუნის შუა ხანები.

პირველ რიგში, ცარიელი სივრცე ჩაძირავს მაყურებელს სურათში; მეორეც, გამოსახულება იქმნება ისე, თითქოს ერთი წუთით ამოფრინდა ზედაპირზე და გაქრება - ეს დაკავშირებულია მსოფლმხედველობასთან და მსოფლმხედველობასთან; მესამე, იმ ადგილებში, სადაც მელანი არ არის, ქაღალდის ტექსტურა და ჩრდილი გამოდის წინა პლანზე (ეს ყოველთვის არ ჩანს რეპროდუქციაში, მაგრამ სინამდვილეში ეს ყოველთვის არის ორი მასალის ურთიერთქმედება - ქაღალდი და მელნი).

სეშუ, 1446 წ

რატომ პეიზაჟი?

"ჩანჩქერის ჭვრეტა" გაიამი, 1478 წ

იაპონური მსოფლმხედველობის მიხედვით, ბუნება უფრო სრულყოფილია ვიდრე ადამიანი, ამიტომ მან უნდა ისწავლოს მისგან, დაიცვას იგი ყოველმხრივ და არ გაანადგუროს ან დაიმორჩილოს იგი. ამიტომ, ბევრ პეიზაჟში შეგიძლიათ იხილოთ ადამიანების მცირე გამოსახულებები, მაგრამ ისინი ყოველთვის უმნიშვნელოა, მცირეა თავად ლანდშაფტთან მიმართებაში, ან ქოხების გამოსახულებები, რომლებიც ჯდება მათ მიმდებარე სივრცეში და ყოველთვის არ არის შესამჩნევი - ეს ყველაფერი სიმბოლოა. მსოფლმხედველობა.

"სეზონები: შემოდგომა და ზამთარი" სეშუ. "პეიზაჟი" სეშუ, 1481 წ

დასასრულს, მინდა ვთქვა, რომ მონოქრომული იაპონური მხატვრობა არ არის ქაოტურად მოფენილი მელანი, ეს არ არის მხატვრის შინაგანი ეგოს ახირება - ეს არის სურათებისა და სიმბოლოების მთელი სისტემა, ეს არის ფილოსოფიური აზროვნების საცავი და რაც მთავარია, საკუთარი თავის და ჩვენს გარშემო სამყაროს კომუნიკაციისა და ჰარმონიზაციის გზა.

აქ, ვფიქრობ, არის პასუხები იმ მთავარ კითხვებზე, რომლებიც ჩნდება მაყურებელში მონოქრომული იაპონური მხატვრობის წინაშე. ვიმედოვნებ, რომ ისინი დაგეხმარებიან მის ყველაზე სწორად გაგებაში და შეხვედრისას მის აღქმაში.