symfónia
symfónia(z gréčtiny." súzvuk“) je žáner symfonickej inštrumentálnej hudby viacdielnej kanonizovanej formy základného svetonázorového obsahu.
Symfónia je zvyčajne skladba pre orchester, ktorá sa zvyčajne skladá z niekoľkých častí. Ide o jeden z najdôležitejších žánrov európskej hudby. V modernom zmysle sa slovo „symfónia“ začalo používať relatívne nedávno, v 70. rokoch. XVIII storočia., Ale je to veľmi starovekého pôvodu.
„Symfónia“ v gréčtine znamená „súzvuk“. V dávnych dobách sa tak nazýval spev zboru alebo súboru v súzvuku, ako aj každé harmonické, harmonické spojenie tónov. V stredoveku sa toto slovo vytratilo z používania a jeho nový život začal v renesancii. Ale teraz má slovo „symfónia“ iný význam. V hudbe renesancie boli bežné polyfónne vokálne skladby - madrigaly, canzones. Zvyčajne sa otvárali inštrumentálnym úvodom, ktorý sa nazýval symfónia. Keď v 17. stor Ak vznikla opera, začínala sa aj symfóniou – neskôr sa takýto úvod zmenil na predohru.
V XVIII storočí. symfónia sa postupne oddelila od vokálnej hudby a začala svoju samostatnú existenciu. Klasickú podobu nadobudol v 80. – 90. rokoch 18. storočia. v diele veľkých rakúskych skladateľov J. Haydna a W. A. Mozarta. Odvtedy sa začína brilantná cesta symfónie v európskej a svetovej hudbe a práve vtedy sa stala najdôležitejším, ústredným žánrom hudobnej tvorivosti.
Symfónia klasického typu pozostáva zo štyroch kontrastných častí. Spolu tvoria sonátovo-symfonický cyklus. Cyklická štruktúra umožňuje skladateľovi vyjadrovať rôzne pocity a nálady, vytvárať hudobne zovšeobecnený obraz doby. Symfónie Mozarta, L. Beethovena, L. I. Čajkovského, I. Brahmsa, G. Mahlera, D. D. Šostakoviča nám dávajú možnosť precítiť jedinečnú atmosféru doby tak, ako to robí román alebo divadelná hra.
Prvá časť klasickej symfónie je energická, aktívna, v rýchlom tempe spravidla zaujíma dominantné postavenie v cykle. Pre ňu si skladatelia vyberajú jednu z najkomplexnejších foriem – sonátu. Sonátová forma umožňuje porovnávať kontrastné, dokonca protichodné obrazy - hrdinské a lyrické, ponuré a svetlé, slávnostné a nežné. Tieto obrazy sa potom vyvíjajú, menia a v dôsledku toho získavajú nový charakter, nové črty. Prvá časť symfónie sa preto vyznačuje osobitnou všestrannosťou a bohatosťou.
Druhá časť je zvyčajne pomalá. Jej charakter určujú lyrické, kontemplatívne nálady, sú v nej melódie blízke piesni, romantike. Ide o oddych po turbulentných udalostiach prvého dielu. Existujú však aj ústupky. Napríklad v jednej z Haydnových symfónií a v Beethovenovej Hrdinskej symfónii v druhej časti znie pohrebný pochod, žalostne a majestátne.
Treťou časťou symfónií Haydna a Mozarta je menuet. Menuety v klasických symfóniách sú ako náčrty, obrázky zo života. Haydnove menuety sú plné ľudovej zábavy, blízke sedliackym tancom; v Mozartovi sú lyrické, miestami s nádychom dramatickej vážnosti. Beethoven nahradil scherzo menuet hudbou svižnej, živej povahy, často s humorným podfarbením.
Štvrtá časť je záverečná. Rovnako ako prvá je písaná rýchlym tempom, no vnútorne nie je taká kontrastná. Ak zmysel prvej časti spočíva v protichodnom postavení obrazov a dramatického vývoja deja, tak vo finále prichádza na rad afirmácia a zhrnutie. Nie náhodou je finále často písané formou ronda, založeného na kruhovom návrate tej istej témy, teda na hlásaní tej istej hudobnej myšlienky. Súčasne so sonátovo-symfonickým cyklom vznikla aj orchestrálna skladba, pre ktorú symfónie vznikli - symfonický orchester.
Za vrchol v historickom vývoji symfónie sa považuje Beethovenovo dielo. Každá jeho symfónia je novou, individuálnou verziou žánru, každá obsahuje celý svet filozofických myšlienok, je výsledkom skladateľovej tvrdej myšlienkovej práce.
Beethovenova 9. symfónia, ktorá korunuje jeho kariéru, otvára novú stránku v histórii tohto žánru. V záverečnej časti zaznie óda „Na radosť“ od F. Schillera, potvrdzujúca myšlienku univerzálneho bratstva ľudstva. Táto myšlienka, ústredná v Beethovenovom diele, je vyhlásená v mohutnom zvuku zboru a orchestra. Takto sa symfónia stáva vokálnou. Zdedili ju skladatelia nasledujúcich generácií: G. Berlioz, Mahler, A. N. Skrjabin, I. F. Stravinskij, Šostakovič písali vokálne symfónie.
Poetický text spresňuje obsah symfónie a takéto skladby patria do programovej hudby. Programová symfónia sa môže stať aj programom, ak ju skladateľ jednoducho predhovorí názvom. Haydn mal stále podobné diela, napríklad pôvodnú „Farewell Symphony“, končiacu postupným odchodom hudobníkov. V Beethovenovej 6. („Pastoračnej“) symfónii je všetkých päť častí pomenovaných. Vidíme, že programový dizajn prinútil Beethovena zvýšiť počet častí v symfónii a odkloniť sa od klasickej výstavby cyklu. Neskorší skladatelia narábajú s formou symfónie ešte voľnejšie, zväčšujú počet častí alebo naopak stláčajú cyklus na jednočasť. Zakaždým je to spojené s myšlienkou kompozície, s individuálnym plánom.
Najväčšími symfonikmi po Beethovenovi sú F. Schubert, Brahms, A. Bruckner, A. Dvořák, Mahler.
Svetový význam má symfonické dedičstvo ruských skladateľov – Čajkovského, A. P. Borodina, A. G. Glazunova, Skrjabina, S. V. Rachmaninova. Ich veľké tradície dostali bohatý a živý vývoj v tvorbe sovietskych skladateľov všetkých generácií - N. Ya. Myaskovsky, S. S. Prokofiev. A. I. Chačaturjan, T. N. Khrennikovaa, K. A. Karaev, Ya. A. Ivanov, F. M. Amirov a ďalší majstri. Najväčší symfonik našej doby bol Šostakovič. Jeho 15 symfónií je skutočnou kronikou 20. storočia.
Vzhľadom na podobnosť v štruktúre so sonátou sa sonáta a symfónia spájajú pod všeobecným názvom „sonátovo-symfonický cyklus“. V klasickej symfónii (v podobe, v akej je prezentovaná v dielach viedenských klasikov - Haydna, Mozarta a Beethovena) sú zvyčajne štyri časti. 1. časť v rýchlom tempe je písaná sonátovou formou; 2., v spomalenom zábere, je písaná vo forme variácií, rondo, rondo-sonata, komplexná trojčasť, menej často vo forme sonáty; 3. - scherzo alebo menuet - v trojdielnej forme da capo s triom (teda podľa schémy A-trio-A); 4. časť, v rýchlom tempe - v sonátovej forme, vo forme ronda alebo rondovej sonáty.
Programová symfónia je taká, ktorá je spojená so známym obsahom uvedeným v programe (vyjadreným napr. v názve alebo epigrafe), napríklad Beethovenova Pastoračná symfónia, Berliozova Fantastická symfónia atď. symfónia boli Dittersdorf, Rosetti a Haydn.
Trvalá adresa článku: Symphony. Čo je to symfónia
Časti lokality
Fórum elektronickej hudby
Čo je toccata
Toccata (taliansky toccata z toccare - dotýkať sa, tlačiť) - pôvodne akékoľvek dielo pre klávesové nástroje, v modernom zmysle - inštrumentálna skladba rýchleho, čistého pohybu v rovnako krátkych trvaních. Toccata sa zvyčajne píše pre klavír alebo organ, ale existujú aj...
Slovo "symfónia" preložené z gréčtiny ako „súzvuk“. Zvuk mnohých nástrojov v orchestri možno skutočne nazvať hudbou len vtedy, keď sú zladené a nevydávajú zvuky každý sám od seba.
V starovekom Grécku sa tak nazývalo príjemné spojenie zvukov, spoločný spev v súzvuku. Už v starom Ríme sa tak nazýval súbor, orchester. V stredoveku sa svetská hudba vo všeobecnosti a niektoré hudobné nástroje nazývali symfónie.
Slovo má iné významy, ale všetky nesú význam spojenia, účasti, harmonického spojenia; napríklad princíp vzťahu medzi cirkevnou a svetskou mocou, sformovaný v Byzantskej ríši, sa nazýva aj symfónia.
Ale dnes budeme hovoriť len o hudobnej symfónii.
Odrody symfónie
Klasická symfónia je hudobná skladba v cyklickej sonátovej forme, ktorú má hrať symfonický orchester.
Symfónia (okrem symfonického orchestra) môže obsahovať zbor a spev. Existujú symfónie-suity, symfónie-rapsódie, symfónie-fantázie, symfónie-balady, symfónie-legendy, symfónie-básne, symfónie-rekviem, symfónie-balety, symfónie-drámy a divadelné symfónie.
Klasická symfónia má zvyčajne 4 časti:
prvá časť je in rýchle tempo(allegro ) , v sonátovej forme;
druhá časť v pomalé tempo, obyčajne vo forme variácií, rondo, rondo-sonáta, komplexná trojdielna, menej často vo forme sonáty;
tretia časť - scherzo alebo menuet- v trojdielnej da capo forme s triom (teda podľa schémy A-trio-A);
štvrtá časť v rýchle tempo, v sonátovej forme, v rondovej alebo rondosonátovej forme.
Existujú však symfónie s menej (alebo viacerými) časťami. Nechýbajú ani jednovetové symfónie.
Softvérová symfónia je symfónia s určitým obsahom, ktorý je uvedený v programe alebo vyjadrený v názve. Ak je v symfónii titul, tak tento titul je minimálny program, napríklad Fantastická symfónia G. Berlioza.
Z histórie symfónie
Za tvorcu klasickej formy symfónie a orchestrácie sa považuje Haydn.
A prototypom symfónie je talianska predohra(inštrumentálna orchestrálna skladba uvádzaná pred začiatkom akéhokoľvek predstavenia: opera, balet), ktorá sa formovala koncom 17. storočia. Významne prispel k rozvoju symfónie o Mozart a Beethoven. Títo traja skladatelia sa nazývajú „viedenskí klasici“. Viedenskí klasici vytvorili vysoký typ inštrumentálnej hudby, v ktorej je celá bohatosť figuratívneho obsahu zhmotnená v dokonalej umeleckej forme. S touto dobou sa zhodoval aj proces formovania symfonického orchestra - jeho stále zloženie, orchestrálne skupiny.
V.A. Mozart
Mozart písal vo všetkých formách a žánroch, ktoré existovali v jeho ére, prikladal osobitný význam opere, no veľkú pozornosť venoval symfonickej hudbe. Vzhľadom na to, že celý život pracoval súčasne na operách a symfóniách, jeho inštrumentálna hudba sa vyznačuje melodickosťou opernej árie a dramatického konfliktu. Mozart vytvoril viac ako 50 symfónií. Najpopulárnejšie boli posledné tri symfónie - č. 39, č. 40 a č. 41 ("Jupiter").
K. Schlosser "Beethoven v práci"
Beethoven vytvoril 9 symfónií, no z hľadiska vývoja symfonickej formy a orchestrácie ho možno označiť za najväčšieho symfonického skladateľa klasického obdobia. V jeho Deviatej symfónii, najznámejšej, sú všetky jej časti zlúčené do jedného celku priechodnou témou. V tejto symfónii uviedol Beethoven vokálne časti, po ktorých to začali robiť iní skladatelia. Vo forme symfónie povedal nové slovo R. Schuman.
Ale už v druhej polovici XIX storočia. prísne formy symfónie sa začali meniť. Štyri časti sa stali voliteľnými: objavil sa jednodielny symfónia (Mjaskovskij, Boris Čajkovskij), symfónia z 11 dielov(Šostakovič) a dokonca aj z 24 dielov(Hovaness). Klasické zrýchlené finále vystriedalo pomalé finále (6. symfónia P.I. Čajkovského, Mahlerova tretia a deviata symfónia).
Autormi symfónií boli F. Schubert, F. Mendelssohn, I. Brahms, A. Dvořák, A. Bruckner, G. Mahler, Jan Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Čajkovskij, A. Borodin, N Rimskij- Korsakov, N. Mjaskovskij, A. Skrjabin, S. Prokofiev, D. Šostakovič a ďalší.
Jeho zloženie, ako sme už povedali, sa formovalo v ére viedenskej klasiky.
Základom symfonického orchestra sú štyri skupiny nástrojov: sklonené struny(husle, violy, violončelo, kontrabasy) dychové nástroje(flauta, hoboj, klarinet, fagot, saxofón so všetkými druhmi - stará zobcová flauta, shalmy, chalyumeau atď., Ako aj množstvo ľudových nástrojov - balaban, duduk, zhaleyka, fajka, zurna), mosadz(lesný roh, trúbka, kornút, krídlovka, trombón, tuba) bubny(timpány, xylofón, vibrafón, zvončeky, bicie, triangel, činely, tamburína, kastanety, tam-tam a iné).
Niekedy sú v orchestri zahrnuté aj iné nástroje: harfa, klavír, orgán(klávesový a dychový hudobný nástroj, najväčší druh hudobných nástrojov), celesta(malý klávesový perkusný hudobný nástroj, ktorý vyzerá ako klavír, znie ako zvončeky), čembalo.
čembalo
Veľký symfonický orchester môže zahŕňať až 110 hudobníkov , malý- nie viac ako 50.
Dirigent rozhodne, ako orchester posadí. Umiestnenie interpretov moderného symfonického orchestra je zamerané na dosiahnutie koherentnej zvučnosti. V 50-70 rokoch. 20. storočie šírenie "Americké sedenie": prvé a druhé husle sú umiestnené vľavo od dirigenta; vpravo - violy a violončelo; v hĺbkach - dychové nástroje a mosadz, kontrabasy; vľavo - bubny.
Usporiadanie sedadiel pre hudobníkov symfonického orchestra
SYMFÓNIA
(z gréčtiny - súzvuk) - hudobné dielo pre symfonický orchester, napísané v sonátovej cyklickej forme. zvyčajne pozostáva zo 4 častí. symfónia sa formovala niekoľko storočí a v 18. stor. sa zmenil na nezávislý koncertný žáner; jej vývoj ovplyvnili aj iné žánre orchestrálnej hudby.
Slovník hudobných pojmov. 2012
Pozri tiež interpretácie, synonymá, významy slova a čo je SYMFÓNIA v ruštine v slovníkoch, encyklopédiách a referenčných knihách:
- SYMFÓNIA vo Veľkom encyklopedickom slovníku:
(z gréckeho symphonia - súzvuk) hudobné dielo pre symfonický orchester, napísané v cyklickej sonátovej forme; najvyššia forma inštrumentálnej hudby. Zvyčajne… - SYMFÓNIA vo Veľkej sovietskej encyklopédii, TSB:
(z gréckeho symfónia - súzvuk, zo syn - spolu a telefón - zvuk), hudobná skladba v sonátovej cyklickej forme, určená ... - SYMFÓNIA v Encyklopedickom slovníku Brockhausa a Eufrona:
Symfónia (grécky súzvuk) je názov orchestrálnej skladby v niekoľkých častiach. S. je najrozsiahlejšou formou v oblasti koncerto-orchestrálnej hudby. Vďaka podobnosti,... - SYMFÓNIA v Modernom encyklopedickom slovníku:
- SYMFÓNIA
(lat. symfónia, z gréc. symphonia - súzvuk, dohoda), dielo pre symfonický orchester je jedným z hlavných žánrov inštrumentálnej hudby. Symfónia klasickej... - SYMFÓNIA v Encyklopedickom slovníku:
a dobre. 1. Skvelá hudba pre orchester. S. Šostakovič. Symfonická - spojená s formou symfónie, s predstavením veľkých hudobných ... - SYMFÓNIA v Encyklopedickom slovníku:
, -i, f. 1. Veľké (zvyčajne štyri časti) hudobné dielo pre orchester. 2. prekl. Harmonické spojenie, kombinácia niečoho. (kniha). … - SYMFÓNIA vo Veľkom ruskom encyklopedickom slovníku:
SYMPHONY (z gréc. symphonia - súzvuk), hudba. práca pre symfóniu orchester, napísaný vo forme sonátového cyklu; najvyššia forma inštr. hudba. … - SYMFÓNIA v Collierovom slovníku:
skladba pre orchester, zvyčajne v troch alebo štyroch častiach, niekedy vrátane hlasov. Pôvod. Na konci baroka vzniklo množstvo ... - SYMFÓNIA v úplne akcentovanej paradigme podľa Zaliznyaka:
symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, symfónia, ... - SYMFÓNIA v Populárnom vysvetľovacom-encyklopedickom slovníku ruského jazyka:
-a dobre. 1) Veľké hudobné dielo pre symfonický orchester napísané formou cyklickej sonáty. Sibeliove symfónie. 2) trans. , čo … - SYMFÓNIA v Novom slovníku cudzích slov:
(gr. symfónia súzvuk) 1) najvyšší druh inštrumentálnej hudby, kap. arr. pre symfonický orchester; s. zvyčajne pozostáva zo 4 častí; … - SYMFÓNIA v Slovníku cudzích výrazov:
[ 1. najvyšší druh inštrumentálnej hudby, kap. arr. pre symfonický orchester; s. zvyčajne pozostáva zo 4 častí; 2. *harmonický... - SYMFÓNIA v slovníku synoným Abramova:
vidieť harmóniu... - SYMFÓNIA v slovníku synonym ruského jazyka:
harmónia, symfonietta... - SYMFÓNIA v Novom výkladovom a odvodzovacom slovníku ruského jazyka Efremova:
a. 1) a) Veľké hudobné dielo pre orchester, zvyčajne pozostávajúce z 3-4 častí, ktoré sa navzájom líšia povahou hudby a ... - SYMFÓNIA v Slovníku ruského jazyka Lopatin:
Symfónia, -i (index slovníka posvätného ... - SYMFÓNIA v Úplnom pravopisnom slovníku ruského jazyka:
symfónia a... - SYMFÓNIA v pravopisnom slovníku:
symfónia, -i (index slovníka posvätného ... - SYMFÓNIA v pravopisnom slovníku:
symfónia a... - SYMFÓNIA v Slovníku ruského jazyka Ozhegov:
veľká (zvyčajne štvorčlenná) hudobná skladba pre orchester symfónia harmonická kombinácia niečoho Lib S. farieb. C. farby. OD.… - SYMFÓNIE v slovníku Dahl:
Žena , grécky , hudba harmónia, súzvuk zvukov, viachlasný súzvuk. | Špeciálny druh viachlasnej hudobnej kompozície. Haydenova symfónia. | Symfónia… - SYMFÓNIA v Modernom výkladovom slovníku, TSB:
(z gréckeho symphonia - súzvuk), hudobné dielo pre symfonický orchester, napísané v sonátovej cyklickej forme; najvyššia forma inštrumentálnej hudby. Zvyčajne…
symfónia(z gréčtiny." súzvuk“) je žáner symfonickej inštrumentálnej hudby viacdielnej kanonizovanej formy základného svetonázorového obsahu.
Symfónia je zvyčajne skladba pre orchester, ktorá sa zvyčajne skladá z niekoľkých častí. Ide o jeden z najdôležitejších žánrov európskej hudby. V modernom zmysle sa slovo „symfónia“ začalo používať relatívne nedávno, v 70. rokoch. XVIII storočia., Ale je to veľmi starovekého pôvodu.
„Symfónia“ v gréčtine znamená „súzvuk“. V dávnych dobách sa tak nazýval spev zboru alebo súboru v súzvuku, ako aj každé harmonické, harmonické spojenie tónov. V stredoveku sa toto slovo vytratilo z používania a jeho nový život začal v renesancii. Ale teraz má slovo „symfónia“ iný význam. V hudbe renesancie boli bežné polyfónne vokálne skladby - madrigaly, canzones. Zvyčajne sa otvárali inštrumentálnym úvodom, ktorý sa nazýval symfónia. Keď v 17. stor Ak vznikla opera, začínala sa aj symfóniou – neskôr sa takýto úvod zmenil na predohru.
V XVIII storočí. symfónia sa postupne oddelila od vokálnej hudby a začala svoju samostatnú existenciu. Klasickú podobu nadobudol v 80. – 90. rokoch 18. storočia. v diele veľkých rakúskych skladateľov J. Haydna a W. A. Mozarta. Odvtedy sa začína brilantná cesta symfónie v európskej a svetovej hudbe a práve vtedy sa stala najdôležitejším, ústredným žánrom hudobnej tvorivosti.
Symfónia klasického typu pozostáva zo štyroch kontrastných častí. Spolu tvoria sonátovo-symfonický cyklus. Cyklická štruktúra umožňuje skladateľovi vyjadrovať rôzne pocity a nálady, vytvárať hudobne zovšeobecnený obraz doby. Symfónie Mozarta, L. Beethovena, L. I. Čajkovského, I. Brahmsa, G. Mahlera, D. D. Šostakoviča nám dávajú možnosť precítiť jedinečnú atmosféru doby tak, ako to robí román alebo divadelná hra.
Prvá časť klasickej symfónie je energická, aktívna, v rýchlom tempe spravidla zaujíma dominantné postavenie v cykle. Pre ňu si skladatelia vyberajú jednu z najkomplexnejších foriem – sonátu. Sonátová forma umožňuje porovnávať kontrastné, dokonca protichodné obrazy - hrdinské a lyrické, ponuré a svetlé, slávnostné a nežné. Tieto obrazy sa potom vyvíjajú, menia a v dôsledku toho získavajú nový charakter, nové črty. Prvá časť symfónie sa preto vyznačuje osobitnou všestrannosťou a bohatosťou.
Druhá časť je zvyčajne pomalá. Jej charakter určujú lyrické, kontemplatívne nálady, sú v nej melódie blízke piesni, romantike. Ide o oddych po turbulentných udalostiach prvého dielu. Existujú však aj ústupky. Napríklad v jednej z Haydnových symfónií a v Beethovenovej Hrdinskej symfónii v druhej časti znie pohrebný pochod, žalostne a majestátne.
Treťou časťou symfónií Haydna a Mozarta je menuet. Menuety v klasických symfóniách sú ako náčrty, obrázky zo života. Haydnove menuety sú plné ľudovej zábavy, blízke sedliackym tancom; v Mozartovi sú lyrické, miestami s nádychom dramatickej vážnosti. Beethoven nahradil scherzo menuet hudbou svižnej, živej povahy, často s humorným podfarbením.
Štvrtá časť je záverečná. Rovnako ako prvá je písaná rýchlym tempom, no vnútorne nie je taká kontrastná. Ak zmysel prvej časti spočíva v protichodnom postavení obrazov a dramatického vývoja deja, tak vo finále prichádza na rad afirmácia a zhrnutie. Nie náhodou je finále často písané formou ronda, založeného na kruhovom návrate tej istej témy, teda na hlásaní tej istej hudobnej myšlienky. Súčasne so sonátovo-symfonickým cyklom vznikla aj orchestrálna skladba, pre ktorú symfónie vznikli - symfonický orchester.
Za vrchol v historickom vývoji symfónie sa považuje Beethovenovo dielo. Každá jeho symfónia je novou, individuálnou verziou žánru, každá obsahuje celý svet filozofických myšlienok, je výsledkom skladateľovej tvrdej myšlienkovej práce.
Beethovenova 9. symfónia, ktorá korunuje jeho kariéru, otvára novú stránku v histórii tohto žánru. V záverečnej časti zaznie óda „Na radosť“ od F. Schillera, potvrdzujúca myšlienku univerzálneho bratstva ľudstva. Táto myšlienka, ústredná v Beethovenovom diele, je vyhlásená v mohutnom zvuku zboru a orchestra. Takto sa symfónia stáva vokálnou. Zdedili ju skladatelia nasledujúcich generácií: G. Berlioz, Mahler, A. N. Skrjabin, I. F. Stravinskij, Šostakovič písali vokálne symfónie.
Poetický text spresňuje obsah symfónie a takéto skladby patria do programovej hudby. Programová symfónia sa môže stať aj programom, ak ju skladateľ jednoducho predhovorí názvom. Haydn mal stále podobné diela, napríklad pôvodnú „Farewell Symphony“, končiacu postupným odchodom hudobníkov. V Beethovenovej 6. („Pastoračnej“) symfónii je všetkých päť častí pomenovaných. Vidíme, že programový dizajn prinútil Beethovena zvýšiť počet častí v symfónii a odkloniť sa od klasickej výstavby cyklu. Neskorší skladatelia narábajú s formou symfónie ešte voľnejšie, zväčšujú počet častí alebo naopak stláčajú cyklus na jednočasť. Zakaždým je to spojené s myšlienkou kompozície, s individuálnym plánom.
Najväčšími symfonikmi po Beethovenovi sú F. Schubert, Brahms, A. Bruckner, A. Dvořák, Mahler.
Svetový význam má symfonické dedičstvo ruských skladateľov – Čajkovského, A. P. Borodina, A. G. Glazunova, Skrjabina, S. V. Rachmaninova. Ich veľké tradície dostali bohatý a živý vývoj v tvorbe sovietskych skladateľov všetkých generácií - N. Ya. Myaskovsky, S. S. Prokofiev. A. I. Chačaturjan, T. N. Khrennikovaa, K. A. Karaev, Ya. A. Ivanov, F. M. Amirov a ďalší majstri. Najväčší symfonik našej doby bol Šostakovič. Jeho 15 symfónií je skutočnou kronikou 20. storočia.
Vzhľadom na podobnosť v štruktúre so sonátou sa sonáta a symfónia spájajú pod všeobecným názvom „sonátovo-symfonický cyklus“. V klasickej symfónii (v podobe, v akej je prezentovaná v dielach viedenských klasikov - Haydna, Mozarta a Beethovena) sú zvyčajne štyri časti. 1. časť v rýchlom tempe je písaná sonátovou formou; 2., v spomalenom zábere, je písaná vo forme variácií, rondo, rondo-sonata, komplexná trojčasť, menej často vo forme sonáty; 3. - scherzo alebo menuet - v trojdielnej forme da capo s triom (teda podľa schémy A-trio-A); 4. časť, v rýchlom tempe - v sonátovej forme, vo forme ronda alebo rondovej sonáty.
Programová symfónia je taká, ktorá je spojená so známym obsahom uvedeným v programe (vyjadreným napr. v názve alebo epigrafe), napríklad Beethovenova Pastoračná symfónia, Berliozova Fantastická symfónia atď. symfónia boli Dittersdorf, Rosetti a Haydn.
Medzi početnými hudobnými žánrami a formami patrí jedno z najčestnejších miest symfónii. Vznikol ako zábavný žáner, od začiatku 19. storočia až po súčasnosť, najcitlivejšie a najplnšie, ako žiadna iná forma hudobného umenia, reflektuje svoju dobu. Symfónie Beethovena a Berlioza, Schuberta a Brahmsa, Mahlera a Čajkovského, Prokofieva a Šostakoviča sú rozsiahlymi úvahami o dobe a osobnosti, o dejinách ľudstva a spôsoboch sveta.
Symfonický cyklus, ako ho poznáme z mnohých klasických i súčasných príkladov, sa formoval približne pred dvestopäťdesiatimi rokmi. Počas tohto historicky krátkeho obdobia však symfonický žáner prešiel dlhú cestu. Dĺžka a význam tejto cesty bola určená práve skutočnosťou, že symfónia absorbovala všetky problémy svojej doby, dokázala odrážať komplexné, rozporuplné, plné kolosálnych prevratov doby, stelesňovala pocity, utrpenie, zápasy. ľudí. Stačí si predstaviť život spoločnosti v polovici 18. storočia – a spomenúť si na Haydnove symfónie; veľké prevraty z konca 18. a začiatku 19. storočia a Beethovenove symfónie, ktoré ich odzrkadľovali; reakcia v spoločnosti, sklamanie - a romantické symfónie; konečne všetky hrôzy, ktoré muselo ľudstvo prežiť v 20. storočí - a porovnať Beethovenove symfónie so Šostakovičovými, aby bolo jasne vidieť túto rozsiahlu, niekedy tragickú cestu. Teraz si už málokto pamätá, aké boli začiatky, aké boli počiatky tohto najkomplexnejšieho z čisto hudobných žánrov nesúvisiacich s inými umeniami.
Poďme sa v rýchlosti pozrieť na hudobnú Európu polovice 18. storočia.
V Taliansku, klasickej krajine umenia, ktorá udáva trendy vo všetkých európskych krajinách, kraľuje opera. Dominuje takzvaná opera seria („vážna“). Nie sú v ňom žiadne jasné jednotlivé obrazy, nie je tam žiadna skutočná dramatická akcia. Operná séria je striedaním rôznych duševných stavov stelesnených v podmienených postavách. Jeho najdôležitejšou časťou je ária, v ktorej sa tieto stavy prenášajú. Sú to árie hnevu a pomsty, árie-sťažnosti (lamento), žalostné pomalé árie a radostné bravúrne. Tieto árie boli natoľko zovšeobecnené, že sa dali preniesť z jednej opery do druhej bez toho, aby došlo k poškodeniu predstavenia. V skutočnosti to skladatelia často robili, najmä keď museli napísať niekoľko opier za sezónu.
Melódia sa stala prvkom opernej série. Slávne umenie talianskeho belcanta je tu na najvyššej úrovni. V áriách dosiahli skladatelia skutočné vrcholy stelesnenia konkrétneho štátu. Láska i nenávisť, radosť i zúfalstvo, hnev i smútok boli hudbou prenesené tak živo a presvedčivo, že nebolo potrebné počuť text, aby ste pochopili, o čom spevák spieva. Tým sa v podstate konečne pripravila pôda pre hudbu bez textu, ktorá zosobňuje ľudské city a vášne.
Z medzihier – vkladných scén medzi dejstvom opernej série a jej obsahom nesúvisiacim – vznikla jej veselá sestra, komická buff opera. Obsahovo demokratická (jej protagonistami neboli mytologickí hrdinovia, králi a rytieri, ale obyčajní ľudia z ľudu) sa zámerne stavala proti dvornému umeniu. Opera-buff sa vyznačoval prirodzenosťou, živosťou akcie, bezprostrednosťou hudobného jazyka, často priamo súvisiacim s folklórom. Obsahoval vokálne jazykolamy, komickú parodickú koloratúru, živé a ľahké tanečné melódie. Finále dejstiev sa odvíjali ako súbory, v ktorých herci spievali niekedy aj naraz. Niekedy sa takémuto finále hovorilo „zamotanie“ alebo „zmätok“, akcia sa do nich prevalila tak rýchlo a intrigy sa ukázali ako mätúce.
V Taliansku sa rozvíjala aj inštrumentálna hudba a predovšetkým žáner, ktorý je s operou najužšie spojený – predohra. Ako orchestrálny úvod k opernému predstaveniu si z opery požičal svetlé, výrazné hudobné témy, podobné melódiám árií.
Vtedajšia talianska ouvertúra pozostávala z troch častí – rýchlej (Allegro), pomalej (Adagio alebo Andante) a opäť rýchlej, najčastejšie Menuet. Nazvali to sinfonia – v preklade z gréčtiny – súzvuk. Postupom času sa predohry začali hrať nielen v divadle pred otvorením opony, ale aj samostatne, ako samostatné orchestrálne skladby.
Koncom 17. a začiatkom 18. storočia sa v Taliansku objavila brilantná plejáda virtuóznych huslistov, ktorí boli zároveň nadanými skladateľmi. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli a ďalší, ktorí dokonale ovládali husle – hudobný nástroj, ktorý sa svojou výraznosťou dá prirovnať k ľudskému hlasu – vytvorili rozsiahly husľový repertoár najmä z diel, ktoré sa nazývali sonáty (z tal. sonare - zvuk). V nich, podobne ako v klavírnych sonátach Domenica Scarlattiho, Benedetta Marcella a iných skladateľov, sa vyvinuli niektoré spoločné štruktúrne znaky, ktoré potom prešli do symfónie.
Hudobný život Francúzska sa formoval inak. Hudbu spojenú so slovom a činom tam už dlho milujú. Baletné umenie bolo vysoko rozvinuté; pestoval sa osobitný druh opery - lyrická tragédia, podobná tragédiám Corneille a Racine, ktorá mala odtlačok špecifického života kráľovského dvora, jeho etikety, jeho slávností.
Francúzski skladatelia pri tvorbe inštrumentálnych hier priťahovali dej, program, verbálnu definíciu hudby. „Flying Cap“, „Reapers“, „Tamburína“ - takzvané čembalové kusy, ktoré boli buď žánrovými náčrtmi alebo hudobnými portrétmi - „Pôvabný“, „Jemný“, „Prácny“, „Koketný“.
Väčšie diela, pozostávajúce z niekoľkých častí, odvíjali svoj pôvod od tanca. Prísna nemecká allemande, pohyblivá, ako kĺzavá francúzska zvonkohra, majestátna španielska sarabanda a svižný gigue - ohnivý tanec anglických námorníkov - sú v Európe už dlho známe. Boli základom žánru inštrumentálnej suity (z francúzskeho suita – sekvencia). Do suity boli často zahrnuté ďalšie tance: menuet, gavota, polonéza. Pred allemandou mohla zaznieť úvodná predohra, v strede suity meraný tanečný pohyb občas prerušila voľná ária. No chrbtová kosť suity – štyri rôznorodé tance rôznych národov – bola určite prítomná v rovnakom slede, načrtla štyri rôzne nálady, vedúce poslucháča od pokojného pohybu úvodu až k vzrušujúcemu prudkému finále.
Suity napísali mnohí skladatelia, a to nielen vo Francúzsku. Významnú poctu im vzdal aj velikán Johann Sebastian Bach, s ktorého menom, ako aj celkovo s nemeckou hudobnou kultúrou tej doby, sa spája mnoho hudobných žánrov.
V krajinách nemeckého jazyka, teda v početných nemeckých kráľovstvách, kniežatstvách a episkopátoch (pruské, bavorské, saské atď.), ako aj v rôznych oblastiach mnohonárodnostného rakúskeho cisárstva, ktoré vtedy zahŕňalo „ľud hudobníkov“ - Česko zotročené Habsburgovcami - oddávna sa pestuje inštrumentálna hudba. V každom malom meste, mestečku či dokonca dedine boli huslisti a violončelisti, po večeroch zneli sólo i súborové skladby hrané s nadšením ochotníkov. Hudobnými strediskami sa zvyčajne stávali kostoly a k nim pridružené školy. Učiteľ bol spravidla aj kostolným organistom, ktorý na sviatky predvádzal hudobné fantázie, ako najlepšie vedel. Vo veľkých nemeckých protestantských centrách ako Hamburg alebo Lipsko sa formovali aj nové formy hudby: organové koncerty v katedrálach. Na týchto koncertoch odzneli predohry, fantasy, variácie, zborové úpravy a hlavne fúgy.
Fúga je najkomplexnejší typ polyfónnej hudby, vrchol dosahuje v tvorbe J.S. Bach a Händel. Jeho názov pochádza z latinského fuga – beh. Je to polyfónne dielo založené na jedinej téme, ktoré sa pohybuje (beží!) od hlasu k hlasu. V tomto prípade sa každá melodická linka nazýva hlas. V závislosti od počtu takýchto riadkov môže byť fúga troj-, štvor-, päťčlenná atď. V strednom úseku fúgy sa po úplnom odznení témy všetkými hlasmi začína rozvíjať: buď jej začiatok sa objaví a opäť zmizne, potom sa rozšíri (každá z nôt, ktoré ho tvoria, bude dvojnásobne dlhšia), potom sa zmenší - tomu sa hovorí téma pribúdanie a téma ubúdanie. Môže sa stať, že v rámci témy sa zostupné melodické pohyby stanú vzostupnými a naopak (téma v obehu). Melodický pohyb sa pohybuje z jednej klávesy na druhú. A v záverečnej časti fúgy – Repríze – zaznie opäť téma nezmenená, ako na začiatku, vracia sa k hlavnému tónu hry.
Pripomeňme si ešte raz: hovoríme o polovici XVIII storočia. V útrobách aristokratického Francúzska sa schyľuje k výbuchu, ktorý veľmi skoro zmetie absolútnu monarchiu. Príde nová doba. Medzitým sa revolučné nálady len implicitne pripravujú, francúzski myslitelia vystupujú proti existujúcemu poriadku. Žiadajú rovnosť všetkých ľudí pred zákonom, hlásajú myšlienky slobody a bratstva.
Umenie, ktoré odráža zmeny v spoločenskom živote, je citlivé na zmeny politickej atmosféry v Európe. Príkladom toho sú nesmrteľné komédie Beaumarchais. To platí aj pre hudbu. Práve teraz, v zložitom období plnom udalostí kolosálneho historického významu, sa v hlbinách starých, dávno etablovaných hudobných žánrov a foriem rodí nový, skutočne revolučný žáner, symfónia. Stáva sa kvalitatívne, zásadne iným, pretože stelesňuje nový typ myslenia.
Treba si myslieť, že nie je náhoda, že s predpokladmi v rôznych regiónoch Európy sa žáner symfónie napokon sformoval v krajinách nemeckého jazyka. V Taliansku bola opera národným umením. V Anglicku sa duch a zmysel historických procesov, ktoré sa tam odohrávajú, naplno prejavili v oratóriách Georga Händela, pôvodom Nemca, ktorý sa stal národným anglickým skladateľom. Vo Francúzsku sa do popredia dostali iné druhy umenia, najmä literatúra a divadlo, konkrétnejšie, priamo a zrozumiteľne vyjadrujúce nové myšlienky, ktoré vzrušovali svet. Diela Voltaira, Rousseauova „Nová Eloise“, Montesquieuove „Perzské listy“ v zastretej, ale celkom zrozumiteľnej forme predkladali čitateľom štipľavú kritiku existujúceho poriadku, ponúkali svoje vlastné verzie štruktúry spoločnosti.
Keď po niekoľkých desaťročiach prišla na rad hudba, pieseň vstúpila do radov revolučných vojsk. Najvýraznejším príkladom je Pieseň Rýnskej armády, ktorú cez noc vytvoril dôstojník Rouger de Lisle a ktorá sa stala svetoznámou pod názvom Marseillaise. Po piesni sa objavila hudba masových slávností a smútočných obradov. A napokon takzvaná „opera spásy“, ktorej obsahom bolo prenasledovanie hrdinu či hrdinky tyranom a ich záchrana vo finále opery.
Symfónia si na druhej strane vyžadovala úplne iné podmienky ako na vznik, tak aj na plné vnímanie. Ukázalo sa, že „ťažisko“ filozofického myslenia, ktoré najplnšie odrážalo hlbokú podstatu spoločenských zmien tej doby, bolo v Nemecku, ďaleko od sociálnych búrok.
Tam vytvorili svoje nové filozofické systémy, najprv Kant a neskôr Hegel. Podobne ako filozofické systémy, aj symfónia – najfilozofickejší, dialekticky procedurálny žáner hudobnej tvorivosti – sa napokon sformovala tam, kam doliehali len vzdialené ozveny prichádzajúcich búrok. Kde sa navyše vyvinuli stabilné tradície inštrumentálnej hudby.
Mannheim, hlavné mesto bavorských voličov Falcka, sa stalo jedným z hlavných centier pre vznik nového žánru. Tu, na geniálnom dvore kurfirsta Karla Theodora, sa v 40. – 50. rokoch 18. storočia uchovával vynikajúci, azda najlepší orchester vtedajšej Európy.
V tom čase sa symfonický orchester len formoval. A v súdnych kaplnkách a v katedrálach orchestrálne skupiny so stabilným zložením neexistovali. Všetko záviselo od prostriedkov, ktorými disponoval panovník alebo richtár, od vkusu tých, ktorí mohli rozkazovať. Orchester hral spočiatku len úžitkovú úlohu, sprevádzal buď dvorné vystúpenia, alebo slávnosti a slávnostné obrady. A považoval sa predovšetkým za operný alebo cirkevný súbor. Orchester spočiatku zahŕňal violy, lutny, harfy, flauty, hoboje, lesné rohy a bicie. Postupne sa skladba rozširovala, pribúdalo sláčikových nástrojov. Postupom času husle nahradili starodávnu violu a čoskoro obsadili popredné miesto v orchestri. Drevené dychové nástroje - flauty, hoboje, fagoty - sa zjednotili do samostatnej skupiny a objavili sa medené - píšťaly, trombóny. Povinným nástrojom orchestra bolo čembalo, ktoré tvorí harmonický základ zvuku. Za ním zvyčajne nasledoval vedúci orchestra, ktorý pri hre zároveň dával pokyny k vstupu.
Koncom 17. storočia sa rozšírili inštrumentálne súbory, ktoré existovali na dvoroch šľachticov. Každý z početných drobných kniežat rozdrobeného Nemecka chcel mať svoju kaplnku. Začal sa prudký rozvoj orchestrov, vznikli nové metódy orchestrálnej hry.
Mannheimský orchester obsahoval 30 sláčikových nástrojov, 2 flauty, 2 hoboje, klarinet, 2 fagoty, 2 trúbky, 4 lesné rohy, tympány. Toto je chrbtica moderného orchestra, skladba, pre ktorú vytvorili svoje diela mnohí skladatelia nasledujúcej éry. Orchester viedol vynikajúci český hudobník, skladateľ a virtuózny huslista Jan Václav Stamitz. Medzi umelcov orchestra patrili aj najväčší hudobníci svojej doby, nielen virtuózni inštrumentalisti, ale aj talentovaní skladatelia Franz Xaver Richter, Anton Filz a ďalší. Predurčili vynikajúcu úroveň interpretačného majstrovstva orchestra, ktorý sa preslávil svojimi úžasnými kvalitami - dovtedy nedosiahnuteľnou rovnomernosťou husľových úderov, najjemnejšou gradáciou dynamických odtieňov, ktoré sa predtým vôbec nepoužívali.
Podľa súčasného kritika Bosslera „presné dodržiavanie klavíra, forte, rinforzando, postupný rast a zosilňovanie zvuku a potom opäť pokles jeho sily až na sotva počuteľný zvuk – to všetko bolo počuť iba v Mannheim.” Anglický milovník hudby, ktorý v polovici 18. storočia podnikol výlet do Európy, Bernie, mu dáva za pravdu: „Tento výnimočný orchester má dostatok priestoru a faziet na to, aby ukázal všetky svoje schopnosti a vytvoril skvelý efekt. Práve tu Stamitz, inšpirovaný dielami Yomelliho, po prvý raz prekročil bežné operné predohry... vyskúšali sa všetky efekty, ktoré môže vyprodukovať taká masa zvukov. Práve tu sa zrodilo crescendo a diminuendo a klavír, ktorý sa predtým používal hlavne ako ozvena a bol zvyčajne jeho synonymom, a forte boli uznané ako hudobné farby, ktoré majú svoje vlastné odtiene ... “
Práve v tomto orchestri po prvý raz zazneli štvorhlasné symfónie – skladby, ktoré boli postavené podľa jedného typu a mali spoločné vzory, ktoré absorbovali mnohé črty už existujúcich hudobných žánrov a foriem a pretavili ich do kvalitatívne odlišného; nová jednota.
Prvé akordy sú rezolútne, plne znejúce, akoby vyzývali na pozornosť. Potom široké, rozsiahle pohyby. Opäť akordy, nahradené arpeggiátovým pohybom, a potom - živá, elastická, ako rozvíjajúca sa pružina, melódia. Zdá sa, že sa môže odvíjať donekonečna, ale odchádza rýchlejšie, ako si to povesť želá: ako hosť predstavený majiteľom domu počas veľkej recepcie, vzďaľuje sa od nich a ustupuje ostatným, ktorí ho nasledujú. Po chvíli všeobecného pohybu sa objavuje nová téma – jemnejšia, ženská, lyrická. Ale neznie dlho, rozplývajúc sa v pasážach. Po nejakom čase tu máme opäť prvú tému, mierne pozmenenú, v novom kľúči. Hudobný prúd rýchlo plynie, vracia sa k pôvodnej, hlavnej tónine symfónie; druhá téma sa organicky spája s týmto prúdom, teraz sa charakterom a náladou približuje prvej. Prvú časť symfónie ukončujú naplno znejúce radostné akordy.
Druhá časť, andante, sa odvíja pomaly, melodicky, odhaľuje výraznosť sláčikových nástrojov. Ide o akúsi áriu pre orchester, v ktorej dominuje lyrika a elegická meditácia.
Tretia časť je elegantný galantný menuet. Vytvára pocit uvoľnenia, uvoľnenia. A potom ako ohnivá smršť praskne zápalné finále. Taká je vo všeobecnosti symfónia tej doby. Jeho pôvod je vysledovaný veľmi jasne. Prvá časť najviac pripomína opernú predohru. Ak je však predohra iba prahom predstavenia, tak tu sa vo zvukoch odvíja samotná akcia. Typicky operné hudobné obrazy predohry – hrdinské fanfáry, dojímavé lamentá, búrlivé veselie bifľošov – sa nespájajú s konkrétnymi javiskovými situáciami a nenesú v sebe charakteristické individuálne črty (pripomeňme, že ani slávna predohra k Rossiniho „Holičovi sevillskému“ nemá nič). do činenia s obsahom opery a vôbec, bola pôvodne napísaná pre inú operu!), odtrhol sa od operného predstavenia a začal samostatný život. V ranej symfónii sú ľahko rozpoznateľné - rezolútne odvážne intonácie hrdinských árií v prvých témach, nazývaných hlavnými, jemné vzdychy lyrických árií v druhých - takzvaných vedľajších - témach.
Operné princípy ovplyvňujú aj textúru symfónie. Ak skôr v inštrumentálnej hudbe dominovala polyfónia, teda polyfónia, v ktorej znelo súčasne viacero samostatných melódií, prelínajúcich sa navzájom, tak sa tu začala rozvíjať polyfónia iného typu: jedna hlavná melódia (najčastejšie husľová), výrazná, výrazná, sprevádzaná tzv. sprievod, ktorý to odpáli, zdôrazňuje jej individualitu. Tento typ polyfónie, nazývaný homofónny, úplne dominuje ranej symfónii. Neskôr sa v symfónii objavujú techniky prevzaté z fúgy. V polovici 18. storočia by to však mohlo byť skôr v kontraste s fúgou. Spravidla bola jedna téma (existujú dvojité, trojité a viac fúg, v ktorých však témy nie sú protikladné, ale porovnávané). Veľakrát sa opakovala, no nič jej neodporovalo. Bola to v podstate axióma, téza, ktorá bola opakovane presadzovaná bez toho, aby vyžadovala dôkaz. V symfónii je to naopak: vo vzhľade a ďalších zmenách rôznych hudobných tém a obrazov zaznievajú spory a rozpory. Možno je to najvýraznejší znak doby. Pravda už nie je daná. Treba to hľadať, dokázať, podložiť porovnávaním rôznych názorov, objasňovaním rôznych uhlov pohľadu. Toto robia encyklopedisti vo Francúzsku. Nemecká filozofia je postavená na tejto, najmä Hegelovej dialektickej metóde. A samotný duch éry hľadania sa odráža v hudbe.
Takže symfónia si z opernej predohry veľa vzala. Najmä princíp striedania kontrastných úsekov bol načrtnutý v predohre, ktorá v symfónii prechádzala do samostatných častí. V jeho prvej časti – rôzne stránky, iné pocity človeka, život v jeho pohybe, vývoj, zmeny, kontrasty a konflikty. V druhej časti - reflexia, koncentrácia, niekedy - texty. V treťom - relaxácia, zábava. A nakoniec, finále - obrázky zábavy, radosti a zároveň - výsledok hudobného vývoja, dokončenie symfonického cyklu.
Takto sa bude symfónia vyvíjať do začiatku 19. storočia, v najvšeobecnejšom zmysle to bude napríklad Brahms alebo Bruckner. A v čase svojho narodenia si zrejme mnohé časti požičala zo suity.
Allemande, courante, sarabande a gigue sú štyri povinné tance, štyri rôzne nálady, ktoré možno ľahko vystopovať v raných symfóniách. Tanečnosť sa v nich prejavuje veľmi zreteľne najmä vo finále, ktoré charakterom melódie, tempa, dokonca aj taktu často pripomína jig. Pravda, niekedy má finále symfónie bližšie k iskrivému finále opery-buffa, ale aj tak je jeho príbuznosť s tancom, napríklad tarantellou, nepopierateľná. Čo sa týka tretej časti, volá sa menuet. Len v Beethovenovom diele nahradí scherzo galantného dvorana alebo hrubý obyčajný ľudový tanec.
Novorodená symfónia tak absorbovala črty mnohých hudobných žánrov, navyše žánrov zrodených v rôznych krajinách. A vznik symfónie sa odohrával nielen v Mannheime. Bola tu Viedenská škola, ktorú zastupoval najmä Wagenseil. Giovanni Battista Sammartini napísal v Taliansku orchestrálne diela, ktoré nazýval symfónie a sú určené na koncertné uvedenie, nesúvisiace s operným predstavením. Vo Francúzsku sa mladý skladateľ, rodený Belgičan, François-Joseph Gossec, priklonil k novému žánru. Jeho symfónie sa nestretli s odozvou a uznaním, keďže vo francúzskej hudbe dominovalo programovanie, no jeho tvorba zohrala úlohu pri rozvoji francúzskej symfónie, pri obnove a rozšírení symfonického orchestra. Český skladateľ František Míša, ktorý svojho času pôsobil vo Viedni, veľa a úspešne experimentoval pri hľadaní symfonickej formy. Jeho slávny krajan Josef Myslevichka mal zaujímavé experimenty. Všetci títo skladatelia však boli samotári a v Mannheime vznikla celá škola, ktorá navyše disponovala prvotriednym „nástrojom“ – slávnym orchestrom. Vďaka šťastnej príležitosti, že falcký kurfirst bol veľkým milovníkom hudby a mal dostatok finančných prostriedkov, aby si mohol dovoliť obrovské výdavky na ňu, sa v hlavnom meste Falcka zišli skvelí hudobníci z rôznych krajín - Rakúšania a Česi, Taliani a Prusi - z ktorých každý prispel vlastným príspevkom k vytvoreniu nového žánru. V dielach Jana Stamitza, Franza Richtera, Carla Toeschiho, Antona Filza a ďalších majstrov vznikla symfónia v hlavných črtách, ktoré potom prešli do tvorby viedenských klasikov – Haydna, Mozarta, Beethovena.
V priebehu prvého polstoročia existencie nového žánru sa tak vytvoril jasný štrukturálny a dramatický model, schopný pojať rôznorodý a veľmi významný obsah. Základom tohto modelu bola forma, ktorá sa nazývala sonáta alebo sonata allegro, keďže sa najčastejšie písala v tomto tempe a neskôr bola typická ako pre symfóniu, tak aj pre inštrumentálne sonáty a koncerty. Jeho zvláštnosťou je spájanie rôznych, často kontrastných hudobných tém. Tri hlavné časti sonátovej formy – expozícia, vývoj a repríza – pripomínajú začiatok, vývoj deja a rozuzlenie klasickej drámy. Po krátkom úvode alebo priamo na začiatku expozície „postavy“ hry prechádzajú pred poslucháčov.
Prvá hudobná téma, ktorá znie v hlavnej tónine diela, sa nazýva hlavná. Častejšie - hlavná téma, ale správnejšie - hlavná časť, pretože v rámci hlavnej časti, to znamená určitého segmentu hudobnej formy, zjednoteného jednou kľúčovou a obraznou komunitou, časom nie jedna, ale niekoľko rôznych tém - začali sa objavovať melódie. Po hlavnej šarži, v skorých vzorkách priamym porovnaním a v neskorších cez malú spojovaciu šaržu, začína vedľajšia šarža. Jeho téma alebo dve alebo tri rôzne témy kontrastujú s hlavnou. Najčastejšie je bočná časť viac lyrická, mäkká, ženská. Znie v inej, ako hlavnej, vedľajšej (odtiaľ názov strany) tónine. Existuje pocit nestability a niekedy konflikt. Expozícia končí záverečnou časťou, ktorá v raných symfóniách buď absentuje, alebo hrá čisto pomocnú úlohu akejsi pointy, opony po prvom dejstve hry a následne, počnúc Mozartom, nadobúda význam nezávislý tretí obrázok spolu s hlavným a vedľajším.
Stredná časť sonátovej formy je vývoj. Ako vyplýva z názvu, rozvíjajú sa v ňom hudobné témy, s ktorými sa poslucháči zoznámili v expozícii (teda skôr vystavené), podliehajú zmenám a vývoju. Zároveň sú zobrazené z nových, niekedy nečakaných strán, vyčleňujú sa z nich upravené, samostatné motívy - tie najaktívnejšie, ktoré sa neskôr zrážajú. Rozvoj je dramaticky efektívny úsek. Na jej konci prichádza vyvrcholenie, ktoré vedie k repríze – tretiemu úseku formy, akési rozuzlenie drámy.
Názov tejto časti pochádza z francúzskeho slova reprendre – obnoviť. Ide o obnovu, zopakovanie expozície, ale upravenú: obe strany teraz znejú v hlavnej tónine symfónie, akoby udalosti vývoja uviedli do súladu. Niekedy sú v repríze ďalšie zmeny. Dá sa napríklad orezať (bez tém, ktoré odzneli v expozícii), zrkadliť (najprv zaznie vedľajšia časť a až potom hlavná časť). Prvá časť symfónie sa zvyčajne končí codou - záverom, ktorý potvrdzuje hlavný kľúč a hlavný obraz sonáty allegro. V raných symfóniách je coda malá a je v podstate trochu rozvinutou záverečnou časťou. Neskôr, napríklad s Beethovenom, nadobúda významné rozmery a stáva sa akýmsi druhým vývojom, v ktorom sa v boji opäť dosiahne potvrdenie.
Táto forma sa ukázala ako skutočne univerzálna. Od čias symfónie až po súčasnosť úspešne stelesňuje najhlbší obsah, sprostredkúva nevyčerpateľné bohatstvo obrazov, myšlienok, problémov.
Druhá časť symfónie je pomalá. Zvyčajne je to lyrický stred cyklu. Jeho forma je rôzna. Najčastejšie je trojdielny, to znamená, že má podobné krajné úseky a s nimi kontrastný stredný úsek, ale môže byť napísaný aj vo forme variácií alebo akejkoľvek inej, až po sonátu, ktorá sa štrukturálne odlišuje od prvej. allegro len v pomalšom tempe a menej efektívnom vývoji.
Tretia časť - v raných symfóniách menuet a od Beethovena po súčasnosť - scherzo - spravidla komplexná trojdielna forma. Obsah tejto časti sa v priebehu desaťročí modifikoval a skomplikoval od každodenného či súdneho tanca cez monumentálne mocné scherzá 19. storočia a neskôr až po impozantné obrazy zla, násilia v symfonických cykloch Šostakoviča, Honeggera a iných symfonikov 20. storočí. Od druhej polovice 19. storočia sa scherzo čoraz viac striedalo s pomalou časťou, ktorá sa v súlade s novým poňatím symfónie stáva akousi duchovnou reakciou nielen na udalosti prvej časti, ale aj do obrazného sveta scherza (najmä v Mahlerových symfóniách).
Finále, ktoré je výsledkom cyklu, je v raných symfóniách častejšie písané vo forme rondovej sonáty. Striedanie veselých epizód iskriacich veselosťou s neustálym tanečným refrénom - takáto štruktúra prirodzene vyplývala z povahy obrazov finále, z jeho sémantiky. Postupom času, s prehlbovaním problémov symfónie, sa začali meniť zákonitosti štruktúry jej finále. Finále sa začali objavovať v sonátovej forme, vo forme variácií, vo voľnej forme a nakoniec - s prvkami oratória (so zahrnutím zboru). Zmenili sa aj jeho obrazy: nielen životné potvrdenie, ale niekedy aj tragické vyústenie (Čajkovského Šiesta symfónia), zmierenie sa s krutou realitou či únik z nej do sveta snov, ilúzie sa stali obsahom finále symfonického cyklu v r. posledných sto rokov.
Ale späť na začiatok slávnej cesty tohto žánru. Objavil sa v polovici 18. storočia a dosiahol klasickú dokonalosť v diele veľkého Haydna.
