Čo zahŕňa mnoho techník a štýlov. Počas svojej histórie prešiel veľkým množstvom zmien. Pribudli nové tradície a žánre a ostali pôvodné japonské princípy. Spolu s úžasnou históriou Japonska je obraz pripravený predstaviť aj mnoho jedinečných a zaujímavých faktov.
staroveké Japonsko
Prvé štýly sa objavujú v najstaršom historickom období krajiny, ešte pred Kristom. e. Vtedy bolo umenie dosť primitívne. Najprv v roku 300 p.n.l. objavili sa rôzne geometrické obrazce, ktoré boli vyrobené na keramike pomocou tyčiniek. Takýto nález archeológov ako ozdoba na bronzových zvonoch patrí do neskoršej doby.
O niečo neskôr, už v roku 300 po Kr. objavujú sa skalné maľby, ktoré sú oveľa rozmanitejšie ako geometrický ornament. Toto sú už plnohodnotné obrázky s obrázkami. Našli sa vo vnútri krýpt a pravdepodobne ľudia, ktorí sú na nich namaľovaní, boli pochovaní na týchto pohrebiskách.
V 7. storočí nášho letopočtu. e. Japonsko preberá písmo, ktoré pochádza z Číny. Približne v rovnakom čase odtiaľ pochádzajú prvé maľby. Potom sa maľba javí ako samostatná sféra umenia.
edo
Edo zďaleka nie je prvým a nie posledným obrazom, no bola to práve ona, ktorá priniesla do kultúry veľa nového. Po prvé, je to jas a brilancia, ktoré boli pridané k bežnej technike, vykonávané v čiernych a šedých tónoch. Sotasu je považovaný za najvýznamnejšieho umelca tohto štýlu. Vytváral klasické obrazy, no jeho postavy boli veľmi pestré. Neskôr prešiel na prírodu a väčšina krajiny bola urobená na pozadí pozlátenia.
Po druhé, v období Edo sa objavila exotika, žáner namban. Využívala moderné európske a čínske techniky, ktoré sa prelínali s tradičnými japonskými štýlmi.
A do tretice sa objavuje škola Nang. Umelci v ňom najskôr úplne napodobňujú alebo dokonca kopírujú diela čínskych majstrov. Potom sa objaví nová vetva, ktorá sa nazýva bunjing.
Obdobie modernizácie
Obdobie Edo nahrádza Meiji a teraz je japonská maľba nútená vstúpiť do novej etapy vývoja. V tejto dobe sa na celom svete presadzovali žánre ako western a podobne, a tak sa modernizácia umenia stala bežným stavom vecí. V Japonsku, krajine, kde si všetci ľudia ctia tradície, sa však v tom čase situácia výrazne líšila od situácie v iných krajinách. Tu sa konkurencia medzi európskymi a miestnymi technikmi prudko rozhorí.
Vláda v tejto fáze uprednostňuje mladých umelcov, ktorí sú veľkým prísľubom zlepšiť svoje zručnosti v západných štýloch. Preto ich posielajú do škôl v Európe a Amerike.
Ale to bolo len na začiatku obdobia. Faktom je, že známi kritici dosť silne kritizovali západné umenie. Aby nedošlo k veľkému rozruchu okolo tohto problému, európske štýly a techniky sa začali zakazovať na výstavách, zastavilo sa ich vystavovanie, ako aj ich popularita.
Vznik európskych štýlov
Potom prichádza obdobie Taisho. V tomto čase sa mladí umelci, ktorí odišli študovať na zahraničné školy, vracajú do vlasti. Prirodzene, prinášajú so sebou nové štýly japonskej maľby, ktoré sú veľmi podobné tým európskym. Objavuje sa impresionizmus a postimpresionizmus.
V tejto fáze sa vytvára veľa škôl, v ktorých sa oživujú staré japonské štýly. No úplne sa zbaviť západných tendencií nie je možné. Preto je potrebné kombinovať niekoľko techník, aby sme potešili milovníkov klasiky aj fanúšikov modernej európskej maľby.
Niektoré školy sú financované štátom, vďaka čomu sa zachovávajú mnohé z národných tradícií. Súkromní obchodníci sú na druhej strane nútení nasledovať spotrebiteľov, ktorí chcú niečo nové, sú unavení z klasiky.
Maľba z druhej svetovej vojny
Po začiatku vojny zostala japonská maľba nejaký čas mimo diania. Vyvíjal sa samostatne a nezávisle. Ale takto to nemohlo ísť donekonečna.
Postupom času, keď sa politická situácia v krajine zhoršuje, vysoké a rešpektované osobnosti priťahujú mnohých umelcov. Niektorí z nich aj na začiatku vojny začínajú tvoriť vo vlasteneckých štýloch. Zvyšok začína tento proces iba na príkaz úradov.
Preto sa japonské výtvarné umenie počas druhej svetovej vojny nemohlo zvlášť rozvíjať. Preto sa pre maľovanie dá nazvať stagnujúcim.
Večná Suibokuga
Japonská maľba sumi-e alebo suibokuga znamená „kresba tušom“. To určuje štýl a techniku tohto umenia. Pochádzal z Číny, no Japonci sa rozhodli dať mu vlastný názov. A spočiatku táto technika nemala žiadnu estetickú stránku. Používali ho mnísi na sebazdokonaľovanie pri štúdiu zenu. Navyše si najskôr kreslili obrázky a neskôr si pri prezeraní trénovali koncentráciu. Mnísi verili, že prísne línie, nejasné tóny a tiene pomáhajú zlepšovať - to všetko sa nazýva monochromatické.
Japonská maľba tušom, napriek širokej škále malieb a techník, nie je taká zložitá, ako by sa na prvý pohľad mohlo zdať. Je založený iba na 4 parcelách:
- Chryzantéma.
- Orchidea.
- Slivkový obor.
- Bambus.
Malý počet pozemkov neumožňuje rýchly rozvoj technológie. Niektorí majstri veria, že učenie trvá celý život.
Napriek tomu, že sumi-e sa objavilo už dávno, je vždy žiadané. Navyše, s majstrami tejto školy sa dnes môžete stretnúť nielen v Japonsku, rozšírená je aj ďaleko za jeho hranicami.
Moderné obdobie
Na konci druhej svetovej vojny umenie v Japonsku prekvitalo len vo veľkých mestách, dedinčania a dedinčania mali dosť starostí. Umelci sa väčšinou snažili otočiť chrbtom k vojnovým stratám a zobraziť moderný mestský život so všetkými jeho ozdobami a črtami na plátne. Európske a americké myšlienky boli úspešne prijaté, ale tento stav netrval dlho. Mnohí majstri sa od nich začali postupne vzďaľovať smerom k japonským školám.
Vždy to zostalo v móde. Preto sa moderná japonská maľba môže líšiť iba v technike prevedenia alebo v materiáloch použitých v procese. Väčšina umelcov ale rôzne inovácie nevníma dobre.
Nemožno nespomenúť módne moderné subkultúry ako anime a podobné štýly. Mnoho umelcov sa snaží zmazať hranicu medzi klasikou a tým, čo je dnes žiadané. Z veľkej časti je tento stav spôsobený obchodom. Klasika a tradičné žánre sa v skutočnosti nekupujú, preto je nerentabilné pracovať ako umelec vo svojom obľúbenom žánri, musíte sa prispôsobiť móde.
Záver
Japonská maľba je nepochybne pokladnicou výtvarného umenia. Možno, že dotyčná krajina zostala jedinou, ktorá nenasledovala západné trendy, neprispôsobila sa móde. Napriek mnohým úderom v čase nástupu nových techník sa japonským umelcom stále darilo brániť národné tradície v mnohých žánroch. Pravdepodobne preto sú v modernej dobe na výstavách vysoko cenené obrazy vyrobené v klasických štýloch.
Je nepravdepodobné, že Yayoi Kusama bude schopná odpovedať na to, čo tvorilo základ jej kariéry umelkyne. Má 87 rokov, jej umenie je uznávané po celom svete. Veľké výstavy jej prác sa čoskoro uskutočnia v USA a Japonsku, no svetu ešte nepovedala všetko. "Je to stále na ceste." Toto vytvorím v budúcnosti,“ hovorí Kusama. V Japonsku je označovaná za najúspešnejšiu umelkyňu. Okrem toho je najdrahšou žijúcou umelkyňou: v roku 2014 sa jej obraz "White No. 28" predal za 7,1 milióna dolárov.
Kusama žije v Tokiu a už takmer štyridsať rokov je dobrovoľne v psychiatrickej liečebni. Raz za deň nechá svoje steny maľovať. Vstáva o tretej ráno, nemôže zaspať a chce dobre využiť čas v práci. „Teraz som starý, ale stále budem vytvárať viac práce a lepšiu prácu. Viac ako som urobil v minulosti. Moja myseľ je plná obrázkov,“ hovorí.
(Celkovo 17 fotiek)
Yayoi Kusama na výstave svojich prác v Londýne v roku 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Od deviatej do šiestej pracuje Kusama vo svojom trojposchodovom ateliéri z pohodlia invalidného vozíka. Môže chodiť, ale je príliš slabá. Žena pracuje na plátne rozloženom na stoloch alebo pripevnenom na podlahe. Ateliér je plný nových obrazov, jasných diel posiatych malými škvrnami. Umelkyňa to nazýva „sebaumlčanie“ – nekonečné opakovanie, ktoré prehlušuje hluk v jej hlave.
Pred odovzdávaním cien Praemium Imperiale Art Awards v roku 2006 v Tokiu. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Na druhej strane ulice sa čoskoro otvorí nová galéria a severne od Tokia sa stavia ďalšie múzeum jej umenia. Okrem toho sa otvárajú dve veľké výstavy jej tvorby. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, retrospektíva jej 65-ročnej kariéry, bola otvorená v Hirshhorn Museum vo Washingtone 23. februára a potrvá do 14. mája, potom poputuje do Seattlu, Los Angeles, Toronta a Clevelandu. Expozícia zahŕňa 60 obrazov Kusama.
Jej hrášok pokrýva všetko od šiat Louis Vuitton až po autobusy v jej rodnom meste. Kusamovo dielo sa pravidelne predáva za milióny dolárov a nachádza sa po celom svete – od New Yorku po Amsterdam. Výstavy diel japonského umelca sú také populárne, že sú potrebné opatrenia na zabránenie tlačenici a nepokojom. Napríklad na výstavu Hirschhorn sa vstupenky predávajú na určitý čas, aby sa nejako reguloval tok návštevníkov.
Prezentácia spoločného dizajnu Louis Vuitton a Yayoi Kusama v New Yorku v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Ale Kusama stále potrebuje súhlas zvonku. Keď sa jej v rozhovore pýtali, či pred desiatkami rokov dosiahla svoj cieľ stať sa bohatou a slávnou, prekvapene povedala: „Keď som bola malá, bolo pre mňa veľmi ťažké presvedčiť mamu, že sa chcem stať umelkyňou. Je naozaj pravda, že som bohatý a slávny?"
Kusama sa narodil v Matsumoto, v horách stredného Japonska, v roku 1929 v bohatej a konzervatívnej rodine, ktorá predávala sadenice. Nebol to však šťastný domov. Jej matka opovrhla svojim podvádzaným manželom a poslala malého Kusamu, aby ho špehoval. Dievča videlo svojho otca s inými ženami a to v nej vyvolalo celoživotnú averziu k sexu.
Výloha Louis Vuitton navrhnutá Kusama v roku 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Ako dieťa začala pociťovať zrakové a sluchové halucinácie. Keď prvýkrát uvidela tekvicu, predstavila si, že sa s ňou rozpráva. Budúca umelkyňa sa vyrovnávala s víziami vytváraním opakujúcich sa vzorov, aby prehlušila myšlienky v jej hlave. Už v takom mladom veku sa pre ňu umenie stalo akousi terapiou, ktorú neskôr nazvala „umelecká medicína“.
Dielo Yayoi Kusama vystavené vo Whitney Museum of Modern Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Kusamova matka bola ostro proti túžbe svojej dcéry stať sa umelkyňou a trvala na tom, aby dievča nasledovalo tradičnú cestu. „Nedovolila mi kresliť. Chcela, aby som sa oženil,“ povedal umelec v rozhovore. Zahodila moju prácu. Chcel som sa hodiť pod vlak. Každý deň som bojoval so svojou matkou, a preto bola moja myseľ poškodená.
V roku 1948, po skončení vojny, odišiel Kusama do Kjóta študovať tradičnú japonskú maľbu nihonga s prísnymi pravidlami. Nenávidela túto formu umenia.
Jeden z exponátov výstavy Yayoi Kusama vo Whitney Museum of Modern Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Keď Kusama žila v Matsumoto, našla knihu Georgie O'Keeffeovej a bola ohromená jej obrazmi. Dievča sa vybralo na americkú ambasádu v Tokiu, aby v adresári našlo článok o O'Keeffe a zistilo jej adresu. Kusama jej napísal list a poslal niekoľko kresieb a na jej prekvapenie jej americký umelec odpovedal.
„Nemohol som uveriť svojmu šťastiu! Bola taká láskavá, že zareagovala na náhly výbuch citov skromného japonského dievčaťa, ktoré v živote nestretla a ani o ňom nepočula,“ napísala umelkyňa vo svojej autobiografii Infinity Net.
Yayoi Kusama v okne, ktoré navrhla pre Louis Vuitton v New Yorku v roku 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
Napriek O'Keeffeovým varovaniam, že mladí umelci v USA to majú ťažké, nehovoriac o mladých slobodných dievčatách z Japonska, bol Kusama nezastaviteľný. V roku 1957 sa jej podarilo získať pas a víza. Do šiat si zašila doláre, aby obišla prísne povojnové devízové kontroly.
Prvou zastávkou bol Seattle, kde mala výstavu v malej galérii. Potom Kusama odišla do New Yorku, kde bola trpko sklamaná. „Na rozdiel od povojnového Matsumota bol New York v každom smere zlým a násilným miestom. Pre mňa to bolo príliš stresujúce a čoskoro som upadol do neurózy. Aby toho nebolo málo, Kusama sa ocitla v úplnej chudobe. Ako posteľ jej slúžili staré dvere a z odpadkových košov vylovila rybie hlavy a hnilú zeleninu, aby si z nich pripravila polievku.
Inštalácia Infinity Mirror Room - Love Forever ("Izba so zrkadlami nekonečna - láska navždy"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Táto ťažká situácia podnietila Kusamu, aby sa ešte viac ponoril do svojej práce. Začala vytvárať svoje prvé obrazy v sérii Infinity Web, pokrývajúc obrovské plátna (jedno z nich dosahovalo výšku 10 metrov) hypnotizujúcimi vlnami malých slučiek, ktoré akoby nikdy nekončili. Samotná umelkyňa ich opísala takto: „Biele siete zahaľujúce čierne bodky tichej smrti na pozadí beznádejnej temnoty ničoty.“
Inštalácia Yayoi Kusama pri otvorení novej budovy Garážového múzea súčasného umenia v Gorky Central Park of Culture and Culture v Moskve v roku 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
Toto obsedantno-kompulzívne opakovanie pomohlo zahnať neurózu, no nie vždy zachránilo. Kusama neustále trpel záchvatmi psychózy a skončil v nemocnici v New Yorku. Ambiciózna a odhodlaná a s radosťou prebrala rolu exotickej Ázijčanky v kimone, pripojila sa k davu vplyvných ľudí v umení a komunikovala s takými etablovanými umelcami ako Mark Rothko a Andy Warhol. Kusama neskôr povedal, že Warhol napodobňoval jej prácu.
Kusama si čoskoro získal istý stupeň slávy a vystavoval v preplnených galériách. Okrem toho sa sláva umelca stala škandalóznou.
V 60. rokoch, keď bola Kusama posadnutá bodkami, začala organizovať happeningy v New Yorku: provokovala ľudí, aby sa vyzliekli na miestach ako Central Park a Brooklynský most, a ich telá maľovala bodkami.
Ukážka na Art Basel Hong Kong 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Desaťročia pred vzostupom hnutia Occupy Wall Street usporiadala Kusama happening vo finančnej štvrti v New Yorku, v ktorom povedala, že chce „bodkami zničiť mužov z Wall Street“. Približne v rovnakom čase začala pokrývať rôzne predmety - stoličku, loď, koč - falicky vyzerajúcimi vypuklinami. „Začal som vytvárať penisy, aby som si vyliečil svoju sexuálnu averziu,“ napísal umelec a opísal, ako tento tvorivý proces postupne premenil hrôzu na niečo známe.
Inštalácia Passing Winter v Tate Gallery v Londýne. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama sa nikdy nevydala, hoci počas života v New Yorku mala desať rokov manželský vzťah s umelcom Josephom Cornellom. "Nemala som rada sex a on bol impotentný, takže sme boli jeden pre druhého veľmi dobrí," povedala v rozhovore pre Art Magazine.
Kusama sa čoraz viac preslávila svojimi vyčíňaniami: ponúkla sa, že sa vyspí s americkým prezidentom Richardom Nixonom, ak ukončí vojnu vo Vietname. „Ozdobme sa bodkami,“ napísala mu v liste. Záujem priamo o jej umenie vyprchal, upadla do nemilosti a opäť začali problémy s peniazmi.
Yayoi Kusama počas retrospektívy svojej práce vo Whitney Museum of Modern Art v New Yorku v roku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Správy o Kusamových eskapádach sa dostali do Japonska. Začala sa nazývať „národná katastrofa“ a jej matka povedala, že by bolo lepšie, keby jej dcéra zomrela na chorobu v detstve. Začiatkom 70. rokov 20. storočia sa chudobný a neúspešný Kusama vrátil do Japonska. Bola zaregistrovaná v psychiatrickej liečebni, kde dodnes žije, a upadla do umeleckého tmy.
V roku 1989 usporiadalo Centrum súčasného umenia v New Yorku retrospektívu jej tvorby. To bol začiatok pomalého, ale oživenia záujmu o umenie Kusama. Vyplnila zrkadlovú miestnosť tekvicami pre inštaláciu, ktorá bola predstavená na Benátskom bienále v roku 1993 a v roku 1998 mala veľkú výstavu v MoMa Museum of Modern Art v New Yorku. Práve tu raz usporiadala happening.
Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
V posledných rokoch sa Yayoi Kusama stal medzinárodným fenoménom. Súčasná Tate Gallery v Londýne a Whitney Museum v New Yorku usporiadali veľké retrospektívy, ktoré prilákali obrovské davy a urobili jej ikonický bodkovaný vzor veľmi rozpoznateľným.
Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Umelkyňa sa nechystá prestať pracovať, ale začala premýšľať o svojej smrteľnosti. „Neviem, ako dlho dokážem prežiť aj po smrti. Je tu budúca generácia, ktorá kráča v mojich šľapajach. Bude pre mňa cťou, ak sa ľudia budú radi pozerať na moju prácu a ak ich moje umenie dojme.“
Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Napriek komercializácii svojho umenia Kusama premýšľa o hrobe v Matsumoto - nie v rodinnom trezore, ktorý už zdedila po svojich rodičoch - a ako ho nepremeniť na svätyňu. "Ale ja ešte neumieram." Myslím, že budem žiť ďalších 20 rokov,“ hovorí.
Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Japonská maľba je absolútne jedinečný smer vo svetovom umení. Existuje už od pradávna, no ako tradícia nestratila na obľúbenosti a schopnosti prekvapiť.
Pozor na tradície
Východ nie je len krajina, hory a vychádzajúce slnko. Aj to sú ľudia, ktorí tvorili jeho históriu. Práve títo ľudia dlhé stáročia udržiavajú tradíciu japonskej maľby, rozvíjajú a rozmnožujú svoje umenie. Tí, ktorí sa výrazne zapísali do histórie japonských umelcov. Práve vďaka nim si moderné zachovali všetky kánony tradičnej japonskej maľby.
Štýl maľby
Japonskí umelci na rozdiel od Európy uprednostňovali maľovanie bližšie ku grafike ako k maľbe. Na takýchto obrazoch nenájdete hrubé, neopatrné ťahy oleja, ktoré sú pre impresionistov také charakteristické. Aká je grafická povaha takého umenia, ako sú japonské stromy, skaly, zvieratá a vtáky - všetko na týchto obrázkoch je nakreslené čo najjasnejšie, s pevnými a sebavedomými atramentovými líniami. Všetky objekty v kompozícii musia mať obrys. Výplň vnútri obrysu sa zvyčajne vykonáva akvarelom. Farba sa vymyje, pridajú sa ďalšie odtiene a niekde zostane farba papiera. Dekoratívnosť je presne to, čo odlišuje japonské maľby od umenia celého sveta.
Kontrasty v maľbe
Kontrast je ďalšou charakteristickou technikou používanou japonskými umelcami. Môže to byť rozdiel v tóne, farbe alebo kontrast teplých a studených odtieňov.
Umelec sa uchyľuje k technike, keď chce zvýrazniť nejaký prvok predmetu. Môže to byť žila na rastline, jeden okvetný lístok alebo kmeň stromu proti oblohe. Potom je znázornené svetlo, osvetlená časť objektu a tieň pod ním (alebo naopak).
Prechody a farby
Pri kreslení japonských obrazov sa často používajú prechody. Sú rôzne: napríklad z jednej farby do druhej. Na okvetných lístkoch lekien, pivoniek, si môžete všimnúť prechod od svetlého odtieňa k sýtemu, svetlému nejakému farebnému.
Prechody sú tiež použité v obraze vodnej hladiny, oblohy. Plynulý prechod od západu slnka do tmavého, prehlbujúceho sa súmraku vyzerá veľmi krásne. Pri kreslení oblakov sa využívajú aj prechody z rôznych odtieňov a odleskov.
Hlavné motívy japonskej maľby
V umení je všetko prepojené so skutočným životom, s pocitmi a emóciami tých, ktorí sú do toho zapojení. Tak ako v literatúre, hudbe a iných prejavoch kreativity, aj v maľbe existuje niekoľko večných tém. Sú to historické zápletky, obrazy ľudí a prírody.
Japonské krajiny sú rozmanité. Na obrazoch sú často obrazy rybníkov - obľúbený predmet interiéru Japoncov. Ozdobné jazierko, niekoľko lekien a bambus v blízkosti – tak vyzerá typický obraz zo 17. – 18. storočia.
Zvieratá v japonskej maľbe
Zvieratá sú tiež opakujúcim sa prvkom v ázijskej maľbe. Tradične je to prikrčený tiger alebo mačka domáca. Vo všeobecnosti majú Aziati veľmi radi, a preto sa ich zástupcovia nachádzajú vo všetkých formách orientálneho umenia.
Svet fauny je ďalšou témou, po ktorej nasleduje japonská maľba. Vtáky - žeriavy, ozdobné papagáje, luxusné pávy, lastovičky, nenápadné vrabce a dokonca aj kohúty - to všetko sa nachádza na kresbách orientálnych majstrov.
Ryby sú rovnako horúcou témou pre japonských umelcov. Koi sú japonská verzia zlatej rybky. Tieto stvorenia žijú v Ázii vo všetkých rybníkoch, dokonca aj v malých parkoch a záhradách. Koi kapor je akousi tradíciou, ktorá patrí vyslovene Japonsku. Tieto ryby symbolizujú boj, odhodlanie, dosiahnutie svojho cieľa. Niet divu, že sú zobrazované ako plávajúce s prúdom, vždy s ozdobnými hrebeňmi vĺn.
Japonské maľby: zobrazenie ľudí
Ľudia v japonskej maľbe sú špeciálnou témou. Umelci zobrazovali gejše, cisárov, bojovníkov a starších.
Gejše sú zobrazené obklopené kvetmi, vždy oblečené v prepracovaných róbach s množstvom záhybov a prvkov.
Múdri muži sú zobrazení, ako sedia alebo niečo vysvetľujú svojim študentom. Obraz starého vedca je symbolom histórie, kultúry a filozofie Ázie.
Bojovník bol zobrazený ako impozantný, niekedy zastrašujúci. Dlhé boli detailne nakreslené a vyzerali ako drôt.
Zvyčajne sú všetky detaily brnenia rafinované atramentom. Nahých bojovníkov často zdobia tetovania zobrazujúce orientálneho draka. Je to symbol sily a vojenskej sily Japonska.
Panovníci boli portrétovaní pre cisárske rodiny. Krásne róby, ozdoby vo vlasoch mužov – že takýchto umeleckých diel je veľa.
krajiny
Tradičná japonská krajina - hory. Ázijským maliarom sa podarilo zobraziť rôzne krajiny: dokážu zobraziť ten istý vrchol v rôznych farbách, s rôznymi atmosférami. Jediná vec, ktorá zostáva nezmenená, je povinná prítomnosť kvetov. Zvyčajne spolu s horami umelec zobrazuje nejaký druh rastliny v popredí a podrobne ju kreslí. Krásne vyzerajú hory a čerešňové kvety. A ak nakreslíte padajúce okvetné lístky - obraz je obdivovaný smutnou krásou. Kontrast v atmosfére obrazu je ďalšou pozoruhodnou kvalitou japonskej kultúry.
hieroglyfy
Kompozícia obrazu v japonskej maľbe je často kombinovaná s písmenami. Hieroglyfy sú usporiadané tak, aby to kompozične vyzeralo krásne. Zvyčajne sú nakreslené vľavo alebo vpravo na obrázku. Hieroglyfy môžu naznačovať, čo je zobrazené na obrázku, jeho meno alebo meno umelca.
Japonsko je jednou z najbohatších krajín na históriu a kultúru. Na celom svete je zvykom považovať Japoncov za pedantských ľudí, ktorí nachádzajú estetiku absolútne vo všetkých prejavoch života. Preto sú japonské maľby vždy veľmi harmonické vo farbe a tóne: ak existujú inklúzie nejakej svetlej farby, potom iba v sémantických centrách. Na príklade obrazov ázijských umelcov možno študovať teóriu farieb, správny prenos formy pomocou grafiky a kompozíciu. Technika prevedenia japonských malieb je taká vysoká, že môže slúžiť ako príklad pre prácu s akvarelom a vykonávanie „umývania“ grafických prác.
Každá krajina má svojich hrdinov súčasného umenia, ktorých mená sú známe, na ktorých výstavách sa stretávajú davy fanúšikov a zvedavcov a ktorých diela sú distribuované do súkromných zbierok.
V tomto článku vám predstavíme najpopulárnejších súčasných umelcov v Japonsku.
Keiko Tanabe
Keiko sa narodila v Kjóte a ako dieťa vyhrala veľa umeleckých súťaží, no jej vysokoškolské vzdelanie sa vôbec netýkalo umenia. Pracovala na oddelení medzinárodných vzťahov japonskej samosprávnej obchodnej organizácie v Tokiu, veľkej právnickej firme v San Franciscu a súkromnej poradenskej firme v San Diegu a veľa cestovala. Od roku 2003 odišla zo zamestnania a po tom, čo sa v San Diegu naučila základy akvarelu, sa venovala výlučne umeniu.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Japonská umelkyňa Ikenaga Yasunari maľuje portréty súčasných žien v starodávnej japonskej maliarskej tradícii na základe štetca Menso, minerálnych pigmentov, sadzí, atramentu a ľanu. Jeho postavy sú ženy našej doby, no vďaka štýlu Nihonga je cítiť, že k nám prišli z dávnych čias.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki je realistický umelec, ktorý techniku akvarelu zvládol na výbornú. Abe možno nazvať umelcom-filozofom: v zásade nekreslí známe pamiatky, uprednostňuje subjektívne kompozície, ktoré odrážajú vnútorné stavy osoby, ktorá ich sleduje.
Hiroko Sakai
Kariéra umelkyne Hiroko Sakai začala začiatkom 90. rokov v meste Fukuoka. Po absolvovaní Seinan Gakuin University a Nihon French School of Interior Design v oblasti dizajnu a vizualizácie založila "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." a úspešne riadil toto štúdio 5 rokov. Mnohé z jej diel zdobia vestibuly nemocníc, kancelárie veľkých korporácií a niektoré obecné budovy v Japonsku. Po presťahovaní do Spojených štátov začala Hiroko maľovať olejmi.
Riusuke Fukahori
Trojrozmerné diela Ryuusuki Fukahoriho sú ako hologramy. Sú vyrobené z viacerých vrstiev akrylovej farby a priehľadnej živicovej kvapaliny, ktoré spolu s tradičnými technikami, ako je tieňovanie, zmäkčovanie hrán, kontrola transparentnosti, umožňujú Ryusukimu vytvárať sochárske maľby a dodávajú dielu hĺbku a realizmus.
Natsuki Otani
Natsuki Otani je talentovaný japonský ilustrátor žijúci a pracujúci v Anglicku.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu si ako základ svojej práce zvolil win-win tému – kreslí mačky. Jeho obrázky sú obľúbené po celom svete, najmä vo forme hlavolamov.
Tetsuya Mishima
Väčšina obrazov súčasného japonského umelca Mishima je vyrobená v olejoch. Profesionálne sa maľbe venuje od 90. rokov, má za sebou niekoľko samostatných výstav a veľké množstvo kolektívnych výstav, japonských aj zahraničných.
Japonská klasická maľba má dlhú a zaujímavú históriu. Výtvarné umenie Japonska je prezentované v rôznych štýloch a žánroch, z ktorých každý je jedinečný svojím vlastným spôsobom. Staroveké maľované figúrky a geometrické motívy nájdené na dotaku bronzových zvonoch a črepoch keramiky pochádzajú z roku 300 nášho letopočtu.
Budhistická orientácia umenia
V Japonsku bolo umenie nástennej maľby celkom dobre rozvinuté, v 6. storočí boli obzvlášť populárne obrazy na tému filozofie budhizmu. V tom čase sa v krajine stavali veľké chrámy a ich steny boli všade zdobené freskami namaľovanými podľa zápletiek budhistických mýtov a legiend. Staroveké vzorky nástenných malieb sa doteraz zachovali v chráme Horyuji pri japonskom meste Nara. Horyujiho fresky zobrazujú výjavy zo života Budhu a iných bohov. Umelecký štýl týchto fresiek je veľmi blízky obrazovej koncepcii populárnej v Číne počas dynastie Song.
Malebný štýl dynastie Tang získal mimoriadnu popularitu v polovici obdobia Nara. Fresky nájdené v hrobke Takamatsuzuka patria do tohto obdobia a sú datované približne do 7. storočia nášho letopočtu. Umelecká technika, ktorá sa formovala pod vplyvom dynastie Tang, následne vytvorila základ žánru kara-e maľby. Tento žáner si zachoval svoju popularitu až do objavenia sa prvých diel v štýle yamato-e. Väčšina fresiek a obrazových majstrovských diel sú od neznámych umelcov, dnes sú mnohé diela toho obdobia uložené v pokladnici Sesoin.
Rastúci vplyv nových budhistických škôl ako Tendai ovplyvnil široké náboženské zameranie japonského výtvarného umenia v 8. a 9. storočí. V 10. storočí, počas ktorého sa rozvíjal najmä japonský budhizmus, sa objavil žáner raigozu, „uvítacie maľby“, zobrazujúce príchod Budhu do Západného raja. Prvé príklady raigōzu z roku 1053 možno vidieť v chráme Bedo-in, ktorý sa zachoval v meste Uji v prefektúre Kjóto.
Zmena štýlov
V polovici obdobia Heian bol čínsky štýl kara-e nahradený žánrom yamato-e, ktorý sa na dlhú dobu stal jedným z najobľúbenejších a najvyhľadávanejších žánrov japonskej maľby. Nový obrazový štýl sa uplatnil najmä pri skladacích zástenách a posuvných dverách. Postupom času sa yamato-e presunulo k horizontálnym zvitkom emakimono. Umelci, ktorí pracovali v žánri emaki, sa snažili vo svojich dielach sprostredkovať všetku emocionalitu zvoleného sprisahania. Zvitok Genji monogatari pozostával z niekoľkých epizód spojených dohromady, umelci tej doby používali rýchle ťahy a jasné, výrazné farby.
E-maki je jedným z najstarších a najvýznamnejších príkladov otoko-e, žánru mužského portrétovania. Ženské portréty sú vyčlenené ako samostatný žáner onna-e. V skutočnosti medzi týmito žánrami, ako aj medzi mužmi a ženami, sú dosť výrazné rozdiely. Štýl onna-e je farebne prezentovaný v dizajne Tale of Genji, kde hlavnými témami kresieb sú romantické zápletky, výjavy zo života na dvore. Mužský štýl otoko-e je prevažne umeleckým zobrazením historických bitiek a iných dôležitých udalostí v živote impéria.
Klasická japonská umelecká škola sa stala úrodnou pôdou pre rozvoj a presadzovanie myšlienok moderného japonského umenia, ktoré jasne ukazuje vplyv popkultúry a anime. Jedným z najznámejších japonských umelcov súčasnosti je Takashi Murakami, ktorého tvorba sa venuje zobrazovaniu výjavov z japonského života v povojnovom období a konceptu maximálnej fúzie výtvarného umenia a mainstreamu.
Zo slávnych japonských umelcov klasickej školy možno spomenúť nasledovné.
Napätý Shubun
Shubun pracoval na začiatku 15. storočia, pričom veľa času venoval štúdiu diel čínskych majstrov éry dynastie Song, tento muž stál pri počiatkoch japonského obrazového žánru. Shubun je považovaný za zakladateľa sumi-e, monochromatickej maľby tušom. Vynaložil veľa úsilia na popularizáciu nového žánru a zmenil ho na jeden z popredných trendov v japonskej maľbe. Shubunovými žiakmi boli mnohí umelci, ktorí sa neskôr preslávili, vrátane Sesshu a zakladateľa slávnej umeleckej školy Kano Masanobu. Shubunovi sa pripisuje veľa krajín, ale za jeho najznámejšie dielo sa tradične považuje Čítanie v bambusovom háji.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin je jedným z najväčších umelcov v histórii japonského maliarstva, zakladateľom a jedným z najjasnejších predstaviteľov umeleckého štýlu rimpa. Korin sa vo svojich dielach odvážne odklonil od tradičných stereotypov, keď si vytvoril svoj vlastný štýl, ktorého hlavnými charakteristikami boli malé formy a živý impresionizmus deja. Korin je známy najmä svojou zručnosťou v zobrazovaní prírody a práci s abstraktnými farebnými kompozíciami. „Slivkový kvet červený a biely“ je jedným z najznámejších diel Ogata Korina, známe sú aj jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsušimy“ a množstvo ďalších.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku je zakladateľom japonskej umeleckej školy Hasegawa. Rané obdobie Tohakuovej tvorby charakterizuje vplyv známej školy japonskej maľby. 
Kano, ale časom si umelec vytvoril svoj vlastný jedinečný štýl. V mnohom bola Tohakuova tvorba ovplyvnená tvorbou uznávaného majstra Sesshu, Hosegawa sa dokonca považoval za piateho pokračovateľa tohto veľkého majstra. Obraz Hasegawy Tohaku „Borovice“ získal svetovú slávu, známe sú aj jeho diela „Javor“, „Borovice a kvitnúce rastliny“ a ďalšie.
Kano Eitoku (1543-1590)
Školský štýl Kanó dominoval výtvarnému umeniu Japonska asi štyri storočia a Kano Eitoku je možno jedným z najznámejších a najvýraznejších predstaviteľov tejto umeleckej školy. Eitoku bol uprednostňovaný úradmi, záštita aristokratov a bohatých mecenášov nemohla prispieť k posilneniu jeho školy a popularite diel tohto nepochybne veľmi talentovaného umelca. Osempanelová posuvná obrazovka Eitoku Kano „Cypress“ je skutočným majstrovským dielom a ukážkovým príkladom rozsahu a sily štýlu Monoyama. Ostatné diela majstra vyzerajú nemenej zaujímavo, ako napríklad „Vtáky a stromy štyroch ročných období“, „Čínske levy“, „Pustovníci a víla“ a mnoho ďalších.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai je najväčším majstrom žánru ukiyo-e (japonský drevoryt). Hokusaiova tvorba získala celosvetové uznanie, jeho sláva v iných krajinách nie je porovnateľná s popularitou väčšiny ázijských umelcov, jeho dielo „The Great Wave off Kanagawa“ sa stalo akýmsi poznávacím znamením japonského výtvarného umenia na svetovej umeleckej scéne. Hokusai na svojej tvorivej ceste použil viac ako tridsať pseudonymov, po šesťdesiatke sa umelec venoval výlučne umeniu a práve tento čas je považovaný za najplodnejšie obdobie jeho tvorby. Hokusaiho dielo ovplyvnilo tvorbu západných impresionistických a postimpresionistických majstrov, vrátane diel Renoira, Moneta a van Gogha.
