Jean-Baptiste Camille Corot - slávny francúzsky umelec. Známy ako veľký krajinár éry romantizmu. Osobitnú pozornosť venoval Valerovi. Valer - odtiene farieb, ktoré sa dosahujú pomocou určitej techniky a vytvárajú efekt hĺbky a charakteru svetelného a vzdušného prostredia. Na impresionistov mala veľký vplyv špeciálna technika maľby krajiny, v ktorej sa kladie väčší dôraz na jemné tóny atmosféry a vzduchu.
Narodil sa 17. júla 1796 v Paríži. Je známe, že prvé hodiny maľby dostal od výtvarníka Michalona a Bertina. Výskumníci umenia Corot poznamenávajú, že Jean Baptiste venoval osobitnú pozornosť maľbe takých umelcov ako Canaletto, Guardi a Lorrain, niektoré črty ich maľby sú viditeľné aj na maľbe Camille Corot. Umenie tohto francúzskeho umelca je však svojím spôsobom originálne a jedinečné. Mal svoj vlastný štýl, ktorý ho po mnoho storočí skutočne preslávil. Mnohé Corotove obrazy, krajiny aj portréty, sprostredkúvajú jesennú náladu s náznakmi smútku a filozofického ticha, pokoja.
Krajinár Jean-Baptiste Camille Corot často cestoval po svete, kde čerpal inšpiráciu a nachádzal krásne pohľady pre svoju tvorbu. Často navštevoval Taliansko, Švajčiarsko, veľa cestoval po Francúzsku, precestoval aj také krajiny ako Belgicko, Anglicko, Holandsko. Väčšina Corotových obrazov sú krajiny. Okrem krajiniek sa preslávil aj portrétmi. Najznámejšie portréty tohto autora sú „Žena v ružovej sukni“, „Prerušené čítanie“, „Cigán s mandolínou“, „Dáma v modrom“ a iné.
Jean-Baptiste Camille Corot počas svojho života namaľoval vyše 3000 obrazov a desiatky leptov. Veľký umelec zomrel 22. februára 1875 vo Francúzsku. V súčasnosti sú jeho diela uložené v takých významných múzeách, ako je Louvre v Paríži, Art Institute v Chicagu, Múzeum umenia v Sao Paule, Múzeum umenia v St. Louis, Múzeum výtvarného umenia v Bostone, Metropolitné múzeum umenia, Národná galéria umenia vo Washingtone, Puškinovo múzeum im. A. Puškina v Moskve atď.
Chcete sa zamestnať vo svojej špecializácii? Na stránke New Way English School nájdete
Corot sa narodil v Paríži 17. júla 1796 a bol synom veľmi bohatého obchodníka s odevmi. Po štúdiu na Rouen College vo veku 26 rokov dostal finančnú slobodu, aby sa mohol venovať maľbe.
Najprv študoval u krajinného dizajnéra Achilla Etnu Michallona a po jeho smrti u Jeana-Victora Bertina (1767-1842), obaja boli študentmi Pierra-Henri de Valenciennes. V rokoch 1825 až 1828 Korot podnikol cestu do Talianska, ktorá sa považuje za veľmi významnú pre jeho formovanie ako krajinár. Camille pred odchodom do Neapola žila v Ríme a Campagne. V roku 1827 poslal svoje prvé obrazy do parížskeho salónu: „Pohľad na Narni“ (teraz v Ottawe, v Národnej galérii Kanady) a „Roman Campagna“ (teraz v Zürichu, Kunsthaus Museum).
Neskôr sa Corot vrátil do Talianska v rokoch 1834 a 1843. Veľa cestoval aj po Francúzsku, navštívil Normandiu, Provensálsko, región Morvan v Burgundsku, do ktorého sa neskôr vrátil. V roku 1854 precestoval Holandsko a Belgicko, pravidelne navštevoval Švajčiarsko a v roku 1862 žil nejaký čas v Londýne.
Počas týchto ciest Corot veľa pracoval pod holým nebom a naplnil početné zošity náčrtmi a kresbami. Jeho rané skice, napríklad maľované v Taliansku, boli veľmi výrazné a svieže, plné jasných farieb v ťahoch. Počas zimných mesiacov pracoval v ateliéri na ambicióznych mytologických a náboženských krajinách určených pre salón. Hagar v púšti (teraz v New Yorku, v Metropolitnom múzeu umenia), vystavený v Salóne z roku 1835, je charakteristický pre jeho raný štýl a podobne ako jeho open-air štúdie má jasné formy a farby akademickej maľby.
Jeho povesť sa vyvinula v 50. rokoch 19. storočia, keď sa jeho štýl zjemnil a jeho farby boli tlmenejšie. Vo svojich neskorých ateliérových krajinách, ktoré často obývali kúpači, Bakchanovci a alegorické postavy, používal malú škálu farieb, pričom často používal jemné sfarbené šedé a modrozelené s občasnými farebnými škvrnami na zvýraznenie oblečenia postáv.
Topografické detaily boli potlačené v prospech nálady a atmosféry, najmä v jeho „suveníroch“, ktoré boli založené na spomienkach na skutočnú krajinu. Boli populárne a Corot bol priaznivo naklonený mladým umelcom, ktorí kopírovali jeho obrazy, buď ich používali ako učebné pomôcky, alebo robili kópie na predaj. To neskôr viedlo k početným falzifikátom a imitáciám, ako aj ťažkostiam s pripisovaním.
Na výstave Universelle v roku 1855 Corot ukázal šesť obrazov a získal zlatú medailu. Významný bol jeho vplyv na krajinomaľbu 19. storočia, vrátane impresionistov. Obzvlášť početných nasledovníkov ovplyvnila jeho technika zobrazovania svetla na krajine. Obľúbenosť jeho neskoršej tvorby však na dlhý čas, najmä medzi zberateľmi, zatienila jeho skoršie diela.
Najrôznejšie, najjedinečnejšie, najoriginálnejšie - kritika nikdy nešetrila nadšenými prívlastkami na adresu francúzskeho romantika, ktorý rozšíril hranice žánru a vniesol doň niečo, čo slúžilo ako inšpirácia pre impresionistov druhej polovice r. 19. storočie.
Corot sa stal umelcom „zrazu“. Tento roztržitý a mlčanlivý syn bohatého obchodníka od detstva nerobil svojim rodičom žiadne zvláštne problémy. Študoval na súkromnej internátnej škole, potom bol poslaný do Rouenu, kde sa naučil základy obchodovania. Študoval bez radosti, ale zvládol všetky predmety.
Už prvá skúsenosť s prácou v obchode s plátnom bola smutná. Kamil nevedel predať zatuchnutý tovar a každému, kto ho o túto zľavu požiadal, dal nový a kvalitný tovar s veľkou zľavou. Majiteľ obchodu ho poslal rodine s listom, v ktorom s poľutovaním rodiča informoval, že jeho syn nie je vhodný na obchod. Otec nemyslel na to, aby bol naštvaný, všetky neúspechy svojich potomkov pripisoval mladosti a neskúsenosti.
Náhle Camilleho vyhlásenie, že už nechce podnikať a chce sa stať umelcom, neznepokojilo ani jeho otca. Bol len rád, že nebude míňať viac peňazí na svojho syna.
Niekoľko rokov ako učni u známych majstrov maľby naučilo začínajúceho umelca málo. Oveľa viac sa naučil počas cesty do. Z cesty Corot prináša niekoľko skečov, ktoré majú od kolegov dobré recenzie. Po Taliansku umelec cestuje po svojej rodnej krajine a vytvára jedno majstrovské dielo za druhým. Umelec svojou plodnosťou a rýchlosťou, akou majster vyrábal nové obrazy, pripomínal holandských majstrov 17. storočia.
Corotovým dedičstvom je celá galéria portrétov, niekoľko diel o mytologických a alegorických témach a nespočetné množstvo krajín, ktoré získali najvyššie uznanie vo svete umenia.
Majster veril, že iba to, čo je prvýkrát napísané z prírody, je najúprimnejšie a najtalentovanejšie. Etudová povaha jeho plátien, určitá neúplnosť, spočiatku vyvolávala zmätok, ale čoskoro sa s tým kritici zmierili. Spolu s neúplnosťou v dielach Corot obdivovali schopnosť „uchopiť“ hlavnú vec, vyhnúť sa statike a priniesť do krajiny niečo viac. Hrou na poltóny, milujúce hmly, opar, neostré formy dokázal umelec vniesť do svojich romantických krajín pocit mobility a života samotného, ktorý inšpiroval impresionistov, ktorí sa zaoberali práve prenosom pohybu okolitého sveta, tzv. prvé dojmy z toho, čo videli.
Corot bol verný svojim spôsobom až do konca svojho života. Od roku 1827 až do svojej smrti v roku 1875 nevynechal majster na Salóne ani jednu výstavu. Zaujímavé je, že jeho posledné diela boli verejnosti predstavené až po jeho smrti. Umierajúc vo svojom parížskom byte Corot prikázal vystaviť niekoľko svojich diel na ďalšej výstave, aj keď už nežil. Na výstave v roku 1875 boli medzi verejnosťou najobľúbenejšie diela zosnulého umelca, uznávaného majstra, jedinečné a originálne, na rozdiel od iných.
Korov obraz sa stáva rafinovanejším, chvejúcim sa, ľahkým, bohatým na valéry, tvary sa akoby rozplývajú v strieborno-perleťovom opare. V snahe zachytiť okamžité, premenlivé stavy prírody, zachovať sviežosť prvého dojmu, Corot v mnohom anticipoval hľadanie impresionistických maliarov („Kočiar sena“, Štátne múzeum výtvarných umení, Moskva). Keď sa Ashil Etna Michalon v roku 1821 vrátil z Ríma, jeho žiakom bol Corot, dvadsaťpäťročný syn majiteľa módneho ateliéru na Rue Bac v Paríži, ktorý si jasne uvedomoval svoju budúcu umeleckú cestu.
Koncom roku 1825 sa už sám Corot presťahoval do Ríma. Tak sa stalo, že hlavným problémom krajinomaľby 19. storočia bola nová technika, ktorej objavenie na prvý pohľad vyzeralo ako jednoduchá, aj keď predvídateľná nehoda. „Hra náhody“ však bola s dostatočnou istotou výsledkom nestranného postupu maliarskej techniky, ako aj väčšej dôvery umelca v čisto vizuálnu skúsenosť ako v umenie predchádzajúcich období. Otvorenosť tejto novej originálnej pozície krajinára vychádzala z pochopenia, že farba, forma a svetlo na obraze by mali byť reprodukované priamo a len v ich celistvosti.
Čo bolo v tomto procese nové? Náčrt namaľovaný olejom v určitom okamihu prináša našim zmyslom vizuálny obraz existujúcej fyzickej hmoty; olejová farba sprostredkuje všetko jemne a autenticky, v ideálnom prípade prispieva k odhaleniu individuality umelca. Pomocou základného papiera sa Corot naučil distribuovať tóny od najsvetlejších po najtmavšie cez pol tucta postupných gradácií, ktoré vyjadrujú nuansy skutočného osvetlenia všetkého viditeľného. Ako väčšina plenérov, aj Corot veril, že iba on sám môže poznať skutočnú hodnotu jeho olejových štúdií, a preto žiarlivo strážil zbierku svojich obľúbených štúdií a nazýval ich perlami. Na rozdiel od všeobecného presvedčenia, nie všetci najlepší z nich boli skoro; Corot takmer do konca života vytváral veľkolepé štúdie pod holým nebom. Napriek tomu je „Pohľad na Koloseum cez arkádu Konštantínovej baziliky“ skutočne jednou z prvých štúdií a žiadna iná sa jej krásou nevyrovná. Ako to už v krajinkách z prírody býva, je tu hlboké spojenie s tradíciou. Trojdielna štruktúra, ktorá tak majestátne spája celý obraz, pripomína tie renesančné oltárne obrazy, ktoré Corot dobre poznal z Louvru, ako napríklad oltárny obraz od Philippa Lippiho, ktorý zachoval trojdielne členenie ako ozvenu gotických triptychov.
Pomocou takých pôvabných a prirodzených modelov ako v obraze „Nevesta“ dokázal Corot vniesť do obrazu veľa peknej jednoduchosti. Neskoršie obdobie jeho tvorby patrí „Žene s perlami“ – najdokonalejšiemu z jeho portrétov. Opäť sa objavuje, akoby z hĺbky, znalosť zbierky Louvre, ktorá vstúpila do mäsa a kostí. Pri všetkej svojej rozkošnej sviežosti, ako je typické pre portréty Corot, postava mladej ženy ozdobená perlami pôsobí ako mimovoľná parafráza portrétu „Monna Lisa“. Je príznačné, že pri stretnutí s ňou na konci výstavy v Louvri stojíme pred pripomenutím si odkazu éry kráľa Františka I.
Obraz Camille Corot „Ville d'Avre“.
Jemné pastelové farby a nadýchané stromy vytvárajú ospalú, orosenú atmosféru skorého rána v tejto nádherne jemnej krajine. Bledá striebristá obloha sa odráža v jazere a slnko osvetľujúce domy naľavo pripomína malebné náčrty, ktoré namaľoval Corot v Taliansku. V roku 1817 kúpil Corotov otec vidiecky dom v blízkosti Paríža vo Wild "Avre, kde bol obraz namaľovaný. Počas svojho dlhého tvorivého života Corot pokračoval v maľovaní pohľadov na túto oblasť. Corot bol jedným z najväčších maliarov krajiniek 19. stor.. Corot maľoval aj žánrové portréty, v ktorých je model organicky začlenený do prostredia („Žena s perlou“, 1868-1870, Louvre, Paríž), veľké krajinárske kompozície s dejovo-mytologickými motívmi („Kúpajúca sa Diana“ , 1873-1874, Štátne múzeum výtvarných umení, Moskva) Corot je známy aj ako významný kresliar, litograf, lept. Corotovo umenie pokrýva takmer celé storočie, inšpirovalo ho mnoho umelcov, sám slúžil ako zdroj inšpirácie pre niekoľko generácií Corotovo spojenie s akademickou tradíciou a zároveň bezprostrednosť a sviežosť vnímania ho viedli k tomu, aby bol nazývaný „posledným z klasických krajinárov a prvým z impresionistov“. Corot možno vidieť na obrazoch Alfreda Sisleyho a Clauda Moneta. Predpokladá sa, že počas svojho dlhého tvorivého života namaľoval Corot asi tri tisíce obrazov. Camille Corot zomrela 22. februára 1875 v Paríži.
Vystavené sú diela Jean Baptiste Camille Corot. Jeho tvorba spája klasické, romantické a realistické črty.
Zomrel v roku 1875 a žil dlhý a plodný život. Corot bol oboznámený s Barbizonmi, ale nezdieľal ich názory. Camille Corot v mnohých ohľadoch predvídal impresionizmus, pričom zostal klasickým umelcom. A hoci samotní impresionisti označovali Corota za svojho predchodcu a učiteľa, on sám ich maľbu nepochopil a neprijal.
Corotova tvorba prišla v čase, keď už verejnosť začala mať Barbizony rada. Často sa stáva, že na začiatku ľudia nové neprijímajú. Potom sa po čase objaví niečo iné a to, čo sa pred pár rokmi nepáčilo, už pôsobí príťažlivo, pretože sa objavil novší a škaredší smer, keďže sa väčšinou hovorí o niečom nezvyčajnom. Keď sa objavia impresionisti, ktorých „kreativita“ vôbec nešla do žiadnej brány, zdá sa, že si už na Barbizonov zvykli a začali ich mať radi.
Camille Corot. “Portrét Mariette Gambe (sny Mariette)”
V našej expozícii je ním namaľovaný portrét sestry umelca Camille Corot. Tento obraz sa nazýva „Portrét Mariette Gambe (Dreams of Mariette)“, dielo, ktoré sa portrétu len málo podobá, je to skôr žánrová maľba, obraz nie samotnej dievčiny, ale jej snívania, namyslenosti.
Camille Corot. “Ráno v Benátkach”
Corot získala absolútne tradičné umelecké vzdelanie, akadémiu ukončila so zlatou medailou. A na povzbudenie ho posielajú na tri roky prilepšovať sa do Talianska na verejné náklady. Odtiaľ priniesol malý obraz „Ráno v Benátkach“.
Po týchto troch rokoch, po návrate do svojej vlasti, si Corot stanovil za cieľ prejsť celé Francúzsko a objaviť chvenie svojej rodnej prírody. A z každej turistiky si priniesol nové obrazy. Jedno z jeho diel„Vozík na seno (voz prechádzajúci cez brod pri veľkom strome)“.
Camille Corot. krajiny
Hra so svetlom a tieňom, Corot píše akýsi prechodný stav prírody. Očividne – nedávno pršalo alebo stále prší. Vagón beží cez veľkú mláku. Pršalo, ale už to prešlo. Za stromom je už trávnik osvetlený slnkom a prediera sa cez mraky.
Prechodný stav prírody je znázornený s veľkou zručnosťou.
Akákoľvek krajina od Camille Corot je náladová krajina. Chvenie, pohyblivosť, vibrácie sprostredkúva nielen kompozičnými konštrukciami, ale aj ohromujúcou statočnou maľbou.
Akýkoľvek obrázok Corota potvrdzuje, že nebol najvýznamnejším koloristom. Veril, že farba v maľbe nie je najdôležitejšia. Najprv musíte všetko nakresliť a potom ukázať všetky objekty v pohybe. Pohyb majstra sa prejavuje na úrovni trepotania lístia, dychu vetra, šumenia trávy. A tento pohyb dal nielen vibračným ťahom. Corot NEPREDPISAL PODROBNOSTI, ako Guerin.
Corot tvrdil, že v každej farbe je najmenej 20 jej stupňov. Úlohou umelca však nie je len rozpoznať tieto detaily, ale ich aj prekryť tak, aby sa všetky odtiene od najtmavšieho po najsvetlejší na obrázku neopakovali viackrát.
Corot sa hrá s ľubovoľným obrázkom tak, aby rozložil farbu na všetky odtiene a každý z nich umiestnil na obrázok, najskôr rozloží povedzme zelenú farbu. Potom urobí to isté so sivou farbou. A potom vezme určitú kontrastnú farbu a nanesie ju bodkami na obrázok, aby ešte viac zvýraznil toto chvenie. Túto farbu nazval omáčkou alebo korením.
Camille Corot. "Poryv vetra"
Napríklad Corotova „omáčka“ na obraze „Poryv vetra“ má farbu ženskej šatky, ktorá sa rozohráva na oblohe. Farebná schéma obrázku je takmer monochromatická a táto vreckovka je jedinou žltkastou škvrnou.
KRESBA je v Corotových dielach vždy viditeľná. Venujte pozornosť jeho takzvanému „nadýchanému“ štýlu písania. Postavy na obrázku sú potrebné na vytvorenie hĺbky, tretieho rozmeru. Je dôležité, aby sa Corotovi prvýkrát podarilo sprostredkovať pomocou maľby určitú „úctu k atmosfére“. Na tomto plátne fyzicky cítiť vietor, pohyb atmosféry a to, ako sedliacka sotva kráča k jeho impulzom. Pohyb na obraze, podobne ako vzrušenie v prírode, je nejasný, nie je úplne vyjadrený umelcom - je to len mierne chvenie, ale nie búrka, nie dramatická povaha prvkov, ktoré zaujali.
Camille Corot. "Diana kúpanie"
„Kúpanie Diany“ je jedným z posledných (takmer úplne posledných) diel Corota.
Niektorí odborníci tvrdia, že to druhé. V tomto čase je Corotovi odopretá účasť na výstavách s tým, že nastal čas pre mladých autorov a všetci sú unavení z jeho spôsobu písania. A nejako mu bolo odporučené, aby si tému trochu osviežil, namaľoval nejakú Venušu v krajine. 75-ročná Corot sa inšpirovala, vytiahla veľké plátno, pozvala dcéru Charlesa Francoisa Daubignyho Emmu a zobrazila ju na pozadí prírody ako Dianu.
Ale ako píše svoju Dianu. Berúc do úvahy tradície klasicizmu v umení, opravuje jej postavu a mení ju na krásnu starožitnú sochu. Corot mal ďaleko od tradícií impresionizmu. Jeho krajina je namaľovaná v jednom režime osvetlenia a Emma v druhom je zasvätená svetlom z úplne iného zdroja. Jej postava nie je úplne prepojená s pozadím, je akoby „vsadená“ do krajiny. Neskôr si impresionisti všimnú, že obrazový objekt nemôže existovať izolovane, všetky predmety musia byť spojené svetlom. Toho sa ale Corot nedožije.
Dievča na tomto plátne je úprimne ľúto. Stojí v mláke, veľmi ju chcem prikryť dekou, zabaliť, aby nezamrzla. Obrázok sa vyznačuje veľmi jasnou a správnou OBRÁZKOU! Koro to vždy robil.
Pokiaľ ide o zápletku - ilustrácia slávnej epizódy z mýtu. Diana vstúpila do jazera, aby si zaplávala, a zrazu uvidela odraz lovca Actaeona vo vode. Bola zhrozená, že ju videl nahú, premenil ho na jeleňa a psy toho nešťastníka okamžite roztrhali. To znamená, že Corot ide po stopách – do krajiny vkladá mytologickú zápletku.
Zaujímavé je, že Corot napísal toto dielo v rovnakom čase ako Renoirov akt. Ale Renoir bude poliaty blatom a Corot bude postavený na podstavci, ak nie na oblohe.
Camille Corot v Puškinovom múzeu
Naša zbierka obsahuje 14 diel od Corota. Dve z nich sú otázne. A ak nehovoríte o týchto dvoch, zostávajúcich 12 je najvyššej kvality. (Stále môžete dlho hovoriť o mnohých falzifikátoch Corotu.
Koniec 19. - začiatok 20. storočia bol časom, kedy sa americkí predajcovia ponáhľali do Európy za obrazmi a inými starožitnosťami. Nový svet nevytváral vlastné umenie, bol zaneprázdnený zarábaním peňazí, nakupoval umenie v Európe, nešetril peniazmi. A ak je dopyt, okamžite je tu ponuka ... falošných obrazov. Corot spadá pod túto požiadavku, jeho obrazy sú u Američanov veľmi obľúbené. Pod „Coro“ sa vytvorilo neuveriteľné množstvo falzifikátov. Existuje umelecký a starožitný vtip, že z 2 000 jeho obrazov sa 4 000 uchováva v súkromných zbierkach. Ale v našom múzeu sú Corotove diela PRAVÉ!)
Ďalším majstrom, ktorý nepatril k Barbizonom, ale bol spojený s ich školou, je Jean-Francois Millet (1814-1875). Stal sa jedným z najväčších majstrov polovice 19. storočia. Prvé uznanie získal vďaka portrétom a drobným maľbám na biblickú tematiku. Ale hlavným motívom jeho diel bola roľnícka práca.
Umelec, ktorý sa narodil v Normandii v roľníckom prostredí, sa nezameral na žáner krajiny, ale na zobrazenie roľníckej práce, ktorá je podľa neho hlavným účelom človeka na zemi. Proso ukázal vidiecku prácu ako prirodzený stav človeka, ako jedinú možnú formu jeho bytia.
Umelec bol priateľom Theodora Rousseaua, na rozdiel od Barbizonov on sám do Barbizonu neprišiel, ale trvalo tam býval. Keďže on sám bol roľníkom, videl prírodu ako sféru roľníckej práce a považoval za svoju úlohu sprostredkovať spojenie roľníka s prírodou. Jeho krajiny sú pokryté prítomnosťou človeka, naplnené ozvenou jeho myšlienok a snov. V krajinskej téme Prosa sa objavuje téma práce v biblickom zmysle - práca, ako sedliacka pokora, aby si v pote tváre dostal chlieb. Túto tému ďalej ocení a požičia si Vincent van Gogh.
Jean Francois Millet. "Zberatelia faganov"
„Faggot Gatherers“ (1850) je dej ťažkej roľníckej práce, ktorá je charakteristická pre umelca. Na obrázku nie je obloha hľadisko je dané zhora a to vyvoláva pocit tiesnivej tiaže, intenzívneho úsilia sústredeného v ľudských postavách. Zdá sa, že tento priestor padá a tlačí hrdinov k zemi.
Ďalšou témou, okrem spojenia prírody a človeka, roľníckej práce, je téma práce, ktorá znetvoruje človeka. Svoje hrdinky píše z takého uhla pohľadu, že ich nikdy nebudeme zvažovať, nie je im vidieť do tváre. Ale krivé nohy zberačov kríkov sa rýmujú pokrútenými vetvami. Toto je ich úzke spojenie s týmto svetom. Sú nemotorní, jednoduchí ako tento svet.
Celému obrazu dominujú zemité-hnedé tóny, ktorými sú pomaľované odevy sedliackych žien. Tiene hustnú pod stromami, trieštia sa v halde kríkov v popredí. Millais bola chudobná koloristka. Ale má ťahy, ktoré robia priestor tohto obrazu dynamickejším. Van Gogh používa tento spôsob Milleta a berie ho na hranicu, do extrému.
Jean Francois Millet. "hacky"
Ďalší Milletov obraz v zbierke Puškinovho štátneho múzea výtvarných umení sa nazýva Haystacks.
Dielo Jeana-Francoisa Milleta jasne prejavilo črty demokratického realizmu – vyspelého hnutia vo francúzskom umení v polovici 19. storočia. Hlavou demokratického realizmu bol
