Maľovanie

Maliarsky stojan, ktorý má nezávislý význam. Na rozdiel od štúdie a skice je obraz uceleným dielom, výsledkom umelcovej dlhej práce, zovšeobecnením postrehov a úvah o živote. Obraz stelesňuje hĺbku zámeru a obrazný obsah.

Pri vytváraní obrazu sa umelec spolieha na prírodu, ale v tomto procese zohráva dôležitú úlohu tvorivá predstavivosť.

Pojem maľba sa uplatňuje predovšetkým pri dielach dejovo-tematického charakteru, ktorých základom je zobrazenie významných historických, mytologických či spoločenských udalostí, ľudských činov, myšlienok a emócií vo viacfigurálnych zložitých kompozíciách. Preto vo vývoji maľby zohráva vedúcu úlohu obraz.

Obraz pozostáva z podkladu (plátno, drevená alebo kovová doska, preglejka, kartón, lisovaná doska, plast, papier, hodváb a pod.), na ktorý je nanesený základný náter a vrstva farby. Estetické vnímanie obrazu sa výrazne zlepší, ak sa obraz umiestni do vhodného rámu (bagety), ktorý obraz oddelí od okolitého sveta. Orientálny typ maľby si zachováva tradičnú formu voľne visiaceho rozvinutého zvitku (horizontálneho alebo vertikálneho). Obraz, na rozdiel od monumentálnej maľby, nie je pevne spojený s určitým interiérom. Dá sa sňať zo steny a rôzne zavesiť.

Vrchol umenia sa dosiahol v obrazoch vynikajúcich maliarov. V rôznorodých prúdoch modernizmu dochádza k strate zápletky a odmietaniu figuratívnosti, čím sa výrazne reviduje koncepcia obrazu. Stále širšia paleta obrazových diel 20. storočia. nazývané obrázky.

maliarske dielo, ktoré má samostatnú umeleckú hodnotu a má vlastnosť úplnosti (na rozdiel od štúdie a náčrtu). K. sa spravidla nespája, ako freska alebo miniatúra knihy, s konkrétnym interiérom alebo systémom dekorácie. Skladá sa z podkladu (plátno, drevená alebo kovová doska, lepenka, papier), základného náteru a náterovej vrstvy.

Skvelá definícia

Neúplná definícia ↓

Obrazy

1. TO. ( grécky pinakes) boli drevené dosky, dosky a dlaždice z páleného. hlina alebo kameň, kov a iné taniere s aplikovanými, tvarovanými alebo ornamentálnymi obrázkami. Najstarším dôkazom sú hlinené metopy z Thermy (siedme storočie pred Kristom); z etruskej sféry – boccanerské a kampánske dosky. Menší formát má korintská keramika z Pendeskufie a keramika z Pitsy (6. storočie pred Kristom). helenistický K. na mramore, napríklad v Herculaneu, kopírujte klasiku. vzorky. Zachovalo sa veľké množstvo rímskych kampánskych nástenných malieb, ktoré spravidla tvorili jednu z dekoratívnych zložiek nástennej maľby. Zvlášť dôležité sú vo väčšine prípadov dokonale zachované polovičné portréty mŕtvych. Rodina Roman. portréty ( lat. Skvelá definícia

Neúplná definícia ↓

„Umenie je pre človeka rovnaká potreba ako jedenie a pitie. Potreba krásy a kreativity, ktorá ju stelesňuje, je neoddeliteľná od človeka,“ napísal F. M. Dostojevskij.

História totiž dosvedčuje, že človek bol vždy neoddeliteľný od umenia. V horách, v jaskyniach rôznych krajín sveta sa zachovali staré skalné maľby. Tieto expresívne kresby zvierat a lovcov vznikli v časoch, keď ľudia nevedeli písať.

Umelecké pamiatky nám hovoria, aký veľký význam malo v živote človeka a ľudskej spoločnosti. Starí Gréci vytvorili krásny mýtus o Múzach - večne mladých sestrách, zosobňujúcich umenie a vedu. Melpomene - múza tragédie, Thalia - komédia, Terpsichore - tanec, Clio - múza histórie ... Mýtus hovorí, že keď sa v sprievode múz zjavil boh Apolón - patrón umenia, poézie a hudby, vtedy sa všetci príroda počúvala ich spev... Hudba, múzeum – tieto slová pochádzajú zo slova Múza.

Básnický mýtus sestier múz nestratil svoj význam. Každý druh umenia má svoje výrazové prostriedky: v hudbe je to zvuk, vo výtvarnom umení farba, čiara atď., v literatúre slovo. Ale súvisiaca podstata všetkého druhu spočíva v tom, že umenie je jednou z foriem spoločenského vedomia, ktoré je založené na obraznej reflexii javov reality.

Výtvarné umenie súvisiace s vizuálnym vnímaním zahŕňa: maľbu, grafiku a sochárstvo. Tieto umenia vytvárajú obraz v rovine (maľba a grafika) a v priestore (socha).

Obraz, kresba, tlač, socha, ktorá má samostatný význam, to znamená, že nie je spojená so žiadnym umeleckým súborom alebo s čisto praktickým účelom, nazývame stojan funguje. Táto definícia pochádza zo slova „stroj“ (v tomto prípade stojan), na ktorý je pri maľovaní obrazu umiestnené plátno. A dokonca aj skutočnosť, že obraz je nevyhnutne vložený do rámu, zdôrazňuje nezávislosť, to znamená izoláciu maľby na stojane od prostredia. Rám oddeľuje obraz, vytvára možnosť vnímať ho ako samostatný umelecký celok. Niektoré obrazy na stojane sú reprodukované v knihe.

Na rozdiel od stroja monumentálna maľba svojim účelom a charakterom je spätý s architektonickým súborom. Fresky, mozaiky, panely, vitráže organicky vstupujú do architektúry, dopĺňajú a obohacujú výzdobu interiéru alebo celej budovy. Vynikajúce príklady monumentálnej maľby sú fresky Raphaela vo Vatikánskom paláci, maľby Michelangela v Sixtínskej kaplnke. Monumentálna maľba dosiahla najvyššiu úroveň v byzantskom a staroruskom umení.

V našej dobe sa monumentálna maľba široko používa v palácoch kultúry, kluboch, divadlách, staniciach metra, železničných staniciach atď. Mnohí z vás videli mozaiky v metre, vytvorené podľa náčrtov P. Korina, A. Deineku a iných Sovietski majstri. Interiérové ​​nástenné maľby Autobusovej stanice a Múzea ozbrojených síl v Moskve (umelec Ju. Korolev), nástenné maľby Ciolkovského múzea v Kaluge (skupina umelcov pod vedením A. Vasnetsova), vitráže od litovských majstrov, prenasledované panely gruzínskych umelcov zdobili mnohé nové budovy v našich mestách.

Monumentálne umenie moderného Mexika si získalo medzinárodnú slávu. Mozaiky Siqueiros a ďalších významných umelcov odrážajú hrdinský boj mexického ľudu za nezávislosť.

Nie vždy je možné nakresliť ostrú hranicu medzi stojanom a monumentálnym umeleckým dielom. Vysvetľuje to skutočnosť, že maľba na stojane má často kvalitu monumentality. A monumentálne diela majú niekedy nezávislý význam a sú vnímané ako hotové maliarske stojany.

Stále existuje veľmi veľká oblasť dekoratívneho a úžitkového umenia. Ide o umelecky vyrobený nábytok, riad, odevy, látky, koberce, výšivky, šperky a pod. Niektoré druhy umeleckých remesiel (tapisérie, šteniatka, dekoratívne sochárstvo) však možno považovať aj za samostatné diela. Maľba, ktorá je určená na ozdobenie alebo odhalenie dizajnu a účelu predmetu a nemá jasne nezávislý význam, sa nazýva dekoratívna.

Maľba sa teda delí na stojanovú, monumentálnu a dekoratívnu.

Maľovanie- maliarske dielo, ktoré má celistvý charakter (na rozdiel od náčrtu a skice) a samostatnú umeleckú hodnotu. Skladá sa z podkladu (plátno, drevená alebo kovová doska, kartón, papier, kameň, hodváb atď.), základného náteru a náterovej vrstvy. Obraz je jedným z typov stojanového umenia. Obrázky prichádzajú v rôznych žánroch. Pri vytváraní obrazu sa umelec spolieha na prírodu, ale v tomto procese zohráva dôležitú úlohu tvorivá predstavivosť. Koniec 19. storočia bol v celej Európe poznačený novým, dynamickým pohľadom na svet. Umelec prelomu storočia musel zodpovedať neustále sa meniacemu životu: nie tak odrážať svet okolo seba (teraz to robí fotografia a kino), ale vedieť vyjadriť svoju individualitu, svoj vnútorný svet, vlastná vízia na obrázku. Vrchol umenia sa dosiahol v obrazoch vynikajúcich maliarov. V rôznorodých prúdoch modernizmu dochádza k strate zápletky a odmietaniu figuratívnosti, čím sa výrazne reviduje koncepcia obrazu. Niektorí umelci patriaci do rôznych maliarskych škôl sa vzdialili od zobrazovania sveta (ľudí, zvierat, prírody), ako ho vidíme my. Na ich obrazoch sa svet javí zdeformovaný, niekedy úplne na nepoznanie, pretože umelci sa riadia viac svojou fantáziou ako vizuálnym vnímaním javov okolo nás.

Maľba zohráva dôležitú úlohu vo vývoji maľby.

Reprodukciou možno nazvať aj obraz, ak v relevantnom kontexte nezáleží na tom, či ide o kópiu alebo originál diela.

Obraz v prenesenom alebo všeobecnejšom zmysle je každé úplné, ucelené umelecké dielo, vrátane živého a živého opisu, ústneho alebo písomného, ​​pohľadu na prírodu.

Maľba je umenie roviny a jedného uhla pohľadu, kde priestor a objem existujú iba v ilúzii. Maľba vďaka komplexnosti vizuálnych prostriedkov dokáže na rovine vytvoriť takú hĺbku iluzívneho priestoru a mnohorozmernosť výtvarnej reality, ktorá nepodlieha iným spôsobom zobrazenia. Každý obrázok plní dve funkcie – obrazovú a výrazovo-dekoratívnu. Jazyk maliara je celkom zrozumiteľný len pre tých, ktorí si uvedomujú dekoratívno-rytmické funkcie roviny obrazu.

V estetickom vnímaní sa musia súčasne podieľať všetky funkcie obrazu (dekoratívne, plošné aj obrazové, priestorové). Správne vnímať a pochopiť obraz znamená súčasne, nedeliteľne vidieť povrch, hĺbku, vzor, ​​rytmus a obraz.

Estetické vnímanie obrazu sa výrazne zvýši, keď je obraz umiestnený vo vhodnom ráme, ktorý oddeľuje obraz od okolitého sveta. Orientálny typ maľby si zachováva tradičnú formu voľne visiaceho rozvinutého zvitku (horizontálneho alebo vertikálneho). Obraz, na rozdiel od monumentálnej maľby, nie je pevne spojený s určitým interiérom. Dá sa sňať zo steny a rôzne zavesiť.

Hĺbka iluzívneho priestoru obrazov

Profesor Richard Gregory opísal „zvláštne vlastnosti obrazov“: „Obrazy sú jedinečnou triedou predmetov, pretože sú viditeľné samy osebe a zároveň ako niečo celkom iné ako len list papiera, na ktorom sú nakreslené. Obrázky sú paradoxné. Žiadny predmet nemôže byť na dvoch miestach súčasne; žiadny objekt nemôže byť súčasne dvojrozmerný aj trojrozmerný. A takto vidíme obrázky. Obrázok má veľmi určitú veľkosť a zároveň zobrazuje skutočnú veľkosť ľudskej tváre, budovy alebo lode. Obrázky sú nemožné predmety.

Schopnosť človeka reagovať na chýbajúce, imaginárne situácie prezentované na obrázkoch je dôležitou etapou vo vývoji abstraktného myslenia.

Ako sa robia obrazy

Obraz je umelcov duchovný svet, jeho zážitky a pocity vyjadrené na plátne alebo papieri. Je ťažké vysvetliť, ako obrazy vznikajú - je lepšie to vidieť na vlastné oči. Nedá sa povedať slovami, ako umelec maľuje na plátno, akým štetcom sa plátna dotýka, aké farby si vyberá. Počas práce sa všetko stáva jedným: umelec, štetec a plátno. A už po prvom ťahu štetcom v dielni začína pôsobiť zvláštne kúzlo maľby.

Obrazy nie sú len maľované plátno, ovplyvňujú pocity a myšlienky, zanechávajú stopu na duši, prebúdzajú predtuchy.

Ako vzniká maľba?

Zdalo by sa, že farby, štetce, na plátno. Môže existovať aj iná univerzálna odpoveď: rôznymi spôsobmi.

Spôsoby práce na maľbe sa v dejinách umenia neustále menili. Umelci talianskej renesancie pracovali úplne inak ako Rembrandt alebo „malí Holanďania“ 17. storočia, romantici pracovali inak ako impresionisti, abstrakcionisti, súčasní realistickí umelci. Áno, a v tej istej dobe a dokonca aj v jednom smere nájdete veľkú rozmanitosť.

Realistických umelcov minulosti a súčasnosti (ak chápeme realizmus v širšom zmysle slova) spája:

Vytvorenie plnohodnotného diela, v tomto prípade maľby, portrétu či krajiny, sa nezaobíde bez hlbokého štúdia života, aktívneho postoja autora k nemu. Prostriedkom umeleckého poznania života je práca z prírody, vizuálne dojmy, analýza a syntéza životných javov.

Tvorba maľby je zložitý, pracovne náročný tvorivý proces, ktorého výsledky nie sú určené časom stráveným, ale mierou talentu, zručnosti umelca, silou a efektívnosťou pôvodného figuratívneho riešenia. Najdôležitejšími medzníkmi v tomto procese sú vznik a konkretizácia myšlienky, priame pozorovania, skice, náčrty z prírody, samotné napísanie obrazu s nevyhnutným tvorivým, aktívnym spracovaním životného materiálu.

A keď sa divák priblíži k obrazu v múzeu alebo na výstave, skôr ako si o ňom urobí vlastný úsudok, musí si uvedomiť, že za ním je vždy živý človek, umelec, ktorý do toho investoval kus života, srdca, nervov. talent a zručnosť v práci. Dá sa povedať, že obraz je splneným snom umelca.

G. S. OSTROVSKII

Úplnosť obrazu

V živote sa veľa deje náhodou - na obrázku nemôžu byť také nehody, všetko v ňom musí byť logicky dokončené. V akom bode sa obraz považuje za dokončený?

Nenápadný obraz virtuóza Rembrandta, tak vysoko cenený neskôr aj v našej dobe, vyvolal u Rembrandtových súčasníkov len zmätok a vyvolal posmech a vtipy na jeho úkor. Rembrandt namietajúc voči svojim kritikom spochybnil správnosť ich chápania úplnosti obrazu a postavil ich proti svojmu vlastnému chápaniu obrazu, ktoré formuloval takto: obraz by sa mal považovať za úplný, keď umelec povedal všetko, čo v ňom chcel. . Aby Rembrandt nepočul otázky, ktoré ho trápili o „nedokončenosti“ jeho obrazov, prestal k nim pristupovať naivných návštevníkov svojho ateliéru, ktorí s veľkou zvedavosťou hľadeli na bravúrne ťahy jeho obrazu a strašili ich skutočnosť, že k obrazom by sa nemalo pristupovať príliš blízko, pretože cítiť ich farby je nezdravé.

Matisse na svojom obraze:

"Snažím sa dať na plátno tie farby, ktoré vyjadrujú môj pocit. Potrebný pomer tónov ma môže prinútiť zmeniť tvar postavy alebo zmeniť kompozíciu. Kým nedosiahnem tento pomer vo všetkých častiach obrazu, pozerám sa Potom príde chvíľa, keď všetky diely nadobudnú svoje konečné rozmery a potom sa nemôžem dotknúť obrazu bez toho, aby som to celé neprerobil.

Počnúc približne od impresionistov sú kategórie kresby, formy a farby úzko prepojené, zrastené, zdajú sa byť kontinuálnym procesom: kresba a farba, modelovanie a kompozícia, tón a línia sa objavujú a vyvíjajú akoby súčasne. Proces maľovania obrazu môže, takpovediac, pokračovať donekonečna, moment dokončenia diela je do istej miery ľubovoľný: umelec v ňom môže pokračovať kdekoľvek na plátne a aplikovať nové ťahy na podobné, ale ležiace nižšie. Najvýraznejším a najdôslednejším predstaviteľom tohto systému je Cezanne. V listoch a nahratých rozhovoroch opakovane formuloval túto zmiešanú alebo správnejšie nediferencovanú metódu maľby. Práca na obraze môže byť kedykoľvek prerušená, ale dielo tým nestratí svoju estetickú hodnotu. V každom okamihu je obrázok pripravený.

Prepojenie obrazového priestoru obrazu s reálnym priestorom

Umelec a teoretik umenia V. A. Favorsky v rámci teórie kompozície zdôraznil, že skutočne umelecké dielo má od narodenia dvojakú existenciu: ako objekt v okolitom priestore a ako relatívne uzavretý svet s vlastnými časopriestorovými vzťahmi. . V maľbe sa tento cieľ dosahuje koordináciou vnútornej štruktúry obrazu s rámom, v sochárstve - s okolitým priestorom (klasický príklad: socha vo výklenku).

Na prepojenie obrazového priestoru s reálnym priestorom, v ktorom sa divák nachádza, slúži obrazový rám. Umelci sa pohrávajú aj s viacnásobnou „reprodukciou rámu“ v samotnom obraze, vizuálnymi rýmami, opakovaním vertikál a horizontál. Jednou z charakteristických techník, ktorá umožňuje vizuálne "zosilniť" obraz v medziach obdĺžnikového formátu, je "skosený roh". Oddelenie maľby od architektúry dalo vzniknúť určitému systému vnímania maliarskeho stojana. Hlavným obsahom obrazu je vyjadrenie holistického pohľadu na priestor. Skladba je premenená na expozíciu, v ktorej divák čelí transformovanému svetu časopriestorových vzťahov a vidí sa v ňom ako v zrkadle. Takže priehľadné sklo renesancie sa zmenilo na zrkadlo klasickej a barokovej éry. Pre umenie porenesančnej doby je charakteristická hra s odrazmi v zrkadle, vnášanie figúr-mediátorov do kompozície obrazu, osôb, ktoré svojou polohou, pohľadom či gestom ruky naznačujú dej odohrávajúci sa v hĺbku obrazu, akoby ich pozýval, aby doň vstúpili. Okrem rámu je v takýchto kompozíciách proskenium - predná časť javiska, zákulisie, potom stredná cesta, v ktorej sa odohráva hlavná akcia, a pozadie - "kulisa".

Umelec zvyčajne umiestňuje hlavné postavy do strednej roviny obrazu a stavia ich na mentálnu horizontálnu líniu ako na podstavec. Hĺbka "priestorovej vrstvy" závisí od polohy tejto referenčnej vodorovnej čiary (planimetricky - nad alebo pod spodným okrajom rámu obrazu). Mnohonásobným posunutím horizontály nahor vytvára maliar určitý rytmus pohybu do hĺbky imaginárneho priestoru. Vďaka tomu môžete aj na malom plátne zobraziť priestor ľubovoľnej dĺžky s ľubovoľným počtom figúrok a predmetov. V takejto expozícii treba špecificky upozorniť diváka na to, že niektoré predmety sú bližšie, iné zase ďalej. Na tento účel sa používajú "ukazovatele": zmenšenie perspektívy, zavedenie veľkoplošných orientačných bodov (malé postavy ľudí v pozadí), prekrývajúce sa plány, tónový kontrast, padajúce tiene zo svetelného zdroja vo vnútri alebo mimo obrazu. Ďalším orientačným bodom pre mentálny pohyb diváka v priestore obrazu sú uhlopriečky, pričom hlavnou je „vstupná uhlopriečka“ (zvyčajne zľava doprava).

Obraz v obraze

Obraz v obraze

Obraz v obraze možno použiť v špeciálnej funkcii kompozície. Podobná hierarchická organizácia je prezentovaná v prípade zobrazovania obrazu v obraze (ako aj fresiek na nástenných maľbách atď.).

„Obraz v obraze“ je kompozičná technika, ktorá sa nachádza v umení klasickej maľby 16. – 17. storočia. Obraz v obraze môže mať zvláštny skrytý význam.

Kompozičná technika „obraz v obraze“ môže vykonávať niekoľko úloh:

• vyjadriť myšlienku
• vysvetliť zápletku
• postaviť sa proti alebo vytvoriť harmóniu
• byť detailom situácie (interiéru)

Obraz pozadia na maľbe možno veľmi často chápať ako akýsi obraz v obraze, teda ako samostatný obraz vybudovaný podľa vlastných osobitných zákonov. Zároveň je obraz pozadia vo väčšej miere ako obraz postáv na hlavnej rovine predmetom čisto dekoratívnych úloh, môžeme povedať, že často tu nie je zobrazený svet samotný, ale scenéria tohto sveta, teda nie je prezentovaný samotný obraz, ale obraz tohto obrazu.

Pre Holanďanov geografická mapa, tapiséria, obraz, otvorené okno ako obraz zahrnutý v obraze rozširujú hranice sveta alebo slúžia na rozvinutie alegorického významu hlavnej zápletky. Vermeer, ktorý otvára závoj dielne, sa stáva sprievodcom na troch úrovniach reality: priestor diváka, priestor jeho dielne, priestor umeleckého diela (plátno, ktoré stojí na stojane), pripodobňuje tieto metamorfózy na plávanie v oceánoch, vyznačené na geografickej mape alebo prelet nad krajinou vyznačenou na mape.

Prepad reality - umenia - mýtu možno pozorovať aj u Velazqueza, ktorý sa ochotne uchyľuje k technike „obraz v obraze“, ktorej príkladom môžu byť Meninas a Spinners.

„Obraz v obraze“ je aj vo „Venuši pred zrkadlom“ od Velasqueza, ale zahmlené zrkadlo odráža iba tieň bohyne lásky.

Maľba a rám

Každý obraz vytvorený umelcom, s výnimkou starých skalných malieb, má rám. Rámovanie je nevyhnutnou a dôležitou súčasťou kompozície, dotvára ju, dáva jednotu. Rám môže byť v rovnakej rovine ako samotná obrazová alebo grafická kompozícia. Môže byť vytvorený aj špecificky ako druh reliéfnej formy pomocou dekoratívnych, sochárskych a architektonických prvkov. Najčastejšie existujú rámy obdĺžnikového tvaru, o niečo menej často - okrúhle a oválne.

Rám pomáha odlíšiť obraz od prostredia ako niečo výnimočné a hodné pozornosti, no zároveň ho spája s prostredím. Ak sa teda štýl rámu zhoduje s umeleckým vzhľadom, štruktúrou a charakterom interiéru, kde sa obraz nachádza, prispieva to k celistvosti súboru. V závislosti od farby, sýtosti dekoratívnymi a sochárskymi detailmi rám výrazne ovplyvňuje celkový dojem z obrazového obrazu. To všetko nám umožňuje hovoriť o jednote obrazu a rámu, kde rámovanie plní, samozrejme, nie hlavnú, ale veľmi potrebnú funkciu.

Vývoj maliarskeho stojana bol zložitý. Aký jasný medzník v jeho histórii bol prechod od stredoveku k renesancii! Najvýznamnejšou v ňom bola túžba dostať sa preč od strnulosti a abstrakcie ikonického obrazu, ktorý dominoval stredoveku. Približne v 14. storočí sa zrodil obraz v modernom zmysle slova a s ním sa objavil rám, stále oblečený v čipke gotickej scenérie.

Prvé snímky neboli úplne protikladné k celému obrazu a neboli od neho oddelené; materiály oboch boli podobné, podmienené zlátenie pozadia, napríklad starej ruskej alebo byzantskej ikony, prešlo na rám a samotný obraz naň často „striekal“. Potom sa hranice medzi obrazom a rámom čoraz jasnejšie rozoznávali. Napriek tomu si rám ako akási spomienka na predchádzajúce storočia zachoval zlatú farbu. Keď z obrazu zmizlo zlaté pozadie, označujúce svet božstva, pozlátenie rámu sa začalo vnímať podmienene, inými slovami, ako nevyhnutný atribút rámu, ktorý pomáhal zvýrazniť obraz v miestnosti, prilákať naň oko diváka.

V renesancii dominovala myšlienka maľby ako pohľadu na svet cez okno, rám svojimi formami veľmi jasne narážal na prevládajúcu myšlienku a reagoval na ňu. Tieto veľkolepé, slávnostné rámy boli vyrobené podľa kresieb umelcov v špeciálnych dielňach alebo umelcových asistentov, ktorí pracovali v jeho dielni.

Počas renesancie bola maľba neustále prirovnávaná k zrkadlu, ktoré odráža realitu a rám, vytvorený ako ornamentálny zrkadlový rám, toto prirovnanie ešte výraznejšie zdôrazňoval. Tento rám mohol byť vyrobený nielen z drevených lamiel a sadry, ale aj zo vzácnych materiálov vrátane striebra, slonoviny, perlete atď. Zdalo sa, že vzácnosť materiálov zodpovedala vzácnosti obrazu a posilňovala ho.

Starí majstri boli veľmi pozorní k rámu, berúc do úvahy jeho vplyv v procese práce, niekedy dokonca maľovali v hotovom ráme, berúc do úvahy určitý tón a dekoratívny rytmus rámu. Preto kompozície starých majstrov často veľmi ťažia v pôvodných rámoch.

Pozorovania na rámoch starých majstrov nám umožňujú stanoviť ďalší princíp - súlad medzi profilom a šírkou rámu a veľkosťou obrazu: napríklad holandskí maliari vkladali svoje malé obrazy do veľkých rámov s hlbokým, čistým profilovaním. , ktorý akoby vedie oko do stredu obrazu a izoluje ho od akéhokoľvek vplyvu prostredia

Začiatkom 20. storočia sa začali ozývať hlasy volajúce po úplnom opustení rámov ako niečoho príliš hmotného, ​​„uzemňujúceho“ duchovnosť umenia. Rôzni avantgardní umelci, ktorí prijali takéto výzvy, začali vystavovať svoje diela bez rámov. V dôsledku tejto inovácie však ich diela samotné prestali byť obrazmi v užšom zmysle slova. Boli to akési „predmety“, „škvrny“, často bez jasného významu.

Aj keď teraz neexistuje jeden štýl v dizajne rámov, ako to bolo kedysi, ale existuje viac ako predtým, korešpondencia rámu s individuálnym štýlom umelca.

V poslednom čase si na umeleckých výstavách možno všimnúť, že zotrvačnosť vo vzťahu k dizajnu rámov (nech je, ale čo nie je až tak dôležité), ktorá sa prejavovala v minulosti u našich umelcov, sa začína prekonávať. Rámy sú maľované rôznymi farbami, často sú na nich umiestnené drobné doplnkové obrázky a nápisy, maliarom pomáhajú sochári - objavujú sa rámy s bohatými plastickými motívmi.

Formát obrázka

Sú tu však dva špecifické prvky obrazu, ktoré akoby vytvárajú prechod z roviny do obrazu a zároveň patria k realite obrazu a jeho fikcii - formát a rám. Môže sa zdať, že formát obrazu je len nástrojom umelca, nie však priamym vyjadrením jeho tvorivého konceptu: umelec si predsa len vyberá formát. Povaha formátu je pritom najužšie spojená s celou vnútornou štruktúrou umeleckého diela a často ukazuje správnu cestu k pochopeniu zámeru umelca. Formát sa spravidla volí pred začiatkom maliarovej práce. Je však známych niekoľko umelcov, ktorí radi pri práci menili formát obrazu, buď z neho odrezávali kúsky, alebo pridávali nové (Velasquez to urobil obzvlášť ochotne).

Najbežnejší formát pre obrázok je štvoruholníkový, pričom čistý štvorec je oveľa zriedkavejší ako štvoruholník viac-menej pretiahnutý smerom nahor alebo do šírky. Niektoré doby oceňujú okrúhly formát (tondo) alebo oválny. Výber formátu nie je náhodný, formát zvyčajne prezrádza hlbokú, organickú súvislosť s obsahom umeleckého diela, s jeho emocionálnym vyznením, ako aj s kompozíciou obrazu, rovnako zreteľne odráža individuálny temperament umelca. a chuť celej éry. Pred každým obrazom cítime skrytý príčinný vzťah medzi formátom a zámerom umelca, z ktorého pramení čaro skutočného umeleckého diela. Sú obrazy, ktorých obsah je natoľko zlúčený s povahou formátu, že najmenší posun v proporciách, zdá sa, by mal narušiť štýlovú a ideovú rovnováhu obrazu.

Horizontálny, pretiahnutý formát je vo všeobecnosti určite vhodnejší pre naratívnu kompozíciu, pre postupné odvíjanie pohybu okolo diváka. Preto sa k tomuto formátu ochotne obracajú epickí umelci, ktorí sa snažia o aktívnu kompozíciu, o akciu, napríklad talianski maliari 14. a prvej polovice 15. storočia (najmä vo freskových kompozíciách). Naopak, štvorcový formát alebo taký, v ktorom výška trochu prevláda nad šírkou, akoby okamžite zastavila dynamiku akcie a dala kompozícii charakter slávnostného zobrazenia - práve tento typ formátu tvorili majstri Vrcholná renesancia preferovaná pre ich oltárne obrazy ("Sixtínska Madona"). S výraznou prevahou výšky nad šírkou zase skladba opäť získava dynamiku, silnú trakciu, tentokrát však hore alebo dole; takýto úzky formát sa páčil najmä aristokratickým, dekoratívnym (Crivelli) či mystickým (manieristickým, gréckym) umelcom, ktorí sa snažili zhmotniť určité emócie a nálady.

Spojenie formátu s individuálnym temperamentom umelca je tiež nepochybné: zmyselná, dynamická fantázia Rubensa si vyžaduje väčší formát ako zdržanlivá a zduchovnená fantázia Rembrandta. Napokon, formát je priamo závislý od obrazovej techniky. Čím širší, voľnejší je ťah štetca umelca, tým prirodzenejšia je jeho túžba po veľkom formáte.

KARIKATÚRA(it. caricatura, from caricare - zaťažiť, zveličiť) - žáner výtvarného umenia, ktorý využíva prostriedky satiry a humoru, grotesky, karikatúry na kritické posúdenie akýchkoľvek spoločenských, politických a domácich javov alebo konkrétnych jednotlivcov a udalostí. Komický efekt karikatúrneho obrazu vzniká zveličovaním a vyostrovaním charakteristických čŕt, nečakanými prirovnaniami, prirovnaniami, metaforami, kombináciou skutočného a fantastického. Karikatúra sa uplatňuje najmä v novinovej a časopiseckej grafike, ale miesto si nachádza aj v satirickej maľbe a drobnej plastike, v plagátoch a dokonca aj v monumentálnej maľbe. Karikatúru možno vidieť v ľudovom umení, najmä v luboku. Z karikaturistov vynikli J. Effel (Francúzsko), X. Bidstrup (Dánsko), Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov - Rusko).

MAĽOVANIE- maliarske dielo, ktoré má samostatnú hodnotu. Na rozdiel od štúdie a skice je maľba uceleným dielom, výsledkom dlhej práce umelca, zovšeobecnením postrehov a hĺbkou zámeru a figuratívneho obsahu. Pri vytváraní obrazu sa umelec spolieha na prírodu, ale v tomto procese zohráva dôležitú úlohu tvorivá predstavivosť. Pojem maľba sa aplikuje predovšetkým na diela dejovo-tematického charakteru, ktorých základom je zobrazenie významných historických, mytologických či spoločenských udalostí, ľudských činov, myšlienok a emócií vo viacfigurálnych komplexných kompozíciách. Preto vo vývoji maľby zohráva vedúcu úlohu obraz. Obraz pozostáva z podkladu (plátno, drevená alebo kovová doska, preglejka, kartón, lisovaná doska, plast, papier, hodváb a pod.), na ktorý je nanesený základný náter a vrstva farby. Estetické vnímanie obrazu sa výrazne zlepší, keď sa obraz umiestni do vhodného rámu (bagety), ktorý oddeľuje obraz od vonkajšieho sveta. Orientálny typ maľby si zachováva tradičnú formu voľne visiaceho rozvinutého zvitku (horizontálneho alebo vertikálneho). Obraz, na rozdiel od monumentálnej maľby, nie je pevne spojený s určitým interiérom. Dá sa sňať zo steny a rôzne zavesiť. Vrchol umenia sa dosiahol v obrazoch vynikajúcich maliarov. V rôznorodých prúdoch modernizmu dochádza k strate zápletky a odmietaniu figuratívnosti, čím sa výrazne reviduje koncepcia obrazu. Stále širšia paleta obrazových diel 20. storočia. nazývané obrázky.

OBRAZOVÁ GALÉRIA- múzeum umenia, ktoré vystavuje výlučne alebo prevažne maliarske diela. Umelecká galéria sa nazýva aj časti maľby vo veľkých múzeách a palácových sálach určených na zbierky obrazov. V starovekom Grécku sa úložisko obrazov nazývalo Pinakothek a neskôr sa tak nazývali veľké zbierky obrazov, teda umelecké galérie. Mnohé z najväčších múzeí umenia na svete sú umelecké galérie a nesú názov galérií, vrátane Národnej galérie v Londýne, Národnej galérie umenia vo Washingtone, Štátnej Treťjakovskej galérie v Moskve a ďalších.

KEFA- výtvarný nástroj, hlavne maliar, čo je pero s kopou na konci. Štetce na maľovanie sa zvyčajne používajú z vlasov: štetinové (z bielej prasacej štetiny), kolínske (z chlpov červenej kuny - stĺp), veverička, fretka atď. Na maľovanie akvarelom sú vhodné štetce z tenkých a mäkkých vlasov na prácu na malých detailoch, napríklad veverička. Na maľovanie gvašom, temperami, olejovými farbami sa vyberajú štetce s tvrdými štetinami. V dávnych dobách používali umelci štetec z jazveca nazývaného flauta, ktorým vyhladzovali povrch farby, pričom škrabance, ktoré na farbe zanechala štetina, ničili. Kefy sú okrúhle a ploché, s krátkym a dlhým vlasom, tvrdé a mäkké. Na každej kefke sú pifra (1, 2, 3 atď.). Čím väčšie číslo, tým väčšia kefa. Konce vlasov v kefe musia byť špicaté, nie odstrihnuté. Vlasy by mali byť upravené tak, aby ležali rovnobežne a netrčali do strán. Dobrý štetec si udrží tvar aj po umytí vodou a zlý sa štetí, aj keď je namočený vo farbe. Takýto štetec sa na maľovanie vôbec nehodí. V poslednej dobe umelci uprednostňujú ploché štetce, ktoré poskytujú presnejší ťah štetca. V súčasnosti sa široká a plochá kefa nazýva flauta. Používa sa na maľovanie veľkých plôch a základovanie plátien. Štetce sa používajú aj v grafike a kaligrafii.

KÝČ(nemecký gýč - písmená, hack, nevkus) - pseudoumelecké výrobky, ktoré spĺňajú nízky umelecký vkus a nerozvinuté estetické potreby. Gýč sa vyznačuje hlasitosťou farieb, eklekticizmom, redundanciou dekorácie, falzifikátmi vzácnych materiálov. Prejavy gýča sú možné vo všetkých druhoch výtvarného umenia, ale najčastejšie sa vyskytujú v masovej umeleckej výrobe, suvenírovom priemysle, v masovej tlačenej grafike a niektorých druhoch umeleckých remesiel.

KLASICKÉ(z lat. classicus - vzorový) - v dejinách umenia éra najvyššieho vzostupu antického umenia v 5.-4. BC e. Klasické umenie – umenie starovekého Grécka a starovekého Ríma v období ich rozkvetu, ako aj umenie európskej renesancie a klasicizmu, ktoré priamo vychádzalo z antických tradícií. V období klasiky sa formovali hlavné architektonické objednávky, rozvíjalo sa pravidelné urbanistické plánovanie, prekvitalo monumentálne sochárstvo, neoddeliteľne spojené s architektúrou, dekoratívne umenie. Obrazy harmonických ľudí, obdarených fyzickou i duchovnou krásou, vytvorili najväčší sochári Myron, Poliklet, Phidias, Praxiteles, Skopas. Maliarstvo (Polygnotus) bolo v klasickom umení vysoko rozvinuté. V 5. stor BC e. vznikli najdokonalejšie architektonické diela starovekého Grécka - chrámy Parthenon (architekti Iktin a Kallikrat) a Erechtheion, nachádzajúce sa na Akropole v Aténach, vyznačujúce sa umeleckou jednotou celku a všetkých architektonických a sochárskych detailov. Klasické umenie je spojené s rozkvetom Atén a iných mestských štátov, v ktorých existoval systém otrokárskej demokracie.

KLASICIZMUS(z lat. classicus – vzorový) – umelecký štýl európskeho umenia 17. – 19. storočia, ktorého jednou z najdôležitejších čŕt bolo odvolávanie sa na antické umenie ako najvyšší vzor a spoliehanie sa na tradície vrcholnej renesancie. Umenie klasicizmu odrážalo myšlienky harmonickej štruktúry spoločnosti, ale v mnohých ohľadoch ich stratilo v porovnaní s kultúrou renesancie. Konflikty jednotlivca a spoločnosti, ideálu a skutočnosti, citov a rozumu svedčia o zložitosti umenia klasicizmu. Umelecké formy klasicizmu sa vyznačujú prísnou organizáciou, vyváženosťou, jasnosťou a harmóniou obrazov. Architektúru klasicizmu charakterizuje radový systém inšpirovaný antickými vzorkami, čistota a geometrická správnosť objemov a dispozícií, portiká, stĺpy, sochy, reliéfy vystupujúce na povrchu stien. Vynikajúce majstrovské dielo architektúry, spájajúce klasicizmus a baroko do jedného slávnostného štýlu, bol palácový a parkový súbor vo Versailles - rezidencii francúzskych kráľov (druhá polovica 17. storočia). V maľbe nadobudli hlavné logické rozvinutie zápletky, jasná vyvážená kompozícia, jasný prenos objemu, podriadená úloha farby pomocou šerosvitu, použitie miestnych farieb (N. Poussin, K. Lorrain). dôležitosti. Jasné ohraničenie plánov v krajine bolo odhalené aj pomocou farby: popredie muselo byť hnedé, stredné zelené a vzdialené modré.