ჰოლანდია. მე-17 საუკუნე ქვეყანა უპრეცედენტო კეთილდღეობას განიცდის. „ოქროს ხანა“ ე.წ. XVI საუკუნის ბოლოს ქვეყნის რამდენიმე პროვინციამ ესპანეთისგან დამოუკიდებლობა მოიპოვა.

ახლა პროტესტანტულმა ნიდერლანდებმა წავიდნენ საკუთარი გზით. ხოლო კათოლიკური ფლანდრია (ახლანდელი ბელგია) ესპანეთის ფრთის ქვეშ - საკუთარი.

დამოუკიდებელ ჰოლანდიაში რელიგიური მხატვრობა თითქმის არავის სჭირდებოდა. პროტესტანტული ეკლესია არ იწონებდა დეკორაციის ფუფუნებას. მაგრამ ეს გარემოება საერო მხატვრობის "ხელში ითამაშა".

ფაქტიურად ახალი ქვეყნის ყველა მცხოვრებმა გააღვიძა სიყვარული ამ ტიპის ხელოვნების მიმართ. ჰოლანდიელებს სურდათ ნახატებში საკუთარი ცხოვრების დანახვა. და მხატვრები ნებით წავიდნენ მათ შესახვედრად.

აქამდე არასოდეს ყოფილა ასე ასახული გარემომცველი რეალობა. ჩვეულებრივი ხალხი, ჩვეულებრივი ოთახები და ქალაქის მკვიდრის ყველაზე ჩვეულებრივი საუზმე.

რეალიზმი აყვავდა. მე-20 საუკუნემდე ღირსეული კონკურენტი იქნება აკადემიზმისთვის თავისი ნიმფებითა და ბერძენი ქალღმერთებით.

ამ მხატვრებს „პატარა“ ჰოლანდიელებს უწოდებენ. რატომ? ნახატები მცირე ზომის იყო, რადგან ისინი პატარა სახლებისთვის იყო შექმნილი. ასე რომ, იან ვერმეერის თითქმის ყველა ნახატი არ აღემატება ნახევარ მეტრს.

მაგრამ მე სხვა ვერსია უფრო მომწონს. მე-17 საუკუნეში ნიდერლანდებში ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა დიდი ოსტატი, „დიდი“ ჰოლანდიელი. და ყველა დანარჩენი მასთან შედარებით "პატარა".

საუბარია, რა თქმა უნდა, რემბრანდტზე. დავიწყოთ მასთან.

1. რემბრანდტი (1606-1669 წწ.)

რემბრანდტი. ავტოპორტრეტი 63 წლის ასაკში. 1669 ლონდონის ეროვნული გალერეა

რემბრანდტს ჰქონდა შესაძლებლობა განეცადა ემოციების ყველაზე ფართო სპექტრი თავისი ცხოვრების განმავლობაში. მაშასადამე, მის ადრეულ ნამუშევრებში იმდენი მხიარულება და თავხედობაა. და ამდენი რთული განცდა - შემდგომში.

აქ ის ახალგაზრდა და უდარდელია ნახატში "უძღები შვილი ტავერნაში". მუხლებზე სასკიას საყვარელი ცოლია. ის პოპულარული მხატვარია. შეკვეთები შემოდის.

რემბრანდტი. უძღები შვილი ტავერნაში. 1635 ძველი ოსტატების გალერეა, დრეზდენი

მაგრამ ეს ყველაფერი 10 წელიწადში გაქრება. სასკია მოხმარებით მოკვდება. პოპულარობა კვამლივით გაქრება. დიდ სახლს უნიკალური კოლექციით ვალები წაართმევენ.

მაგრამ გამოჩნდება იგივე რემბრანდტი, რომელიც დარჩება საუკუნეების განმავლობაში. პერსონაჟების შიშველი გრძნობები. მათი ყველაზე საიდუმლო აზრები.

2. ფრანს ჰალსი (1583-1666 წწ.)

ფრანს ჰალსი. Ავტოპორტრეტი. 1650 მეტროპოლიტენის ხელოვნების მუზეუმი, ნიუ-იორკი

ფრანს ჰალსი ყველა დროის ერთ-ერთი უდიდესი პორტრეტის მხატვარია. ამიტომ მასაც „დიდ“ ჰოლანდიელებს შორის დავასახელებდი.

ჰოლანდიაში იმ დროს ჩვეულებრივი იყო ჯგუფური პორტრეტების შეკვეთა. ასე რომ, უამრავი მსგავსი ნამუშევარი იყო, რომლებიც ასახავდნენ ერთად მომუშავე ადამიანებს: ერთი გილდიის მსროლელები, იმავე ქალაქის ექიმები, მოხუცთა თავშესაფრის მართვა.

ამ ჟანრში ყველაზე მეტად ჰალსი გამოირჩევა. ყოველივე ამის შემდეგ, ამ პორტრეტების უმეტესობა კარტების დასტას ჰგავდა. ხალხი მაგიდასთან სხედან იგივე გამომეტყველებით და უბრალოდ უყურებენ. ჰალსი განსხვავებული იყო.

შეხედეთ მის ჯგუფურ პორტრეტს "ისრები გილდიის წმ. გიორგი“.

ფრანს ჰალსი. ისრები გილდიის წმ. გიორგი. 1627 ფრანს ჰალსის მუზეუმი, ჰარლემი, ნიდერლანდები

აქ ვერ ნახავთ ერთ გამეორებას პოზაში ან სახის გამომეტყველებაში. ამასთან, აქ ქაოსი არ არის. ბევრი პერსონაჟია, მაგრამ არავინ ჩანს ზედმეტი. ფიგურების საოცრად სწორი მოწყობის წყალობით.

დიახ, და ერთ პორტრეტში ჰალსმა აჯობა ბევრ მხატვარს. მისი მოდელები ბუნებრივია. მის ნახატებში მაღალი საზოგადოების ხალხი მოკლებულია შორეულ სიდიადეს და მოდელები ქვემოდან არ გამოიყურებიან დამცირებულად.

მისი გმირები კი ძალიან ემოციურები არიან: იღიმებიან, იცინიან, ჟესტიკულაციას აკეთებენ. როგორიც, მაგალითად, ეს „ბოშა“ ეშმაკური მზერით.

ფრანს ჰალსი. ბოშა. 1625-1630 წწ

ჰალსმა რემბრანდტის მსგავსად სიცოცხლე სიღარიბეში დაასრულა. იმავე მიზეზით. მისი რეალიზმი ეწინააღმდეგებოდა კლიენტების გემოვნებას. ვისაც სურდა მათი გარეგნობის შელამაზება. ჰალსი პირდაპირ მლიქვნელობაზე არ წასულა და ამით ხელი მოაწერა საკუთარ განაჩენს - „დავიწყება“.

3. ჟერარ ტერბორხი (1617-1681 წწ.)

ჟერარ ტერბორხი. Ავტოპორტრეტი. 1668 Mauritshuis სამეფო გალერეა, ჰაგა, ნიდერლანდები

ტერბორხი შინაური ჟანრის ოსტატი იყო. მდიდარი და არც თუ ისე ბურგერები ნელა საუბრობენ, ქალბატონები კითხულობენ წერილებს და მსმენელი უყურებს შეყვარებულობას. ორი ან სამი მჭიდროდ დაშორებული ფიგურა.

სწორედ ამ ოსტატმა განავითარა შინაური ჟანრის კანონები. რომელსაც შემდეგ ისესხებენ იან ვერმეერი, პიტერ დე ჰუჩი და სხვა მრავალი „პატარა“ ჰოლანდიელი.

ჟერარ ტერბორხი. ჭიქა ლიმონათი. 1660-იანი წლები. სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმი, სანქტ-პეტერბურგი

ჭიქა ლიმონათი ტერბორხის ერთ-ერთი ცნობილი ნამუშევარია. ეს მხატვრის კიდევ ერთ უპირატესობას აჩვენებს. კაბის ქსოვილის წარმოუდგენლად რეალისტური გამოსახულება.

არაჩვეულებრივი ნამუშევრები აქვს ტერბორჩსაც. რაც იმაზე მეტყველებს, რომ მის სურვილს სცილდება მომხმარებელთა მოთხოვნები.

მისი „გრინდერი“ ჰოლანდიის ყველაზე ღარიბი მაცხოვრებლების ცხოვრებას აჩვენებს. ჩვენ მიჩვეული ვართ მყუდრო ეზოების და სუფთა ოთახების ხილვას "პატარა" ჰოლანდიელების სურათებში. მაგრამ ტერბორხმა გაბედა არამიმზიდველი ჰოლანდიის ჩვენება.

ჟერარ ტერბორხი. საფქვავი. 1653-1655 წწ ბერლინის სახელმწიფო მუზეუმები

როგორც გესმით, ასეთი სამუშაოები არ იყო მოთხოვნადი. და ისინი იშვიათი მოვლენაა თუნდაც ტერბორხში.

4. იან ვერმეერი (1632-1675 წწ.)

იან ვერმეერი. მხატვრის სახელოსნო. 1666-1667 წწ Kunsthistorisches მუზეუმი, ვენა

როგორ გამოიყურებოდა იან ვერმეერი, ზუსტად არ არის ცნობილი. აშკარაა მხოლოდ ის, რომ ნახატში „მხატვრის სახელოსნო“ მან საკუთარი თავი გამოსახა. მართალია უკნიდან.

ამიტომ, გასაკვირია, რომ ახლახან ცნობილი გახდა ახალი ფაქტი ოსტატის ცხოვრებიდან. მის შედევრს „დელფტის ქუჩა“ უკავშირდება.

იან ვერმეერი. დელფტის ქუჩა. 1657 Rijksmuseum ამსტერდამში

აღმოჩნდა, რომ ვერმეერმა ბავშვობა ამ ქუჩაზე გაატარა. სურათზე გამოსახული სახლი დეიდას ეკუთვნოდა. მან იქ გაზარდა თავისი ხუთი შვილი. ის შეიძლება კარის ზღურბლზე ზის და კერავს მაშინ, როცა მისი ორი შვილი ტროტუარზე თამაშობს. მოპირდაპირე სახლში თავად ვერმეერი ცხოვრობდა.

მაგრამ უფრო ხშირად იგი ასახავდა ამ სახლების ინტერიერს და მათ მცხოვრებლებს. როგორც ჩანს, ნახატების ნაკვეთები ძალიან მარტივია. აქ არის ლამაზი ქალბატონი, მდიდარი ქალაქის მცხოვრები, რომელიც ამოწმებს სასწორის მუშაობას.

იან ვერმეერი. ქალი წონებით. 1662-1663 წწ ხელოვნების ეროვნული გალერეა, ვაშინგტონი

როგორ გამოირჩეოდა ვერმეერი ათასობით სხვა „პატარა“ ჰოლანდიელს შორის?

ის იყო სინათლის უბადლო ოსტატი. ნახატში „ქალი სასწორებით“ სინათლე ნაზად ფარავს ჰეროინის სახეს, ქსოვილებსა და კედლებს. გამოსახულებას უცნობი სულიერების მინიჭება.

და ვერმეერის ნახატების კომპოზიციები საგულდაგულოდ არის გადამოწმებული. თქვენ ვერ ნახავთ ერთ დამატებით დეტალს. საკმარისია ერთი მათგანის ამოღება, სურათი "დაიშლება" და ჯადოქრობა გაქრება.

ეს ყველაფერი ვერმეერისთვის ადვილი არ იყო. ასეთ გასაოცარ ხარისხს შრომატევადი შრომა მოითხოვდა. წელიწადში მხოლოდ 2-3 ნახატი. შედეგად, ოჯახის გამოკვების შეუძლებლობა. ვერმეერი ასევე მუშაობდა ხელოვნების დილერად, ყიდდა სხვა მხატვრების ნამუშევრებს.

5. პიტერ დე ჰუჩი (1629-1684 წწ.)

პიტერ დე ჰუჩი. Ავტოპორტრეტი. 1648-1649 წწ Rijksmuseum, ამსტერდამი

ჰოხს ხშირად ადარებენ ვერმეერს. პარალელურად მუშაობდნენ, ერთ ქალაქში პერიოდიც კი იყო. და ერთ ჟანრში - საყოფაცხოვრებო. ჰოჩში ჩვენ ასევე ვხედავთ ერთ ან ორ ფიგურას მყუდრო ჰოლანდიურ ეზოებსა თუ ოთახებში.

ღია კარ-ფანჯრები მისი ნახატების სივრცეს მრავალშრიან და გასართობს ხდის. და ფიგურები ძალიან ჰარმონიულად ჯდება ამ სივრცეში. როგორც, მაგალითად, მის ნახატში „მსახური გოგონასთან ერთად ეზოში“.

პიტერ დე ჰუჩი. მოახლე გოგონასთან ერთად ეზოში. 1658 ლონდონის ეროვნული გალერეა

მე-20 საუკუნემდე ჰოჩს ძალიან აფასებდნენ. მაგრამ ცოტამ თუ შენიშნა მისი კონკურენტ ვერმეერის რამდენიმე ნამუშევარი.

მაგრამ მე-20 საუკუნეში ყველაფერი შეიცვალა. ჰოხის დიდება გაქრა. თუმცა ძნელია არ აღიარო მისი მიღწევები ფერწერაში. ცოტას შეეძლო გარემოსა და ადამიანების ასე კომპეტენტურად შერწყმა.

პიტერ დე ჰუჩი. ბანქოს მოთამაშეები მზის ოთახში. 1658 სამეფო ხელოვნების კოლექცია, ლონდონი

გთხოვთ გაითვალისწინოთ, რომ მოკრძალებულ სახლში ტილოზე "ბარათის მოთამაშეები" არის სურათი ძვირადღირებულ ჩარჩოში.

ეს კიდევ ერთხელ მეტყველებს იმაზე, თუ რამდენად პოპულარული იყო მხატვრობა ჩვეულებრივ ჰოლანდიელებს შორის. ნახატები ამშვენებდა ყველა სახლს: მდიდარი ბურგერის, მოკრძალებული ქალაქის მკვიდრის და თუნდაც გლეხის სახლს.

6. იან სტინი (1626-1679 წწ.)

იან სტენ. ავტოპორტრეტი ლაითით. 1670-იანი წლები Thyssen-Bornemisza მუზეუმი, მადრიდი

იან სტინი ალბათ ყველაზე მხიარული "პატარა" ჰოლანდიელია. მაგრამ მოსიყვარულე მორალიზაცია. ის ხშირად ასახავდა ტავერნებს ან ღარიბ სახლებს, რომლებშიც მანკიერება იყო ნაპოვნი.

მისი მთავარი გმირები არიან მოქეიფეები და მარტივი სათნოების მქონე ქალბატონები. მას სურდა მაყურებლის გართობა, მაგრამ ცალსახად გააფრთხილა იგი მანკიერი ცხოვრებისგან.

იან სტენ. ქაოსი. 1663 ხელოვნების ისტორიის მუზეუმი, ვენა

სტანს უფრო მშვიდი ნამუშევრებიც აქვს. მაგალითად, "დილის ტუალეტი". მაგრამ აქაც მხატვარი აოცებს მაყურებელს ძალიან გულწრფელი დეტალებით. არის საღეჭი რეზინის კვალი და არა ცარიელი კამერული ქოთანი. და რატომღაც ეს სულაც არ არის ისე, როგორც ძაღლი წევს ბალიშზე.

იან სტენ. დილის ტუალეტი. 1661-1665 წწ Rijksmuseum, ამსტერდამი

მაგრამ მიუხედავად ყველა უაზრობისა, სტენის ფერადი სქემები ძალიან პროფესიონალურია. ამით მან ბევრს აჯობა "პატარა ჰოლანდიელებს". ნახეთ, როგორ უხდება წითელი წინდა მშვენივრად ლურჯ ქურთუკსა და ნათელ კრემისფერ ხალიჩას.

7. იაკობს ვან რუისდაელი (1629-1682 წწ.)

რუისდაელის პორტრეტი. ლითოგრაფია მე-19 საუკუნის წიგნიდან.

ჰოლანდიური კულტურა მე -17 საუკუნეში

ჩრდილოეთ ნიდერლანდებში ბურჟუაზიული რევოლუციის გამარჯვებამ გამოიწვია დამოუკიდებელი სახელმწიფოს - შვიდი გაერთიანებული პროვინციის რესპუბლიკის - ჰოლანდიის ჩამოყალიბება (ამ პროვინციებიდან ყველაზე მნიშვნელოვანი პროვინციების სახელის მიხედვით); პირველად ევროპის ერთ-ერთ ქვეყანაში დამკვიდრდა ბურჟუაზიულ-რესპუბლიკური სისტემა. რევოლუციის მამოძრავებელი ძალები იყვნენ გლეხები და ქალაქის მოსახლეობის ყველაზე ღარიბი ფენები, მაგრამ ხელისუფლებაში მოსულმა ბურჟუაზიამ ისარგებლა მისი დაპყრობით.
ესპანური აბსოლუტიზმისა და კათოლიკური ეკლესიის უღლისგან განთავისუფლებამ, მთელი რიგი ფეოდალური შეზღუდვების განადგურებამ გზა გაუხსნა რესპუბლიკის მწარმოებელი ძალების სწრაფ ზრდას, რომელიც, მარქსის აზრით, „მე-17 სანიმუშო კაპიტალისტური ქვეყანა იყო. მხოლოდ იმ დროს ჰოლანდიაში ჭარბობდა ურბანული მოსახლეობა სოფლის მოსახლეობას, მაგრამ მთავარი მოგება იყო არა მრეწველობა (თუმცა აქ განვითარებული იყო ტექსტილის წარმოება და განსაკუთრებით გემთმშენებლობა), არამედ შუამავალი ვაჭრობა, რომელიც გაფართოვდა კოლონიური პოლიტიკის გამო. როდესაც მმართველი კლასები გამდიდრდნენ, მშრომელთა სიღარიბე გაიზარდა, გლეხები და ხელოსნები განადგურდნენ და მე-17 საუკუნის შუა ხანებში კლასობრივი წინააღმდეგობები გაძლიერდა.
თუმცა რესპუბლიკის დაარსებიდან პირველ ათწლეულებში ცოცხალი იყო რევოლუციური ეპოქის დემოკრატიული ტრადიციები. ეროვნულ-განმათავისუფლებელი მოძრაობის სიგანე, ხალხის თვითშეგნების ამაღლება, უცხო უღლისაგან განთავისუფლების ხალისი აერთიანებდა მოსახლეობის ყველაზე მრავალფეროვან ფენებს. ქვეყანას აქვს განვითარებული პირობები მეცნიერებისა და ხელოვნების განვითარებისათვის. აქ თავშესაფარი იპოვეს იმდროინდელმა მოწინავე მოაზროვნეებმა, კერძოდ ფრანგმა ფილოსოფოსმა დეკარტმა და ჩამოყალიბდა სპინოზას ფუნდამენტურად მატერიალისტური ფილოსოფიური სისტემა. უმაღლეს მიღწევებს მიაღწიეს ჰოლანდიის მხატვრებმა, ისეთმა მხატვრებმა, როგორებიც არიან რემბრანდტი, რუისდაელი, ტერბორხი, ჰალსი, ჰობემა, ჰონთჰორსტი და ფერწერის მრავალი სხვა ოსტატი. ჰოლანდიელი მხატვრები პირველები იყვნენ ევროპაში, ვინც გათავისუფლდნენ სასამართლო წრეებისა და კათოლიკური ეკლესიის მჩაგვრელი გავლენისგან და შექმნეს დემოკრატიული და რეალისტური ხელოვნება, რომელიც პირდაპირ ასახავს სოციალურ რეალობას.

მე -17 საუკუნის ჰოლანდიური მხატვრობა

ჰოლანდიური ხელოვნების განვითარების გამორჩეული მახასიათებელი იყო მნიშვნელოვანი უპირატესობა მის ყველა სახის ფერწერას შორის. სურათები ამშვენებდა არა მხოლოდ საზოგადოების მმართველი ელიტის, არამედ ღარიბი ბურგერების, ხელოსნებისა და გლეხების სახლებს; ისინი იყიდებოდა აუქციონებსა და ბაზრობებზე; ზოგჯერ მხატვრები მათ იყენებდნენ, როგორც გადასახადების გადახდის საშუალებას. მხატვრის პროფესია იშვიათი არ იყო, ბევრი მხატვარი იყო და სასტიკად ეჯიბრებოდნენ ერთმანეთს. რამდენიმე მათგანს შეეძლო მხატვრობით იკვებებოდა, ბევრი იღებდა სხვადასხვა სამუშაოს: სტენი სასტუმროს მეპატრონე იყო, ჰობემა იყო აქციზის თანამშრომელი, იაკობ ვან რუისდაელი ექიმი.
მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიური მხატვრობის სწრაფი განვითარება აიხსნებოდა არა მხოლოდ ნახატებზე მოთხოვნით, ვისაც სურდა მათით სახლის გაფორმება, არამედ მათი, როგორც საქონლის, როგორც მოგების, სპეკულაციის წყაროს ხედვით. უშუალო დამკვეთისგან - კათოლიკური ეკლესიისა თუ გავლენიანი ფეოდალის ქველმოქმედის თავიდან აცილების შემდეგ მხატვარი მთლიანად იყო დამოკიდებული ბაზრის მოთხოვნებზე. ბურჟუაზიული საზოგადოების გემოვნებამ წინასწარ განსაზღვრა ჰოლანდიური ხელოვნების განვითარების გზები და მხატვრები, რომლებიც ეწინააღმდეგებოდნენ მათ, იცავდნენ თავიანთ დამოუკიდებლობას შემოქმედების საკითხებში, აღმოჩნდნენ იზოლირებულები, უდროოდ კვდებოდნენ გაჭირვებაში და მარტოობაში. უფრო მეტიც, ეს, როგორც წესი, ყველაზე ნიჭიერი ოსტატები იყვნენ. საკმარისია ჰალსის და რემბრანდტის სახელების აღნიშვნა.
ჰოლანდიელი მხატვრებისთვის გამოსახულების მთავარი ობიექტი იყო გარემომცველი რეალობა, რომელიც აქამდე არასოდეს ყოფილა ასე სრულად ასახული სხვა ეროვნული სკოლების მხატვრების ნამუშევრებში. ცხოვრების ყველაზე მრავალფეროვანი ასპექტებისადმი მიმართვამ განაპირობა მხატვრობაში რეალისტური ტენდენციების გაძლიერება, სადაც წამყვანი ადგილი ეკავა ყოველდღიურ ჟანრს და პორტრეტს, პეიზაჟს და ნატურმორტის. რაც უფრო მართალი იყო, რაც უფრო ღრმად ასახავდნენ მხატვრები მათ წინაშე გახსნილ რეალურ სამყაროს, მით უფრო მნიშვნელოვანი იყო მათი ნამუშევრები.
თითოეულ ჟანრს თავისი განშტოებები ჰქონდა. ასე, მაგალითად, ლანდშაფტის მხატვრებს შორის იყვნენ საზღვაო მხატვრები (ზღვის გამოსახულებები), მხატვრები, რომლებიც უპირატესობას ანიჭებდნენ ბრტყელ ადგილებს ან ტყის ბუჩქებს, იყვნენ ოსტატები, რომლებიც სპეციალიზირებულნი იყვნენ ზამთრის პეიზაჟებსა და პეიზაჟებზე მთვარის შუქით: ჟანრის მხატვრებს შორის, მხატვრები, რომლებიც გამოსახული იყო გლეხები, ბურგერები, ქეიფებისა და შინაური ცხოვრების სცენები, ნადირობის სცენები და ბაზრები; იყვნენ ეკლესიის ინტერიერის ოსტატები და სხვადასხვა სახის ნატურმორტები - „საუზმე“, „დესერტები“, „მაღაზიები“ და ა.შ. ჰოლანდიური მხატვრობის შეზღუდვის თავისებურებანი იმოქმედა, რამაც შეამცირა დავალებების რაოდენობა მისი შემქმნელებისთვის. მაგრამ ამავდროულად, თითოეული ხელოვანის კონცენტრაციამ კონკრეტულ ჟანრზე ხელი შეუწყო მხატვრის ოსტატობის დახვეწას. ჰოლანდიელი ხელოვანებიდან მხოლოდ ყველაზე დიდი მუშაობდა სხვადასხვა ჟანრში.
რეალისტური ჰოლანდიური მხატვრობის ჩამოყალიბება მოხდა იტალიალიზებული ტენდენციისა და მანერიზმის წინააღმდეგ ბრძოლაში. ამ ტენდენციების წარმომადგენლებმა, თითოეულმა თავისებურად, მაგრამ მხოლოდ გარეგნულად, ისესხეს იტალიელი მხატვრების ტექნიკა, ღრმად უცხო ეროვნული ჰოლანდიური ფერწერის ტრადიციებისთვის. ჰოლანდიური მხატვრობის ჩამოყალიბების ადრეულ ეტაპზე, რომელიც მოიცავდა 1609-1640 წლებს, რეალისტური ტენდენციები უფრო მკაფიოდ გამოიკვეთა პორტრეტში და ყოველდღიურ ჟანრში.

ჰოლანდიის პეიზაჟი

ჰოლანდიური რეალისტური ლანდშაფტის პრინციპები ჩამოყალიბდა მე-17 საუკუნის პირველ მესამედში. პირობითი კანონებისა და იდეალიზებული, წარმოსახვითი ბუნების ნაცვლად, იტალიური მიმართულების ოსტატების ნახატებში, რეალისტური ლანდშაფტის შემქმნელებმა მიმართეს ჰოლანდიის ნამდვილი ბუნების გამოსახვას მისი დიუნებითა და არხებით, სახლებითა და სოფლებით. მათ არა მხოლოდ აღბეჭდეს ტერიტორიის ხასიათი ყველა ნიშნით, შექმნეს ეროვნული ლანდშაფტის ტიპიური მოტივები, არამედ ცდილობდნენ გადმოეცათ სეზონის ატმოსფერო, ნოტიო ჰაერი და სივრცე. ამან ხელი შეუწყო ტონალური ფერწერის განვითარებას, სურათის ყველა კომპონენტის ერთ ტონს დაქვემდებარებას.
ჰოლანდიური რეალისტური ლანდშაფტის ერთ-ერთი უდიდესი წარმომადგენელი იყო იან ვან გოიენი (1596-1656). მუშაობდა ლეიდენსა და ჰააგაში. მხატვრის იან ვან გოიენის საყვარელი მოტივები მის პატარა პეიზაჟებში: ხეობები და ფართო მდინარეების წყლის ზედაპირი ქალაქებითა და სოფლებით ნაპირებზე ნაცრისფერ, მოღრუბლულ დღეებში. ბევრი სივრცე (დაახლოებით სურათის ორი მესამედი) იან ვან გოიენმა დატოვა ცა ტენით გაჯერებული მბრუნავი ღრუბლებით. ასეთია ნახატი „მდინარე ვაალის ხედი ნიჟმეგენის მახლობლად“ (1649 წელი, მოსკოვი, პუშკინის სახელობის სახვითი ხელოვნების სახელმწიფო მუზეუმი), შენარჩუნებული ყავისფერ-ნაცრისფერ ფერთა თხელ დიაპაზონში.
განსაკუთრებული სახის პეიზაჟი, რომელიც ასახავს ცხოველებს, საძოვრებს ძროხებთან, ცხვრებთან ერთად, შექმნა პოლ პოტერმა (1625-1654). მშვენივრად შეისწავლა ცხოველების ჩვევები, მხატვარი ხშირად აძლევდა მათ ახლო კადრებს, ყურადღებით წერდა თითოეული მასალის ტექსტურას, რბილ მატყლს და უმცირეს დეტალებს. ასეთია ნახატები „ხარი“ (1647, ჰაგა, მაურიტშუისი), „ძაღლი ჯაჭვზე“ (ს. პეტერბურგი, ერმიტაჟი).

ჰოლანდიური ნატურმორტი

ლანდშაფტის მხატვრობასთან ერთად მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიაში ფართოდ გავრცელდა ნატურმორტი, რომელიც გამოირჩეოდა ინტიმური ხასიათით. ჰოლანდიელმა მხატვრებმა ნატურმორტისთვის აირჩიეს ობიექტების მრავალფეროვნება, მათ იცოდნენ როგორ სრულყოფილად შეექმნათ ისინი, გამოეჩინათ თითოეული ობიექტის მახასიათებლები და მისი შინაგანი ცხოვრება, განუყოფლად დაკავშირებული ადამიანის სიცოცხლესთან.
მე-17 საუკუნის ჰოლანდიელმა მხატვრებმა პიტერ კლაესმა (დაახლოებით 1597 - 1661 წწ.) და ვილემ ჰედამ (1594-1680/1682 წწ.) დახატეს "საუზმის" მრავალი ვარიანტი, რომელშიც გამოსახული იყო ლორები, მოწითალო ფუნთუშები, მაყვლის ღვეზელები, მყიფე შუშის ჭიქა ნახევრად. თითოეული ნივთის ფერის, მოცულობის, ტექსტურის საოცარი ოსტატურად გადმოცემით. ადამიანის ბოლოდროინდელი ყოფნა შესამჩნევია აშლილობაში, იმ ნივთების შემთხვევით მოწყობაში, რომლებიც ახლახან ემსახურებოდა მას. მაგრამ ეს აშლილობა მხოლოდ აშკარაა, რადგან თითოეული ნატურმორტის შემადგენლობა საგულდაგულოდ არის გააზრებული და ნაპოვნი. ფრთხილი მონაცრისფრო-ოქროსფერი, ზეთისხილისფერი ტონალური დიაპაზონი აერთიანებს სუბიექტებს და განსაკუთრებულ ჟღერადობას ანიჭებს იმ სუფთა ფერებს, რომლებიც ხაზს უსვამს ახლად მოჭრილი ლიმონის სიახლეს ან ლურჯი ლენტის რბილ აბრეშუმს.
დროთა განმავლობაში, ნატურმორტის ოსტატების, მხატვრების კლაესისა და ჰედას "საუზმე" ადგილს უთმობს ჰოლანდიელი მხატვრების აბრაამ ვან ბეიჯერენის (1620/1621-1690) და ვილემ კალფის (1622-1693) "დესერტებს". ბეიერენის ნატურმორტები შემადგენლობით მკაცრია, ემოციურად მდიდარი, ფერადი. ვილემ კალფი მთელი თავისი ცხოვრების განმავლობაში ხატავდა თავისუფლად და დემოკრატიულ "სამზარეულებს" - ქოთნებს, ბოსტნეულს და ნატურმორტებს, არისტოკრატია დახვეწილი ძვირფასი საგნების შერჩევაში, თავშეკავებული კეთილშობილების მსგავსად, როგორიცაა ვერცხლის ჭურჭელი, თასები, ფერების შინაგანი წვით გაჯერებული ჭურვები. .
შემდგომი განვითარებისას ნატურმორტი იმავე გზას მიჰყვება, როგორც მთელი ჰოლანდიური ხელოვნება, კარგავს თავის დემოკრატიას, სულიერებას და პოეზიას, ხიბლს. ნატურმორტი იქცევა მაღალი რანგის მომხმარებლების სახლის დეკორაციად. მთელი დეკორატიულობითა და შესრულების უნარით, გვიანი ნატურმორტები ჰოლანდიური მხატვრობის დაკნინებას ელიან.
სოციალური გადაგვარება, ჰოლანდიური ბურჟუაზიის ცნობილი არისტოკრატიზაცია მე-17 საუკუნის ბოლო მესამედში, იწვევს ფრანგი თავადაზნაურობის ესთეტიკურ შეხედულებებთან დაახლოების ტენდენციას, იწვევს მხატვრული გამოსახულების იდეალიზაციას, მათ დახვეწას. ხელოვნება კარგავს კავშირს დემოკრატიულ ტრადიციებთან, კარგავს რეალისტურ საფუძველს და შედის ხანგრძლივი დაცემის პერიოდში. ინგლისთან ომებში ძლიერ გამოფიტული ჰოლანდია კარგავს თავის პოზიციას, როგორც დიდი სავაჭრო ძალა და უდიდესი მხატვრული ცენტრი.

მე -17 საუკუნის ფრანგული ხელოვნება

მე-17 საუკუნის ფრანგულ ხელოვნებაში ყველაზე სრულყოფილი ასახვა ჰპოვა იდეებმა ადამიანისა და საზოგადოებაში მისი ადგილის შესახებ, რომელიც წარმოიქმნა ევროპაში ცენტრალიზებული მონარქიების ჩამოყალიბების დროს. აბსოლუტიზმის კლასიკური ქვეყანა, რომელიც უზრუნველყოფდა ბურჟუაზიული ურთიერთობების ზრდას, საფრანგეთმა განიცადა ეკონომიკური ბუმი და გახდა ძლიერი ევროპული ძალა. ეროვნული გაერთიანებისთვის ბრძოლა ფეოდალური თვითნებისა და ანარქიის წინააღმდეგ ხელი შეუწყო გონების მაღალი დისციპლინის განმტკიცებას, პიროვნების პასუხისმგებლობის გრძნობას მის ქმედებებზე და ინტერესს სახელმწიფო პრობლემებისადმი. ფილოსოფოსმა დეკარტმა შეიმუშავა ნების თეორია, გამოაცხადა ადამიანის გონების დომინირება. ის მოუწოდებდა თვითშემეცნებას და ბუნების დაპყრობას, სამყაროს რაციონალურად ორგანიზებულ მექანიზმად თვლიდა. რაციონალიზმი გახდა ფრანგული კულტურის დამახასიათებელი ნიშანი. მე-17 საუკუნის შუა წლებში ჩამოყალიბდა ეროვნული ლიტერატურული ენა - იგი ადასტურებდა ლოგიკური სიცხადის, სიზუსტის და პროპორციის გრძნობის პრინციპებს. კორნეისა და რასინის შემოქმედებაში ფრანგულმა კლასიკურმა ტრაგედიამ აპოგეას მიაღწია. თავის დრამებში მოლიერი ხელახლა ქმნის „ადამიანურ კომედიას“. საფრანგეთი ეროვნული კულტურის აყვავებას განიცდიდა, შემთხვევითი არ არის, რომ ვოლტერმა მე-17 საუკუნეს „დიდი“ უწოდა.
აბსოლუტიზმის დამკვიდრების პირობებში ჩამოყალიბდა XVII საუკუნის ფრანგული კულტურა. თუმცა, მისმა მრავალფეროვნებამ და შეუსაბამობამ განაპირობა ფართო მოძრაობა ეროვნული გაერთიანებისთვის. მან იპოვა ნათელი პასუხები მკვეთრ სოციალურ კონფლიქტებზე, რომლებიც თან ახლდა ახალი საზოგადოების დაბადებას. მე-17 საუკუნის პირველ ნახევარში სახელმწიფოს საფუძვლები შეარყია გლეხთა და ქალაქების აჯანყებებმა, საპარლამენტო ფრონდეს დიდმა დემოკრატიულმა მოძრაობამ. ამის საფუძველზე დაიბადა უტოპიები, ოცნებები იდეალურ საზოგადოებაზე, რომელიც დაფუძნებულია გონიერებისა და სამართლიანობის კანონებზე და აბსოლუტიზმის თავისუფლად მოაზროვნე კრიტიკა. მე-17 საუკუნეში ფრანგული ხელოვნების განვითარებამ გაიარა ორი ეტაპი, რომელიც დაემთხვა საუკუნის პირველ და მეორე ნახევარს.

დასავლეთ ევროპის ხელოვნება მე -18 საუკუნეში

მეთვრამეტე საუკუნე დასავლეთ ევროპაში არის ფეოდალიზმიდან კაპიტალიზმზე ხანგრძლივი გადასვლის ბოლო ეტაპი. საუკუნის შუა ხანებში დასრულდა კაპიტალის პრიმიტიული დაგროვების პროცესი, დაიწყო ბრძოლა სოციალური ცნობიერების ყველა სფეროში და მომწიფდა რევოლუციური ვითარება. მოგვიანებით მან განაპირობა განვითარებული კაპიტალიზმის კლასიკური ფორმების დომინირება. ერთი საუკუნის მანძილზე განხორციელდა ძველი საზოგადოების შეფასების ყველა სოციალური და სახელმწიფო საფუძვლის, კონცეფციისა და კრიტერიუმის გიგანტური რღვევა. გაჩნდა ცივილიზებული საზოგადოება, გაჩნდა პერიოდული პრესა, ჩამოყალიბდა პოლიტიკური პარტიები, მიმდინარეობდა ბრძოლა ფეოდალურ-რელიგიური მსოფლმხედველობის ბორკილებიდან ადამიანის გასათავისუფლებლად.
ვიზუალურ ხელოვნებაში გაიზარდა ცხოვრების პირდაპირ რეალისტური ასახვის მნიშვნელობა. ხელოვნების სფერო გაფართოვდა, იგი გახდა განმათავისუფლებელი იდეების აქტიური სპიკერი, სავსე აქტუალურობით, მებრძოლი სულით, დაგმო არა მხოლოდ ფეოდალური, არამედ წარმოშობილი ბურჟუაზიული საზოგადოების მანკიერებები და აბსურდულობა. მან ასევე წამოაყენა ახალი პოზიტიური იდეალი პიროვნების შეუზღუდავი პიროვნებისა, თავისუფალი იერარქიული იდეებისგან, ინდივიდუალური შესაძლებლობების განვითარებისა და ამავე დროს დაჯილდოებული მოქალაქეობის კეთილშობილური გრძნობით. ხელოვნება გახდა ეროვნული, მიმართა არა მხოლოდ დახვეწილ მცოდნეთა წრეს, არამედ ფართო დემოკრატიულ გარემოს.

XVIII საუკუნეში დასავლეთ ევროპის სოციალური და იდეოლოგიური განვითარების ძირითადი ტენდენციები არათანაბრად გამოიხატა სხვადასხვა ქვეყანაში. თუ ინგლისში მე-18 საუკუნის შუა ხანებში მომხდარმა ინდუსტრიულმა რევოლუციამ გააძლიერა კომპრომისი ბურჟუაზიასა და თავადაზნაურობას შორის, მაშინ საფრანგეთში ანტიფეოდალურ მოძრაობას უფრო მასიური ხასიათი ჰქონდა და ბურჟუაზიულ რევოლუციას ამზადებდა. ყველა ქვეყნისთვის საერთო იყო ფეოდალიზმის კრიზისი, მისი იდეოლოგია, ფართო სოციალური მოძრაობის - განმანათლებლობის ჩამოყალიბება, პირველადი ხელუხლებელი ბუნებისა და გონების კულტით, რომელიც მას იცავს, თანამედროვე კორუმპირებული ცივილიზაციის კრიტიკით და ოცნებებით. კეთილგანწყობილი ბუნების ჰარმონია და ბუნებრივი მდგომარეობისკენ მიზიდული ახალი დემოკრატიული ცივილიზაცია.
მეთვრამეტე საუკუნე არის გონიერების, ყოვლისმომცველი სკეპტიციზმისა და ირონიის ხანა, ფილოსოფოსების, სოციოლოგების, ეკონომისტების ხანა; განვითარდა ზუსტი საბუნებისმეტყველო მეცნიერებები, გეოგრაფია, არქეოლოგია, ისტორია და მატერიალისტური ფილოსოფია, დაკავშირებული ტექნოლოგიასთან. ეპოქის ფსიქიკურ ცხოვრებაში შეჭრისას მეცნიერულმა ცოდნამ შექმნა საფუძველი ხელოვნებისთვის რეალობის ზუსტი დაკვირვებისა და ანალიზისთვის. განმანათლებლები აცხადებდნენ ხელოვნების მიზანს ბუნების მიბაძვას, მაგრამ მოწესრიგებული, გაუმჯობესებული ბუნება (დიდერო, ა. პაპი), გონებით გაწმენდილი აბსოლუტისტური რეჟიმის მიერ შექმნილი ადამიანის მიერ შექმნილი ცივილიზაციის მავნე ზემოქმედებისგან, სოციალური უთანასწორობისგან, უსაქმურობისა და ფუფუნებისგან. თუმცა მე-18 საუკუნის ფილოსოფიური და ესთეტიკური აზროვნების რაციონალიზმმა არ დათრგუნა გრძნობის სიახლე და გულწრფელობა, არამედ წარმოშვა ხელოვნების მხატვრული ფენომენების პროპორციულობის, მადლისა და ჰარმონიული სისრულისკენ სწრაფვა, არქიტექტურული ანსამბლებიდან დამთავრებული. გამოყენებითი ხელოვნება. განმანათლებლები ცხოვრებაში და ხელოვნებაში დიდ მნიშვნელობას ანიჭებდნენ გრძნობას - კაცობრიობის კეთილშობილური მისწრაფებების ფოკუსს, განცდას, რომელიც ისწრაფვის მიზანმიმართული მოქმედებისკენ, შეიცავს ძალას, რომელიც რევოლუციას ახდენს ცხოვრებაში, გრძნობას, რომელსაც შეუძლია გააცოცხლოს "ბუნებრივი ადამიანის" პირველყოფილი სათნოებები ( დეფო, რუსო, მერსიე), ბუნებრივი კანონების დაცვით, ბუნება.
რუსოს აფორიზმა "ადამიანი მხოლოდ გრძნობებშია დიდი" გამოხატა მე-18 საუკუნის სოციალური ცხოვრების ერთ-ერთი ღირსშესანიშნავი ასპექტი, რამაც დასაბამი მისცა სიღრმისეულ, დახვეწილ ფსიქოლოგიურ ანალიზს რეალისტურ პორტრეტში და ჟანრში, ლირიკული პეიზაჟი გრძნობების პოეზიით გამსჭვალული (გენსბორო, უოტო, ბერნე, რობერტი) "ლირიკული რომანი", "ლექსები პროზაში" (რუსო, პრევოსტი, მარივო, ფილდინგი, სტერნი, რიჩარდსონი), იგი აღწევს თავის უმაღლეს გამოხატულებას მუსიკის აღზევებაში (ჰენდელი , ბახი, გლუკი, ჰაიდნი, მოცარტი, იტალიელი საოპერო კომპოზიტორები). ერთის მხრივ, "პატარა ხალხი" გახდა მე -18 საუკუნის ფერწერის, გრაფიკის, ლიტერატურისა და თეატრის მხატვრული ნაწარმოებების გმირები - ხალხი, ისევე როგორც ყველა, ეპოქის ჩვეულ პირობებში, კეთილდღეობითა და პრივილეგიებით არ გაფუჭებული, ექვემდებარება სულის ჩვეულებრივ ბუნებრივ მოძრაობებს, კმაყოფილი მოკრძალებული ბედნიერებით. მხატვრები და მწერლები აღფრთოვანებული იყვნენ მათი გულწრფელობით, სულის გულუბრყვილო უშუალობით, ბუნებასთან ახლოს. მეორეს მხრივ, აქცენტი კეთდება ემანსიპირებული ცივილიზებული ინტელექტუალური ადამიანის იდეალზე, რომელიც წარმოიქმნება განმანათლებლობის კულტურის, მისი ინდივიდუალური ფსიქოლოგიის ანალიზის, კონფლიქტური ფსიქიკური მდგომარეობებისა და გრძნობების მიერ მათი დახვეწილი ნიუანსებით, მოულოდნელი იმპულსებით და რეფლექსიური განწყობებით.
მწვავე დაკვირვება, აზროვნებისა და გრძნობის დახვეწილი კულტურა დამახასიათებელია მე-18 საუკუნის ყველა მხატვრული ჟანრისთვის. მხატვრები ცდილობდნენ გადაეღოთ სხვადასხვა ჩრდილის ყოველდღიური ცხოვრებისეული სიტუაციები, ორიგინალური ინდივიდუალური სურათები, მიზიდული გასართობი ნარატივებისა და მომხიბლავი სპექტაკლებისკენ, მკვეთრი კონფლიქტური მოქმედებები, დრამატული ინტრიგები და კომედიური სიუჟეტები, დახვეწილი გროტესკები, ბუფონები, მოხდენილი პასტორალები, გალანტური დღესასწაულები.
ახალი პრობლემები წამოიჭრა არქიტექტურაშიც. შემცირდა საეკლესიო შენობის მნიშვნელობა და გაიზარდა სამოქალაქო არქიტექტურის როლი, საოცრად მარტივი, განახლებული, ზედმეტი შთამბეჭდავისაგან გათავისუფლებული. ზოგიერთ ქვეყანაში (საფრანგეთი, რუსეთი, ნაწილობრივ გერმანია) მომავლის ქალაქების დაგეგმვის პრობლემები მოგვარდა. დაიბადა არქიტექტურული უტოპიები (გრაფიკული არქიტექტურული პეიზაჟები - ჯოვანი ბატისტა პირანესი და ე.წ. "ქაღალდის არქიტექტურა"). დამახასიათებელი გახდა კერძო, ჩვეულებრივ, ინტიმური საცხოვრებელი კორპუსის ტიპი და საზოგადოებრივი შენობების ურბანული ანსამბლები. ამავდროულად, მე-18 საუკუნის ხელოვნებაში, წინა ეპოქებთან შედარებით, შემცირდა ცხოვრების გაშუქების სინთეზური აღქმა და სისრულე. დაირღვა მონუმენტური მხატვრობისა და ქანდაკების ყოფილი კავშირი არქიტექტურასთან, გამძაფრდა მათში დაზგური მხატვრობისა და დეკორატიულობის თავისებურებები. განსაკუთრებული კულტის საგანი იყო ყოველდღიური ცხოვრების ხელოვნება, დეკორატიული ფორმები. ამავდროულად გაიზარდა ხელოვნების სხვადასხვა სახეობის ურთიერთქმედება და ურთიერთგამდიდრება, ხელოვნების ერთი სახეობის მიერ შეძენილი მიღწევები უფრო თავისუფლად გამოიყენეს სხვებმა. ამრიგად, თეატრის გავლენა ფერწერასა და მუსიკაზე ძალიან ნაყოფიერი იყო.
მე-18 საუკუნის ხელოვნებამ ორი ეტაპი გაიარა. პირველი გაგრძელდა 1740-1760 წლამდე. დამახასიათებელია გვიანი ბაროკოს ფორმების დეკორატიულ როკოკოს სტილში მოდიფიკაცია. მე-18 საუკუნის პირველი ნახევრის ხელოვნების ორიგინალურობა - მახვილგონივრული და დამცინავი სკეპტიციზმისა და დახვეწილობის ერთობლიობაში. ეს ხელოვნება, ერთის მხრივ, დახვეწილია, აანალიზებს გრძნობებისა და განწყობების ნიუანსებს, ელეგანტური ინტიმურობისკენ, თავშეკავებული ლირიზმისკენ მიისწრაფვის, მეორეს მხრივ, მიზიდულობს „სიამოვნების ფილოსოფიისკენ“, აღმოსავლეთის ზღაპრული სურათებისკენ - არაბები, ჩინელები, სპარსელები. როკოკოს პარალელურად განვითარდა რეალისტური ტენდენცია - ზოგიერთმა ოსტატმა მკვეთრად ბრალმდებელი ხასიათი შეიძინა (ჰოგარტი, სვიფტი). მხატვრული ტენდენციების ბრძოლა ეროვნულ სკოლებში ღიად გამოიხატა. მეორე ეტაპი დაკავშირებულია იდეოლოგიური წინააღმდეგობების გაღრმავებასთან, თვითშეგნების ზრდასთან, ბურჟუაზიისა და მასების პოლიტიკურ აქტივობასთან. 1760-1770-იანი წლების მიჯნაზე. საფრანგეთის სამეფო აკადემია ეწინააღმდეგებოდა როკოკოს ხელოვნებას და ცდილობდა აღედგინა მე-17 საუკუნის ბოლოს აკადემიური ხელოვნების საზეიმო, იდეალიზებული სტილი. გალანტურმა და მითოლოგიურმა ჟანრებმა ადგილი დაუთმეს ისტორიულ ჟანრს რომის ისტორიიდან ნასესხები ნაკვეთებით. მათ მოუწოდეს ხაზი გაესვათ მონარქიის სიდიადეს, რომელმაც დაკარგა ავტორიტეტი, „განმანათლებლური აბსოლუტიზმის“ იდეების რეაქციული ინტერპრეტაციის შესაბამისად. მოწინავე აზროვნების წარმომადგენლებმა მიმართეს ანტიკურ მემკვიდრეობას. საფრანგეთში კომტ დე კაილუსმა გახსნა ამ სფეროში კვლევის სამეცნიერო ერა („სიძველეთა კრებული“, 7 ტომი, 1752-1767 წწ.). XVIII საუკუნის შუა ხანებში გერმანელი არქეოლოგი და ხელოვნების ისტორიკოსი ვინკელმანი (ანტიკური ხელოვნების ისტორია, 1764) მოუწოდებდა მხატვრებს დაბრუნებულიყვნენ „ანტიკური ხელოვნების კეთილშობილურ სიმარტივესა და მშვიდი სიდიადე, რომელიც თავისთავად ასახავს თავისუფლებას. რესპუბლიკის ეპოქის ბერძნები და რომაელები“. ფრანგმა ფილოსოფოსმა დიდრომ ძველ ისტორიაში აღმოაჩინა შეთქმულებები, რომლებიც გმობდა ტირანებს და მოუწოდებდა მათ წინააღმდეგ აჯანყებას. წარმოიშვა კლასიციზმი, როკოკოს დეკორატიულობას უპირისპირდება ბუნებრივი სიმარტივე, ვნებების სუბიექტური თვითნებობა - რეალური სამყაროს კანონების ცოდნა, პროპორციის გრძნობა, აზრისა და საქმეების კეთილშობილება. მხატვრებმა პირველად შეისწავლეს ძველი ბერძნული ხელოვნება ახლად აღმოჩენილ ძეგლებზე. იდეალური, ჰარმონიული საზოგადოების გამოცხადება, მოვალეობის უპირატესობა გრძნობაზე, გონების პათოსი მე-17 და მე-18 საუკუნეების კლასიციზმის საერთო ნიშნებია. თუმცა მე-17 საუკუნის კლასიციზმი, რომელიც წარმოიშვა ეროვნული გაერთიანების საფუძველზე, განვითარდა კეთილშობილური საზოგადოების აყვავების პირობებში. XVIII საუკუნის კლასიციზმს ახასიათებს ანტიფეოდალური რევოლუციური ორიენტაცია. მიზნად ისახავდა ერის პროგრესული ძალების გაერთიანებას აბსოლუტიზმის წინააღმდეგ საბრძოლველად. საფრანგეთის ფარგლებს გარეთ კლასიციზმს არ გააჩნდა ისეთი რევოლუციური ხასიათი, როგორიც მას ჰქონდა საფრანგეთის რევოლუციის პირველ წლებში.
კლასიციზმთან ერთად, განიცდიდა მის გავლენას, რეალისტური ტენდენცია განაგრძობდა ცხოვრებას. მასში გამოკვეთილი იყო რაციონალისტური ტენდენციები: მხატვრები ცდილობდნენ ცხოვრებისეული ფენომენების განზოგადებას.
მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარში დაიბადა სენტიმენტალიზმი გრძნობისა და ვნების კულტით, აღტაცებით ყველაფრის უბრალო, გულუბრყვილო, გულწრფელი. წარმოიშვა დაკავშირებული პრერომანტიული ტენდენცია ხელოვნებაში და გაჩნდა ინტერესი შუა საუკუნეებისა და ხალხური ხელოვნების ფორმების მიმართ. ამ მოძრაობების წარმომადგენლები ამტკიცებდნენ ადამიანის კეთილშობილური და აქტიური გრძნობების ღირებულებას, გამოავლინეს მისი კონფლიქტების დრამა გარემოსთან, აიძულა მას ჩარეულიყო რეალურ საზოგადოებრივ საქმეებში სამართლიანობის ტრიუმფის სახელით. მათ გზა გაუხსნეს „ადამიანის გულის ცოდნისკენ და დიდი ვნების წარმოშობის, განვითარებისა და ნგრევის თვალწინ წარმოჩენის ჯადოსნურ ხელოვნებას“ (ლესინგი) და გამოხატეს აღგზნებული, პათეტიკური ხელოვნების მზარდი საჭიროება.

მე -19 საუკუნის ხელოვნება

მე-19 საუკუნის განმავლობაში კაპიტალიზმი გახდა დომინანტური ფორმაცია არა მხოლოდ ევროპაში, არამედ სხვა კონტინენტებზეც. სწორედ ამ პერიოდში მკვეთრად გამწვავდა ბრძოლა ორ კულტურას - პროგრესულ დემოკრატიულსა და რეაქციულ ბურჟუას შორის. იმდროინდელი მოწინავე იდეების გამოხატვით, მე-19 საუკუნის რეალისტურმა ხელოვნებამ დაადასტურა რეალობის ესთეტიკური ღირებულებები, განადიდა ნამდვილი ბუნების სილამაზე და მშრომელი ადამიანი. XIX საუკუნის რეალიზმი განსხვავდებოდა წინა საუკუნეებისგან იმით, რომ იგი პირდაპირ ასახავდა ხელოვნებაში ეპოქის მთავარ წინააღმდეგობებს, ადამიანთა ცხოვრების სოციალურ პირობებს. კრიტიკულმა პოზიციებმა დაადგინეს მე-19 საუკუნეში რეალისტური ხელოვნების მეთოდის საფუძველი. მისი ყველაზე თანმიმდევრული ინკარნაცია იყო კრიტიკული რეალიზმის ხელოვნება - ყველაზე ღირებული წვლილი ეპოქის მხატვრულ კულტურაში.
მე-19 საუკუნის კულტურის სხვადასხვა სფერო არათანაბრად განვითარდა. მსოფლიო ლიტერატურა (ვიქტორ ჰიუგო, ონორე ბალზაკი, ანრი სტენდალი, ფიოდორ დოსტოევსკი, ლეო ტოლსტოი), მუსიკა (იოჰან ბეთჰოვენი, ფრედერიკ შოპენი, რიჩარდ ვაგნერი) უმაღლეს სიმაღლეებს აღწევს. რაც შეეხება არქიტექტურასა და გამოყენებით ხელოვნებას, აღმავლობის შემდეგ, რომელმაც განსაზღვრა იმპერიის სტილი, ორივე ეს ხელოვნება კრიზისშია. შეიმჩნევა მონუმენტური ფორმების დაშლა, სტილისტური ერთობა, როგორც ინტეგრალური მხატვრული სისტემა, რომელიც მოიცავს ხელოვნების ყველა სახეობას. ფერწერის, გრაფიკის და ნაწილობრივ ქანდაკების დაზგური ფორმები, რომლებიც მიზიდულობენ მონუმენტური ფორმებისკენ თავიანთი საუკეთესო გამოვლინებით, იღებენ ყველაზე სრულ განვითარებას.

ეროვნული იდენტობით ნებისმიერი კაპიტალისტური ქვეყნის ხელოვნებაში გაუმჯობესებულია საერთო ნიშნები: ცხოვრების ფენომენების კრიტიკული შეფასება, აზროვნების ისტორიციზმი, ანუ სოციალური განვითარების მამოძრავებელი ძალების ღრმა ობიექტური გააზრება, როგორც წარსული ისტორიული ეტაპები, ასევე აწმყო. XIX საუკუნის ხელოვნების ერთ-ერთი მთავარი მიღწევაა ისტორიული თემების შემუშავება, რომელშიც პირველად ვლინდება არა მხოლოდ ცალკეული გმირების, არამედ ხალხის მასების როლი, უფრო კონკრეტულად კი ისტორიული გარემო. ხელახლა შექმნა. ფართოდ გამოიყენება ყველა სახის პორტრეტი, ყოველდღიური ჟანრი, პეიზაჟი გამოხატული ეროვნული ხასიათით. აყვავების დღე განიცდის სატირულ გრაფიკას.
კაპიტალიზმის გამარჯვებით დიდი ბურჟუაზია ხდება ხელოვნების რეალისტური და დემოკრატიული ტენდენციების შეზღუდვისა და ჩახშობის მთავარი დაინტერესებული ძალა. ხშირად იდევნებოდნენ ევროპული კულტურის წამყვანი მოღვაწეების კონსტბელის, გოიას, გერიკოს, დელაკრუას, დომიეს, კურბეს, მანეს შემოქმედებას. გამოფენები სავსე იყო ეგრეთ წოდებული სალონის მხატვრების, ანუ მათ, ვინც დომინანტური ადგილი ეკავა ხელოვნების სალონებში გაპრიალებული ნამუშევრებით. ბურჟუაზიული მომხმარებლების გემოვნებისა და მოთხოვნების დასაკმაყოფილებლად მათ ამუშავებდნენ ზედაპირულ აღწერილობებს, ეროტიკულ და გასართობ მოტივებს, ბოდიშის მოხდის სულს ბურჟუაზიული ფონდებისა და მილიტარიზმის მიმართ.
ჯერ კიდევ 1860-იან წლებში კარლ მარქსი აღნიშნავდა, რომ „კაპიტალისტური წარმოება მტრულია სულიერი წარმოების გარკვეული დარგების მიმართ, როგორიცაა ხელოვნება და პოეზია“. ხელოვნება ბურჟუაზიას ძირითადად აინტერესებს როგორც მომგებიანი ინვესტიცია (კოლექციები) ან როგორც ფუფუნების საგანი. რა თქმა უნდა, იყვნენ კოლექციონერები, რომლებსაც ჭეშმარიტად ესმით ხელოვნება და მისი მიზანი, მაგრამ ეს იყო რამდენიმე გამონაკლისი წესებიდან. ზოგადად, როგორც ტრენდსეტერი და ხელოვნების მთავარი მომხმარებელი, ბურჟუაზიამ ხელოვანებს ხელოვნების შეზღუდული გაგება დააკისრა. ფართომასშტაბიანი მასობრივი წარმოების განვითარებამ თავისი უპიროვნობითა და ბაზარზე დამოკიდებულებით განაპირობა შემოქმედების ჩახშობა. შრომის დანაწილება კაპიტალისტურ წარმოებაში ავითარებს ინდივიდის ცალმხრივ განვითარებას და თავად შრომას ართმევს შემოქმედებით მთლიანობას. ხელოვნებისადმი კაპიტალიზმის მტრობაზე საუბრისას, მარქსსა და ენგელსს არ ჰქონდათ მხედველობაში მხატვრული პროგრესის ზოგადი შეუძლებლობა მე-19 და მე-20 საუკუნეებში. მეცნიერული კომუნიზმის დამფუძნებლები თავიანთ ნაშრომებში ადიდებდნენ, მაგალითად, მე-19 საუკუნის კრიტიკული რეალიზმის მიღწევებს.
ხელოვნების დემოკრატიული ხაზი, რომელიც ავლენს ხალხის როლს, როგორც ისტორიის მამოძრავებელ ძალას და ადასტურებს ერის დემოკრატიული კულტურის ესთეტიკურ ღირებულებებს, გადის განვითარების მთელ რიგ ეტაპებს. პირველ ეტაპზე, 1789-1794 წლების საფრანგეთის დიდი რევოლუციიდან 1815 წლამდე (ხალხთა ეროვნულ-განმათავისუფლებელი ბრძოლის დრო ნაპოლეონის აგრესიის წინააღმდეგ), ბურჟუაზიული საზოგადოების ექსპლუატაციური არსი ჯერ კიდევ ბოლომდე არ იყო გაცნობიერებული. დემოკრატიული ხელოვნება ყალიბდება თავადაზნაურობის მხატვრული კულტურის ნარჩენებთან ბრძოლაში, ასევე ბურჟუაზიული იდეოლოგიის შეზღუდულობის გამოვლინებებთან. იმდროინდელი ხელოვნების უმაღლესი მიღწევები დაკავშირებული იყო მასების რევოლუციურ პათოსთან, რომლებსაც სჯეროდათ თავისუფლების, თანასწორობისა და ძმობის იდეალების გამარჯვების. ეს არის რევოლუციური კლასიციზმის და რომანტიკული და რეალისტური ხელოვნების დაბადება.
მეორე ეტაპი, 1815 წლიდან 1849 წლამდე, მოდის ევროპის უმეტეს ქვეყნებში კაპიტალისტური სისტემის დამყარების დროს. ამ ეტაპის მოწინავე დემოკრატიულ ხელოვნებაში ხდება გადასვლა ბურჟუაზიული საზოგადოების ექსპლუატაციური არსის მტკიცე კრიტიკაზე. ეს არის რევოლუციური რომანტიზმის უმაღლესი აყვავებისა და კრიტიკული რეალიზმის ხელოვნების ფორმირების პერიოდი.
ბურჟუაზიასა და პროლეტარიატს შორის კლასობრივი წინააღმდეგობების გამწვავებასთან ერთად, რომელიც თავის აპოგეას მიაღწია პარიზის კომუნის დროს (1871), კიდევ უფრო გამოხატულია ანტაგონიზმი რეაქციულ ბურჟუაზიულ და დემოკრატიულ კულტურებს შორის. XIX საუკუნის ბოლოს კაპიტალისტური ცხოვრების წესის კრიტიკა, როგორც ლიტერატურაში, ასევე სახვითი ხელოვნების ნაწარმოებებში, რევოლუციური პროლეტარიატის მზარდი მსოფლმხედველობის პოზიციიდან ხორციელდება.

მსგავსი ინფორმაცია.

მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიური ფერწერის სკოლა გახდა ერთ-ერთი წამყვანი ევროპაში. სწორედ აქ, მსოფლიო ხელოვნების ისტორიაში პირველად აღმოჩნდა, რომ გარემომცველი რეალობის ობიექტები შემოქმედებითი შთაგონებისა და მხატვრული დიზაინის წყაროდ იქცა. ამ დროის ჰოლანდიურ ხელოვნებაში დასრულდა ჟანრების მთელი სისტემის ჩამოყალიბება, რომელიც დაიწყო რენესანსში. პორტრეტებში, ყოველდღიურ ნახატებში, პეიზაჟებსა და ნატურმორტებში მხატვრები იშვიათი ოსტატობითა და სითბოთი გადმოსცემდნენ თავიანთ შთაბეჭდილებებს გარემომცველი ბუნებისა და უპრეტენზიო ცხოვრების შესახებ. ისინი ასახავს ჰოლანდიის კოლექტიური იმიჯს - ახალგაზრდა რესპუბლიკა, რომელიც იცავდა თავის დამოუკიდებლობას ესპანეთთან ომში.

"ახალგაზრდა ქალბატონის დილა" 1660 ფრანს მირის უფროსი. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

მხატვრების ნახატები ყოველდღიურ თემებზე (ან ჟანრულ ნახატებზე), რომლებიც ასახავს ადამიანს ნაცნობ, ყოველდღიურ გარემოში, ასახავს ჰოლანდიური საზოგადოების სხვადასხვა კლასს მიკუთვნებული ადამიანების ცხოვრების, ქცევისა და კომუნიკაციის დამკვიდრებულ ფორმებს. ჰოლანდიელი მხატვრების ნახატები, რომლებიც შექმნილია ვაჭრების, ხელოსნების ან მდიდარი გლეხების სახლების ინტერიერის გასაფორმებლად, მცირე ზომის იყო. მხატვრებმა ფული გამოიმუშავეს ნახატების გაყიდვით, რომლებიც დახატული იყო ახლო მანძილზე დეტალური ნახვის შესაძლებლობით. ამან, თავის მხრივ, წარმოშვა წერის განსაკუთრებით ფრთხილად, დახვეწილი მანერა.

ტერასის საზოგადოება. 1620 ესეის ვან დე ველდე. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

მე-17 საუკუნის განმავლობაში ჰოლანდიური ჟანრის მხატვრობამ მნიშვნელოვანი ევოლუცია განიცადა. მისი ფორმირების პერიოდში, საუკუნის დასაწყისში, გავრცელებული იყო ნაკვეთები დასვენების, ახალგაზრდა მდიდარი ჰოლანდიელების გართობის თემაზე, ან სცენები ოფიცრების ცხოვრებიდან. ასეთ ნახატებს ეძახდნენ "ბანკეტები", "საზოგადოებები", "კონცერტები". მათი მხატვრობა გამოირჩეოდა ჭრელი ფერით, ამაღლებული მხიარული ტონით. ესაიას ვან დე ველდეს ნახატი "საზოგადოება ტერასაზე" ეკუთვნის ამ სახის ნამუშევრებს.

1930-იანი წლების დასაწყისისთვის დასრულდა ჰოლანდიური ჟანრის ფერწერის ფორმირება. ხალხმრავალმა „საზოგადოებებმა“ ადგილი დაუთმეს პატარა ფიგურულ კომპოზიციებს. ადამიანის გარშემო არსებული გარემოს იმიჯმა მნიშვნელოვანი როლის შესრულება დაიწყო. იყო ჟანრული მხატვრობის დაყოფა სოციალური ხაზით: სიუჟეტები ბურჟუაზიის ცხოვრებიდან და სცენები გლეხებისა და ქალაქელი ღარიბების ცხოვრებიდან. ორივე ეს და სხვა ნახატები გამიზნული იყო ინტერიერის გასაფორმებლად.

"ბრძოლა". 1637 ადრიან ვან ოსტადე. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი მხატვარი, რომელიც მუშაობდა „გლეხურ ჟანრში“ იყო ადრიან ვან ოსტადე. შემოქმედების ადრეულ პერიოდში გლეხების გამოსახულება მის ნახატებში გამოირჩეოდა ხაზგასმული კომიკურობით, ზოგჯერ კარიკატურამდეც. ასე რომ, ნახატში "ბრძოლა", რომელიც განათებულია მკვეთრი შუქით, მებრძოლი ხალხი არ ჩანს ცოცხალი ადამიანები, არამედ თოჯინები, რომელთა სახეები ნიღბებივითაა დამახინჯებული ბოროტების გრიმასებით. ცივი და თბილი ფერების დაპირისპირება, სინათლისა და ჩრდილის მკვეთრი კონტრასტი კიდევ უფრო აძლიერებს სცენის გროტესკულობის შთაბეჭდილებას.

სოფლის მუსიკოსები. 1635 ადრიან ვან დე ოსტადე 1635 ზეთი ხეზე. სახელმწიფო ერმიტაჟი

1650-იან წლებში ადრიან ოსტადეს ნახატში ცვლილება მოხდა. მხატვარი მიმართა უფრო მშვიდ საგნებს, ასახავს ადამიანს ჩვეული საქმიანობის დროს, ყველაზე ხშირად დასვენების მომენტებში. ასეთია, მაგალითად, ინტერიერის ნახატი "სოფლის მუსიკოსები". ოსტადე ოსტატურად გადმოსცემს „მუსიკოსების“ კონცენტრაციას, რომლებიც გატაცებულნი არიან თავიანთი საქმით, ასახავს ბავშვებს, რომლებიც მათ ფანჯრიდან უყურებენ ძლივს შესამჩნევი იუმორით. სინათლისა და ჩრდილის თამაშის მრავალფეროვნება და რბილობა, მომწვანო-ყავისფერი ფერის სქემა აერთიანებს ადამიანებს და მათ გარემოს ერთ მთლიანობაში.

"ზამთრის ხედი". 1640 ისააკ ვან ოსტადე. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ადრიანის ძმა, ისააკ ვან ოსტადე, რომელიც ადრე გარდაიცვალა, ასევე მუშაობდა "გლეხურ ჟანრში". ის ასახავდა სოფლის ჰოლანდიის ცხოვრებას, რომლის ბუნებაშიც ადამიანი გრძნობდა თავს სახლში. ნახატზე "ზამთრის ხედი" წარმოდგენილია ტიპიური ჰოლანდიური პეიზაჟი, ნაცრისფერი ცა, რომელიც ძლიერად არის ჩამოკიდებული დედამიწაზე, გაყინული მდინარე, რომლის ნაპირებზე მდებარეობს სოფელი.

"პაციენტი და ექიმი." 1660 იან სტინი. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ძმები ოსტადეების ხელოვნების ჟანრულ თემას აგრძელებდა იან სტინი, ნიჭიერი ოსტატი, რომელიც იუმორის გრძნობით ამჩნევდა თავის ნახატებში პერსონაჟების ცხოვრებისა და ურთიერთობების დამახასიათებელ დეტალებს. ნახატში "Revelers" თავად მხატვარი მხიარულად და ეშმაკურად უყურებს მაყურებელს, რომელიც იჯდა ცოლის გვერდით, რომელიც მხიარული ქეიფის შემდეგ დაიძინა. ფილმში "პაციენტი და ექიმი", გმირების სახის გამომეტყველებითა და ჟესტებით, იან სტინი ოსტატურად ამჟღავნებს წარმოსახვითი ავადმყოფობის შეთქმულებას.

"ოთახი ჰოლანდიურ სახლში". პიტერ იანსენსი. ტილო, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

XVII საუკუნის ორმოცდაათიან და სამოციან წლებში ჟანრული ნახატების თემა თანდათან ვიწროვდება. იცვლება ნახატების ფიგურული სტრუქტურა. ისინი ხდებიან უფრო მშვიდი, უფრო ინტიმური, უფრო ლირიკული ჭვრეტა, მათში ჩნდება მშვიდი აზრი. ეს ეტაპი წარმოდგენილია ისეთი მხატვრების ნამუშევრებით, როგორებიც არიან: პიტერ დე ჰუჩი, ჟერარ ტერბორხი, გაბრიელ მეცუ, პიტერ იანსენსი. მათი ნამუშევრები განასახიერებდა ჰოლანდიური ბურჟუაზიის ყოველდღიური ცხოვრების პოეტურ და გარკვეულწილად იდეალიზებულ სურათს, რომლებიც ოდესღაც იბრძოდნენ თავიანთი უფლებებისა და დამოუკიდებლობისთვის და ახლა მიაღწიეს მდგრად კეთილდღეობას. ასე რომ, პეტერ იანსენსის ინტერიერის ნახატში "ოთახი ჰოლანდიურ სახლში" მზის შუქით დატბორილი მყუდრო ოთახი გამოსახულია იატაკზე და კედლებზე მზის სხივებით, იაკობის ნახატში "მოხუცი ქალბატონი ბუხართან". Wrehl, გამოსახულია ოთახი ბუხრით ჩაძირული რბილი ბინდი. კომპოზიციის არჩევანი ორივე მხატვრის ნამუშევრებში ხაზს უსვამს ადამიანისა და მისი გარემოს ერთიანობას.

"ჭიქა ლიმონათი". 1664 ჟერარ ტერბორხი. მასპინძელი (თარგმანი ხისგან), ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ამ წლების განმავლობაში ჰოლანდიელი ჟანრის მხატვრები პირველად ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში აესახათ ადამიანის შინაგანი ცხოვრების სიღრმე. ყოველდღიურ ცხოვრებისეულ სიტუაციებში მათ იპოვეს შესაძლებლობა აესახათ ყველაზე დახვეწილი გამოცდილების მრავალფეროვანი სამყარო. მაგრამ, ამის დანახვა შეგიძლიათ მხოლოდ სურათის ფრთხილად და ფრთხილად შემოწმებით. ასე რომ, ჟერარდ ტერბორხის ნახატში „ჭიქა ლიმონათი“ ჟესტების, ხელების შეხების და თვალით კონტაქტის დახვეწილი ენა ავლენს გმირებს შორის გრძნობებისა და ურთიერთობების მთელ სპექტრს.

"საუზმე". 1660 გაბრიელ მეცუ. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ობიექტური სამყარო ამ პერიოდის ჟანრულ ნახატებში დიდ როლს იწყებს. ის არა მხოლოდ ახასიათებს ადამიანის ცხოვრების მატერიალურ და ემოციურ გარემოს, არამედ გამოხატავს ადამიანის ურთიერთობის მრავალფეროვნებას გარე სამყაროსთან. საგნების სიმრავლე, მათი განლაგება, სიმბოლოთა რთული სისტემა, ისევე როგორც პერსონაჟების ჟესტები - ყველაფერი როლს ასრულებს სურათის ფიგურული სტრუქტურის შექმნაში.

„მახალისებლები“. 1660 იან სტინი. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ჰოლანდიური ჟანრის მხატვრობა არ გამოირჩეოდა საგნების მრავალფეროვნებით. მხატვრები შემოიფარგლნენ მხოლოდ პერსონაჟების გარკვეული წრის და მათი პროფესიების გამოსახვით. მაგრამ, მათი დახმარებით, ჰოლანდიურმა ჟანრულმა მხატვრობამ შეძლო მე-17 საუკუნეში ადამიანის ცხოვრების წესის, ადათ-წესებისა და იდეების სანდო სურათის გადმოცემა.

პუბლიკაციის მომზადებისას გამოყენებული იქნა მასალები ღია წყაროებიდან.

გამარჯვების შემდეგ ესპანეთის წინააღმდეგ ბრძოლაში მისი დამოუკიდებლობისთვის, ბურჟუაზიული ჰოლანდია გახდა ეკონომიკურად ყველაზე განვითარებული სახელმწიფო დასავლეთ ევროპაში. ჰოლანდიის მთავარი ქალაქი ამსტერდამი განისაზღვრა, როგორც ერთ-ერთი უდიდესი სავაჭრო ცენტრი ევროპაში.

ეკონომიკასთან ერთად ვითარდება ჰოლანდიური მხატვრობაც. დასავლეთ ევროპის სხვა ქვეყნებისგან განსხვავებით, ჰოლანდიაში სასახლეების და ციხესიმაგრეების ბაროკოს ნახატები პოპულარული არ იყო - თავადაზნაურობის სისუსტე დაბრკოლება იყო დეკორატიული ხელოვნების განვითარებისთვის. ჰოლანდიის კალვინისტური ეკლესია ასევე არ ცდილობდა თავისი ტაძრების ნახატებით გაფორმებას.

მიუხედავად ამისა, მხატვრობა აყვავდა ჰოლანდიაში: მხატვრებმა უამრავი შეკვეთა მიიღეს კერძო პირებისგან. ჰოლანდიელ გლეხებსაც კი შეეძლოთ პატარა სურათის დაკიდება სახლში - მხატვრების ეს შემოქმედება ისეთი იაფი იყო.

მე-17 საუკუნეში ორ ათასზე მეტი მხატვარი მუშაობდა პატარა ჰოლანდიაში. ისინი აწყობდნენ ნახატების წარმოებას, ამზადებდნენ ტილოებს მთელ პარტიაში და გადასცემდნენ გამყიდველებს. თითქმის ყველა ოსტატი ასრულებდა კვირაში ორ-ხუთ კომპოზიციას.

ხშირად, ნახატების წარმოება აჭარბებდა მოთხოვნას, ამიტომ, საკუთარი თავის შესანახად, მხატვრებს ერთდროულად სხვა სამუშაოს შესრულება უწევდათ. ისეთი ცნობილი ოსტატები, როგორებიც იყვნენ ჯ. სტენი, მ. გობემა, ჯ. ვან გოიენი და მრავალი სხვა, ერთდროულად იყვნენ თანამშრომლები, მებაღეები და ტავერნის მეურვეები.

როგორც წესი, მხატვრები სპეციალიზირებულნი არიან ერთ კონკრეტულ თემაზე. მაგალითად, ჰ. ავერკამპმა დახატა ზამთრის ხედები, ე. ვან დერ პოელმა გამოსახა ღამის ხანძრები, გ.ტერბორხი და გ.მეცუ - ყოველდღიური სცენები, პ.კლასი და ვ.კ. ჰედა - საუზმე ნატურმორტები.

ძალიან ხშირად, მხატვრები ერთობლივად მუშაობდნენ ერთ სურათზე: ერთი ხატავდა ცას, მეორე - ბალახს და ხეებს, მესამე - ადამიანის ფიგურებს. ყველაზე წარმატებული ნამუშევრები, რომლებიც წარმატებული იყო პუბლიკაში, კოპირდა და უთვალავი ვარიანტის შექმნის მოდელად იქცა.

მიუხედავად იმისა, რომ ნიჭიერი მხატვრების ხელოვნება კომერციულ მიზნებს ექვემდებარებოდა, ოსტატები ჩვეულებრივ ახერხებდნენ სიცრუის თავიდან აცილებას. ამ ტილოების უმეტესობა გამოირჩევა რეალიზმით, კომპოზიციის მთლიანობითა და სიცხადით, ფერის სიახლით და შესანიშნავი ტექნიკით.

ჰოლანდიურ მხატვრობაში ფართოდ გავრცელდა პორტრეტის ჟანრი. ქვეყნის ცხოვრებაში დიდი როლი ითამაშა სხვადასხვა ორგანიზაციამ (სროლის საზოგადოება, სამედიცინო კორპორაციის წარმომადგენელთა ჯგუფები და სავაჭრო მაღაზიები), რამაც ხელი შეუწყო ჯგუფური საჯარო პორტრეტის გაჩენას.

ესპანელ კოლონიალისტებთან ხანგრძლივმა ბრძოლამ ამძაფრა ეროვნული იდენტობის გრძნობა, ამიტომ მხატვრობაში, გარდა რეალიზმისა, განსაკუთრებით მისასალმებელი იყო დამახასიათებელი ეროვნული ნიშნების გამოსახვა. მხატვრებმა დახატეს ზღვა და გემები, პირუტყვი, ყვავილები. პორტრეტის გარდა განვითარდა ისეთი ჟანრები, როგორიცაა პეიზაჟი და ნატურმორტი. იყო რელიგიური მხატვრობაც, მაგრამ მასში არ იყო მისტიკის ელემენტი; წარმოდგენილი იყო ბიბლიური ისტორიები
მხატვარი უფრო საშინაო სცენებია.

ფრანს ჰალსი

ფრანს ჰალსი დაიბადა დაახლოებით 1581 წელს ანტვერპენში, ქსოვის ოჯახში. ახალგაზრდობაში ის ჩავიდა ჰარლემში, სადაც სიკვდილამდე თითქმის შესვენების გარეშე ცხოვრობდა (1616 წელს ეწვია ანტვერპენს, ხოლო 1630-იანი წლების შუა ხანებში - ამსტერდამს). ჰალსის ცხოვრების შესახებ ცოტა რამ არის ცნობილი. 1610 წელს შევიდა წმინდა ლუკას გილდიაში, ხოლო 1616 წელს - ორატორთა (მოყვარულ მსახიობთა) პალატაში.

ჰალსი სწრაფად გახდა ჰარლემის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი პორტრეტი მხატვარი. XV-XVI სს. ნიდერლანდების მხატვრობაში არსებობდა ტრადიცია მხოლოდ მმართველი წრეების წარმომადგენლების, ცნობილი ადამიანებისა და მხატვრების პორტრეტების დახატვას. ხალსის ხელოვნება ღრმად დემოკრატიულია: მის პორტრეტებში ჩვენ შეგვიძლია დავინახოთ არისტოკრატი, მდიდარი მოქალაქე, ხელოსანი და თუნდაც ადამიანი ქვემოდან. მხატვარი არ ცდილობს გამოსახულის იდეალიზებას, მისთვის მთავარი მათი ბუნებრიობა და ორიგინალურობაა. მისი დიდგვაროვნები ისევე დაუბრკოლებლად იქცევიან, როგორც საზოგადოების ქვედა ფენის წარმომადგენლები, რომლებიც ჰალსის ნახატებში არიან გამოსახული, როგორც მხიარული ადამიანები, რომლებიც არ არიან მოკლებული თვითშეფასებას.

მხატვრის შემოქმედებაში დიდი ადგილი უჭირავს ჯგუფურ პორტრეტს. ამ ჟანრის საუკეთესო ნამუშევრები იყო წმინდა გიორგის (1627) მსროლელთა ასეულის ოფიცრების პორტრეტები და წმინდა ადრიანის (1633) მსროლელთა ასეული. ნახატების თითოეულ პერსონაჟს აქვს თავისი ნათელი პიროვნება და ამავდროულად, ეს ნამუშევრები გამოირჩევიან მთლიანობით.

ჰალსმა ასევე დახატა შეკვეთით დამზადებული პორტრეტები, რომლებშიც მდიდარი ბურგერები და მათი ოჯახები მოდუნებულ პოზებში არიან მოთავსებული („ისააკ მასას პორტრეტი“, 1626; „ჰეტჰუიზენის პორტრეტი“, 1637 წ.). ჰალსის გამოსახულებები ცოცხალი და დინამიურია, როგორც ჩანს, პორტრეტებზე ადამიანები უხილავ თანამოსაუბრეს ესაუბრებიან ან მაყურებელს მიმართავენ.

ჰალსის პორტრეტებში ხალხური გარემოს წარმომადგენლები გამოირჩევიან ნათელი ექსპრესიულობითა და უშუალობით. ქუჩის ბიჭების, მეთევზეების, მუსიკოსების და ტავერნების სტუმრების სურათებში იგრძნობა ავტორის სიმპათია და პატივისცემა. აღსანიშნავია მისი „ბოშა“. საოცრად ცოცხალი ჩანს მომღიმარი ახალგაზრდა ქალი, რომლის ეშმაკური მზერა მაყურებლისთვის უხილავი თანამოსაუბრისკენ არის მიმართული. ჰალსი არ ახდენს თავის მოდელს იდეალიზაციას, მაგრამ მხიარული, დაბნეული ბოშას გამოსახულება აღფრთოვანებულია მისი მხიარული ხიბლით.

ძალიან ხშირად ჰალსის პორტრეტები მოიცავს ჟანრის სცენის ელემენტებს. ეს არის ბავშვების გამოსახულებები, რომლებიც მღერიან ან უკრავენ მუსიკალურ ინსტრუმენტებზე („მომღერალი ბიჭები“, 1624-1625 წწ.). ამავე სულისკვეთებით შესრულდა ცნობილი "Malle Babbe" (1630-იანი წლების დასაწყისი), სადაც წარმოადგინეს ჰარლემის ტავერნის ცნობილი მფლობელი, რომელსაც მნახველები მის უკან ჰარლემის ჯადოქარს უწოდებდნენ. მხატვარმა თითქმის გროტესკულად გამოსახა ქალი უზარმაზარი ლუდის ჭიქით და მხარზე ბუ.

1640-იან წლებში ქვეყანა შემობრუნების ნიშანს აჩვენებს. რევოლუციის გამარჯვებიდან მხოლოდ რამდენიმე ათეული წელი გავიდა და ბურჟუაზიამ უკვე შეწყვიტა დემოკრატიულ ტრადიციებზე დამყარებული პროგრესული კლასი. ჰალსის ნახატის სინამდვილე აღარ იზიდავს მდიდარ კლიენტებს, რომლებსაც სურთ საკუთარი თავის პორტრეტებზე უკეთესად დანახვა, ვიდრე სინამდვილეში არიან. მაგრამ ჰალსმა არ მიატოვა რეალიზმი და მისი პოპულარობა მკვეთრად დაეცა. სევდისა და იმედგაცრუების ნოტები ჩნდება ამ პერიოდის მხატვრობაში („კაცის პორტრეტი ფართოფარფლიან ქუდში“). მისი პალიტრა უფრო მკაცრი და მშვიდი ხდება.

84 წლის ასაკში ჰალსი ქმნის თავის ორ შედევრს: რეგენტების (რწმუნებულების) ჯგუფურ პორტრეტებს და მოხუცთა სახლის რეგენტებს (1664 წ.). ჰოლანდიელი ოსტატის ეს ბოლო ნამუშევრები გამოირჩევა ემოციურობითა და სურათების ნათელი ინდივიდუალურობით. მეფისნაცვლების - მოხუცების და ქალების გამოსახულებებიდან სევდა და სიკვდილი სუნთქავს. ამ გრძნობას ასევე ხაზს უსვამს შეღებვა, რომელიც შენარჩუნებულია შავ, ნაცრისფერ და თეთრ ტონებში.

ჰალსი 1666 წელს ღრმა სიღარიბეში გარდაიცვალა. მისმა ჭეშმარიტმა, ცხოვრების დამადასტურებელმა ხელოვნებამ დიდი გავლენა მოახდინა ბევრ ჰოლანდიელ მხატვარზე.

რემბრანდტი

1640-1660-იან წლებში. აყვავდა ჰოლანდიური მხატვრობა. ამ დროის ყველაზე მნიშვნელოვანი მხატვარი იყო რემბრანდტი.

რემბრანდტ ჰარმენსუნ ვან რინი დაიბადა 1606 წელს ლეიდენში. მამამისი მდიდარი მეწისქვილე იყო. მშობლები ოცნებობდნენ შვილის კარგ განათლებაზე და დაავალეს ლათინურ სკოლაში, რის შემდეგაც რემბრანდტი შევიდა ლეიდენის უნივერსიტეტში. მაგრამ ახალგაზრდას ხელოვნება იზიდავდა. მან დატოვა უნივერსიტეტი და დაიწყო სწავლა მხატვარ იაკობ სვანენბურგთან. სამი წლის შემდეგ, ახალგაზრდა მხატვარი გაემგზავრა ამსტერდამში, სადაც დაიწყო გაკვეთილების აღება პიტერ ლასტმანისგან.

1624 წელს რემბრანდტი დაბრუნდა ლეიდენში. აქ მან მხატვარ იან ლივენსთან ერთად სახელოსნო იქირავა. მხატვარი ბევრს მუშაობს ცხოვრებიდან, ხატავს არა მარტო სახელოსნოში, არამედ ქუჩაშიც და ქალაქის ბაზარშიც.

1620-იანი წლების ბოლოს. რემბრანდტმა პოპულარობა მოიპოვა ლეიდენის მკვიდრთა შორის. მას ჰქონდა მრავალი შეკვეთა და პირველი სტუდენტი - ჯერარდ დოუ, რომელიც მოგვიანებით საკმაოდ ცნობილი მხატვარი გახდა.

რემბრანდტის ადრეული ნახატები ხასიათდება ზედმიწევნითი კომპოზიციით და კეთილსინდისიერი შესრულებით. ამავე დროს, მათ ახასიათებთ გარკვეული სიმკაცრე („წმ. სებასტიანის ტანჯვა“, 1625 წ.).

1631 წელს რემბრანდტი დასახლდა ამსტერდამში. მისი პოპულარობა ძალიან სწრაფად გავრცელდა მთელ ქალაქში და შეკვეთები დაეცა მხატვარს. წარმატებული იყო რემბრანდტის პირადი ცხოვრებაც: 1634 წელს იგი დაქორწინდა სასკია ვან უილენბურგზე, გოგონაზე ცნობილი ბურჟუაზიული ოჯახიდან. ქორწინებამ მხატვარს მნიშვნელოვანი სიმდიდრე მოუტანა, რამაც მას შემოქმედებითი დამოუკიდებლობა მისცა და საშუალება მისცა დაეკავებინა ხელოვნებისა და ანტიკვარული ნივთების შეგროვებით.

რემბრანდტი ბედნიერებით ტკბებოდა საყვარელი მეუღლის გარემოცვაში, რომელსაც არაერთხელ ასახავდა პორტრეტებში. ხშირად, სასკია ასევე ასრულებდა მოდელს ნახატებისთვის, მრავალფეროვანი თემებით (ფლორა, 1634; ავტოპორტრეტი სასკია მუხლებზე, დაახლოებით 1639).

რემბრანდტის შემოქმედება ამ პერიოდში მრავალფეროვანია, ის ხატავს ისტორიულ, მითოლოგიურ და რელიგიურ კომპოზიციებს, პორტრეტებს, ყოველდღიურ სცენებს, პეიზაჟებს, ნატურმორტებს, ნახატებს ცხოველების გამოსახულებით. მაგრამ მისი ყურადღების მთავარი ობიექტი ადამიანია. არა მხოლოდ პორტრეტებში, არამედ მის სხვა ნამუშევრებშიც მხატვარი ცდილობს გადმოსცეს თავისი პერსონაჟების ხასიათი და შინაგანი სამყარო.

პორტრეტის ჟანრის შესანიშნავი ოსტატი, მხოლოდ 1630-იან წლებში. რემბრანდტმა შეასრულა სამოცი შეკვეთილი პორტრეტი. მხატვრისთვის მთავარია არა მოდელის გარეგნული მსგავსება, არამედ შინაგანი სამყაროს სიღრმე, სულიერი მოძრაობებისა და გამოცდილების სიძლიერე. ჯგუფური პორტრეტი „დოქტორი ტულპის ანატომია“ (1632 წ.) მისი თანამედროვეები ენთუზიაზმით შეხვდნენ. მხატვარმა ცვლილებები შეიტანა კლასიკური ჯგუფის პორტრეტის ტრადიციულ კომპოზიციაში, აწყობდა ფიგურებს არა ზედიზედ, როგორც ეს ჩვეულებრივად იყო, არამედ თავისუფლად. ეს კონსტრუქცია აძლევდა გამოსახულებას სიცოცხლისუნარიანობას და ბუნებრიობას.

1630-იანი წლების ბოლოს. რემბრანდტი ჰოლანდიაში ყველაზე ცნობილი ოსტატი გახდა. ამ პერიოდს ეკუთვნის მისი შედევრი – ცნობილი „დანაე“ (1636 წ.), რომლის შესრულების ოსტატობა აღემატება ყველაფერს, რაც თანამედროვეებმა შექმნეს.
მხატვარი. გასაოცარია მისი კომპოზიციის სრულყოფილება და ფერთა დიაპაზონის სიმდიდრე, რომელიც შენარჩუნებულია ოქროსფერ ფერებში. როგორც ჩანს, ამ ნაწარმოებში არაფერია ზედმეტი, მისი თითოეული დეტალი საგულდაგულოდ არის გააზრებული ავტორის მიერ. თავისუფალი და ცოცხალი დარტყმის დახმარებით ოსტატი გადმოსცემს საწოლების სიმსუბუქეს, მძიმე ფარდების და ფარდების ნაკეცებს. საწოლზე მწოლიარე ახალგაზრდა ქალის მოქნილი პლასტიურობა გასაოცარია, მისი სხეულის რბილი ოქროსფერი ელფერები რბილი შუქით არის განათებული. მიუხედავად იმისა, რომ დანაე არ ანათებს იდეალური სილამაზით, მისი იმიჯი მნახველს ახარებს ცოცხალი ხიბლითა და სიახლით.

1630-იან წლებში მხატვარი ასევე ბევრს მუშაობს ოქროდში. მას იზიდავს ყოველდღიური მოტივები („ვირთხის შხამის გამყიდველი“, 1632 წ.). ჟანრის ელემენტები ასევე თანდაყოლილია ბიბლიური თემების მქონე ნაწარმოებებში (The Return of the Prodigal Son, 1636). ამ პერიოდის ერთ-ერთი საუკეთესო ოკრატია „მარიამის სიკვდილი“ (1639), ემოციური და ღრმა მწუხარების გრძნობით გამსჭვალული. კომპოზიციის სირთულითა და გამოსახულებების მონუმენტური სიდიადით გამოირჩევა ღირსშესანიშნავი ნაშრომი „ქრისტე კურნავს სნეულს“ (ე.წ. „ასი გილდერის ფურცელი“ - ეს სახელი ნაწარმოების ღირებულებაზე მიუთითებს).

1640-იან წლებში რემბრანდტი ხდება ყველაზე ცნობილი და ყველაზე მაღალანაზღაურებადი მხატვარი ამსტერდამში. მას შეუკვეთეს პორტრეტები, კომპოზიციები ჰააგაში ჰოლანდიელი შტატის მფლობელის სასახლისთვის. ბევრი დამწყები მხატვარი ცდილობს მის სახელოსნოში სწავლას. რემბრანდტის ხელოვნების პოპულარობა ჰოლანდიას სცდება. ცნობილი ოსტატის რამდენიმე ნახატი ინახება ინგლისის მეფის ჩარლზ I-ის სასახლეში.

რემბრანდტის ნიჭი გამოიხატა მის რეალისტურ და ექსპრესიულ ნატურმორტებში (ხარის კარკასი) და პეიზაჟებში (პეიზაჟი წისქვილით, დაახლოებით 1650 წ.). დახვეწილი ლირიზმი თანდაყოლილია უპრეტენზიო ჰოლანდიურ პეიზაჟებში, რომლებიც მნახველს აღელვებს მათი თითქმის ხელშესახები რეალობით.

1642 წელს მისი საყვარელი მეუღლის გარდაცვალებამ რემბრანდტი გააშორა დიდგვაროვან ოჯახს. მხატვარმა შეწყვიტა ურთიერთობა არისტოკრატიული საზოგადოების ნაცნობებთან. ოსტატის ცხოვრებაში ცვლილებები აისახა მის მხატვრობაში, რომელიც უფრო ღრმა და ფოკუსირებული ხდება. თუ რემბრანდტის ადრეული ნამუშევრები გამოირჩევიან მშვიდი და თანაბარი განწყობით, ახლა მის ნახატებში შფოთვისა და ეჭვის ნოტები ჟღერს. იცვლება პალიტრაც, სადაც დომინირებს წითელი და ოქროსფერი ფერები.

ნათელი ექსპრესიულობით გამოირჩევა ტილო „დავით და ჯონათანი“ (1642 წ. ერმიტაჟი, სანკტ-პეტერბურგი), შესრულებული ოქროს ვარდისფერ და ოქროსფერ-ლურჯ ტონებში.

რემბრანდტის ნახატში ყველა ამ ახალმა მახასიათებელმა არ გააცნობიერა მისი თანამედროვეები. უკმაყოფილება გამოიწვია დიდმა მონუმენტურმა კომპოზიციამ „ღამის გუშაგმა“ (1642 წ.). ამ ნახატმა მიიღო სახელი მე-19 საუკუნეში. სინამდვილეში მოქმედება ხდება არა ღამით, არამედ დღისით, მზის შუქზე, რაც ადასტურებს ჩრდილების ბუნებას.

დროთა განმავლობაში ფერები დაბნელდა და მხოლოდ 1946-1947 წლებში ჩატარებულმა რესტავრაციამ აჩვენა, რომ ამ ნამუშევრის ფერთა სქემა ოდესღაც გაცილებით ღია იყო.

ნახატზე გამოსახულია კაპიტან ბანინგ კოკის ასეულის მსროლელები. კლიენტი ელოდა ტრადიციული საზეიმო პორტრეტის ნახვას (დღესასწაულის სცენა ან მეთაურის წარდგენა თავის ქვეშევრდომებს მაყურებელს). რემბრანდტმა შექმნა
როიკო-ისტორიული ტილო, რომელიც ასახავს მსროლელთა შესრულებას კაპიტნის ბრძანებით. გმირები არიან აღფრთოვანებული და დინამიური; მეთაური გასცემს ბრძანებას, მესაზღვრე აწევს ბანერს, დრამერი ურტყამს დოლს, ისრები იტვირთება იარაღს. აქ გაუგებარია, სად ტრიალებს წელზე მამლის მქონე პატარა გოგონა.

ამ წლების განმავლობაში რემბრანდტის ცხოვრებაში გამოჩნდა ჰენდრიკე შტოფელსი, ჯერ მოახლე, შემდეგ კი მისი ცოლი, რომელიც მისი ერთგული მეგობარი და თანაშემწე გახდა. მხატვარი ჯერ კიდევ ბევრს მუშაობს. ის ქმნის თავის ცნობილ „წმინდა ოჯახს“ (1645), რომელშიც რელიგიური თემა განიხილება, როგორც ჟანრული. ბიბლიურ კომპოზიციებთან ერთად მხატვარი ასრულებს რეალისტურ პეიზაჟებს სოფლის გამოსახულებებით („ზამთრის ხედი“, 1646 წ.). მისი ამ პერიოდის პორტრეტები გამოირჩევა მოდელების ინდივიდუალური თავისებურებების ჩვენების სურვილით.

1650-იან წლებში შეკვეთების რაოდენობა მნიშვნელოვნად შემცირდა. რემბრანდტი დიდ ფინანსურ სირთულეებს განიცდის. მას სრული განადგურება ემუქრება, რადგან პირველი მეუღლის სასკიას სიცოცხლეში სახლის შეძენასთან დაკავშირებული დავალიანება ჯერ არ არის გადახდილი. 1656 წელს მხატვარი გაკოტრებულად გამოცხადდა და მისი ხელოვნების კოლექცია და მთელი ქონება აუქციონზე გაიყიდა. რემბრანდტის ოჯახი ამსტერდამის ღარიბ ებრაულ კვარტალში უნდა გადასულიყო.

მიუხედავად ყველა გაჭირვებისა, დიდი მხატვრის ნიჭი არ შრება. მაგრამ ახლა მისი უნარის კრიტერიუმი სულ სხვაა. რემბრანდტის გვიანდელ ნამუშევრებში ფერადი შტრიხები მკვეთრად ჩნდება ტილოს ზედაპირზე. ახლა მის ნახატებში ფერები ემსახურება არა მხოლოდ პერსონაჟების გარეგნული იერსახის გადმოცემას და ინტერიერის იმიჯს - ეს არის ფერი, რომელიც იღებს ნაწარმოების სემანტიკურ დატვირთვას. ამრიგად, ინტენსიური დრამის განცდა ნახატში Assur, Haman and Esther (1660) იქმნება რთული ტონალური დიაპაზონის და სპეციალური განათების ეფექტების მეშვეობით.

შეკვეთებს მოკლებული, ღრმა სიღარიბეში მცხოვრები რემბრანდტი არ წყვეტს წერას. ის ქმნის ექსპრესიულ და სულიერ პორტრეტებს, რომელთა მოდელებიც არიან ნათესავები და მეგობრები ("მხატვრის ძმის ცოლის პორტრეტი", 1654; "მოხუცი კაცის პორტრეტი წითელში", 1652-1654; "ტიტუსის ძის პორტრეტი, რიდინგს", 1657; "ჰენდრიკე შტოფელსის ფანჯრების პორტრეტი", დაახლოებით 1659 წ.).

ვაჟი ტიტუსი, რომელმაც საბოლოოდ მიიღო გარდაცვლილი დედის ქონება, ცდილობს დაიცვას მამა მატერიალური სიმცირისგან და შეუქმნას მას მშვიდად მუშაობის პირობები. მაგრამ უბედურება აგრძელებს მხატვარს: 1663 წელს ჰენდრიკი კვდება და რამდენიმე წლის შემდეგ ტიტუსიც მას გაჰყვა.

სწორედ ამ ტრაგიკულ დროს ქმნის მოხუცი მარტოხელა ხელოვანი მონუმენტური სიდიადითა და სულიერებით გამორჩეულ შედევრებს („დავით და ურია“, 1665-1666; „უძღები შვილის დაბრუნება“, დაახ. 1668-1669 წწ.).

რემბრანდტი გარდაიცვალა 1669 წელს, ყველასთვის დავიწყებული. მხოლოდ XVIII საუკუნეში. მისი ხელოვნება საბოლოოდ გაიაზრეს და დააფასეს.

1640-1660-იან წლებში. ჰოლანდიური მხატვრობის წამყვანი ჟანრი იყო შინაური ჟანრი. რეალობის ყველაზე ჩვეულებრივი მომენტების ამსახველი სურათები საოცრად პოეტური და ლირიკულია. მხატვრების ყურადღების მთავარი ობიექტია ადამიანი და მის გარშემო არსებული სამყარო. ჟანრული კომპოზიციების უმეტესობას ახასიათებს მშვიდი ნარატივი და დრამის ნაკლებობა. ისინი მოგვითხრობენ სახლის ბედიის საყოფაცხოვრებო საქმის შესახებ (პროდუქტების შეძენა, ბავშვების მოვლა, ხელსაქმის კეთება), ჰოლანდიელი ბურგერის გართობაზე (ბანქოს თამაში, სტუმრების მიღება, კონცერტები). მხატვრები ასახავს ყველაფერს, რაც ხდება მდიდარი ქალაქის მკვიდრის სახლში, უგულებელყოფენ ადამიანის ცხოვრების სოციალურ მხარეს.

დიდი პოპულარობით სარგებლობდნენ ჟანრის მხატვრები: G. Dow, რომლის ნახატებიც ძალიან ძვირად გაიყიდა, A. van Ostade, რომელიც ხატავდა გლეხის ცხოვრების სცენებს („ქვეყნის კონცერტი“), ჯ. სტენი, რომლის საყვარელი თემები იყო გართობის სცენები და არდადეგები („მხიარული საზოგადოება“), გ. ტერბორხი, რომლის ელეგანტური ნახატი წარმოადგენდა მდიდარი ბურგერების ოჯახის ცხოვრებას („ჭიქა ლიმონათი“), გ. მეცუ თავისი ეშმაკური თხრობით („ავადმყოფი ბავშვი“), პ. დე ჰუჩი. , რომელმაც შექმნა ჩაფიქრებულ-ლირიკული ტილოები ("ბედია და მსახური").

კ.ფაბრიციუსმა, რომელმაც ხანმოკლე სიცოცხლე გაატარა (გარდაიცვალა დელფტში დენთის საწყობის აფეთქებისას), ყოველდღიური ჟანრის არეალის გაფართოებას ცდილობდა. მისი ერთ-ერთი საუკეთესო ნაწარმოებია „ლაზარეს აღდგომა“ (დაახლოებით 1643 წ.), რომელიც გამორჩეულია თავისი დრამატულობითა და თითქმის მონუმენტური მასშტაბებით. აღსანიშნავია მისი პორტრეტები და ავტოპორტრეტებიც, რომლებიც მხატვარს ფ.ჰალსისა და რემბრანდტის ტოლფასია.

ტრაგიკულია ე. დე ფაბრიციუსის, ყოველდღიური სცენებისა და ეკლესიის ინტერიერის ამსახველი ნამუშევრების ნიჭიერი ოსტატის ბედი („ბაზარი პორტში“, „ინტერიერი ქალთან კლავესინთან“). მხატვარი არ ცდილობდა ბურჟუაზიული საზოგადოების გემოვნებას, ამიტომ მისი ნამუშევრები, რომლებიც არ იყო წარმატებული მის თანამედროვეებთან, გაიყიდა გროშებად. ხშირად ფაბრიციუსი იძულებული იყო, ისინი სახლის მესაკუთრეთა დავალიანებისთვის გადაეცა. 1692 წლის ზამთრის ღამეს, სამოცდათხუთმეტი წლის მხატვარი, რომელიც პატრონმა სახლიდან გააგდო, თავი ჩამოიხრჩო ხიდის მოაჯირზე. მსგავსი ბედი დამახასიათებელი იყო მრავალი ჰოლანდიელი მხატვრისთვის, რომლებსაც არ სურდათ რეალისტური ტრადიციების მიტოვება საზოგადოების სასარგებლოდ.

იან ვერმერი დელფტიდან

ჰოლანდიური ჟანრის მხატვრობის თვალსაჩინო წარმომადგენელია იან ვერმეერი, მეტსახელად დელფტსკი მისი დაბადების ადგილისა და მოღვაწეობის გამო. მხატვარი დაიბადა 1623 წელს ნახატებისა და აბრეშუმის მოვაჭრეების ოჯახში. ცოტა რამ არის ცნობილი ვერმეერის ცხოვრების შესახებ. შესაძლოა მისი მასწავლებელი იყო კ.ფაბრიციუსი. 1653 წელს მხატვარი გახდა წმინდა ლუკას გილდიის წევრი და დაქორწინდა მდიდარი მოქალაქის, კეტრინ ბოლნესის ქალიშვილზე. დელფტში იგი პატივისცემითა და დიდებით სარგებლობდა, ცხოვრობდა დიდ სახლში, რომელიც მდებარეობს ბაზრის მოედანზე.

ვერმეერი ძალიან ნელა და დეტალურად მუშაობდა თავის ნახატებზე, ყურადღებით წერდა ყველა დეტალს. მხატვრობამ ვერ უზრუნველყო მხატვრის ოჯახს კომფორტული არსებობა, თუმცა მისი ტილოები ძალიან წარმატებული იყო. სწორედ ამიტომ დაიწყო ვერმეერმა ნახატებით ვაჭრობა, განაგრძო მამის მოღვაწეობა.

უკვე ვერმეერის პირველ ნაწარმოებებში ჩნდება რეალიზმის ერთობლიობა და მისი ნამუშევრებისთვის დამახასიათებელი გამოსახულების გარკვეული იდეალიზაცია ("დიანა ნიმფებთან", "ქრისტე მართასთან და მარიამთან" - ორივე 1656 წლამდე). შემდეგი ნამუშევარი - დიდი ფიგურის ტილო "მაჭანკალთან" (1656), დაწერილი ნაკვეთზე, რომელსაც მრავალი მხატვარი იყენებს - გამოირჩევა შესრულების ორიგინალურობით. მხატვრის ჩვეულებრივი ყოველდღიური სცენა თითქმის მონუმენტურ მნიშვნელობას იძენს. ნახატი სხვა მსგავსი თემების ნამუშევრებს შორის გამოირჩევა თამამი შეფერილობით, შენარჩუნებული სუფთა ყვითელ, წითელ, შავ და თეთრ ფერებში და გამოსახულების ნათელი ექსპრესიულობით.

მოგვიანებით, ვერმეერი ჰოლანდიური ფერწერისთვის ტრადიციულ კამერულ კომპოზიციებს მიუბრუნდა. სხვა ჰოლანდიელი ოსტატების მსგავსად, ის ასახავს მოვლენებს მდიდარ ბურგერების სახლებში. მხატვრის საყვარელი სურათი არის გოგონა, რომელიც კითხულობს წერილს ან ცდილობს ყელსაბამს. მისი ტილოები წარმოადგენს ეშმაკურ ყოველდღიურ სცენებს: მოახლე ქალბატონს წერილს აძლევს, ჯენტლმენი ქალბატონს ჭიქა ღვინოს მიაქვს. მაგრამ ეს ნახატები, კომპოზიციით მარტივი, გაოცებულია მთლიანობით, ჰარმონიით და ლირიზმით, მათი გამოსახულებები იზიდავს ბუნებრიობითა და მშვიდი პოეზიით.

1650-იანი წლების მეორე ნახევარში. მხატვარმა შექმნა თავისი ნამუშევრებიდან ყველაზე გამორჩეული. თბილი გრძნობით გამოირჩევა ღრმად ლირიკული „მძინარე გოგონა“, „ჭიქა ღვინო“, „გოგონა ასოთი“. ამ დროის ბევრი ჰოლანდიელი მხატვარი თავის ნახატებში ასახავდა მსახურებით დაკავებულ მსახურებს, მაგრამ მხოლოდ ვერმეერში ხალხის ქალის გამოსახულებას აქვს ნამდვილი სილამაზის და სიდიადე ("მსახური რძის ქილით").

ვერმეერი ნამდვილი ვირტუოზია საგნების სამყაროს არსის გადმოცემაში ვიზუალური საშუალებების დახმარებით. მის ნახატებში ნატურმორტები დიდი ოსტატობითაა შესრულებული. ვაშლითა და ქლიავით კერძი საოცრად ლამაზად და ბუნებრივად გამოიყურება, რომელიც ტილოზე „გოგონა ასოთი“ დგას ნიმუშიანი სუფრის ტილოზე დაფარულ მაგიდაზე.

ნახატში „მსახური რძის ქილით“, პური და რძე, სქელ ნაკადში ქვევრიდან ჩამოსხმული, აღფრთოვანებულია მისი სიახლით.

სინათლე მნიშვნელოვან როლს ასრულებს ვერმეერის შემოქმედებაში. ის ავსებს ტილოების სივრცეს, ქმნის არაჩვეულებრივი ჰაეროვნების შთაბეჭდილებას; აყალიბებს ფორმებს და აღწევს საღებავებს, რაც მათ შიგნიდან ანათებს. სწორედ ამ რაოდენობის სინათლისა და ჰაერის წყალობით იქმნება განსაკუთრებული ემოციური ამაღლება ვერმეერის ნაწარმოებების უმეტესობაში.

მხატვრის შესანიშნავი ოსტატობა ლანდშაფტის მხატვრობაში გამოიხატა. ქალაქის პატარა კუთხე, მოღრუბლული დღის ნესტიანი ატმოსფეროში მოცული, რეპროდუცირებულია მკაფიო და მარტივი კომპოზიციით „ქუჩა“ (დაახლოებით 1658 წ.). წვიმით გარეცხილი ქალაქი სუფთა და სუფთა ჩანს ნახატში "დელფტის ხედი" (1658 და 1660 წლებში). მზის სხივები არღვევს ფერმკრთალ ვერცხლისფერ ღრუბლებს და ქმნის უამრავ ნათელ ანარეკლს წყლის ზედაპირზე. ხმოვანი შეღებვა თავისი დახვეწილი ფერის გადასვლებით აძლევს სურათს ექსპრესიულობას და ჰარმონიას.

1660-იან წლებში ვერმეერის ნახატი უფრო დახვეწილი და ელეგანტური ხდება. იცვლება პალიტრაც, რომელშიც ახლა დომინირებს ცივი ფერადი ჩრდილები („გოგონა მარგალიტით“). ტილოების მთავარი გმირები მდიდარი ქალბატონები და ბატონები არიან, რომლებიც გარშემორტყმული არიან მდიდრული ნივთებით („სასიყვარულო წერილი“, დაახ. 1670 წ.).

იან ვერმერი დელფტიდან. მოახლე რძით. 1657 და 1660 წლებში
იან ვერმერი დელფტიდან. მხატვრის სახელოსნო. ᲙᲐᲠᲒᲘ. 1665 წ

ვერმეერის სიცოცხლის ბოლო პერიოდში მისი ნამუშევრები ზედაპირული და გარკვეულწილად შორსმჭვრეტელი ხდება („რწმენის ალეგორია“) და პალიტრა კარგავს გაჯერებას და ჟღერადობას. მაგრამ ამ წლებშიც კი, მხატვრის ინდივიდუალური ნამუშევრები გაოცებულია მათი ყოფილი ექსპრესიული ძალით. ასეთია მისი „მხატვრის სახელოსნო“ (1665 წ.), სადაც ვერმეერმა გამოსახა თავი სამუშაოზე და ნახატები „ასტრონომი“ და „გეოგრაფი“, მეცნიერთა ამსახველი.

ვერმეერის ბედი, ისევე როგორც ბევრი სხვა ჰოლანდიელი ოსტატი, ტრაგიკულია. სიცოცხლის ბოლოს ავადმყოფი მხატვარი, რომელმაც ყოფილი მომხმარებლების უმეტესობა დაკარგა, იძულებული გახდა თავისი მრავალშვილიანი ოჯახი ყოფილი სახლიდან უფრო იაფ სახლში გადაეყვანა. ბოლო ხუთი წლის განმავლობაში მას არც ერთი სურათი არ დაუხატა. მხატვარი გარდაიცვალა 1675 წელს. მისი ხელოვნება დიდი ხნის განმავლობაში დავიწყებას მიეცა და მხოლოდ მე-19 საუკუნის შუა ხანებში. ვერმეერს აფასებდნენ და უტოლებდნენ ისეთ ჰოლანდიელ ოსტატებს, როგორებიც არიან რემბრანდტი და ფ.ჰალსი.

ამ ეპოქაში ჰოლანდიაში ბურჟუაზიული რევოლუცია ხდება. ამან გამოიწვია მსოფლმხედველობისა და სოციალური სტრუქტურის ცვლილება. ახლა მთავარი მომხმარებლები ბურგერები არიან. კალვინიზმის, ერთ-ერთი პროტესტანტული მიმდინარეობის როლი ძლიერდება. მისი თავისებურებაა ეკლესიის ინტერიერის ბრწყინვალე გაფორმების უარყოფა. შედეგად, რელიგიური საგნები არაპოპულარული გახდა. ჰოლანდიაში ე.წ. სურათების ბაზარი. პროდუქციის შეკვეთა და გაყიდვა ხდება. მხატვრის წარმატება განისაზღვრება გაყიდული ნახატების რაოდენობით.

ლანდშაფტის ჟანრის ფარგლებში ასევე გამოირჩეოდა ქვეგანყოფილებები მარინიზმი ბარის პეიზაჟები ღამის ან „მთვარის“ პეიზაჟები ყოველდღიურ ჟანრში ასევე გამოირჩეოდა ინტერიერი (საერო და საეკლესიო), ცალკე დგას ცხოველური ჟანრი. პორტრეტები იყოფა ინდივიდუალურ და ჯგუფად.

ი. პორჩელისი. ზღვის ნიავი ერმიტაჟი მცირე ჰოლანდიური

იან ვან გოიენის ბუნების სამყარო არის ყოველდღიური ცხოვრების სამყარო, ეს არის მდელოების და მინდვრების ბუნებრივი ცხოვრება, წყლის სივრცეები, მომხიბვლელი სოფლის ხედები. მხატვარი განსაკუთრებით წარმატებული იყო ბუნდოვანი მოღრუბლული დღეების, ნოტიო, ნისლიანი ჰაერის გამოსახვაში, სახლებისა და ხეების კონტურების მოხვევაში. ი.ვან გოიენი. "ზაფხულის პეიზაჟი მდინარით"

პიტერ დე ჰუჩი. ბედია და მოახლე

გ.მეცუ. მუსიკის გაკვეთილი ე.

ი.სტენ. "ინნის ბაღი" საყოფაცხოვრებო ჟანრი. სცენები საშუალო და პატარა ბურგერების, ქალაქის ღარიბებისა და გლეხების პირადი ცხოვრებიდან, დღესასწაულები და გართობა. ადრიან ვან ოსტადე. "ოთახი გლეხის სახლში"

ჰოლანდიელები შევიდნენ მსოფლიო მხატვრობის ისტორიაში, როგორც ნატურმორტის შეუდარებელი ოსტატები (ფრანგულად „მკვდარი ბუნება“). პიტერ კლასი. საუზმე ლორით მისტერ ვილემ ჰედასთან. ნატურმორტი ოქროს თასით

პიტერ კლასი. საუზმე მისტერ ვილემ ჰედა. საუზმე Blackberry Pie-სთან ერთად ბატონი პიტერ კლაესი ფოკუსირებული იყო საგნების გამოსახვაზე, რომლებიც აკრავს ადამიანს რეალურ, ყოველდღიურ ცხოვრებაში. ვილემ ხედას ამჯობინა დაეწერა „შეწყვეტილი საუზმე“, რომელშიც ყველაფერი ადამიანის ბოლოდროინდელ ყოფნას ახსენებს (დაქუცმაცებული სუფრა, შერეული კერძები, ძლივს შეხებული საკვები).

ფ.ჰალსი. ახალგაზრდა მამაკაცის პორტრეტი ხელთათმანით.

დელფტის ვერმეერი - "მხატვრობის უდიდესი ჯადოქარი და ჯადოქარი" იან ვერმეერს (1632 - 1675) სიცოცხლის განმავლობაში ასეთი ამაღლებული შეფასება მიენიჭა. მოგვიანებით, მე-19 საუკუნის შუა ხანებში, იგი სამართლიანად ითვლებოდა პლეინჰერის (ფრ. უბრალო ჰაერი - ღია ცის ქვეშ) მხატვრობის ერთ-ერთ ფუძემდებლად, რომელიც ამრავლებდა ჰაერის გარემოში მზის შუქისა და ატმოსფეროს მდგომარეობის უმცირეს ცვლილებებს. "ქუჩა". Ok ამსტერდამი "დელფტის ხედი" Ok Hague

დელფტის ვერმერი. Lacemaker gg.

ი.ვერმეერი. "გოგონა წერილით" კარგი ბატონო

ი.ვერმეერი. "გოგონა მარგალიტის საყურით" საღებავებისთვის ყველაფერი ხელმისაწვდომია - და სიბრძნის აღთქმები, მანკიერებები და სიკეთე, ალიანსები და ჩხუბი ქმნის პოეტის ფუნჯს, გვიჩვენებს ჩვენს თვალებს იმ შინაგან არსს, რომელიც დამალულია დასანახად, რომელიც უძველესი დროიდან ცხოვრობს ჩვენს სამყაროში და ყველა ქმნილებაში. ადრიან ვან დე ვინი (ჯ. ვერმეერის თანამედროვე პოეტი)

"სიმართლე ყველაზე ლამაზი და იშვიათი თვისებაა" - გახდა უდიდესი ჰოლანდიელი მხატვრის რემბრანდტ ჰარმენს ვან რიინის (1606 - 1669) შემოქმედების არსი. მან შთამომავლებს დაუტოვა უზარმაზარი მხატვრული მემკვიდრეობა: 800-მდე ნახატი და ნამუშევარი უმაღლესი ოსტატობისა და მხატვრული ჭეშმარიტების მტკიცებულებაა.