22 nieprzyzwoite obrazy w sztuce aktów. Szokujące arcydzieła malarstwa klasycznego

Twoje nagie ciało powinno należeć tylko do kogoś, kto kocha twoją nagą duszę.

Charlie Chaplin

„Piękne kobiece nogi przewróciły niejedną kartę historii” – mówią Francuzi. I mają rację: w końcu nie chodzi tylko o skalę państwa. W osobistej historii wybitnego Hiszpana Francisco José de Goya y Lucientes , tak właśnie się stało. Współcześni artyście, którzy znali jego miłość do miłości i zmienności, zapewniali: wszystko zmieniło się, gdy mistrz poznał piękną księżną Marię Teresę Cayetana del Pilar de Alba, dziedziczkę starożytnego arystokratycznego rodu. Niektórzy ją podziwiali nieziemska piękność, zwana królową Madrytu, porównywana z Wenus, zapewniająca: „Każdy chciał jej mężów z Hiszpanii!” „Kiedy szła ulicą, wszyscy wyglądali przez okna, nawet dzieci rzucały swoje gry, żeby na nią patrzeć. Każdy włos na jej ciele budził pożądanie” – powtórzyła za nimi francuska podróżniczka. Inni zazdrościli piękna i bogactwa, przeklinając za to wolność obyczajów. Ale księżna wolała nie zwracać uwagi na to całe podniecenie. Sama wybierała przyjaciół i wrogów. Zwłaszcza kochanków, bynajmniej nie skrępowanych obecnością męża. Najwyraźniej mąż nie przywiązywał dużej wagi do żony romanse. Dlatego uważała swoje nowe hobby jako nadwornego malarza za zwykłą kaprys. Nawiasem mówiąc, para wspólnie patronowała Goi, ponieważ oprócz burzliwego życia osobistego zajmowała się patronatem i działalnością charytatywną... To było na podstawa sztuki, którą Cayetana poznał Francisco.

Ich związek przetrwał próbę czasu i ciężką chorobę artysty, która doprowadziła do utraty słuchu. Malował jej portrety, uwieczniając kobietę, którą kochał, w różnych ujęciach i strojach. Jedna z nich – „Księżna Alba w czerni” – według niektórych jest wyraźnym dowodem ich bliskiego związku. Faktem jest, że po renowacji obrazu, przeprowadzonej w latach sześćdziesiątych XX wieku, na pierścieniach piękna znaleziono grawer z imionami Alba i Goya. Pełen wdzięku palec księżnej wskazuje na piasek, na którym widnieje wymowny napis: „Tylko Goya”. Uważa się, że autor trzymał ten obraz w domu „na własny użytek” i nigdy go nie wystawiał. Podobnie jak sama Alba, dwie inne, jeszcze bardziej pikantne, urodziły się po śmierci jej prawnego męża. Istnieje opinia, że ​​\u200b\u200bpochowawszy męża, „zasmucona” wdowa udała się na smutek do jednej ze swoich posiadłości w Andaluzji. Aby wcale nie czuć się samotnie, zaprosiła Goyę, aby dotrzymała jej towarzystwa. Wtedy to powstały „Macha naga” i „Macha ubrana”. (Mahami było wówczas imieniem nadawanym wszystkim zalotnie ubranym dziewczętom z niższych warstw społecznych).

To prawda, że ​​​​osoba przedstawiona na obu płótnach jest samą skandaliczną księżną, dla wielu wciąż budzi wątpliwości. Uważa się, że wspaniała dama w nagim stylu jest jedną z kochanek premiera królowej Marie-Louise Manuel Godoy: w jego kolekcji „Machs” pojawił się w 1808 roku. Inne źródła twierdzą, że ten obraz jest zbiorowy i tylko inni nie mają wątpliwości, że muzą Goyi jest Cayetana, którego namalował nago, aby zdenerwować, gdy zdał sobie sprawę, że Alba pasjonuje się inną. Tak czy inaczej, przedstawianie aktów w Hiszpanii w XVIII wieku mogło kogokolwiek kosztować życie: po odkryciu płócien w 1813 roku policja moralna, reprezentowana przez czujną Inkwizycję, natychmiast nazwała je „obscenicznymi”. Autor, który stanął przed sądem, trafił do więzienia, ale nie ujawnił nazwiska swojej modelki. Kto wie, jak potoczyłyby się jego losy, gdyby nie wstawiennictwo wysoko postawionego patrona…

Alba oczywiście doceniłaby jego odważny czyn, ale do tego czasu ona sama była już od wielu lat w innym świecie. Śmierć Cayetany, nieoczekiwana dla wszystkich, a zwłaszcza dla Goi, zszokowała Madryt. Księżna została odnaleziona w swoim pałacu Buena Vista latem 1802 roku po wspaniałym przyjęciu wydanym dzień wcześniej na cześć zaręczyn młodej siostrzenicy (Alba nie miała własnych dzieci). Franciszek był wśród gości. Słyszał, jak Cayetana mówił o farbach, mówił o najbardziej trujących z nich, żartował o śmierci. A rano plotka rozniosła smutne wieści. Wtedy wszyscy, którzy znali księżną osobiście, pamiętali jej słowa, że ​​chce umrzeć młodo i pięknie, tak jak schwytał ją magiczny pędzel Goi.

Po mieście długo dyskutowano o przyczynach śmierci Alby. Założono, że została otruta: niestety ta kobieta miała wielu wrogów. Mówiono też, że sama zażyła truciznę. Ale dla Goyi to już nie miało znaczenia. Przeżył swoją wspaniałą ukochaną o prawie ćwierć wieku, zabierając ze sobą tajemnicę „Mahi”. Nawet potomkowie Alby nie zdołali go rozwiązać. Aby wybielić imię Cayetana, przeprowadzili badania, mając nadzieję udowodnić na podstawie wielkości kości: na płótnie przedstawiona jest inna dama. Ale w trakcie „operacji” okazało się tylko, że grób księżnej był wielokrotnie otwierany podczas kampanii napoleońskiej, a zatem takie badanie jest absolutnie bez sensu…

Czarującą i niezrozumiałą nazywali ją ci, którzy brali na wiarę entuzjastyczne opowieści Dali o jego muzie, królowej, bogini - Gali. Mniej naiwni do dziś uważają ją za drapieżną Walkirię, która urzekła geniusza. Tylko jeden fakt nie budzi wątpliwości: tajemnica, która otaczała życie tej kobiety, nie została rozwiązana.

Salvador Dali „Atomowa Leda” 1947–1949 Teatr-Muzeum Dali, Figueres, Hiszpania

Odkąd artysta Salvador Dali zobaczył ją po raz pierwszy w 1929 roku, w jego osobistej historii rozpoczęła się nowa era o nazwie Gala. Wiele lat później mistrz opisał wrażenia z tamtego dnia w jednej ze swoich autobiograficznych powieści. Jednak słowa wydrukowane typograficzną czcionką na białych stronach wydawanych w tysiącach egzemplarzy książek nie oddawały nawet w setnej części namiętności, które szalały w jego duszy tego słonecznego dnia: „Podszedłem do okna wychodzącego na plażę. Ona już tam była... Gala, żona Eluarda. To była ona! Poznałem ją po gołych plecach. Jej ciało było miękkie jak u dziecka. Linia ramion była prawie idealnie zaokrąglona, ​​a mięśnie talii, pozornie kruche, były atletycznie napięte, jak u nastolatka. Ale krzywa dolnej części pleców była naprawdę kobieca. Pełne wdzięku połączenie smukłego, energicznego tułowia, osikowej talii i delikatnych bioder czyniło ją jeszcze bardziej pożądaną. Kilkadziesiąt lat później niestrudzenie powtarzał samej Galii, że jest jego bóstwem, Galateą, Gradivą, świętą Eleną… A jeśli koncepcje świętości i bezgrzeszności nie korelowały z ukochaną Salvadora, imię Elena miało bezpośredni związek z nią . Faktem jest, że został tak nazwany przy urodzeniu. Ale, jak mówi rodzinna legenda, wielokrotnie opowiadana w biografiach Eleny Dyakonowej - przyszłej Madame Dali - dziewczyna z dzieciństwa wolała nazywać się ... Galina.

Przedstawiła się więc początkującemu francuskiemu poecie Paulowi Eluardowi, kiedy przypadek zetknął ich ze sobą w jednym ze szwajcarskich kurortów. „Och, Gala!” – jakby wykrzyknął, skracając imię i wymawiając je po francusku z naciskiem na drugą sylabę. Swoją lekką ręką wszyscy zaczęli ją tak nazywać - „święto, święto”, jak brzmi Gala w tłumaczeniu. Po czterech latach korespondencji i rzadkich spotkań wbrew woli rodziców Paula pobrali się, a nawet urodzili córkę Cecile. Ale, jak wiadomo, wolne obyczaje, które są podstawą relacji rodzinnych, nie są najlepszym sposobem na uratowanie małżeństwa. Minęły kolejne cztery lata, a artysta Max Ernest pojawił się w życiu pary Eluardów, którzy osiedlili się w domu małżonków jako oficjalny kochanek Gali. Mówią, że żaden z nich nie próbował ukryć trójkąta miłosnego. A potem poznała Dalego.

„Mój chłopcze, nie rozstaniemy się ponownie” – powiedziała po prostu Gala Eluard i na zawsze wkroczyła w jego życie. „Dzięki swojej niezrównanej, bezdennej miłości wyleczyła mnie z… szaleństwa” - powiedział, śpiewając pod każdym względem imię i wygląd swojej ukochanej - w prozie, poezji, malarstwie, rzeźbie. Różnica dziesięciu lat - według oficjalnej wersji ona urodziła się w 1894 roku, a on w 1904 - im nie przeszkadzała. Ta kobieta stała się dla niego matką, żoną, kochanką - alfą i omegą, bez których artysta nie wyobrażał sobie już swojej egzystencji. „Gala to ja”, zapewnił siebie i otoczenie, widząc w nim swoje odbicie, i podpisał pracę tylko jako „Gala – Salvador Dali”. Trudno powiedzieć, jaki był sekret jej magicznej mocy nad tym mężczyzną: prawdopodobnie on sam nigdy nie próbował analizować, pogrążając się w uczuciach, jak w bezkresnym morzu. Tak jak nie sposób zrozumieć, kim naprawdę jest i skąd pochodzi: dane, które wciąż znajdowały się we wszystkich podręcznikach, zostały ostatnio zakwestionowane przez badaczy – i są ku temu powody. Ale czy to naprawdę takie ważne? W końcu Gala to mit stworzony przez wyobraźnię Dalego i jej własne pragnienie jego zachowania.

Gala jest moją jedyną muzą, moim geniuszem i moim życiem, bez Gali jestem nikim.

Salvador Dali

Na jednym z dziesiątek nagich portretów artystka przedstawiła ukochaną jako mityczną bohaterkę, nadając nowy sens historii tak starożytnej jak świat. Tak narodziła się jego „Atomowa Leda”.

Według legendy Leda, córka króla Testiusza, wyszła za mąż za władcę Sparty, Tyndareusa. Urzeczony jej urodą Zeus uwiódł kobietę, zstępując do niej pod postacią… Łabędzia. Urodziła bliźnięta Kastora i Polideucesa oraz córkę, piękną Helenę, zwaną Heleną Trojańską. Dzięki takiemu porównaniu magik Dali przypomniał innym o nieziemskim uroku swojej ukochanej Gali Eleny: sam Salvador przez minutę nie wątpił w ekskluzywność jej zewnętrznych danych, uważając swoją żonę za najpiękniejszą wśród śmiertelników. Pewnie dlatego ten portret Gali, który był numerem jeden, został wykonany zgodnie z „boską proporcją” przez Fra Luca Paccoli, a matematyk Matila Ghica wykonał na prośbę mistrza pewne obliczenia do obrazu. W przeciwieństwie do tych, którzy uważali, że nauki ścisłe znajdują się poza kontekstem artystycznym, Dali był przekonany, że każde znaczące dzieło sztuki powinno opierać się na kompozycji, a więc na kalkulacji. Warto zauważyć, że skrupulatnie zweryfikował nie tylko proporcje obiektów na płótnie, ale także wewnętrzną treść rysunku, przedstawiającego pasję zgodnie ze współczesną teorią… „bezkontaktowości” fizyki wewnątrzatomowej. Jego Leda nie dotyka Łabędzia, nie opiera się o siedzisko unoszące się w powietrzu: wszystko leci nad morzem, które nie styka się z brzegiem… „Atomowa Leda” została ukończona w 1949 r. Dali, do poziomu „bogini mojej metafizyki”. Potem nigdy nie przegapił okazji, by ogłosić jej wyjątkową rolę w jego życiu.

Jednak w ich schyłkowych latach ich związek ostygł. Gala postanowiła osiedlić się osobno, a on podarował jej zamek w hiszpańskiej wiosce Pubol, której nie odważył się odwiedzić bez uprzedniego uzyskania pisemnej zgody żony. A w roku jej śmierci zmarł także Dali: choć po jej odejściu pozostał na Ziemi przez siedem długich lat, egzystencja straciła sens, bo wakacje jego życia dobiegły końca.

Karol Bryulłow „Batszeba” 1832 Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Historia zawiłości losów uroczej Batszeby od wieków przyciąga uwagę historyków, poetów, a nawet astronomów: na jej cześć nazwano asteroidę. Tak czy inaczej, ale to wybitne dane zewnętrzne stały się dla niej przyczyną wszystkich smutków i radości. Niektórzy zarzucali Batszebie niegodne zachowanie, inni uważali, że jedyną zbrodnią tej kobiety było tylko to, że była nie do zaakceptowania piękna.

I zaczęła się ta historia, która całkowicie odmieniła życie bohaterki, około roku 900 pne... a ta kobieta była bardzo piękna. I Dawid posłał, aby dowiedzieć się, kim jest ta kobieta. I rzekli do niego: To jest Batszeba, córka Eliama, żona Uriasza Chetyty. Dawid wysłał sługi, aby ją zabrali; a ona przyszła do niego ... ”- tak Księga Książek opisuje moment ich znajomości. Jak widać, króla nie zawstydziła wiadomość, że osoba, którą lubił, wyszła za mąż za jego dowódcę. Jakie uczucia posiadała sama Batszeba, historia milczy. Aby wyeliminować jej męża, Dawid nakazał „umieścić Uriasza tam, gdzie będzie najsilniejsza bitwa, i wycofać się od niego, aby został powalony i umarł”. Nie prędzej powiedziane niż zrobione. Wkrótce ambasador poinformował Davida, że ​​spełniła się jego wola. Oznacza to, że nic więcej nie stoi na przeszkodzie, aby wziąć Batszebę za swoją legalną żonę.

Po terminie urodziła syna królowi. Roztropny władca wszystko obliczył, starannie torując drogę do małżeńskiego szczęścia. Nie wziąłem pod uwagę tylko jednej rzeczy: naruszenie przykazań pociągało za sobą karę. On i jego ukochana w pełni odpowiedzieli za swoje grzechy – ich pierworodny żył zaledwie kilka dni. Drugim spadkobiercą pary był Salomon, którego imię wiąże się z wieloma mitami i legendami. Ale to zupełnie inna historia.

Fabuła nie została zignorowana przez malarzy, którzy pod każdym względem pokonali fatalny moment dla kobiety. Wśród nich jest „Wielki Karol”, jak nazywali go współcześni Bryullov. To prawda, że ​​​​mistrza „światła i powietrza” pociągała nie tyle narracja biblijna, ile możliwość popisania się swoim „darem dekoracyjnym”. Rozświetlona sylwetka, woda u uroczych stóp, ledwo zauważalna ważka z przezroczystymi skrzydłami przy ramieniu... „Postać czarnego służącego uwydatnia marmurową biel skóry, wprowadzając do obrazu lekką nutę erotyzmu”, art piszą o niej historycy. I pamiętaj o zmysłowości...

Istnieje przypuszczenie, że modelem tego płótna, które pozostało niedokończone, była piękna ukochana artystki Julii Samojłowej, szokującej hrabiny, o niej krąży nie mniej legend niż o uczestnikach tej historycznej epopei. „Bój się jej, Carl! Ta kobieta nie jest taka jak inne. Zmienia nie tylko przywiązania, ale także pałace, w których mieszka. Ale zgadzam się, a ty zgodzisz się, że możesz z nią zwariować ”, mówią, więc książę Gagarin, w którego domu miał miejsce znajomy, ostrzegł Bryulłowa: ma do czynienia z ogniem. Jednak płomień Julii Pawłownej, który palił serca innych, w przypadku Karola okazał się życiodajny. Przez lata wspierali się nawzajem, pozostając między innymi bliskimi przyjaciółmi. „Kocham cię bardziej, niż potrafię to wytłumaczyć, obejmuję cię i będę ci szczerze oddany aż po grób. Yulia Samoilova” - takie wiadomości wysyłał ekscentryczny milioner do „drogiej Brishki” z różnych krajów, w których sam był w tym momencie. I nadał wieczności wygląd swojej ukochanej, obdarzając ją rysami najpiękniejszych kobiet na swoich licznych płótnach. Być może tylko Samoilovej udało się powstrzymać ostry, porywczy temperament mistrza - wydaje się, że dla niego nie było innych praw. „Za pojawieniem się młodego helleńskiego boga krył się kosmos, w którym mieszały się wrogie zasady i albo wybuchał wulkanem namiętności, albo zalewał się słodkim blaskiem. Był cały z pasji, nic nie robił spokojnie, jak to robią zwykli ludzie. Kiedy gotowały się w nim namiętności, ich eksplozja była straszna, a kto stał bliżej, dostawał więcej ”- napisał współczesny o Bryullovie. Sam Karl nie przejmował się tym, co powiedziano o postaci, ponieważ jego talent nie budził wątpliwości.

Nawiasem mówiąc, pani Samoilova jest jedną z nielicznych osób, które wspierały go w chwili rozpaczy, kiedy po absurdalnym małżeństwie czterdziestoletni artysta znalazł się w centrum uwagi i nieżyczliwej ciekawości wszystkich. Jego żoną została osiemnastoletnia Emilia Timm, córka burmistrza Rygi. „Zakochałem się namiętnie… Rodzice panny młodej, a zwłaszcza ojciec, od razu zaplanowali poślubić mnie… Dziewczyna grała rolę kochanka tak umiejętnie, że nie podejrzewałem oszustwa…” - później powiedział. A potem „zniesławili mnie publicznie…” Prawdziwym powodem „sprzeczki” ze świeżo upieczoną żoną była brudna historia, w którą była zamieszana. „Tak bardzo odczułem swoje nieszczęście, mój wstyd, zniszczenie moich nadziei na szczęście rodzinne… że bałem się stracić rozum”, pisał o konsekwencjach małżeństwa, które trwało zaledwie kilka miesięcy. W tym momencie Julia znów zdawała się wyrywać „Briszkę” z ponurych myśli i wciągać ją w wir balów i maskarad, jakie hrabia Slavyanka urządzał w jej ukochanym majątku. Później sprzedała „Slaviankę” i wyruszyła w stronę nowej miłości i nowych przygód. Bryullov też nie przebywał długo w swojej ojczyźnie: Polsce, Anglii, Belgii, Hiszpanii, Włoszech - dużo podróżował i malował, malował, malował ... Podczas kolejnej podróży zmarł - w miejscowości Manziana pod Rzymem.

Julia przeżyła Karla o dwadzieścia trzy lata, pochowała dwóch mężów - byłą żonę hrabiego Nikołaja Samojłowa i młodą piosenkarkę Peri. „Naoczni świadkowie, którzy widzieli ją w tym okresie jej życia, mówili, że żałoba wdowi bardzo jej pasowała, podkreślając jej urodę, ale wykorzystała ją w bardzo oryginalny sposób. Na najdłuższym pociągu żałobnej sukni Samoilova posadziła dzieci, a ona sama ... toczyła śmiejące się dzieci po lustrzanych parkietach ich pałaców. Jakiś czas później ponownie wyszła za mąż.

Nie wiadomo, co legendarna piękność Virsavia obiecała niebu lub ludziom, których imię tłumaczy się jako „córka przysięgi”, ale możemy śmiało powiedzieć: Julia Samoilova w młodości obiecała sobie, że nie straci serca i zachował to.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn „Danaë” 1636 Ermitaż, Petersburg

Od wieków starożytna grecka piękność Danae przyciągała uwagę artystów. Holender Rembrandt van Rijn również nie stał z boku, obdarzając mityczną księżniczkę rysami dwóch swoich ulubionych kobiet jednocześnie.

Ta historia zaczęła się w czasach starożytnych, kiedy starożytni greccy bogowie byli we wszystkim podobni do ludzi i łatwo się z nimi komunikowali, a czasem nawet nawiązywali romantyczne relacje. To prawda, że ​​\u200b\u200bczęsto, korzystając z uroków ziemskiej czarodziejki, zostawiali ją na pastwę losu, wracając na szczyt Olimpu, aby w otoczeniu boskich przyjaciół na zawsze zapomnieć o swojej ulotnej namiętności. To właśnie przydarzyło się Danae, córce króla Argos Acrisius.

Później najzdolniejsi ludzie uznali za swój obowiązek opowiedzieć światu o wzlotach i upadkach jej życia: dramatopisarze Ajschylos, Sofokles, Eurypides dedykowali jej dramaty i tragedie, a nawet wspomniany w Iliadzie Homer. I Tycjan, Correggio, Tintoretto, Klimt i inni malarze przedstawieni na swoich płótnach. I nic dziwnego: nie sposób być obojętnym na los dziewczyny, która stała się ofiarą losu. Faktem jest, że kiedyś wyrocznia przepowiedziała śmierć jej ojca z rąk wnuka - syna, którego urodzi Danae. Aby się zabezpieczyć, Akrisius wziął wszystko pod ścisłą kontrolę: kazał uwięzić swoją córkę w lochu i przydzielił jej służącą. Roztropny król wziął pod uwagę wszystko, z wyjątkiem jednego - że nie zakochałby się w niej zwykły śmiertelnik, ale sam Zeus - główny z olimpijskich bogów, dla którego wszystkie przeszkody okazały się niczym. Przybrał postać złotego deszczu i wszedł do pomieszczenia przez mały otwór... Moment jego wizyty był dla artystów najbardziej atrakcyjnym momentem w tej skomplikowanej historii. Efektem spotkania Zeusa i Danae był syn Perseusza, którego tajemnica narodzin wkrótce została ujawniona: dziadek Acrisius usłyszał płacz dochodzący z podziemnych komnat... Potem kazał włożyć córkę i dziecko do beczki i wrzucić do otwarte morze... Ale to nie pomogło mu uniknąć przepowiedni: Perseusz dorósł, wrócił do ojczyzny i biorąc udział w zawodach w rzucie dyskiem przypadkowo wylądował nimi w Akryzji... „Fatum…” - świadkowie incydent westchnął. Gdyby tylko wiedzieli, że los samej „Danae”, zrodzonej pędzlem Rembrandta, byłby nie mniej dramatyczny!..

„Który z obrazów w Twojej kolekcji jest najcenniejszy?” Mówią, że z tym pytaniem gość zwrócił się do dozorcy jednej z sal Ermitażu rankiem 15 czerwca 1985 roku. „Danae” Rembrandta – odpowiedziała kobieta, wskazując na płótno przedstawiające luksusową nagą damę. Kiedy iw jaki sposób mężczyzna wyciągnął butelkę i spryskał płynem zdjęcie, nie wiedziała: wszystko stało się nagle. Pracownicy, którzy przybiegli do krzyku, widzieli tylko, jak farba bulgocze i zmienia kolor: ciecz okazała się kwasem siarkowym. W dodatku sprawcy udało się dwukrotnie dźgnąć obraz... Okoliczność, że 48-letni Litwin Bronyus Maigis został później uznany za niezrównoważonego psychicznie i skierowany na leczenie, nie złagodził ciężaru jego zbrodni. „Kiedy zobaczyłem ją po raz pierwszy podczas procesu renowacji, nie mogłem powstrzymać łez” – przyznał dyrektor Ermitażu Michaił Piotrowski. - Głównie dlatego, że to była inna „Danae”. Choć po trwającej dwanaście lat renowacji płótno wróciło do muzeum, 27 proc. obrazu wymagało całkowitego odtworzenia: całe fragmenty, wykonane pędzlem mistrza, przepadły bezpowrotnie. Ale to właśnie ten portret namalował ze szczególną miłością: uwielbiana przez niego kobieta, jego żona Saskia, była dla niego wzorem. Ich małżeństwo trwało nieco ponad osiem lat: urodziła mężowi czwórkę dzieci, z których przeżyło tylko jedno - Tytus - zmarła. Kilka lat później Rembrandt zainteresował się guwernantką swojego syna Gertiera Dirksa. Istnieje przypuszczenie, że ku jej zadowoleniu „Danae” nabrała nowych cech, które przetrwały do ​​dziś: zmieniła się twarz i postawa, zniknął „bohater” fabuły, złoty deszcz. Ale ta okoliczność została ujawniona dopiero w połowie XX wieku, kiedy za pomocą fluoroskopii pod warstwą farby znaleziono wcześniejszy wizerunek Saskii. W ten sposób artysta połączył portrety obu kobiet. Ten ukłon w stronę Gertier nie pomógł jednak uratować jej relacji: wkrótce złożyła pozew przeciwko Rembrandtowi, zarzucając mu naruszenie obowiązku małżeńskiego (rzekomo wbrew obietnicom nie ożenił się z nią). Uważa się, że prawdziwym powodem przerwy była młoda Hendrikje Stoffels, jego nowa służąca i kochanka. W tym czasie sprawy niegdyś odnoszącego sukcesy, popularnego i bogatego malarza potoczyły się źle: było mniej zamówień, fortuna się stopiła, dom został sprzedany za długi. "Danae" pozostała u niego aż do wyprzedaży w 1656 roku, potem jej ślad zaginął...

Ubytek odkryto dopiero w XVIII wieku – w zbiorach słynnego francuskiego kolekcjonera Pierre'a Crozata. Po jego śmierci w 1740 roku wraz z innymi arcydziełami odziedziczył ją jeden z trzech siostrzeńców konesera sztuki. A potem, za radą filozofa Denisa Diderota, nabyła go rosyjska cesarzowa Katarzyna II, która w tym czasie wybierała obrazy do Ermitażu.

„Był ekscentrykiem pierwszej klasy, który gardził wszystkimi… Zajęty pracą, nie zgodziłby się przyjąć pierwszego monarchy na świecie i musiałby odejść” – pisał o Rembrandcie, którego imię zachował się w historii tylko dlatego, że został biografem „ekscentryka” Rembrandta.

Amedeo Modiglianiego „Akt siedzący na sofie” („Piękna Rzymianka”), 1917, zbiory prywatne

Obraz ten, wystawiony prawie sto lat temu w jednej z paryskich galerii, wśród innych prac Modiglianiego przedstawiających nagie piękności, wywołał ogromny skandal. A w 2010 roku stał się jednym z najdroższych przedmiotów najbardziej prestiżowej aukcji.

– Rozkazuję ci natychmiast zdjąć to całe gówno! – tymi słowami komisarz Rousseau spotkał się ze słynną galerniczką Bertą Weil, którą wezwał na stację 3 grudnia 1917 r. „Ale są eksperci, którzy nie podzielają twojej opinii” – zauważyła Berta, w której galerii kilka godzin temu otwarto pierwszą wystawę trzydziestotrzyletniego Amedeo Modiglianiego i już Leopold Zborowski, Polak, przyjaciel i odkrywca Modiego, który został jego nowym agentem artystycznym i inicjatorem tego wernisażu, liczył na to jako główny wabik dla zwiedzających : bez względu na to, jak nagość, Leo nie wziął pod uwagę, że w domu po drugiej stronie ulicy był posterunek policji i że jego mieszkańcy byliby bardzo zainteresowani powodem takiego tłumu. „Jeśli nie wykonasz natychmiast mojego rozkazu , rozkażę moim policjantom skonfiskować wszystko!” komisarz krzyknął z oburzeniem, a Berta z trudem powstrzymując uśmiech pomyślała: „Co za sielanka: każdy policjant z pięknym aktem w dłoniach!” Nie odważyła się jednak sprzeciwić i natychmiast zamknęła galerię, a tamtejsi goście pomogli jej usunąć ze ścian „obsceniczne" płótna. Znawcy malarstwa uznali je za arcydzieła i nazwali „triumfem nagości". Jednak już wtedy cały Paryż zaczął mówić o wystawie, a niektórzy francuscy i zagraniczni kolekcjonerzy poważnie zainteresowali się pracą „bezdomnego włóczęgi” Dodo, jak nazywali go jego znajomi.

Chociaż uczciwie trzeba powiedzieć, że do tego czasu nie był bezdomny: latem 1917 roku Amedeo i jego ukochana młoda artystka Jeanne Hebuterne, którą poznał na krótko przed opisanymi wydarzeniami, wynajęli małe mieszkanie - dwa puste pokoje. „Czekam na tę jedyną, która stanie się moją wieczną miłością i która często przychodzi do mnie we śnie” – wyznał kiedyś artysta jednemu ze swoich przyjaciół. Ci, którzy znali Modiego osobiście, mówili, że po spotkaniu z Jeanne sen i rzeczywistość dla Amedeo połączyły się. Portret w kapeluszu, na tle drzwi, w żółtym swetrze - płócien z jej wizerunkiem w ciągu czterech wspólnych lat powstało ponad dwadzieścia. Sam Dodo nazwał je „wyznaniami miłości na płótnie”. „Jest idealną modelką, umie siedzieć jak jabłko – bez ruchu i tak długo, jak tego potrzebuję” – pisał do brata.

Jeanne zakochała się w Amedeo takim, jakim był – hałaśliwym, niepohamowanym, smutnym, lekkomyślnym, niespokojnym – i z rezygnacją podążała za nim, gdziekolwiek go wzywał. Tak jak później Modi bez wahania przyjmował każdą decyzję: czy ma namalować trzy tuziny nagich czarodziejek, przebywając z każdą z nich twarzą w twarz całymi dniami? Więc to jest konieczne! „Proszę sobie wyobrazić, co stało się z paniami na widok przystojnego Modiglianiego spacerującego bulwarem Montparnasse ze szkicownikiem w pogotowiu, ubranego w szary welurowy garnitur z palisadą kolorowych ołówków wystających z każdej kieszeni, z czerwonym szalikiem i duży czarny kapelusz. Nie znam ani jednej kobiety, która nie chciałaby przyjść do jego pracowni” – wspominała przyjaciółka malarza Lunia Czechowska. Służyły jako modele do skandalicznej wystawy.

Później Amedeo niejednokrotnie wracał do swojego ulubionego tematu – portretów przyjaciół i przypadkowych modelek, które pozowały mu w strojach Ewy – za pasję, za którą skarcili go mieszczanie. Ale nie przywiązywał do tego żadnej wagi, bo wydawało się to samemu Modiemu: oczywiste jest, że pociągała go nie powierzchnia „struktury cielesnej”, ale jej wewnętrzna harmonia. Czy piękno może być bezwstydne? Nawiasem mówiąc, na tej podstawie Dodo miał konflikt ze starszym geniuszem Augustem Renoirem, który jako mistrz zobowiązał się udzielić porady młodemu koledze: „Kiedy malujesz nagą kobietę, musisz… delikatnie, delikatnie szczotkować płótno, jakby pieszcząc”. Na co Modigliani wybuchnął i mówiąc ostro o zmysłowości starca, wyszedł bez pożegnania.

O „wyjątkowej dręczącej pokusie” i „treściach erotycznych” jego obrazów będzie mowa później, gdy śpiewaczka nagiego ciała już nie żyje. Po eskortowaniu autora do innego świata wdzięczni potomkowie wreszcie zobaczą dzieła „biednego Dodo” i zaczną je oceniać na miliony dolarów, organizując bitwy aukcyjne o prawo do płacenia więcej niż konkurenci. Podobne poruszenie wywołał „Akt siedzący na kanapie” („Piękna Rzymianka”). Został wystawiony na sprzedaż w Nowym Jorku 2 listopada 2010 roku w słynnym Sotheby's i trafił do prywatnej kolekcji za prawie sześćdziesiąt dziewięć milionów dolarów, „ustanawiając absolutny rekord cenowy”. „Nazwisko nowego właściciela, jak zwykle, nie jest ogłaszane

„Dlaczego nie spróbujesz jakoś na niego wpłynąć, bo on umiera z pijaństwa, na postępującą gruźlicę?” jeden z bliskich przyjaciół pary zapytał Hebuterne, zdając sobie sprawę, jak chory jest Amedeo. „Modi wie, że musi umrzeć. Tak będzie dla niego lepiej. Gdy tylko umrze, wszyscy zrozumieją, że jest geniuszem – odpowiedziała. Dzień po śmierci Modiglianiego Jeanne podążyła za nim do wieczności, wychodząc przez okno. A niektórzy z tych, którzy przyszli pożegnać się z artystą i jego muzą, pamiętali słowa mistrza: „Szczęście to piękny anioł o smutnej twarzy”. etsya”, - sucho donosiły media, śledząc elitarne zawody.

Pierre Auguste Renoir nago 1876 ​​​​Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina, Moskwa

„Piosenkarka kobiet, nagość, władczyni królestwa pań” – tak jeden z biografów nazwał artystę za jego wirtuozerską umiejętność przenoszenia nagości na płótno. Jednak ulubiony temat mistrza nie przypadł do gustu wszystkim jego współczesnym.

„Jeszcze nie umiałem chodzić, ale już uwielbiałem malować kobiety” - często powtarzał Auguste. „Jeśli Renoir powiedział: „Kocham kobiety”, w tym stwierdzeniu nie było najmniejszej żartobliwej aluzji, którą ludzie zaczęli ubrać w słowo „miłość” XIX wiek. Kobiety wszystko doskonale rozumieją. Z nimi świat staje się bardzo prosty. Doprowadzają wszystko do prawdziwej istoty i doskonale wiedzą, że ich pranie jest nie mniej ważne niż konstytucja Cesarstwa Niemieckiego. Czujesz się przy nich bardziej pewny siebie! Nie było mu trudno dać mi wyobrażenie o wygodzie i słodyczy ciepłego gniazda jego dzieciństwa: ja sam dorastałem w tym samym czułym środowisku ”- napisał słynny francuski reżyser Jean Renoir w jego wspomnienia o ojcu, zapewniając, że jego bogate doświadczenia miłosne doprowadziły ojca do tego, że pod koniec życia stworzył własną, oryginalną „koncepcję miłości”. dopóki jesteś młody. Nie mają znaczenia, jeśli nie ponosisz żadnych zobowiązań.

Renoir Sr. wiedział, co mówi: sam po raz pierwszy ożenił się w wieku czterdziestu dziewięciu lat i od tego czasu, według opowieści krewnych, stał się najbardziej wzorowym mężem i troskliwym ojcem dla trzech synów, których kochała jego kobieta Alina Sherigo urodziła. Kiedy się poznali, dziewczyna miała nieco ponad dwadzieścia lat, a artysta przygotowywał się do obchodów swoich czterdziestych urodzin. Ładna krawcowa Alina, którą spotykał na co dzień w kawiarni niedaleko swojego domu, okazała się absolutnie w jego guście: świeża młoda skóra, różowe policzki, błyszczące oczy, piękne włosy, soczyste usta. I choć Sherigo nie rozumiała malarstwa, a sam maestro nie był ani bogaty, ani przystojny, poza tym na oficjalne oświadczyny musiała czekać prawie dziesięć lat, nie przeszkodziło to piękności dostrzec w nim swojego przyszłego męża – jedynego . A żeby sam Renoir znalazł w niej nie tylko oddaną żonę, ale także najlepszy model na świecie - często pozowała Auguste'owi, wyznając: „Nic nie rozumiałem, ale lubiłem patrzeć, jak pisze”. „Renoira pociągały kobiety typu kota. Alina Sherigo była perfekcją w tym gatunku” – napisał ich syn Jean. A mizogin Edgar Degas, widząc ją na jednej z wystaw, powiedział, że wygląda jak królowa odwiedzająca wędrownych akrobatów.

Modelka musi tam być, żeby mnie rozpalić, sprawić, żebym wymyślała rzeczy, które bez niej nie przyszłyby mi do głowy, żeby trzymać mnie w ryzach, gdybym się zbytnio poniosła.

Pierre'a Augusta Renoira

„Żal mi mężczyzn, którzy podbijają kobiety. Mają ciężką pracę! Dzień i noc na służbie. Znałem artystów, którzy nie stworzyli niczego godnego uwagi: zamiast malować panie, uwodzili je ”- osiadły Renoir kiedyś„ narzekał ”do swoich kolegów. Wolał milczeć na temat tego, jakie stosunki miał w młodości z licznymi Paletami, Cozetkami, Żorżetami. Niemniej jednak to oni, nieobciążeni nadmierną skrupulatnością mieszkańców Montmartre, często pozowali malarzowi. Jeden z nich - Anna Leber - został przywieziony do jego pracowni przez przyjaciela i po chwili z łatwością rozpoznał znajome cechy obrazu „Akt w słońcu”: artysta wystawił to płótno na drugiej wystawie impresjonistów. Niektórzy historycy sztuki uważają, że Anna stała się modelką słynnego „Aktu” – nazywana jest też „Kąpiącą się”, a ze względu na specjalne odwzorowanie kolorów „Perłą”. Jeśli domysły ekspertów są słuszne, to los tej luksusowej kobiety „w samym soku” okazał się nie do pozazdroszczenia: zachorowała na ospę, zmarła w kwiecie wieku i piękna ...

Jednak w 1876 roku ani Anna, ani Auguste, którzy jeszcze nie spotkali Aliny, nie wiedzieli, co ich czeka w przyszłości. Mógł więc bez wahania zaglądać dzień i noc w krzywizny linii jej ciała, aby nadać portretowi (tak nazywa się to dzieło) namacalności. Nic dziwnego, że był szczery: „Nadal pracuję nad aktami, aż mam ochotę uszczypnąć płótno”.

Nawiasem mówiąc, „malownicze symfonie” i „arcydzieło impresjonizmu”, w tym „Akt”, jego obrazy zaczęto nazywać dopiero po latach. Na wernisażu tamtych lat krytyk sztuki Albert Wolff, widząc jeden z aktów Renoira, wybuchnął gniewną tyradą na łamach gazety Figaro: „Zainspiruj pana Renoira, aby kobiece ciało nie było kupą rozkładającego się mięsa z zielenią i fioletowe plamy, które wskazują, że zwłoki już się rozkładają na pełnych obrotach!” Sam mistrz, obdarzony szczęśliwą cechą charakteru do postrzegania świata w jasnych kolorach, nie przywiązywał dużej wagi do swojego ataku i nadal pisał po swojemu, ku uciesze wielbicieli - obecnych i przyszłych. Rzeczywiście, oprócz miłości do rodziny, tylko jedna pasja zawładnęła jego duszą do końca jego dni - malarstwo. I nawet gdy w wyniku choroby palce nie mogły utrzymać pędzla, rysował dalej, przywiązując go do dłoni.

„Dziś się czegoś nauczyłem!” - podobno siedemdziesięcioośmioletni Renoir wypowiedział te słowa przed wyruszeniem w swoją ostatnią podróż - na spotkanie z ukochaną Aliną, która cztery lata wcześniej udała się do innego świata.

Diego Velázquez Wenus z lustrem (Wenus Rokeby) 1647-1651 Galeria Narodowa w Londynie

Współcześni Diego Velasquez uważali go za ulubieńca losu: artysta nie tylko miał szczęście we wszystkich swoich przedsięwzięciach, ale także miał szczęście uniknąć ognia Inkwizycji za przedstawianie kobiecej nagości. Ale jego skandaliczne płótno nie uniknęło „zemsty”…

„Gdzie jest obraz?! - wykrzyknął francuski poeta romantyczny Theophile Gauthier, podziwiając jeden z obrazów Hiszpana Diego Rodrigueza de Silva y Velazquez. A papież Innocenty X zauważył: "Zbyt prawdomówny". Jednak odwaga i umiejętność nie upiększania rzeczywistości, które ostatecznie stały się znak rozpoznawczy Mistrza, nie wszystkim się to podobało: otoczenie króla Filipa IV, doceniając boski dar Diega, uważało go za aroganckiego i narcystycznego parweniusza. Ale Velazquez, pasjonat swojej sztuki, nie marnował energii na słowne spory, co sprawiło, że wygrywała tylko jakość dzieła, a jego wykształcenie budziło podziw. Na przykład jeden z biografów, Antonio Palomino, pisał, że już w młodości Diego „podjął naukę literatury pięknej i znajomość języków ​a filozofia przerosła wielu ludzi jego czasów. "Już pierwszy portret, za który potężny dworzanin i książę de Olivares, pochodzący z Sewilli, tak spodobał się władcy, że ofiarował dwadzieścia cztery ehletnego Velasqueza na nadwornego malarza. A on oczywiście się zgodził. Wkrótce nawiązały się między nimi przyjazne stosunki. Malarz i teoretyk sztuki Francisco Pacheco, którego uczniem był Diego w młodości, napisał później, że „wielki monarcha okazał się zaskakująco hojny i wspierający Velasqueza. Pracownia artysty mieściła się w apartamentach królewskich, gdzie zainstalowano krzesło dla Jego Królewskiej Mości. Król, który miał klucz, przychodził tu prawie codziennie, aby nadzorować prace”. Jak Pacheco zareagował na fakt, że jego utalentowany podopieczny od tego czasu zaczął opuszczać rodzinę na długi czas, udając się do innych krajów jako dworzanin, historia milczy. Chociaż bardzo niewiele wiadomo o żonie Velazqueza, Juanie Mirandzie - i tylko fakt, że była córką Pacheco, jest niezaprzeczalny. Juana dała mężowi córki Franciscę i Ignację. Nawiasem mówiąc, Francisca powtórzyła los swojej matki – poślubiła też ulubionego ucznia ojca, Juana Batistę del Mazo. To prawda, że ​​\u200b\u200bw życiu bliskich Diego najwyraźniej brał znacznie mniejszy udział niż w sprawach państwowych.

„Wspaniale wykształcony i dobrze wychowany człowiek, który miał poczucie własnej godności” – powiedział o nim wenecki artysta i pisarz Marco Boschini. Taki posłaniec był znakomitym przedstawicielem dworu hiszpańskiego poza ojczyzną. Chociaż Filip niechętnie puszczał swojego zwierzaka, Velasquez miał okazję nie raz wyjeżdżać na dalekie podróże zagraniczne. Pierwszy raz wybrał się w podróż do Włoch w 1629 roku iz zachwytem odkrył cały świat malarstwa włoskiego. Druga podróż do tego kraju trwała od 1648 do 1650 roku: w imieniu Filipa Diego zajmował się selekcją dzieł sztuki do kolekcji królewskiej. Uważa się, że z tą podróżą związane jest pojawienie się jednego z najbardziej znanych i niesamowitych obrazów Velasqueza: obrazy wielkich Włochów Michała Anioła, Tycjana, Giorgione, Tintoretta zainspirowały stworzenie „bezwstydnego” arcydzieła, rzekomo oddającego uroki nagich mitycznych piękności z ich wrodzoną odwagą.

„Wenus i Kupidyn”, „Wenus z lustrem”, „Wenus Rokeby” - tak szybko, jak płótno nazywa się od wieków! Ale jego wyjątkowość polega nie tylko na umiejętnościach autora: jest to jedyny zachowany akt Velazqueza. Jak wiecie, wielcy inkwizytorzy, których okrucieństwo i bezkompromisowość wobec tych, którzy łamali ustanowione przez nich prawa, zyskały rozgłos, uważali takie swobody za niedopuszczalne. „Tworząc zmysłowe akty na płótnie, malarze stają się przewodnikami diabła, dostarczają mu wyznawców i zamieszkują królestwo piekła” – powiedział jeden z żarliwych kaznodziejów wiary, Jose de Jesus Maria. W tym przypadku piękno - z lustrem lub bez - było najlepszą ilustracją tego, co zostało powiedziane. A Diego by się smażył, jeśli nie w piekle, to na pewno na stosie, gdyby wszyscy uczestnicy „zbrodni” nie utrzymywali w tajemnicy wszystkiego, co dotyczyło tego wizerunku. Niewykluczone, że najwyższy mecenat uchronił jego twórcę przed karą. Przypuszczalnie dzieło powstało na zamówienie jednego z najszlachetniejszych ludzi w Hiszpanii, a pierwsza wzmianka o nim pochodzi z 1651 roku: została odkryta podczas inwentaryzacji kolekcji krewnego wpływowego Olivaresa, markiza del Carpio. O tym, która z pań służyła jako modelka, wciąż się kłócą. Według jednej wersji Diego pozowała słynna madrycka aktorka i tancerka Damiana, która była kochanką markiza, namiętną kolekcjonerką, koneserką sztuki i pięknych kobiet. Według innego założenia Włoszka oddała swoje ciało Wenus. Być może stał się nią tajemniczy kochanek Velasqueza: mówią, że romans naprawdę miał miejsce, co podobno ma dowody. Jak również dowód na to, że wkrótce po wyjeździe artysty do Hiszpanii urodził mu się syn, na którego utrzymanie Diego przesyłał fundusze.

A to nie ostatnia tajemnica Wenus. Miłośnicy mistycyzmu zapewniają: każdy kolejny właściciel bankrutował i był zmuszony wystawić obraz na sprzedaż. Wędrowała więc z rąk do rąk, aż znalazła się w angielskiej posiadłości Rokeby Park w Yorkshire, co nadało jej jedno z imion. A w 1906 roku The National Gallery w Londynie nabyła obraz: 10 marca 1914 roku miała tam miejsce następująca historia...

Gdzie jest obraz? Wszystko wydaje się prawdziwe Na Twoim zdjęciu, jak w lustrze.

Francisco de Quevedo

Niezwykła dziewczyna weszła do sali, w której znajdowało się płótno. Zbliżając się do arcydzieła, wyciągnęła nóż z piersi i zanim strażnicy zdołali ją powstrzymać, zadała siedem ciosów. Podczas śledztwa Mary Richardson wyjaśniła swój czyn w następujący sposób: „Wenus z lustrem” stała się obiektem pożądania mężczyzn. Ci seksiści patrzą na nią jak na pocztówkę z pornografią. Kobiety na całym świecie są mi wdzięczne za położenie kresu!” Później okazało się, że panna Richardson była sufrażystką - członkinią ruchu na rzecz przyznania prawa wyborczego kobietom. I w tak nieoryginalny sposób próbowała zwrócić uwagę opinii publicznej na los Emmeline Pankhurst, szefowej tego ruchu, która po raz kolejny trafiła do więzienia, gdzie podjęła strajk głodowy.

I „Wenus” została przywrócona: trzy miesiące później wróciła do galerii. I tam, jak przed wiekami, podziwia swoje odbicie.

Edouard Manet „Olimpia” 1863 Musée d'Orsay, Paryż

Obraz ten, namalowany dokładnie 150 lat temu, jest dziś uważany za arcydzieło impresjonizmu, a wielu kolekcjonerów marzy o tym, by mieć go w swoich zbiorach. Jednak jej pierwszy występ na autorytatywnym wernisażu w XIX wieku wywołał jeden z najgłośniejszych skandali w historii sztuki.

Prawdopodobnie spodziewając się nie najlepszego przyjęcia, Edouard Manet nie spieszył się z wystawieniem swojej pracy na widok publiczny. Rzeczywiście, w tym samym 1863 roku zdążył się już wyróżnić, przedstawiając jury „Śniadanie na trawie”, które zostało natychmiast ostracyzowane: jego model został oskarżony o wulgaryzmy, nazywając go nagą dziewczyną z ulicy, bezwstydnie umieszczoną między dwoma dandysami. Samego autora oskarżono o niemoralność i nie oczekiwano od niego niczego godnego. Ale przyjaciele, wśród których był słynny francuski poeta i krytyk Charles Baudelaire, przekonali mistrza, że ​​jego nowe dzieło nie będzie równe. A poeta Zachary Astruc, podziwiając Wenus (uważa się, że dzieło zostało napisane pod wpływem „Wenus z Urbino” Tycjana i pierwotnie nosiło imię bogini miłości), natychmiast nazwał piękną Olimpię i poświęcił wiersz „Córka Wyspy”. Linie z niego umieszczono pod płótnem, gdy dwa lata później, w 1865 roku, Manet postanowił jednak pokazać go na wystawie w Salonie Paryskim – jednej z najbardziej prestiżowych we Francji. Ale co się tu zaczęło!

„Gdy tylko Olimpia obudzi się ze snu,

Czarny herold z pękiem wiosny przed nią;

To jest posłaniec niewolnika, którego nie można zapomnieć,

Zamieniając noc miłości w rozkwit dni,

pierwsi zwiedzający odczytali podpis pod zdjęciem. Ale gdy tylko spojrzeli na obraz, odeszli z oburzeniem. Niestety, poetycka koronka, która wzbudziła ich przychylność, nie wpłynęła bynajmniej na stosunek do samego dzieła. „Praczka z Batignolles” (warsztat Edouarda znajdował się w dzielnicy Batignolles), „znak budki”, „odalisque żółtobrzuchy”, „brudne dziwactwa” - takie epitety okazały się najdelikatniejszymi ze wszystkich, które przyznał obrażony tłum Olimpia. Dalej - więcej: „Ta brunetka jest obrzydliwie brzydka, jej twarz jest głupia, jej skóra przypomina trupią”, „Goryliczka zrobiona z gumy i przedstawiona zupełnie naga”, „Jej ramię wydaje się nieprzyzwoicie skurczyć” ze wszystkich stron. Krytycy wyróżniali się dowcipem, zapewniając, że „sztuka, która upadła tak nisko, nie jest nawet godna potępienia”. Manetowi wydawało się, że cały świat zwrócił się przeciwko niemu. Nawet ci, którzy byli życzliwi, nie mogli się oprzeć komentarzowi: „Dama pik z talii kart, po prostu

z wanny – zawołał jej kolega Gustave Coubret. „Ton ciała jest brudny i nie ma modelowania” - powtórzył mu poeta Theophile Gautier. Ale artysta po prostu poszedł za przykładem swojego ukochanego malarza, uznanego przez wszystkich Diego Velasqueza, i przekazał różne odcienie czerni ... Jednak zadania kolorystyczne, które sobie postawił i genialnie rozwiązane, nie przeszkadzały zbytnio opinii publicznej: plotka o który służył jako wzór dla jego twórczości, wywołał taką falę powszechnego gniewu, że „Olimpię” trzeba było pilnować. Z czasem dyrekcja sali wystawowej została zmuszona do podniesienia jej na wysokość, do której nie sięgały ręce i laski „cnotliwej publiczności”. Historycy sztuki i malarze byli oburzeni odejściem od kanonów – panie w stylu aktu były zwykle przedstawiane jako wyłącznie mityczne boginie, a ich rówieśnik wyraźnie odgadywał się w modelu Edwarda, poza tym autor pozwalał sobie na dowolne traktowanie koloru i wkraczał na estetykę normy. Francuskich mieszkańców martwiło coś innego: faktem jest, że po mieście rozeszła się pogłoska, którą chętnie podchwycił tłum, że słynna paryska kurtyzana i kochanka cesarza Napoleona III, Marguerite Bellanger, dała swój wygląd Olimpii. Nawiasem mówiąc, sam Napoleon, koneser sztuki, nabył w tym samym 1865 roku „główny obraz Salonu” - „Narodziny Wenus” według metra i akademika Aleksandra Cabanela. Jak się okazało, jego model nie zawstydził cesarza niczym więcej niż frywolną pozą czy rozmytymi formami, gdyż w pełni odpowiadał prawom gatunku. W przeciwieństwie do zhańbionej „Olympii” ze swoją skandaliczną „biografią”.

Według oficjalnej wersji to wcale nie Marguerite pozowała do zdjęcia, ale ulubiona modelka Maneta, Quiz-Louise Meuran: nie wahała się rozebrać do „Śniadania na trawie” i pojawiła się na innych jego płótnach. Inni artyści też często zapraszali ją jako modelkę, dzięki czemu Quiz jest uwieczniony na obrazach Edgara Degasa i Norberta Gonetta. To prawda, że ​​\u200b\u200bta dziewczyna nie różniła się dobrym humorem i czystością: nie bez powodu jeden z jej znajomych nazwał ją „krnąbrną istotą, która mówiła jak paryskie kobiety ulicy”. Z czasem pożegnała się z marzeniem o zostaniu aktorką, a potem artystką (zachowało się kilka jej utalentowanych prac), uzależniła się od alkoholu, nawiązała romans z niejaką Marie Pellegri, w schyłkowym wieku nabyła papugę , z którą chodziła ulicami miasta, śpiewając piosenki z gitarą na jałmużnę, - na to polowała.

Kto cię wyrzeźbił z ciemności nocy, Co za rodowity Faust, diabeł sawanny? Pachniesz piżmem i tytoniem Hawany, dziecko północy, mój fatalny idol...

Charlesa Baudelaire'a

I wyśmiewana, oskarżana o wulgaryzmy i bezwstyd „Olimpia” rozpoczęła samodzielne życie. Po zamknięciu Salonu prawie ćwierć wieku spędziła w warsztacie Maneta, gdzie mogli ją podziwiać tylko znajomi Edwarda, ponieważ muzea, galerie i kolekcjonerzy nie widzieli w niej wartości artystycznej i kategorycznie odmawiali zakupu. Na opinię publiczną nie wpłynęła żadna obrona w osobie wybitnego krytyka sztuki i publicysty Antonina Prousta, który jako przyjaciel swojej młodości napisał: „Eduardowi nigdy nie udało się stać wulgarnym – czuł rasę”. Ani przekonania pisarza Emila Zoli, który w jednym z artykułów opublikowanych w paryskiej gazecie zauważył, że los przygotował dla niej miejsce w Luwrze. Mimo to jego słowa się spełniły, ale piękno musiało czekać prawie pół wieku. Do tego czasu sam autor nie był na tym świecie od dawna, a jego ulubiony pomysł prawie odszedł wraz z innymi dziełami do amerykańskiego miłośnika sztuki. Sytuację uratował przyjaciel mistrza, Claude Monet: aby arcydzieło – a nie miał co do tego wątpliwości – nie opuściło Francji na zawsze, zorganizował zbiórkę, dzięki której zebrano dwadzieścia tysięcy franków. Kwota ta wystarczyła, aby kupić płótno od wdowy Manet i przekazać je państwu, które przez tyle lat odmawiało takiego nabycia. Urzędnicy ze świata sztuki przyjęli prezent i zostali zmuszeni do wystawienia go, ale nie w Luwrze (jak to możliwe!), Ale w jednej z sal Pałacu Luksemburskiego, gdzie obraz przebywał przez szesnaście lat. Został przeniesiony do Luwru dopiero w 1907 roku. Dokładnie czterdzieści lat później, w 1947 roku, kiedy w Paryżu otwarto Muzeum Impresjonizmu (na jego bazie powstała później kolekcja Musée d'Orsay), osiedliła się tam Olympia. I teraz koneserzy zamierają w zachwycie przed kobietą, którą artysta, jak mówi Zola, „rzucił na płótno w całej swej młodzieńczej urodzie”.

Rafał Santi „Fornarina” 1518-1519 Galleria Nazionale d'Arte Antica. Palazzo Barberini w Rzymie

Uważa się, że to Raphael uchwycił ją na obraz słynnej „Madonny Sykstyńskiej”. To prawda, mówią, że w życiu Margarita Luti wcale nie była bezgrzeszna ...

Zanim ta kobieta pojawiła się w losach Rafaela Santiego, był już sławny i bogaty. Co do dokładnej daty ich spotkania, krytycy i historycy sztuki wciąż nie są zgodni, ale przekazywane są legendy na piśmie i ustnie, które na przestrzeni minionych stuleci zostały uzupełnione wieloma szczegółami. Niektórzy biografowie artysty twierdzą, że poznali się zupełnie przypadkowo, gdy pewnego wieczoru Rafael spacerował brzegiem Tybru. Warto dodać, że właśnie w tym okresie działał on na zlecenie Agostino Chigi, szlachetnego rzymskiego bankiera, który zaprosił wybitnego malarza do pomalowania ścian swojego pałacu w Farnesino. Zdobiły je już wątki „Trzech Gracji” i „Galatei”. A z trzecim - „Apollo i Psyche” - pojawiła się trudność: Rafael nie mógł znaleźć modelu obrazu starożytnej bogini. I tak nadarzyła się okazja. "Znalazłem ją!" - wykrzyknął artysta, widząc idącą w jego stronę dziewczynę. Uważa się, że tymi słowami rozpoczęła się nowa era w jego życiu osobistym. Okazało się, że młoda piękność miała na imię Margherita i była córką piekarza Francesco Luti, który wiele lat temu przeprowadził się z małej słonecznej Sieny do Rzymu. „O tak, jesteś piękną fornariną, piekarzem!” - powiedział Raphael (przetłumaczony z włoskiego fornaro lub fornarino - piekarz, piekarz) i od razu zaprosił ją do pozowania do przyszłego arcydzieła. Ale Margarita nie odważyła się wyrazić zgody bez uzyskania zgody ojca. A on z kolei jest narzeczonym córki Tomaso. Jak pokazało doświadczenie, solidna suma podarowana przez Rafaela ojcu Lutiego odniosła skutek bardziej wymowny niż jakiekolwiek słowa: otrzymawszy trzy tysiące sztuk złota, chętnie pozwolił swojej dziewczynie służyć sztuce dzień i noc. Sama Margarita-Fornarina z przyjemnością wypełniała wolę rodziców, bo choć była bardzo młoda (uważa się, że miała zaledwie siedemnaście lat), kobieca intuicja podpowiadała, że ​​sławny i bogaty artysta jest w niej zakochany. I wkrótce dziewczyna przeniosła się do willi (prawdopodobnie przy Via di Porta Settimiana), którą Rafael wynajął specjalnie dla niej. Mówią, że od tego czasu się nie rozstali. Nawiasem mówiąc, teraz pod tym adresem znajduje się hotel Relais Casa della Fornarina, którego strona internetowa twierdzi, że ukochany Rafaela mieszkał tu w XVI wieku. To prawda, nie na długo: ponieważ chęć spędzenia czasu w jej towarzystwie przeszkadzała w pracy, Chigi zasugerował, aby mistrz osiedlił Margaritę obok niego w Farnesino. I tak zrobił.

Kupidynie, umrzyj oślepiającym blaskiem

Dwoje cudownych oczu zesłanych przez ciebie.

Obiecują albo zimno, albo letnie upały,

Ale nie mają w sobie ani odrobiny współczucia.

Gdy tylko poznałem ich urok,

Jak stracić wolność i spokój.

Rafał Santi

Dziś trudno rozstrzygnąć, co w tej historii jest prawdą, a co fikcją, ponieważ według niektórych źródeł zaczęła się ona w 1514 roku, czyli prawie pół tysiąca lat temu. Nie ma również potwierdzenia, czy ta kobieta jest przedstawiona na innych płótnach artysty, na przykład „Donna Valeta”. Choć studenci brali udział w powstaniu wielu monumentalnych dzieł Rafaela, można przypuszczać, że Fornarinę, podobnie jak Madonnę Sykstyńską, napisał osobiście. Zapewne dlatego stojąc przed „Madonną” wiele lat później w sali drezdeńskiej Galerii Sztuki rosyjski poeta Wasilij Żukowski zauważył: „Jeżeli dusza ludzka raz doznała takiego objawienia, nie może się to powtórzyć”. Można się tylko domyślać, że płótno zostało namalowane przez Margheritę Luti, jak mówi wiele źródeł: w „Biografiach”, opracowanych przez autorytatywnego biografa renesansu, Giorgio Vasariego, ta nazwa nie jest wymieniona. Jest tylko takie zdanie: „Marcantonio wykonał dla Rafaela o wiele więcej rycin, które podarował swemu uczniowi Baviera, który był przydzielony do kobiety, którą kochał aż do śmierci, której najpiękniejszy portret, na którym wydaje się, że żyje, znajduje się teraz z najszlachetniejszy Matteo Botti, kupiec z Florencji; traktuje ten portret jak relikt, z miłości do sztuki, a szczególnie do Rafaela”. I więcej - ani słowa. Wieki później jeden z czytelników Vasariego napisał na marginesie naprzeciw tych wierszy, że miała na imię Margarita: dama została ochrzczona jako Fornarina w XVIII wieku.

Ale plotki nie da się powstrzymać. „Piękna jak Madonna Rafaela!” - a teraz mówią ci, którzy chcą opisać prawdziwe piękno. Ale współcześni Rafaelowi zapewniali, że czarodziej, o którym mowa, nie wyróżniał się czystością: w czasach, gdy zajęty pracą maestro był nieobecny, z łatwością znalazła dla niego zastępstwo, umilając czas w ramionach któregoś z jego uczniów lub bankiera samego siebie. Współobywatele mistrza byli przekonani, a potem zapewniali o tym cały świat, że Rafael zmarł w jej ramionach z powodu niewydolności serca. Stało się to 6 kwietnia 1520 roku, artysta miał zaledwie trzydzieści siedem lat.

Czy ci się to podoba, czy nie, jest mało prawdopodobne, aby wiedzieć. Wiadomo jednak na pewno, że Rafael nie odpowiedział na propozycję swego przyjaciela kardynała Bernarda Divizio di Bibbiena, który według Vasariego od wielu lat błagał go o poślubienie jego siostrzenicy. Jednak Rafał „nie odmawiając bezpośredniego spełnienia pragnienia kardynała, przeciągał sprawę. Tymczasem powoli oddawał się przyjemnościom miłosnym więcej, niż powinien, aż pewnego dnia, przekroczywszy granice, wrócił do domu w gwałtownej gorączce. Lekarze myśleli, że się przeziębił i nieumyślnie wykrwawili go, w wyniku czego bardzo osłabł”. Medycyna była bezsilna.

„Fornarina” wyruszyła w samodzielną podróż: po raz pierwszy w zbiorach Sforza Santa Fiora mowa jest o pracy przedstawiającej nagą kobietę ze słów osoby, która ją widziała. Na lewym ramieniu ma bransoletkę z napisem „Raphael of Urbinsky”, co dało początek identyfikacji modelki z legendarnym kochankiem. Znajduje się w funduszach Palazzo Barberini od 1642 roku. Badania rentgenowskie wykazały, że to płótno zostało później „poprawione” przez ucznia Rafaela, Giulio Romano.

„Raphael osiągnąłby wspaniały sukces w kolorowaniu, gdyby jego ognisty dodatek, który nieustannie pociągał go do miłości, nie spowodował przedwczesnej śmierci” – napisał jeden z wielbicieli jego twórczości. „Tu spoczywa wielki Rafał, za życia którego natura bała się porażki, a po jego śmierci bała się umrzeć” – głosi epitafium wyryte na jego nagrobku w Panteonie.

Gustav KLIMT „Legenda” 1883 Wien Museum Karlsplatz, Wiedeń

Gustav Klimt słynie z dziwacznych przedstawień nagich dam: na początku XX wieku jego obrazy, wyróżniające się szczerym erotyzmem, szokowały wyrafinowaną wiedeńską publiczność, a strażnicy moralności nazywali je pornograficznymi.

Ale nie zawsze tak było: jedno z pierwszych zamówień, które początkujący artysta otrzymał od wydawcy Martina Gerlacha - wykonanie ilustracji do książki „Alegorie i emblematy” - zostało wykonane przez młodego Gustava samodzielnie i prawdopodobnie w całości zgodnie z jego wymaganiami i wyobrażeniami o pięknie. W każdym razie nie zachowały się informacje o reklamacjach Gerlacha. Chociaż centrum fabuły stanowi naga piękność. Tacy krytycy nagości nazywali się prawie czystymi. „Nawet w swoich wczesnych obrazach Klimt dawał kobiecie honorowe miejsce: od tego czasu nigdy nie przestał jej śpiewać. Posłuszne bestie są dekorowane u stóp niesamowitej, zmysłowej bohaterki, która traktuje ich posłuszeństwo jako coś oczywistego” – rozkoszowali się własną elokwencją. I wyjaśnili, jak mówią, autor potrzebował zwierząt tylko po to, aby pokazać tę pierwszą zmysłową Ewę w jak najkorzystniejszym świetle. Bajka - tak nazywa się obraz w oryginale. W rosyjskim tłumaczeniu znany jest pod różnymi nazwami: „Legenda”, „Bajka”, „Bajka”. Jedyne, co pozostaje niezmienione, to reakcja publiczności, której trudno uwierzyć, że to dzieło Gustava Klimta – skandalicznego erotomana, geniusza i „zboczonego dekadenta”, jak nazywali go współobywatele . Ale od tego czasu wiele się zmieniło - w tym jego styl artystyczny.

„On sam wyglądał jak niezdarny plebejusz, który nie potrafił połączyć dwóch słów. Ale jego ręce potrafiły zamienić kobiety w cenne storczyki wyłaniające się z głębi magicznego snu ”- wspominał jeden ze znajomych artysty. To prawda, że ​​\u200b\u200bnie wszyscy współcześni Klimtowi podzielali jej opinię. W końcu to właśnie „obsceniczny” wizerunek kobiecego aktu wywołał jeden z najgłośniejszych skandali w sztuce. Miało to miejsce w Wiedniu siedem lat po powstaniu Bajki, w przeddzień 1900 roku, kiedy to młody malarz zaprezentował publiczności, a co najważniejsze klientom – szanowanym profesorom Uniwersytetu Wiedeńskiego – obrazy „Filozofia”, „Medycyna ” i „Orzecznictwo”: miały ozdobić sufit głównego budynku Świątyni Nauk. Przyglądając się płótnom znawcy byli zszokowani „brzydotą i nagością” i od razu oskarżyli autora o „pornografię, nadmierną perwersję i demonstrowanie triumfu ciemności nad światłem”. Ta rażąca sprawa była omawiana nawet w parlamencie! Nawoływania profesora sztuki Franza von Wickhoffa, jedynej osoby, która próbowała bronić Klimta w legendarnym wykładzie „Co jest brzydkie?”, nikt nie słuchał. W rezultacie płótna nie były eksponowane w gmachu uczelni. Jednak ta historia pomogła Gustavowi wyciągnąć ważny wniosek: niezależność twórcza to jedyny sposób na zachowanie oryginalności. „Dość cenzury. poradzę sobie sama. Chcę być wolny. Chcę pozbyć się tych wszystkich głupich drobiazgów, które utrudniają mi pracę i odzyskać ją. Odrzucam wszelką pomoc i zamówienia rządowe. Oddaję wszystko” – powiedział kilka lat później w jednym z wywiadów. I zwrócił się do rządu z prośbą o pozwolenie na odkupienie zhańbionego dzieła. „Wszystkie ataki krytyki prawie mnie wtedy nie dotknęły, a poza tym nie sposób było odebrać mi szczęścia, którego doświadczałem podczas pracy nad tymi utworami. Ogólnie nie jestem zbyt wrażliwa na ataki. Ale staję się dużo bardziej otwarty, jeśli rozumiem, że ten, kto zamówił moją pracę, jest z niej niezadowolony. Jak w przypadku zacierania obrazów” – wyjaśnił w rozmowie z wiedeńskim dziennikarzem. Jego prośba została spełniona przez rząd. Później obrazy trafiły do ​​prywatnych kolekcji, ale pod koniec II wojny światowej zostały spalone przez wycofujące się oddziały SS na zamku Immerhof, gdzie były następnie przechowywane. Sam Klimt o tym nie wiedział, ponieważ wszystko to wydarzyło się, gdy mistrz już nie żył.

Każda sztuka jest erotyczna.

Adolfa Loosa

Na szczęście w XX wieku reakcja publiczności nie ostudziła jego zapału: postawił na panie - to one przyniosły mu upragnioną wolność. Chociaż pragnienie „odważnego namalowania Ewy - pierwowzoru wszystkich kobiet - we wszystkich możliwych pozach, dla których to nie jabłko jest przedmiotem pokusy, ale jej ciało”, nigdy nie zniknęło, Gustav wolał zarabiać tworząc portrety partnerek życiowych magnatów wiedeńskich. Tak powstała słynna „Galeria żon”, która przyniosła Klimtowi nie tylko pieniądze, ale i sławę: Sonya Knips, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer – mistrz wiedział, jak zadowolić zamożnych mieszkańców Wiednia. Przedstawiał ich bliskich jako nieskończenie czarujących, ale z odrobiną wyniosłości. Raz nadał te cechy kobiecie z wyższych sfer, powtarzał tę technikę więcej niż raz. Tak więc „femme fatales, erotyka i estetyka” stały się znakiem rozpoznawczym Klimta.

Artystce na szczęście nie brakowało modeli – nagich lub ubranych w luksusowe stroje. Chociaż o jego kochającej naturze krążyły legendy, przez dwadzieścia siedem lat wierną towarzyszką Gustawa była Emilia Flöge, projektantka mody i właścicielka domu mody. To prawda, powiedzieli, że łączy ich tylko wzruszająca przyjaźń, a związek pary był wyłącznie platoniczny. A jednak uważa się, że to ją i siebie uchwycił w słynnym „Pocałunku”.

Kto zainspirował cechy piękności z Fable prawdopodobnie pozostanie tajemnicą - jedną z tych, które Klimt tak uwielbiał tworzyć. „Każdy, kto chce wiedzieć coś o mnie jako artyście – a to wszystko, co mnie interesuje – powinien uważnie przyjrzeć się moim obrazom” – radził. Być może naprawdę ukrywają odpowiedzi na wszystkie pytania.

Dante Gabriel Rossetti „Wenus wertykalna” 1864-1868 Galeria i muzeum sztuki Russell-Cotes w Bournemouth

Dante Gabriel Rossetti zasłynął jako jeden z założycieli Bractwa Prerafaelitów, oryginalny poeta i artysta, który stworzył serię erotycznych portretów kobiet. A także - oburzające wybryki, które wysadziły społeczeństwo purytańskie.

"Gdybyś go znał, pokochałbyś go, a on pokochałby ciebie - wszyscy, którzy go znali, pasjonowali się nim. Był zupełnie inny niż wszyscy ludzie" - powiedziała o Rossettim Jane Burden Morris, która przez wiele lat zajmowała się miejsce ukochanej kobiety i modelki Dantego, ale nie tylko ona...

Historia zaczęła się w październiku 1857 roku, kiedy Jane i jej siostra Elizabeth udały się do londyńskiego Drury Lane Theatre. Tam została zauważona przez Rossettiego i jego kolegę Edwarda Burne-Jonesa. Współcześni zauważyli, że Jenny - jak zaczęli ją nazywać jej prerafaelici przyjaciele - nie różniła się tradycyjnym pięknem, ale przyciągała uwagę swoją odmiennością od innych. „Co za kobieta! Jest cudowna we wszystkim. Wyobraź sobie wysoką, szczupłą damę w długiej sukni z matowej fioletowej tkaniny, z naturalnej materii, z burzą kręconych czarnych włosów opadających wielkimi falami na jej skronie, drobną i bladą twarzą, dużymi ciemnymi oczami, głębokimi... grube, czarne łukowate brwi. Wysoka otwarta szyja w perłach, a na końcu sama doskonałość ”- podziwiał jeden ze znajomych. Uderzająco różniła się od „klasycznych” świeckich młodych dam - i to pobudzało wyobraźnię prerafaelitów, którzy deklarowali niechęć do przestrzegania praw malarstwa akademickiego. Mówią, że zauważając ją, Rossetti wykrzyknął: „Niesamowity widok! Przepiękny!" A potem zaprosił dziewczynę do pozowania. Inni artyści docenili jego wybór i prześcigali się w zapraszaniu Jane z domu Burden na swoje sesje. Nietrudno się domyślić, jak zareagowała na to oficjalna muza prerafaelitów Elżbieta Siddal, która przez wiele lat nosiła ten tytuł. W końcu Lizzy była także konkubiną Rossettiego: obiecał legitymizować ich związek. Wszyscy wiedzieli o tym namiętnym i bolesnym romansie dla obojga. Jak również fakt, że kochający Dante przez te wszystkie lata był „inspirowany” w ramionach innych modeli. Doświadczenia okaleczyły słabe zdrowie Siddal, które w pełnym tego słowa znaczeniu poświęciła sztuce. Mówiono, że pozując w 1852 roku do słynnego obrazu Johna Millaisa „Ofelia”, spędziła wiele godzin z rzędu w wannie z wodą, przedstawiając utopioną Ofelię. Stało się to zimą i zgasła lampa, która podgrzewała wodę. Dziewczyna przeziębiła się i poważnie zachorowała. Uważa się, że do leczenia przepisano jej lek na bazie opium. Trzeba przyznać Dantemu, że dotrzymał danego jej słowa, poślubiając Lizzie w maju 1860 roku. A w lutym 1862 roku odeszła. Elżbieta zmarła z powodu przedawkowania opium, które wzięła, by uśmierzyć ból: krótko przed tym straciła dziecko, a jej związek z Rossettim poszedł nie tak. Nie udało się ustalić, czy jej śmierć była tylko śmiertelnym wypadkiem.

Ale czas mijał: Jane Burden była w pobliżu. I chociaż była już żoną Williama Morrisa, „delikatna” przyjaźń z Rossettim trwała. Legalny małżonek był ponad konwencjami i nie ingerował w związek. Być może sam je „przepowiedział”? W końcu jedynym obrazem ukończonym przez Morrisa jest Jane na obrazie „Królowej Ginevry”: jak wiadomo, ta dama była żoną króla Artura, który według jednej wersji stał się ukochanym jego rycerza Lancelota. Tak czy inaczej, to Jane przywróciła Dantego do życia, budząc w nim pragnienie tworzenia. Kilka lat później zdecydował się na publikację swojej wczesnej twórczości poetyckiej. Niestety, nie pozostały żadne szkice sonetów, a potem dokonał czynu, o którym od dawna mówił cały Londyn: przeprowadził ekshumację i wydobył na światło dzienne zaginione niegdyś rękopisy. „Jego sonety są przesiąknięte treścią mistyczno-erotyczną” — odpowiadali krytycy, a czytelnicy przyjmowali to z zachwytem.

Życie toczyło się dalej i teraz Jane, jak niegdyś Elżbieta, pojawiła się na niemal każdym jego płótnie, dzięki czemu weszła do historii malarstwa. Jednak czy słynna „Venus Verticordia” – „Wenus, która przemienia serca” zachowuje swoje rysy, pozostaje tajemnicą. W tym czasie Rossetti miał inny ulubiony model: dziewczyna miała na imię Alexa Wilding, chociaż wszyscy nazywali ją Alice. Uważa się, że w styczniu 1868 roku obraz ten został przemalowany z twarzą Wildinga, chociaż gospodyni artysty Fanny Cornforth pozowała do Wenus. Czy tak jest - tajemnica, jedna z tych, które zabrał ze sobą Rossetti. Zaskakująca jest jeszcze jedna rzecz: Venus Verticordia to nazwa starożytnego rzymskiego kultu i wizerunków bogini Wenus, „odwracającej” serca ludzi „od żądzy do czystości”. A praca o tej samej nazwie jest prawie jedynym przykładem nagości w twórczości Rossettiego. Nawiasem mówiąc, panna Alexa Wilding jest także jedną z niewielu muz Dantego, z którymi mistrz nie miał związku miłosnego.

Tycjan Vecellio Wenus z Urbino 1538 Galeria Uffizi, Florencja

Venus Pudica - "Wenus czysta", "wstydliwa", "skromna" - takie wizerunki bogini miłości nazywali współcześni Tycjanowi. „Dziewczyna mająca na sobie tylko pierścionek, bransoletkę i kolczyki z ubrania, jeśli jest trochę zawstydzona, to jest w pełni świadoma swojej urody” – mówią dziś o urodzie. A ta historia zaczęła się 475 lat temu.

Kiedy wiosną 1538 roku książę Guidobaldo II della Rovere wysłał kuriera do Wenecji, otrzymał jasne instrukcje, by nie wracać bez obrazów zamówionych u Tycjana. Z korespondencji księcia wiadomo, że był to portret samego Guidobalda i niejakiej la donna nuda, „nagiej kobiety”. Jak widać, sługa wykonał dobrą robotę - Guidobaldo, który później został księciem Urbino, nabył płótna, a naga łaska na obrazie - nowe imię: „Wenus z Urbinsky”.

W Wenecji - cała doskonałość piękna! Pierwsze miejsce daję jej obrazowi, którego chorążym jest Tycjan.

Diego Velazqueza

W tym czasie Tycjan Vecellio, który miał około pięćdziesięciu lat, był od dawna znany jako najsłynniejszy mistrz i nosił tytuł pierwszego artysty Republiki Weneckiej. Wybitni współobywatele ustawili się w kolejce, chcąc mieć własny portret w jego wykonaniu. „Z niesamowitą wnikliwością artysta przedstawił swoich współczesnych, uchwycił najróżniejsze, czasem sprzeczne cechy ich postaci: pewność siebie, dumę i godność, podejrzliwość, hipokryzję, oszustwo” – zauważyli XIX-wieczni krytycy sztuki. „Kiedy próbujesz sobie wyobrazić Tycjana, widzisz człowieka szczęśliwego, najszczęśliwszego i najlepiej prosperującego, jaki kiedykolwiek był wśród jego rodzaju, który otrzymał tylko łaski i szczęście z nieba… Przyjmował w domu królów, dożów, papieża Pawła III i wszyscy władcy włoscy, bombardowani rozkazami, sowicie opłacani, pobierający pensje i umiejętnie wykorzystujący jego szczęście. Prowadzi dom z rozmachem, wspaniale się ubiera, zaprasza do swojego stołu kardynałów, szlachtę, największych artystów i najbardziej utalentowanych naukowców swoich czasów ”- pisał o nim na początku XIX wieku francuski historyk Hippolyte Taine. Taka była prawdopodobnie opinia bogatych Wenecjan. Pewnie zastanawiali się, dlaczego ten ulubieniec losu miał tak mało romansów. Rzeczywiście, podczas długiego życia Tycjana kojarzone są z nim tylko trzy imiona żeńskie. A nawet wtedy dwóch z nich najprawdopodobniej tylko po to, by stworzyć piękną romantyczną historię. Wiadomo na pewno, że jego żoną była tylko Cecylia Soldano, którą poślubił w 1525 roku, mieszkając z nią przez kilka lat przed ślubem w „ślubie cywilnym”. A w 1530 roku zmarła, pozostawiając mężowi dzieci. Trudno powiedzieć, czy malował portrety Cecylii prawdziwe, czy w postaci mitycznych piękności, ale pamięć o tej kobiecie zachował. To do niego, znamienitego i sławnego Vecellio, umiłowanego życia, mądrego doświadczeniem zwycięstw i porażek, zwrócił się książę Guidobaldo...

Przez prawie pół tysiąca lat, które upłynęło od narodzin bogini Tycjana, historycy sztuki badali prawdopodobnie każdy ruch jej luksusowego ciała, ale nigdy nie dowiedzieli się, kto służył jako model. Ktoś wierzy, że na płótnie przedstawiona jest młoda żona Guidobaldo Giulia Varano. Inni nie mają wątpliwości: maestro pozował... matka księcia, Eleonora Gonzaga. W swoich założeniach odwołują się do podobieństwa „Wenus” do portretu Eleonory pędzla Tycjana oraz do tego, że oba płótna przedstawiają „tego samego psa zwiniętego w kłębek”. Niektórzy z nich umieszczają każdy element otoczenia damy na półkach, a wszystko to ich zdaniem uosabia więzi małżeńskie. Bukiet róż w dłoni to atrybut Wenus, pies u stóp to symbol oddania, a pokojówki przy piersi z ubraniami i kwiatem w otworze okiennym – aby stworzyć atmosferę intymności i ciepła. Chętnie nazwali też to dzieło „alegorycznym portretem słynnej arystokratki -„ domowej bogini ”, oddającej wenecki luksus i zmysłowość. Prawdopodobnie Tycjan chciał opowiedzieć w swoim obrazie o seksualności, łącząc ekscytujący erotyzm z cnotami małżeństwa, a przede wszystkim z wiernością, którą przedstawia pies ”- argumentują. Inni cynicznie zapewniają, jak mówią, na łożu we wnętrzu książęcych komnat - dama z półświatka: kurtyzana. Przedstawiciele tego zawodu w XVI wieku zajmowali wysoką pozycję społeczną i dzięki staraniom malarzy często pozostawali w wieczności. Ale teraz to nie ma znaczenia. Ważna jest jeszcze jedna rzecz: dzieło Tycjana zrodziło utalentowanych naśladowców – Albertiego, Tintoretto, Veronese. Sama Wenus z Urbińskiej, 325 lat później - w 1863 roku - zainspirowała jego młodszego kolegę Edouarda Maneta do stworzenia niesamowitej Olimpii. A reszta - i pięćset lat później podziwiaj talent geniusza, pocałowanego przez Boga.

Światowa historia sztuk pięknych pamięta wiele niesamowitych przypadków związanych z powstaniem i dalszymi perypetiami słynnych obrazów. Dzieje się tak dlatego, że dla prawdziwych artystów życie i praca są ze sobą zbyt ściśle powiązane.

Krzyk Edvarda Muncha

Rok powstania: 1893
Materiały: karton, olej, tempera, pastel
Lokalizacja: Galeria Narodowa,

Słynny obraz „Krzyk” norweskiego artysty ekspresjonistycznego Edvarda Muncha jest ulubionym tematem dyskusji mistyków na całym świecie. Niektórym wydaje się, że płótno przepowiadało straszne wydarzenia XX wieku z jego wojnami, katastrofami ekologicznymi i Holokaustem. Inni są pewni, że obraz przynosi nieszczęście i chorobę sprawcom.

Życie samego Muncha trudno nazwać pomyślnym: stracił wielu krewnych, był wielokrotnie leczony w klinice psychiatrycznej i nigdy nie był żonaty.

Nawiasem mówiąc, artysta czterokrotnie reprodukował obraz „Krzyk”.

Istnieje opinia, że ​​\u200b\u200bjest wynikiem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał Munch. Tak czy inaczej widok zdesperowanego mężczyzny z dużą głową, otwartymi ustami i rękami przy twarzy wciąż szokuje każdego, kto dziś ogląda płótno.

„Wielki Masturbator” Salvadora Dali

Rok powstania: 1929
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Centrum Sztuki Reina Sofia,

Opinia publiczna zobaczyła obraz „Wielki masturbator” dopiero po śmierci szokującego mistrza i najsłynniejszego surrealisty Salvadora Dali. Artysta trzymał go we własnej kolekcji w Dali Theatre Museum w Figueres. Uważa się, że niezwykłe płótno może wiele powiedzieć o osobowości autora, w szczególności o jego bolesnym stosunku do seksu. Jednak możemy tylko zgadywać, jakie motywy faktycznie kryją się w obrazie.

Przypomina to układanie rebusu: pośrodku obrazu znajduje się kanciasty profil skierowany w dół, podobny albo do samego Dali, albo do skały na wybrzeżu katalońskiego miasta, a w dolnej części wznosi się naga kobieca postać. głowa - kopia kochanki artysty Gala. Na obrazie pojawiają się także szarańcza, która wywołała u Dali niewytłumaczalny strach, oraz mrówki – symbol rozkładu.

„Rodzina” Egona Schielego

Rok powstania: 1918
Materiały: olej, płótno
Miejsce: Galeria Belvedere,

Kiedyś piękny obraz austriackiego artysty Egona Schiele nazwano pornografią, a artysta trafił do więzienia za rzekome uwodzenie nieletniej.

Za taką cenę otrzymał miłość do wzoru swojego nauczyciela. Obrazy Schiele są jednymi z najlepszych przykładów ekspresjonizmu, jednocześnie są naturalistyczne i pełne przerażającej rozpaczy.

Modelkami Schiele były często nastolatki i prostytutki. Ponadto artysta był zafascynowany sobą - jego spuścizna obejmuje szeroką gamę autoportretów. Schiele napisał płótno „Rodzina” na trzy dni przed własną śmiercią, przedstawiając swoją ciężarną żonę, która zmarła na grypę, oraz ich nienarodzone dziecko. Być może nie jest to najdziwniejsze, ale zdecydowanie najbardziej tragiczne dzieło malarza.

„Portret Adele Bloch-Bauer” Gustava Klimta

Rok powstania: 1907
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Nowa Galeria,

Historię powstania słynnego obrazu austriackiego artysty Gustava Klimta „Portret Adele Bloch-Bauer” można słusznie nazwać szokującym. Żona austriackiego magnata cukrowniczego Ferdynanda Blocha-Bauera została muzą i kochanką artysty. Chcąc zemścić się na nich obojgu, zraniony mąż zdecydował się na oryginalną metodę: zamówił u Klimta portret swojej żony i nękał go niekończącymi się docinkami, zmuszając do wykonania setek szkiców. Ostatecznie doprowadziło to do tego, że Klimt stracił dawne zainteresowanie swoim modelem.

Prace nad obrazem trwały kilka lat, a Adele patrzyła, jak zanikają uczucia jej kochanka. Podstępny plan Ferdynanda nigdy nie został ujawniony. Dziś „austriacka Mona Lisa” jest uważana za narodowy skarb Austrii.

Czarny supermatyczny kwadrat Kazimierza Malewicza

Rok powstania: 1915
Materiały: olej, płótno
Miejsce: Państwowa Galeria Trietiakowska,

Minęło prawie sto lat, odkąd rosyjski artysta awangardowy Kazimierz Malewicz stworzył swoje słynne dzieło, a spory i dyskusje nie ustają do dziś. Pojawiając się w 1915 roku na futurystycznej wystawie „0,10” w „czerwonym rogu” sali przeznaczonej na ikonę, obraz zaszokował publiczność i na zawsze wychwalał artystę. To prawda, że ​​dziś niewiele osób wie, że obrazy supermatyczne to malarstwo nieobiektywne, w którym kolor rządzi piłką, a „Czarny kwadrat” w rzeczywistości nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy.

Nawiasem mówiąc, jedna z wersji historii powstania płótna mówi: artysta nie miał czasu dokończyć pracy nad obrazem, więc był zmuszony pokryć dzieło czarną farbą, w tym momencie jego przyjaciel wszedł do warsztatu i wykrzyknął: „Wspaniale!”.

„Pochodzenie świata” Gustave'a Courbeta

Rok powstania: 1866
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Musee d'Orsay,

Obraz francuskiego malarza realisty Gustave'a Courbeta przez bardzo długi czas uważany był za niezwykle prowokacyjny i przez ponad 120 lat nie był znany szerszej publiczności. Naga kobieta leżąca na łóżku z wyciągniętymi nogami, a dziś wywołuje niejednoznaczną reakcję publiczności. Z tego powodu w Musee d'Orsay jeden z pracowników pilnuje obrazu.

W 2013 roku francuski kolekcjoner ogłosił, że w jednym z paryskich antykwariatów natknął się na fragment obrazu, na którym widoczna jest głowa modelki. Eksperci potwierdzili przypuszczenie, że dla artysty pozowała Joanna Hiffernan (Joe). Podczas pracy nad obrazem miała romans z uczniem Courbeta, artystą Jamesem Whistlerem. Zdjęcie sprowokowało ich rozstanie.

„Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów” Joana Miro

Rok powstania: 1935
Materiały: olej, miedź
Miejsce: Fundacja Joana Miro,

Rzadki widz, patrząc na obraz hiszpańskiego artysty i rzeźbiarza Joana Miro, skojarzyłby się z okropnościami wojny domowej. Ale to właśnie okres przedwojennych niepokojów w Hiszpanii w 1935 roku stał się tematem obrazu o obiecującym tytule „Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów”. To zdjęcie to zapowiedź.

Przedstawia absurdalną parę „jaskiniową”, która jest do siebie przyciągana, ale nie może się ruszyć. Powiększone genitalia, jadowite kolory, rozrzucone postacie na ciemnym tle – wszystko to zapowiadało, zdaniem artysty, zbliżające się tragiczne wydarzenia.

Większość obrazów Joana Miro to prace abstrakcyjne i surrealistyczne, a ich nastrój jest radosny.

„Lilie wodne” Claude’a Moneta

Rok założenia: 1906
Materiały: olej, płótno
Miejsce: zbiory prywatne

Kultowy obraz francuskiego impresjonisty Claude'a Moneta „Lilie wodne” cieszy się złą sławą – nieprzypadkowo nazywa się go „niebezpiecznym ogniem”. Ten ciąg podejrzanych zbiegów okoliczności wciąż zaskakuje wielu sceptyków. Pierwszy przypadek miał miejsce właśnie w pracowni artysty: Monet i jego przyjaciele świętowali zakończenie pracy nad obrazem, gdy nagle wybuchł mały pożar.

Obraz udało się uratować, wkrótce kupili go właściciele kabaretu na Montmartre, ale niecały miesiąc później instytucja również ucierpiała z powodu silnego pożaru. Kolejną „ofiarą” płótna był paryski filantrop Oscar Schmitz, którego biuro spłonęło rok po zawieszeniu tam „Lilii wodnych”. I znowu zdjęcie udało się przetrwać. W tym roku prywatny kolekcjoner kupił lilie wodne za 54 miliony dolarów.

Dziewczyny z Awinionu – Pablo Picasso

Rok powstania: 1907
Materiały: olej, płótno
Miejsce: Muzeum Sztuki Nowoczesnej,

„Wygląda na to, że chciałeś nas nakarmić holownikiem lub benzyną do picia” — powiedział Georges Braque, przyjaciel Picassa, o obrazie „Dziewczyny z Awinionu”. Płótno naprawdę stało się skandaliczne: publiczność uwielbiała stare, delikatne i smutne dzieła artysty, a gwałtowne przejście do kubizmu spowodowało wyobcowanie.

Kobiece postacie o szorstkich męskich twarzach i kanciastych rękach i nogach były zbyt dalekie od pełnej wdzięku „Dziewczyny na balu”.

Przyjaciele odwrócili się od Picassa, Matisse był bardzo niezadowolony z obrazu. Jednak to „Dziewczyny z Awinionu” wyznaczyły nie tylko kierunek rozwoju twórczości Picassa, ale w ogóle przyszłość sztuki pięknej. Oryginalny tytuł płótna to „Filozoficzny burdel”.

„Portret syna artysty” Michaiła Wrubela

Rok powstania: 1902
Materiały: akwarela, gwasz, ołówek grafitowy, papier
Miejsce: Państwowe Muzeum Rosyjskie,

Genialny rosyjski artysta przełomu XIX i XX wieku, Michaił Wrubel, odnosił sukcesy w prawie wszystkich rodzajach sztuk pięknych. Jego pierworodna Savva urodziła się z „rozszczepem wargi”, co głęboko zdenerwowało artystę. Vrubel szczerze przedstawił chłopca na jednym ze swoich płócien, nie próbując ukryć swojej wrodzonej deformacji.

Delikatna tonacja portretu nie czyni go pogodnym - czyta się w nim szok. Samo dziecko jest przedstawione z uderzająco mądrym, niedziecięcym spojrzeniem. Wkrótce po ukończeniu malowania dziecko zmarło. Od tego momentu w życiu artysty, który przeżywał tragedię, rozpoczął się „czarny” okres choroby i szaleństwa.

Zdjęcie: thinkstockphotos.com, flickr.com

Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warrena Changa

Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.

Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest stworzenie nastroju i emocji w jego realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.

Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.

Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna miała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i podmiotowego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.

Alicja Monks

Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, aw 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w nowojorskiej Akademii Sztuki, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.

„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru — częściami ludzkiego ciała.

Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.

Antoni Finelli

włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.

Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika twarzy wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i renesansowym realizmem. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1998 roku zamieszkał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.

Regularnie bierze udział w wystawach sztuki, w tej chwili było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysowanie ołówkiem to jedna z jego ulubionych technik malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.

W sztuce istnieją odwieczne motywy. Jednym z nich jest temat kobiety, temat macierzyństwa. Każda epoka ma swój ideał kobiety, cała historia ludzkości odzwierciedla się w tym, jak ludzie postrzegali kobietę, jakie mity ją otaczały i pomagały jej tworzyć. Dokładnie jedno - we wszystkich epokach i czasach Kobiecy charakter przyciągał, przyciąga i będzie przyciągał szczególną uwagę artystów.

Wizerunki kobiet tworzone w sztuce portretowej niosą poetycki ideał w harmonijnej jedności jego duchowych właściwości i wyglądu zewnętrznego. Z portretów możemy ocenić, jak na wygląd kobiety, jej magazyn mentalny wpływają wydarzenia towarzyskie, moda, literatura, sztuka i samo malarstwo.

Przedstawiamy różnorodne obrazy kobiet w malarstwie w różnych kierunkach

REALIZM

Istotą kierunku jest jak najdokładniejsze i obiektywne utrwalenie rzeczywistości. Narodziny realizmu w malarstwie kojarzone są najczęściej z twórczością francuskiego artysty Gustave'a Courbeta, który w 1855 roku otworzył w Paryżu swoją osobistą wystawę "Pawilon realizmu". Sprzeciwia się romantyzmowi i akademizmowi. W latach 70. XIX wieku realizm podzielił się na dwa główne obszary - naturalizm i impresjonizm. Przyrodników nazywano artystami, którzy starali się jak najdokładniej uchwycić rzeczywistość fotograficznie.

Iwan Kramskoj „Nieznany”

Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami”

AKADEMIZM

Akademizm wyrósł na zewnętrznych formach sztuki klasycznej. Akademizm ucieleśniał tradycje sztuki antycznej, w której idealizowano obraz natury. Rosyjski akademizm pierwszej połowy XIX wieku charakteryzuje się wzniosłą tematyką, wysokim stylem metaforycznym, wszechstronnością, wielofigurowością i pompatycznością. Popularne były sceny biblijne, pejzaże salonowe i portrety ceremonialne. Mimo ograniczonej tematyki obrazów prace akademików wyróżniały się wysokimi umiejętnościami technicznymi.

Bouguereau „Plejady”

Bouguereau „Nastrój”

Cabanel „Narodziny Wenus”

IMPRESJONIZM

Przedstawiciele stylu starali się uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności w sposób jak najbardziej naturalny i bezstronny, przekazać swoje ulotne wrażenia. Francuski impresjonizm nie poruszał kwestii filozoficznych. Zamiast tego impresjonizm koncentruje się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia. Ich obrazy przedstawiały tylko pozytywne aspekty życia, nie naruszały problemów społecznych, omijały problemy takie jak głód, choroby, śmierć. Odrzucono biblijne, literackie, mitologiczne i historyczne wątki właściwe oficjalnemu akademizmowi. Podejmowali tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarniach i teatrach, rejsów statkiem, plaż i ogrodów. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu.

Boldiniego „Moulin Rouge”

Renoir „Portret Joanny Samary”

Manet „Śniadanie na trawie”

Mayo „RosaBrava”

Lautreca „Kobieta z parasolką”

SYMBOLIZM

Symboliści radykalnie zmienili nie tylko różne rodzaje sztuki, ale także sam stosunek do niej. Ich eksperymentalny charakter, dążenie do innowacji, kosmopolityzm stały się wzorem dla większości współczesnych ruchów artystycznych. Używali symboli, niedopowiedzeń, aluzji, tajemniczości, tajemniczości. Dominującym nastrojem był często pesymizm, pogrążający się w rozpaczy.W przeciwieństwie do innych nurtów w sztuce, symbolika sugeruje wyrażanie „nieosiągalnych”, czasem mistycznych idei, obrazów Wieczności i Piękna.

Redon „Ofelia”

Franz von Stuck „Salome”

Watts „Nadzieja”

Rossetiego „Persefona”

NOWOCZESNY

Art Nouveau dążyło do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych tworzonych dzieł, do włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności. Efektem jest zainteresowanie sztukami użytkowymi: projektowaniem wnętrz, ceramiką, grafiką książkową. Artyści secesyjni czerpali inspirację ze sztuki starożytnego Egiptu i starożytnych cywilizacji. Najbardziej zauważalną cechą secesji było odrzucenie kątów prostych i linii na rzecz gładszych, zakrzywionych linii. Często współcześni artyści opierali swoje rysunki na ornamentach ze świata roślin.

Klimt „Portret Adele Bloch-Bauer I”

Klimt „Danae”

Klimt „Trzy wieki kobiety”

Mucha „Owoce”

EKSPRESJONIZM

Ekspresjonizm jest jednym z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych XX wieku. Ekspresjonizm powstał jako reakcja na najostrzejszy kryzys pierwszej ćwierci XX wieku, pierwszą wojnę światową i późniejsze ruchy rewolucyjne, brzydotę cywilizacji burżuazyjnej, która zaowocowała pragnieniem irracjonalności. Wykorzystano motywy bólu, krzyku, nad obrazem zaczęła dominować zasada ekspresji.

Modiglianiego. Za pomocą ciał i twarzy kobiet próbuje przeniknąć dusze swoich bohaterów. „Interesuje mnie człowiek. Twarz jest najwspanialszym tworem natury. Używam go niestrudzenie – powtórzył.

Modigliani „Śpiący akt”

Schiele „Kobieta w czarnych pończochach”

KUBIZM

Kubizm to modernistyczny nurt w sztukach wizualnych (głównie w malarstwie) pierwszej ćwierci XX wieku, który podkreślał formalne zadanie konstruowania trójwymiarowej formy na płaszczyźnie, minimalizując figuratywne i poznawcze funkcje sztuki. Powstanie kubizmu tradycyjnie datuje się na lata 1906-1907 i wiąże się z twórczością Pabla Picassa i Georgesa Braque'a. W ogóle kubizm był zerwaniem z tradycją sztuki realistycznej, która rozwinęła się w okresie renesansu, w tym z tworzeniem wizualnej iluzji świata na płaszczyźnie. Twórczość kubistów była wyzwaniem dla standardowej urody sztuki salonowej, dla niejasnych alegorii symbolizmu i kruchości malarstwa impresjonistycznego. Wchodząc w krąg ruchów buntowniczych, anarchistycznych, indywidualistycznych, kubizm wyróżniał się wśród nich swoim ciążeniem ku ascetyczności koloru, ku prostym, ciężkim, namacalnym formom i elementarnym motywom.

Picasso „Płacząca kobieta”

Picasso „Gra na mandolinie”

Picasso „Dziewczyny z Awinionu”

SURREALIZM

Podstawowa koncepcja surrealizmu, surrealizm- połączenie snu i rzeczywistości. W tym celu surrealiści zaproponowali absurdalne, sprzeczne zestawienie naturalistycznych obrazów poprzez kolaż i przeniesienie obiektu z przestrzeni pozaartystycznej do przestrzeni artystycznej, dzięki czemu przedmiot otwiera się z nieoczekiwanej strony, właściwości, które nie zostały zauważone poza kontekstem artystycznym się w nim pojawić. Surrealiści inspirowali się ideologią radykalnej lewicy, ale proponowali rozpocząć rewolucję od własnej świadomości. Sztuka została przez nich pomyślana jako główne narzędzie wyzwolenia. Kierunek ten ukształtował się pod wielkim wpływem teorii psychoanalizy Freuda. Surrealizm był zakorzeniony w symbolizmie i początkowo był pod wpływem symbolistycznych artystów, takich jak Gustave Moreau i Odilon Redon. Wielu popularnych artystów było surrealistami, w tym Rene Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.