Jak wiecie, kreatywni ludzie są trochę nie z tego świata… Obrazy niektórych znanych osób są albo szokujące splątanie albo uderzyć w cenie dla zwykłego czarnego kwadratu. Ale artyści, którzy tworzą w stylach z naszej listy, chętniej cię przedstawią ze stratą.
Rysunek części ciała
Niewiarygodne, niektórzy artyści używają części twoje ciało zamiast pędzla. Od rąk i nóg, po klatkę piersiową, a nawet język! Są oczywiście ludzie, którzy używają więcej intymny części ciała, ale nie wchodźmy w taką głębię… Dziwne, ale popularność tak osobliwych artystów tylko wzrasta.
Płyny ustrojowe zamiast farb
Odpady organizmy są wykorzystywane do tworzenia tła i samego siebie krew aby uzupełnić szczegóły. Większość artystów odkryła w sobie pociąg do takiej sztuki w okresie tzw drugi świat wojna. Niektórzy psychologowie przypisują to zaburzeniom psychicznym i traumie z dzieciństwa. Ale artysta, zanurzając się we krwi zwierząt, wymyka się rozsądnemu wyjaśnieniu... Nawiasem mówiąc, kilka razy zostali przeciwko niemu postawieni postępowanie karne.
Brudne samochody zamiast płótna
Chociaż nie najczystszy, ale wyraźnie znacznie więcej przyjemne sztuki niż poprzedni kandydaci. Zgadzam się, o wiele przyjemniej jest widzieć piękno zdjęcie na tylnej szybie samochodu niż banalne „Umyj mnie!”, czy ogólnie wulgarny język. Co więcej, rysunki nie są gorsze światowe arcydzieła.
Fotorealizm
Wreszcie dotarliśmy do sztuki w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu. Artyści tego stylu nie skupiają się na oburzenie lub skandal, ale wyłącznie na twoje umiejętności. Chodzi o to, aby stworzyć rysunek jak najbardziej podobny do fotografia. Detale są niesamowite, bo widać wszystko: od pojedynczych włosków po igły na świerku.
Anamorfoza
Dumny przedstawiciel sztuki współczesnej może poszczycić się naprawdę niesamowitą różnorodnością wariacji. Każdy połączenie kilka powierzchnie może stać się płótnem dla artysty tego stylu. Zadaniem jest zniekształcać rysunek lub napis tak, aby można go było tylko zobaczyć pod pewnym kątem.
Obecnie, aby zobaczyć inspirujące prace sztuka Nie musisz iść do muzeum. Internet umożliwił ludziom docenienie sztuki i czerpanie z niej przyjemności, zapewniając niekończący się strumień arcydzieł. Jednak znalezienie tego, co cię ekscytuje, to zupełnie inna sprawa. Musimy ponownie rozważyć różne rodzaje sztuki, takie jak dzieła sztuki, rzeźby, fotografii i instalacji. A to wcale nie jest łatwe i zajmuje dużo czasu. Dlatego dzisiaj zwrócimy uwagę na niektóre z najpopularniejszych trendów w sztuce ostatnich lat. Od rzeźb książkowych po zapierające dech w piersiach instalacje, to są właśnie trendy, które ludzie nie mogą przestać podziwiać.
1. Rzeźby i instalacje z książek
Od niesamowitych rzeźb książkowych autorstwa Briana Dettmera i Guya Laramee po rozpadające się rzeźby ścienne autorstwa Anouk Kruithof i skomplikowane igloo autorstwa Millera Lagosa. Jeszcze nigdy książki nie były tak popularne w sztuce. Ponieważ coraz więcej osób przechodzi na e-booki, te dzieła sztuki są cenione podwójnie. Są mile widzianym przypomnieniem, że pomimo faktu, że żyjemy w dobie Internetu, książki zawsze będą miały specjalne miejsce.
2. Piękne instalacje parasolowe
Parasole często leżą w szafie aż do deszczu, ale ostatnio coraz częściej pojawiają się w różnych instalacjach na całym świecie. Portugalskie parasole we wszystkich kolorach tęczy, różowa instalacja w Bułgarii – to nie ma chronić ludzi przed zamoknięciem, ale pokazać, jak można tworzyć sztukę ze zwykłych przedmiotów.
3. Interaktywna sztuka uliczna
Sztuka uliczna jest tworzona nie tylko w celach społecznych czy politycznych, ale po prostu po to, by podobać się przechodniom. Od dzieci jeżdżących na rowerach Ernesta Zacharevica po schody metra Panyi Clark, te instalacje są zbudowane z myślą o interaktywności. Celowo lub nawet nieświadomie przechodnie stają się częścią sztuki, nadając nowy wymiar już interesującemu dziełu.
4. Kreatywność stworzona z tysięcy rzeczy
Kreatywność, stworzona z tysiąca rzeczy, zawsze jest interesująca. Płynąca rzeka z książek Luzinterruptusa, jaskrawoczerwony ptak stworzony z guzików i szpilek Ran Hwanga, te instalacje pokazują nam, jak tysiące rzeczy mogą wyglądać w rękach cierpliwych twórców. Kto by pomyślał, że pikselowy portret można by zrobić ołówkami pointylistycznymi, gdyby nie Christian Faur? To dobry przykład pomysłowości w sztuce.
5. Epickie rzeźby z Lego
Podczas gdy plastikowe klocki dla dzieci to klasyczny produkt Lego, niektórzy projektanci używają ich do tworzenia epickich rzeźb. Te niesamowite rzeźby zostały zbudowane bardzo starannie, cegła po cegle - wiktoriański Straszny Dom, podziemna jaskinia Batmana, rzymskie Koloseum, dom Gwiezdnych Wojen - wszystkie są niesamowite.
6. Kreatywność we wszystkich kolorach tęczy
Jedno- lub dwukolorowe kreacje są nudne – co powiecie na kreacje łączące wszystkie kolory tęczy! Twórcy tych instalacji wiedzą, jak wywołać uśmiech. Przejście z tęczowymi oknami Christophera Janneya lub wielobarwne bomby dymne Olafa Breuninga są nie tylko piękne dla oka, ale trzeba ich doświadczyć. Nawet origami i samochodziki wyglądają ciekawiej, gdy są ułożone w tęczę kolorów.
7. Zestawy małych ludzi
Te zdjęcia pokazują nam, jak mało żyją ludzie. Od scen z jedzeniem autorstwa Christophera Boffoli po minizestawy na ulicach autorstwa projektanta Slinkachu — te urocze kreacje opowiadają zabawne historie liliputów, które zrozumieją nawet zwykli ludzie. To prawdziwa sztuka, dzięki której czujemy to, czego nigdy nie czuliśmy.
8. Tysiące żarówek LED
Te instalacje i rzeźby najlepiej oglądać nocą lub w ciemnym pomieszczeniu. Za pomocą dymu i lasera Li Hu stworzył przerażające łóżko, które wywołuje mieszane uczucia. Makoto Tojiki zawiesza żarówki na linach, tworząc wspaniałe świetlne rzeźby ludzi, koni i ptaków. Panasonic spuścił w dół rzeki 100 000 żarówek LED, aby odtworzyć blask świetlików.
9. Instalacje nitkowe
Nie tylko babcie używają nici. Ostatnio coraz częściej stosuje się je na starych fotografiach czy rzeźbach. Projektant Perspicere pociągnął nici tak, aby naśladowały plamy farby w kształcie sygnału Batmana. Gabriel Dawe stworzył oszałamiającą instalację we wszystkich kolorach tęczy, przyczepiając do sufitu ogromną liczbę motków nici. Najwyraźniej wątki w projekcie są teraz aktualne.
10. Ekscytujące instalacje interaktywne
Chociaż instalacje uliczne mogą być bardzo dobre, kiedy projektant pracuje w czterech ścianach, pozwala mu to na szersze rozłożenie. Francuski projektant Serge Salat zaprasza odwiedzających do przejścia przez wiele warstw Beyond, multimedialnego doświadczenia, które łączy sztukę Orientu ze sztuką Zachodniego Renesansu. Yayoi Kusama pokazuje, co się dzieje, gdy dzieci otrzymują nieograniczoną ilość kolorowych naklejek. Barbakan w Londynie stworzył niedawno deszczową salę, w której goście nie będą mokrzy. Kto nie chciałby odwiedzić jednej z tych instalacji?
Jeden z głównych sposobów myślenia. Jej wynikiem jest kształtowanie się najbardziej ogólnych pojęć i sądów (abstrakcje). W sztuce dekoracyjnej abstrakcja to proces stylizacji naturalnych form.
W działalności artystycznej abstrakcja jest stale obecna; w swoim skrajnym wyrazie w sztuce prowadzi do abstrakcjonizmu, szczególnego nurtu w sztukach plastycznych XX wieku, który charakteryzuje się odrzuceniem obrazu rzeczywistych przedmiotów, ostatecznym uogólnieniem lub całkowitym odrzuceniem formy, nieobiektywnym kompozycje (z linii, punktów, plam, płaszczyzn itp.), eksperymenty z kolorem, spontaniczna ekspresja wewnętrznego świata artysty, jego podświadomości w chaotycznych, niezorganizowanych formach abstrakcyjnych (ekspresjonizm abstrakcyjny). Obrazy rosyjskiego artysty V. Kandinsky'ego można przypisać temu kierunkowi.
Przedstawiciele niektórych nurtów sztuki abstrakcyjnej tworzyli logicznie uporządkowane struktury, nawiązujące do poszukiwań racjonalnej organizacji form w architekturze i designie (suprematyzm rosyjskiego malarza K. Malewicza, konstruktywizm itp.) Abstrakcjonizm wyrażał się mniej w rzeźbie niż w obraz.
Abstrakcjonizm był odpowiedzią na ogólną dysharmonię współczesnego świata i odniósł sukces, ponieważ głosił odrzucenie świadomego w sztuce i wzywał do „oddania inicjatywy formom, kolorom, kolorom”.
Realizm
od ks. realizm, od łac. realis – prawdziwy. W szeroko rozumianej sztuce prawdziwe, obiektywne, kompleksowe odzwierciedlenie rzeczywistości za pomocą określonych środków właściwych rodzajom twórczości artystycznej.
Cechą wspólną metody realizmu jest rzetelność w odtwarzaniu rzeczywistości. Jednocześnie sztuka realistyczna ma ogromną różnorodność sposobów poznania, uogólnienia, artystycznego odzwierciedlenia rzeczywistości (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin i inni)
Sztuka realistyczna XX wieku. nabiera jasnych cech narodowych i różnorodności form. Realizm jest przeciwieństwem modernizmu.
awangarda
od ks. awangarda – zaawansowana, garde – dystans – pojęcie określające eksperymentalne, modernistyczne przedsięwzięcia w sztuce. W każdej epoce pojawiały się nowatorskie zjawiska w sztukach wizualnych, ale termin „awangarda” powstał dopiero na początku XX wieku. W tym czasie pojawiły się takie nurty jak fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Następnie w latach 20. i 30. awangardowe pozycje zajął surrealizm. W latach 60-70 doszły nowe odmiany abstrakcjonizmu - różne formy akcjonizmu, pracy z obiektami (pop-art), sztuka konceptualna, fotorealizm, kinetyzm itp. Artyści awangardowi wyrażają swego rodzaju protest przeciwko tradycyjnej kulturze z ich pracą.
We wszystkich nurtach awangardy, mimo ich wielkiej różnorodności, można wyróżnić cechy wspólne: odrzucenie norm klasycznego obrazu, nowatorstwo formalne, deformację form, ekspresję i różnorodne przekształcenia gier. Wszystko to prowadzi do zacierania granic między sztuką a rzeczywistością (ready-made, instalacja, environment), kreowania ideału otwartego dzieła sztuki, które bezpośrednio wdziera się w otoczenie. Sztuka awangardy jest przeznaczona do dialogu między artystą a widzem, aktywnej interakcji osoby z dziełem sztuki, udziału w twórczości (np. sztuka kinetyczna, happening itp.).
Dzieła nurtów awangardowych czasami tracą swoje malarskie pochodzenie i są utożsamiane z przedmiotami otaczającej rzeczywistości. Współczesne nurty awangardowe są ze sobą ściśle powiązane, tworząc nowe formy sztuki syntetycznej.
pod ziemią
język angielski pod ziemią - pod ziemią, w lochu. Pojęcie oznaczające kulturę „podziemną”, przeciwstawiającą się konwencjom i ograniczeniom kultury tradycyjnej. Wystawy artystów tego kierunku często odbywały się nie w salonach i galeriach, ale bezpośrednio na ziemi, a także w przejściach podziemnych lub metrze, które w wielu krajach nazywane jest podziemiem (metrem). Prawdopodobnie ta okoliczność wpłynęła również na fakt, że za tym trendem w sztuce XX wieku. nazwa została zatwierdzona.
W Rosji pojęcie undergroundu stało się określeniem społeczności artystów reprezentujących sztukę nieoficjalną.
Surrealizm
ks. surrealizm - superrealizm. Kierunek w literaturze i sztuce XX wieku. założona w latach 20. Powstały we Francji z inicjatywy pisarza A. Bretona surrealizm szybko stał się trendem międzynarodowym. Surrealiści wierzyli, że energia twórcza pochodzi z podświadomości, która objawia się podczas snu, hipnozy, bolesnego delirium, nagłych wglądów, automatycznych działań (przypadkowe błądzenie ołówkiem po papierze itp.)
Artyści surrealistyczni, w przeciwieństwie do abstrakcjonistów, nie rezygnują z przedstawiania rzeczywistych przedmiotów, lecz przedstawiają je w chaosie, celowo pozbawionym logicznych relacji. Brak sensu, odrzucenie rozsądnego odzwierciedlenia rzeczywistości to główna zasada sztuki surrealizmu. Sama nazwa kierunku mówi o izolacji od prawdziwego życia: „sur” po francusku oznacza „powyżej”; Artyści nie udawali, że odzwierciedlają rzeczywistość, ale mentalnie umieszczali swoje dzieła „ponad” realizmem, udając urojone fantazje jako dzieła sztuki. Tak więc liczba surrealistycznych obrazów obejmowała podobne, niewytłumaczalne dzieła M. Ernsta, J. Miro, I. Tanguy, a także przedmioty przetworzone nie do poznania przez surrealistów (M. Oppenheim).
Kierunek surrealistyczny, którym kierował S. Dali, opierał się na iluzorycznej dokładności odtwarzania nierealnego obrazu, który powstaje w podświadomości. Jego obrazy wyróżnia staranny sposób pisania, dokładne oddanie światłocienia, typowa dla malarstwa akademickiego perspektywa. Widz, ulegając perswazyjności malarstwa iluzorycznego, zostaje wciągnięty w labirynt oszustw i nierozwiązywalnych zagadek: stałe przedmioty rozchodzą się, gęste przedmioty stają się przezroczyste, niekompatybilne przedmioty wykręcają się i wywracają na lewą stronę, masywne bryły stają się nieważkie, a wszystko to tworzy obraz. jest to niemożliwe w rzeczywistości.
Ten fakt jest znany. Pewnego razu na wystawie przed dziełem S. Dalego widz stał przez długi czas, przyglądając się uważnie i próbując zrozumieć znaczenie. W końcu, w całkowitej desperacji, powiedział głośno: „Nie rozumiem, co to znaczy!” Okrzyk publiczności usłyszał obecny na wystawie S. Dali. „Jak możesz zrozumieć, co to znaczy, jeśli ja sam tego nie rozumiem” – powiedział artysta, wyrażając w ten sposób podstawową zasadę sztuki surrealistycznej: malować bez myślenia, bez myślenia, porzucając rozum i logikę.
Wystawom prac surrealistycznych zwykle towarzyszyły skandale: publiczność była oburzona, patrząc na niedorzeczne, niezrozumiałe obrazy, uważała, że została oszukana, oszukana. Surrealiści obwiniali publiczność, deklarowali, że zostali w tyle, nie dorastali do twórczości „awansowanych” artystów.
Ogólne cechy sztuki surrealizmu to fantazja absurdu, alogizm, paradoksalne zestawienia form, niestabilność wizualna, zmienność obrazów. Artyści zwrócili się w stronę naśladowania sztuki prymitywnej, twórczości dzieci i osób chorych psychicznie.
Artyści tego nurtu chcieli stworzyć na swoich płótnach rzeczywistość nieodpowiadającą rzeczywistości podpowiadanej przez podświadomość, ale w praktyce skutkowało to powstaniem patologicznie odpychających obrazów, eklektyzmu i kiczu (niem. za efekt zewnętrzny).
Odrębne znaleziska surrealistów wykorzystywano w komercyjnych obszarach sztuki dekoracyjnej, na przykład złudzenia optyczne, które umożliwiają zobaczenie dwóch różnych obrazów lub wątków na jednym obrazie, w zależności od kierunku patrzenia.
Twórczość surrealistów budzi najbardziej złożone skojarzenia, można je w naszym postrzeganiu utożsamiać ze złem. Przerażające wizje i idylliczne sny, przemoc, rozpacz – uczucia te pojawiają się w różnych odsłonach w twórczości surrealistów, aktywnie oddziałując na widza, absurdalność dzieł surrealizmu oddziałuje na skojarzeniową wyobraźnię i psychikę.
Surrealizm to kontrowersyjne zjawisko artystyczne. Wiele naprawdę zaawansowanych postaci kultury, zdając sobie sprawę, że ten nurt niszczy sztukę, porzuciło następnie surrealistyczne poglądy (artyści P. Picasso, P. Klee i inni, poeci F. Lorca, P. Neruda, hiszpański reżyser L. Bunuel, który realizował surrealistyczne filmy). W połowie lat 60. surrealizm ustąpił miejsca nowym, jeszcze bardziej krzykliwym nurtom modernizmu, ale dziwaczne, w większości brzydkie, bezsensowne dzieła surrealistów wciąż wypełniają sale muzeów.
Modernizm
ks. modernizm, od łac. modernus - nowy, nowoczesny. Zbiorcze określenie wszystkich najnowszych nurtów, nurtów, szkół i działań poszczególnych mistrzów sztuki XX wieku, zerwanie z tradycją, realizmem i uznanie eksperymentu za podstawę metody twórczej (fowizm, ekspresjonizm, kubizm, futuryzm, abstrakcjonizm) , dadaizm, surrealizm, pop-art, op-art, sztuka kinetyczna, hiperrealizm itp.). Modernizm jest bliski znaczeniowo awangardyzmowi i jest przeciwieństwem akademizmu. Modernizm był negatywnie oceniany przez sowieckich krytyków sztuki jako zjawisko kryzysowe kultury mieszczańskiej. Sztuka ma swobodę wyboru swoich historycznych dróg. Sprzeczności modernizmu jako takie należy rozpatrywać nie statycznie, ale w dynamice historycznej.
Pop Art
język angielski pop-art, od sztuki popularnej - sztuka popularna. Nurt w sztuce Europy Zachodniej i USA od końca lat 50. XX wieku. Rozkwit pop-artu przypadł na burzliwe lata 60., kiedy to w wielu krajach Europy i Ameryki wybuchły bunty młodzieży. Ruch młodzieżowy nie miał jednego celu - łączył go patos zaprzeczania.
Młodzi ludzie byli gotowi wyrzucić za burtę całą przeszłą kulturę. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w sztuce.
Charakterystyczną cechą pop-artu jest połączenie wyzwania z obojętnością. Wszystko jest równie cenne lub równie bezcenne, równie piękne lub równie brzydkie, równie wartościowe lub nie. Być może tylko biznes reklamowy opiera się na tym samym beznamiętnym, biznesowym podejściu do wszystkiego na świecie. To nie przypadek, że to reklama miała ogromny wpływ na pop-art, a wielu jej przedstawicieli pracowało i nadal pracuje w centrach reklamowych. Twórcy reklam i programów są w stanie posiekać na strzępy i połączyć proszek do prania ze słynnym arcydziełem sztuki, pastą do zębów i fugą Bacha w kombinacji, której potrzebują. Pop-art robi to samo.
Motywy kultury popularnej są wykorzystywane przez pop-art na różne sposoby. Realne obiekty wprowadza się do obrazu za pomocą kolażu lub fotografii, zwykle w nieoczekiwanych lub zupełnie absurdalnych zestawieniach (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Malarstwo może naśladować techniki kompozycyjne i technikę billboardów, obraz komiksowy można powiększyć do rozmiarów dużego płótna (R. Lichtenstein). Rzeźbę można łączyć z manekinami. Na przykład artysta K. Oldenburg stworzył podobieństwa modeli ekspozycyjnych produktów spożywczych o ogromnych rozmiarach z nietypowych materiałów.
Często nie ma granicy między rzeźbą a malarstwem. Dzieło pop-artu często nie tylko ma trójwymiarowość, ale również wypełnia całą przestrzeń wystawienniczą. Dzięki takim przekształceniom pierwotny wizerunek obiektu kultury masowej jest przekształcany i postrzegany w zupełnie inny sposób niż w realnym, codziennym otoczeniu.
Główną kategorią pop-artu nie jest obraz artystyczny, ale jego „oznaczenie”, które ratuje autora przed sztucznym procesem jego tworzenia, obraz czegoś (M. Duchamp). Proces ten został wprowadzony w celu poszerzenia pojęcia sztuki i włączenia w nią działań pozaartystycznych, „wyjścia” sztuki w pole kultury masowej. Artyści pop-artu byli inicjatorami takich form, jak happening, instalacja obiektowa, environment i inne formy sztuki konceptualnej. Podobne nurty: underground, hiperrealizm, op-art, ready-made itp.
sztuka op
język angielski op-art, w skrócie. ze sztuki optycznej - sztuka optyczna. Nurt w sztuce XX wieku, który rozpowszechnił się w latach 60. Artyści op-artu posługiwali się różnymi iluzjami wizualnymi, polegającymi na postrzeganiu płaskich i przestrzennych postaci. Efekty ruchu przestrzennego, łączenia, płynących form uzyskano poprzez wprowadzenie rytmicznych powtórzeń, ostrych kontrastów kolorystycznych i tonalnych, przecinania się spiralnych i kratowych konfiguracji, meandrujących linii. W op-arcie często stosowano instalacje zmieniającego się światła, dynamiczne konstrukcje (omówione szerzej w części dotyczącej sztuki kinetycznej). Iluzje płynnego ruchu, sukcesywnej zmiany obrazów, niestabilnej, nieustannie odbudowującej się formy powstają w op-arcie tylko w odczuciu widza. Kierunek kontynuuje techniczną linię modernizmu.
sztuka kinetyczna
od gr. kinetikos – wprawianie w ruch. Nurt w sztuce współczesnej związany z powszechnym stosowaniem ruchomych struktur i innych elementów dynamiki. Kinetyzm jako niezależny nurt ukształtował się w drugiej połowie lat 50., ale poprzedziły go eksperymenty z plastycznością dynamiczną w rosyjskim konstruktywizmie (W. Tatlin, K. Mielnikow, A. Rodczenko), dadaizmie.
Wcześniej sztuka ludowa pokazywała nam także próbki ruchomych przedmiotów i zabawek, na przykład drewniane ptaki szczęścia z regionu Archangielska, zabawki mechaniczne imitujące procesy pracy ze wsi Bogorodskoje itp.
W sztuce kinetycznej ruch wprowadzany jest na różne sposoby, niektóre prace są dynamicznie przekształcane przez samego widza, inne przez fluktuacje środowiska powietrznego, a jeszcze inne wprawiane są w ruch przez silnik lub siły elektromagnetyczne. Różnorodność użytych materiałów jest nieskończona – od tradycyjnych, przez ultranowoczesne środki techniczne, aż po komputery i lasery. Lustra są często używane w kompozycjach kinetycznych.
W wielu przypadkach iluzja ruchu powstaje poprzez zmianę oświetlenia – tu kinetyka łączy się z op-artem. Techniki kinetyczne znajdują szerokie zastosowanie przy organizacji wystaw, targów, dyskotek, przy projektowaniu skwerów, parków, wnętrz użyteczności publicznej.
Kinetyka dąży do syntezy sztuk: ruch obiektu w przestrzeni może być uzupełniony efektami świetlnymi, dźwiękowymi, lekką muzyką, filmem itp.
Techniki sztuki nowoczesnej (awangardowej).
hiperrealizm
język angielski hiperrealizm. Kierunek w malarstwie i rzeźbie, który powstał w Stanach Zjednoczonych i stał się wydarzeniem w świecie sztuk pięknych w latach 70. XX wieku.
Inną nazwą hiperrealizmu jest fotorealizm.
Artyści tego nurtu naśladowali fotografię środkami malarskimi na płótnie. Przedstawiały świat współczesnego miasta: witryny sklepowe i restauracje, stacje metra i sygnalizację świetlną, budynki mieszkalne i przechodniów na ulicach. Jednocześnie szczególną uwagę zwrócono na błyszczące, odbijające światło powierzchnie: szkło, plastik, lakier samochodowy itp. Gra refleksów na takich powierzchniach stwarza wrażenie przenikania się przestrzeni.
Celem hiperrealistów było przedstawienie świata nie tylko w sposób rzetelny, ale także bardzo prawdopodobny, superrzeczywisty. W tym celu wykorzystali mechaniczne metody kopiowania fotografii i powiększania ich do rozmiaru dużego płótna (rzut z góry i siatka skali). Farbę z reguły natryskiwano aerografem, aby zachować wszystkie cechy obrazu fotograficznego, aby wykluczyć manifestację indywidualnego pisma artysty.
Ponadto zwiedzający wystawy tego kierunku mogli spotkać w halach postacie ludzkie wykonane z nowoczesnych materiałów polimerowych w pełnym rozmiarze, ubrane w gotowe stroje i pomalowane w taki sposób, aby niczym nie różniły się od publiczności. Wywołało to wiele zamieszania i zszokowało ludzi.
Fotorealizm postawił sobie za zadanie wyostrzenie naszego postrzegania życia codziennego, symbolizując nowoczesne środowisko, odzwierciedlając nasze czasy w formach „sztuki technicznej”, które rozpowszechniły się właśnie w naszej erze postępu technologicznego. Naprawiający i eksponujący nowoczesność, ukrywający emocje autora, fotorealizm w swoich programowych dziełach znalazł się na granicy sztuki i prawie ją przekroczył, bo chciał konkurować z samym życiem.
gotowe
język angielski gotowy - gotowy. Jedna z powszechnych technik sztuki nowoczesnej (awangardowej), polegająca na tym, że przedmiot produkcji przemysłowej wyłamuje się z codziennego otoczenia i jest eksponowany w sali wystawowej.
Znaczenie gotowego jest następujące: gdy zmienia się otoczenie, zmienia się również postrzeganie obiektu. Widz widzi w wystawionym na podium przedmiocie, nie utylitarnym, ale artystycznym, wyrazistości formy i koloru. Nazwy readymade użył po raz pierwszy w latach 1913-1917 M. Duchamp w odniesieniu do swoich „przedmiotów gotowych” (grzebień, koło od roweru, suszarka do butelek). W latach 60. ready-made rozpowszechniło się w różnych obszarach sztuki awangardowej, zwłaszcza w dadaizmie.
instalacja
Z angielskiego. instalacja - instalacja. Kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych elementów – przedmiotów gospodarstwa domowego, produktów i materiałów przemysłowych, przedmiotów naturalnych, informacji tekstowych lub wizualnych. Założycielami instalacji byli dadaista M. Duchamp i surrealiści. Tworząc niezwykłe zestawienia zwykłych rzeczy, artysta nadaje im nowe znaczenie symboliczne. Treść estetyczna instalacji polega na grze znaczeń semantycznych, które zmieniają się w zależności od miejsca, w którym obiekt się znajduje – w znajomym otoczeniu dnia codziennego czy w sali wystawienniczej. Instalacja została stworzona przez wielu awangardowych artystów R. Rauschenberga, D. Dine'a, G. Uckera, I. Kabakova.
Instalacja to forma sztuki rozpowszechniona w XX wieku.
Środowisko
język angielski środowisko — środowisko, środowisko. Rozbudowana kompozycja przestrzenna, obejmująca widza niczym rzeczywiste otoczenie, jest jedną z form charakterystycznych dla sztuki awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Naturalistyczne otoczenie imitujące wnętrze z postaciami ludzi stworzyły rzeźby D. Segala, E. Kienholza, K. Oldenburga, D. Hansona. Takie powtórzenia rzeczywistości mogą zawierać elementy fikcji urojeniowej. Innym typem środowiska jest przestrzeń zabaw, która wiąże się z określonymi działaniami publiczności.
Wydarzenie
język angielski dzieje się - dzieje się, dzieje się. Rodzaj akcjonizmu, najbardziej rozpowszechniony w sztuce awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Happening rozwija się jako wydarzenie, raczej sprowokowane niż zorganizowane, ale inicjatorzy akcji siłą rzeczy angażują w nią publiczność. Happening narodził się pod koniec lat 50. jako forma teatru. W przyszłości artyści najczęściej angażują się w organizację happeningów bezpośrednio w środowisku miejskim lub w naturze.
Traktują tę formę jako rodzaj poruszającej pracy, w której otoczenie, przedmioty odgrywają nie mniejszą rolę niż żywi uczestnicy akcji.
Akcja happeningu prowokuje dowolność każdego uczestnika i manipulację przedmiotami. Wszystkie działania rozwijają się według wcześniej zaplanowanego programu, w którym jednak dużą wagę przywiązuje się do improwizacji, która daje upust różnym nieświadomym impulsom. Happening może zawierać elementy humoru i folkloru. Happening dobitnie wyrażał dążenie awangardy do połączenia sztuki z biegiem życia.
I wreszcie najbardziej zaawansowana forma sztuki współczesnej - Superplane
Supersamolot
Superflat to termin ukuty przez współczesnego japońskiego artystę Takashiego Murakamiego.
Termin Superflat został stworzony, aby wyjaśnić nowy język wizualny aktywnie używany przez pokolenie młodych japońskich artystów, takich jak Takashi Murakami: „Myślałem o realiach japońskiego rysunku i malarstwa oraz o tym, czym różnią się one od sztuki zachodniej. Dla Japonii ważne jest poczucie płaskości. Nasza kultura nie jest trójwymiarowa. Formy 2D ustanowione w historycznym malarstwie japońskim są podobne do prostego, płaskiego języka wizualnego współczesnej animacji, komiksów i projektów graficznych”.
Sztuka powstaje po to, by zachwycać, zaskakiwać, a czasem szokować publiczność.
Kreatywni ludzie są zawsze trochę szaleni. Ich fantazja nie ma granic. Przed tobą - najbardziej niezwykłe rodzaje sztuki współczesnej.
1. Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zrozumieć tylko z określonego punktu lub kąta. W niektórych przypadkach normalny obraz pojawia się tylko wtedy, gdy patrzysz na obraz przez lustro. Jednym z najwcześniejszych znanych przykładów anamorfozy są niektóre pisma Leonarda da Vinci datowane na XV wiek.
2. Fotorealizm. Ruch fotorealistyczny pojawił się w latach 60. Twórcy starali się stworzyć niezwykle realistyczne obrazy, które nie różnią się od fotografii. Kopiowali nawet najdrobniejsze szczegóły ze zdjęć, tworząc własne obrazy. Istnieje również ruch zwany superrealizmem lub hiperrealizmem, który obejmuje zarówno rzeźbę, jak i malarstwo. Był pod dużym wpływem współczesnej kultury pop-artu.
3. Malowanie brudnych samochodów. Rysowanie na nieumytym samochodzie często nie jest uważane za sztukę wysoką, ponieważ większość z tych „artystów” rzadko pisze coś więcej niż „umyj mnie”. Ale 52-letni amerykański projektant Scott Wade zasłynął z niesamowitych rysunków, które tworzy na szybach samochodów odkurzonych z teksańskich dróg. Wade pierwotnie malował na szybach samochodowych palcami lub pałeczkami, ale teraz używa specjalnych narzędzi i pędzli.
4. Stosowanie płynów ustrojowych w art. Może się to wydawać dziwne, ale jest wielu artystów, którzy tworzą swoje prace za pomocą płynów ustrojowych. Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch używa w swoich pracach moczu i ogromnej ilości krwi zwierzęcej. Brazylijski artysta Vinicius Quesada jest dobrze znany ze swojej serii obrazów Blood and Piss Blues. Co ciekawe, Quesada działa tylko z własną krwią. Jego obrazy tworzą mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie częściami ciała. Ostatnio wzrosła popularność artystów, którzy do rysowania wykorzystują części własnego ciała. Na przykład Tim Patch, znany pod pseudonimem „Pricasso” (na cześć wielkiego hiszpańskiego artysty Pabla Picassa), rysuje swoim… narządem rozrodczym. Ponadto 65-letni australijski artysta regularnie używa swoich pośladków i moszny jako pędzla. Patch wykonuje tego rodzaju prace od ponad dziesięciu lat, a jego popularność rośnie z roku na rok.
6. Odwrócona wizualizacja 3D. Podczas gdy anamorfoza ma na celu sprawienie, aby obiekty 2D wyglądały jak obiekty 3D, odwrotne renderowanie 3D ma na celu odwrotne działanie - aby obiekt 3D wyglądał jak rysunek lub obraz. Najbardziej znaną artystką w tej dziedzinie jest Alexa Meade z Los Angeles. Używa nietoksycznych farb akrylowych, aby ludzie wyglądali jak dwuwymiarowe nieożywione obrazy.
7. Sztuka cienia. Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać w sztuce. Współcześni artyści osiągnęli niesamowite mistrzostwo w pracy z cieniami. Układają różne przedmioty w taki sposób, że cień z nich tworzy piękne obrazy ludzi, słów lub przedmiotów. Ponieważ cienie tradycyjnie kojarzą się z czymś tajemniczym lub mistycznym, wielu artystów wykorzystuje w swoich pracach motyw horroru lub dewastacji.
8. Odwróć graffiti. Podobnie jak malowanie brudnych samochodów, sztuka odwróconego graffiti polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, a nie dodawanie farby. Artyści często używają węży wypełnionych wodą do usuwania brudu i usuwania brudu ze ścian, tworząc niesamowite obrazy. Ruch ten zapoczątkował angielski artysta Paul „Moose” Curtis, który jako nastolatek namalował obraz na zadymionej ścianie restauracji, w której mył naczynia. Inny brytyjski artysta, Ben Long, maluje swoje obrazy z tyłu przyczep kempingowych, używając palca do usuwania brudu z rury wydechowej.
Zwyczajowo sztuką współczesną nazywa się wszelkiego rodzaju ruchy artystyczne, które rozwinęły się pod koniec XX wieku. W okresie powojennym był swego rodzaju ujściem, które po raz kolejny uczyło marzyć i wymyślać nowe realia życia.
Zmęczeni kajdanami surowych reguł przeszłości, młodzi artyści postanowili przełamać dawne artystyczne normy. Starali się stworzyć nowe, nieznane wcześniej praktyki. Przeciwstawiając się modernizmowi, zwrócili się ku nowym sposobom ujawniania swoich historii. Artysta i koncepcja stojąca za jego twórczością stały się o wiele ważniejsze niż sam efekt twórczej działalności. Chęć odejścia od wzniesionych ram doprowadziła do powstania nowych gatunków.
Wśród artystów zaczęły pojawiać się spory o sens sztuki i sposoby jej wyrażania. Czym jest sztuka? Jakimi środkami można osiągnąć prawdziwą sztukę? Konceptualiści i minimaliści znaleźli dla siebie odpowiedź w zdaniu: „Jeśli sztuka może być wszystkim, to może być niczym”. Odejście od utartych środków wizualnych zaowocowało u nich różnymi akcjami, happeningami i performansami. Jaka jest specyfika sztuki współczesnej w XXI wieku? O tym porozmawiamy w artykule.
Grafika trójwymiarowa w sztuce XXI wieku
Słynna jest sztuka XXI wieku w grafice 3D. Wraz z rozwojem technologii komputerowej artyści mają dostęp do nowych środków tworzenia swojej sztuki. Istotą grafiki trójwymiarowej jest tworzenie obrazów poprzez modelowanie obiektów w przestrzeni trójwymiarowej. Jeśli weźmiemy pod uwagę większość form sztuki współczesnej w XXI wieku, tworzenie obrazów trójwymiarowych będzie najbardziej tradycyjne. Grafika 3D ma wiele stron, w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu. Jest używany podczas tworzenia programów, gier, obrazów i filmów na komputerze. Ale widać go też tuż pod stopami - na chodniku.
Grafika trójwymiarowa pojawiła się na ulicach kilkadziesiąt lat temu i od tego czasu pozostaje jedną z najważniejszych form street artu. Wielu artystów rysuje na swoich „obrazach” trójwymiarowe obrazy, które mogą zadziwiać swoim realizmem. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner i wielu innych współczesnych artystów tworzy dziś sztukę, która może zaskoczyć każdego.
Sztuka uliczna XXI wieku
Wcześniej okupacją zajmowali się ludzie zamożni. Przez wieki ukrywała się za murami specjalnych instytucji, do których dostęp dla niewtajemniczonych był zamknięty. Oczywiście jego potężna siła nie mogła wiecznie marnieć w dusznych budynkach. Wtedy to wyszło - na szare, ponure ulice. Wybrany, by zmienić swoją historię na zawsze. Chociaż na początku nie było to takie łatwe.
Nie wszyscy cieszyli się z jego narodzin. Wielu uznało to za wynik złego doświadczenia. Niektórzy nawet nie chcieli zwracać uwagi na jego istnienie. W międzyczasie pomysł nadal rósł i rozwijał się.
Artyści uliczni napotykali po drodze trudności. Przy całej swojej różnorodności form sztuka uliczna była czasami trudna do odróżnienia od wandalizmu.
Wszystko zaczęło się w latach 70. ubiegłego wieku w Nowym Jorku. W tym czasie sztuka uliczna była w powijakach. A jego życie wspierali Julio 204 i Taki 183. Zostawili napisy w różnych miejscach na swoim terenie, po rozszerzeniu terytorium dystrybucji. Inni chłopcy postanowili z nimi konkurować. Wtedy zaczęło się najciekawsze. Entuzjazm i chęć popisania się zaowocowały batalią kreatywności. Każdy chciał odkryć dla siebie i innych bardziej oryginalny sposób na zaznaczenie swojej marki.
W 1981 roku sztuka uliczna przedostała się za ocean. Pomógł mu w tym uliczny artysta z Francji BlekleRat. Uważany jest za jednego z pierwszych artystów graffiti w Paryżu. Nazywany jest także ojcem szablonowego graffiti. Jego znakiem rozpoznawczym są rysunki szczurów, które nawiązują do imienia ich twórcy. Autor zauważył, że po przestawieniu liter w słowie szczur (szczur) uzyskuje się sztukę (sztukę). Blek zauważył kiedyś: „Szczur jest jedynym wolnym zwierzęciem w Paryżu, które chodzi wszędzie, tak jak sztuka uliczna”.
Najsłynniejszym artystą ulicznym jest Banksy, który nazywa BlekleRata swoim głównym nauczycielem. Aktualna praca tego utalentowanego Brytyjczyka jest w stanie uciszyć każdego. W swoich rysunkach, tworzonych za pomocą szablonów, potępia współczesne społeczeństwo z jego wadami. Banksy ma tendencję do bycia tradycyjnym, co pozwala wywrzeć jeszcze większe wrażenie na publiczności. Ciekawostką jest to, że do tej pory tożsamość Banksy'ego owiana jest tajemnicą. Nikomu jeszcze nie udało się rozwiązać zagadki osobowości artysty.
Tymczasem sztuka uliczna szybko nabiera rozpędu. Niegdyś zepchnięty do marginalnych nurtów, street art wzniósł się na scenę aukcji. Dzieła artystów są sprzedawane za bajeczne sumy przez tych, którzy kiedyś nie chcieli o nim mówić. Co to jest, życiodajna siła sztuki czy mainstreamowe trendy?
Formularze
Do tej pory istnieje kilka dość interesujących przejawów sztuki współczesnej. Przegląd najbardziej niezwykłych form sztuki współczesnej zostanie Ci zwrócona uwaga poniżej.
gotowe
Termin readymade pochodzi z języka angielskiego i oznacza „gotowy”. W rzeczywistości celem tego kierunku nie jest tworzenie niczego materialnego. Główną ideą jest tutaj to, że w zależności od otoczenia obiektu zmienia się postrzeganie osoby i samego obiektu. Przodkiem prądu jest Marcel Duchamp. Jego najbardziej znanym dziełem jest „Fontanna”, czyli pisuar z autografem i datą.
anamorfozy
Anamorfozy nazywane są techniką tworzenia obrazów w taki sposób, że można je w pełni zobaczyć tylko pod pewnym kątem. Jednym z najjaśniejszych przedstawicieli tego nurtu jest Francuz Bernard Pras. Tworzy instalacje z tego, co wpadnie mu w ręce. Dzięki swoim umiejętnościom udaje mu się tworzyć niesamowite dzieła, które jednak widać tylko pod pewnym kątem.
Płyny biologiczne w sztuce
Jednym z najbardziej kontrowersyjnych nurtów sztuki współczesnej XXI wieku jest rysunek, malowany płynami ludzkimi. Często zwolennicy tej nowoczesnej formy sztuki używają krwi i moczu. Kolor obrazów w tym przypadku często przybiera ponury, przerażający wygląd. Na przykład Herman Nitsch używa krwi i moczu zwierząt. Wykorzystanie tak nieoczekiwanych materiałów autor tłumaczy trudnym dzieciństwem, które przyszło w czasie II wojny światowej.
Malarstwo XX-XXI wieku
Krótka historia malarstwa zawiera informację, że koniec XX wieku stał się punktem wyjścia dla wielu kultowych artystów naszych czasów. W trudnych latach powojennych sfera przeżywała swoje odrodzenie. Artyści starali się odkryć nowe aspekty swoich możliwości.
suprematyzm
Za twórcę suprematyzmu uważa się Kazimierza Malewicza. Jako główny teoretyk głosił suprematyzm jako sposób na oczyszczenie sztuki ze wszystkiego, co zbędne. Odrzucając utarte sposoby przekazywania obrazu, artyści dążyli do uwolnienia sztuki od tego, co pozaartystyczne. Najważniejszym dziełem tego gatunku jest słynny „Czarny kwadrat” Malewicza.
Pop Art
Pop-art ma swoje korzenie w Stanach Zjednoczonych. W latach powojennych społeczeństwo doświadczyło globalnych zmian. Teraz ludzie mogli sobie pozwolić na więcej. Konsumpcja stała się istotną częścią życia. Ludzi zaczęto wznosić w kult, a produkty konsumpcyjne w symbole. Jasper Johns, Andy Warhol i inni zwolennicy nurtu starali się wykorzystać te symbole w swoich obrazach.
Futuryzm
Futuryzm został odkryty w 1910 roku. Główną ideą tego nurtu było pragnienie nowego, zniszczenia ram przeszłości. Artyści przedstawili to pragnienie za pomocą specjalnej techniki. Ostre kreski, napływy, połączenia i skrzyżowania to oznaki futuryzmu. Najbardziej znanymi przedstawicielami futuryzmu są Marinetti, Severini, Carra.
Sztuka współczesna w Rosji w XXI wieku
Sztuka współczesna w Rosji (XXI wiek) płynnie wypłynęła z podziemnej, „nieoficjalnej” sztuki ZSRR. Młodzi artyści lat 90. szukali nowych sposobów realizacji swoich artystycznych ambicji w nowym kraju. W tym czasie narodził się moskiewski akcjonizm. Jego zwolennicy rzucili wyzwanie przeszłości i jej ideologii. Zniszczenie granic (w dosłownym i przenośnym znaczeniu tego słowa) pozwoliło zobrazować stosunek młodego pokolenia do sytuacji w kraju. Sztuka współczesna XXI wieku stała się wyrazista, przerażająca, szokująca. Ten, z którego towarzystwo zamknęło się na tak długo. Działania Anatolija Osmolowskiego („Majakowski - Osmołowski”, „Przeciw wszystkim”, „Barykada na Bolszaja Nikitskaja”), ruchu „ETI” („ETI-text”), Olega Kulika („Prosiaczek rozdaje prezenty”, „Wściekły pies lub Ostatnie tabu strzeżone przez samotnego Cerbera”), Avdey Ter-Oganyan („Pop Art”) na zawsze zmienił historię sztuki współczesnej.
Nowe pokolenie
Slava ATGM to współczesny artysta z Jekaterynburga. Niektóre z jego prac mogą przypominać twórczość Banksy'ego. Jednak prace Slavy niosą ze sobą idee i uczucia znane tylko obywatelowi Rosji. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest kampania „Kraina możliwości”. Artysta stworzył napis wykonany z kul na budynku opuszczonego szpitala w Jekaterynburgu. Slava kupował kule od mieszkańców miasta, którzy kiedyś ich używali. Artysta ogłosił akcję na swojej stronie w serwisie społecznościowym, uzupełniając ją apelem do współobywateli.
Muzea sztuki nowoczesnej
Być może kiedyś współczesna sztuka wizualna XXI wieku wydawała się środowiskiem marginalnym, ale dziś coraz więcej osób stara się dołączyć do nowej dziedziny sztuki. Coraz więcej muzeów otwiera swoje podwoje na nowe środki wyrazu. Nowy Jork jest rekordzistą sztuki współczesnej. Istnieją również dwa muzea, które należą do najlepszych na świecie.
Pierwsza to MoMA, która jest repozytorium obrazów Matisse'a, Dali, Warhola. Drugi to muzeum.Niezwykła architektura budynku sąsiaduje z dziełami Picassa, Marca Chagalla, Kandinsky'ego i wielu innych.
Europa słynie również ze wspaniałych muzeów sztuki współczesnej XXI wieku. Muzeum KIASMA w Helsinkach pozwala dotknąć obiektów z wystawy. Centrum w stolicy Francji zachwyca niezwykłą architekturą i dziełami współczesnych artystów. Stedelijkmuseum w Amsterdamie mieści największą kolekcję malarstwa Malewicza. w stolicy Wielkiej Brytanii ma ogromną liczbę obiektów sztuki współczesnej. Wiedeńskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej posiada dzieła Andy'ego Warhola i innych utalentowanych współczesnych artystów.
Sztuka współczesna XXI wieku (malarstwo) - tajemnicza, niezrozumiała, urzekająca, na zawsze zmieniła wektor rozwoju nie tylko odrębnej sfery, ale całego życia ludzkości. Odzwierciedla i jednocześnie kreuje nowoczesność. Zmieniająca się nieustannie sztuka nowoczesności pozwala zatrzymać się na chwilę osobie, która nieustannie się śpieszy. Zatrzymaj się, aby przypomnieć sobie uczucia głęboko w środku. Zatrzymaj się, by znów przyspieszyć i rzucić się w wir wydarzeń i spraw.
