Wprowadzenie

Los muzyki angielskiej okazał się złożony i paradoksalny. Od XV wieku do końca XVII wieku, w okresie kształtowania się i rozkwitu angielskiej klasycznej tradycji muzycznej, jej rozwój był ciągły. Proces ten przebiegał intensywnie ze względu na oparcie się na folklorze, które ukształtowało się wcześniej niż w innych szkołach kompozytorskich, a także dzięki powstaniu i zachowaniu oryginalnych, narodowych gatunków (antem, maska, semi-opera). Wczesna muzyka angielska dała ważne impulsy sztuce europejskiej, w tym polifonię, wariacyjno-figuratywne zasady rozwoju i suitę orkiestrową. Jednocześnie pierwotnie załamywał bodźce dochodzące z zewnątrz.

W XVII wieku mają miejsce wydarzenia, które zadają potężny cios angielskiej kulturze muzycznej. Jest to po pierwsze purytanizm, który powstał podczas rewolucji 1640-1660, z jego fanatycznym pragnieniem zniesienia starych wartości duchowych oraz starożytnych typów i form kultury świeckiej, a po drugie przywrócenie monarchii (1660) , co radykalnie zmieniło ogólną orientację kulturową kraju, wzmacniając wpływy zewnętrzne (z Francji).

Co zaskakujące, równolegle z oczywistymi symptomami kryzysu pojawiają się zjawiska świadczące o najwyższym rozkwicie sztuki muzycznej. W trudnym dla muzyki angielskiej czasie pojawił się Henry Purcell (1659-1695), którego twórczość zaznaczyła rozkwit narodowej szkoły kompozytorskiej, choć nie miała bezpośredniego wpływu na twórczość kolejnych pokoleń. Działający w Anglii Georg Friedrich Handel (1685-1759) swoimi oratoriami ustanowił prymat tradycji chóralnej w spektrum gatunków muzyki angielskiej, co bezpośrednio wpłynęło na jej dalszy rozwój. W tym samym okresie protoplastą wielu próbek tzw. opery balladowej stała się Opera Żebracza Gaya i Pepusza (1728), której parodystyczny charakter świadczył o rozpoczęciu ery przemian kulturowych.

Był to jeden ze szczytów sztuki teatralnej w Anglii i jednocześnie dowód obalenia sztuki muzycznej, a dokładniej przeniesienia jej „kulturotwórczej energii” (A. Schweitzer) – z profesji na sferę amatorską.

Na tradycję muzyczną składa się wiele czynników – takich jak twórczość kompozytorska, wykonawstwo, sposób życia muzycznego. Regulowane postawami ideowymi, estetycznymi i ogólnoartystycznymi czynniki te nie zawsze działają w skoordynowanej jedności, często w pewnych warunkach historycznych ich wzajemne oddziaływanie zostaje zakłócone. Potwierdzić to może stuletni okres od mniej więcej połowy XVIII do połowy XIX wieku w Anglii.

Muzyka Anglii

Wysoki poziom wykonawczy, szerokie rozpowszechnienie i głębokie zakorzenienie w życiu codziennym różnych form muzykowania – instrumentalnej, wokalno-zespołowej i chóralnej – stworzyły wówczas podatny grunt dla jasnego, wielkoformatowego życia koncertowego Londynu, które przyciągało kontynentalnych muzycy do stolicy imperium: Chopin, Berlioz, Czajkowski, Głazunow… Świeży powiew nowoczesności nieśli muzycy niemieccy, droga na Wyspy Brytyjskie była otwarta od czasów panowania dynastii hanowerskiej (od 1714 do 1901) - przypomnijmy chociażby cotygodniowe koncerty Bacha - Abla i koncerty Haydna - Salomona. Tak więc Anglia uczestniczyła w intensywnym procesie formowania się symfonii przedklasycznej i klasycznej, ale nie wniosła do niego faktycznego twórczego wkładu. Ogólnie rzecz biorąc, w tym czasie gałąź twórczości narodowej w gatunkach opery i symfonii, które były istotne na kontynencie, była nierozwinięta, w innych gatunkach (na przykład w oratorium) kanał czasami stawał się płytki. To właśnie ta epoka nadała Anglii nieprzekonującą obecnie nazwę „kraju bez muzyki”.

Paradoksem jest, że „era milczenia” przypadła na tzw. epokę wiktoriańską – okres panowania królowej Wiktorii (od 1837 do 1901). Państwo znajdowało się u szczytu potęgi i chwały. Potężna potęga kolonialna, „warsztat świata”, dała swemu narodowi pewność siebie i przekonanie, że „przeznaczeniem było mu zajmować pierwsze miejsce na świecie do końca swoich dni” (J. Aldridge). Epoka wiktoriańska to rozkwit wszystkich dziedzin kultury angielskiej: jej prozy i poezji, dramatu i teatru, malarstwa i architektury, wreszcie estetyki – i czas zauważalnego upadku twórczości kompozytorskiej.

Jednocześnie właśnie od połowy XIX wieku, kiedy kryzys narodowej szkoły kompozytorskiej dał się już zauważyć, zaczęły kumulować się impulsy wzrostowe, które ujawniły się w połowie XIX wieku i wyraźnie się ujawniły. na przełomie XIX i XX wieku.

Ruch chóralny, amatorski i zawodowy, rozwijał się i rósł. Tradycję chóralną postrzegano jako prawdziwie narodową. Jej wierność przysięgali angielscy mistrzowie: Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederic Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).

Równolegle rozwijał się ruch folklorystyczny, kierowany przez Cecila J. Sharpa (1859-1924). Obejmował kierunek naukowy (zbieranie w terenie, rozumienie teoretyczne) i praktyczny (wprowadzenie do szkoły i życia codziennego). Towarzyszyła temu ponowna krytyczna ocena asymilacji gatunków folklorystycznych w salonie rozrywkowym i przenikania materiału ludowego do twórczości kompozytorskiej. Wszystkie te aspekty ruchu folklorystycznego wzajemnie na siebie oddziaływały - uzupełniając się, a czasem przeciwstawiając sobie.

Aż do połowy XIX wieku, jakkolwiek na pierwszy rzut oka może się to wydawać dziwne, same pieśni angielskie rzadko trafiały do ​​zbiorów - znacznie rzadziej niż pieśni ze Szkocji, Walii, a zwłaszcza Irlandii. Nie bez ironii Ralph Vaughan Williams napisał w eseju wprowadzającym do książki czołowego krajowego folklorysty Cecila Sharpa „English Folk Song”: „Z autorytatywnych źródeł wciąż wiedzieliśmy, że muzyka ludowa jest„ albo zła, albo irlandzka ””

Ruch na rzecz odrodzenia muzyki dawnej – Purcell, Bach, angielscy madrygaliści i wirgialiści – przyczynił się do rozbudzenia głębokiego zainteresowania wykonawców, wytwórców instrumentów muzycznych i naukowców (m.in. A. Dolmetch z rodziną), a także kompozytorów do

„złoty wiek” angielskiej szkoły zawodowej. Dziedzictwo XV-XVII wieku, ożywione przez praktykę wykonawczą, wywyższone przez myśl krytyczną, okazało się inspirującą siłą narodowego oryginalnego kunsztu.

Tendencje te, początkowo ledwo zauważalne, stopniowo nabierały siły i pędząc ku sobie, pod koniec XIX wieku wysadziły grunt w powietrze. Ich związek zapoczątkował nowe muzyczne odrodzenie w Anglii. Po długiej przerwie kraj ten, nie jako odrębne jednostki twórcze, ale jako szkoła narodowa, wszedł do europejskiej kultury muzycznej. W tym czasie na kontynencie mówiono o kompozytorach angielskich; Brahms przewidział ciekawą przyszłość muzyki angielskiej, wspierał ją R. Strauss w osobie E. Elgara. Intensywność jego ewolucji na przełomie XIX i XX wieku była duża.

Tradycja austriacko-niemieckiego romantyzmu od dawna znajduje żyzny grunt w Anglii. Ten historycznie uwarunkowany wpływ, wzmocniony systemem szkolnictwa muzycznego i praktyką doskonalenia młodych kompozytorów w miastach Niemiec, wpłynął na styl (przede wszystkim w Parry, Stanford, Elgar). Angielscy muzycy zrozumieli, że potwierdzenie tożsamości narodowej oznaczało wyzwolenie spod tak dominującego wpływu. Jednak w przeciwieństwie do deklaracji proces ten w twórczości był powolny i trudny, gdyż same wiodące gatunki – w tym takie konceptualne, jak symfonia czy poemat symfoniczny – opierały się na owocnych doświadczeniach szkoły austriacko-niemieckiej. W związku z tym miara wpływów niemieckich i stopień ich przezwyciężenia służyły jako kryterium oryginalności narodowej i doniosłości dzieła kompozytora. Na przykład takie oceny jednego z angielskich krytyków są orientacyjne: „Podczas gdy muzyka Parry'ego i Stanforda mówiła po niemiecku z angielskim i irlandzkim akcentem… Muzyka Elgara mówiła po angielsku z niemieckim akcentem”.

Na przełomie wieków w Wielkiej Brytanii, podobnie jak w całej Europie, pojawiła się potrzeba stworzenia języka muzycznego, który pasowałby do współczesnej estetyki. „Nowe słowo” przyszło z Francji. Zainteresowanie Wschodem, jakie zrodziło się wśród angielskich muzyków, skłoniło ich do zwrócenia uwagi na dokonania francuskiego impresjonizmu. Było to szczególnie widoczne w pracach Cyrila Scotta (1879-1970), Grenville'a Bantocka (1868-1946) i Gustava Holsta. To prawda, że ​​u Scotta i Bantocka świat orientalnych obrazów i nastrojów nie narusza podstaw myślenia kompozytora. Ich obraz Wschodu jest warunkowy i nietrudno znaleźć w jego wcieleniu wiele tradycyjnych cech.

Realizacja tego tematu w twórczości Holsta, który skłaniał się ku kulturze indyjskiej, osiągnęła inny poziom. Starał się znaleźć głębszy, duchowy kontakt między kulturami Zachodu i Wschodu, co jest generalnie charakterystyczne dla sztuki XX wieku. I zrealizował to pragnienie po swojemu, nie zgodnie z tym, co robił jego starszy współczesny Debussy. Jednocześnie odkrycia impresjonizmu, związane z nową ideą muzycznej przestrzeni, barwy, dynamiki, z nowym podejściem do dźwięku, weszły do ​​palety środków wyrazu stosowanych przez kompozytorów Anglii – kolebki „krajobrazu i przystani” (Ch. Nodier).

Przy wszystkich indywidualnych różnicach stylistycznych kompozytorów angielskich tamtego okresu łączyła chęć wzmocnienia ludowo-narodowych podstaw ich muzyki. Odkrycie folkloru chłopskiego i twórczości mistrzów szkoły staroangielskiej jako dwóch powiązanych ze sobą źródeł należy do G. Holsta i R. Vaughana-Williamsa. Odwoływanie się do dziedzictwa „złotego wieku” sztuki angielskiej było jedyną możliwą drogą do ożywienia narodowej tradycji. Folklor i dawni mistrzowie, nawiązujący związki z nowoczesną europejską kulturą muzyczną – oddziaływanie tych nurtów w sztuce Holsta i Vaughana Williamsa przyniosło długo oczekiwaną odnowę muzyce angielskiej XX wieku. Tematy, wątki i obrazy angielskiej prozy, poezji, dramaturgii służyły jako ważna podpora w ustanawianiu narodowych ideałów. Dla muzyków wiejskie ballady Roberta Burnsa i ateistyczne wiersze Johna Miltona, pasterskie elegie Roberta Herricka i wiersze Johna Donne'a, nasycone namiętną intensywnością, nabierają współczesnego brzmienia; ponownie odkryta przez Williama Blake'a. Coraz głębsze zrozumienie kultury narodowej stało się najważniejszym czynnikiem kształtowania się i rozkwitu angielskiej szkoły kompozytorskiej XX wieku, kształtowania się estetycznego ideału kompozytorów.

Pierwszymi głównymi przedstawicielami nowego angielskiego odrodzenia muzycznego byli Hubert Parry (1848-1918) i Charles Stanford (1852-1924). Kompozytorzy, naukowcy, wykonawcy, zatory i pedagodzy, oni, podobnie jak założyciele wielu szkół narodowych, byli wybitnymi postaciami, których wielostronna praca bezinteresownie skierowana była na stworzenie nowej narodowej szkoły kompozytorskiej, zdolnej wskrzesić tradycję chwalebna przeszłość muzyki angielskiej. Własna działalność społeczna i twórcza była wzorem dla współczesnych i kompozytorów angielskich następnych, młodszych pokoleń.

Powstanie nowej angielskiej szkoły kompozytorskiej nastąpiło podczas długiego panowania (1837-1901) królowej Wiktorii. W tej epoce w pełni rozwinęły się różne obszary kultury angielskiej. Szczególnie bogata i owocna była wielka narodowa tradycja literacka.Jeśli Parry i Stanford są ściśle związani ze swoją działalnością, relatywnie rzecz biorąc, z okresem protorenesansowym omawianej epoki, to nazwisko Elgar otwiera właściwy okres twórczy nowego odrodzenia .

Angielska szkoła kompozytorska, podobnie jak im współcześni, mierzyła się przede wszystkim z problemami europejskiego romantyzmu muzycznego w całej ich rozciągłości. I naturalnie sztuka Wagnera stała się ich celem. Władczy wpływ muzyki wagnerowskiej w Anglii można porównać tylko z jej wpływem we Francji lub z wpływem Haendla w osiemnastowiecznej Anglii.

Już na przełomie wieków angielscy kompozytorzy podejmowali usilne próby wyjścia spod wpływu niemieckich tradycji klasyczno-romantycznych, które tak głęboko zakorzeniły się na angielskiej ziemi. Przypomnijmy, że Parry chciał stworzyć – w przeciwieństwie do Mendelssohna – narodową wersję oratorium filozoficznego. Dużym osiągnięciem była trylogia małych kantat Elgara The Spirit of England (1917).

Pierwszym prawdziwym kompozytorem, którego wyprodukowała Anglia od czasów Purcella, jest Edward Elgar (1857-1934). Był bardzo blisko związany z angielską prowincjonalną kulturą muzyczną. We wczesnych stadiach swojego twórczego życia był kompozytorem i aranżerem orkiestry swojego rodzinnego Worcester, pisał także dla muzyków w Birmingham, pracował dla lokalnych stowarzyszeń chóralnych. Jego wczesne pieśni i kantaty chóralne są zgodne z wielką angielską tradycją chóralną, która narodziła się w latach 80. i 90. XX wieku. 19 wiek – czyli dokładnie wtedy, gdy Elgar tworzył wczesne kompozycje chóralne – do fazy kulminacyjnej. Oratorium Elgara Sen Gerontiusa (1900), które rozsławiło muzykę angielską na kontynencie, było dla kompozytora na tyle znaczącym osiągnięciem, że wyparło Eliasza Mendelssohna i stało się drugim po Mesjaszach Händla ulubionym oratorium angielskiej publiczności.

O znaczeniu Elgara dla historii muzyki angielskiej decydują przede wszystkim dwa dzieła: oratorium Sen Gerontiusa (1900, na st. J. Newmana) oraz symfoniczne Wariacje na tajemniczy temat (Enigma - wariacje (Enigma (łac. .) - zagadka. ), 1899), który stał się szczytem angielskiego romantyzmu muzycznego. Oratorium „Sen Gerontiusa” podsumowuje nie tylko długi rozwój gatunków kantatowo-oratoryjnych w twórczości samego Elgara (4 oratoria, 4 kantaty, 2 ody), ale pod wieloma względami całą drogę angielskiej muzyki chóralnej, która poprzedzała to. Inna ważna cecha narodowego renesansu znalazła odzwierciedlenie w oratorium – zainteresowanie folklorem. To nie przypadek, że po wysłuchaniu „Snu Gerontiusa” R. Strauss wzniósł toast „za powodzenie i powodzenie pierwszego postępowego angielskiego Edwarda Elgara, mistrza młodej progresywnej szkoły kompozytorów angielskich”. W przeciwieństwie do oratorium Enigmy, wariacje położyły kamień węgielny pod narodowy symfonizm, który przed Elgarem był najbardziej wrażliwym obszarem angielskiej kultury muzycznej. „„ Enigma ”-wariacje świadczą, że w osobie Elgara kraj znalazł kompozytora orkiestrowego pierwszej wielkości” - napisał jeden z angielskich badaczy. „Tajemnica” wariacji polega na tym, że zaszyfrowane są w nich imiona przyjaciół kompozytora, ukryty jest również temat muzyczny cyklu. (Wszystko to przypomina „Sfinksy” z „Karnawału” R. Schumanna.) Elgar jest także właścicielem pierwszej angielskiej symfonii (1908).

Twórczość Elgara należy do wybitnych fenomenów muzycznego romantyzmu. Syntetyzując wpływy narodowe i zachodnioeuropejskie, głównie austro-niemieckie, nosi cechy kierunku liryczno-psychologicznego i epickiego. Kompozytor szeroko wykorzystuje system motywów przewodnich, w którym wyraźnie wyczuwalny jest wpływ R. Wagnera i R. Straussa.

Powstanie nowych pozycji w muzyce angielskiej nastąpiło w momencie przełomu w życiu duchowym Wielkiej Brytanii. To były lata wielkich prób i zmian. Pierwsza wojna światowa zmusiła wielu artystów tego kraju, który uważał się za bastion nienaruszalności w Europie, do wyczulenia na niespotykaną dotąd w skali skalę sprzeczności otaczającej rzeczywistości. W powojennej muzyce angielskiej dominuje odśrodkowa potrzeba patrzenia na świat z szerokiej perspektywy. Młodsze pokolenie zdecydowanie zetknęło się z nowatorskimi poszukiwaniami europejskich mistrzów - Strawińskiego, Schönberga. Fasada Williama Waltona (1902-1983) wywodzi się z idei kompozytorskich zaczerpniętych z Lunar Pierrot Schönberga, ale styl kompozycji opiera się na antyromantyzmie głoszonym przez Strawińskiego i francuską szóstkę. Constant Lambert (1905-1951) zaskoczył swoich rodaków, rozpoczynając pracę w gatunku baletu od pierwszych kroków na swojej drodze twórczej, której tradycje zostały przerwane w Anglii w drugiej połowie XVIII wieku; właściwie to całkiem naturalne, że kompozytora pociągał ten gatunek, który w Europie w latach 20. XX wieku stał się symbolem nowoczesnych poszukiwań artystycznych. Balet Lamberta Romeo i Julia (1925) był swego rodzaju odpowiedzią na Pulcinellę Strawińskiego. W tym samym czasie swoją drugą kompozycją - Elegiac Blues na małą orkiestrę (1927) - Lambert odpowiedział na jazz, który uderzył w Europejczyków. Alan Bush (1900-1995) związał swoją działalność z pozycją twórczą Eislera i ruchem robotniczym, nie tylko przejął odpowiednie idee społeczno-polityczne i filozoficzne, ale także wypracował własną technikę kompozytorską, opartą na doświadczeniach szkoły nowowenskiej, owocnie załamanych przez Eislera.

W pierwszej połowie lat 30. ostatecznie ukształtowała się zarysowana w poprzedniej dekadzie zmiana pokoleń kompozytorów. W 1934 roku Anglia straciła trzech głównych mistrzów - Elgara, Diliusa, Holsta. Spośród nich tylko Holst pracował aktywnie do ostatnich dni. Elgar, po dekadzie milczenia, dopiero na początku lat 30. ożył dla twórczości. Jednocześnie dotknięty ciężką chorobą i ślepotą Dilius, mieszkający we Francji, zainspirowany nieoczekiwanym sukcesem swojej muzyki w ojczyźnie, w Londynie, gdzie odbył się jego autorski festiwal w 1929 roku, oraz falą siłą dyktował swoje ostatnie dzieła.

Pod koniec lat 30. młode pokolenie osiągało dojrzałość twórczą. Czas eksperymentów się kończy, główne zainteresowania są określone, kreatywność wpada w nurt ustalonych tradycji, pojawia się mistrzostwo i wymaganie w stosunku do swoich pomysłów. W ten sposób William Walton pisze monumentalne oratorium biblijne („Uczta Belszaccara”, 1931), a po nim – główne dzieła orkiestrowe (I Symfonia, 1934; Koncert skrzypcowy, 1939). Michael Tippett (ur. 1905) odrzuca swoje wczesne opusy; nowe utwory z gatunku kameralnego (Pierwsza Sonata fortepianowa, 1937) i kompozycje koncertowo-orkiestrowe (Koncert na podwójną orkiestrę smyczkową, 1939; Fantazja na temat Haendla na fortepian i orkiestrę, 1941) zapowiada początek swojej kariery, pierwszą kulminację z których było oratorium „Dziecko naszych czasów” (1941). Wielkoformatowe kompozycje tworzyli w tych latach Lambert (maska ​​„Ostatnia wola i testament lata” na solistę, chór i orkiestrę, 1936), Berkeley (I Symfonia, 1940), Bush (I Symfonia, 1940).

Benjamin Britten wyróżnia się spośród wielu błyskotliwych i oryginalnych osobowości artystycznych, którymi bogata jest angielska szkoła kompozytorska XX wieku. To on miał znaleźć w swojej twórczości harmonijną interakcję wielokierunkowych (i dla poprzedniego pokolenia kompozytorów angielskich niemal wzajemnie wykluczających się) trendów - ucieleśnienie idei nowoczesności i urzeczywistnienie oryginalności sztuki narodowej.

britten music tworzący zespół wokalny

Anglia jest nazywana najbardziej „niemuzycznym” krajem w Europie. Według historyków sztuki historia powstania muzyki angielskiej sięga odległego IV wieku, kiedy na terytorium Wysp Brytyjskich zamieszkiwały plemiona celtyckie. W zachowanych pieśniach i balladach z tamtych czasów śpiewacy i bardowie opisywali wyprawy wojenne, czyny, romantyczne legendy i miłość do ojczyzny. Nowy etap w rozwoju kultury Anglii przypada dopiero na VI wiek, wraz z przyjęciem chrześcijaństwa sztuka muzyczna zaczęła się szybko rozwijać: najpierw pod kościołem, a następnie pod rządami państwa.

Dziś kompozytorzy angielscy nie są tak znani jak ich europejscy odpowiednicy, a wtedy raczej trudno jest szybko przypomnieć sobie ich nazwiska czy dzieła. Ale jeśli zajrzysz do historii world music, przekonasz się, że Wielka Brytania dała światu tak wielkich kompozytorów, jak Edwarda Elgara, Gustaw Holst,Ralpha Vaughana Williamsa oraz Benjamina Brittena.

Rozkwit kultury muzycznej w Wielkiej Brytanii przypadł na panowanie królowej Wiktorii. W 1905 roku w Anglii powstała pierwsza symfonia, której autorem był Edwarda Elgara. Powszechne uznanie młodego kompozytora przyniosło oratorium „Sen Gerontiusa”, które powstało w 1900 roku, a także „Wariacje na tajemniczy temat”. Elgara doceniła nie tylko Anglia, ale cała Europa, a słynny Austriak Johann Strauss zauważył nawet, że twórczość Elgara to szczyt angielskiego romantyzmu w dziedzinie muzyki.

Gustaw Holst to kolejny słynny angielski kompozytor żyjący w XIX wieku. Nazywany jest najbardziej oryginalnym i niezwykłym twórcą muzyki klasycznej – takie uznanie zyskał za scenę „Planety”. Praca ta składa się z siedmiu części i opisuje planety naszego Układu Słonecznego.

Następnym na liście wielkich kompozytorów jest założyciel szkoły „angielskiego renesansu muzycznego”, pra-bratanek Karola Darwina - Ralpha Vaughana Williamsa. Oprócz komponowania muzyki, Williams był również aktywny w pracy społecznej i kolekcjonował angielski folklor. Do jego najsłynniejszych dzieł należą trzy Norfolk Rhapsodies, fantazje na temat Tallis na podwójną orkiestrę smyczkową, a także symfonie, trzy balety, kilka oper i aranżacje pieśni ludowych.

Wśród współczesnych kompozytorów Anglii warto wyróżnić barona Edwarda Benjamina Britenne'a. Britten pisał utwory na orkiestry kameralne i symfoniczne, muzykę kościelną i wokalną. Dzięki niemu w podupadającej wówczas Anglii nastąpiło odrodzenie opery. Jednym z głównych wątków twórczości Britenn był protest przeciwko przejawom przemocy i wojny na rzecz pokoju i harmonii w stosunkach międzyludzkich, co najwyraźniej znalazło swój wyraz w „War Requiem”, napisanym w 1961 roku. Edward Benjamin również często odwiedzał Rosję, a nawet pisał muzykę do słów A. S. Puszkina.

B. Britten jest jednym z najważniejszych kompozytorów XX wieku. W jego twórczości reprezentowane są niemal wszystkie gatunki muzyczne: od utworów fortepianowych i utworów wokalnych po operę.

Właściwie wskrzesił angielską muzykę, która po śmierci Haendla nie miała kompozytora takiej wielkości od prawie dwustu lat.

Biografia

Początkowy okres twórczości

Edwarda Benjamina Brittena Brytyjski kompozytor, dyrygent i pianista , urodził się w 1913 roku w Lowestoft (hrabstwo Suffolk) w rodzinie dentysty. Jego zdolności muzyczne ujawniły się wcześnie: już w wieku 6 lat zaczął komponować muzykę. Jego pierwszą nauczycielką gry na fortepianie była jego mama, potem chłopiec uczył się gry na altówce.

Królewskie Kolegium Muzyczne

W Royal College of Music w Londynie studiował grę na fortepianie, studiował także kompozycję. Jego wczesne utwory od razu zwróciły uwagę świata muzycznego – były to „Hymn do Dziewicy” i wariacje chóralne „Narodziny dziecka”. Britten zostaje zaproszony do wytwórni filmów dokumentalnych, z którą współpracował przez 5 lat. Uważa ten okres za dobrą szkołę, w której musiał się dużo uczyć i komponować, nawet gdy odchodzi natchnienie i pozostaje tylko sumienna praca.

W tym okresie pracował także w radiu: pisał muzykę do audycji radiowych, następnie rozpoczął działalność koncertową.

Okres II wojny światowej

W latach 30. był już kompozytorem, którego twórczość zyskała światowy rozgłos: jego muzykę słychać było we Włoszech, Hiszpanii, Austrii i USA, ale wybuchła II wojna światowa i Britten opuścił Anglię, udając się do USA i Kanady. Kompozytor powrócił do ojczyzny dopiero w 1942 roku. Od razu zaczął koncertować w całym kraju: w małych wsiach, schronach, szpitalach, a nawet w więzieniach. A kiedy wojna się skończyła, od razu z koncertami odwiedził Niemcy, Belgię, Holandię, Szwajcarię i kraje skandynawskie.

Twórczość powojenna

W 1948 roku zorganizował w Aldborough, gdzie osiadł, Doroczny Międzynarodowy Festiwal Muzyczny, któremu poświęca wiele czasu, wysiłku i pieniędzy. Na pierwszym festiwalu w 1948 roku wykonano jego kantatę „Święty Mikołaj”.

Na początku lat 50. Britten brał udział w działalności Organizacji Artystów Muzycznych – Zwolenników Pokoju, pisał opery, aw 1956 podróżował do Indii, Cejlonu, Indonezji i Japonii. Wrażenia z podróży znalazły odzwierciedlenie w partyturze baletu „Książę pagód”. Ta baśniowa ekstrawagancja staje się pierwszym narodowym „wielkim” baletem; wcześniej w Anglii istniały tylko balety jednoaktowe. Potem Britten wraca do swojej ulubionej opery: w 1958 roku pojawia się Arka Noego, aw 1960 - Sen nocy letniej.

W 1961 roku Britten stworzył War Requiem, które stało się pomnikiem ofiar wojny. Został napisany na uroczystość poświęcenia katedry w mieście Coventry, całkowicie zniszczonym przez niemieckie bombardowania. Po raz pierwszy „War Requiem” wykonano w 1962 roku. Sukces był ogłuszający: „Requiem” zostało sprzedane w ciągu pierwszych dwóch miesięcy w nakładzie 200 tysięcy płyt, co świadczyło o prawdziwym sukcesie dzieła.

Ruiny katedry w Coventry

W tym samym czasie Britten pisał dzieła nowego gatunku: opery przypowieściowe. W 1964 roku Curlew River została napisana na japońskiej działce. „Stove Action” (1966) jest oparty na epizodzie ze Starego Testamentu, a „Syn marnotrawny” (1968) na przypowieści o ewangelii. „Kantata Miłosierdzia” Britten pisze na 100. rocznicę powstania Czerwonego Krzyża, kantata oparta jest na przypowieści o miłosiernym Samarytaninie. Został uroczyście wykonany w Genewie 1 września 1963 roku.

Brittena i Rosji

Usłyszawszy po raz pierwszy grę M. Rostropowicza w Londynie, Britten postanawia napisać dla niego pięcioczęściową Sonatę, z której każda ukazuje szczególne umiejętności wiolonczelisty. W marcu 1963 r. w Moskwie i Leningradzie odbył się festiwal muzyki angielskiej, na którym tę sonatę wykonali sam Britten i M. Rostropowicz. W tym samym czasie jednoaktowe opery Brittena zostały po raz pierwszy wystawione w Rosji przez Small Company z Covent Garden Theatre. W 1964 r. Britten ponownie odwiedza nasz kraj, nawiązuje przyjazne stosunki z D. Szostakowiczem, M. Rostropowiczem i G. Wiszniewską, nawet w nowym roku 1965 Britten spotyka się z Szostakowiczem na jego daczy.

M. Rostropowicz i B. Britten

Muzyka Szostakowicza ma zauważalny wpływ na twórczość Brittena. Pisze Koncert wiolonczelowy, który dedykuje Mścisławowi Rostropowiczowi, a cykl pieśni oparty na wierszach Puszkina – Galinie Wiszniewskiej. Szostakowicz dedykuje Brittenowi czternastą symfonię.

Ostatni raz B. Britten odwiedził Rosję w 1971 roku. W 1975 zmarł D. Szostakowicz, aw 1976 zmarł Britten.

Kreatywność B. Britten

Britten jest uważany za twórcę odrodzenia opery w Anglii. Pracując w różnych gatunkach muzycznych, Britten najbardziej lubił operę. Swoją pierwszą operę, Peter Grimes, ukończył w 1945 roku, a jej produkcja oznaczała odrodzenie narodowego teatru muzycznego. Libretto opery oparte jest na tragicznej historii dręczonego przez los rybaka Petera Grimesa. Muzyka jego opery jest zróżnicowana stylistycznie: posługuje się stylem wielu kompozytorów, w zależności od treści sceny: rysuje obrazy samotności i rozpaczy w stylu G. Mahlera, A. Berga, D. Szostakowicza ; realistyczne sceny rodzajowe - w stylu D. Verdiego i pejzaże morskie - w stylu C. Debussy'ego. Wszystkie te style genialnie łączy jedno – styl Brittena i kolor Wielkiej Brytanii.

Kompozytor zajmował się komponowaniem oper przez całe swoje późniejsze życie. Stworzył opery kameralne: „Zbezczeszczenie Lukrecji” (1946), „Albert Herring” (1947) na podstawie fabuły G. Maupassanta. W latach 50-60. tworzy opery Billy Budd (1951), Gloriana (1953), The Turn of the Screw (1954), Arka Noego (1958), Sen nocy letniej (1960) na podstawie komedii W. Szekspira, opera kameralna The Carlew River (1964), operę Syn marnotrawny (1968) dedykowaną Szostakowiczowi i Śmierć w Wenecji (1970) wg T. Manna.

Muzyka dla dzieci

Britten pisze także dla dzieci i wymyśla muzykę do celów edukacyjnych. Na przykład w sztuce „Zróbmy operę” (1949) wprowadza widzów w proces jej wykonywania. Już w 1945 roku napisał wariację i fugę na temat Purcella „Przewodnik po orkiestrze dla młodych słuchaczy”, w której wprowadza słuchaczy w barwy różnych instrumentów. S. Prokofiew ma podobną operę dla dzieci - „Piotruś i wilk”.

W 1949 roku Britten stworzył operę dla dzieci Mały kominiarz, aw 1958 operę Arka Noego.

B. Britten dużo koncertował jako pianista i dyrygent, koncertując po całym świecie.

1. Krótka historia muzyki angielskiej
2. Słuchaj muzyki
3. Wybitni przedstawiciele muzyki angielskiej
4. O autorze tego artykułu

Krótka historia muzyki angielskiej

pochodzenie
  Początki muzyki angielskiej sięgają kultury muzycznej Celtów (ludu żyjącego w pierwszym tysiącleciu na terenach współczesnej Anglii i Francji), której nosicielami byli w szczególności bardowie (śpiewacy-narratorzy starożytnych celtyckich plemiona). Wśród gatunków instrumentalnych znajdują się tańce: giga, country dance, hornpipe.

VI - VII wiek
  Pod koniec VI wieku. - początek VII w. rozwija się kościelna muzyka chóralna, z którą wiąże się kształtowanie sztuki zawodowej.

XI - XIV wiek
  W 11-14c. Rozpowszechniła się muzyczna i poetycka sztuka minstreli. Minstrel - w średniowieczu zawodowy muzyk i poeta, czasem gawędziarz, który służył u pana feudalnego. W drugiej połowie XIV wieku. rozwija się świecka sztuka muzyczna, powstają dworskie kaplice wokalne i instrumentalne. W pierwszej połowie XV wieku promowana jest angielska szkoła polifonistów, kierowana przez Johna Dunstable'a

16 wiek
  Kompozytorzy XVI wieku
K. Tai
D. Tavernera
T. Tallisa
D. Dowlanda
D. Byk
Dwór królewski stał się ośrodkiem muzyki świeckiej.

XVII wiek
  Początek XVII wieku Tworzy się angielski teatr muzyczny, wywodzący się z misteriów (gatunek muzyczny i dramatyczny średniowiecza).

18-19 wieków
  XVIII-XIX wiek - kryzys w angielskiej muzyce narodowej.
 Zagraniczne wpływy przenikają do narodowej kultury muzycznej, włoska opera podbija angielską publiczność.
W Anglii pracowali wybitni muzycy zagraniczni: G.F. Handel, I.K. Bach, J. Haydn (2 razy gościł).
  W XIX wieku Londyn stał się jednym z centrów europejskiego życia muzycznego. Tutaj koncertowali: F. Chopin, F. Liszt, N. Paganini, G. Berlioz, G. Wagner, J. Verdi, A. Dvorak, P. I. Czajkowski, A. K. Głazunow i inni. Ogród” (1732), Królewska Akademia Muzyczna ( 1822), Academy of Ancient Music (1770, pierwsze towarzystwo koncertowe w Londynie)

Przełom XIX - XX wieku.
  Istnieje tzw. angielskie odrodzenie muzyczne, czyli ruch na rzecz odrodzenia narodowych tradycji muzycznych, przejawiający się w odwoływaniu się do angielskiego folkloru muzycznego i dokonań mistrzów XVII wieku. Tendencje te charakteryzują twórczość nowej angielskiej szkoły kompozytorskiej; jej wybitnymi przedstawicielami są kompozytorzy E. Elgar, H. Parry, F. Dilius, G. Holst, R. Vaughan-Williams, J. Ireland, F. Bridge.

Możesz słuchać muzyki

Wybitni przedstawiciele muzyki angielskiej

  G. Purcell – największy kompozytor XVII wieku.
  W wieku 11 lat Purcell napisał pierwszą odę poświęconą Karolowi II. Od 1675 roku utwory wokalne Purcella były regularnie publikowane w różnych angielskich kolekcjach muzycznych.
  Od końca lat 70. XVII wieku. Purcell jest nadwornym muzykiem Stuartów. 1680s - okres rozkwitu twórczości Purcella. Równie dobrze sprawdzał się we wszystkich gatunkach: fantazje na instrumenty smyczkowe, muzyka teatralna, ody - pieśni powitalne, zbiór pieśni Purcella „Brytyjski Orfeusz”. Wiele melodii jego piosenek, zbliżonych do melodii ludowych, zyskało popularność i było śpiewanych za życia Purcella.
  W 1683 i 1687 r ukazały się zbiory triowe – sonaty na skrzypce i bas. Wykorzystanie kompozycji skrzypcowych było innowacją, która wzbogaciła angielską muzykę instrumentalną.
  Szczytem twórczości Purcella jest opera Dydona i Eneasz (1689), pierwsza narodowa opera angielska (na podstawie Eneidy Wergiliusza). To największe zjawisko w historii muzyki angielskiej. Jej fabuła jest przerobiona w duchu angielskiej poezji ludowej - operę wyróżnia ścisła jedność muzyki i tekstu. Bogaty świat obrazów i uczuć Purcella znajduje różnorodne formy wyrazu – od głębokich psychologicznie po niegrzecznie dziarskie, od tragicznych po humorystyczne. Jednak dominującym nastrojem jego muzyki jest przenikliwy liryzm.
 Większość jego pism szybko została zapomniana, a pisma Purcella zyskały rozgłos dopiero w ostatniej trzeciej połowie XIX wieku. w 1876 r Towarzystwo Purcella zostało zorganizowane. Zainteresowanie jego twórczością wzrosło w Wielkiej Brytanii dzięki działalności B. Brittena.

BE Britten (1913 - 1976)

  Jeden z największych mistrzów muzyki angielskiej XX wieku – Benjamin Britten – kompozytor, pianista i dyrygent. Zaczął komponować muzykę w wieku 8 lat. Od 1929 studiuje w Royal College of Music w Londynie. Już w jego młodzieńczej twórczości pojawił się oryginalny dar melodyczny, fantazja i humor. We wczesnych latach ważne miejsce w twórczości Brittena zajmują solowe kompozycje wokalne i chóralne. Indywidualny styl Brittena związany jest z narodową tradycją angielską (badanie twórczości Purcella i innych kompozytorów angielskich XVI i XVII wieku). Do najlepszych dzieł Brittena, które zyskały uznanie w Anglii i innych krajach, należą opery „Peter Grimes”, „Sen nocy letniej” i inne. Britten jawi się w nich jako subtelny dramaturg muzyczny – innowator. „War Requiem” (1962) to tragiczne i odważne dzieło poświęcone palącym problemom współczesności, potępiające militaryzm i wzywające do pokoju. Britten koncertował w ZSRR w 1963, 1964, 1971.

Zespoły muzyczne XX wieku
"Toczące się kamienie"

  Wiosną 1962 roku gitarzysta Brian Jones założył zespół o nazwie The Rolling Stones. The Rolling Stones to Mick Jagger (wokal), Brian Jones i Keith Richards (gitary), Bill Wyman (bas) i Charlie Watts (perkusja).
  Zespół ten wniósł na brytyjską scenę twardą i energiczną muzykę, agresywny styl gry i nieskrępowane zachowanie. Zaniedbywali kostiumy sceniczne, nosili długie włosy.
 W przeciwieństwie do Beatlesów (którzy budzili sympatię), Rolling Stones stali się ucieleśnieniem wrogów społeczeństwa, co pozwoliło zdobyć nieprzemijającą popularność wśród młodych ludzi.

Beatlesi

  W 1956 roku w Liverpoolu powstał kwartet wokalno-instrumentalny. W skład zespołu weszli John Lennon, Paul McCartney, George Harrison (gitary), Ringo Starr (perkusja).
  Zespół zyskał dziką popularność, wykonując utwory w stylu „big - beat”, a od połowy lat 60. piosenki Beatlesów stały się bardziej złożone.
  Mieli zaszczyt wystąpić w pałacu przed królową.

O autorze tego artykułu

W swojej pracy korzystałem z następującej literatury:
- Słownik encyklopedyczny muzyki. Ch. wyd. RV Keldysz. 1990
- Czasopismo „Południk Studencki”, 1991 Wydanie specjalne
- Encyklopedia muzyczna, rozdz. wyd. Yu.V.Keldysh. 1978
- Nowoczesna encyklopedia „Avanta plus” i „Muzyka naszych czasów”, 2002 Ch. wyd. W. Wołodin.

Charles Ives „Odkrycie” Ivesa nastąpiło dopiero pod koniec lat 30., kiedy okazało się, że wiele (i w dodatku bardzo różnych) metod najnowszego pisarstwa muzycznego przetestował już oryginalny kompozytor amerykański w epoce A. Skriabin, C. Debussy i G. Mahler. Zanim Ives stał się sławny, przez wiele lat nie komponował muzyki, a ciężko chory zerwał kontakt ze światem zewnętrznym.

Następnie, w latach dwudziestych, odchodząc od muzyki, Ives stał się odnoszącym sukcesy biznesmenem i wybitnym specjalistą (autorem popularnych prac) w zakresie ubezpieczeń. Większość dzieł Ivesa należy do gatunków muzyki orkiestrowej i kameralnej. Jest autorem pięciu symfonii, uwertur, utworów programowych na orkiestrę (Trzy wioski w Nowej Anglii, Central Park w ciemnościach), dwóch kwartetów smyczkowych, pięciu sonat na skrzypce, dwóch na fortepian, utworów na organy, chóry i ponad 100 pieśni . Symfonia nr. 1 ja. Allegro Rej. II. Largo II. Adagio molto III. Scherzo: Vivace IV. Allegro molto i. Allegro Ray. II. Largo II. Adagio malto III. Scherzo: Vivace IV Allegro malto

W II Sonacie fortepianowej () kompozytor złożył hołd swoim duchowym poprzednikom. Każda z jego części przedstawia portret jednego z filozofów amerykańskich: R. Emersona, N. Hawthorne'a, G. Topo; cała sonata nosi nazwę miejsca, w którym żyli ci filozofowie (Concord, Massachusetts,). Ich idee stanowiły podstawę światopoglądu Ivesa (na przykład pomysł połączenia życia ludzkiego z życiem natury) Sonata No. 2 na fortepian: Concord, Mass., I. Emerson II. Hawthorne III. Alcottowie iv. Thoreau Sonata 2 na fortepian:. Concord, Massachusetts, I. Emerson II. Hawthorne III. W Alcotts IV Toro

Edward William Elgar E. Elgar był największym kompozytorem angielskim przełomu XIX i XX wieku. Dopiero w 1882 roku kompozytor zdał egzaminy w Królewskiej Akademii Muzycznej w Londynie w klasie skrzypiec i przedmiotów z teorii muzyki. Już w dzieciństwie opanował grę na wielu instrumentach skrzypce, fortepian, w 1885 zastąpił ojca jako organista kościelny.W 1873 Elgar rozpoczął karierę zawodową jako skrzypek w Worcester Glee Club (towarzystwo chóralne), a od roku pracował w rodzinnym mieście jako akompaniator i dyrygent orkiestry amatorskiej.

O znaczeniu Elgara dla historii muzyki angielskiej decydują przede wszystkim dwa dzieła: oratorium The Dream of Gerontius (1900, na st. J. Newman) oraz symfoniczne Wariacje na tajemniczy temat, które stały się wyżynami angielskiego musicalu romantyzm. „Tajemnica” wariacji polega na tym, że zaszyfrowane są w nich imiona przyjaciół kompozytora, ukryty jest również temat muzyczny cyklu. (Wszystko to przypomina „Sfinksy” z „Karnawału” R. Schumanna.) Elgar jest także właścicielem pierwszej angielskiej symfonii (1908). Wśród innych licznych dzieł orkiestrowych kompozytora (uwertury, suity, koncerty itp.) wyróżnia się Koncert skrzypcowy (1910), jeden z najpopularniejszych utworów tego gatunku. Sen Gerontiusa Sen Gerontiusa

Muzyka Elgara jest czarująca melodycznie, barwna, ma jasną charakterystykę, w utworach symfonicznych przyciąga kunsztem orkiestrowym, subtelnością instrumentacji, przejawem romantycznego myślenia. Do początku XX wieku. Elgar zyskał europejskie znaczenie. Kraina nadziei i chwały

Ralph Vaughan Williams Angielski kompozytor, organista i muzyczna postać publiczna, kolekcjoner i badacz angielskiego folkloru muzycznego. Studiował w Trinity College, Cambridge University u C. Wooda oraz w Royal College of Music w Londynie () u X. Parry'ego i C. Stanforda (kompozycja), W. Parretta (organy); doskonalił się kompozycyjnie u M. Brucha w Berlinie, u M. Ravela w Paryżu. Organista kościoła South Lambeth w Londynie. Od 1904 jest członkiem Towarzystwa Pieśni Ludowej. Od 1919 wykładał kompozycję w Royal College of Music (od 1921 profesor). Lider Chóru Bacha.

Dzieła symfoniczne Vaughana-Williamsa wyróżniają się dramatycznym charakterem (IV symfonia), klarownością melodyczną, mistrzostwem w prowadzeniu głosu i pomysłowością orkiestracji, w której wyczuwalny jest wpływ impresjonistów. Wśród monumentalnych dzieł wokalnych, symfonicznych i chóralnych znajdują się oratoria i kantaty przeznaczone do wykonawstwa kościelnego. Spośród oper największym powodzeniem cieszy się „Sir John in Love” („Sir John in Love”, 1929 na podstawie „The Windsor Gossips” W. Szekspira). Vaughan Williams był jednym z pierwszych kompozytorów angielskich, którzy aktywnie działali w kinie (jego VII Symfonia powstała na podstawie muzyki do filmu o polarniku R. F. Scotcie). Symfonia Vaughana Williamsa 4.

Naukę gry na fortepianie rozpoczęła w wieku 5 lat, w wieku 8 lat zagrała z pamięci prawie wszystkie utwory Beethovena. W wieku 20 lat liczba jej koncertów osiągnęła 100 rocznie. „Kiedy słucham, jak gram, mam wrażenie, że jestem obecna na własnym pogrzebie” – to zdanie stało się jakby prorocze, ponieważ w 1960 roku na skutek zawału serca na koncercie jej działalność muzyczna ustała. Skomponowała kilka swoich utworów („Julia Hess Sonata”, „Pożegnanie”). Styl: muzyka klasyczna. W czasie wojen koncertowała na całym świecie, za co była ceniona i wciąż pamiętana przez wielu ludzi.

Amerykański pianista jazzowy, dyrygent, autor tekstów, jazzman, flecista, aktor i kompozytor, zdobywca 14 nagród Grammy, jeden z najbardziej wpływowych muzyków jazzowych. Muzyka Hancocka łączy elementy rocka i freestyle'u z jazzem. Hancock jest Ambasadorem Dobrej Woli UNESCO i prezesem Thelonius Monk Jazz Institute. O Herbie mówią: „Geniusz czystej prostoty”.

Wokalista, muzyk, pianista, aranżer, kompozytor, harmonista. Od dzieciństwa był niewidomy, ale to nie przeszkodziło mu zostać genialnym pianistą w wieku 8 lat. „Widzi, bo czuje” — powiedzieli jego rodzice. Wonder lubi używać w swoich kompozycjach wielu skomplikowanych akordów. Prezydent USA Barack Obama jest wieloletnim fanem muzyki Steviego Wondera. Jego imię w krajach anglojęzycznych stało się powszechnie znane wśród niewidomych.

Murzyn gitarzysta Chuck Berry, który stał u początków rock and rolla, miał taki wpływ na tę muzykę, że po prostu nie sposób sobie wyobrazić ten styl bez niego. Skomponował wiele świetnych piosenek, które stały się przykładami rock and rolla, wymyślił wiele sztuczek, które gitarzyści wciąż powtarzają na scenie. Dość symptomatyczne jest powiedzenie Johna Lennona: „Gdyby termin„ rock and roll ”nie istniał, ta muzyka musiałaby nazywać się„ Chuck Berry ”. Amerykański muzyk Chuck Berry Chuck Berry 1926) (1926)

Bob Dylan nazywany jest „objawieniem Ameryki” iw tym sensie jego twórczość jest przeciwieństwem twórczości mistrzów alegorii gwiazd muzyki pop. Wiadomo, że w piosenkach, jak w lustrze, ich autor odbija się ze wszystkimi swoimi działaniami i aspiracjami. Piosenki Dylana charakteryzują się pewną rozwagą i oryginalnością, podkreślaną przez niezależność ocen. Już we wczesnych latach odrzucał wszelkie zewnętrzne opinie na temat tego, jak śpiewać i pisać muzykę. Amerykański piosenkarz i kompozytor Bob Dylan Amerykański piosenkarz i kompozytor Bob Dylan (1941) (1941)

Z Elvisem Presleyem kojarzy się stabilna fraza „King of Rock and Roll”. Zajmuje trzecie miejsce wśród największych wykonawców wszechczasów i największych wokalistów według magazynu Rolling Stone. Podczas swojej kariery Elvis Presley zdobył trzy nagrody Grammy (1967, 1972, 1975), był nominowany 14 razy. W styczniu 1971 roku piosenkarz otrzymał nagrodę Jaycee - jako jeden z „dziesięciu wybitnych ludzi roku” amerykańskiego piosenkarza rockowego Elvisa Presleya ()

Brytyjski zespół rockowy z Liverpoolu, założony w 1960 roku, w skład którego wchodzili John Lennon, Paul McCartney, George Harrison i Ringo Starr. Słynny zespół z Liverpoolu osiągnął wiele sukcesów, które są niesamowite nawet teraz i które współcześni wykonawcy próbują powtórzyć. Do najwyższych osiągnięć Beatlesów można zaliczyć fakt, że ich „A Day In The Life” jest najlepszą piosenką w Wielkiej Brytanii, album „Revolver” (1966) został uznany za najlepszy album w historii rock and rolla, a smutna piosenka zatytułowana „Yesterday” była wykonywana ponad siedem milionów razy w ostatnim stuleciu. A to nie wszystkie osiągnięcia Beatlesów!

Jej sukces na polu muzycznym jest imponujący. Dziś piosenkarka została nagrodzona 34 złotymi płytami i 21 platynowymi płytami. W swojej karierze zdobyła dwie nagrody GRAMMY. Od 1964 roku na świecie sprzedano ponad 60 milionów jej płyt… Jej sukces na polu muzycznym jest imponujący. Dziś piosenkarka została nagrodzona 34 złotymi płytami i 21 platynowymi płytami. W swojej karierze zdobyła dwie nagrody GRAMMY. Od 1964 roku na całym świecie sprzedano ponad 60 milionów jej płyt… W 1992 roku ukazały się cztery płyty CD Barbry Streisand „Just for the Chronicle”, stanowiące dźwiękową ilustrację jej kariery, począwszy od pierwszego nagrania dźwiękowego w 1955 roku . Płyty zawierają nagrania wczesnych programów telewizyjnych z udziałem Barbry Streisand, jej przemówień z nagrodami i niewydanych piosenek. W 1992 roku ukazały się cztery płyty Barbry Streisand „Just for the Chronicle”, dźwiękowa ilustracja jej kariery od pierwszego nagrania z 1955 roku. Płyty zawierają nagrania wczesnych programów telewizyjnych z udziałem Barbry Streisand, jej przemówień z nagrodami i niewydanych piosenek. „Trzeba żyć, nie podporządkowując swojego życia opiniom innych ludzi” – podsumowuje swoje życiowe doświadczenie Barbra. Tylko w ten sposób nie możesz się zmienić. „Trzeba żyć, nie podporządkowując swojego życia opiniom innych ludzi” – podsumowuje swoje życiowe doświadczenie Barbra. Tylko w ten sposób nie możesz się zmienić. Amerykańska piosenkarka, kompozytorka, reżyserka, scenarzystka, aktorka filmowa (1942)

Brytyjski zespół rockowy założony w 1964 roku. Oryginalny skład składał się z Pete'a Townsenda, Rogera Daltreya, Johna Entwistle'a i Keitha Moona. Zespół odniósł ogromny sukces dzięki niezwykłym występom na żywo i jest uważany zarówno za jeden z najbardziej wpływowych zespołów lat 60. i 70., jak i jeden z największych zespołów rockowych wszechczasów. The Who zasłynęli w swojej ojczyźnie zarówno dzięki nowatorskiej technice łamania instrumentów na scenie po występie, jak i dzięki przebojowym singlom. Kto (ci sami) 1964