Urodzony w 1984 w Moskwie. Ukończył Konserwatorium Moskiewskie. LICZBA PI. Czajkowskiego w specjalnościach: dyrygentura chóralna (klasa prof. S.S. Kalinina, 2008) oraz dyrygentura operowa i symfoniczna (klasa Artysty Ludowego Rosji prof. V.K. Polyansky, 2010). Laureat Ogólnorosyjskiego Konkursu Dyrygentów (Moskwa, 2008).
Od 2008 do 2011 - dyrektor artystyczny i dyrygent chóru Państwowej Wyższej Szkoły Muzycznej. Gnesinykh, nauczyciel dyrygentury. W 2008 roku założył zespół Questa Musica, z którym zrealizował szereg dużych projektów w Rosji i za granicą.
Od 2011 - nauczyciel w Moskiewskim Konserwatorium Państwowym. LICZBA PI. Czajkowski. Od 2011 - dyrygent Państwowego Akademickiego Chóru Symfonicznego Rosji (dyrektor artystyczny Valery Polyansky).
We wrześniu 2012 roku w Teatrze Bolszoj pod dyrekcją Philipa Chizhevsky'ego odbyła się premiera opery Siergieja Newskiego „Francis”, a w październiku 2012 roku – premiera opery Michaela Nymana „Prolog do Dydony i Eneasza Purcella” z Państwową Orkiestrą Rosji w Permie . W 2013 roku wraz z Ensemble Questa Musica wystawił Historię żołnierza I. Strawińskiego (w choreografii Olega Głuszkowa). Od 2014 roku jest dyrygentem Teatru Bolszoj. W 2014 roku wystawił w Buriackim Państwowym Akademickim Teatrze Opery i Baletu operę Mozarta „Tak czyńcie wszystkie kobiety, czyli szkoła zakochanych” (w reżyserii Hansa-Joachima Freia). Jest dyrektorem muzycznym pierwszego Festiwalu Baroku w Teatrze Bolszoj (sezon 2014/15).
W czerwcu 2015 roku wraz z reżyserem Borysem Juchananowem wystawił w Elektroteatrze Stanisławskiego cykl operowy Wiertła, w ramach którego odbyły się światowe prawykonania oper czołowych rosyjskich kompozytorów: Dmitrija Kurlanowskiego, Borysa Filanowskiego, Aleksieja Syumaka, Siergieja Newskiego, Aleksieja Sysojewa i Władimira Ranniewa .
Od 2016 roku Philip Chizhevsky współpracuje z Tokio New Sity Orchestra (Japonia, Tokio). W lutym 2016 wraz z Questa Musica wziął udział w festiwalu muzyki barokowej w Linz (Austria). Wraz ze skrzypkiem Roman Mints nagrał muzykę Leonida Desyatnikova („Szkice do zachodu słońca” i „Pory roku rosyjskiego”). Jest dyrektorem artystycznym II Międzynarodowego Festiwalu Śpiewu Prawosławnego „Iluminator” (ks. Valaam). W ramach V Festiwalu Muzyki Współczesnej „Inna przestrzeń” wraz z Władimirem Jurowskim i Fuadem Ibragimovem wykonał rosyjską premierę „Grup” Stockhausena na trzy orkiestry i trzech dyrygentów. W latach 2013 i 2016 została nominowana do nagrody teatralnej „Złota Maska” w nominacji „Najlepsze dzieło dyrygenta”.
Członek jury nagrody teatralnej „Złota Maska” 2017
Współpracuje z czołowymi rosyjskimi i zagranicznymi orkiestrami, w tym: Tokio New City Orchestr, Brno Philharmonic Orchestra (dyrygent główny - Alexander Markovits), Brandenburgische Staatsorchester (dyrektor artystyczny Howard Griffiths), Litewska Orkiestra Kameralna, New Opera Theatre Orchestra (dyrygent główny - Jan Latham- Koenig), Orkiestra Filharmonii Narodowej Rosji (dyrektor artystyczny Vladimir Spivakov), Nowa Rosja (dyrektor artystyczny Yuri Bashmet), Filharmonia Rosyjska (dyrektor artystyczny Dmitry Yurovsky), Państwowa Orkiestra Symfoniczna. E.F. Svetlanova (dyrektor artystyczny Vladimir Yurovsky), Musica Viva (dyrektor artystyczny Alexander Rudin).
konduktor
Urodzony w 1984 w Moskwie. Ukończył Konserwatorium Moskiewskie. P. I. Czajkowskiego w specjalnościach: dyrygentura chóralna (klasa prof. S. S. Kalinina, 2008) oraz dyrygentura operowa i symfoniczna (klasa Artysty Ludowego Rosji prof. V. K. Polyansky, 2010). Laureat Ogólnorosyjskiego Konkursu Dyrygentów (Moskwa, 2008).
Od 2008 do 2011 - dyrektor artystyczny i dyrygent chóru Państwowej Wyższej Szkoły Muzycznej. Gnesinykh, nauczyciel dyrygentury.
W 2008 roku założył zespół Questa Musica, z którym wykonał szereg
duże projekty w Rosji i za granicą.
Od 2011 roku jest pedagogiem w Konserwatorium Moskiewskim. P. I. Czajkowski.
Od 2011 - dyrygent Państwowego Akademickiego Chóru Symfonicznego Rosji (dyrektor artystyczny Valery Polyansky).
We wrześniu 2012 roku w Teatrze Bolszoj pod dyrekcją Philipa Chizhevsky'ego odbyła się premiera opery Siergieja Newskiego „Francis”, a w październiku 2012 roku – premiera opery Michaela Nymana „Prolog do Dydony i Eneasza Purcella” z Państwową Orkiestrą Rosji w Permie . W 2013 roku wraz z Ensemble Questa Musica wystawił Historię żołnierza I. Strawińskiego (w choreografii Olega Głuszkowa). Od 2014 roku jest dyrygentem Teatru Bolszoj. W 2014 roku wystawił operę Mozarta „Così fan tutte” w Buriackim Państwowym Akademickim Teatrze Opery i Baletu (reżyser Hans-Joachim Frei). Jest dyrektorem muzycznym pierwszego barokowego festiwalu w Teatrze Bolszoj (sezon 2014/2015).
W czerwcu 2015 roku wraz z reżyserem Borysem Juchananowem wystawił w Stanislavsky Electrotheatre cykl operowy Wiertła, który obejmuje światowe prawykonania oper czołowych rosyjskich kompozytorów: Dmitrija Kurlanowskiego, Borysa Filanowskiego, Aleksieja Syumaka, Siergieja Newskiego, Aleksieja Sysojewa i Władimira Ranniewa .
Od 2016 roku Philip Chizhevsky współpracuje z Tokio New Sity Orchestra (Japonia, Tokio).
W lutym 2016 wraz z Questa Musica wziął udział w festiwalu muzyki barokowej w Linz (Austria). Wraz ze skrzypkiem Roman Mints nagrał muzykę Leonida Desyatnikova („Szkice do zachodu słońca” i „Pory roku rosyjskiego”). Jest dyrektorem artystycznym II Międzynarodowego Festiwalu Śpiewu Prawosławnego „Iluminator” (ks. Valaam). W ramach V Festiwalu Muzyki Współczesnej „Inna przestrzeń” wraz z W. Jurowskim i F. Ibragimovem wykonał rosyjską premierę „Grup” Stockhausena na trzy orkiestry i trzech dyrygentów.
Dwukrotnie nominowany do nagrody teatralnej „Złota Maska” za najlepsze dzieło dyrygenta (opera „Francis” S. Nevsky'ego w 2013 roku, Teatr Bolszoj i cykl operowy „Sverliytsy” w 2016 roku, Stanislavsky Electrotheatre)
Członek jury nagrody teatralnej „Złota Maska” 2017
Współpracuje z czołowymi rosyjskimi i zagranicznymi orkiestrami, w tym: Tokio New City Orchestr, Brno Philharmonic Orchestra (dyrygent główny - Alexander Markovits), Brandenburgische Staatsorchester (dyrektor artystyczny Howard Griffiths), Litewska Orkiestra Kameralna, New Opera Theatre Orchestra (dyrygent główny Jan Latham-Koenig ), Orkiestra Filharmonii Narodowej Rosji (dyrektor artystyczny Vladimir Spivakov), Nowa Rosja (dyrektor artystyczny Jurij Bashmet), Towarzystwo Filharmonii Rosyjskiej (dyrektor artystyczny Dmitrij Jurowski), Państwowa Orkiestra Symfoniczna. E.F. Svetlanova (dyrektor artystyczny Vladimir Yurovsky), Musica Viva (dyrektor artystyczny Alexander Rudin).
Na Małej Scenie Teatru Muzycznego im. K. S. Stanisławskiego i Vl. I. Niemirowicza-Danczenko w maju odbędzie się rosyjska premiera oratorium Georga Friedricha Haendla „Triumf czasu i niewrażliwości”.
Przedstawienie wyreżyserował Konstantin Bogomołow, który jako pierwszy zwrócił się do teatru muzycznego.
Nowe libretto stworzył słynny pisarz, scenarzysta, artysta Vladimir Sorokin.
Za komponent muzyczny odpowiada zespół Questa Musica pod kierownictwem Philipa Chizhevsky'ego.
Tuż przed premierą dyrygent opowiedział o tym oratorium i muzyce Haendla.
- Filip, jak wiem, Konstantin Bogomołow planował wystawić „Triumf czasu i niewrażliwości” trzy lata temu. Jak to się stało, że stałeś się częścią omawianego już spektaklu?
- Zostałem zaproszony przez Antona Getmana i na urodziny. Powiedział, że miał już umowę z Kostią, a teraz potrzebuje mnie i moich muzyków. To prawda, postawił warunek gry na instrumentach historycznych.
Dla mnie ta oferta była najlepszym prezentem! „Triumph…” to bardzo złożony i nietypowy projekt. W tym oratorium znajdują się cztery alegoryczne postaci bezpłciowe. Zasugerowałem Kosti, że powinniśmy stworzyć wyłącznie męską historię, a on natychmiast wpadł na ten pomysł. Mamy czterech wspaniałych solistów, odbyliśmy pierwszy blok prób z orkiestrą, wymyśliliśmy coś na continuo... Ale wszystkich tajemnic nie zdradzę.
- Miałeś już doświadczenie w pracy nad muzyką Haendla - zarówno przy oratorium "Mesjasz", jak i przy operze "Rodelinda" - razem z Christopherem Muldsem. Teraz - jedno z wczesnych dzieł wielkiego kompozytora.
Tak, to, jak wiadomo, jego pierwsze oratorium. Gramy najwcześniejszą wersję, napisaną dla jego włoskich mecenasów w 1707 roku. Handel zajął się tą pracą trzydzieści lat później (1737) i okazała się ona w połowie angielska, w połowie włoska. A potem kolejne 20 lat później (1757) oratorium było już w całości wykonywane w języku angielskim.
Dla Haendla jest to dzieło absolutnie „awangardowe”. Nie lubię tego słowa. Rzeczywiście, w zasadzie Haendel jest raczej „czesanym” kompozytorem. Cała jego muzyka jest piękna, harmonijna – po prostu Igor Krutoy swoich czasów. A jeśli posłuchacie arii „Gentle Morpheus” z „Alcesty”, to jest to czysty styl ABBA.
Oczywiście jest odwrotnie, ale znaczenie tego, co chcę powiedzieć, jest jasne. W młodości Haendel nadal miał "wilczy" zapach. A potem trochę się uspokoił.
— W „Triumfie czasu i niewrażliwości” nie ma najważniejszej dla oratorium rzeczy – chóru. Chciałoby się nazwać to dzieło operą. Ale, jak pisze Larisa Valentinovna Kirillina w swojej książce o Handlu, na polecenie papieża Klemensa XI, publiczne przedstawienia operowe w Rzymie od 1700 do 1721 roku nie mogły być wystawiane. Nie sądzisz, że Haendel w ten sposób zaszyfrował swoją pracę?
- Oczywiście. Handel chciał napisać operę. Ale wciąż był młodym mężczyzną i, jak mówią, nie potrzebował problemów. Opera stała się więc oratorium. W partyturze jest sporo znalezisk kompozytora - na przykład w pełni napisana solowa partia organów. To dość rzadkie w jego muzyce.
Oprócz szykownych duetów i arii (nawiasem mówiąc, jedna aria przeniosła się później do opery „Rinaldo”), są tylko dwa recytatywy akompaniatorskie i dwa kwartety, jeden z nich jest pełny („Voglio tempo”). Ile znamy od niego podobnych sampli, na których śpiewają cztery osoby jednocześnie? To wyjątkowy przykład.
W "Triumph ..." włoski styl pisania jest wyraźnie wyczuwalny, przede wszystkim ze względu na obfitość "bel canto", którego zarodki są bardzo wyraźnie widoczne. Partie wokalistów są napisane w najdzikszy sposób! Soliści muszą mieć fenomenalną technikę.
Handel, podobnie jak wielu jego kolegów, traktuje głosy instrumentalnie. Powiedzmy, że ma dwa oboje grające małe nuty, a potem od razu uruchamia tę fakturę w duecie wokalnym. Wygląda na to, że jest trochę drażniony. Handel miał wtedy 22 lata, był przytłoczony energią życiową, nie bał się eksperymentować.
Ale po wielu latach patrzył na swoje młode ja przez pryzmat dojrzałego muzyka, tak jak zrobiłby to później Bruckner, kiedy w ostatnich latach życia powrócił do swojej pierwszej symfonii.
- Konstantin Bogomołow nazwał libretto kardynała Pamphili „zgniłym”. Czy zgadzasz się z nim?
- Chyba tak. Ogólnie rzecz biorąc, jeśli spojrzymy na niektóre próbki libretta z tamtych czasów, nie znajdziemy nic super interesującego. Z Pamphili wszystko jest jasne - tutaj Przyjemność mówi do Piękna: „Zawsze będziesz piękna”. A Time odpowiada: „Nie, wszystko kiedyś się kończy…” Cóż, wszystko wokół tego.
A dla Kostyi, jako osoby teatralnej, ważne jest dokładniejsze ucieleśnienie tej warunkowej fabuły. Co Sorokin zrobił z tekstem? Po prostu wziął i napisał swój tekst! Chociaż oczywiście apel z Pamphili pozostał. Moim zdaniem jest to niesamowicie dobrze zrobione. Bardzo ciekawe rozwiązanie. Tutaj patrzymy na obraz - jeśli odgadniemy kąt i kąt, pod jakim artysta zastosował to lub inne pociągnięcie, wtedy ten obraz zostaje nam ujawniony. Wydaje mi się, że Sorokin zrobił to samo. Domyślił się Haendla.
— Tekst libretta był zgodny z epoką. Ale czy współczesnego widza zainteresuje cały ten kompleks symboli i alegorii? A może potrzebna jest kardynalna decyzja, jak w przypadku wersji Sorokina?
— Nie sądzę, żeby oratorium w oryginalnym przedstawieniu historycznym było nudne. Ale mamy swoją własną drogę. Na pewno widzieliście spektakl Krzysztofa Warlikowskiego w Aix-en-Provence, gdzie w ostatniej arii Piękna otwiera swoje żyły. U nas wszystko jest inne. Artysta, który podejmuje dla siebie coś nowego, chce dużo powiedzieć, wiele przekazać widzowi. Ponadto utalentowany artysta.
- Na premierze oratorium nie było triumfu, ale myślisz, że go będziemy mieli?
Jedno mogę powiedzieć na pewno – będzie ciekawie. Nawet teraz, w trakcie prób, czujemy się świeżo. Naturalnie gramy „na żyłach”, ale mówię moim muzykom: przyjaciele, zapomnijcie, że jesteście wykonawcami barokowymi.
Na tę muzykę patrzymy przez pryzmat naszych czasów – zarówno pod względem struktury, jak i artykulacji, uderzeń, dynamiki. Musimy szukać innych sposobów. Tak, wiemy, że tutaj musimy zwolnić, ale tutaj musimy iść do przodu. Ale dlaczego mielibyśmy się tego trzymać w 100%? Gramy muzykę najnowszą, ale potrafimy grać muzykę barokową z tego samego „wyglądu”.
W Triumfie czasu i niewrażliwości pojawi się Haendel, być może niepodobny do tego, do którego przywykliśmy. Wykonujemy nietypowy Handel. Ale na instrumentach historycznych.
Urodzony w 1984 w Moskwie. Ukończył Konserwatorium Moskiewskie z dyplomem dyrygentury chóralnej (klasa Stanisława Kalinina) oraz dyrygentury operowej i symfonicznej (klasa Walerego Polańskiego). W 2008 roku został laureatem Ogólnorosyjskiego Konkursu Dyrygenckiego w Moskwie, jednocześnie założył zespół Questa Musica, z którym współpracuje w Rosji i za granicą. W 2013 roku z tym zespołem zaprezentował Opowieść o żołnierzu Strawińskiego w Centrum Teatralnym na Strastnoy (choreografia Olega Głuszkowa), a w 2016 roku wziął udział w Festiwalu Muzyki Barokowej w Linzu (Austria). Prowadził chór Gnesins State Music College, gdzie również uczył dyrygentury.
W 2011 roku został dyrygentem Państwowego Akademickiego Chóru Symfonicznego Rosji (dyrektor artystyczny - Valery Polyansky). Asystował Giennadijowi Rożdestwenskiemu w przygotowaniu koncertów abonamentowych zespołu, brał udział wraz z Orkiestrą Capella w przeprowadzeniu I Ogólnorosyjskiego Konkursu Muzycznego, za co otrzymał wdzięczność Ministra Kultury Federacji Rosyjskiej. Dyrygował premierą Prologu Dydony Michaela Nymana i Eneasza Purcella w Permie. W 2012 roku wyreżyserował premierowe przedstawienie opery Franciszek Siergieja Newskiego w Teatrze Bolszoj w Rosji. Za tę pracę był nominowany do Narodowej Nagrody Teatralnej Złotej Maski. W 2014 roku był etatowym dyrygentem Teatru Bolszoj, od 2015 roku jest dyrygentem zaproszonym. Dyrektor muzyczny I Festiwalu Barokowego Teatru Bolszoj. W 2014 roku wystawił operę Mozarta Wszystkie kobiety to robią w Buriackim Państwowym Akademickim Teatrze Opery i Baletu (reżyser Hans-Joachim Frei). W czerwcu 2015 roku wraz z reżyserem Borysem Juchananowem wystawił w Elektroteatrze Stanisławskiego cykl operowy Wiertła, za który został ponownie nominowany do Złotej Maski.
W ramach V festiwalu „Inna przestrzeń” wraz z Władimirem Jurowskim i Fuadem Ibragimovem wykonał rosyjską premierę Zespołów Stockhausena (2016). Członek jury nagrody Złotej Maski (2017). Kierownik muzyczny inscenizacji oratorium „Triumf czasu i niewrażliwości” Haendla w Teatrze Muzycznym im. Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki (2018). Współpracuje z orkiestrami rosyjskimi i zagranicznymi, w tym Orkiestrą Państwową Rosji im. E. F. Svetlanova, Orkiestrą Filharmonii Narodowej Rosji, Nowej Rosji, Filharmonią Rosyjską, Orkiestrą Teatru Nowej Opery Moskiewskiej, Orkiestrą Kameralną Musica Viva Moscow, Orkiestrą Filharmonii Brno , Brandenburska Orkiestra Symfoniczna, Litewska Orkiestra Kameralna i Orkiestra Nowego Tokio. Ze skrzypkiem Roman Mints nagrał kompozycje Leonida Desyatnikova „Sketches to Sunset” i „Russian Seasons”. Od 2011 roku wykłada w Konserwatorium Moskiewskim.
Filip Czyżewski, dyrygent zespołu Questa Musica, opowiedział stronie o tym, co stoi między muzyką klasyczną a współczesną, czy warto grać symfonię bez dyrygenta, a co nigdy nie wydarzyło się w Teatrze Bolszoj.
KSENIA FERZ: Filipie, jakie masz plany muzyczne na najbliższą przyszłość?
FILIP CZYŻEWSKI: ~ Od tego sezonu pracuję w Teatrze Bolszoj. A w przyszłym sezonie moja orkiestra Questa Musica i ja będziemy koncertować na instrumentach historycznych. Słyszeliście już koncert w Moskwie z: coś podobnego zacznie się w Teatrze Bolszoj, gdzie, jak wiadomo, dziwna muzyka, na przykład Handel, nigdy nie była wykonywana na instrumentach tej epoki historycznej, do której ta muzyka należy. Będziemy mieli kilka projektów z artystami programu opery młodzieżowej, kierowanej przez Dmitrija Juriewicza Wdowina.
Uważam, że każda muzyka powinna być wykonana autentycznie: zarówno historycznie, jak i współcześnie, czyli w sposób i stylu epoki, w której została napisana. Historyczne instrumenty muzyczne: struny jelitowe, niski strój i inne atrybuty nie są dla mnie celem samym w sobie. Ale jeśli można używać takich instrumentów i jeśli są muzycy, którzy je posiadają, to dodaje to brzmieniu uroku i smaczku.
Jak się mają sprawy z obecnymi klasykami? Czy pracujesz ze współczesnymi kompozytorami rosyjskimi?
~ Mam do zrealizowania duży projekt pięciu oper współczesnych kompozytorów. Teraz mamy pięć nazwisk czołowych kompozytorów awangardowych - całkiem młodych, wszyscy po czterdziestce: Siergiej Newski, Dmitry Kurlyansky, Boris Filanovsky, Vladimir Rannev i Alexei Simak. Będzie to pięć spektakli do libretta Borysa Juchananowa, który w istocie wcieli się w rolę reżysera. Program jest dość obszerny: początkowo będzie składał się z 5 oddzielnych przedstawień, a następnie zostanie zawężony do programu maratonu współczesnych oper.
Wszyscy żyjący kompozytorzy, z którymi miałem do czynienia, piszą w różnych stylach: każdy szuka własnej ścieżki muzycznej. Przyjemność, jaką czerpiemy z wykonywania wysokiej jakości muzyki, jest łatwa do przekazania publiczności. Odczuwanie form nowoczesnego brzmienia klasycznego jest możliwe tylko dzięki doświadczeniu. Jesteśmy pionierami w naszej epoce. Za kilkadziesiąt lat ta muzyka będzie postrzegana jako klasyczny repertuar: coś zostanie zapomniane, coś pozostanie.
A jak publiczność postrzega nowych kompozytorów?
~Cieszę się, że mogę pracować z osobami, które są odpowiedzialne za pisane przez nich notatki, a nie tylko abstrakcję, która jest powszechną techniką we współczesnej sztuce w ogóle.
Ciekawostką jest to, że dla publiczności nie przygotowanej muzycznie, ale dociekliwej, ważne są emocje, jakie czerpią z tego, czego słuchali. Przekazujemy tę emocję grając sonatę Mozarta lub utwór awangardowy – to nie ma znaczenia. Publiczność potrzebuje prądu.
We współczesnej muzyce klasycznej można używać nawet instrumentów niemuzycznych: od drewnianych skrzynek po kowadła. Ale aby uzyskać harmonijną kompozycję muzyczną, ich partie muszą być napisane równie starannie, jak na przykład w przypadku instrumentów smyczkowych.
Z jednej strony łatwiej jest grać muzykę współczesną: nikt przed tobą tego nie zrobił – robisz to, jak chcesz. Wykonując muzykę klasyczną należy trzymać się tradycji i kanonów. Ale bardzo ważny jest dla mnie również moment interpretacji i przemian w muzyce. Autentyczne wykonanie jest świetne, ale muzyka to nie próżnia, arcydzieła Mozarta pędzą przez wieki, więc moim zdaniem ważne jest, aby wprowadzić niuanse współczesnej lektury, nie zapominając o doświadczeniach poprzednich pokoleń. Wtedy muzyka odetchnie. I czy robimy to dobrze, czy źle - czas pokaże, odrzucając wszystko, co niepotrzebne.
Opowiedz nam o swoim zawodzie dyrygenta. Czy oprócz kierowania orkiestrą dyrygent pełni funkcję komunikowania się z publicznością poprzez plastykę?
Nie ma znaczenia, który dyrygent – powściągliwy czy ekspresyjny – ważny jest tylko sposób gry orkiestry. Jeśli plastyczność dyrygenta jest uzasadniona, a muzycy go rozumieją, to jest to dobry koncert. Teraz prawie każdy utwór klasyczny można zagrać bez dyrygenta. Na początku XX wieku istniała orkiestra Persimfans, w której dyrygenta zastąpił pierwszy skrzypek-akompaniator: pokazał auftakt. Z dyrygentem jedna symfonia wymaga trzech prób, bez dyrygenta – znacznie więcej.
Jeśli mówimy o muzyce klasycznej, to funkcja dyrygenta jest znacznie szersza. Nie chodzi tylko o to, jak rozprowadza posmak, ale o to, jak nadaje kierunek tej muzyce, jak kontroluje oddech orkiestry. Orkiestra potrafi grać rytmicznie, perfekcyjnie pod względem wszystkich niuansów i akcentów, ale muzyka będzie absolutnie martwa - nie będzie ciekawie słuchać. Potrzebny jest dyrygent, aby dodawać ogień, budować frazy, zaokrąglać je, akcentować - kontrolować ruch.
W komunikacji z każdym z moich muzyków z zespołu Questa Musica nalegam, aby za każdym razem wykonywał partię tak, jakby nikt jej przed nim nie grał, nawet on sam.
Oficjalna strona zespołu
