Chór to śpiew zbiorowy. Ludzie używają go od niepamiętnych czasów. Kiedy rytualnym tańcom wokół ogniska towarzyszyły gardłowe okrzyki. Tonacja wspólnego śpiewu miała szeroki zakres i służyła uspokojeniu sił wyższych, aby obdarzyły łupem, pogodą i spokojem. Wraz z rozwojem cywilizacji zmienił się również stosunek do śpiewu, co zaowocowało odrębnym kierunkiem. Stopniowo wchłaniała różne trendy, stawała się coraz trudniejsza do wykonania. Komplikacja partii wokalnych doprowadziła do tego, że wykonanie kompozycji wokalnej nie było możliwe bez specjalnych umiejętności i przygotowania. W starożytnym Egipcie, Babilonie i Chinach zaczęli pojawiać się profesjonalni wykonawcy. Muzyka w Grecji zaczęła pojawiać się w tym okresie.

2500 tysięcy lat pne W Egipcie pojawili się ludzie, którzy za pomocą rąk kontrolowali śpiewy. Nazywano ich cheironomami i to oni stali u początków powstania dyrygentury. Egipcjanie do sterowania chórem używali nie tylko ruchów rąk, ale także gestów palców, skrętów głowy, a nawet mimiki twarzy. Zbiorowe śpiewy rozbrzmiewały w świątyniach podczas rytualnych sakramentów i ceremonii religijnych. Za pomocą pieśni Egipcjanie wychwalali boga Ozyrysa, w Babilonie komponowali wersety na cześć wszechmocnego Marduka. Chejronom, którzy prowadzili zespół świątynny, cieszyli się szacunkiem ludu na równi z kapłanami, jako osoby bliskie bogom. W przeciwieństwie do Egiptu i Babilonu chór starożytnej Grecji był rozpowszechniony w okresie rozkwitu sztuki teatralnej.

Muzyka w Grecji. O teatralnym świcie

Kult bogów, cechy charakterystyczne obrzędów kultowych i sakramentów religijnych wymagały od uczestnika ceremonii panowania nad głosem, znajomości tańca i poezji. Przy dość demokratycznym podejściu do talentów parafian, niemal cała ludność miejska stawała się uczestnikami obrzędów. Jednym ze znaczeń słowa „chór” jest określenie „miejsce odgrodzone”, czyli miejsce do okrągłych tańców. Każde szanujące się miasto uważało za konieczne, aby go mieć. Wśród wielbicieli sztuki chóralnej byli przedstawiciele szlachty i kupcy. Ale najbardziej znanymi patronami byli bogowie Apollo i Dionizos. W podzięce ludzie poświęcili pierwsze - Peany, Dionizos - pochwały.

W delfickiej historii Grecji kult dwóch kultów uznano za naturalny, a śpiew chóralny zaowocował złożoną formą liryczną. Zawierała elementy peanów i dytyramb. Wraz z postępem śpiewu rozwijała się muzyka. Stało się to bardziej skomplikowane, dodano różne prądy i kierunki. Wraz z bardziej skomplikowanym akompaniamentem zmienił się także sposób śpiewania chóralnego. Obok chórów prostych powstawały chóry wirtuozów, które podróżując po kraju, zręcznie propagowały kulturę delficką, preferencje religijne i przekonania polityczne. Przy pomocy profesjonalnych chórów ukształtowała się ideologiczna hegemonia delficka, charakterystyczna dla okresu VI i VII wieku.

Wśród różnorodnych typów twórczości chóralnej w starożytnej Grecji szczególne znaczenie mają dytyramby, czyli ody i wiersze poświęcone bogu winiarzy i winiarzy, Dionizosowi. Po raz pierwszy w dytyrambach, w połączeniu ze śpiewem zbiorowym, zastosowano głos indywidualny. Wokalistą nazywano solistę, który wykonując partię solową przeciwstawiał się chórowi. Ta forma sztuki pozwoliła wprowadzić do spektaklu element dialogu, co dało początek nowemu nurtowi – dramaturgii.

Gatunek tragedia

Nie sposób jednoznacznie stwierdzić, gdzie dokładnie miały miejsce narodziny dramatu z dytyramb. Przy ówczesnej ruchliwości chórów nowe kierunki w sztuce były przypisane nie do konkretnego miasta, ale do boga, w szczególności do Dionizosa. Zaangażowanie jednostki w chór pozwoliło wprowadzić do spektaklu element dialogu, a więc dramaturgii. Z biegiem czasu wpływy delfickie w starożytnej Grecji zaczęły słabnąć, a Ateny zaczęły wykazywać ostrożną śmiałość w podejmowaniu decyzji i dążyć do większej niezależności. Tendencja ta przejawiała się także w sztuce. W Atenach wydano polecenie włączenia mieszczan jako uczestników chóru. Hegemonia delficka dobiegła końca, zastąpiły ją prądy etniczne, które nadały śpiewowi chóralnemu nowy kierunek.

Schyłek kultury delfickiej wywołał falę poezji, która w połączeniu z nowymi nurtami śpiewu chóralnego nadała nowy impuls rozwojowi sztuki teatralnej, a w jej ramach śpiewu zbiorowego. Wraz z rozwojem nurtu chóralnego i dramatycznego zaczął się zmieniać teatr, w którym wystawiano przedstawienia. Teatr ateński tamtych czasów składał się z trzech części:

orkiestry;

teatron;

Theatron był przeznaczony dla publiczności i był rodzajem amfiteatru, skene służył jako garderoba, garderoba i magazyn rekwizytów. Skene znajdowało się po przeciwnej stronie orkiestry, gdzie odbywały się główne wydarzenia. Gatunek dramatyczny otrzymał nowy impuls do rozwoju, gdy do jednego aktora występującego z chórem dodano nową postać - koryfeusza. Jego zadaniem było wymówienie części wstępnej, skomentowanie nieoczekiwanych zwrotów akcji, wyjaśnienie kontrowersyjnych punktów. Koryfeusz stał się łącznikiem między aktorem a chórem, co zaowocowało nowymi formami gatunków chóralnych i teatralnych.

Trudne czasy

Muzyka w Grecji przetrwała trudne czasy. Akcja spektakli starożytnej Grecji w momencie narodzin dramatu była zgodna z jednym schematem. Na początku przedstawienia był długi chóralny wstęp. Następnie rozpoczęła się główna część, która została podzielona na kompozycje chóralne o różnym czasie trwania oraz solowe repliki aktora. W pewnych momentach dochodziło do dialogu między solistą a zespołem, ale taka forma wykonania nie oznaczała prawdziwego dramaturgii. Całość spektaklu, mimo że momenty liryczne przeplatały się z dramatycznymi, zaowocowała serią kompozycji chóralnych, przerywanych monologami aktora i wstawkami słownymi luminarza.

Sprawy ruszyły z miejsca, gdy Ajschylos dodał drugiego aktora. Sofokles poszedł jeszcze dalej i dodał do sztuki trzecią. Wkrótce do trzeciego dodano czwartą i proces stał się nieodwracalny. Taki reformizm dał nowy impuls rozwojowi dramatu, ale odrzucił śpiew chóralny. Wraz ze wzrostem postaci spektakl stawał się żywszy, energiczny, ruchliwy. Na pierwszy plan wysunięto dramatyczne momenty, a chóralne wstawki po prostu ingerowały w toczącą się na scenie akcję.

Podczas inscenizacji chór zaczął być na chwilę usuwany ze spektaklu, po czym powrócił. Tak postępowali reżyserzy, gdy akcja była przenoszona z jednego miasta do drugiego lub z pola bitwy w inne miejsce. Jednak długie tradycje sztuki greckiej, przywiązanie do chóru jako tradycyjnej formy wykonawczej nie pozwoliły, by śpiew chóralny zniknął ze sceny. Niektórzy reżyserzy chcieli tchnąć nowe życie w śpiew chóralny, starając się go jak najbardziej racjonalnie wykorzystać w spektaklu. Ale pojawienie się intrygi w przedstawieniach, czyli pewnej tajemnicy, ponownie rzuciło chór na dalszy plan teatralnego przedstawienia. Stopniowo udział chóru w przedstawieniach ograniczał się do wypełniania przerw i pauz. Wykonywane kompozycje nie miały nic wspólnego z akcją rozgrywającą się na scenie.

Chór w służbie komedii

Komedia w starożytnym teatrze greckim rozwijała się według innego scenariusza niż dramat. Opierał się nie na dytyrambach, ale na wątpliwych i obraźliwych kupletach mumerów. Zgodnie z dawnymi tradycjami mumerowie byli podzieleni na dwie grupy i przeciwstawiali się sobie. Podobną formę konfrontacji przyjęła komedia, w której wykorzystano nie jeden chór złożony z tradycyjnych 24 śpiewaków, lecz dwa półkompozycje po 12 osób. Spektakle inscenizowane według tej zasady były żywsze, bliskość rzeczywistości przyciągała publiczność.

Dwa półchóry zaczęto rozcieńczać luminarzami, co nadało spektaklowi nowości i oryginalności. Jednak wprowadzenie elementu słownego do spektaklu, podobnie jak w przypadku dramatu, zlekceważyło znaczenie chóru i zepchnęło go na dalszy plan.

Brak zapotrzebowania na chór w teatrze nie zniszczył całkowicie gatunku. Jeśli komedia ostatecznie rozstała się ze śpiewem chóralnym, to z czasem podjęto kilka prób przywrócenia jej dramatu. Modyfikując śpiewy zbiorowe, nadając nowe formy, reżyserzy co jakiś czas wprowadzali do akcji kompozycje chóralne. Niektóre kierunki, takie jak recytacja, nie powiodły się. A zastąpienie trudnych chwil psychologicznych śpiewem chóralnym było wybawieniem dla reżyserów.

Śpiew chóralny w starożytnej Grecji położył podwaliny nie tylko pod ten gatunek, ale także dał impuls do rozwoju całej sztuki teatralnej.

Starożytne miasto Dion

Opowiadając o boskiej miłości Zeusa do Fe, córki Deucaliona, założyciela Greków, Geosidas mówi, że dziewczyna zaszła w ciążę od Boga i urodziła mu dwóch synów, Macedona i Magneta. Mieszkali niedaleko Olimpu w Pieria. Świętym miejscem Zeusa na tych ziemiach był Dion u podnóża Olimpu. Starożytny Dion, po raz pierwszy wspomina o nim starożytny grecki historyk Tukidydes, opisując trasę kampanii spartańskiego dowódcy Brasidasa, przez Tesalię, do kraju jego sojusznika, króla Perdicusa 2. Było to pierwsze miasto, które Brasidas spotkał na po drodze, przekraczając granicę latem 424 r. do n. mi.

Klasztor Vatopedi

Klasztor Vatopedi (znany również jako Vatopedi) znajduje się w północno-wschodniej części Półwyspu Athos. Jest to męski klasztor należący do greckiego Kościoła prawosławnego. Jest drugim co do ważności w hierarchii klasztorów Athos (zaszczytne pierwsze miejsce zajmuje Ławra św. Atanazego). Vatopedi to jeden z największych, najstarszych i najbogatszych krużganków klasztornych Athos.

Iliada Homera

Iliada to poemat o wojnie. Wiersz nosi tytuł „Iliady” na cześć Ilionu (czyli Troi) – miasta, w pobliżu którego rozgrywają się wydarzenia opisane w wierszu. W XII wieku pne plemiona greckie zdobyły i spaliły Troję, potężne miasto położone na azjatyckim wybrzeżu Hellespontu. Tematem Iliady jest „gniew” Achillesa skierowany przeciwko Agamemnonowi i jego straszne konsekwencje. Wszystkie wydarzenia w Iliadzie rozgrywają się w ciągu 52 dni, wiersz składa się z 15537 wersów, które składają się na 24 pieśni.

Miód w Grecji

Kariatydy - zabytek starożytnej architektury greckiej

Co wiesz o kariatydach? Ta atrakcja Grecji znajduje się na liście TOP 10 zabytków, które koniecznie trzeba odwiedzić po przyjeździe do kraju.

W epoce klasyków greckich, w osobie trzech wielkich tragediopisarzy – Ajschylosa, Sofoklesa i Eurypidesa – oraz komika Arystofanesa, sztuka teatralna również przeżywała swój największy rozkwit.

Narodziny greckiego dramatu i teatru wiążą się z religijnymi rytuałami poświęconymi umierającym i wskrzeszającym bogom płodności, przede wszystkim Dionizosowi. .

W mitologii greckiej Dionizos (lub Bachus) jest bogiem płodnych sił ziemi, roślinności, uprawy winorośli i produkcji wina. Od czasów starożytnych podczas uroczystości ku jego czci organizowano uroczyste procesje do świątyni. Ludzie ubrani w kozie skóry, zawiązani rogami, kopytami i ogonami, przedstawiający satyrów, towarzyszy Dionizosa, śpiewali chórem uroczyste hymny -chwali . Stąd wzięła się nazwa „tragedia”, dosłownie oznaczająca „pieśń kóz”. Wraz z dytyrambami mummers „Orszak Dionizosa” śpiewał wesołe karnawałowe piosenki i organizował hałaśliwą zabawę. Stopniowo piosenkarz wyróżniał się z tańczącego chóru mummerów -luminarz , którego partia rosła coraz bardziej.

Z czasem te przedstawienia teatralne stały się częścią świąt państwowych, z których w jednym z nich w 534 r. p.n.e. poeta ateńskiTespis po raz pierwszy wprowadził oprócz chóru jednego aktora-recytatora. Aktor wdał się w dialog z chórem i prowadzącym, w trakcie spektaklu udzielał wyjaśnień, wcielał się w różnych bohaterów, czyli stał sięnośnik działania . Dlatego 534 p.n.e. uważany jest za rok narodzin teatru światowego.

Tak więc wczesna tragedia grecka była rodzajem dialogu między aktorem a chórem. Jej treść związana była z mitami o Dionizosa, przedstawiającymi jego „pasje”, śmierć i zmartwychwstanie. Potem zaczęto wykorzystywać inne mity, a także wątki historyczne.

Już w drugiej połowie VI wieku pne. tragedia doczekała się znacznego rozwoju. Osiągnął swój punkt kulminacyjny w demokratycznych Atenach w V wieku pne.

dał klasyczną formę tragediiAjschylos , osłabiając jego kultowość i wzmacniając niezależność teatru. Zwiększył liczbę aktorów do dwóch, a Sofoklesa do trzech. W ten sposób możliwa stała się dramatyczna akcja niezależna od chóru. Chór rozpoczynał i kończył przedstawienie, a także komentował wydarzenia w trakcie akcji. Nie uczestnicząc w fabule tragedii, chór stworzył emocjonalną atmosferę, w której żył bohater, a atmosfera ta zmieniała się w toku wydarzeń. W chórze było 12-15 osób, ale mówił o sobie w pierwszej osobie - "ja", podkreślając solidność osądu ludu. Należy podkreślić, że w V wieku pne. - klasyczna epoka tragedii - chór składał się z amatorów, czyli samych obywateli Ateńczyków.

Unisono śpiew chóru przy akompaniamencie instrumentów muzycznych, głównie fletów, przeplatał się z dialogami konwersacyjnymi i recytacją przemówień, które mogły mieć również akompaniament muzyczny. W utworach Eurypidesa pojawia się już śpiew solowy, tzw. monodia („pieśń jednego”) przy akompaniamencie fletu lub cytary.

Każda tragedia jest walką, jest trudna i tragiczna. Przeszkody, które pojawiają się na ścieżce życia tragicznego bohatera, są nie do pokonania, stawia je los - siła, wobec której człowiek jest bezsilny. Jednak tragiczny bohater jest gotów umrzeć za swoje przekonania.

W starożytnym teatrze zwykle nie powtarzano starych tragedii, więc liczba napisanych dzieł jest ogromna: każdy z tragików ateńskich stworzył około 100 tragedii. Jednak czas zachował tylko niewielką część tego, co zostało napisane.

Wśród zachowanych do naszych czasów dzieł Ajschylosa (7 tragedii) szczególne miejsce zajmuje„Związany Prometeusz”. Obraz Prometeusza jest jednym z najjaśniejszych we wszystkich starożytnych tragediach, stał się symbolem tyranii,

Jeśli Ajschylos stał się twórcą tragedii, cywilnej w swoim brzmieniu, to wtedySofokles bardziej pociągają kwestie moralne. Jego bohaterowie są ucieleśnieniem moralnego ideału starożytności, ludźmi obdarzonymi wielkim hartem ducha. Taki jest Edyp„Król Edyp” , „Edyp w okrężnicy” ) - winny bez winy, który nieświadomie popełnił straszny grzech i aby go odpokutować, wydłubał sobie oczy. Taka jest Antygona („Antygona”), idąca z miłości do brata na wyczyn i śmierć.

Tragedy przedstawia innego bohateraEurypidesa , który pokazuje osobę ze wszystkimi swoimi słabościami i wadami, nie dążącą do wyniesienia, „podniesienia” ponad przeciętność. Badając naturę ludzką, Eurypides akcentuje w niej głębokie sprzeczności, zamęt umysłowy, walkę namiętności. Jego bohaterowie mają obsesję na punkcie miłości, zazdrości, czasem w trosce o osobiste szczęście idą do zbrodni. To właśnie u Eurypidesa motyw miłosnej namiętności po raz pierwszy staje się podstawą tragicznej akcji. Więc,„Medea” - tragedia obrażonej miłości i zazdrości,„Hipolit” - tragedia zbrodniczej miłości (miłość Fedry do własnego pasierba).

Najbardziej wyraziste w Eurypidesie są wizerunki kobiet - Medea, Fedra, Elektra, Ifigenia. Wzniośle heroiczny obraz młodej Ifigenii wyróżnia się w tej serii („Ifigenia w Aulidzie” oraz „Ifigenia w Taurydzie” ) - córka złożona w ofierze przez własnego ojca. Cała jej siła psychiczna skierowana jest na dobro ojczyzny. Temat patriotyzmu, gotowości do czynu podsunęły Eurypidesowi wydarzenia jego ówczesnej rzeczywistości: w dobie bolesnej dla całej Grecji wojny peloponeskiej poeta nawoływał do myślenia o ratowaniu ojczyzny.

Podobne pragnienie - wyrażenia w formie artystycznej najistotniejszych problemów społecznych, etycznych, filozoficznych swoich czasów - przenikało całą starożytną tragedię.

Obok tragedii starożytny teatr znał także komedię. Jego geneza wywodzi się również z rytualnych akcji ku czci Dionizosa z pochodem wesołego tłumu mumerów, ich pieśni i żartów (łączy się z nimi nazwa gatunku, którą można przetłumaczyć jako „pieśń biesiadników”). . Okres rozkwitu komedii starożytnej Grecji wiąże się z twórczością Arystofanesa, w której odważna satyra dotyczy politycznego i kulturowego stanu Aten w okresie, który rozpoczął się w IV wieku pne. kryzys demokracji("Jeździectwo" , "Pokój" , „Żaby” , „Chmury” ).

Podobnie jak tragedia, starożytna komedia była muzyczna: towarzyszyły jej pieśni chóralne i solowe, wesołe tańce. Zgodnie z ogólnym charakterem gatunku - ostro satyryczny, czasem niegrzeczny, wyluzowany - muzyka była też lekka i żywiołowa.

Widowisko teatralne było w starożytnej Grecji wydarzeniem o randze narodowej. Przedstawienia teatralne odbywały się w dni świąteczne i trwały 3-4 dni od wczesnego rana do zachodu słońca. Wszystkie sprawy na ten czas zawieszono, zamknięto sądy, zwolniono nawet więźniów z więzień. Publiczność takich spektakli reprezentowana była przez wszystkie warstwy społeczeństwa, a biedni otrzymywali nawet od władz pieniądze za wejście.

Teatr w starożytnej Grecji urządzano pod gołym niebem. Wykonawcy występowali na okrągłej ubijanej platformie -orkiestra. Znajdowała się u podnóża wzgórza, po zboczu którego półkolem schodziły ławki dla widzów -teatralny . Za orkiestrą byłskene - mały drewniany lub kamienny budynek, w którym przechowywano kostiumy i dekoracje, a aktorzy przygotowywali się do nowej roli. Z czasem przednia część skene, zwrócona w stronę publiczności, zaczęła przedstawiać miejsce akcji. Pod Sofoklesem pojawiły się dekoracje - malowane deski lub płótna. Brakowało zasłony.

Najstarszym teatrem w Atenach był teatr Dionizosa na południowo-wschodnim zboczu Akropolu. Początkowo był drewniany i był budowany tylko na czas występów. W IV wieku pne. teatr Dionizosa został zbudowany z kamienia. Mieścił aż 17 tysięcy widzów.

Najważniejszą rzeczą, która wyróżniała starożytnego greckiego aktora, była maska ​​​​zakrywająca prawie całą głowę. Do każdej roli była specjalna maska, po której widz odgadywał, kto stoi przed nim: król czy ksiądz, mężczyzna czy kobieta. W rolach kobiecych zagrali mężczyźni. Obecność maski wykluczała mimikę z gry teatralnej, tym bardziej zwracano uwagę na gest. Greccy aktorzy ciężko pracowali nad wyrazistością ciała, sztuką ruchu. Ponadto musieli dobrze śpiewać i tańczyć.

Aby wyróżnić się z chóru, aktorzy nosili specjalne buty na wysokich platformach -wieśniak . Tragiczny aktor był w tunice - szerokiej lnianej koszuli, na którą nałożono płaszcz - płaszcz.

Idee artystyczne starożytnego teatru z jego nierozerwalną syntezą poezji i muzyki na zawsze pozostały w pamięci pokoleń i stały się podstawą dalszego rozwoju sztuki scenicznej.

podobne przedstawienia odbywały się w innych krajach starożytnego świata. Przykładem są tajemnice starożytnego Egiptu poświęcone bogu Ozyrysowi.

1) w teatrze starożytnej Grecji otwarte przejście do orkiestry (zob. Orkiestra) między amfiteatrem a budynkiem skene (zob. Skena); przez zachodni P. (na prawo od widowni) wszedł chór, rzekomo pochodzący z Aten, przez wschodni (lewy) P. - z obcego kraju.

2) W starożytnej tragedii greckiej i starożytnej komedii na poddaszu - pierwsza pieśń otwierająca chór. Śpiew przeplatał się z recytatywem i recytacją.

parodia(inny Grekπάροδος) w starożytnym teatrze greckim ( tragedia oraz komedia) -chóralny piosenka, którą śpiewał chór, kiedy wchodzili na scenę, kiedy się wkraczali orkiestra . Słowo paroda odnosi się także do samej nawy (otwartego korytarza), elementu konstrukcyjnego antycznego teatru.

Definiowanie części tragedii w Poetyce, Arystoteles identyfikuje trzy gatunki pieśni chóralnej ( inny Grekχορικόν) - parod, stasim oraz kommos(inny Grekκομμός). Według Arystotelesa parod jest chórem wprowadzającym, pierwszym występem chóru, odbywającym się bezpośrednio po Prologu. Późniejsze greckie słowniki i podręczniki ( statki,„Onomasticon” Polluksa, Słownik „Etymologicum magnum” ,Pseudo-Psellus) z wariantami odtwarzają klasyczne definicje Arystotelesa.

Parod i stasim były ważnymi elementami konstrukcji nie tylko tragedii, ale także komedii. Traktat Kualenowskiego(który jest uważany za podsumowanie drugiej, zaginionej części Poetyki) nie zawiera określenia „parod”, ale wspomina o „wyjściu z chóru” ( inny Grekεἴσοδος τοῦ χοροῦ) jako ważny przełom w strukturze komedii.

Dramatyczne znaczenie parodu polegało na udzieleniu słuchaczom pierwszej informacji o dalszej fabule i ustawieniu publiczności jako całości w sposób odpowiadający narracji. Najwcześniejsze tragedie (z tych, które dotrwały do ​​naszych czasów) nie zawierają parodii. Parod miał być monodyczny i odśpiewane przez chór chórem. Ponieważ nie ma kompletnych próbek muzycznych parodii (a także innych gatunków chóralnej muzyki teatralnej), możemy mówić o ich bardziej specyficznych cechach kompozycyjnych i technicznych (np. rytm muzyczny oraz Harmonia) trudny

antyczny dramat

D. Dilyte

Geneza starożytnego dramatu

Istnieją dwie teorie na temat pochodzenia dramatu greckiego: stanowisko angielskiej szkoły etnologicznej i tradycyjne stanowisko filologów klasycznych. Zwolennicy pierwszej teorii twierdzą, że dramat powstał z różnych czynności rytualnych i rytualnych: z lamentów pogrzebowych, z rytuału inicjacyjnego. Ci drudzy, zgadzając się, że różne przedstawienia rytualne (na przykład misteria eleuzyńskie) mają ze sobą wiele wspólnego, uważają, że nadal należy bardzo ostrożnie łączyć te archaiczne, prehistoryczne rytuały z cywilizowaną i intelektualną Greką V wieku pne. e., że nie ma powodu nie ufać Arystotelesowi, który dramat grecki wywodzi z hymnów i pieśni podczas uroczystości ku czci Dionizosa. Twierdzi, że tragedia pierwotnie powstała „ze śpiewu dytyrambów” (Poeta. 1449 a Arystoteles. Poetyka. / Arystoteles. Dzieła w czterech tomach. T IV. M., 1984, s. 650. Dalej przeł. M. L. Gasparow). O takim stanowisku Arystotelesa świadczy fakt, że przedstawienia wystawiano nie w każdym czasie, a jedynie podczas uroczystości ku czci Dionizosa, których były trzy: Wielka Dionizja, Mała Dionizja i Lenaj.

Jak już wspomnieliśmy, słowo „dytyramb” nie jest greckie (podobno Hellenowie przejęli ten rodzaj śpiewów z kultury podłoża), ale w VII-VI wieku. pne mi. dytyramb był znany i szeroko rozpowszechniony w Grecji. Dytyramby były pieśniami uroczystości ku czci Dionizosa. Wykonywał je kierownik chóru i pięćdziesięcioosobowy chór męski. Pieśni wykonywane na przemian przez prowadzącego i chór należy najwyraźniej uznać za początek dialogu utworu dramatycznego. Mężczyźni, którzy wykonywali dytyramb, przedstawiali towarzyszy Dionizosa, satyrów i silenów: przyczepiali rogi, zakładali kozie skóry, a czasem przyczepiali końskie ogony. Słowo „tragedia” oznacza „pieśń kozła”. Arystoteles mówi, że początkowo tragedia była aktem wesołym, później nabrała charakteru wzniosłego (Poeta 1449 a).

Komedia (z greckiego „komos” – banda wesołych biesiadników, „ode” – piosenka). Pieśni i procesje komosów najprawdopodobniej przypominały uroczystości kolędników we wsi opisanej przez Gogola; według Arystotelesa komedia bierze się „ze śpiewania pieśni fallicznych, które jeszcze w wielu miastach są zwyczajem” (Poeta 1449 a). Wesoły korowód na ucztach ku czci Dionizosa śpiewał pieśni pełne elementów rytualnych nadużyć. Grecy wierzyli, że takie obsceniczne, zabawne pieśni w formie dialogu między poszczególnymi grupami procesji sprzyjały produktywności i płodności.

W ten sposób wykonawcy hymnów i pieśni na ucztach ku czci Dionizosa stopniowo stawali się aktorami. Rzecz w tym, że Grek dramat to akcja. A Arystoteles podkreśla, że ​​dramat naśladuje ludzi aktywnych (Poeta. 1448 a).

Urządzenie teatru i organizacja spektakli

Teatr grecki składa się z trzech części: teatru, orkiestry i sceny. Miejsca dla widzów, zwane teatrem (miejsce widowisk), urządzano zwykle na zboczu wzgórza. Najpierw widzowie siedzieli na ziemi, potem ustawiono kamienne ławki, wznoszące się rzędami i łukiem wokół platformy w kształcie koła – orkiestry (od greckiego czasownika oznaczającego „tańczyć”), na której odbywały się występy. Za orkiestrą rozciągnięto namiot, zwany po grecku „skórą”. W nim uczestnicy występu składali maski i inne rzeczy. Aby za każdym razem nie trzeba było ciągnąć namiotu, stała następnie zainstalowano konstrukcję, którą ludzie nadal nazywali w przyszłości skene.Ponieważ akcja dramatów greckich najczęściej rozgrywała się nie w pomieszczeniach, ale na świeżym powietrzu, budowa skene, po zainstalowaniu niektórych elementów scenografii, mogła przedstawiać świątynia, pałac królewski itp. Jeśli taka budowla nie była potrzebna, skene pokrywano wielkim płótnem naciągniętym na ramę z namalowanym morzem, górami lub innym niezbędnym obrazem, budowano niewielką elewację, która stopniowo wzrosła i zamienił się w scenę, którą widzimy we współczesnych teatrach.

Zarówno aktorzy tragiczni, jak i komediowi nosili maski, które zakładali na głowy. Maski zostały wykonane w następujący sposób: mistrz przykrył drucianą ramę szmatką i nałożył na nią gips. Następnie pomalowano maskę, doczepiono włosy i brodę. Maska charakteryzowała płeć, wiek, status społeczny, cechy moralne i stan umysłu postaci za pomocą koloru, kształtu czoła i położenia brwi. Jeśli zmieniał się stan psychiczny postaci, aktor zmieniał maskę. Ponieważ maska ​​powiększała głowę, postać aktora wydawała się mniejsza. To nadawało się do komedii, a aktorzy tragiczni, chcąc uniknąć komicznego wrażenia, nosili specjalne buty z grubą podeszwą - cothurni.

Wszystkie role w teatrze greckim odgrywali mężczyźni. Początkowo w dramacie grał jeden aktor: co chwila zakładał nowe maski, grał wszystkie role. Wykonawca przemawiał do chóru lub sam. Ajschylos wpadł na pomysł wypuszczenia do orkiestry dwóch aktorów i już między nimi mógł się odbyć dialog. Sofokles zwiększył jednocześnie liczbę postaci w orkiestrze do trzech. Główny aktor został nazwany bohaterem. Oczywiście dramaty mają zwykle więcej niż trzy postacie, a ci sami aktorzy dostają wiele ról. Kilku innych aktorów wcieliło się w służących, towarzyszy, wojowników i inne ciche postacie. Ważną postacią w dramatach był chór, który śpiewał i tańczył w orkiestrze. Od połowy V w. pne mi. chór tragedii liczył piętnaście osób, a chór komedii dwadzieścia cztery. Najważniejszy chórzysta, kierownik chóru, nazywano koryfeuszem.

W teatrze działały różne mechanizmy, które podnosiły aktora siedzącego na jakimś fałszywym zwierzęciu (Pegaz, ptak, chrząszcz) lub sprowadzały bogów na ziemię. Dlatego nagłe pojawienie się boga, który rozwiązał konflikt, nazwano „bogiem z maszyny”. W teatrologii utrwaliło się łacińskie tłumaczenie tego terminu: deus ex machina.

W teatrze greckim dramaturg był nie tylko pisarzem, ale także kompozytorem, choreografem i reżyserem. Czasami sam odgrywał rolę. Koszty wystawienia spektaklu pokrywał obywatel wyznaczony przez zgromadzenie ludowe.

W Atenach przedstawienia teatralne były otoczone świętą aureolą: odbywały się tylko w święta ku czci Dionizosa i były postrzegane jako element kultu Boga. Przed występami kapłan Dionizosa składał w ofierze prosiaka na ołtarzu, który stał pośrodku orkiestry. Widzowie szli do teatru w pięknych strojach i wiankach, a także uczestnicząc w innych uroczystościach. Początkowo przedstawienia teatralne były darmowe, później trzeba było kupować wielorazowe gliniane lub ołowiane cyfry wskazujące miejsce, które były bardzo tanie. Biedacy otrzymywali za to pieniądze od państwa, a przedstawienia oglądali zazwyczaj wszyscy Ateńczycy.

Wykonywano zwykle trzy utwory dramatyczne. Spektakle zawsze były oceniane przez jury złożone z dziesięciu członków. Był to więc konkurs teatralny. Dramaturg, który zajął pierwsze miejsce, otrzymał wieniec z bluszczu. Trzecie miejsce oznaczało porażkę.

starożytna grecja antyczny teatr

Narodziny starożytnego teatru

Z mitologii greckiej wiadomo, że najwyższy bóg Zeus i bogini pamięci Mnemosyne mieli dziewięć córek urodzonych u stóp Olimpu - dziewięć pięknych panien o czystych sercach i cudownych głosach. Nazywano je muzami, boginiami patronkami sztuki i nauki. Muzy mieszkały na szczycie świętej góry Parnas lub na zboczach świętej góry Helikon. Czerpiąc wodę z klucza Kastalsky'ego lub ze źródła Hippocrene, muzy obdarzyły swoich wybrańców, a ci, skosztowawszy tej życiodajnej wilgoci, stali się poetami i śpiewakami, tancerzami i aktorami, muzykami i naukowcami. Prawie wszystkie siostry były związane z teatrem, ale tylko dwie z nich – Melpomene i Thalia – są symbolami teatralności.

Melpomene początkowo uważana była za muzę tragedii, potem jednak poszerzyła swój „majątek”, sferę zainteresowań i stała się muzą i patronką teatru dramatycznego w ogóle. Teatr zaczęto nazywać świątynią Melpomene.

Przedstawiano ją przystrojoną w liście winogron, z wieńcem z bluszczu na głowie, na balach, z tragiczną teatralną maską w jednej ręce i mieczem lub maczugą w drugiej.

Nazwa Thalia pochodzi od greckich słów oznaczających „kwitnąć”, „rosnąć”. W mitologii stała się patronką komedii i lekkiej wesołej poezji. Zwykle przedstawiana z komiczną maską w dłoni, z wieńcem z bluszczu na głowie, czasem z laską pasterską lub tamburynem.

Starożytną Grecję można uznać za kolebkę teatru dramatycznego. Pierwszy teatr powstał w Grecji w V wieku pne.

Teatr starożytny to sztuka teatralna starożytnej Grecji, starożytnego Rzymu, a także wielu krajów Bliskiego Wschodu, których kultura rozwijała się pod silnym wpływem greckim w epoce hellenistycznej - okresie, który rozpoczął się w IV wieku pne. pne mi. (kampanie Aleksandra Wielkiego) i zakończyły się w 30 r. p.n.e. mi. podboju tych krajów przez Rzym.

Aktorami mogli być tylko mężczyźni – grali też role kobiece. Ta tradycja w różnych krajach, w różnych kulturach była bardzo trwała - taki jest teatr czasów Szekspira, teatr chiński i japoński.

Aktor starożytnego teatru opanował technikę czytania, sztukę śpiewu i tańca. Starożytny grecki aktor mógł zagrać kilka ról podczas spektaklu. Do orkiestry (okrągły podest, na którym występowali aktorzy i chór, wokół którego rozstawiano widzów) szedł w masce, którą nosił z peruką na głowie (jak hełm), miał dziury na oczy i usta ; ten ostatni został wyposażony w metalowy rezonator wzmacniający głos: przy ogromnych rozmiarach teatrów mimika żywej ludzkiej twarzy nie była widoczna dla publiczności. Aktor zmieniał więc maskę nie tylko wtedy, gdy w toku akcji pojawiał się przed publicznością w nowej roli, ale także wtedy, gdy pokazywał widzom zmianę stanów psychicznych tej samej postaci. Na nogach aktorów były coturns (buty na wysokiej podeszwie), które dodawały im wzrostu, a kreowany przez nich wizerunek był bardziej monumentalny. Dzięki koturnom ruchy odznaczały się płynnością i majestatem.

W epoce hellenistycznej rozpowszechniła się również pantomima. Gatunek ten obywał się bez słów, nie uciekał się do śpiewu: taniec mimiczny opowiadał wszystko. Najczęściej był to „teatr jednego aktora”, który z łatwością zmieniał swój wygląd za pomocą maski.

Antyczny teatr to wartość uniwersalna. Im więcej się o tym dowiadujesz, tym bardziej jesteś zaskoczony, jak wiele ludzie wiedzieli, mogli, wiedzieli, jak zrobić w małym greckim państwie, oddalonym od nas o prawie trzy tysiące lat.

Wszystko, co zostało osiągnięte przez światową sztukę teatralną, opiera się na fundamencie starożytnej kultury i zawdzięcza poetyckiemu dziedzictwu starożytnej Hellady. To nie przypadek, że cała nasza teatralna terminologia - (teatr, scena, dramat, tragedia, komedia, chór, orkiestra, monolog, dialog, mimika twarzy itp.) - jest pochodzenia greckiego.

Wraz z rozwojem sztuki poetyckiej, muzycznej i wizualnej rozwijał się teatr. Jego główną podstawą był dramat – tragedia i komedia – wyrosłe z kultowej mitologii.

Teatr był ulubionym miejscem zabaw, politycznych, moralnych konfrontacji, przyczyniał się do wychowania dojrzałości obywatelskiej całego społeczeństwa.

Znajomość sztuki starożytności, jej badanie dostarcza pokarmu dla twórczego rozwoju ludzkości na przestrzeni tysiącleci.

Jeśli epoka archaiczności najgęściej wyrażała się w lirykach, to klasyczna Grecja objawiła się w tragedii attyckiej – gatunku, który najbardziej odpowiada duchowi kultury antycznej. W tragedii greckiej znalazła wyraz taka kategoria estetyczna jak katharsis, czyli oczyszczenie, uszlachetnienie człowieka.

Teatr zajmował szczególne miejsce w życiu starożytnych Greków, był platformą szerokiego rozpowszechniania nowych idei, podkreślając problemy, które najbardziej niepokoiły umysły współczesnych. Jego rola społeczna i wychowawcza była wielka. Choć z reguły fabuła tragedii greckich wywodziła się z mitów znanych wszystkim od dzieciństwa, nie oznaczało to, że przedstawienia nie były aktualne i nie poruszały palących kwestii. W końcu dramatopisarze zawsze wkładali w usta mitologicznych bohaterów słowa dotyczące najbardziej palących problemów naszych czasów. Dlatego poezja dramatyczna (bez wyjątku wszystkie tragedie i komedie w Grecji były pisane wierszem) była w stanie zepchnąć inne gatunki literackie na dalszy plan i stać się gatunkiem dominującym na całe stulecie.

Tragedia (dosłownie „pieśń kozłów”) zrodziła się z pieśni chóralnej, z dytyramby śpiewanej przez satyrów w kozich skórach, przedstawiającej wesołych towarzyszy greckiego boga winiarstwa Dionizosa. W Atenach odbywało się coroczne święto narodowe – Wielki Dionizy, podczas którego odgrywano sceny z mitów przy akompaniamencie chóru satyrów. W V wieku p.n.e. do chóru dołączyło 3 aktorów, prowadzących z nim dialog – tak powstał dramat, przedstawienie teatralne.

Teatr grecki pod wieloma względami różnił się od teatru współczesnego. Po pierwsze, w Grecji nie było stałych zespołów, a zawodowi aktorzy nie pojawiali się od razu. Finansowanie i organizowanie przedstawienia teatralnego (liturgii) było jednym z obowiązków (choreia) najbogatszych obywateli. Po drugie, sama aranżacja teatru greckiego była specyficzna i przypominała raczej nowoczesny stadion. Spektakl odbył się w plenerze, na okrągłym podeście - orkiestrze. W skaliste zbocza wzgórza, u podnóża którego urządzono orkiestrę, wykuto ławki dla widzów. To proste audytorium Grecy nazywali theatronem. W tak wielkim otwartym teatrze nie można było zobaczyć ani mimiki aktorów, ani szczegółów ich kostiumów, więc aktorzy występowali w maskach, które wskazywały albo na typ sceniczny postaci, albo na stan ducha lub charakter. Konieczne było również zwiększenie sylwetki aktora, który w tym celu zakładał buty na wysokiej platformie (koturny). Grecki teatr prawie nie miał scenerii. Cały ten ograniczony zestaw środków wizualnych (maski, kostiumy, brak scenografii itp.) wiązał się z orientacją całej kultury starożytnej, w tym teatru greckiego, na percepcję słuchową, akustyczną. Kultura antyczna była raczej kulturą słowa ustnego niż pisanego.

Podobnie jak w innych dziedzinach kultury greckiej, w teatrze z pewnością obecny był agon (współzawodnictwo). Przedstawienia teatralne trwały trzy dni z rzędu, podczas obchodów Wielkiego Dionizjusza. Koniecznie dali trzy tragedie i jeden dramat satyra, tj. komedia. W każdym spektaklu brało udział trzech dramaturgów, a publiczność miała za zadanie wyłonić najlepszą inscenizację, najlepszego aktora i najlepszego choreografa (organizatora spektaklu). W ostatnim dniu wakacji zwycięzcy odebrali nagrody.

Grupa tańczących i śpiewających wykonawców biorących udział w przedstawieniu scenicznym starożytnego greckiego dramatu.

Literatura

• Stoessl F. Chor // KP. bd. 1. 1979. Sp. 1154-1159
• Bacon H. Chór w greckim życiu i dramacie // Arion. Tom. 3. 1995. s. 6-24
• Wilson P. Leading the Tragic Khoros: Tragic Prestige in the Democratic City // Grecka tragedia i historyk / wyd. przez C. Pellinga. Oxford, 1997. s. 81-108
• Wilson P. Ateńska instytucja Khorēgia: chór, miasto i scena. Cambridge, 2000
• Zarifi Y. Chorus and Dance in the Ancient World // The Cambridge Companion to Greek and Roman Theatre / wyd. M. McDonald, JM Walton. Cambridge, 2007. s. 227-245
• Sala E. Grecka tragedia. Cierpienie pod słońcem. Oksford, 2010
• Historia literatury greckiej / wyd. SI Sobolewski i inni W 3 tomach TIM; Ł., 1946
• Bondar LD Ateńskie liturgie z V-IV wieku. pne mi. SPb., 2009
• Kulishova O. V. Teatr starożytny: organizacja i projektowanie przedstawień dramatycznych w Atenach w V wieku. PNE. Petersburg, 2014