• ×

    • Projekt artystyczny „Tajemnice instrumentów muzycznych”. Byczkow Wasilij

    18.04.2019

    Drewno muzyczne to drewno twarde i miękkie, które jest używane do produkcji instrumentów muzycznych. Drewno różni się od siebie na wiele sposobów Należy rozróżnić pojęcie drzewa, czyli rosnącego drzewa, od drewna, materiału otrzymanego ze ściętego i obranego z gałęzi i kory drzewa. Pień daje główną ilość drewna, która stanowi 50-90% objętości części rosnącego drzewa ...

    Wybór drewna na gitary

    Dźwięk gitary zależy przede wszystkim od tego, jak jest wykonana. odgrywa decydującą rolę: jak stabilna będzie charakterystyka instrumentu, czy gryf „prowadzi”, a co najważniejsze, czy przyszły instrument będzie brzmiał przyzwoicie? Staranny dobór materiałów gitarowych jest pierwszym i jednym z najważniejszych zadań, przed którymi stoją producenci gitar.

    Wśród ogromnej ilości pozyskiwanego drewna nie każda deska nadaje się do wykonania instrumentu muzycznego. Najlepszą opcją wyboru drzewa są naturalne półfabrykaty do suszenia. Pomimo faktu, że naturalne suszenie drewna wymaga o rząd wielkości więcej czasu niż suszenie sztuczne, tylko ono pozwala na zachowanie struktury porów i włókien, od których zależą właściwości rezonansowe materiału. Konieczne jest również wzięcie pod uwagę profilu cięcia, kierunku włókien i ich krzywizny, obecności (lub w naszym przypadku braku) sęków, loków i innych niuansów. Dlatego starannie selekcjonujemy każdy kawałek, a nawet wysuszone drewno przechowujemy w magazynach przez co najmniej rok.

    Popiół do gitar

    Jesion do gitar to tradycyjny materiał. Jego przejrzyste i dźwięczne brzmienie jest nam znane z gitar Fendera.

    Jesion bagienny to lekkie i mocne drewno z dużymi porami, idealne do gitar typu solid-body. Biały jesion jest nieco cięższy i nieco „ściśnięty” w właściwościach akustycznych, ale ma ciekawsze właściwości dekoracyjne ze względu na dobry kontrast różnych warstw drewna. Biały jesion nadaje się do wykonania blatu gitary z innego materiału.

    Zakres: głównie produkcja korpusów i topów do gitar.

    Olcha do gitar

    Olcha jest jednym z najpopularniejszych gatunków drewna do produkcji gitar elektrycznych. Prawie wszyscy znani producenci (Fender, Jackson, Ibanez, Washburn i wielu innych) mają w swojej ofercie gitary olchowe, z możliwym wyjątkiem konserwatystów Gibsona. Doskonałe właściwości rezonansowe w niemal całym zakresie częstotliwości (nieco bardziej zaznaczone u góry) praktycznie nie ograniczają zakresu zastosowania olchy do produkcji gitar elektrycznych.

    Lipa na gitary

    Lipa jest trochę podobna do olchy, ale ma nieco stłumiony dźwięk ze względu na bardziej miękkie i luźniejsze drewno. Jeszcze do niedawna uważano, że nadaje się tylko na niedrogie instrumenty studenckie, ale Japończyk Ibanez w tandemie z Joe Satrianim obalił ten mit na proch, pokazując całemu światu, jak może brzmieć gitara basowa z dobrą elektroniką i w rękach mistrza .

    Zakres: produkcja futerałów do gitar elektrycznych.

    Mahoń do gitar

    Mahoń to popularna nazwa wielu różnych rodzajów drewna, począwszy od niedrogiego drewna, takiego jak agatis, z którego produkuje się studenckie gitary elektryczne o bardzo przeciętnych właściwościach, po doskonałe przykłady mahoniu honduraskiego i afrykańskiego. Mahoń charakteryzuje się pięknym wzorem z wyraźnym podłużnym zawijasem, głęboką i bogatą kolorystyką, od ciemnego beżu po czerwono-brązowy. Właściwości akustyczne mahoniu - wyraźny niższy środek, nadający dźwiękowi "mięsistej" gęstości. W produkcji gitar mahoniowych są one często używane z różnymi topami, które podkreślają składową wysokiej częstotliwości w zakresie gitar.

    Główne rodzaje mahoniu używane do budowy gitar to mahoń honduraski i afrykański.

    Honduraski mahoń to charyzmatyczna rasa, z której wykonane są praktycznie wszystkie amerykańskie gitary mahoniowe. Dość rzadki w naszym regionie - po pierwsze ze względu na drogi transport, a po drugie dlatego, że dziś mahoń Hondurasu jest wymieniony w Czerwonej Księdze. Jednym z jego najbliższych krewnych jest jeszcze cenniejszy mahoń kubański, który z oczywistych względów nie trafia do Stanów Zjednoczonych.

    Mahoń afrykański (kaya) to nazwa zwyczajowa niektórych pokrewnych podgatunków mahoniu, które rosną w Afryce. Różnią się nieznacznie charakterystyką, głównie gęstością. Nazwa handlowa „Kaya” (Khaya) jest zwykle stosowana do lżejszych (0,56-0,57 g / cm3, jak mahoń honduraski) odmian, cięższe odmiany są zwykle określane jako „mahoń”. Pod względem parametrów akustycznych drzewo to przypomina mahoń honduraski.

    Istnieją również inne rodzaje mahoniu odpowiednie do produkcji gitar - sapele, cosipo, merbau i inne. Gęstość tych skał jest dość duża (od 650 g/cm3 do 900 g/cm3), pory są mniejsze niż w kaya czy mahoniu honduraskim, a narzędzia z nich są dość ciężkie.

    Korina na gitary

    Korina często występuje również pod nazwami ram lub limba. To właśnie jako „korina” drzewo to stało się powszechnie znane dzięki legendarnemu Gibsonowi Korinie Flying V. Gęste i jasne drewno, ma wyraźną włóknistą strukturę, przypominającą strukturę mahoniu, ale bez jasnych smug, o beżowo-żółtym odcieniu. W klasyfikacji handlowej dzieli się na corina białą i czarną ze względu na inny kolor międzywarstwy – od jasnobeżowej w bieli do szarobrązowej w czerni. Poza kolorem obrazu nie ma między nimi zasadniczych różnic. Brzmienie gitar corina przypomina gitary mahoniowe, ale szczyt zakresu akustycznego jest przesunięty w stronę wyższych częstotliwości.

    Zakres: produkcja gryfów i futerałów do gitar.

    Klon do gitar

    Do produkcji gitar używa się głównie klonu amerykańskiego (klon twardy) i klonu europejskiego. W przeciwieństwie do klonu europejskiego, klon amerykański ma gęstszą strukturę i ciężar właściwy (ok. 750 g/cm3 w porównaniu do 630 g/cm3 dla europejskiego kolegi), bardziej sztywny i kruchy. Z pewnymi zastrzeżeniami można powiedzieć, że klon, podobnie jak drewno do produkcji gitar, ceniony jest nie ze względu na właściwości akustyczne, ale mechaniczne i dekoracyjne. Doskonała twardość i elastyczność sprawia, że ​​klon zajmuje miejsce głównego materiału w produkcji szyjek do gitar elektrycznych, a różnorodność wzorów tekstur sprawia, że ​​klon jest niezastąpiony w produkcji ozdobnych blatów. Ponadto klonowy blat pozwala wzbogacić paletę brzmień materiału bazowego płyty rezonansowej o komponent wysokotonowy. Niesprawiedliwe byłoby stwierdzenie, że jego użycie ogranicza się do tego - na przykład wszyscy znają gitary Rickenbacker, które są prawie w całości wykonane z klonu.

    Zakres: produkcja gryfów, gryfów, topów, korpusów gitar.

    Wenge na gitarę

    Wenge bardzo dobrze nadaje się do produkcji podstrunnic do gryfów gitarowych.

    Wood-guitar.ru to sklep specjalizujący się w sprzedaży materiałów do produkcji instrumentów muzycznych, głównie gitar. Staramy się oferować naszym klientom szeroką gamę drewna do produkcji różnych części gitarowych. Aby zapewnić wygodę w wyborze produktu, cały nasz asortyment podzielony jest na podgrupy rodzajowe: materiał na szyje, pokłady itp.

    W naszym sklepie kupisz drewno na gitary wysokiej jakości i w przystępnej cenie w takiej ilości, jakiej potrzebujesz.

    Kup olchę

    Kup popiół

    Kup klon

    kup lipę

    Kup mahoń

    Z jakiego drewna są zrobione gitary?

    Dobrze znany instrument, gitara, ma bardzo wyjątkowe brzmienie. W rękach wirtuoza wydaje dźwięki, które mimowolnie sprawiają, że człowiek się śmieje i płacze, raduje i martwi, zastyga i budzi do życia. A jeśli dodatkowo ten instrument muzyczny jest wysokiej jakości, dobry jest w stanie ukryć pewne wady wykonawcy, to gitara niskiej jakości może zrujnować najbardziej utalentowaną i profesjonalną grę. Jakość dźwięku gitary zależy w dużej mierze od rodzaju drewna, z którego wykonany jest jej korpus.

    Drewno w tym instrumencie odgrywa decydującą rolę: jeśli drewno wydaje dźwiękowo „martwe” dźwięki, to bez względu na to, jak bardzo wielki muzyk się stara, nieważne, jak bardzo wkłada w dobrą i piękną muzykę, nie odniesie sukcesu. Olcha uważana jest za instrument najwyższej jakości i najpopularniejszy. O tym, jak nastroić gitarę.

    A najbardziej dźwięczne gitary uzyskuje się z jesionu i klonu. Klon i jesion mają "szkliste" drewno niż inne gatunki drewna, materiały te bardzo dobrze koncentrują dźwięk, wysokie tony są wyraźnie i żywo wyrażone. Jest rzeczą oczywistą, że drewno ma ogromne znaczenie dla doskonałej jakości dźwięku gitary. Ale każdy powinien pamiętać, że drzewo jest wszędzie i jest drzewo, i błędem byłoby zapomnieć, a tym bardziej pokładać w nim duże nadzieje.
    Tylko muzyk z dużej litery będzie w stanie zamienić gitarę wykonaną z kawałka drewna w prawdziwy instrument, który stanie się przedłużeniem jego duszy i rąk. A potem popłynie naprawdę prawdziwa i piękna melodia muzyki.

    Geneza i cechy wytwarzania drewnianych instrumentów muzycznych

    Już w starożytności ludzie wytwarzali prymitywne drewniane instrumenty muzyczne. Wykorzystywano je zarówno do polowań, jak i do chwil odpoczynku.

    Z czasem zainteresowanie muzyką i instrumentami muzycznymi wzrosło. W rezultacie powstała nauka, a taką nauką jest akustyka muzyczna. Starożytni Grecy odegrali ważną rolę w jego rozwoju. Jednym z pierwszych znanych instrumentów muzycznych był monochord, o którym wspominają pisma Euklidesa. Gitara pojawiła się znacznie później. Ten osobliwy strunowy instrument muzyczny znany jest z tłumaczeń ustnych i źródeł pisanych wielu ludów świata.

    Zgodnie z techniką gry gitara należy do grupy instrumentów szarpanych. Składa się z rezonansowego korpusu, gryfu z podstrunnicą oraz strun rozciągniętych równolegle w płaszczyźnie płyty rezonansowej. Szyja jest zwykle wykonana z twardego drewna i jest oddzielona metalową nakrętką. Orzechy są konstrukcyjnie rozmieszczone w taki sposób, że przerwy między nimi (progi) tworzą chromatyczną sekwencję dźwięków. Dociskając struny do progów muzyk ogranicza długość częstotliwości jego drgań, pozwalając na uzyskanie dźwięku o określonej wysokości.

    Miejsce narodzin gitary to Hiszpania, gdzie rozpowszechnione były dwa jej rodzaje - mauretański i łaciński. Z wnętrza stuleci. Informacje o ewolucji gitary, jej właściwościach i roli w życiu muzycznym są coraz bardziej kompletne i dokładne.

    Gitara mauretańska ma owalny kształt, dolna płyta rezonansowa jest wypukła, struny są metalowe, przymocowane do podstawy korpusu. Grają na mauretańskiej gitarze z plektronem, co powoduje ostrość dźwięku. W przeciwieństwie do mauretańskiej gitara latynoska ma bardziej złożony kształt: owalna dolna część ma zwężenie w kierunku podstrunnicy i płaską dolną płytę rezonansową. Gitara latynoska jest bardzo podobna do współczesnej gitary klasycznej pod względem konstrukcji i cech brzmieniowych: spłaszczony, lekko wydłużony korpus w „pasie”, otwór rezonansowy znajduje się pośrodku, gryf z podstrunnicą ma nakrętkę.
    Znaczącym okresem w rozwoju gitary jest wiek XVI. Jeśli przed tym okresem gitara zajmowała pierwsze miejsce obok Violi, Rebeki, harfy i lutni, to teraz wyprzedza wszystkich. Bardzo szybko moda na gitarę rozprzestrzenia się w Europie Zachodniej, podbijając Flandrię, Anglię, Włochy, z wyjątkiem Hiszpanii. Na rozwój gitary miała wpływ ewolucja lutni. Liczba strun gitary, podobnie jak lutni, wzrasta do jedenastu. Charakter i specyfikę instrumentu określa jego system. Piąty rząd dołączony od strony wysokiej struny daje układ typu: G, K, Mi, La, Re, ale w wyniku oddziaływania lutni piąty rząd zostanie dodany do strun basowych. Dlatego w Europie do końca XVIII wieku. najpopularniejsza była gitara pięciostrunowa. Pierwsza znana dziś pięciochórowa gitara należy do muzeum Royal College of Music w Londynie. Wykonany w Lizbonie w 1581 roku przez Melchiora Diasa, jest pośredni między gitarami z XVI wieku, po których odziedziczył proporcje, a gitarami z XVII wieku. Konstrukcja gitary Diaz: korpus (spód i boki) jest wyrzeźbiony (wydrążony) z litego palisandru; dno jest wypukłe; górny pokład jest podtrzymywany wewnętrznie tylko przez dwie sprężyny.

    Do wykonania wykwintnych, bardzo artystycznych, bogato zdobionych gitar klasycznych, mistrzowie użyli cennych materiałów: rzadkich (czarny heban, kość słoniowa, szylkret). Dolna płyta rezonansowa i boki są ozdobione intarsjami. Górna płyta rezonansowa pozostaje prosta i wykonana jest z drewna iglastego drewno (świerk).Otwór rezonansowy oraz brzegi korpusu ozdobione wzorem płytek drewnianych różnych gatunków.Ważnym elementem dekoracyjnym jest otwór rezonansowy ozdobiony tłoczoną skórą, która nie tylko współgra z pięknem całego korpusu, ale także zmiękcza dźwięki. Płytki z kości słoniowej, umocowane wąskimi żyłkami z brązowego drewna, zdobią całe ciało. Takie instrumenty w Europie uważane są za rzadkość. Od początku XVII wieku określano nowe cechy konstrukcyjne gitary. Ich rozmiary zwiększają się , ciało staje się bardziej obszerne, wysokie struny są wykonane ze ścięgien, a niskie z miedzi lub srebra. Wymiary nie istniały, zostały określone przez mistrza. Przed naszymi czasami otrzymała piękny egzemplarz gitary (zachowany w muzeum Konserwatorium Paryskiego), datowany na 1749 rok, przeznaczony najwyraźniej na dwór królewski. Instrument został wykonany w warsztacie „królewskiej gitary” Claude'a Boivina, ozdobiony płytkami szylkretowymi i inkrustowany masą perłową.

    W ostatnich latach XVII wieku. istnieją znaczące innowacje, które definiują ważny etap w stopniowym tworzeniu nowoczesnego projektu gitary. Zmieniają się proporcje, uwydatniają się krzywizny ciała i wygląd. Mistrz instrumentów muzycznych starał się podkreślić naturalne piękno palisandru w drogich instrumentach, a w przypadku instrumentów o umiarkowanej cenie drewno cyprysowe i lokalne gatunki (wiąz, klon, owocowy). Orzechy mocują się i wkładają w podstrunnicę, z kości słoniowej. W Hiszpanii mistrzowie instrumentów muzycznych podkreślali podwyższone właściwości akustyczne wentylatora (od rzeczownika „wentylator") umieszczenia sprężyny górnej płyty rezonansowej. Nie wiadomo, kto był autorem tego wynalazku, ale jednym z nich był José Benedict de Cadix jako pierwszy zastosował tę metodę jako nową zasadę projektowania.Instrument, który wyszedł z jego warsztatu w 1783 roku i jest przechowywany w Muzeum Instrumentów Muzycznych w Konserwatorium w Barcelonie ma trzy sprężyny, umieszczone w ten sposób. mistrz o tym samym nazwisku Cadix, Juan Pages, tworzy instrument, którego górna płyta rezonansowa jest wsparta na pięciu sprężynach, w innej gitarze (1797) z ich już siedmiu. Te ulepszenia, które zostały wprowadzone ren w praktyce przez hiszpańskich mistrzów, to innowacje w rozwoju gitary.

    Drugim ważnym etapem ewolucji jest strojenie instrumentu, które zostaje ustalone. Można więc przypuszczać, że gitary sześciostrunowe są ćwiczone w różnych częściach Europy. Mistrzowie instrumentów muzycznych pracowali w Europie i Ameryce. Instrumenty muzyczne powstają w warsztatach Louisa Panorama z Londynu, Georga Staufera z Wiednia, KF Martina z Nowego Jorku, JG Schrodera z Pittsburgha. Do tego trzeba dodać znakomitą szkołę hiszpańską, która dała się poznać w ostatniej dekadzie XVIII w. We Francji można odnotować powstanie w Mirkouri prowincjonalnego ośrodka manufaktury instrumentów muzycznych, który z czasem zasłynął z jego skrzypiec, a także za osiągnięcia dwóch paryskich mistrzów lutni René Lakoty i Etienne Laprevote.

    Twórcza działalność Rene Lakoty, który był mistrzem słynnych gitar tamtych czasów, miała miejsce w Paryżu. Komunikuje się i współpracuje ze wszystkimi wówczas wybitnymi wirtuozami-wykonawcami: Carulli, Carcassi, Shame. Na ich zlecenie przeprowadza liczne eksperymenty w zakresie rozwoju gitar. Dla Fernando Sora tworzy model z siedmioma strunami. We współpracy z Carullim produkuje dziesięciokord, specjalny instrument z pięcioma dodatkowymi strunami umieszczonymi na zewnątrz gryfu. Wynalazł mechanizm mocowania kołków, podniósł gryf względem korpusu, dzięki czemu przechodzi on do otworu rezonansowego, na którym znajduje się 18 mosiężnych nakrętek.

    Étienne Laprevote specjalizował się najpierw w produkcji skrzypiec, ale jego dalsza działalność skierowana była na produkcję gitar. Udoskonalając konstrukcję i nieustannie dążąc do poprawy brzmienia, Laprevot, podobnie jak Rene Lakota, modyfikuje poszczególne elementy konstrukcyjne. Dolny pokład ma formę skrzypiec, otwór rezonansowy wykonany jest w formie owalu, a korpus jest zaokrąglony.

    W drugiej połowie XIX wieku. w dużej części Europy gitara została wyparta przez fortepian. Jedynym wyjątkiem była Hiszpania. Wśród hiszpańskich mistrzów – Antonio de Torres (1817-1892), do dziś uznawany jest za jednego z najlepszych gitarzystów nie tylko na półwyspie hiszpańskim, ale także w Europie, gdzie nazywany jest „Gitarowym Stradivariusem”, a instrumenty wykonane przez niego stał się sławny na całym świecie. Gitary, które projektuje od początku lat pięćdziesiątych XIX wieku, są dość nowoczesne. Jak wszyscy wielcy mistrzowie, Torres eksperymentuje i dąży do poprawy jakości i mocy brzmienia gitary. Oferuje nowe parametry konstrukcyjne gitary, w szczególności: zwiększa objętość korpusu, czyniąc go szerszym i głębszym; ustawia długość wibrującej struny (65 cm); podstrunnica przechodzi do otworu rezonansowego; pozostawia próg na stojaku; określa optymalną liczbę (siedem) sprężyn wentylatora oraz nową zasadę ich rozmieszczenia (według schematu pięciokąta nieregularnego z podstawą poprzecznej sprężyny do otworu rezonansowego). Instrumenty te posiadają wszystkie cechy współczesnej gitary.

    Pod koniec XVIII wieku, kiedy Cyganie otrzymali prawo osiedlania się w miastach Hiszpanii, sztuka flamenco wyszła z zapomnienia. Rodzaj występu muzycznego, w którym na małej scenie spotyka się dwóch lub trzech śpiewaków, trzech lub czterech tancerzy i dwóch gitarzystów. Spektakl obejmuje taniec, śpiew i grę na gitarze w tym samym czasie. Wiadomo, że obecnie nie było różnicy między gitarą klasyczną a gitarą flamenco. Oba mają po sześć rzędów podwójnych strun, a dźwięk powinien być zarówno wyrazisty, jak i krótki oraz wyraźnie perkusyjny. Dlatego rzemieślnicy, którzy wykonywali takie instrumenty, byli zmuszeni wybierać specjalne drewno, takie jak świerk na blachy do pieczenia i cyprys hiszpański na korpus. Stworzenie modelu gitary flamenco wiąże się z nazwiskiem Antonio de Torres. Jedna z pierwszych gitar wykonanych w jego warsztacie (1860) przypominała gitarę klasyczną z sześcioma pojedynczymi strunami, ale jej parametry zostały nieco zmodyfikowane.

    Struktura gitary flamenco charakteryzuje się lekką konstrukcją. Pokład jest podtrzymywany tylko przez pięć sprężyn umieszczonych w wachlarzu. Gryf z palisandru (zamiast hebanu, który zmniejsza jego masę) jest dłuższy i węższy, struny osadzone niżej, co tworzy swoistą barwę.

    Mistrzowie instrumentów muzycznych od wielu stuleci pracują w ramach tradycji, która rozwinęła się dzięki dorobkowi ich poprzedników. Stworzenie nowoczesnej gitary klasycznej wymaga od mistrza subtelnych umiejętności i wysokich umiejętności. Istnieją dwa sposoby komponowania gitary. W pierwszym przypadku najpierw powstaje kształt korpusu, który jest podstawą do złożenia narzędzia z różnych części, w drugim przypadku wręcz przeciwnie, proces montażu rozpoczyna się od zestawienia części wewnętrznych. Aby skomponować korpus, mistrz wykonuje ściany boczne łączące górny i dolny pokład. Obie identyczne burty są wykonane z tego samego drewna co dolny pokład. Podgrzewając ściany boczne do odpowiedniej temperatury, mistrz nadaje im niezbędny kształt poprzez wyginanie. Na koniec wykonuje się szyję, która w dolnej części kończy się piętą, do której przymocowane jest ciało. Do górnej części szyi przymocowana jest głowica z mechanizmem kołkowym. Proces rysowania szyi i tułowia przeprowadzany jest metodą hiszpańską lub francuską. W pierwszej metodzie rysowania szyja jest przyklejana do górnego pokładu. Następnie ściany boczne są przyklejane do górnego pokładu, jednocześnie wkładane w rowki pięty. Dlatego korpus jest zamknięty dolnym pokładem. Kończą się przyklejeniem szyjki do szyjki, na której osadzone są płytki i nakrętka.

    Francuski sposób rysowania znacznie różni się od hiszpańskiego tym, że najpierw składa się ciało, a następnie instaluje się szyję z szyją. Bez względu na wybraną metodę komponowania, proces tworzenia instrumentu kończy się lakierowaniem, przyklejeniem podstawy do płyty rezonansowej i naciągnięciem strun. Do połowy XX wieku. w gitarach klasycznych struny jelitowe były używane do wysokich rejestrów, a niskie struny były wykonane z nieskręconego jedwabiu owiniętego wokół cienkiego metalowego drutu. Od około 1945 roku szeroko stosowane są nylonowe (syntetyczne) struny. Jednak użycie tych strun prowadzi do utraty szczególnej czystości dźwięku właściwej dla strun jelitowych.

    Wraz z rozwojem rynku, zwłaszcza w krajach o taniej sile roboczej, duże zapotrzebowanie na gitary produkowane fabrycznie. Dziś wiodące miejsce wśród takich producentów zajmują Korea i Japonia. Firmy Hondo (Korea); Yamaha, Aria, Kohno, Tekimura (Japonia) zaopatrują w swoje produkty większość rynku światowego, wypierając tak rozwinięte kraje europejskie jak Niemcy, Włochy, Czechy, Węgry, a także Ukrainę, Rosję itp. Jednak ręcznie robione narzędzia, mistrzowsko wykonane przez indywidualnych rzemieślników, nadal przybywają zgodnie z tradycją z Hiszpanii i USA. W niektórych przypadkach rękodzielnicza produkcja instrumentów muzycznych stanowi podstawę małych prowincjonalnych przedsiębiorstw, które eksportują swoje wyroby nawet do Stanów Zjednoczonych.

    Wśród wielu znanych mistrzów o światowym znaczeniu na Ukrainie jest czernihowski mistrz Nikołaj Iwanowicz Jeszczenko, który wykonał prawie tysiąc instrumentów, a za swojego najlepszego ucznia uważa Piotra Goluboka, który wraz z synem wykonuje skrzypce techniką starożytnych mistrzów włoskich. W doborze drewna mistrz preferuje klon i świerk - mają śpiewającą duszę. Deski klonowe wygrywają z falami masy perłowej, odcieniami wyjątkowego połączenia. Właściwie do produkcji gitar, a raczej dolnego pokładu, potrzebny jest dokładnie falisty klon, na górny pokład - jasny świerk, na inne detale - heban i egzotyczne palisander. Chociaż w byłym Związku Radzieckim byli znani mistrzowie, nie było własnej szkoły.

    Skrzypce to jedyny instrument, który spełnia rolę dobrego rezonatora, a jednocześnie utożsamiany jest z artystycznym obrazem. Drewno jest piękne, gdy występują przyrosty roczne (słoje), promienie rdzenia. Kiedy wszystko jest polakierowane - to jest zdjęcie. Michaił Bondarenko uważa, że ​​nie stworzył jeszcze swoich najlepszych skrzypiec. Obecnie kolekcja mistrza obejmuje ponad 50 smyczkowych instrumentów muzycznych.

    Oczywiście dlatego, że instrument ten zawsze był i pozostaje w aurze tajemniczości, a zatem nigdy nie został przez nikogo w pełni poznany. Stradivari urodził się w 1644 r. Udoskonalił grę na skrzypcach. Jego skrzypce mają 13 alikwotów. Nasi mistrzowie dochodzą do dziewiątej. Ale jest tu jeden schemat czasowy: im więcej lat mają skrzypce, tym lepiej. Oznacza to, że same skrzypce z czasem stają się coraz lepsze. Tak jak ponad 300 lat temu Stradivarius miał swoje sekrety tworzenia skrzypiec, tak dziś Bondarenko ma swoje. Sekret

    Stradivari - w pracy. Aby zrobić jedne skrzypce, mistrz potrzebuje pół roku, a nawet roku, trzeba dużo umieć, wiedzieć, mieć silną wolę. Dziś Michaił Bondarenko jest zasłużonym mistrzem sztuki ludowej, ma honorowe wyróżnienia i nagrody. Jednocześnie nie jest uważany za mistrza, ponieważ w rejestrze państwowej listy zawodów nie ma zawodu lutnika.

    Nieco inaczej sytuacja wygląda w sąsiedniej Rosji, gdzie w 1996 roku profesor V.I. Jej zaplecze techniczne i zespół naukowców umożliwiły uruchomienie nowej specjalności „Normalizacja i certyfikacja w kompleksie chemii drzewnej”, a także otwarcie głównego działu „Drewno i certyfikacja środowiskowa.

    Na Ukrainie kształcenie wysoko wykwalifikowanych specjalistów w zakresie kompozycji drewnianych instrumentów muzycznych może rozpocząć się już dziś na podstawie Wydziału Technologii Obróbki Drewna Ukraińskiego Państwowego Uniwersytetu Inżynierii Leśnej, specjalizującego się w „Technologii produkcji drewnianych instrumentów muzycznych”. W tym celu uczelnia dysponuje odpowiednimi środkami materiałowymi i technicznymi oraz odpowiednią kadrą dydaktyczną, a także od dawna prowadzi badania nad właściwościami fizycznymi, mechanicznymi i akustycznymi drewna. Zgodnie z wynikami prac badawczych opublikowano dziesiątki prac, obroniono rozprawy doktorskie, otrzymano certyfikaty praw autorskich.

    Lwowska Fabryka Instrumentów Muzycznych „Trembita”, zatrudniająca znanych mistrzów, może służyć jako baza do praktycznego szkolenia. Tak więc pod kierownictwem dyrektora fabryki M.V. Kuzemski organizował seryjną i indywidualną produkcję instrumentów muzycznych: bandur (proj. prof. Gierasimenko) i gitar (proj. Gritsiv, Deinega, Varenyuk itp.). Pozwala im to rozwijać masową produkcję i zaspokajać popyt na rynku krajowym i zagranicznym.

    Drewno przez cały czas było i pozostaje głównym materiałem konstrukcyjnym w odniesieniu do specyfikacji właściwości fizycznych, rezonansowych, mechanicznych i technologicznych instrumentów muzycznych.

    Przy wyborze materiału należy wziąć pod uwagę środowisko ekologiczne wzrostu drzew i jego wpływ na kształtowanie się właściwości drewna. Na wysokiej jakości instrumenty muzyczne ludowi rzemieślnicy wybierają drewno z pni drzew rosnących w zacienionych miejscach na skalistych brzegach górskich rzek. W takich warunkach drzewa rosną powoli, dzięki czemu ich drewno jest uformowane równomiernie. Zgodnie z wieloletnią tradycją rzemieślnicy rozpoczynają pozyskiwanie drewna iglastego pod koniec kwietnia, kiedy pojawia się nów księżyca. W ściętym pniu drewno w tym okresie jest białe, jasne (nie nasycone wilgocią), „zdrowe”, ma przyjemny zapach, nie ciemnieje, nie przemaka, nie gnije i nie poddaje się tunelowi czasoprzestrzennemu. Drewno wiosenne, według mistrzów muzyki, ma dobre właściwości rezonansowe i jest łatwe w obróbce. Mistrzowie zbierają pnie twardego drewna pod koniec września - na początku października, ponownie w czasie nowego miesiąca. Drewno z jesiennego domu z bali jest cięższe niż drewno wiosenne (zawiera więcej wilgoci), nie gnije, nie ma tunelu czasoprzestrzennego, dłużej schnie i jest łatwe w obróbce. W przypadku twardego drewna mistrzowie preferują drzewa w średnim wieku - od 20 do 30 lat. Ich drewno jest twardsze, środek pnia drzewa (suchy) niż jego biel, zawiera mniej substancji oleistych, „chude”. W ściętych drzewach rzemieślnicy odcinają tę część pnia, która została zwrócona na słońce, jest lepszej jakości, biała, ma grubsze i bardziej miękkie przyrosty roczne, jest odporna na zmiany temperatury i wilgotności powietrza oraz nie odkształca się.

    Klon jawor ma dobre właściwości fizyczne: twardość - 67 MPa, moduł sprężystości 9400 MPa, stała promieniowania - 8,9 m4/kgf. Znane są sposoby na poprawę jakości rezonansów drewna poprzez moczenie go w środowisku alkalicznym, w wodzie z bakteriami, a także naturalne odsłonięcie drewna w miejscach jego ścinki. Odsłonięcie i okresowe nawilżanie drewna w miejscach jego ścinania przyczynia się do wypłukiwania substancji wzrostowej z części bielu, a tym samym zapewnia otwartość porów.

    Tym samym w procesie jej nawilżania usuwane są naprężenia powstające podczas wzrostu oraz zapobiega się pojawianiu się naprężeń wynikających z wysychania, co skraca ten proces. Poprawę właściwości rezonansowych drewna obserwuje się, gdy jest ono ekstrahowane eterem, alkoholem lub acetonem, a następnie suszone. W procesie ekstrakcji traci terpentynę i inne substancje ekstrakcyjne, co prowadzi do zmniejszenia gęstości. Najbardziej wydajną ekstrakcją drewna jest metoda wykorzystująca rozpuszczalniki organiczne. Ocena przydatności rezonansów drewna świerkowego jest badana na podstawie pomiarów właściwości fizycznych i akustycznych różnymi metodami. Nowoczesna aparatura oparta na interferometrze laserowym umożliwia ocenę tych cech. Wpływ drgań ultradźwiękowych o częstotliwości 20 kHz na przechodzenie cieczy przez drewno pozytywnie wpływa na zwiększenie jego właściwości rezonansowych. W drewnie bielu zjawisko to jest wyraźniejsze niż w drewnie dojrzałym i charakteryzuje stopień przenikania cieczy przez drewno podczas procesu ekstrakcji. Wykorzystując ocenę właściwości fizycznych i akustycznych do produkcji wysokiej jakości klasycznych lub koncertowych instrumentów muzycznych, wybrać materiał z różnych części lufy o pożądanych właściwościach. W celu oceny porównawczej bada się wysokiej i niskiej jakości drewno świerkowe i klonowe pod kątem przydatności do produkcji instrumentów muzycznych. Rezonansowe drewno niskiej jakości zostało wyselekcjonowane z różnych regionów Alp Wschodnich (Słowacja) na wysokości od 800 do 1900 m n.p.m., w Karpatach od 800 do 1200 m n.p.m., a także na północnych zboczach góry, gdzie warunki wzrostu w ciągu roku są w przybliżeniu takie same.

    Tradycyjnie drewno świerkowe, które najlepiej nadaje się do produkcji płyt rezonansowych, jest wybierane przez rzemieślników na podstawie zewnętrznych oznak drzew: kora jest mało widoczna, ma szary kolor itp. Za pomocą wierteł Presler określa się szerokość rocznego wzrostu.

    Najlepsze właściwości rezonansowe ma drewno z pni starszych niż 150 lat o szerokości przyrostów rocznych 0,5 - 0,8 i 4,5 - 5,0 mm. Naturalne atmosferyczne suszenie rezonansowego świerka powinno wynosić co najmniej 18 miesięcy. A w przypadku drewna rezonansowego przeznaczonego na drogie instrumenty muzyczne okres schnięcia atmosferycznego jest znacznie dłuższy, zwykle 20 lat lub więcej.

    Wpływ drewna na brzmienie drewnianych instrumentów muzycznych

    Wiele systemów akustycznych i drewnianych instrumentów muzycznych jest wykonanych z drewna, a do produkcji różnych części i zespołów instrumentów muzycznych wykorzystuje się różne gatunki drzew. Tak więc do produkcji płyt rezonansowych do strunowych drewnianych instrumentów muzycznych używam drzew iglastych: świerka, jodły, sosny cedrowej.

    Spośród nich główną rasą, która jest szeroko stosowana, jest nadal świerk, a najlepszy jest świerk śnieżnobiały, który jest uprawiany w Alpach, z którego wykonane są płyty rezonansowe drogich, wysokiej jakości instrumentów muzycznych. Pozostałe części i zespoły drewnianych instrumentów muzycznych (dolne pokłady, boki, gryfy itp.) wykonywane są z: klonu, topoli, orzecha czarnego, palisandru, mahoniu i hebanu.
    Spośród nich najlepszy jest heban indyjski, który ma wyjątkowe właściwości akustyczne. W przeciwieństwie do drewna liściastego o prostej strukturze słojów, drewno mahoniowe ma szczególną różnicę - jest to jednolita struktura splątanych włókien, co wymaga dodatkowych badań. Należy zauważyć, że wymagania dotyczące drewna rezonansowego zawsze były i będą istotne.

    Drewno powinno być prostosłojowe o równomiernej szerokości przyrostów rocznych i bez takich wad jak sęki, rogówki i nachylenie włókien, które niekorzystnie wpływają i drastycznie ograniczają rozchodzenie się drgań dźwiękowych. Każdy z powyższych charakteryzuje się swoją strukturą, gęstością, porowatością i lepkością, które znacząco wpływają na jego właściwości akustyczne.

    Dlatego przy produkcji drewnianych instrumentów muzycznych ważna jest ocena ich właściwości akustycznych, ponieważ od nich zależy jakość dźwięku drewnianego instrumentu muzycznego. Wielu producentów drewnianych instrumentów muzycznych ocenia subiektywnie (na ucho) właściwości akustyczne różnych rodzajów drewna, w szczególności na podstawie jego reakcji na stukanie.

    Jednak w masowej produkcji drewnianych instrumentów muzycznych konieczne są obiektywne właściwości akustyczne drewna, które można określić za pomocą przyrządów i urządzeń pomiarowych.

    Musical to drewno liściaste i iglaste, które jest wykorzystywane do produkcji instrumentów muzycznych. Drewno różni się od siebie na wiele sposobów Należy rozróżnić pojęcie drzewa, czyli rosnącego drzewa, od drewna, materiału otrzymanego ze ściętego i obranego z gałęzi i kory drzewa.
    Pień daje główną ilość drewna, która stanowi 50-90% objętości części rosnącego drzewa i tylko drewno pnia nadaje się do produkcji części instrumentów muzycznych.
    Wodo i gazoprzepuszczalność drewna w warunkach produkcji instrumentów muzycznych jest interesująca przede wszystkim przy bejcowaniu, a zwłaszcza barwieniu, a termiczna przy gięciu części instrumentów muzycznych.Niepowtarzalne właściwości dźwiękowe drewna sprawiły, że stało się ono nieodzownym naturalnym materiałem do produkcji instrumentów muzycznych instrumenty.

    Najciekawszą cechą dźwiękową drewna jest szybkość rozchodzenia się dźwięku w materiale. Ta prędkość jest różna w różnych kierunkach, ale jest największa wzdłuż włókien drzewnych. I tak np. dźwięk rozchodzi się wzdłuż włókien z prędkością 4-5 tys. m/s, czyli zbliżoną do prędkości rozchodzenia się dźwięku w metalach (miedź ma 3,7 tys. m/s). W innych kierunkach prędkość dźwięku jest średnio 4 razy mniejsza.

    Projekt artystyczny

    „Tajemnice instrumentów muzycznych”

    Cel: wprowadzenie do instrumentów muzycznych

    Zadania:

    1) organizowanie zajęć studentów w celu studiowania historii powstania instrumentów muzycznych, wierszy o nich;

    2) wysłuchania utworów muzycznych w wykonaniu uczniów filii Dziecięcej Szkoły Artystycznej oraz uczestników szkolnej pracowni wokalnej.


    Działalność naukowa prowadzona jest w zakresie muzyki i historii.

    Scena 1. Zapraszamy uczniów szkół ponadgimnazjalnych do przygotowania materiału o powstawaniu instrumentów muzycznych (gitara, lutnia, altówka, skrzypce, fortepian, domra) i zademonstrowania go w ramach zajęć pozalekcyjnych dla uczniów klas 3-5.

      etap. Planowanie. Uczniowie dzielą się na 4 grupy.

    Grupa 1 studiuje materiał literacki.

    Grupa 2 bada historyczne informacje o pojawieniu się narzędzi.

    Uczniowie grupy 3 filii szkoły muzycznej wraz z nauczycielami uczą się utworów muzycznych (podano zadanie).

    Członkowie grupy 4 szkolnego studia wokalnego uczą się piosenek.

    Etap 3. Badania. Odbywa się to samodzielnie, zgodnie z przyjętym przez grupę planem. Każdy ma swoje własne zadanie.

    Etap 4. Wyniki. Współpraca w celu połączenia otrzymanych informacji w jeden scenariusz, przygotowanie prezentacji.


    Etap 5 Prowadzenie zajęć pozalekcyjnych „Tajemnice Instrumentów Muzycznych” w ramach tygodnia przedmiotowego cyklu estetycznego dla gimnazjalistów.

    Etap 6 Ocena wyników (pod uwagę brana jest aktywność każdego uczestnika, jakość i objętość wykorzystanych źródeł, kreatywność). Wyniki.

    Postęp wydarzenia

    prezenter (na tle cichej, delikatnej muzyki): Dzień dobry chłopaki!

    Dzień dobry, drodzy goście!Slajd nr 1

    Miło nam powitać Cię w świecie muzyki. Tak, tak, nie dziw się, bo teraz jesteś w klasie muzycznej. To tutaj mieszkają Muzy – patronki poezji, sztuki i nauki. To 9 sióstr. A ich przywódcą jest przyrodni brat, bóg słońca Apollo. Poznać ich:Slajd nr 2

    Eutherpa - patronka pieśni lirycznych i wszystkich muzycznych

    sztuka.

    Melpomene jest muzą tragedii i sztuki teatralnej.

    TERPSIKHORA - patronka tańców.

    ERATO to muza poezji lirycznej i pieśni weselnych.

    POLIHYMNIA - patronka hymnów i pieśni na cześć bogów i

    bohaterowie.

    Urania jest kochanką gwiazd i astronomii.

    THALIA jest muzą komedii i humoru.

    Clio jest patronką historii.

    CALLIOPE - muza epopei - opowieść o wydarzeniach rzekomych w przeszłości.

    Czy nie chciałbyś już teraz przenieść się w przeszłość i poznać tajniki instrumentów muzycznych, które są dziś w tej klasie?

    Jak myślisz, jakie instrumenty wymyśliłeś jako pierwsze: smyczki czy klawisze? (Smyczki).

    Oskubane czy pochylone? (oskubane). A ich prototypem był ten sam łuk, z którego polowali prymitywni ludzie. Orfeusz grał również na lirze w starożytnej Grecji.Slajd nr 3 I na tym fragmencie (Starożytny Egipt. 3 tys. lat pne) przedstawiona jest cała scena muzyczna. Piramida Cheopsa, która stała się jednym z punktów odniesienia czasu historycznego, jeszcze nie powstała, a instrumenty przypominające gitary już brzmiały, dzieląc radości i smutki ludzkiej egzystencji. Nasza pierwsza opowieść o gitarze. Opowiedzą nam o tym muza historii Clio i muza epickiej Calliope.

    Takie instrumenty istnieją od tak dawna, że ​​nie sposób prześledzić ich pochodzenia bez zagubienia się w czasie.

    Przemierzając muzea w Europie można znaleźć najstarsze wizerunki przodków gitary, datowane na 3-4 tysiąclecia przed naszą erą. Arabscy ​​​​koczownicy Beduini, którzy podbili Grecję i Persję w VII wieku naszej ery, byli urzeczeni wysoką kulturą tych cywilizacji, po części za sprawą sztuki muzycznej. Rok później podbijają też Hiszpanię i wnoszą do tego kraju elementy kultury orientalnej oraz importują gitarę. To właśnie w Hiszpanii gitara zyskała szczególną popularność i stała się symbolem całej hiszpańskiej sztuki muzycznej. Elastyczne rytmy hiszpańskich tańców i smutne melodie - wszystko okazało się podporządkowane temu instrumentowi.

    (Hiszpański film taneczny)

    Stopniowo gitara podbija kolejne kraje. Stopniowo zmieniał się również wygląd samego instrumentu. W XVI wieku grali na gitarach z 4 podwójnymi strunami (chórami). Okazało się to niewystarczające, więc gitarę tymczasowo zastąpiono innym strunowym instrumentem muzycznym, lutnią (slajd numer 4) , który miał do dziesięciu chórów smyczkowych. Wiadomo, że wybitni artyści renesansu – Caravaggio, Paolo Veronese, Tintoretto byli dobrymi muzykami-wykonawcami. Nauka gry na lutni lub innym instrumencie była uważana za „dobre maniery”. I na przykład Leonardo da Vinci grał na lutni własnego projektu, srebrnej, w kształcie końskiej głowy. Jednak instrument ten szybko stracił popularność, ponieważ był bardzo „kapryśny”. Jeden z XVIII-wiecznych dziennikarzy, jakby nie bez sarkazmu, napisał: „Lutnista, który dożył 80 lat, spędził prawdopodobnie 60 lat na strojeniu swojego instrumentu, a utrzymanie lutni było równie kosztowne jak utrzymanie koń." Dlatego wkrótce lutnię zastępuje jej rywalka - altówka - swego rodzaju hybryda lutni i gitary. Altówka kształtem zbliżona do gitary, tylko duża, miała 5 chórów i jedną strunę. Altówka całkowicie wyparła gitarę, która „poszła do ludu”, stała się instrumentem „ulicznym”, towarzyszącym pieśniom i tańcom ludowym. Były też inne hybrydy, takie jak lira-gitara, harfa-lutnia (Slajd nr 5 ).

    I gitara poszłaby w zapomnienie... Ale pulsujące życie jest fantastyczne w swoich zawiłościach i nieoczekiwanych wątkach... Gitara znów odżyła! I tylko dla jej „resuscytacji” konieczne było dodanie piątej struny. A według legendy dokonał tego nie muzyk, lecz poeta Vicente Espinola, przyjaciel wielkiego Cervantesa i nauczyciel genialnego Lope de Vegi. Gitara w wersji 5-strunowej odzyskuje popularność. Nieco później jeden z najlepszych gitarzystów w Hiszpanii, Ruiz de Ribayazo, znacznie udoskonalił instrument, pozostawiając w nim jeden rząd strun, co uprościło jego strojenie i technikę gry, a Jacob August Otto, nadworny lutnista i gitarzysta Weimarska księżniczka Amelia jako pierwsza dodała szóstą do pięciu strun. Od połowy XVIII wieku instrument taki można było spotkać w wielu krajach Europy. Ten typ gitary był uważany za klasyczny.Slajd nr 6

    Niestety, ze względu na stosunkowo słabą dźwięczność, gitara nie została uwzględniona w orkiestrze, ale XX wiek tchnął nowe życie w sztukę gitarową. Po wielu wiekach gitara z instrumentu towarzyszącego staje się instrumentem solistycznym. W wielu krajach gitarzyści wirtuozi występują z programami solowymi.

    Prezenter: Później wynaleziono smyczek i naszą kolejną opowieść o skrzypcach.Kaliope: Skrzypce to instrument smyczkowy. Instrumenty smyczkowe znane są od bardzo dawna, jednak wciąż są znacznie młodsze od instrumentów szarpanych. Można przypuszczać, że kolebką instrumentów smyczkowych były Indie. A czas narodzin to pierwsze stulecia naszej ery. Z Indii przybyli do Persów, Arabów, ludów Afryki Północnej, a stamtąd przez Półwysep Bałkański w VIII wieku – do Europy.

    Zmieniając się z biegiem czasu, dały one początek nowemu typowi smyczkowego instrumentu smyczkowego – FIDEL (Slajd nr 7). Następnie dwie główne gałęzie europejskich instrumentów smyczkowych - altówka i skrzypce (Slajd nr 8 ).

    Violas pojawił się nieco wcześniej. Zostały zbudowane w różnych rozmiarach i trzymały je podczas gry na różne sposoby (Slajd nr 9 ): między kolanami, jak współczesna wiolonczela, lub na kolanie. Niektóre rodzaje altówek ustawiano na ławce i grano na nich stojąc. Ale była altówka, którą trzymano na ramieniu i służyła jako prototyp skrzypiec.

    Przedstawiciele rodzin altówek i skrzypiec zajmowali w dawnych czasach różne pozycje „społeczne”. Viola była instrumentem kojarzonym z życiem kręgów arystokratycznych. Jej poprzednicy, a potem ona sama, rozbrzmiewała w kościołach, pałacach, zamkach, bogatych domach. Bardzo cichy, jakby przytłumiony dźwięk altówki był dobrze słyszalny tylko w małym pokoju. Gra na nim połączona była z ówczesnymi wyobrażeniami o pięknie, z całą wyrafinowaną atmosferą salonu XVII-XVIII wieku: pięknymi meblami, pięknymi obrazami, wspaniałymi strojami i poetyckim, podniosłym nastrojem ludzi pasjonujących się sztuką.

    Ze skrzypcami było inaczej. Instrumenty z rodziny skrzypiec były rozprowadzane przede wszystkim wśród ludu. Skrzypce były ulubionym instrumentem wędrownych muzykantów, którzy zabawiali lud na festynach, jarmarkach, weselach, w karczmach i karczmach. Mówi o tym wiele dzieł malarskich i graficznych dawnych mistrzów (slajd nr 10).

    Posłuchaj „Walca” Fridy w wykonaniu zespołu młodszych skrzypków.

    Szczególną rolę w losach skrzypiec odegrał nowy gatunek muzyczny OPERA, który narodził się na przełomie XVI i XVII wieku. Wiodące miejsce zajęły w orkiestrze skrzypce, które w naturalny sposób łączyły się z innymi instrumentami, ze śpiewem wokalistów. Wraz z głosami śpiewającymi, skrzypce często występują jako soliści i prowadzą ważne linie melodyczne. Ale altówka nie została zabrana do orkiestry, ponieważ jej dźwięk nie mógł wypełnić dużej sali i zniknąłby w ogólnym brzmieniu orkiestry.

    Począwszy od XVI wieku sam instrument przeszedł szereg zmian, dając wykonawcy nowe możliwości i perspektywy: doprecyzowano jego wielkość, budowę, położenie instrumentu podczas gry; zmienił się kształt łuku, w wyniku czego stał się on lżejszy i bardziej mobilny.

    Sztuka skrzypcowa przeżywa swój rozkwit we Włoszech: wspaniali kompozytorzy tworzą kompozycje na skrzypce (Antonio Vivaldi, Nicolo Paganini, Corelli), wspaniali rzemieślnicy tworzą niesamowite, magicznie brzmiące instrumenty: Amati, Guarneri, Stradivari. Nadal uważani są za niedoścignionych, a tajemnica ich brzmienia wciąż owiana jest legendami.

    „Romans” Baklanowa wykonuje Zhenya Shulyaeva

    Prezenter: Prawdopodobnie zgodzisz się ze mną, że wszystkie narzędzia są dobre na swój sposób. Każdy ma swoją niepowtarzalną barwę (kolorystykę dźwięku), swoje własne atrakcyjne cechy. Ale być może żaden z nich nie może się równać z fortepianem. Jako solista jest numerem jeden. Jest nieodzowny w zespole z głosem iz innymi instrumentami, jak już dzisiaj widzieliście. Jak pojawiło się to narzędzie i co wyróżnia je spośród innych?

    Najwcześniejszym przodkiem fortepianu jest MONOCHORD. Tak, ten sam monochord, który według legendy został wynaleziony przez Pitagorasa (VI wpne) i używany do jego muzycznych eksperymentów teoretycznych i akustycznych. Wydawać by się mogło, że co łączy prymitywną jednostrunową skrzynkę z fortepianem – złożonym instrumentem muzycznym z dziesiątkami strun, pedałów i klawiszy?

    Klawiatura od dawna jest używana w instrumentach muzycznych. Chociaż trudno dokładnie określić, kiedy się pojawił. Wyjaśniają to dwie wersje. Pierwsza związana jest z ewolucją narządu(Slajd numer 11) . Prymitywne organy posiadały system masywnych dźwigni, po naciśnięciu których gracz wydobywał dźwięk. Uważa się, że z czasem chowane dźwignie zostały zastąpione pchnięciem, czyli klawiszami. Początkowo były duże (ponad 30 cm długości i około 10 cm szerokości), a aby wydać dźwięk, uderzano je pięścią łokciami.

    Według drugiej wersji klawiatura pojawiła się po raz pierwszy na instrumentach strunowych. Historycy, którzy badali pochodzenie, stwierdzili, że słowo to jest zbliżone pisownią i dźwiękiem do tego, jak nazywano szachy na Wschodzie. Wtedy przyjęto założenie, że pierwowzorem klawiatury była szachownica. Cóż, może czarno-biała klawiatura tak naprawdę wywodzi się z naprzemienności czarnych i białych kwadratów na szachownicy.

    Istniały dwa główne typy instrumentów klawiszowych: klawikord i klawesyn. (slajd numer 12) Jednak pod koniec XVII wieku klawiatur było kilkadziesiąt, różniących się wyglądem, różnorodnością form i nazw. Pewien francuski podróżnik z tego okresu napisał: „Jeżdżąc w ciągu ostatnich miesięcy po dziesiątkach dużych i małych miast Europy i wykazując wszelkie zainteresowanie instrumentami muzycznymi – zwyczajnymi i dziwacznymi – nie mogę nie zauważyć, jak barwna i różnorodna była rodzina instrumenty, w których dźwięk wydobywa się za pomocą klawisza”. I rzeczywiście, jakiego rodzaju narzędzia nie były wówczas powszechne! (slajd numer 13) Ogromne flugle w kształcie skrzydeł i małe, pudełkowate szpinety, stołowe wirgile, piramidalne claviery, różne fisharmonie, na których dźwięk uzyskiwano z powietrza pompowanego miechami za pomocą dwóch pedałów(Slajd nr 14).

    Sztuka gry na klawikordzie rozkwitła w Niemczech, a klawesyn i jego odmiany rozprzestrzeniły się na wszystkie kraje europejskie. Dźwięk klawesynu – czysty, wyraźny, ostry – był znacznie mocniejszy niż dźwięk klawikordu. Jednak niezależnie od siły ciosu pozostał niezmieniony. Okazało się więc, że na dowolnym instrumencie smyczkowym wykonawca mógł z łatwością zwiększać i zmniejszać głośność, ale klawesynista nie miał do tego możliwości. Oczywiście taka sytuacja nie mogła zadowolić muzyków i klawiszowców, dlatego w różnych krajach Europy trwały nieustanne poszukiwania konstrukcji nowego instrumentu klawiszowego, który miałby mocne, elastyczne, dynamicznie zmieniające się brzmienie.

    Pierwszym, który rozwiązał ten problem, był Włoch Bartolomeo Cristofori. W 1709 roku wynalazł instrument klawiszowy, który nazwał „klawesynem o cichym i głośnym dźwięku”. To był fortepian. I wkrótce pomysł stworzenia fortepianu pojawił się w innych krajach europejskich. Oczywiście dźwięk pierwszych modeli był nieco daleki od nowoczesności. Stopniowo, w miarę udoskonalania nowego instrumentu, coraz bardziej interesują się nim kompozytorzy i wykonawcy. Pod koniec XVIII wieku fortepian całkowicie wyparł klawesyn, stając się dzięki twórczości Haydna, Mozarta, Beethovena, a później Chopina, Schumanna, Liszta i wielu innych kompozytorów, najpopularniejszym instrumentem muzycznym.

    Fortepian w obecnej postaci pojawił się dopiero na początku XIX wieku. Przeznaczony był do pomieszczenia, w którym potrzebny jest instrument o niewielkich rozmiarach i od którego nie była wymagana pełnia brzmienia dużego fortepianu koncertowego. Cóż, fortepian – rodzaj fortepianu – jest naprawdę „królem” wszystkich instrumentów (slajd nr 15). I tak dziś obok nas żyje fortepian – instrument najbardziej wszechstronny, najczęściej pomagający odczuwać wielką radość obcowania z muzyką.(Slajd numer 16)

    Posłuchaj utworu muzycznego w brzmieniu tego instrumentu.

    Mechigan „Mniejsza scena”. Wykonywana przez Annę Galkinę.

    Clio: Od czasów starożytnych na rosyjskiej ziemi mówiono, że wszystkim świętom towarzyszyła bałałajka i jej siostrzana domra. Ta tradycja została zachowana i przetrwała do naszych czasów. Tańce, piosenki, zabawy – wszystko złożyło się w jeden barwny obraz radosnego święta.

    „Domrachka – śpiewa,

    Bałałajka - brzdąkanie,

    akordeon - lany -

    Na wiosennej łące zaczyna się zabawa.

    I brzdąkając, grając na tych instrumentach, Rosjanie zapomnieli o swoim ciężkim losie.

    Najwcześniejsza wzmianka o domrze na Rusi znajduje się w kronikach z epoki państwa kijowskiego (1068) - za czasów książąt Olgi i Włodzimierza. (Starożytna Ruś). Początkowo domra była bardzo niedoskonała. Zrobili to ze specjalnie wyhodowanej odmiany dyni - Goryanka. Wewnątrz domra była wytłoczona drobnym kryształem, dlatego brzmiała głośno i wyraźnie. Struny zostały wykonane z żył zwierzęcych. Domra była instrumentem publicznym. Kościół martwił się: „Co, czy muzyka nie za bardzo odwraca uwagę ludzi od Boga?” Na tych instrumentach grali błazny - wędrowni muzycy. W hałaśliwym tłumie wędrowali po rosyjskiej ziemi i wiwatowali ludowi. Byli akrobaci, śpiewacy - harfiści, gawędziarze, linoskoczkowie, treserzy zwierząt. Błazny wyśmiewały bojarów i książąt ostrym słowem za ich hipokryzję i dlatego doszło do prześladowań błaznów. W 1551 r. Pewien metropolita zwrócił się do cara Iwana 4: „Na litość boską, caru, wyślij błaznów do wapna, aby nie byli w twoim stanie, inaczej nie zostaniesz zbawiony”. W 1648 r. inny car Aleksiej wydał dekret o całkowitej eksterminacji błaznów. Mówiło: „A tam, gdzie pojawiają się domry, sniffle, psałterie i wszelkiego rodzaju demoniczne brzęczące naczynia, muszą zostać rozbite, spalone, a niektóre - na wygnaniu”. Pięć wozów załadowanych do góry instrumentami muzycznymi wywieziono nad rzekę Moskwę i spalono. Ale od czasu do czasu, tu i ówdzie, instrumenty te pojawiały się ponownie, ponieważ ludzie potrzebowali instrumentu i instrument odradzał się albo w kształcie okrągłym, albo trójkątnym, złożonym z pięciu desek z trzema strunami. Nastąpiła stopniowa przemiana domry w bałałajkę. Tak więc w XVII wieku domra prawie całkowicie zniknęła z życia codziennego.

    Trójkątny instrument nazwano balaboyka od słowa „balabolit” - puste wezwania. Grali na takim instrumencie w stajniach, w drzwiach chłopów - biedoty. Jeśli przejrzymy księgi historyczne, jest napisane, że pierwsza wzmianka o bałałajce pochodzi z 1715 roku. Pod Piotrem 1 towarzyszyła procesji cała orkiestra instrumentów

    Prezenter: Tak więc nasza krótka podróż w historię instrumentów muzycznych dobiegła końca. Dziękuję wszystkim artystom za to, że dali nam przyjemność słuchania muzyki na żywo, a tak naprawdę w naszym życiu zdarza się to tak rzadko. Chciałbym wierzyć, że sprawią nam przyjemność nie raz i staną się prawdziwymi gwiazdami.

    (Wykonanie piosenki „Konstelacja talentów” przez zespół wokalny.)

    Do zobaczenia.

    Amati wykonał skrzypce z drewna gruszy i zabezpieczył je własnym lakierem. Kilka słów o lakierze. Jedyne, co brzmi najlepiej, to to, że skrzypce są zrobione, a nie lakierowane. Wydłużona płyta rezonansowa skrzypiec wzdłuż słojów drewna, z którego jest wykonana, zapewnia jednoczesne oddzielenie fali dźwiękowej od całego obrysu płyty rezonansowej. W końcu fale dźwiękowe rozchodzą się wzdłuż światłowodu szybciej niż w poprzek. Odchylenia kształtu skrzypiec od owalu oraz wycięcia w płycie rezonansowej zniekształcają falę dźwiękową, barwiąc dźwięk podtekstami. Nielakierowane skrzypce brzmią świetnie, ale nie trwa to długo, ponieważ tlen w powietrzu utlenia włókna drzewne, zamieniając je w pył. Poza tym takie skrzypce jak gąbka będą pobierać wilgoć z powietrza, co niekorzystnie wpłynie na dźwięk.

    Z jakiego drewna wykonane są instrumenty muzyczne?

    Od czasów starożytnych ludzie wytwarzali prymitywne drewniane instrumenty muzyczne. Różne grzechotki i bębny, piszczałki i różne instrumenty dźwiękowe były używane do polowań i do celów rytualnych - na przykład magicznym zaklęciom, za pomocą których szamani przywoływali dobre duchy lub wypędzali złe, często towarzyszyły różne efekty dźwiękowe.

    Wraz z rozwojem cywilizacji powstała cała nauka - akustyka muzyczna, która bada cechy dźwięków muzycznych, tak jak je postrzegamy, oraz mechanizmy brzmienia instrumentów muzycznych. Prawie wszystkie przedmioty wytwarzające dźwięk mogą być używane jako instrumenty muzyczne, ale ludzkość ciężko pracowała, aby stworzyć szeroką gamę specjalnych urządzeń do wydobywania specjalnego dźwięku. Drewno było i pozostaje jednym z najważniejszych materiałów do produkcji instrumentów muzycznych. Gitara

    oraz skrzypce, wiolonczelę i altówkę, instrumenty dęte - flet, obój, klarnet, fagot, pokłady fortepianów i wiele innych instrumentów lub ich części wykonane są z różnych gatunków drewna. Sekret polega na tym, że drewno ma jeszcze jedną cenną cechę w wielu swoich właściwościach użytkowych, a mianowicie zdolność do rezonowania, czyli wzmacniania wibracji fal dźwiękowych. Istnieją rasy, które mają zwiększone właściwości rezonansowe, a do takich ras należy znany europejski świerk, który rośnie w Europie Środkowej i europejskiej Rosji. Inne drzewa iglaste mają również dobre właściwości rezonansowe: jodła, cedr. Drewno świerkowe i jodłowe jest używane w prawie wszystkich instrumentach muzycznych do produkcji płyt rezonansowych. Zebrane drewno rezonansowe zimą. Mistrzowie muzyki podchodzą ze szczególną uwagą do wyboru drewna rezonansowego. Wybrane drzewo nie powinno mieć wad, a warstwy roczne powinny mieć tę samą szerokość.

    Czy wiesz, że każda rasa ma również swój własny głos? Najbardziej dźwięczny i melodyjny jest świerk pospolity. Okazuje się, że dlatego Stradivari i Amati wykonali z niego swoje wspaniałe skrzypce. Aby to zrobić, wybrane drzewo zostało ścięte i pozostawione na winorośli przez trzy lata. Stopniowo traciło wilgoć, drewno stawało się gęstsze i lżejsze. W rezultacie instrumenty muzyczne wykonane z takiego drewna otrzymały specjalną moc brzmienia. To prawda, że ​​\u200b\u200btrzeba było znaleźć i wybrać spośród dużej liczby drzew dokładnie to, które śpiewałoby lepiej niż inne. Mistrzom się to udało, a dowodem na to jest to, że ich skrzypce od prawie trzystu lat urzekają słuchaczy swoimi „głosami”, potrafiącymi śpiewać, płakać, cierpieć i radować się.

    Do dziś skrzypce i inne instrumenty smyczkowe - pianina, fortepiany - nadal są wykonywane z drewna świerkowego. Żadne inne drzewo nie daje takiego rezonansu jak świerk. Wynika to z faktu, że jego drewno charakteryzuje się wyjątkowo równomiernym rozłożeniem włókien. Ponadto jest miękka, lekka, błyszcząca, łatwo kłująca, wytrzymała. To jedna z doskonałości „Elkina”.

    Świerk ma też inne zalety. Zwróć uwagę na to, ile śniegu trzyma świerk na gałęziach. Pod białym futrem czasami nie widać najbardziej zielonego piękna. Wąska korona nie zatrzymuje śniegu zbyt długo, w nadmiarze stacza się z drzewa. Szerokie gałęzie-łapy są elastyczne, sprężyste. Śnieg zgina łapę do ziemi, ale nie pęka. Jeśli jest dużo śniegu, łapa jest mocniej dociśnięta do pnia, a śnieg zsuwa się z niego. Świerk, otrząsając się ze śniegu, znów dumnie unosi gałęzie i wspaniale obnosi się z sobą i ludźmi. Taka budowa korony pozwoliła świerkowi idealnie przystosować się do życia w strefie umiarkowanej i stać się jednym z najpospolitszych drzew.

    Gitara to wyjątkowy instrument muzyczny. W rękach profesjonalisty jest w stanie wyprodukować taką symfonię dźwięków, która wprawi słuchacza w płacz i śmiech, radość i przeżycie w rytm wirtuozowskiej gry. Jednak nie o wszystkim w tym przypadku decyduje czynnik ludzki. Dobra gitara jest w stanie oddać całą paletę uczuć muzyka, zły instrument zrujnuje najwspanialszą grę. Dźwięk, jaki wydaje gitara, w dużej mierze zależy od rodzaju drewna, z którego jest wykonana. proces jest czasochłonny, a drzewo w narzędziu odgrywa decydującą rolę. Jeśli jest „martwa”, to tej gitarze w żaden sposób nie można pomóc – cokolwiek by się nie mówiło, dobrego dźwięku z niej nie uzyskamy. Gryf instrumentu jest w większości przypadków wykonany z klonu, podstrunnica jest również wykonana z klonu (Ash), palisandru (Rosewood) lub hebanu (Ebony). Z ciałem (pokładem) nie wszystko jest takie proste. Współczesny przemysł do produkcji gitar wykorzystuje wiele gatunków drewna od znanej olchy po egzotyczne „kurze oko”. Wynika to z faktu, że różne rodzaje drewna mają inny dźwięk. Najpopularniejszym gatunkiem drewna do produkcji gitar jest dobrze znana olcha (olcha). Wykonano z niego prawie całą linię instrumentów znanych firm gitarowych Fender, Jackson i Carvin. A inne firmy często nie boją się używać go w produkcji. Gitary wykonane z olchy mają dobrze wyważony czysty dźwięk z "soczystą" średnicą. Równie dobrze radzą sobie zarówno w solowych „cięciach”, jak i heavy metalowych riffach. Moim zdaniem takie instrumenty, będące swoistym „złotym środkiem”, przeznaczone są dla gitarzystów, dla których nie ma stereotypów w grze i myśleniu. Świerk (jodła) jest używany głównie do produkcji półakustycznych gitar elektrycznych. Daje ciepły, gładki dźwięk. Jeśli zamierzasz grać muzykę jazzową, to ten instrument będzie dla Ciebie idealnym wyborem. Główną wadą świerkowych gitar jest ich stosunkowo wysoka cena. Najbardziej rezonansowe gitary, idealne do grania solówek, wykonane są z klonu (Maple) i jesionu (Ash). Instrumenty te mają zaakcentowany atak, brzmiący znacznie bardziej „szklisto” niż jakikolwiek inny rodzaj drewna. Gitary klonowe i jesionowe wytwarzają dźwięk o wyraźnych wysokich częstotliwościach. Te lasy są idealne do solówek i nie nadają się do rytmu. Jeśli więc marzysz o graniu muzyki a la Joe Satriani, to jesion i klon to idealny materiał na gitarę. Orzech jest dość szeroko stosowany w wysokiej klasy gitarach akustycznych. Z tego materiału wykonano większość ekskluzywnych instrumentów światowej sławy mistrzów. W produkcji gitar elektrycznych stosuje się go tylko na podstrunnice i okleinę korpusu. Z topoli (Poplar) produkujemy gitary tzw. kategorii „instrumenty studenckie”. Jak wiadomo drewno topoli jest bardzo miękkie, co negatywnie wpływa na jakość dźwięku. Najczęściej produkowane są z niego narzędzia najniższej kategorii cenowej. Mahoń (mahoń) jest używany do produkcji gitar do „ciężkich” stylów. Brzmienie takich instrumentów wyróżnia się ciepłym i soczystym środkiem, ma głębokie niskie tony i wygładzoną górę. Gitary mahoniowe nie mają sobie równych pod względem brzmienia w niskich tonach (lepiej brzmią tylko instrumenty wykonane z egzotycznego drzewa bubinga). Opisane powyżej rodzaje drewna są dalekie od pełnej listy materiałów używanych do produkcji gitar. To tylko te najczęstsze. Istnieje wiele egzotycznych ras, takich jak Paduac, Koa czy ta sama bubinga, które wykorzystywane są do produkcji ekskluzywnych instrumentów.

    Drewno oczywiście odgrywa ważną rolę w brzmieniu przyszłego instrumentu. Nie zapominajmy jednak, że to tylko drzewo. Dopiero w rękach doświadczonego mistrza przybiera formę instrumentu mogącego stać się kontynuacją ciała i duszy muzyka.

    31.12.2015 16:19


    Tradycyjnie instrumenty muzyczne wykonywane są z materiałów o wysokiej jakości właściwościach rezonansowych, leżakowanych w środowisku naturalnym przez wiele lat, aby zachować właściwości akustyczne i stabilną konstrukcję. Drzewo rezonansowe jest zbierane wyłącznie w zimnych porach roku. Świerk i jodła mają wyjątkowe właściwości muzyczne.

    Aby stworzyć talię w prawie każdym instrumencie muzycznym, bierze się świerk lub jodłę. Specjaliści ze szczególną starannością wybierają tzw. drewno rezonansowe. Pień drzewa nie powinien mieć wad i mieć równie szerokie słoje. Drewno wysycha naturalnie przez dziesięć lat lub dłużej. W produkcji instrumentów muzycznych właściwości rezonansowe gatunków drewna mają wyjątkowe znaczenie. W tym przypadku pień świerka, jodły kaukaskiej i cedru syberyjskiego jest bardziej odpowiedni niż inne, ponieważ ich moc promieniowania jest największa. Z tego powodu te rodzaje drewna są objęte GOST.

    Jednym z niezbędnych wymagań przy tworzeniu instrumentów muzycznych jest wybór drewna. Rezonujące gatunki świerka od wielu stuleci cieszą się największym zainteresowaniem rzemieślników. Trudno było zdobyć surowce o wymaganej jakości, więc rzemieślnicy musieli samodzielnie pozyskiwać drewno do produkcji narzędzi.

    Dość dawno temu znane były miejsca wzrostu świerka o niezbędnych właściwościach. Główny lutnik nurtu rosyjskiego XX wieku, E.F. Witachek, zaznaczył w swoich pracach tereny, na których rósł świerk. W gatunkach saksońskich i czeskich zjadano dużą ilość żywicy, nie można jej używać do produkcji instrumentów najwyższej klasy… Świerk z Włoch i Tyrolu uznano za najlepszy surowiec… Twórcy Lutenu zamawiali drewno tyrolskie z miasta Füssen, które leży między Bawarią a Tyrolem, oraz włoski widok z portu Fiume nad Adriatykiem.

    W górach w pobliżu Fiume we Włoszech lasy praktycznie nie rosną. Możemy zatem przypuszczać, że świerk nie pochodził z Włoch, ale z Chorwacji lub Bośni. Istniał też dodatkowy teren, z którego sprowadzano świerk dla rzemieślników z Włoch – były to czarnomorskie miasta portowe – świerk z Rosji, Kaukazu iz Karpat. Jak pisał Vitachek, odkąd N.Amati pracował, świerk jest częściej używany na zewnętrzne pokłady instrumentów, który jest cięższy, gęstszy i bardziej szorstki, podczas gdy klon, przeciwnie, ma niską gęstość. To bardzo dobre połączenie: dźwięk upodabnia się do brzmienia ludzkiego głosu. Włoscy mistrzowie zawsze stosowali właśnie taką kombinację klonu i maślanego drewna.

    Jednak świerk może mieć takie właściwości tylko wtedy, gdy rośnie na odpowiednim poziomie w stosunku do powierzchni morza, czyli w Alpach lub na Kaukazie. Odmiana rasy Picea orientalis, która rośnie na wyżynach Kaukazu i Azji Mniejszej na wysokości od jednego do dwóch i pół kilometra, ma podobne właściwości do najlepszych rodzajów świerka na wyżynach Europy. Z reguły rośnie obok jodły Nordmanna lub kaukaskiej (Abies nord-manniana), która ma również doskonałe właściwości akustyczne. Słynni rosyjscy lutnicy z początku XX wieku w większości przypadków używali świerku z Kaukazu do tworzenia swoich instrumentów.

    Gatunki drewna stosowane w produkcji instrumentów muzycznych

    Przy tworzeniu tanich narzędzi szarpanych można wykorzystać odpady z zakładów stolarskich, belki i deski domów przeznaczonych do rozbiórki, części mebli oraz pojemniki na odpady. Ale te materiały wymagają specjalnego suszenia i selekcji. Tworząc wysokiej jakości narzędzia, wymagane jest stosowanie rzadkich gatunków drzew.

    Świerk

    Pokłady instrumentów i inne części wykonane są z rezonującego świerku. Różne podgatunki świerka rosną prawie wszędzie w Rosji. Świerk uważany jest za rezonujący, głównie w centralnej części Rosji. Bardziej popularne i lepsze pod względem właściwości fizycznych i mechanicznych są jodły z północy Rosji. Jedną z najlepszych cech jest obecność małych słojów, dzięki czemu drzewo jest elastyczne i nadaje się jako rezonator.

    Drzewa rezonansowe wybierane są z głównej ilości przygotowanej tarcicy w składach leśnych. Kłody te trafiają do tartaków, gdzie są cięte na deski o grubości 16 mm. Aby pozyskać więcej drewna, kłody są przecierane w sześciu krokach.

    Na drewnie na instrumenty muzyczne nie powinno być sęków, kieszeni z żywicą, zapadnięć i innych wad. Jest to surowe wymaganie jakościowe. Drewno świerkowe jest białe z lekkim żółtym odcieniem, a wystawione na działanie powietrza z czasem żółknie. Warstwowe struganie i skrobanie świerka odbywa się bez problemów z czystym i błyszczącym cięciem. Szlifowanie nadaje powierzchni drewna aksamitne wykończenie i lekki matowy połysk.

    Jodła

    Oprócz świerka, aby uzyskać drewno rezonansowe, można wziąć jodłę rosnącą na Kaukazie. Nie różni się zbytnio od świerka, zarówno zewnętrznie, jak i przy sprawdzaniu parametrów fizyko-mechanicznych.

    Brzozowy

    Lasy brzozowe stanowią dwie trzecie całkowitej liczby lasów w Rosji.Produkcja przemysłowa wykorzystuje brzozę brodawkowatą i brzozę omszoną. Drewno brzozowe ma biały kolor, czasami ma żółtawy lub czerwonawy odcień i jest łatwe w obróbce. Podczas barwienia barwnik wchłania się równomiernie, a ton jest równy. Jeśli drewno brzozowe jest równomiernie suszone i starzone przez odpowiedni czas, można je wykorzystać do produkcji takich części instrumentów muzycznych, jak podstrunnice i klepki. Ponadto sklejka jest wykonana z brzozy, która służy do produkcji korpusów gitar. Narzędzia obszyte są czystą lub malowaną okleiną brzozową.

    Buk

    Buk jest często używany do produkcji instrumentów muzycznych. Części gryfów, stojaków i korpusów harf oraz innych części instrumentów szarpanych w przemyśle muzycznym wykonane są z drewna bukowego. Buk rośnie w południowo-wschodniej części Rosji. Kolor drewna bukowego jest różowawy z cętkowanym wzorem. Dobre właściwości rezonansowe buku sprawiają, że nadaje się on do budowy instrumentów. Drewno bukowe jest obrabiane i polerowane ręcznie. Po bejcowaniu na powierzchni pozostają pasy, które są widoczne po wykończeniu bezbarwnym lakierem.

    Grab

    Do imitacji hebanu używa się barwionego grabu do produkcji szyjek i korpusów. Ponadto drewno grabowe ma solidną i trwałą konstrukcję. Grab rośnie na Półwyspie Krymskim iw górach Kaukazu. Drewno grabowe jest białe z szarym odcieniem. Drewno jest dobrze strugane, ale trudno je wypolerować.

    Klon

    Klon jest tak samo poszukiwany w tworzeniu drogich instrumentów muzycznych, jak rezonujący świerk. Korpusy strunowe z drewna klonowego dają dobry dźwięk. Najpowszechniej stosowane są gatunki klonu jawor i ostrokrzew. Gatunki te rosną na Półwyspie Krymskim, u podnóża Kaukazu i na Ukrainie. Drewno klonowe dobrze się wygina, a jego pulpa drzewna ma znaczną gęstość i lepkość. Tekstura to paski ciemnego koloru na różowo-szarym tle. Podczas nakładania lakieru na klon jawor uzyskuje się piękną powierzchnię masy perłowej. Jeśli barwienie zostanie wykonane prawidłowo, ta właściwość klonu zostanie wzmocniona.

    Czerwone drzewo

    Ta nazwa nosi kilka rodzajów drewna o różnych odcieniach czerwieni. Zasadniczo jest to nazwa mahoniu, który rośnie w Ameryce Środkowej. Ten rodzaj drewna jest również używany do produkcji szyjek, ponieważ ma dobre właściwości mechaniczne. Jeśli przetniesz pień i wykonasz przezroczyste wykończenie, będzie wyglądać bardzo pięknie, chociaż jest to niewygodne w obróbce.

    Palisander

    Oto kilka ras, które rosną w Ameryce Południowej. Drewno palisandru dobrze nadaje się do cięcia i polerowania, ale w tym przypadku konieczne jest wypełnienie porów i wypolerowanie. Podczas przetwarzania pojawia się specjalny słodkawy zapach. Palisander ma bardzo twarde i mocne włókna, barwy fioletowej do czekoladowej, jest używany do tworzenia instrumentów strunowych.

    Heban

    Rodzaj drzewa hebanowego rosnącego w południowych Indiach. Najlepsze gryfy i korpusy wykonane są z drewna hebanowego. Najwyższe właściwości mechaniczne drewna zapewniają narzędziom niezbędną wytrzymałość i twardość. Przy większym ciężarze gryfu przy użyciu drewna hebanowego środek ciężkości instrumentu przesuwa się w kierunku gryfu, co jest bardzo cenione przez profesjonalnych wykonawców. Hebanowy pancerz, odpowiednio wypolerowany, pozwala uniknąć podtekstów, jeśli plektron zeskoczy ze struny. Hebanowe podstrunnice są odporne na ścieranie i zapewniają doskonały chwyt progów.

    Kryłow Borys Pietrowicz (1891-1977) Harmonista. 1931

    Rosjanie zawsze otaczali swoje życie pieśniami i muzyką płynącą z ludowych instrumentów. Od najmłodszych lat każdy posiadał umiejętność tworzenia prostych instrumentów i umiał na nich grać. Tak więc gwizdek lub okarynę można zrobić z kawałka gliny, a grzechotkę z deski.

    W starożytności ludzie byli bliżej natury i uczyli się od niej, dlatego instrumenty ludowe powstawały na podstawie dźwięków natury i były wykonane z naturalnych materiałów. W końcu nigdzie nie odczuwa się tak piękna i harmonii, jak podczas gry na ludowym instrumencie muzycznym, a nic nie jest bliższe człowiekowi niż dźwięki instrumentu znanego z dzieciństwa.

    Dla Rosjanina w XXI wieku akordeon jest takim rodzimym instrumentem, ale co z wszystkimi innymi ... Zatrzymaj teraz młodego człowieka i poproś go o wymienienie przynajmniej kilku znanych mu instrumentów ludowych, ta lista będzie bardzo małe, nie mówiąc już o ich graniu. Ale to ogromna warstwa rosyjskiej kultury, która jest prawie zapomniana.

    Dlaczego straciliśmy tę tradycję? Dlaczego nie znamy naszych ludowych instrumentów i nie słyszymy ich pięknych dźwięków?

    Trudno odpowiedzieć na to pytanie, czas mijał, coś było zapomniane, coś było zakazane, na przykład średniowieczna Ruś Chrześcijańska nie raz brała za broń przeciwko muzykantom ludowym. Chłopom i mieszkańcom miast zabroniono pod groźbą grzywny posiadania instrumentów ludowych, a zwłaszcza gry na nich.

    „Aby oni (chłopowie) nie bawili się w demoniczne gry w tabaki, harfy, rogi i domry i nie trzymali ich w swoich domach… I kto, zapominając o bojaźni Bożej i godzinie śmierci, pouczy, aby graj i trzymaj w domu wszelkiego rodzaju gry - aby poprawić kary, pięć rubli na osobę.(Z aktów prawnych z XVII w.)

    Wraz z pojawieniem się instrumentów elektronicznych i nagrań muzycznych na płytach i dyskach, człowiek na ogół zapomniał, jak grać samodzielnie, a ponadto tworzyć instrumenty muzyczne.

    Być może sprawa jest inna i wszystko można więcej niż przypisać bezlitosnemu czasowi, ale znikanie, i to masowe, zaczęło się dawno temu i szybko postępuje. Tracimy tradycje, oryginalność – idziemy z duchem czasu, dostosowaliśmy się, muskamy uszy „falami i częstotliwościami”…

    A więc najrzadsze rosyjskie ludowe instrumenty muzyczne lub te, które mogą po prostu zniknąć bardzo szybko. Być może już wkrótce większość z nich będzie zbierać kurz na półkach muzeów, jako ciche rzadkie eksponaty, choć pierwotnie zostały stworzone z myślą o bardziej uroczystych wydarzeniach…

    1. Gusli


    Nikolai Zagorsky David gra na harfie przed Saulem. 1873

    Gusli to strunowy instrument muzyczny, najczęściej spotykany w Rosji. Jest to najstarszy rosyjski instrument muzyczny szarpany.

    Istnieją gusli w kształcie pterygoida i hełmu. Te pierwsze, w późniejszych próbkach, mają trójkątny kształt i od 5 do 14 strun strojonych w krokach skali diatonicznej, hełmowate - 10-30 strun o tym samym stroju.

    Muzycy grający na harfie nazywani są harfistami.

    Historia harfy

    Gusli to instrument muzyczny, którego odmianą jest harfa. Również starożytna grecka cithara jest podobna do harfy (istnieje hipoteza, że ​​​​to ona jest przodkiem harfy), kanonu ormiańskiego i irańskiego santur.

    Pierwsze wiarygodne wzmianki o używaniu rosyjskich gusli znajdują się w źródłach bizantyjskich z V wieku. Bohaterowie eposu grali na harfie: Sadko, Dobrynya Nikitich, Boyan. W wielkim pomniku starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora” (XI - XII wiek) poetycko śpiewany jest obraz guslara-narratora:

    „Boyan, bracia, nie 10 sokołów na stado łabędzi gęściej, ale własne rzeczy i palce na żywych strunach w całości; oni sami są księciem chwały grzmotu.

    2. Rura


    Heinrich Semiradsky Pasterz grający na flecie.

    Svirel - rosyjski instrument dęty dwulufowy; rodzaj podłużnego fletu z podwójną lufą. Jeden z pni ma zwykle długość 300-350 mm, drugi - 450-470 mm. Na górnym końcu lufy znajduje się gwizdek, na dole 3 boczne otwory do zmiany wysokości dźwięków.

    W języku potocznym flet jest często nazywany instrumentami dętymi, takimi jak flety jednolufowe lub dwulufowe.

    Wykonany jest z drzewa o miękkim rdzeniu, czarnego bzu, wierzby, czeremchy.

    Przyjmuje się, że flet migrował do Rosji ze starożytnej Grecji. W starożytności flet był muzycznym instrumentem dętym składającym się z siedmiu rurek trzcinowych o różnej długości połączonych ze sobą. Według starożytnej mitologii greckiej Hermes wynalazł ją, by bawić się przy pasie krów. Ten instrument muzyczny jest nadal bardzo lubiany przez greckich pasterzy.

    3. Bałałajka

    Niektórzy przypisują tatarskie pochodzenie słowu „bałałajka”. Tatarzy mają słowo „bala” oznaczające „dziecko”. Być może służył jako źródło pochodzenia słów „balakat”, „balabonit” itp. zawierające pojęcie nierozsądnej, jakby dziecinnej gadaniny.

    Istnieje bardzo niewiele odniesień do bałałajki nawet w XVII - XVIII wieku. W niektórych przypadkach rzeczywiście istnieją wskazówki, że w Rosji istniał instrument tego samego typu co bałałajka, ale najprawdopodobniej wspomina o domrze, przodku bałałajki.

    Za cara Michaiła Fiodorowicza do pałacowej izby zabaw przydzielono graczy domrachi. Za Aleksieja Michajłowicza prześladowano instrumenty. Do tego czasu, tj. 2. poł. XVII w. prawdopodobnie wiąże się ze zmianą nazwy domry na bałałajkę.

    Po raz pierwszy nazwa „bałałajka” pojawia się w pisanych zabytkach z czasów Piotra Wielkiego. W 1715 r., podczas obchodów komicznego wesela zorganizowanego z rozkazu króla, wśród instrumentów pojawiających się w rękach przebranych uczestników uroczystości wymieniono bałałajki. Co więcej, instrumenty te oddano w ręce grupy przebranych Kałmuków.

    W XVIII wieku. Bałałajka rozprzestrzeniła się szeroko wśród Wielkorusi, stając się tak popularna, że ​​uznano ją za najstarszy instrument, a nawet przypisano jej słowiańskie pochodzenie.

    Rosyjskie pochodzenie można przypisać jedynie trójkątnemu zarysowi ciała lub ciała bałałajki, który zastąpił okrągły kształt domry. Kształt bałałajki z XVIII wieku różnił się od współczesnego. Szyja bałałajki była bardzo długa, około 4 razy dłuższa niż tułów. Korpus narzędzia był węższy. Ponadto bałałajki spotykane w starych popularnych drukach są wyposażone tylko w 2 struny. Trzeci ciąg był rzadkim wyjątkiem. Struny bałałajki są metalowe, co nadaje dźwiękowi specyficzny odcień - dźwięczność barwy.

    W połowie XX wieku. wysunięto nową hipotezę, że bałałajka istniała na długo przed wzmiankami o niej w źródłach pisanych, tj. istniał obok domry. Niektórzy badacze uważają, że domra była profesjonalnym instrumentem błaznów i wraz z ich zniknięciem utraciła szeroką praktykę muzyczną.

    Bałałajka jest instrumentem czysto ludowym, a przez to bardziej odpornym.

    Początkowo bałałajka rozprzestrzeniała się głównie w północnych i wschodnich prowincjach Rosji, zwykle towarzysząc pieśniom tańców ludowych. Ale już w połowie XIX wieku bałałajka była bardzo popularna w wielu miejscach w Rosji. Grali na nim nie tylko chłopcy ze wsi, ale także poważni muzycy dworscy, tacy jak Iwan Chandoszkin, I.F. Jabłoczkin, N.W. Ławrow. Jednak do połowy XIX wieku prawie wszędzie obok znajdowała się harmonijka ustna, która stopniowo zastępowała bałałajkę.

    4. Bayan

    Bayan to jedna z najdoskonalszych współcześnie harmonicznych chromatycznych. Po raz pierwszy od 1891 roku na plakatach i reklamach pojawia się nazwa „akordeon guzikowy”. Do tego czasu taki instrument nazywano harmonijką ustną.

    Harmonijka wywodzi się z azjatyckiego instrumentu zwanego shen. Shen był znany w Rosji od bardzo dawna, w X-XIII wieku w okresie panowania tatarsko-mongolskiego. Niektórzy badacze twierdzą, że shen przewędrował z Azji do Rosji, a następnie do Europy, gdzie został ulepszony i stał się powszechnym, naprawdę popularnym instrumentem muzycznym w całej Europie - harmonijką ustną.

    W Rosji pewnym impulsem do rozpowszechnienia instrumentu był zakup przez Iwana Sizowa na jarmarku w Niżnym Nowogrodzie w 1830 r. harmonijki ręcznej, po czym postanowił otworzyć warsztat harmonijkowy. W latach czterdziestych XIX wieku w Tule pojawiła się pierwsza fabryka Timofeya Woroncowa, która produkowała 10 000 harmonijek ustnych rocznie. Przyczyniło się to do najszerszego rozpowszechnienia instrumentu i do połowy XIX wieku. harmonijka staje się symbolem nowego ludowego instrumentu muzycznego. Jest obowiązkową uczestniczką wszystkich festynów i festynów ludowych.

    Jeśli w Europie harmonijka została wykonana przez mistrzów muzycznych, to w Rosji wręcz przeciwnie, harmonijka została stworzona przez rzemieślników przez rzemieślników. Dlatego w Rosji, jak w żadnym innym kraju, nie ma takiego bogactwa czysto narodowych konstrukcji harmonijkowych, które różnią się nie tylko formą, ale także różnorodnością skali. Na przykład repertuar harmonijki saratowskiej nie może być wykonany na livence, repertuar livenki na bologojewce itp. Nazwa harmonijki została określona przez miejsce, w którym została wykonana.

    Tulańscy rzemieślnicy jako pierwsi na Rusi wykonali harmonijki ustne. Ich pierwsze harmonijki TULA miały tylko jeden rząd guzików na prawej i lewej ręce (pojedynczy rząd). Na tej samej podstawie zaczęły powstawać modele bardzo małych harmonijek koncertowych - TURTLES. Bardzo dźwięczne i krzykliwe zrobiły wrażenie na publiczności, choć był to numer bardziej ekscentryczny niż muzyka.

    Harmonijki Saratowskie, które pojawiły się po harmonijkach Tula, strukturalnie nie różniły się od pierwszych, ale saratowscy mistrzowie byli w stanie znaleźć niezwykłą barwę dźwięku, dodając do projektu dzwonki. Te harmonijki zyskały dużą popularność wśród ludzi.

    Rzemieślnicy Vyatka rozszerzyli zakres dźwięków harmonijek ustnych (dodali guziki do lewej i prawej ręki). Wersja wymyślonego przez nich instrumentu nazywała się akordeonem VYATSKAYA.

    Wszystkie te instrumenty miały pewną cechę - ten sam przycisk do otwierania i zamykania miechów wydawał różne dźwięki. Te akordeony miały jedną wspólną nazwę - TALIANKI. Talyanki mogą być z systemem rosyjskim lub niemieckim. Grając na takich harmonijkach należało przede wszystkim opanować technikę gry miechami, aby poprawnie wydedukować melodię.

    Problem rozwiązali rzemieślnicy LIVENSKIE. Na akordeonach mistrzów Liven dźwięk nie zmieniał się po zmianie futra. Harmonijki nie miały pasków, które były przerzucane przez ramię. Po prawej i lewej stronie krótkie paski obejmowały dłonie. Harmonijka Liven miała niewiarygodnie długie futro. Taki akordeon mógłby dosłownie owinąć się wokół siebie, bo. kiedy futro było w pełni rozciągnięte, jego długość sięgała dwóch metrów.


    Absolutni mistrzowie świata w akordeonie Siergiej Wojtenko i Dmitrij Chramkow. Duetowi udało się już podbić swoim kunsztem ogromną rzeszę słuchaczy.

    Kolejnym etapem rozwoju akordeonów były harmonijki dwurzędowe, których projekt przybył do Rosji z Europy. Dwurzędowy akordeon można również nazwać akordeonem „dwurzędowym”, ponieważ. do każdego rzędu guzików w prawej ręce przypisano określoną skalę. Takie harmonijki ustne nazywane są WIEŃCAMI ROSYJSKIMI.

    Obecnie wszystkie wymienione wyżej harmonijki to rzadkość.

    Bayan swój wygląd zawdzięcza utalentowanemu rosyjskiemu mistrzowi - projektantowi Peterowi Sterligovowi. Od 1905 do 1915 roku harmonijki chromatyczne Sterligova (później akordeony guzikowe) udoskonalały się tak szybko, że nawet dzisiaj instrumenty fabryczne są wykonywane według ich najnowszych próbek.

    Instrument ten spopularyzował wybitny muzyk - akordeonista Jakow Fedorowicz Orlansky-Titarenko. Mistrz i wirtuoz nazwał instrument na cześć legendarnego rosyjskiego muzyka, gawędziarza i piosenkarza Boyana - „akordeon guzikowy”. Było to w 1907 roku. Od tego czasu na Rusi istnieje akordeon guzikowy – instrument jest obecnie tak popularny, że nie trzeba mówić o jego wyglądzie.

    Być może jedyne narzędzie, które nie pretenduje do przedwczesnego zniknięcia i „wycofania z półki” w ramach tego artykułu. Ale błędem byłoby też o tym nie mówić. Idźmy dalej...

    5. Ksylofon

    Ksylofon (z greckiego ksylon - drewno, drewno i telefon - dźwięk) to instrument perkusyjny o określonej wysokości, którego konstrukcja składa się z zestawu drewnianych prętów (płyt) o różnych rozmiarach.

    Ksylofony występują w 2-rzędowych i 4-rzędowych ksylofonach.

    Na czterorzędowym ksylofonie gra się za pomocą dwóch zakrzywionych pałeczek w kształcie łyżeczki z pogrubieniem na końcach, które muzyk trzyma przed sobą pod kątem równoległym do płaszczyzny instrumentu. w odległości 5-7 cm z talerzy. Na dwurzędowym ksylofonie gra się trzema i czterema pałeczkami. Podstawową zasadą gry na ksylofonie jest dokładna przemiana uderzeń obu rąk.

    Ksylofon ma starożytne pochodzenie - najprostsze instrumenty tego typu były i nadal znajdują się wśród różnych ludów Rosji, Afryki, Azji Południowo-Wschodniej i Ameryki Łacińskiej. W Europie pierwsze wzmianki o ksylofonie pochodzą z początku XVI wieku.

    Rosyjskie instrumenty ludowe to także: róg, tamburyn, harfa żydowska, domra, zhaleyka, kalyuka, kugikly, łyżki, okaryna, flet, zapadka i wiele innych.

    Chciałbym wierzyć, że Wielki Kraj będzie w stanie ożywić tradycje ludowe, święta ludowe, festyny, stroje narodowe, pieśni, tańce… przy dźwiękach prawdziwych pierwotnie rosyjskich instrumentów muzycznych.

    A artykuł zakończę optymistycznym akcentem - obejrzyjcie film do końca - dobry humor wszystkim!

    W moich rękach jest dusza Rosji,
    kawałek rosyjskiej starożytności,
    Kiedy poprosili o sprzedaż akordeonu,
    Odpowiedziałem: „Ona nie ma ceny”.

    Bezcenna muzyka ludu,
    co żyje w pieśniach Ojczyzny,
    Jej melodią jest natura,
    jak ten balsam leje się na serce.

    Za mało złota i pieniędzy
    kupić mój akordeon,
    A ten, którego dotknie ucha,
    nie może bez niej żyć.

    Graj akordeonie bez przerwy,
    i ocierając spocone czoło,
    Dam ci chłopcze
    Położę przyjaciela do trumny!



    Podobne artykuły
     
    Kategorie
    Materiał wideo
    Popularny
    Nowy