Tumanova E.E.

Vincent van Gogh

Autoportret przed sztalugą 1888

Wielki holenderski artysta

Vincent van Gogh, podobnie jak Rembrandt, był Holendrem. Oto pierwszy fakt zewnętrzny, przypadkowa biografia, która jednak od razu nabiera nieprzypadkowego znaczenia i daje nam klucz do drzwi jego życia. Nawet Hippolyte Taine, a po nim inni socjologowie, wskazywali na przyczynową zależność sztuki od otaczającego ją środowiska materialnego. Ale trzeba wprowadzić jedną poprawkę do ich nieco mechanicznego wyjaśnienia sztuki: związek przyczynowy między duchem ludzkim a środowiskiem zewnętrznym nie zawsze jest bezpośredni - czasami jest odwrotny. Są znakomici artyści, którzy ucieleśniają nakazy swoich czasów i swoich ludzi - tacy byli mistrzowie Grecji i renesansu; ale są inni geniusze, których można zrozumieć jedynie jako zaprzeczających temu środowisku. Ich życie i twórczość wypływają z tego środowiska w tym sensie, że są przeciw niemu reakcją. Takim protestem przeciwko ówczesnemu zdrowemu rozsądkowi było pojawienie się Rembrandta, zwłaszcza drugiej połowy jego twórczości, poczynając od Straży nocnej, kiedy to pogłębiała się przepaść między nim a mieszczańskimi klientami. Tym samym uosobieniem protestu przeciwko filisterskiemu duchowi Holandii jest życie i dzieło Van Gogha.

Dla impresjonistów jednym z głównych obiektów ekspozycji była osoba. Jego wizerunek został zinterpretowany w taki sposób, że w walce z otoczeniem i samym sobą stawiał czoło boleśnie, mocno, wytężając do granic możliwości swoje wewnętrzne siły. Ten aspekt sztuki postimpresjonistycznej najlepiej widać w twórczości Vincenta van Gogha.

Vincent van Gogh (1853 - 1890) uważany jest za wielkiego holenderskiego malarza, który wywarł bardzo silny wpływ na impresjonizm w sztuce. Jego prace, powstałe w ciągu dziesięciu lat, zadziwiają kolorem, zaniedbaniem i chropowatością pociągnięcia pędzla, wizerunkami człowieka chorego psychicznie, wycieńczonego cierpieniem, który popełnił samobójstwo.

Vincent van Gogh urodził się w 1853 roku w Holandii. Otrzymał imię po swoim zmarłym bracie, który urodził się rok wcześniej tego samego dnia. Dlatego zawsze wydawało mu się, że zastępuje kogoś innego. Nieśmiałość, nieśmiałość, zbyt wrażliwa natura zraziła go do kolegów z klasy, a jego jedynym przyjacielem był jego starszy brat Theo, z którym przysięgali sobie, że nie rozstaną się jako dziecko. Vincent miał 27 lat, kiedy w końcu zdał sobie sprawę, że chce zostać artystą. „Nie potrafię wyrazić, jak bardzo się cieszę, że znowu zaczęłam malować. Często o tym myślałam, ale myślałam, że rysowanie przerasta moje możliwości”. Więc Vincent napisał do swojego brata.

W praktyce Van Gogh był samoukiem, choć korzystał z rad A. Mauve. Ale w jeszcze większym stopniu niż zalecenia współczesnego malarza holenderskiego znajomość dzieł i reprodukcji Rembrandta, Delacour, Daumiera i Milleta odegrała rolę w tworzeniu Van Gogha. Samo malarstwo, do którego się zwrócił po wypróbowaniu różnych zawodów (sprzedawca w salonie, nauczyciel, kaznodzieja), rozumiał jako coś, co nie niesie już ludziom słowa kazania, ale obraz artystyczny.

Jednym ze słynnych obrazów Van Gogha jest Jedzący kartofle.

„Zjadacze ziemniaków”, 1885

W ciemnym, ponurym pokoju przy stole siedzi pięć osób: dwóch mężczyzn, dwie kobiety i widoczna z tyłu dziewczyna. Zwisająca z góry lampa naftowa oświetla chude, zmęczone twarze i duże, przepracowane dłonie. Skromny posiłek chłopów - talerz gotowanych ziemniaków i płynna kawa. Wizerunki ludzi łączą w sobie monumentalną wielkość i współczucie, które mieszka w szeroko otwartych oczach, mocno zadartych trójkątach brwi, zmarszczkach, które są czytelne nawet na młodych twarzach.

Życie i praca we Francji

W 1886 roku Vincent przybył do Paryża i odtąd już nigdy nie wraca do swojej ojczyzny... Van Gogh, Holender z pochodzenia, przybył do Francji jako uznany artysta, który przedstawiał ludzi i przyrodę swojej ojczyzny.

Przyjazd do Paryża wprowadza istotne zmiany w twórczości Van Gogha, nie zmieniając jej podstawowej istoty. Artystę wciąż przepełnia sympatia i miłość do małego człowieczka, ale ten człowiek jest już inny – mieszkaniec stolicy Francji, sam artysta.

Zmiana stylu Van Gogha była w pewnym stopniu podyktowana zmianą jego pozycji ideowej. W najbardziej ogólnej postaci jego ówczesny światopogląd można uznać za bardziej radosny, jaśniejszy niż w Holandii. Ta strona jego twórczości jest szczególnie dobrze widoczna w pejzażach i martwych naturach. Stał się zapalonym zwolennikiem plenerów, wędruje po Paryżu, maluje zakamarki Montmartre, brzegi i mosty na Sekwanie, teatry ludowe i czuje się jak prawdziwy Francuz. „Wszyscy razem pracujemy nad francuskim renesansem - oto jestem jak w domu” - pisze Van Gogh. Rzeczywiście, od teraz jego dzieło należy do Francji i ludzkości; staje się sprzymierzeńcem impresjonistów, dzieli ich trudy, przyczynia się do ich sukcesu...

Ale ognista natura Van Gogha była obca środkowi; we wszystkim, czego się podejmował, dochodził do końca. Poszukiwanie światła i powietrza, zamiłowanie do techniki Seurata (dywizjonizm) nie mogło nie rozpalić w nim pragnienia opuszczenia szarego Paryża i udania się na południe. W stolicy zrobiło mu się ciasno, a południe ciągnie do niego jak do tej ziemi obiecanej, gdzie tylko można „odtąd urządzić atelier przyszłości”, gdzie rozwinąć się może tylko talent artysty. A w 1888 roku przeniósł się do Arles, miasta w Prowansji.

Nowy okres twórczości - miasto Prowansja.

Tutaj rozpoczyna się nowy okres twórczości Van Gogha. Pierwsze wrażenie go nie zmyliło. Prowansja wydawała mu się „przez swoją radosną miarą kolorów kraj tak piękny jak Japonia” i żałuje tylko, że nie dotarł tu w młodości… „Radosna gra kolorów” - jakże nieoczekiwane są te słowa w języku Van Gogha, niedawnego ascety, wylały na siebie całą jego nową postawę wobec świata, postawę malarza. Nowy i jednocześnie stary, bo przyrodę kochał od dzieciństwa. Ale w Holandii kochał tylko jej cichy smutek, ale tutaj, wśród południowego przepychu, najpierw podziwiał jasność kolorów, blask słońca. Tutaj po raz pierwszy poczuł, że nie może być różnicy między nim a jego wielkim nauczycielem, Rembrandtem. „Rembrandt malował światłocieniem, my malujemy kolorami” – mówi w jednym z listów, formułując tę ​​rewolucję, jaka go spotkała na południu. Rembrandt widział w świecie przede wszystkim kontrast światła i cienia, dla Van Gogha świat jest przede wszystkim celebracją koloru, grą kolorów.

Technika malarska w ogóle odgrywa w naszej epoce znacznie większą rolę niż wcześniej. Kiedy patrzymy na obraz starego mistrza, w zasadzie zapominamy o technice, o sposobie wykonania kreski - tak bardzo równoważy się w nim forma i treść, uczucie i intelekt, obiektywność i subiektywność. Ale niestety! - współczesny człowiek jest daleki od tej klasycznej równowagi ducha i dlatego we współczesnym obrazie zauważamy przede wszystkim subiektywne podejście artysty do tego lub innego przedmiotu. A technika, jak słusznie zauważa Puvis de Chavannes, to nic innego jak temperament artysty, stopień intensywności jego światopoglądu. Są artyści realiści, którzy patrzą na świat z taką uległą biernością, że zapominamy o ich ludzkiej osobowości i mówimy tylko: „Jakże obrazowo ten samowar czy czerwona komoda jest napisana – jest jak prawdziwa”. Ale są też inni artyści, o niepohamowanej i buntowniczej duszy, którzy za materią przedstawianego przedmiotu nie potrafią ukryć samego tempa swoich przeżyć. Patrząc na ich zdjęcie, widzimy przede wszystkim nie to, co jest przedstawione, ale jak to jest przedstawione, tak jakbyśmy uczestniczyli w samym procesie ich tworzenia, ekscytujemy się i spieszymy z nimi. Dla takich artystów indywidualistów technika zajmuje ogromne miejsce, ale jednocześnie przestaje być techniką w potocznym tego słowa znaczeniu, czyli czymś zewnętrznym i rękodzielniczym.

Taki jest Van Gogh. „Rozkazowe uderzenie” wydaje mu się „tak samo niemożliwe jak szermierka podczas napadu”. Jest naprawdę impresjonistą, w najgłębszym znaczeniu tego słowa, impresjonistą bardziej niż wszyscy inni, których zwykliśmy tak nazywać, bo zmienia technikę kilka razy nawet w obrębie tego samego obrazu, zgodnie z każdym wrażeniem. Każdy przedmiot robi na nim inne wrażenie i za każdym razem struny jego duszy inaczej wibrują, a ręka śpieszy się, by zapisać te wewnętrzne nuty. Pracuje teraz pędzlem, potem nożem, przepisując to płynnie, gęsto rzeźbi farbami, rzuca pociągnięciami wzdłuż i wszerz. Pracuje zawsze od razu, od pierwszego wrażenia, w jakiejś chwilowej ekstazie i wydaje się, że obraz wymyka mu się spod pędzla, jak okrzyk podziwu dla przyrody lub litości dla człowieka. W samym tempie jego uderzeń zawsze czujesz rytmiczne wznoszenie się lub opadanie tego krzyku, czujesz płomień jego duszy.

Sam wiecznie tryskający energią, niestrudzony, widzi w świecie przede wszystkim wiecznie działającą zasadę. Jego świat znajduje się w nieustannym cyklu, rozwoju, formacji. Postrzega przedmioty nie jako ciała, ale jako zjawiska. Nie oznacza to, że przedstawia dowolny moment natury złapany w locie, jak Claude Monet. Nie, przedstawia nie jeden moment, ale ciągłość momentów, motywem przewodnim każdego przedmiotu jest jego dynamiczny byt. Dlatego każde jego studium natury wykracza poza przypadkową obserwację, wznosząc się do kontemplacji abstrakcji, do kosmicznego spektaklu. Jest artystą światowych rytmów. Maluje nie ten efekt zachodzącego słońca, ale jak słońce w ogóle zachodzi, posyłając strzały promieni rozpryskujących się po płótnie, albo jak powstaje ze złotej mgły gęstniejącej koncentrycznymi kręgami.

Przedstawił nie efekt przypadkowego zgięcia drzewa przez wiatr, ale sam wzrost drzewa z ziemi, wzrost gałęzi z drzewa. Jego cyprysy wyglądają jak gotyckie świątynie, lancetowe wizje pędzące ku niebu. Przykucnięte od południowego upału, wznoszą się, wijąc się jak wielkie, wirujące języki zielonego płomienia, a jeśli są krzakami, płoną na ziemi jak ogniska. Jego łańcuchy górskie naprawdę się wyginają, jakby powstały na naszych oczach z początkowego chaosu geologicznego... Jego drogi, koryta i bruzdy pól naprawdę uciekają w dal, a jego uderzenia naprawdę rozprzestrzeniają się jak dywan trawy lub wznoszą się w górę wzgórza. Wszystko to, brzmiące tylko werbalną konwersacją z tobą i mną, żyje, porusza się i odchodzi z Van Goghiem. A jego kosmos, jego pejzaże toną w wiecznym ogniu, jak on sam, a chmury kłębią się w nich jak dym.

Van Gogh jest malarzem portretowym.

Dynamiczny sposób bycia Van Gogha jest jeszcze bardziej widoczny w jego cudownych rysunkach trzcinowym piórem, które szkicował z japońską wirtuozerią i hojnie rozrzucał w swoich listach, ilustrując swoje myśli. Chciał rysować tak szybko, jak pisał, i rzeczywiście, te kreski i kropki są znakiem rozpoznawczym jego geniuszu. Nie znam żadnego współczesnego grafika, który miałby taką pewność linii, taką siłę sugestii, taką lakoniczność w rysunku. Jego szkice piórem to swego rodzaju pulsogramy świata, graficzne symbole światowego życia. Oto drzewo pnące się w lokach linii, nuty stogów siana uformowanych ze spirali, i trawa rosnąca pionowo, i dachy wznoszące się do góry, albo gdzieniegdzie poszarpane gałęzie…

Oto portret listonosza z Arles. Z jakim zadowoleniem jego bokobrody są czesane pociągnięciami, jak radośnie lśnią kwiaty tapety na tle!

„Portret listonosza z Arly”, 1889

W jednym ze swoich listów Van Gogh pisze o nim, że ten dżentelmen jest bardzo zadowolony i dumny, ponieważ właśnie został szczęśliwym ojcem.

Oto "Berceuse" - rybacka niania, którą według wędkarskich wierzeń często widuje się nocą przed łódką, w porze niepogody - wtedy bawi się bajkami.

„Niania rybaka”, 1888

I rzeczywiście, ile mocnych baśni, szorstkich i jasnych, ta kobieta musi znać o baśniach, podobnych do tych kwitnących popularnych grafik w tle! Van Gogh zamierzał przekazać to zdjęcie Saint-Marie - schronisku dla żeglarzy ...

A tu znowu coś przeciwnego: autoportret samego Van Gogha, którego pociągnięcia są jak odsłonięte nerwy. Nie ma już zewnętrznego podobieństwa, nie ma maski twarzy, ale bardzo napięta i odsłonięta dusza…

„Autoportret”, wrzesień 1889

Ale jeszcze większym faktem ekspresyjności Van Gogha niż jego technika jest kolor. Charakterystykę człowieka ujawnia nie tylko poprzez wyolbrzymienie rysunku, ale także poprzez symbolikę kolorów. „Chcę zrobić portret mojego przyjaciela, artysty, który ma cudowne marzenia” – pisze w liście do brata. „Chciałbym włożyć w ten portret całą moją miłość do niego, a kolory dobieram zupełnie arbitralnie. Przesadzam z jasnym odcieniem jego włosów do stopnia pomarańczy. Wtedy jako tło, zamiast przedstawiać banalną ścianę obskurnego mieszkania, namaluję nieskończoność, najintensywniejszy niebieski odcień, jaki mam na swojej palecie. Dzięki tej kombinacji złota głowa na niebieskim tle pojawi się jako gwiazda na głębokim błękicie nieba.

Dokładnie to samo robię na portrecie wieśniaka, wyobrażając sobie tego człowieka w południowym słońcu, w środku żniw. Stąd te pomarańczowe refleksy, iskrzące się jak rozpalone żelazo; stąd ten ton starego złota, płonący w ciemności... Ach, moja droga, wielu zobaczy w tej przesadzie karykaturę, ale co mnie to obchodzi! ”

Tak więc, w przeciwieństwie do większości portrecistów, którzy uważają, że podobieństwo ogranicza się do twarzy, kolory tła nie były dla Van Gogha przypadkową dekoracją, ale tym samym czynnikiem wyrazu, co rysunek. Jego „Fisherman's Nanny” jest napisana dźwięcznymi, popularnymi, kwiatowymi kolorami. Jedna z jego arlezyjek, prawdopodobnie złośliwa prowincjonalna plotka, ubrana jest na czarno i niebiesko jak wronie skrzydło, przez co jeszcze bardziej przypomina krakającego ptaka. Każdy kolor miał więc w oczach Van Gogha swoje określone, lakoniczne znaczenie, był dla niego symbolem doświadczenia duchowego, wywoływał u niego analogie. Nie tylko kochał barwność świata, ale także odczytywał w nim słowa całego tajemnego języka.

Ale ze wszystkich kolorowych słów najbardziej zafascynowały go dwa: żółty i niebieski. Żółta gama durowa, od bladej cytryny do jaskrawej pomarańczy, była dla niego symbolem słońca, kłosa żyta, dobrej nowiny o chrześcijańskiej miłości. On ją kochał.

Ludzka dusza… nie katedry.

Zwróćmy się do Van Gogha: „Wolę malować ludzkie oczy, a nie katedry… dusza ludzka, a nawet dusza nieszczęsnego żebraka lub dziewczyny z ulicy, moim zdaniem, jest o wiele bardziej interesująca”. „Ci, którzy piszą życie chłopskie, przetrwają próbę czasu lepiej niż twórcy kardynalnych urządzeń i haremów pisanych w Paryżu”. „Pozostanę sobą i nawet w surowych pracach będę mówił rzeczy surowe, niegrzeczne, ale zgodne z prawdą”. „Robotnik przeciwko burżuazji nie jest tak dobrze ugruntowany jak stan trzeci przeciwko pozostałym dwóm sto lat temu”.

Czy człowiek, który w tych i tysiącach podobnych wypowiedzi tak tłumaczył sens życia i sztuki, mógł liczyć na powodzenie „z władzami? ". Środowisko burżuazyjne wykorzeniło Van Gogha. Przeciwko odrzuceniu Van Gogh miał jedyną broń - wiarę w poprawność wybranej ścieżki i pracy. „Sztuka to walka… lepiej nie robić nic, niż wyrażać się słabo”. „Musisz pracować jak kilku czarnych”. Nawet na wpół zagłodzona egzystencja zamienia się w bodziec do kreatywności: „W ciężkich próbach ubóstwa uczysz się patrzeć na rzeczy zupełnie innymi oczami”.

Burżuazyjne społeczeństwo nie wybacza innowacji, a Van Gogh był innowatorem w najbardziej bezpośrednim i prawdziwym tego słowa znaczeniu. Jego odczytanie wzniosłości i piękna przeszło przez zrozumienie wewnętrznej istoty przedmiotów i zjawisk: od tak nieistotnych jak podarte buty, po miażdżące kosmiczne huragany. Umiejętność przedstawienia tych pozornie odmiennych wartości na równie ogromną artystyczną skalę postawiła Van Gogha nie tylko poza oficjalną koncepcją estetyczną artystów akademickich, ale także zmusiła go do wyjścia poza ramy malarstwa impresjonistycznego.

Van Gogh jest postimpresjonistą.

Na początku XX wieku zbyt bezpośrednie przeciwstawienie sztuki Van Gogha (dokładnie jak Cezanne'a, Gauguina i Toulusa - Lottrek) praktykom impresjonistycznym doprowadziło do powstania nowego terminu - "postimpresjonizm". Jej założenie jest oczywiste. Relacje między dwoma pokoleniami artystów były znacznie bardziej złożone i szersze niż zwykłe polemiki kolejnych nurtów. Przy całej pozornej nieporównywalności dzieł powstałych od renesansu do impresjonizmu włącznie, malarstwo europejskie opierało się na systemie opartym na zasadzie „zobacz-przedstaw”.

W impresjonizmie osiągnął szczególnie pełny rozwój, wyrażający się w zadziwiającej naturalności i różnorodności zapisywanych przez artystę znaczących wrażeń. W niekończącej się zmianie strojów świetlnych i powietrznych natury impresjoniści widzieli piękne oblicze jej wiecznej odnowy.

Ale kult bezpośredniego wrażenia zawierał w sobie również coś, co usztywniało i ograniczało system percepcji wzrokowej. W nieskrępowanej pogoni za ulotną i nieposłuszną chwilą obiekt obserwacji niepostrzeżenie zszedł na dalszy plan, w wyniku czego obraz artystyczny jako całość okazał się nieodwracalnie zubożony.

Postimpresjoniści, a zwłaszcza Van Gogh, zaproponowali zasadniczo odmienną metodę, metodę syntezy obserwacji i wiedzy, analizę wewnętrznej struktury rzeczy i zjawisk, która otworzyła drogę do powiększenia skali obrazów i poszerzyła możliwości poznawcze możliwości sztuki. „Widzę w całej naturze, na przykład w drzewach, wyraz i, że tak powiem, duszę”. Te słowa są kluczem do odczytania Vangoghowskiej interpretacji obrazu artystycznego. Opiera się na fuzji dwóch zasad: pierwsza odnosi się do wszystkiego, co dotyczy pracy nad naturą, a druga determinowana jest impulsem twórczym samego artysty, który pozwala mu widzieć rzeczywistość w jaśniejszej i bardziej przekształconej formie .

Van Gogh porównał kiedyś malarstwo akademickie do zgubnej kochanki, która „… zamraża cię, wysysa twoją krew, zamienia w kamień… pieprzyć tę kochankę do piekła” – mówi – „i zakochuje się w swoim prawdziwym kochanku bez pamięci” - Lady Natura lub Rzeczywistość. Wzruszająco kochał tę „Panią” przez całe życie, odsuwając na bok wszelkie ingerencje w jego uczucia. Gauguin, który wezwał go do pracy nad wyobraźnią, na próżno znosił czas. Żadna siła nie mogłaby zmusić Van Gogha do wyrwania sztuki z życia. Ale miłość do „Pani Rzeczywistości” wcale nie była ślepa dla kogoś innego. Van Gogh pogardzał przyrodnikami, jeszcze bardziej „marzycielami”. W oczach Van Gogha praca z natury to „oswajanie złośnicy”. Kiedyś ludzie wierzyli w firmament, a później okazało się, że ziemia jest okrągła… Być może jednak życie też jest okrągłe i wielokrotnie przewyższa swoją długością i właściwościami znaną nam obecnie krzywiznę. Aby poznać ten zakres, Van Gogh oderwał od niego blichtr banalnej codzienności i odsłonił prawdę w całej jej nagości. Ale wydobycie prawdy jest nie do pomyślenia bez przekształcającego impulsu twórczego samego artysty, skupiającego w nim cały swój umysł i uczucia. Bez tego nie da się zrobić z „ziemniaków” świadków wszystkich „poniżonych i znieważonych”, sprawić, by znoszone, podarte buty krzyczały o męczennikach biedy. Organiczna fuzja „świata widzialnego” i „świata istotnego” jest „… czymś nowym,… najwyższym w sztuce, gdzie sztuka często stoi ponad naturą”. Wyższy w tym sensie, w jakim obrazy Van Gogha są wyższe i prawdziwsze niż widzialna prawda.

Najważniejszym ogniwem w systemie figuratywnym sztuki Vangogh jest animacja i humanizacja. Każdy element wszechświata w jego oczach jest znaczący i piękny tylko wtedy, gdy nabiera zdolności odczuwania: u Van Gogha cierpią nawet kamienie. Ludzka percepcja jest pryzmatem, który załamuje wszystko, co istnieje. „Chciałbym zrobić wszystko tak, jak… stróż kolejowy wszystko widzi i czuje”. W okaleczonych starych wierzbach przy drodze Van Gogh widzi coś wspólnego z procesją starców z przytułku, a otwarta księga, płonąca świeca i odrapane krzesło zamieniają się w „portret” ich właściciela, który je zostawił . („Fotel Gauguina”).

Van Gogh zmusza każdy składnik natury, aby był kamertonem jego emocji intelektu. Natura daje mu nie tylko motywy, ale także staje się dla niego podporą moralną, źródłem siły moralnej. Nawet Millet powiedział: „Cierpliwości można się nauczyć od kiełkującego ziarna”. Van Gogh rozumie to na swój sposób: „W każdym zdrowym i normalnym człowieku żyje to samo pragnienie dojrzewania, co w ziarnie, dlatego życie jest procesem dojrzewania. Czym dla ziarna jest pragnienie dojrzewania, tym dla nas jest miłość”. To jest główny nerw Vangoghowskiego rozumienia świata i estetyki: zakochać się w ludzkości! U Van Gogha jest to ponad uczuciami rodzinnymi i uprzedzeniami społecznymi. Bez wahania drze ostatnią koszulę na strzępy, bo trzeba opatrywać rany rannego górnika, dzieli schronienie i chleb z dziećmi prostytutki, od świtu do świtu, w słońcu i deszczu, pochyla się plecami papier, jak oracz nad pługiem, kropla po kropli oddając krwią swoje obrazy i rysunki, nigdy nie żądając niczego dla siebie.

Jakże tragicznie jego idea piękna nie zbiegła się z koncepcją dobrze prosperującego kupca! „Nie ma nic bardziej artystycznego niż kochanie dzieci!” To hasło Van Gogha, które cierpiał laik wszechczasów, „w ciężkich próbach ubóstwa”, jest w stanie wycisnąć tylko krzywy uśmiech. Estetyka Van Gogh - pomysł innego świata. Jego „piękne” zapachy ziemi, dojrzałego chleba, potem chłopa, wiatr z pól rozciągniętych pod niebem „ogromnym jak morze”, krąży ludzkim ciepłem i życzliwością w najbardziej niegrzecznych i brzydkich twarzach.

Idea estetyczna Van Gogha nie toleruje abstrakcji. Piękno postrzegane jest przez niego jako kobieta: „jakie są jej aspiracje”. „Kochaj i bądź kochany, żyj i dawaj życie, odnawiaj je, pielęgnuj, wspieraj, pracuj, odpowiadając żarliwością na żarliwość, a przede wszystkim bądź życzliwy, pożyteczny, zdolny do czegoś, choćby na przykład do rozpalenia rozpalić ogień w kominku, dziecku dać kawałek chleba, choremu szklankę wody. Ale to wszystko jest również bardzo piękne i wzniosłe! Tak, ale ona nie zna tych słów. Jej rozumowanie… nie jest zbyt błyskotliwe, niezbyt wyrafinowane, ale uczucia są zawsze szczere. Ucieleśnienie tej „autentyczności” pilnie wymagało odpowiedniej siły i wyrazistości systemu obrazkowego. Dla każdego, kto ma coś do powiedzenia, znalezienie sposobu, by to zrobić, jest kwestią życia. Problem pleneru nigdy nie zostałby rozwiązany, gdyby impresjoniści nie przenieśli swojej pracowni wprost na ulicę, w pole, do lasu lub łodzi, gdyby nie wyrzucili z malarstwa szarości, brązów i czerni gdyby nie zarysowali powierzchni swoich płócien wibrującą siatką drobnych kolorowych kresek, czyli gdyby nie stworzyli z gruntu nowego systemu środków wizualnych. Van Gogh był inny: „Chcę, aby piękno pochodziło nie z materiału, ale ze mnie”. Każdy z impresjonistów jest przede wszystkim obserwatorem, bystrym, subtelnym, wrażliwym, ale zawsze postrzegającym przedmiot jakby z zewnątrz. Dla Van Gogha „walka piersi z piersią, walka z rzeczami w naturze” jest pilną potrzebą. Stąd szczególna oryginalność jego wizji i sposobu bycia.

Jasne kolory Van Gogha.

Marząc o braterstwie artystów i kolektywnej twórczości, zupełnie zapomniał, że sam jest niepoprawnym indywidualistą, nieprzejednanym aż do powściągliwości w sprawach życia i sztuki. Ale w tym tkwiła jego siła. Trzeba mieć na tyle wprawne oko, żeby na przykład odróżnić obrazy Moneta od Sisleya. Ale tylko po obejrzeniu „Czerwonych winnic” nigdy nie pomylisz dzieł Van Gogha z nikim innym. Każda linia i pociągnięcie jest wyrazem jego osobowości.

„Czerwone winnice”, 1888

Dominującym systemem impresjonistycznym jest kolor. W systemie obrazów, na sposób Van Gogha, wszystko jest równe i zgniecione w jeden niepowtarzalny jasny zespół: rytm, kolor, faktura, linia, forma.

Na pierwszy rzut oka jest to trochę naciągane. Czy „czerwone winnice” pchają się z niespotykaną intensywnością koloru, czy dźwięczny akord niebieskiego kobaltu w „Morze w Saint-Marie” nie jest aktywny, czy nie są to olśniewająco czyste i dźwięczne kolory „Krajobrazu w Auvers” po deszczu”, przy którym jakiś impresjonistyczny obraz wygląda na beznadziejnie wyblakły?

Przesadnie jasne kolory te mają zdolność wybrzmiewania w dowolnej intonacji w całym zakresie emocji – od palącego bólu po najdelikatniejsze odcienie radości. Brzmiące kolory albo przeplatają się w miękko i subtelnie zharmonizowaną melodię, albo wznoszą się w przeszywającym słuch dysonansie. Tak jak w muzyce istnieje system minor i dur, tak kolory palety Vangogh dzielą się na dwie części. Dla Van Gogha zimno i ciepło są jak życie i śmierć. Na czele przeciwnych obozów stoją żółty i niebieski, oba kolory mają głęboko symboliczne znaczenie. Jednak ta „symbolika” ma to samo żywe ciało, co ideał piękna Vangogha.

Van Gogh dostrzegł pewien jasny początek w żółtej farbie, od miękkiej cytryny do intensywnej pomarańczy. Kolor słońca i dojrzałego chleba w jego rozumieniu był kolorem radości, słonecznego ciepła, ludzkiej życzliwości, życzliwości, miłości i szczęścia - wszystko to w jego rozumieniu mieściło się w pojęciu "życia". Przeciwny w znaczeniu niebieski, od niebieskiego do prawie czarnego ołowiu, jest kolorem smutku, nieskończoności, tęsknoty, rozpaczy, psychicznej udręki, śmiertelnej nieuchronności i ostatecznie śmierci. Późne obrazy Van Gogha są areną zderzenia tych dwóch kolorów. Są jak walka dobra ze złem, zmierzchu dnia i nocy, nadziei i rozpaczy. Emocjonalne i psychologiczne możliwości koloru są przedmiotem ciągłych refleksji Van Gogha: „Mam nadzieję dokonać odkrycia w tej dziedzinie, na przykład wyrazić uczucia dwojga kochanków, łącząc dwa dodatkowe kolory, mieszając je i przeciwstawiając tajemnicza wibracja powiązanych tonów. Lub wyrazić pomysł, który powstał w mózgu, za pomocą blasku jasnego tonu na ciemnym tle…”.

Mówiąc o Van Goghu, Tugendhold zauważył: „... nutami jego doświadczeń są graficzne rytmy rzeczy i wzajemne bicie serca”. Pojęcie odpoczynku jest nieznane sztuce Vangogh. Jego żywiołem jest ruch.

W oczach Van Gogha to to samo życie, co oznacza umiejętność myślenia, odczuwania, empatii. Spójrz na obraz „czerwonych winnic”. Kreski, rzucone na płótno szybką ręką, biegną, pędzą, zderzają się, znów rozsypują. Podobnie jak kreski, kropki, plamy, przecinki, są zapisem wizji Vangogha. Z ich kaskad i wirów rodzą się uproszczone i wyraziste formy. Są linią, która tworzy rysunek. Ich relief, czasem ledwo zarysowany, czasem spiętrzony w masywnych kępach, jak zaorana ziemia, tworzy zachwycającą, malowniczą fakturę. I z tego wszystkiego powstaje ogromny obraz: w gorącym żarze słońca, jak grzesznicy w ogniu, winorośle wiją się, próbując oderwać się od tłustej purpurowej ziemi, uciec z rąk winiarzy, a teraz pokojowe Zgiełk żniw wygląda jak walka człowieka z naturą.

Czy to oznacza, że ​​nadal dominuje kolor? Ale czy te kolory nie są jednocześnie rytmem, linią, formą i fakturą? To najważniejsza cecha obrazowego języka Van Gogha, którym przemawia do nas poprzez swoje obrazy.

Często uważa się, że malarstwo Vangogha jest rodzajem niekontrolowanego elementu emocjonalnego, pobudzanego nieokiełznanym wglądem. W tym złudzeniu „pomaga” oryginalność artystycznego sposobu Van Gogha, który naprawdę wydaje się spontaniczny, ale w rzeczywistości jest subtelnie obliczony, przemyślany: „Praca i trzeźwa kalkulacja, umysł jest niezwykle napięty, jak u aktora podczas gry trudna rola, kiedy w ciągu pół godziny trzeba pomyśleć o tysiącu rzeczy…”

Życie dla pracy.

Van Gogh był niezwykle bogaty twórczo: jego „ekstrawagancja” złamała mu życie osobiste, okaleczyła go fizycznie, ale nie duchowo. Umarł w wieku trzydziestu siedmiu lat, nie dlatego, że nie miał już o czym rozmawiać, ale dlatego, że nie chciał porzucić sztuki chorowania. „Zapłaciłem życiem za swoją pracę i kosztowało mnie to połowę zdrowia psychicznego”.

Jego najnowszym dziełem czasem wstrząsa rozpacz, czasem chłód i chłód, ale częściej wylewa się z niego pragnienie bycia, przeszywające aż do bólu. „Krajobraz w Auvers po deszczu” jest pozornie spokojny i błogi, podyktowany właśnie tym stanem artysty. Spłukane deszczem zielenie błyszczą jasno. Koń zaprzężony w wóz pędzi mokrą drogą. Pociąg jadący po szynach wesoło dymi. Wśród łóżek chłop pracuje, pochylając się. Wszystko byłoby niemal idylliczne, gdyby nie szaleńczy rytm długich i wijących się uderzeń, zmuszających prostokąty ogródków warzywnych do zderzenia w taki sposób, że przestrzeń obrazu staje się jakby falująca i napięta. Jeszcze sekunda, a cały ten jasny, lśniący świat zostanie wysadzony od środka przez straszliwą niszczycielską siłę bulgoczącą gdzieś w jego głębi.

„W tysiącu udręk - jestem, wędruję w torturach - ale jest! ... Widzę słońce, ale nie widzę słońca, wtedy wiem, że to jest. A wiedzieć, że jest słońce, to już całe życie”. Te wersety Dostojewskiego mógłby napisać Van Gogh.

Literatura:

Perryusho A. „Życie Van Gogha” 1997

Dmitrieva NA „Vincent van Gogh: esej o życiu i pracy”

Robert Wallace „Świat Van Gogha” 1998

Zdjęcia zaczerpnięte z „Internetu” http://www.vangoghgallery.com/index.html

Biografia Vincenta van Gogha jest żywym przykładem tego, jak utalentowana osoba nie została rozpoznana za życia. Doceniono go dopiero po śmierci. Ten utalentowany artysta postimpresjonistyczny urodził się 30 marca 1853 roku w Holandii w małej wiosce, która znajdowała się w pobliżu granicy z Belgią. Oprócz Vincenta jego rodzice mieli sześcioro dzieci, z których można wyróżnić młodszego brata Theo. Miał wielki wpływ na losy słynnego artysty.

Dzieciństwo i wczesne lata

Jako dziecko Van Gogh był trudnym i „nudnym” dzieckiem. Tak opisała go jego rodzina. W stosunku do obcych był cichy, rozważny, przyjazny i uprzejmy. W wieku siedmiu lat chłopiec został wysłany do miejscowej wiejskiej szkoły, gdzie uczył się tylko przez rok, po czym został przeniesiony do szkoły domowej. Po pewnym czasie został wysłany do szkoły z internatem, gdzie czuł się nieszczęśliwy. To bardzo na niego wpłynęło. Następnie przyszły artysta został przeniesiony do college'u, gdzie studiował języki obce i rysunek.

Próba pisania. Początek kariery artysty

W wieku 16 lat Vincent dostał pracę w oddziale dużej firmy sprzedającej obrazy. Jego wujek był właścicielem tej firmy. Przyszły artysta pracował bardzo dobrze, więc został przeniesiony do . Tam nauczył się rozumieć malarstwo i je doceniać. Vincent uczęszczał na wystawy i galerie sztuki. Z powodu nieszczęśliwej miłości zaczął źle pracować i był przenoszony z jednego biura do drugiego. W wieku około 22 lat Vincent zaczął próbować swoich sił w malarstwie. Zainspirowały go do tego wystawy w Luwrze i Salonie (Paryż). Z powodu nowego hobby artysta zaczął pracować bardzo słabo i został zwolniony. Następnie pracował jako nauczyciel i asystent pastora. Na wybór ostatniego zawodu miał wpływ jego ojciec, który również wybrał służbę Bogu.

Zdobywanie umiejętności i sławy

W wieku 27 lat artysta, przy wsparciu brata Theo, przeniósł się do, gdzie wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Ale rok później zdecydował się rzucić studia, bo wierzył, że pracowitość, a nie nauka, pomoże mu zostać artystą. Swoje pierwsze znane obrazy namalował w Hadze. Tam po raz pierwszy połączył kilka technik jednocześnie w jednej pracy:

• akwarela;
• pióro;
• sepia.

Żywymi przykładami takich obrazów są „Podwórka” i „Dachy. Widok z pracowni van Gogha. Potem miał kolejną nieudaną próbę założenia rodziny. Z tego powodu Vincent opuszcza miasto i osiedla się w osobnej chacie, gdzie maluje pejzaże i pracujących chłopów. W tym okresie namalował tak słynne obrazy, jak „Wieśniaczka” i „Chłopka i wieśniaczka sadząca ziemniaki”.

Co ciekawe, Van Gogh nie był w stanie prawidłowo i płynnie rysować postaci ludzkich, dlatego na jego obrazach mają one nieco proste i kanciaste linie. Po jakimś czasie zamieszkał z Theo. Tam ponownie podjął naukę malarstwa w znanej miejscowej pracowni. Potem zaczął zdobywać sławę i brać udział w wystawach impresjonistów.

Śmierć Van Gogha

Wielki artysta zmarł 29 lipca 1890 roku z powodu upływu krwi. Dzień wcześniej został ranny. Vincent strzelił sobie w pierś z rewolweru, który zabrał ze sobą, by odstraszyć ptaki. Istnieje jednak inna wersja jego śmierci. Niektórzy historycy uważają, że został zastrzelony przez nastolatków, z którymi czasami pił w barach.

obrazy Van Gogha

Lista najsłynniejszych dzieł Van Gogha obejmuje następujące obrazy: „Gwiaździsta noc”; „Słoneczniki”; „Irysy”; „Pole pszenicy z wronami”; „Portret doktora Gacheta” .

• W biografii Van Gogha jest kilka faktów, o które historycy wciąż się spierają. Na przykład uważa się, że za jego życia kupiono tylko jeden z jego obrazów „Czerwone winnice w Arles”. Ale mimo to jest absolutnie niezaprzeczalne, że Van Gogh pozostawił po sobie wielką spuściznę i wniósł nieoceniony wkład w sztukę. W XIX wieku nie był doceniany, aw XX i XXI wieku obrazy Vincenta sprzedawane są za miliony dolarów.

Van Gogh Vincent, holenderski malarz. W latach 1869-1876 był komisarzem w firmie zajmującej się handlem dziełami sztuki w Hadze, Brukseli, Londynie, Paryżu, aw 1876 pracował jako nauczyciel w Anglii. Van Gogh studiował teologię, w latach 1878-1879 był kaznodzieją w okręgu górniczym Borinage w Belgii. Ochrona interesów górników doprowadziła van Gogha do konfliktu z władzami kościelnymi. W latach 80. XIX wieku van Gogh zwrócił się ku sztuce, uczęszczając do Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli (1880-1881) i Antwerpii (1885-1886).

Van Gogh skorzystał z rady malarza A. Mauve w Hadze, entuzjastycznie malując zwykłych ludzi, chłopów, rzemieślników i więźniów. W serii obrazów i studiów z połowy lat osiemdziesiątych XIX wieku („Wieśniaczka”, 1885, Kröller-Müller State Museum, Otterlo; „Zjadacze ziemniaków”, 1885, Fundacja Vincenta van Gogha, Amsterdam), pisanych ciemną skalą obrazkową, oznaczoną artystka poprzez boleśnie ostre postrzeganie ludzkiego cierpienia i uczucia przygnębienia odtwarza przytłaczającą atmosferę psychologicznego napięcia.

W latach 1886-1888 van Gogh mieszkał w Paryżu, odwiedzał prywatną pracownię artystyczną, studiował malarstwo impresjonistyczne, japońskie grawerowanie, „syntetyczne” dzieła Paula Gauguina. W tym okresie paleta Van Gogha stała się jasna, zniknęły kolory ziemi, pojawiły się czyste błękity, złotożółte, czerwone odcienie, jego charakterystyczna dynamika, jakby płynące pociągnięcie pędzla („Most nad Sekwaną”, 1887, „Papa Tanguy”, 1881). W 1888 roku van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono oryginalność jego twórczego sposobu bycia. Ognisty temperament artystyczny, bolesny pęd ku harmonii, pięknu i szczęściu, a zarazem lęk przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają albo mieniące się słonecznymi kolorami pejzaże południa („Harvest. La Croux Valley”, 1888 ) lub w złowrogich, przypominających nocne koszmary obrazach („Night Cafe”, 1888, kolekcja prywatna, Nowy Jork). Dynamika koloru i kreski na obrazach Van Gogha wypełnia życiem duchowym i ruchem nie tylko przyrodę i zamieszkujących ją ludzi („Czerwone winnice w Arles”, 1888, Muzeum Puszkina, Moskwa), ale także przedmioty nieożywione („Sypialnia Van Gogha w Arles”, 1888).

Wytężonej pracy Van Gogha w późniejszych latach towarzyszyły napady choroby psychicznej, które doprowadziły go do zakładu dla obłąkanych w Arles, następnie Saint-Remy (1889–1890) i Auvers-sur-Oise (1890), gdzie popełnił samobójstwo. Twórczość ostatnich dwóch lat życia artysty naznaczona jest ekstatyczną obsesją, skrajnie wzmożoną ekspresją zestawień kolorystycznych, gwałtownymi wahaniami nastroju – od szaleńczej rozpaczy po ponurą wizjonerstwo („Droga z cyprysami i gwiazdami”, 1890, Muzeum Kröller-Müller, Otterlo) do drżącego poczucia oświecenia i spokoju („Krajobraz w Auvers po deszczu”, 1890, Muzeum Puszkina, Moskwa).

Holenderski malarz postimpresjonistyczny, którego twórczość wywarła ponadczasowy wpływ na malarstwo XX wieku

Vincent van Gogh

krótki życiorys

Vincenta Willema van Gogha(Holenderski Vincent Willem van Gogh; 30 marca 1853, Grot-Zundert, Holandia - 29 lipca 1890, Auvers-sur-Oise, Francja) jest holenderskim malarzem postimpresjonistycznym, którego twórczość miała ponadczasowy wpływ na malarstwo XX wiek. W ciągu nieco ponad dziesięciu lat stworzył ponad 2100 dzieł, w tym około 860 obrazów olejnych. Wśród nich - portrety, autoportrety, pejzaże i martwe natury, przedstawiające drzewa oliwne, cyprysy, pola pszenicy i słoneczniki. Większość krytyków zauważyła van Gogha dopiero po jego samobójstwie w wieku 37 lat, które poprzedziły lata niepokoju, biedy i załamania psychicznego.

Dzieciństwo i młodość

Urodzony 30 marca 1853 r. We wsi Grot-Zundert (hol. Groot Zundert) w prowincji Brabancja Północna na południu Holandii, niedaleko granicy belgijskiej. Ojcem Vincenta był Theodor van Gogh (ur. 8 lutego 1822), protestancki pastor, a matką Anna Cornelia Carbentus, córka czcigodnego introligatora i księgarza z Hagi. Wincenty był drugim z siedmiorga dzieci Teodora i Anny Kornelii. Otrzymał swoje imię na cześć swojego dziadka ze strony ojca, który również poświęcił całe swoje życie kościołowi protestanckiemu. Imię to było przeznaczone dla pierwszego dziecka Teodora i Anny, które urodziło się rok przed Wincentym i zmarło pierwszego dnia. Tak więc Vincent, chociaż urodził się jako drugi, stał się najstarszym z dzieci.

Cztery lata po narodzinach Vincenta, 1 maja 1857 roku, urodził się jego brat Theodorus van Gogh (Theo). Oprócz niego Vincent miał brata Cor (Cornelis Vincent, 17 maja 1867) i trzy siostry - Annę Cornelię (17 lutego 1855), Liz (Elizabeth Hubert, 16 maja 1859) i Wil (Willemina Jacob, 16 marca , 1862). Vincent jest zapamiętany przez rodzinę jako krnąbrne, trudne i nudne dziecko o „dziwnych manierach”, co było powodem jego częstych kar. Według guwernantki było w nim coś dziwnego, co odróżniało go od innych: ze wszystkich dzieci Vincent był dla niej mniej miły i nie wierzyła, że ​​może wyjść z niego coś wartościowego. Przeciwnie, poza rodziną Vincent pokazywał przeciwną stronę swojego charakteru - był cichy, poważny i zamyślony. Prawie nie bawił się z innymi dziećmi. W oczach współmieszkańców był dobrodusznym, przyjaznym, pomocnym, współczującym, słodkim i skromnym dzieckiem. Gdy miał 7 lat poszedł do wiejskiej szkoły, ale rok później został stamtąd zabrany i razem z siostrą Anną uczył się w domu, u guwernantki. 1 października 1864 wyjechał do szkoły z internatem w Zevenbergen, położonej 20 km od domu. Wyjazd z domu sprawił Wincentemu wiele cierpień, nie mógł o tym zapomnieć, nawet jako dorosły. 15 września 1866 rozpoczął naukę w innej szkole z internatem – Willem II College w Tilburgu. Vincent jest dobry w językach - francuskim, angielskim, niemieckim. Tam pobierał lekcje rysunku. W marcu 1868 roku, w połowie roku szkolnego, Wincenty nagle opuścił szkołę i wrócił do domu ojca. To kończy jego formalną edukację. Tak wspominał swoje dzieciństwo: „Moje dzieciństwo było ciemne, zimne i puste…”.

Praca w firmie handlowej i praca misyjna

W lipcu 1869 roku Vincent dostał pracę w haskim oddziale dużej firmy artystycznej i handlowej Goupil & Cie, której właścicielem był jego wujek Vincent („Wujek Święty”). Tam przeszedł niezbędne szkolenie jako dealer. Początkowo przyszły artysta zabrał się do pracy z wielkim zapałem, osiągając dobre wyniki, aw czerwcu 1873 roku został przeniesiony do londyńskiego oddziału Goupil & Cie. Poprzez codzienny kontakt z dziełami sztuki Vincent zaczął rozumieć i doceniać malarstwo. Ponadto odwiedzał miejskie muzea i galerie, podziwiając prace Jean-Francois Milleta i Julesa Bretona. Pod koniec sierpnia Vincent przeprowadził się na Hackford Road 87 i wynajął pokój w domu Ursuli Leuer i jej córki Eugenii. Istnieje wersja, w której był zakochany w Eugenii, chociaż wielu wczesnych biografów błędnie nazywa ją imieniem jej matki Urszuli. Dodając do tego trwającego od dziesięcioleci zamieszania w nazewnictwie, ostatnie badania sugerują, że Vincent wcale nie był zakochany w Eugenii, ale w Niemce o imieniu Caroline Haanebiek. Co tak naprawdę się stało, pozostaje nieznane. Odmowa ukochanej zszokowała i rozczarowała przyszłego artystę; stopniowo stracił zainteresowanie swoją pracą i zaczął zwracać się do Biblii. W 1874 roku Vincent został przeniesiony do paryskiego oddziału firmy, ale po trzech miesiącach pracy ponownie wyjeżdża do Londynu. Sytuacja stawała się dla niego coraz gorsza iw maju 1875 roku został ponownie przeniesiony do Paryża, gdzie zwiedzał wystawy w Salonie i Luwrze, aż w końcu zaczął próbować swoich sił w malarstwie. Stopniowo ten zawód zaczął zabierać mu coraz więcej czasu, a Vincent ostatecznie stracił zainteresowanie pracą, uznając dla siebie, że „sztuka nie ma gorszych wrogów niż handlarze dziełami sztuki”. W rezultacie pod koniec marca 1876 roku został zwolniony z Goupil & Cie z powodu słabych wyników, pomimo patronatu krewnych, którzy byli współwłaścicielami firmy.

W 1876 Vincent wrócił do Anglii, gdzie znalazł nieodpłatną pracę jako nauczyciel w szkole z internatem w Ramsgate. Jednocześnie, podobnie jak jego ojciec, pragnie zostać księdzem. W lipcu Vincent przeniósł się do innej szkoły – w Isleworth (niedaleko Londynu), gdzie pracował jako nauczyciel i asystent pastora. 4 listopada Wincenty wygłosił swoje pierwsze kazanie. Wzrosło jego zainteresowanie ewangelią i wpadł na pomysł głoszenia ubogim.

Vincent pojechał do domu na Boże Narodzenie i rodzice przekonali go, by nie wracał do Anglii. Vincent został w Holandii i przez pół roku pracował w księgarni w Dordrechcie. Ta praca nie przypadła mu do gustu; spędzał większość czasu na szkicowaniu lub tłumaczeniu fragmentów Biblii na niemiecki, angielski i francuski. Starając się wesprzeć pragnienie Vincenta, by zostać pastorem, rodzina wysyła go w maju 1877 roku do Amsterdamu, gdzie osiedlił się ze swoim wujem, admirałem Janem van Goghiem. Tutaj pilnie studiował pod kierunkiem swojego wuja Johannesa Strickera, szanowanego i uznanego teologa, przygotowując się do zdania egzaminu wstępnego na wydział teologii. W końcu rozczarował się studiami, porzucił studia i opuścił Amsterdam w lipcu 1878 roku. Chęć bycia użytecznym dla zwykłych ludzi skierowała go do Protestanckiej Szkoły Misyjnej im. Pastora Bokmy w Laeken pod Brukselą, gdzie ukończył trzymiesięczny kurs kaznodziejski (jest jednak wersja, że ​​nie ukończył pełnego toku studiów i został wydalony z powodu niechlujnego wyglądu, porywczego temperamentu i częstych napadów złości).

W grudniu 1878 roku Wincenty udał się na sześć miesięcy jako misjonarz do wioski Paturazh w Borinage, biednego obszaru górniczego w południowej Belgii, gdzie rozpoczął niestrudzoną działalność: odwiedzanie chorych, czytanie Pisma Świętego niepiśmiennym, głoszenie kazań, nauczanie dzieci, i rysowanie nocą map Palestyny, aby zarobić pieniądze. Taka bezinteresowność zjednała mu miejscową ludność i członków Towarzystwa Ewangelickiego, co zaowocowało wyznaczeniem mu pensji w wysokości pięćdziesięciu franków. Po ukończeniu sześciomiesięcznego okresu van Gogh zamierzał wstąpić do Szkoły Ewangelii, aby kontynuować naukę, ale uznał wprowadzone czesne za przejaw dyskryminacji i odmówił podjęcia nauki. Jednocześnie Wincenty zwrócił się do kierownictwa kopalń z petycją w imieniu robotników o poprawę warunków ich pracy. Petycja została odrzucona, a sam van Gogh został usunięty ze stanowiska kaznodziei przez Komitet Synodalny Kościoła Protestanckiego Belgii. Był to poważny cios dla stanu emocjonalnego i psychicznego artysty.

Stawanie się artystą

Uciekając przed depresją wywołaną wydarzeniami w Paturażu, Van Gogh ponownie zwrócił się ku malarstwu, poważnie myślał o studiach, aw 1880 roku, przy wsparciu brata Theo, wyjechał do Brukseli, gdzie zaczął uczęszczać na zajęcia w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych im. Sztuki piękne. Jednak rok później Vincent zrezygnował i wrócił do rodziców. W tym okresie życia uważał, że artysta wcale nie musi mieć talentu, najważniejsze jest ciężka i ciężka praca, więc kontynuował naukę na własną rękę.

W tym samym czasie van Gogh doświadczył nowej miłości, zakochując się w swojej kuzynce, wdowie Kay Vos-Stricker, która mieszkała z synem w ich domu. Kobieta odrzuciła jego uczucia, ale Vincent kontynuował zaloty, które postawiły wszystkich jego krewnych przeciwko niemu. W rezultacie został poproszony o opuszczenie lokalu. Van Gogh, przeżywszy nowy szok i postanawiając na zawsze porzucić próby ułożenia życia osobistego, wyjechał do Hagi, gdzie z nową energią pogrążył się w malarstwie i zaczął pobierać lekcje u swojego dalekiego krewnego, przedstawiciela haskiej szkoły obraz Antona Mauve'a. Wincenty ciężko pracował, studiował życie miasta, zwłaszcza biednych dzielnic. Uzyskując w swoich pracach ciekawą i zaskakującą kolorystykę, uciekał się niekiedy do mieszania na jednym płótnie różnych technik pisarskich – kredą, piórem, sepią, akwarelą („Podwórka”, 1882, pióro, kreda i pędzel na papierze, Kröller-Müller Museum, Otterlo ; "Dachy. Widok z warsztatu van Gogha", 1882, papier, akwarela, kreda, zbiory prywatne J. Renana, Paryż). Na artystę duży wpływ wywarł „Kurs rysunku” Charlesa Bargue'a. W latach 1880/1881 i ponownie w 1890 r. skopiował wszystkie litografie podręcznika, ale tylko jego część.

W Hadze artysta próbował założyć rodzinę. Tym razem jego wybranką była ciężarna uliczna Christine, którą Vincent spotkał na ulicy i kierując się współczuciem dla jej sytuacji, zaproponował, że zamieszka z nim z dziećmi. Ten akt ostatecznie pokłócił artystę z przyjaciółmi i krewnymi, ale sam Vincent był szczęśliwy: miał model. Jednak Christine okazała się trudną postacią i wkrótce życie rodzinne van Gogha zamieniło się w koszmar. Rozstali się bardzo szybko. Artysta nie mógł dłużej przebywać w Hadze i udał się na północ Holandii, do prowincji Drenthe, gdzie osiedlił się w osobnej chacie wyposażonej w warsztat i całe dnie spędzał na łonie natury, przedstawiając pejzaże. Nie przepadał jednak za nimi, nie uważał się za pejzażystę - wiele obrazów z tego okresu poświęconych jest chłopom, ich codziennej pracy i życiu.

Ze względu na tematykę wczesne prace van Gogha można zaliczyć do realizmu, choć sposób wykonania i technikę można nazwać realistycznymi tylko z pewnymi istotnymi zastrzeżeniami. Jednym z wielu problemów wynikających z braku wykształcenia artystycznego, z jakimi borykał się artysta, była nieumiejętność portretowania postaci ludzkiej. Ostatecznie doprowadziło to do jednej z fundamentalnych cech jego stylu - interpretacji postaci ludzkiej, pozbawionej płynnych czy miarowych, pełnych wdzięku ruchów, jako integralnej części natury, w pewnym sensie nawet upodabniającej się do niej. Widać to bardzo wyraźnie na przykład na obrazie „Chłop i wieśniaczka sadzący ziemniaki” (1885, Kunsthaus, Zurych), gdzie postacie chłopów są przyrównane do skał, a wysoka linia horyzontu zdaje się napierać na nie pozwalając im się wyprostować lub przynajmniej podnieść głowy. Podobne podejście do tematu widać w późniejszym obrazie „Czerwone winnice” (1888, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, Moskwa). W serii obrazów i studiów z połowy lat osiemdziesiątych XIX wieku. („Wyjście z kościoła protestanckiego w Nuenen” (1884-1885), „Wieśniaczka” (1885, Muzeum Kröller-Müller, Otterlo), „Zjadacze ziemniaków” (1885, Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam), „Wieża Starego Kościoła w Nuenen” (1885), napisany w ciemnej gamie malarskiej, nacechowanej boleśnie ostrym postrzeganiem ludzkiego cierpienia i uczuciami depresji, artysta odtworzył przytłaczającą atmosferę psychologicznego napięcia. Jednocześnie artysta ukształtował też własne rozumienie pejzażu: wyraz jego wewnętrznego postrzegania natury poprzez analogię z człowiekiem. Jego artystycznym credo były jego własne słowa: "Kiedy rysujesz drzewo, zinterpretuj je jako figurę".

Jesienią 1885 roku van Gogh niespodziewanie opuścił Drenthe, gdyż miejscowy pastor wystąpił przeciwko niemu za broń, zabraniając chłopom pozowania dla artysty i oskarżając go o niemoralność. Vincent wyjechał do Antwerpii, gdzie ponownie zaczął uczęszczać na zajęcia z malarstwa – tym razem w klasie malarstwa na Akademii Sztuk Pięknych. Wieczorami artysta uczęszczał do prywatnej szkoły, gdzie malował nagie modelki. Jednak już w lutym 1886 roku van Gogh wyjechał z Antwerpii do Paryża do swojego brata Theo, który zajmował się handlem dziełami sztuki.

Rozpoczął się paryski okres życia Wincentego, który okazał się bardzo owocny i bogaty w wydarzenia. Artysta odwiedził prestiżową prywatną pracownię artystyczną Fernanda Cormona, znanego w całej Europie pedagoga, studiował malarstwo impresjonistyczne, japoński rytownik i prace syntetyczne Paula Gauguina. W tym okresie paleta Van Gogha stała się jasna, zniknął ziemisty odcień farby, pojawiły się czysto niebieskie, złotożółte, czerwone odcienie, jego charakterystyczna dynamika, jakby płynące pociągnięcie pędzla („Agostina Segatori in the Tambourine Cafe” (1887-1888, Vincent Museum van Gogh, Amsterdam), „Most nad Sekwaną” (1887, Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam), „Papa Tanguy” (1887, Muzeum Rodina, Paryż), „Widok Paryża z mieszkania Theo przy Rue Lepic” (1887 , Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam). W pracy były nuty spokoju i wyciszenia, spowodowane wpływem impresjonistów. Niektórzy z nich - Henri de Toulouse-Lautrec, Camille Pissarro, Edgar Degas, Paul Gauguin, Emile Bernard - artysta poznał wkrótce po przybyciu do Paryża dzięki tym znajomościom, które wywarły na artystę najkorzystniejszy wpływ: znalazł pokrewne środowisko, które go doceniło, entuzjastycznie brał udział w wystawach impresjonistów – w restauracji La Fourche, kawiarni Tambourine, następnie w holu Free Theatre. Jednak publiczność była przerażona obrazami van Gogha, co skłoniło go do ponownego zaangażowania się w samokształcenie - studiowania teorii koloru Eugene'a Delacroix, teksturowanego malarstwa Adolphe'a Monticellego, japońskich kolorowych odbitek i ogólnie płaskiej sztuki orientalnej. Paryski okres jego życia to największa liczba obrazów stworzonych przez artystę - około dwustu trzydziestu. Wśród nich wyróżnia się seria martwych natur i autoportretów, seria sześciu płócien pod ogólnym tytułem „Buty” (1887, Art Museum, Baltimore), pejzaże. Zmienia się rola osoby na obrazach Van Gogha – nie ma go wcale, albo jest sztafażem. W pracach pojawia się powietrze, atmosfera i bogata kolorystyka, jednak artysta po swojemu oddał otoczenie świetlno-powietrzne i atmosferyczne niuanse, dzieląc całość bez scalania form i ukazując „twarz” lub „figurę” każdego elementu obrazu. całość. Uderzającym przykładem takiego podejścia jest obraz „Morze w St. Mary” (1888, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A. S. Puszkina, Moskwa). Twórcze poszukiwania artysty doprowadziły go do początków nowego stylu artystycznego - postimpresjonizmu.

Ostatnie lata. Rozkwit twórczości

Pomimo twórczego rozwoju van Gogha, publiczność wciąż nie dostrzegała i nie kupowała jego obrazów, co było bardzo boleśnie postrzegane przez Vincenta. W połowie lutego 1888 roku artysta zdecydował się opuścić Paryż i przenieść się na południe Francji - do Arles, gdzie zamierzał stworzyć "Warsztat Południa" - rodzaj braterstwa podobnie myślących artystów pracujących dla przyszłych pokoleń. Van Gogh dał najważniejszą rolę w przyszłych warsztatach Paulowi Gauguinowi. Theo wsparł przedsięwzięcie pieniędzmi iw tym samym roku Vincent przeniósł się do Arles. Tam ostatecznie rozstrzygnięto oryginalność jego sposobu twórczego i programu artystycznego: „Zamiast starać się dokładnie oddać to, co mam przed oczami, posługuję się kolorem bardziej arbitralnie, aby jak najpełniej wyrazić siebie”. Rezultatem tego programu była próba opracowania „prostej techniki, która najwyraźniej nie będzie impresjonistyczna”. Ponadto Vincent zaczął syntetyzować wzór i kolor, aby pełniej oddać istotę lokalnej przyrody.

Choć van Gogh deklarował odejście od impresjonistycznych metod przedstawiania, wpływy tego stylu były nadal bardzo silnie odczuwalne w jego obrazach, zwłaszcza w przekazie światła i powietrza („Peach Tree in Blossom”, 1888, Kröller-Müller Museum, Otterlo ) lub w użyciu dużych plam kolorystycznych („Most Anglois w Arles”, 1888, Wallraf-Richartz Museum, Kolonia). W tym czasie, podobnie jak impresjoniści, van Gogh stworzył serię prac przedstawiających te same gatunki, osiągając jednak nie dokładne oddanie zmieniających się efektów świetlnych i warunków, ale maksymalną intensywność ekspresji życia natury. Jego pędzel z tego okresu zawiera również szereg portretów, w których artysta wypróbował nową formę sztuki.

Ognisty temperament artystyczny, bolesny pęd ku harmonii, pięknu i szczęściu, a jednocześnie lęk przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają mieniące się słonecznymi kolorami krajobrazy południa („Żółty dom” (1888), „Fotel Gauguina” (1888), „Harvest. Valley of La Crau” (1888, Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam), a następnie w złowrogich, przypominających koszmar obrazy („Cafe Terrace at Night” (1888, Muzeum Kröller-Muller , Otterlo); dynamika koloru i kreski wypełnia duchowym życiem i ruchem nie tylko przyrodę i zamieszkujących ją ludzi („Czerwone winnice w Arles” (1888, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, Moskwa)), ale także nieożywioną przedmiotów („Sypialnia Van Gogha w Arles” (1888, Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam)). Obrazy artysty nabierają dynamiki i intensywności koloru („Siewca”, 1888, Fundacja E. Buerle, Zurych), tragiczne w dźwięku („Nocna kawiarnia”, 1888, Galeria Sztuki Uniwersytetu Yale, sypialnia van Gogha w New Haven w Arles” (1888, Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam).

25 października 1888 roku Paul Gauguin przybył do Arles, aby przedyskutować pomysł stworzenia południowej pracowni malarskiej. Jednak pokojowa dyskusja bardzo szybko przerodziła się w konflikty i kłótnie: Gauguin był niezadowolony z beztroski van Gogha, podczas gdy sam van Gogh był zakłopotany, że Gauguin nie chciał zrozumieć samej idei jednego kolektywnego kierunku malarstwa w imię przyszłości. W końcu Gauguin, który szukał spokoju w Arles dla swojej pracy i go nie znalazł, zdecydował się wyjechać. Wieczorem 23 grudnia, po kolejnej kłótni, van Gogh zaatakował przyjaciela brzytwą w dłoniach. Gauguinowi przypadkowo udało się zatrzymać Vincenta. Cała prawda o tej kłótni i okolicznościach ataku jest nadal nieznana (w szczególności istnieje wersja, w której van Gogh zaatakował śpiącego Gauguina, a ten został uratowany przed śmiercią tylko dzięki temu, że obudził się na czas), ale tej samej nocy Van Gogh przeciął sobie płatek ucha. Według ogólnie przyjętej wersji zrobiono to w przypływie wyrzutów sumienia; jednocześnie niektórzy badacze uważają, że nie była to skrucha, ale przejaw szaleństwa spowodowanego częstym używaniem absyntu. Następnego dnia, 24 grudnia, Vincent został zabrany do szpitala psychiatrycznego, gdzie atak powtórzył się z taką siłą, że lekarze umieścili go na oddziale dla agresywnych pacjentów z rozpoznaniem padaczki skroniowej. Gauguin pospiesznie opuścił Arles, nie odwiedzając van Gogha w szpitalu, po uprzednim poinformowaniu Theo o tym, co się stało.

W okresach remisji Vincent prosił o powrót do pracowni w celu dalszej pracy, jednak mieszkańcy Arles napisali oświadczenie do burmistrza miasta z prośbą o odizolowanie artysty od reszty mieszkańców. Van Gogh został poproszony o udanie się do szpitala psychiatrycznego Saint-Paul w Saint-Remy-de-Provence, niedaleko Arles, gdzie Vincent przybył 3 maja 1889 roku. Tam mieszkał przez rok, niestrudzenie pracując nad nowymi obrazami. W tym czasie stworzył ponad sto pięćdziesiąt obrazów i około stu rysunków i akwareli. Głównymi rodzajami płócien w tym okresie życia są martwe natury i pejzaże, których głównymi różnicami są niesamowite napięcie nerwowe i dynamizm („Gwiaździsta noc”, 1889, Museum of Modern Art, Nowy Jork), kontrastujące kontrastujące kolory i - w niektóre przypadki - użycie półtonów ( Krajobraz z oliwkami, 1889, J. G. Whitney Collection, Nowy Jork; Pole pszenicy z cyprysami, 1889, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork).

Pod koniec 1889 roku został zaproszony do udziału w brukselskiej wystawie „Grupy Dwudziestu”, gdzie twórczość artysty od razu wzbudziła zainteresowanie kolegów i miłośników sztuki. Jednak to już nie podobało się van Goghowi, podobnie jak nie podobał się pierwszy entuzjastyczny artykuł o obrazie „Czerwone winnice w Arles” podpisany przez Alberta Auriera, który ukazał się w styczniowym numerze magazynu Mercure de France w 1890 roku.

Wiosną 1890 roku artysta przeniósł się do Auvers-sur-Oise, miejscowości pod Paryżem, gdzie po raz pierwszy od dwóch lat zobaczył brata i jego rodzinę. Nadal pisał, ale styl jego ostatnich prac zmienił się całkowicie, stając się jeszcze bardziej nerwowy i przygnębiający. Główne miejsce w pracy zajmował kapryśnie zakrzywiony kontur, jakby ściskał ten lub inny przedmiot („Droga wiejska z cyprysami”, 1890, Muzeum Kröller-Muller, Otterlo; „Ulica i schody w Auvers”, 1890, Sztuka miejska Muzeum, St. Louis; „Krajobraz w Auvers po deszczu”, 1890, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, Moskwa). Ostatnim jasnym wydarzeniem w życiu osobistym Vincenta była znajomość z artystą amatorem, dr Paulem Gachetem.

20 lipca 1890 roku van Gogh namalował swój słynny obraz „Pole pszenicy z wronami” (Muzeum Van Gogha, Amsterdam), a tydzień później, 27 lipca, doszło do tragedii. Wychodząc na spacer z materiałami do rysowania, artysta strzelił sobie w okolice serca z rewolweru zakupionego do odstraszania stad ptaków podczas pracy w plenerze, ale kula poszła niżej. Dzięki temu samodzielnie dostał się do pokoju hotelowego, w którym mieszkał. Karczmarz wezwał lekarza, który zbadał ranę i poinformował Theo. Ten ostatni przybył następnego dnia i spędził cały czas z Vincentem, aż do jego śmierci 29 godzin po zranieniu z upływu krwi (o 1:30 w nocy 29 lipca 1890). W październiku 2011 roku pojawiła się alternatywna wersja śmierci artysty. Amerykańscy historycy sztuki Stephen Naifeh i Gregory White Smith zasugerowali, że van Gogh został postrzelony przez jednego z nastolatków, którzy regularnie towarzyszyli mu w lokalach gastronomicznych.

Według Theo ostatnie słowa artysty brzmiały: La tristesse durera toujours(„Smutek będzie trwał wiecznie”) Vincent van Gogh został pochowany w Auvers-sur-Oise 30 lipca. W ostatnią podróż artysta został odprowadzony przez brata i kilku przyjaciół. Po pogrzebie Theo zabrał się do zorganizowania pośmiertnej wystawy prac Vincenta, ale zachorował na załamanie nerwowe i dokładnie pół roku później, 25 stycznia 1891 roku, zmarł w Holandii. Po 25 latach w 1914 r. jego szczątki zostały ponownie pochowane przez wdowę obok grobu Wincentego.

Dziedzictwo

Rozpoznawanie i sprzedaż obrazów

Artysta w drodze do Tarascon, sierpień 1888, Vincent van Gogh na drodze w pobliżu Montmajour, olej na płótnie, 48×44 cm, dawne muzeum w Magdeburgu; uważa się, że obraz zginął w pożarze podczas II wojny światowej

Powszechnym błędem jest przekonanie, że tylko jeden z jego obrazów, Czerwone winnice w Arles, został sprzedany za życia van Gogha. Obraz ten jako pierwszy został sprzedany za znaczną kwotę (na brukselskiej wystawie Grupy Dwudziestu pod koniec 1889 r.; cena za obraz wynosiła 400 franków). Zachowały się dokumenty dotyczące dożywotniej sprzedaży 14 dzieł artysty, począwszy od 1882 r. (o której van Gogh pisał do swojego brata Theo: „Pierwsza owca przeszła przez most”), a w rzeczywistości transakcji powinno być więcej.

Po pierwszej wystawie obrazów pod koniec lat 80. XIX wieku sława van Gogha stale rosła wśród kolegów, historyków sztuki, handlarzy i kolekcjonerów. Po jego śmierci wystawy pamiątkowe zorganizowano w Brukseli, Paryżu, Hadze i Antwerpii. Na początku XX wieku odbyły się retrospektywy w Paryżu (1901 i 1905) i Amsterdamie (1905) oraz znaczące wystawy zbiorowe w Kolonii (1912), Nowym Jorku (1913) i Berlinie (1914). Miało to zauważalny wpływ na kolejne pokolenia artystów. W połowie XX wieku Vincent van Gogh jest uważany za jednego z największych i najbardziej rozpoznawalnych artystów w historii. W 2007 roku grupa holenderskich historyków opracowała „ Kanon Historii Holandii” do nauczania w szkołach, w których van Gogh został umieszczony jako jeden z pięćdziesięciu tematów, obok innych symboli narodowych, takich jak Rembrandt i grupa artystyczna Style.

Wraz z dziełami Pabla Picassa, prace van Gogha są jednymi z pierwszych na liście najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano na świecie, według szacunków z aukcji i prywatnych sprzedaży. Sprzedane za ponad 100 milionów (odpowiednik 2011 r.) obejmują: „Portret dr Gacheta”, „Portret listonosza Josepha Roulina” i „Irysy”. Pole pszenicy z cyprysami zostało sprzedane w 1993 roku za 57 milionów dolarów, co było wówczas niewiarygodnie wysoką ceną, a jego Autoportret z odciętym uchem i fajką został sprzedany prywatnie pod koniec lat 90. Cenę sprzedaży oszacowano na 80-90 milionów dolarów. „Portret doktora Gacheta” Van Gogha został sprzedany na aukcji za 82,5 miliona dolarów. Plowed Field and Ploughman trafiły do ​​sprzedaży w nowojorskim domu aukcyjnym Christie's za 81,3 miliona dolarów.

Wpływ

W swoim ostatnim liście do Theo Vincent przyznał, że ponieważ nie ma dzieci, postrzega swoje obrazy jako potomstwo. Zastanawiając się nad tym, historyk Simon Schama doszedł do wniosku, że „miał dziecko - ekspresjonizm i wielu, wielu spadkobierców”. Schama wymienia wielu artystów, którzy zaadaptowali elementy stylu van Gogha, w tym Willema de Kooninga, Howarda Hodgkina i Jacksona Pollocka. Fauwiści rozszerzyli zakres i swobodę koloru, podobnie jak niemieccy ekspresjoniści z grupy Die Brücke i inni wczesni moderniści. Abstrakcyjny ekspresjonizm lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku jest częściowo inspirowany szerokimi, gestykulacyjnymi pociągnięciami pędzla van Gogha. Oto, co historyk sztuki Sue Hubbard ma do powiedzenia na temat wystawy „Vincent van Gogh i ekspresjonizm”:

Na początku XX wieku van Gogh dał ekspresjonistom nowy język obrazkowy, który pozwolił im wyjść poza powierzchowne widzenie i wniknąć głębiej w istotę prawdy. To nie przypadek, że w tym samym momencie Freud odkrywał również głębię zasadniczo nowoczesnej koncepcji - podświadomości. Ta piękna intelektualna wystawa zapewnia Van Goghowi należne mu miejsce jako pioniera secesji.

oryginalny tekst(Język angielski)
Na początku XX wieku Van Gogh dał ekspresjonistom nowy język malarski, który pozwolił im wyjść poza powierzchowność i wniknąć głębiej w istotne prawdy. To nie przypadek, że w tym samym momencie Freud również zgłębiał tę zasadniczo nowoczesną domenę - podświadomość. Ta piękna i inteligentna wystawa stawia Van Gogha tam, gdzie jego miejsce; jako prekursor sztuki nowoczesnej.

Hubbard, Sue. Vincent Van Gogh i ekspresjonizm. Niezależny, 2007

W 1957 roku irlandzki artysta Francis Bacon (1909-1992) na podstawie reprodukcji obrazu van Gogha „Artysta w drodze do Tarascon”, którego oryginał uległ zniszczeniu w czasie II wojny światowej, napisał cykl swoich prac. Bacona zainspirował nie tylko sam obraz, który opisał jako „natrętny”, ale także sam Van Gogh, którego Bacon uważał za „wyobcowanego, zbędnego człowieka” - stanowisko, które rezonowało z nastrojem Bacona.

Następnie irlandzki artysta utożsamiał się z teoriami sztuki Van Gogha i cytował wersety z listu van Gogha do swojego brata Theo: „prawdziwi artyści nie malują rzeczy takimi, jakie są… Malują je, ponieważ sami tak czują”.

Od października 2009 do stycznia 2010 w Muzeum Vincenta van Gogha w Amsterdamie gościła wystawa poświęcona listom artysty, następnie od końca stycznia do kwietnia 2010 wystawa przeniosła się do Royal Academy of Arts w Londynie.

Galeria

autoportrety

Jak artysta

Dedykowane Gauguinowi

Van Gogh Vincent (Vincent Willem) (1853-1890), holenderski malarz.

W latach 1869-1876. pełnił funkcję komisarza ds. firm artystycznych i handlowych w Hadze, Brukseli, Londynie i Paryżu, w 1876 pracował jako nauczyciel w Anglii.

W latach 1878-1879. był kaznodzieją w Borinage (Belgia), gdzie poznał ciężkie życie górników; ochrona ich interesów doprowadziła Van Gogha do konfliktu z władzami kościelnymi.

w latach 80. 19 wiek zwraca się ku sztuce, uczęszcza do akademii sztuk pięknych w Brukseli (1880-1881) i Antwerpii (1885-1886). Van Gogh z entuzjazmem rysuje ubogich robotników - górników z Borinage, później - chłopów, rzemieślników, rybaków, których życie obserwował w Holandii w latach 1881-1885.

Już w wieku trzydziestu lat Van Gogh postanowił poświęcić się malarstwu. Stworzył cykle obrazów przedstawiających zwykłych ludzi, utrzymanych w ciemnych, ponurych barwach ("Wieśniaczka", "Zjadacze ziemniaków", oba 1885). W początkowym okresie twórczości artysta wykonał również wiele rysunków, w których pojawiają się postacie ludzkie oraz pejzaże (bagna, stawy, drzewa, zimowe drogi itp.). Są pod wpływem francuskiego malarza i grafika J. F. Milleta.

Od 1886 roku Van Gogh mieszka w Paryżu, gdzie dołącza do poszukiwań A. de Toulouse-Lautreca, P. Gauguina, C. Pizarro. Dzięki tym pierwszym kontaktom w jego palecie pojawiają się jasne barwy, światło i kolor zaczynają odgrywać coraz ważniejszą rolę w obrazach.

Pod wpływem malarstwa J. Seurata artysta maluje przez pewien czas osobnymi pociągnięciami dodatkowych kolorów, by wkrótce przejść do prostej i żywej ekspresji kolorystycznej. W tym przypadku Van Gogh idzie za przykładem E. Bernarda i L. Anquetina, czerpiąc inspirację z witraży, w których jasne płaszczyzny kolorów są ograniczone ołowianymi przegrodami, a także z „zaskakującej klarowności” i „pewnego rysunku” Ryciny japońskie („Most nad Sekwaną”, „Portret papa Tanga”, oba 1887).

W lutym 1888 Van Gogh wyjechał na południe Francji, do Arles. Tworzy tu pejzaże mieniące się radosnymi, słonecznymi kolorami południa („Żniwa”, „Dolina La Crot”, „Łodzie rybackie w Sainte-Marie”, „Czerwone winnice w Arles”, całość 1888 itd.), swoim temperamentem uduchawia zwykłe przedmioty („Sypialnia Van Gogha w Arles”, 1888), czasem ulegając napadom samotności i melancholii („Nocna kawiarnia w Arles”, 1888).

W październiku Gauguin przychodzi do artysty. Pod jego krótkotrwałym wpływem Van Gogh napisał „Dance Hall”. Obaj artyści często i gwałtownie się kłócą; jedna taka scena kończy się, gdy Van Gogh okalecza się w szaleństwie, odcinając mu ucho. Przyjaciele rozchodzą się.

Kolor w pracach Van Gogha staje się jeszcze jaśniejszy, impresjonistyczne migotanie ustępuje miejsca niemal monochromatycznym obrazom, na których pojawiają się albo niekończące się plaże, albo szerokie bruzdy pól - zarówno kolor, jak i forma przedmiotu. Van Gogh zwraca się ku światłu, którego nie można nazwać po prostu światłem dziennym – ma ono niewątpliwy odcień nadprzyrodzony, artysta poszukuje coraz bardziej prawdziwego wyrazu tajemnicy człowieka i wyróżnia się z ogólnego nurtu impresjonizmu bolesnym pragnienie duchowości.

Wysiłek sił i długie studia pod skwierczącym słońcem Arlezji doprowadziły do ​​tego, że ostatnie lata życia Van Gogha komplikowały napady choroby psychicznej. 1889-1890 przebywa w szpitalu w Arles, potem w Saint-Remy i Auvers-sur-Oise, gdzie 29 lipca 1890 popełnia samobójstwo.

Prace ostatnich dwóch lat tchną mrocznym, ciężkim nastrojem („U bram wieczności”, „Droga z cyprysami i gwiazdami”, „Krajobraz nad Auvers po deszczu”, całość 1890).

Twórcze życie artysty nie trwało długo - około dziesięciu lat, ale w tym czasie powstało około 2200 prac.