Współrzędne GPS: 51° 29" 27"" N, 0° 07" 38"" W
Adres: Millbank, Londyn SW1P 4RG
Narodowe Muzeum Sztuki, zawierające największą na świecie kolekcję sztuki angielskiej od XVI do XX wieku. Główny budynek to tzw Tate Britain i znajduje się na północnym brzegu Tamizy, na południe od mostu Vauxhall. W muzeum znajduje się również kolejna galeria sztuki współczesnej. Tate Modern, położony na południowym brzegu Tamizy naprzeciwko.
Galeria została założona przez angielskiego magnata cukrowego Henry'ego Tate'a na bazie własnej kolekcji angielskich artystów i otwarta 21 lipca 1897 roku w budynku zaprojektowanym przez Sydneya Smitha. Zawierał również obrazy z South Kensington Museum, kolekcję Vernona i kilka obrazów George'a Fredericka Wattsa dostarczonych przez samego artystę.
Z biegiem czasu budynek był wielokrotnie uzupełniany i otwierano w nim nowe hale dla nowo pozyskanych prac. W 1917 r. rozpoczęto tworzenie ekspozycji współczesnych autorów zagranicznych. W 1988 roku otwarto filię w Liverpoolu. A w 2000 roku w budynku dawnej elektrowni nad brzegiem Tamizy otwarto galerię Tate Modern, w której znalazły się dzieła XX wieku. Następnie stara galeria została przemianowana na Tate Britain.
W Tate Britain prezentowana jest twórczość autorów szkoły angielskiej przez cały okres jej istnienia, poczynając od Johna Bettsa („Portret mężczyzny w czarnym kapeluszu” – 1545) i Hansa Holbeina młodszego. Szeroko reprezentowani są autorzy tacy jak William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, William Blake, John Constable, a także najbardziej kompletna kolekcja Josepha Mallorda Williama Turnera w osobnej Galerii Clore.
Najbardziej znaczący zbiór obrazów romantyków epoki wiktoriańskiej, w szczególności Bractwa Prerafaelitów: John Everett Millais („Ofelia” - 1850), Dante Gabriel Rossetti („Zwiastowanie” - 1850, „Beate Beatrix” - 1864) , William Holman Hunt („Klaudio i Izabela” - 1850). Z zagranicznych autorów reprezentowani są: Claude Monet, Vincent van Gogh, Camille Pissarro, Paul Cezanne i inni, a także rzeźby Auguste'a Renoira, Aristide Maillol.
Dotyczący Galerie sztuki współczesnej Tate Modern, to zawiera jedną z najlepszych kolekcji surrealizmu na świecie: Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte, Joan Miro. Znacząca kolekcja amerykańskiego ekspresjonizmu abstrakcyjnego: Paul Jackson Pollock, Mark Rothko (Rothko Room with Nine Seagram Murals). Współczesne malarstwo angielskie reprezentują dzieła Stanleya Spencera, Bena Nicholsona, Paula Nasha, Francisa Bacona, Andy'ego Warhola i innych.Szeroko reprezentowani są także artyści rosyjscy: Naum Gabo, Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz.
Galerii Tate w Londynie pierwotnie stworzony jako wystawa wyłącznie malarstwa brytyjskiego, został założony przez Henry'ego Tate'a w 1897 roku. Jako właściciel Tate & Lyle, dorobiwszy się fortuny na handlu cukrem (a raczej dzięki wynalezieniu waty cukrowej), postanowił zainwestować w sztukę, gdyż bardzo cenił malarstwo wiktoriańskie.
W ciągu stulecia istnienia dzieł sztuki zgromadzono ich tak wiele, że od 2000 roku przeznaczono osobny budynek na kolekcję sztuki współczesnej – galeria Tate Modern(Tate Modern).
Aby nie pomylić nazw, stara galeria, reprezentująca wyłącznie sztukę angielską, stała się znana jako „Tate Britan”.
Kolekcja Tate Britain przedstawione w porządku chronologicznym, od 1500 do współczesności. W każdym okresie są sekcje tematyczne, takich jak „Wiktoriańskie okulary”, „Wynalezienie Wielkiej Brytanii”, „Kult młodości” i inne. Tematy zmieniają się mniej więcej raz do roku.
Portrety władców i sławnych ludzi swoich czasów (w tym pędzle zaproszonych Holendrów), obrazy z życia Anglików, romantyczne fantazje, mistyczne ryciny i akwarele (mistycyzm zawsze był czczony przez mieszkańców mglistego Albionu) - zobaczysz wszystko to w galerii.
Budynek Clore mieści największy na świecie zbiór obrazów W. Turnera- około 300 obrazów, które sam przekazał narodowi. Jego twórczość jest na dużą skalę: od historycznych płócien o Hannibalu przekraczającym Alpy po pejzaże w duchu impresjonistów (ale napisane pół wieku przed nadejściem tego kierunku sztuki).
Galeria Tate w Londynie jest klasyczna i wyluzowana, ale dzieci nie będą się tutaj nudzić. Stale trzymany wykłady rodzinne, oprowadzania tematyczne, opowiadane są historie poszczególnych płócien, a nawet obrazy „ożywiane” efektami dźwiękowymi.
Albo na przykład gra Znajdź krąg”- kto znajdzie więcej kręgów i to nie tylko na obrazach, ale także na drzwiach, ścianach, a nawet suficie.
W weekendy i święta Tate Gallery ma ciekawą rozrywkę - o 12.00 i 17.00 tzw. wózek artystyczny". Zawiera gry i inne ciekawe rozrywki, związane tematycznie z ekspozycjami galerii, interesujące zarówno dla dorosłych, jak i dla dzieci.
Informacja o tym, w jakich zajęciach Tate Britain mogą dziś uczestniczyć dzieci, znajduje się przy wejściu do muzeum oraz na stronie internetowej.
Strona internetowa http://www.tate.org.uk/britain/
Godziny otwarcia:
codziennie 10.00 - 18.00, ostatnie wejście 17.15, pierwszy piątek każdego miesiąca do 22.00
Wstęp jest bezpłatny, koszt biletu na wystawy sezonowe jest płatny.
Adres:
Millbank, Londyn SW1P
Metro: Pimlico, Vauxhall
Autobusy: 2, 3, 36, 77A, 88, 159, 185, 507
Między galeriami Tate Britain" oraz " Tate Modern”, znajduje się na różnych brzegach Tamizy bezpośrednia komunikacja rzeczna statki Thames Clipper Company. Loty odbywają się co 40 minut z Bankside Pier do Millbank Pier z jednym przystankiem po drodze.
Rozkłady jazdy oraz informacje o cenach biletów można znaleźć na stronie rzecznej spółki www.thamesclippers.com
Tate Gallery (Londyn, Wielka Brytania) - ekspozycja, godziny otwarcia, adres, telefony, oficjalna strona internetowa.
- Gorące wycieczki do Wielkiej Brytanii
Poprzednie zdjęcie Następne zdjęcie
Osobista kolekcja, należąca niegdyś do przemysłowca Sir Henry'ego Tate'a, stała się podstawą największej na świecie kolekcji dzieł sztuki angielskiej XVI-XX wieku - Tate Gallery. Jego oryginalna nazwa to Galeria Sztuki Brytyjskiej.
Wystawa galerii Tate
Ekspozycja galerii jest doskonale przystosowana: prezentowane w niej dzieła są ściśle ułożone chronologicznie, począwszy od roku 1500, aw każdym z okresów tworzone są działy tematyczne. Systematycznie, mniej więcej raz do roku, zmienia się zestaw tematów, co zwiększa zainteresowanie prezentowanym tu zbiorem.
W galerii zobaczyć można wiele portretów znanych osób i monarchów, obrazy przedstawiające życie Brytyjczyków z różnych warstw społecznych, romantyczne pejzaże, obrazy mistyczne, liczne grafiki i akwarele. Wiele uwagi poświęca się małym gościom tej dużej galerii. Wykłady tematyczne, zajęcia edukacyjne, zabawy rozwijające poczucie piękna – to wszystko odbywa się systematycznie, informacje można uzyskać zarówno na stronie internetowej, jak i przy wejściu do muzeum.
Wstęp do muzeum jest bezpłatny, z wyjątkiem niektórych wystaw specjalistycznych.
Galeria Tate Modern
Rok 2000 stał się bardzo ważny w życiu galerii: kolekcja Tate Britain stała się tak obszerna i różnorodna, że została logicznie podzielona na dwie ekspozycje. Klasyczne dzieła pozostały w starym budynku na Trafalgar Square, a dział sztuki nowoczesnej przeniósł się na drugą stronę Tamizy na teren dawnej elektrowni i bardzo szybko stał się kultowym miejscem we współczesnym Londynie – i stał się znany jako Tate Nowoczesna galeria. Ogromna hala turbin okazała się doskonałym miejscem na różnego rodzaju wystawy, performansy i instalacje. W nowej sali obrazy prezentowane są również tematycznie, a już w ramach tematycznych prezentowane są różne style i gatunki dzieł sztuki. Tutaj możesz zobaczyć wszystkie ruchy artystyczne, które istniały od XIX wieku, posłuchać tematycznej wycieczki, a dodatkowo podziwiać zachwycającą panoramę Londynu, która otwiera się z okien kawiarni znajdującej się na ostatnim piętrze.
Ciekawostką jest to, że do zarobienia pieniędzy na stworzenie kolekcji, która zapoczątkowała powstanie słynnej galerii, Henry'emu Tate'owi umożliwiło wynalezienie waty cukrowej i powszechna sprzedaż tego uwielbianego przez dzieci przysmaku.
Lokalizacja
Nowoczesna Galeria Tate znajduje się na południowym brzegu Tamizy w Bankside, bardzo blisko Globe Theatre, blisko mostu Blackfriars i naprzeciwko katedry św. Pawła.
Adres Galerii Tate: SW1P 4RG, Londyn, Millbank, Tate Britain. Witryna internetowa: www.tate.org.uk.
Godziny otwarcia: codziennie 10:00-17:50, w każdy pierwszy piątek miesiąca muzeum czynne do 21:00. W dniach 24, 25, 26 grudnia muzeum jest nieczynne.
Dedykowana łódź kursuje co 40 minut między Tate Modern, London Eye i British Tate. Metro: Muzeum znajduje się 600 metrów od stacji metra Pimlico, Victoria Line lub 850 metrów od stacji Vauxhall. Autobus: Obszar obsługiwany jest przez sporo linii autobusowych: 2, 3, C10, 36, 77A, 88, 159, 185, 436 i 507.
Stacja kolejowa Voksol znajduje się 850 m od muzeum, Victoria Station 1500 m.
7 maja 2014 09:28
W niespełna pięć dni w stolicy Wielkiej Brytanii udało mi się zwiedzić, w tym dziewięć muzeów. O jednym z nich – galerii Tate Modern – opowiem w tym poście. Otóż, żeby nie straszyć pełnoprawną sztuką, opowieść będzie rozwodniona refleksjami na temat zmieniającego się architektonicznego wyglądu miasta, nocnymi zdjęciami, lekkim odchyleniem w stronę Pink Floyd i ulubionej okładki płyty, a także rozmowa o gospodarce i ciężkie myśli o tym, w co warto inwestować. ciężko zarobione miliony.
Tate Modern mieści się w dawnej elektrowni Bankside na południowym brzegu Tamizy.
Architektem budynku jest Sir Giles Gilbert Scott, który zaprojektował także katedrę w Liverpoolu (o czym będzie mowa osobno), most Waterloo, projekt słynnej czerwonej budki telefonicznej i, co ważniejsze, Battersea Power Station, elektrownię węglową roślina, która zasłynęła po tym, jak pojawiła się na okładce legendarnego albumu Pink Floyd Animals
Kiedyś bardziej przyjaźniłem się z The Floyds – jednym z moich ulubionych zespołów z młodości – ale ostatnio Waters naprawdę spieprzył swoje wezwania do wszystkich muzyków do bojkotu Izraela i czuję, że wkrótce będę musiał bojkotować ich grupę w odpowiedzi. Może jednak umrze wcześniej i oszczędzi mi to oglądania jego aroganckiej gęby w wiadomościach. Jednak trochę się pomęczę.
Elektrownia Battersea pojawiła się także w wielu innych dziełach kultury – np. w filmie Beatlesów Help!, kultowym angielskim serialu Doctor Who, odcinku Sherlocka „A Scandal in Belgravia”, w brytyjskiej wersji filmu 1984 , a nawet w filmie o Batmanie „The Dark Knight” (Dark Knight). Pierwszy „publiczny” występ elektrowni w kinie miał miejsce już w 1936 roku w filmie Alfreda Hitchcocka „Sabotaż”. Jak się okazało, Hitchcock, a potem znalazł się przed resztą)
Wracając do naszej działalności, jedynym zastrzeżeniem, jakie architekt poczynił w stosunku do elektrowni Bankside, było to, że jej komin był niższy niż iglica katedry św. Pawła naprzeciwko.
O katedrze nie będę się rozpisywać - jakoś nie jest to comme il faut, ale pokażę kilka zdjęć.
Każdy chyba wie, że w ostatnich latach z katedry św. Paul, znajdujący się na jednym brzegu, został poprowadzony do Tate Modern na drugim brzegu przez Millennium Bridge. Kiedy dokładnie powstał most, mam nadzieję, że nie trzeba wyjaśniać)
Notabene podczas mojej ostatniej wizyty w Londynie (2003) ten most wywołał u mnie straszną panikę (boję się wysokości, mostów, wody, ludzi i w ogóle wszystkiego - typowy Żyd w ogóle), ale ta wizyta było jakoś bezpieczniej. Imponująco chodziłem po moście, a nawet zrobiłem z niego kilka kadrów, co na pewno wam zademonstruję.
Oto widok z Millennium Bridge na współczesny Londyn. W centrum widać Tower Bridge, którego mam nadzieję przedstawiać nie trzeba. Po prawej - The Shard lub "Shard". Najwyższy budynek w Londynie (306 metrów), a do niedawna najwyższy budynek w Europie (obecnie palmę trzyma Mercury Tower w Moskwie). Jak wszystkie drapacze chmur w Londynie, wygląda okropnie iw ogóle nie na temat, zwłaszcza biorąc pod uwagę fakt, że tysiącletnia Wieża znajduje się bardzo blisko. Budowa Odłamka wywołała wiele kontrowersji, ale wygrały pieniądze i teraz ci, którzy udają się do starożytnej Białej Wieży, mogą oglądać chaos współczesnego Miasta bez wychodzenia z kasy biletowej.
Po lewej stronie są okropniejsze drapacze chmur. W centrum – 122 Leadenhall Street, popularnie nazywana „Tarką do Sera” (u Brytyjczyków wszystko jest w porządku z humorem – w przeciwieństwie do wyczucia krajobrazu). 225 metrów, czwarty najwyższy w Londynie. Brzydkie jak moje życie. Otwarty właśnie w dniach mojego pobytu w mieście. Po lewej w trakcie kompletowania kolejnego dziwaka, popularnie zwanego Voki-Toki (Radio). 160 metrów, piąty najwyższy wieżowiec w Londynie. Okropny, a o słynnym ogórku nawet nie będę opowiadał (na szczęście nie widać go na tych zdjęciach, dzięki wszystkim świętym).
W ogóle nie chciałem tutaj poruszać tego tematu – o współczesnym London City będzie osobny wpis – ale wygląda na to, że podobnie jak w przypadku Nowego Jorku nikt nie był poważnie zaangażowany w planowanie tych megamiast. Kiedyś rozmawialiśmy na ten temat z moim kuzynem, kiedy byłem w Ameryce, i powiedział, że w Nowym Jorku nikt nie pomyślał, jak jeden budynek będzie wyglądał obok drugiego (w przeciwieństwie do np. San Diego). Wszystkie style z rzędu po prostu uderzyły, a teraz miasto wygląda absolutnie chaotycznie - . To samo uczucie powstaje w Londynie. To tysiącletnia Wieża, czyli gotycki kościół, a obok szklany wieżowiec lub ceglany kadłub. Czasami można zobaczyć całe ulice w tym samym stylu, ale jest to bardzo rzadkie. Nie odbiera to jednak uroku stolicy Wielkiej Brytanii – Londyn nabiera innego.
Cóż, jeszcze wrócimy do sztuki wysokiej i przejdziemy mostem z katedry św. Paweł
Do Tate Modern. To wszystko było tylko preludium – w przeszłości nie raz słyszałem, że sztuka ludzi jest męcząca i że nie należy być zbyt elitarnym i wyniosłym, dlatego postanowiłem trochę pokazać otoczenie i omówić pilne sprawy. Ale teraz wyjmijcie poduszki, bo wchodzimy do muzeum!
Nawiasem mówiąc, budynek stacji węglowej przez wiele lat był zagrożony wyburzeniem, aż zamieniono go w najsłynniejsze muzeum sztuki nowoczesnej na świecie. Obecnie zachodzą duże zmiany, a do starego budynku dodawane jest nowe, ultranowoczesne skrzydło.
Tutaj trochę lepiej widać projekt - biały budynek tuż za rurą. Wygląda nieźle, ale w kompleksie będzie jak z całym nowym Londynem – zupełnie nie na temat. Kontrast starego i nowego oraz kompletne pomieszanie stylów nie działa w tym mieście, IMHO.
Cóż, teraz wszystko dotyczy samego muzeum. Obecnie Tate Modern gości niezwykle popularną wystawę Matisse'a (pomimo niemiłej ceny). Naoglądałem się jednak Matisse'a w Kopenhadze - opowiem więc o stałej kolekcji muzeum. Ponadto zawiera jeden z najdroższych obrazów świata – Akt, zielone liście i popiersie autorstwa Picassa.
Obraz, który przedstawia Marię Teresę, Walter Picasso namalował w 1932 roku - w jeden dzień. W 2010 roku został niedawno sprzedany za 106 (!) milionów dolarów (w ostatnich latach wydaje się, że handel sztuką jest bardziej opłacalny niż ropą naftową). Jest to jednocześnie najwyższa cena uzyskana na aukcji. Uważa się, że ten obraz symbolizuje szczyt twórczej energii artysty.
Kolejny portret Marie-Therese Walter, „Naga kobieta w czerwonym fotelu”. Tutaj kobieta jest przedstawiona jako suma zmysłowych kręgów. Nawet podłokietniki krzesła są specjalnie wysokie, aby podkreślić okrągłe kształty. Twarz można postrzegać albo jako metamorfozę dokonującą się z postacią, albo jako postać podwójną – prawą stronę można zinterpretować jako twarz kochanka całującego kobietę w usta.
Picasso jest ogólnie dobrze reprezentowany w Tate Gallery (jednak Hiszpan był płodnym artystą i jest dobrze reprezentowany w dziesiątkach muzeów na całym świecie, w tym w Izraelu. Z jakiegoś powodu jest najgorzej reprezentowany w Muzeum Picassa w Barcelonie) . Jeden z jego najsłynniejszych obrazów – Guernica (jeszcze jej nie widziałem) – stał się symbolem okropności II wojny światowej. Następnie przez wiele miesięcy Picasso malował kontynuacje obrazów na podstawie postaci z Guernicy. Mural przedstawiający nazistowskie bombardowanie hiszpańskiego miasta przedstawia płaczącą kobietę trzymającą martwe dziecko. Ten kolejny obraz jest ostatnim z serii, najbardziej szczegółowym i szczegółowym. Modelką była Dora Maar, kolejna kochanka Picassa.
Kolejny „portret” Dory Maar, namalowany 5 maja 1944 r. Złożona konfiguracja oddaje atmosferę ostatnich miesięcy okupacji Paryża przez nazistów. Napięcie i sztywność to główne uczucia, które Picasso próbował wyrazić na tym płótnie. Ponadto deportowano dwóch najbliższych żydowskich przyjaciół artysty – poetów Roberta Desnosa i Maxa Jacoba. Desnos zmarł później na tyfus w obozie koncentracyjnym w Terezinie, a Jacob, który również był homoseksualistą, zmarł w obozie Drancy. Jest jednak iskierka nadziei - w marcu Dora Maar wraz z Sartre'em i Simone de Beauvoir wzięła udział w sztuce Picassa wystawionej przez Alberta Camusa. Na ten temat Picasso uważam za otwarty, w końcu tylko jego obraz, który lubię - „Trzech tancerzy”.
Ten obraz jest wspomnieniem Picassa o trójkącie miłosnym, który zakończył się samobójstwem jego przyjaciela Carlosa Casagemasa. Na płótnach tryskających energią, miłość, seks i śmierć przeplatają się w ekstatycznym tańcu. Tancerz po lewej jest na ogół w stanie dionizyjskiego szaleństwa. Jej twarz symbolizuje maskę z Nowej Gwinei, co wskazuje na związek Picassa ze sztuką afrykańską i jego wpływ - zwłaszcza we wszystkich aspektach seksualności i autoekspresji - na artystę.
Cóż, teraz o wszystkim w porządku. Debata na temat sztuki współczesnej jest w zasadzie odwieczna. W moich postach też zdarzało się dyskutować - - szczególnie jeśli chodzi o Warhola czy Basquiata. Mondrian, którego zdjęcie zaprezentowano powyżej, również dla wielu jest zagadkowy. Niektóre kwadraty, które w rzeczywistości nie wymagają specjalnych umiejętności do rysowania (nawiasem mówiąc, jeden z jego najsłynniejszych obrazów znajduje się w naszym muzeum sztuki w Tel Awiwie). Mimo to Holender jest jednym z najbardziej znanych i poszukiwanych artystów naszych czasów. Więc jaki jest pomysł?
W okresie międzywojennym artyści rozwinęli nowe formy sztuki abstrakcyjnej, oparte na idealizmie estetycznym i pragnieniu stworzenia bardziej idealnego społeczeństwa. Mondrian i inni artyści żyjący w epoce niekończących się wojen i rewolucji zostali zmuszeni do odejścia od indywidualizmu i zwrócenia się ku harmonii geometrycznych kształtów. To właśnie tego rodzaju kwadraty i linie stały się dla wielu artystów idealną formą nowego świata. Nahum Gabo (Nechemia Berkovich Pevzner), jeden z przywódców konstrutynizmu, który doświadczył wszystkich uroków rewolucji rosyjskiej, stwierdził, że „dekonstrukcja materii, jaka dokonała się w naszych czasach, nie pozbawia nas optymizmu, gdyż wkraczamy w nową erę zwaną odbudową”.
Zmiany zaszły także w inżynierii, architekturze, a zwłaszcza w rzeźbie (widać to dziś wszędzie – od Tumarkina na Placu Rabina po Henry'ego Moore'a). Jeśli chodzi o samą sztukę, to powściągliwość i precyzja form zastąpiły szaleństwo koloru. W obrazach zaczęła dominować biel, jako symbol czystości i niewinności (także główny kolor całej nowoczesnej architektury, której ojcem był La Corbusier).
Odnośnie dwóch powyższych obrazów - Zgodnie z obowiązującymi trendami Mondrian zdecydował się ograniczyć swoją paletę do kolorów podstawowych. Mimo pozornej przypadkowości artysta dążył do "dynamicznej równowagi". Wszystkie linie, choć nie dzielą przestrzeni na wyraźne i równe części, mają wyraźny cel i przeznaczenie.
„Drzewo” – rzekomo nie do końca standardowy obraz Mondriana. Jednak i tutaj artysta zamienia coś żywego w wyraźną, jednolitą formę. Gałęzie i pień są zredukowane do sieci pionów i poziomów, próbując wskazać porządek w naturze. „Chcę dotrzeć do sedna sprawy i dopóki to się nie stanie, zamierzam zamienić wszystko – nawet najbardziej żywe elementy w abstrakcję” – powiedział Mondrian.
Formy w formach, czyli odbicie obrazu w obrazie. Moja próba stworzenia ramki ze znaczeniem.
Ta świetlna instalacja powstała pod bezpośrednim wpływem Mondriana. Artysta był zachwycony wyraźnymi geometrycznymi formami Holendra, jednak zdecydował się na wprowadzenie wcześniejszych wpływów innych mistrzów – w tym przypadku ekspresjonizmu i koloru.
Jak się okazało, Diego Rivera rysował także wszelkiego rodzaju absurdy. Meksykański artysta, zajmujący się głównie produkcją wielkoformatowych realistycznych murali o tematyce komunistycznej i figlami z licznymi kobietami, był pod wpływem kubizmu i Jun Gris, mieszkając w Paryżu w latach 1913-1917. Na szczególną uwagę zasługuje obecność na zdjęciu okładki książki Nietzschego „Wesoła nauka”, w której zapowiada on śmierć Boga. Znaczenie interpretuje się dwojako – ktoś twierdzi, że Rivera ogłasza w ten sposób albo śmierć starego ustroju w epoce wojny i rewolucji, albo śmierć dawnej sztuki na rzecz nowych nurtów i trendów.
Żadne muzeum nie może się teraz bez niego obejść - Francis Bacon. Niemal wszystkie obrazy Bacona są próbą zgłębienia człowieka i jego duszy. Na tym zdjęciu twarz jest zniekształcona, więc nie możemy określić tożsamości osoby. W przeciwieństwie do Mondriana na obrazach Bacona panuje kompletny chaos – w tym konkretnym portrecie oprócz deformacji twarzy możemy zaobserwować również deformację przestrzeni. Kontury pudełka lub pudła (znak firmowy Bacona), w którym umieszczona jest postać, symbolizują ludzką istotę we współczesnym świecie, w którym ponownie zapanował chaos, w którym dominuje izolacja i klaustrofobia.
Leon Kossof - "Człowiek siedzący na wózku inwalidzkim". Ostatnio coraz bardziej podoba mi się ten Żyd z Rosji, który uciekł do Wielkiej Brytanii. Kossof należy do szkoły londyńskiej – powojennego nurtu angielskich malarzy, którzy pracowali nie tylko w stylistyce sztuki abstrakcyjnej, ale także zwrócili się ku tradycyjnej, figuratywnej formie sztuki.
Lee Krasner jest żoną słynnego amerykańskiego artysty Jacksona Pollocka. Ponieważ większość czasu spędzała na swoim szalenie utalentowanym, ale zupełnie nieszczęśliwym mężu, jej obrazy są znacznie mniej znane. Obraz nosi tytuł „Pejzaż gotycki” – oczywiście dlatego, że pionowe linie, które dominują na środku płótna, można postrzegać jako drzewa. Obraz został namalowany po śmierci jej męża w 1956 roku i wielu uważa, że okrutne, szorstkie i wyraziste pociągnięcia odzwierciedlają żal artystki. A oto sam Pollock.
To Pollock opracował system rysowania bez dotykania płótna (co rozzłościło wszystkie feministki tego świata – lepiej przemilczę powód). To właśnie ta metoda, według niego, uczyniła go wolnym i bardziej intuicyjnym w stosunku do własnego „ja”. W przypadku tego obrazu Pollock po prostu wylał czarną farbę na płótno, a następnie uniósł je, pozwalając farbie spłynąć i przybrać abstrakcyjną formę. Potem dodał żółty i fioletowy.
Marek Rothko. Szczerze mówiąc, mam trudności z tym artystą). Obraz powstał pod wpływem Michała Anioła (??). Artysta uważał, że widz powinien całkowicie wtopić się w obraz i dopiero wtedy nadejdzie jakaś świadomość lub zrozumienie, ale czy zewnętrzne bodźce nie pozwoliły mi na tę duchową jedność, czy też jestem w tym przypadku zbyt krytyczny, nie wiem. nie wiem.
Trochę surrealizmu i mój ulubiony De Chirico. Nawiasem mówiąc, obraz przypomina mi „Czerwoną Wieżę” w Muzeum Guggenheima. Nazywa się „Niepewność poety”. Sam De Chirico określał swoje obrazy jako „metafizyczne” – umiejętność łączenia w jednej kompozycji scen z życia codziennego i fantazji o starożytnym świecie, tworząc w ten sposób bardzo złożoną „rzeczywistość fantastyczną”. Surrealiści uwielbiali tego rodzaju tajemnicze obrazy ze zniekształconą perspektywą. „Te kwadraty są bardzo podobne do istniejących kwadratów, a jednak nigdy nie widzieliśmy czegoś podobnego. Znajdujemy się w niezrozumiałym świecie” - powiedział poeta Paul Eluard. Abyś wcale nie był zdezorientowany - kolejny Kiriko.
Tutaj tytuł wyjaśnia więcej - "Melancholia rozstania") Okno i mapa z wykropkowaną trasą podpowiadają podróż i próbę ucieczki z zamkniętego, klaustrofobicznego studia. Chirico, Włoch mieszkający w Grecji, czuł się odcięty od otoczenia i porównywał się do Argonautów ze słynnego greckiego mitu. Ich podróż wydawała mu się wieczną samotnością, przemierzaniem bezkresnych oceanów.
A ten obraz został namalowany pod wpływem Chirico przez Anglika Tristrama Hilliera, który podobnie jak Nan i Wadsworth uwielbiał tajemnicze postacie grecko-włoskiego. Ogromna kotwica jest uderzająca i skłania do zastanowienia się nad znaczeniem tego dziwnego pomnika. Cóż, skoro mówimy o surrealistach, nie ma dokąd pójść bez głównego.
„Metamorfozy Narcyza”. Nie mogę nawet próbować wyjaśnić obrazów Dali. Jeszcze dwa, aby naprawić temat i przejść dalej.
Jesienny kanibalizm. Narysowany tuż po rozpoczęciu hiszpańskiej wojny domowej w 1936 roku. Przedstawia parę w rodzaju kanibalistycznego aktu. Siedzą na stole, który wtapia się w kolory typowego hiszpańskiego krajobrazu. Konflikt odzwierciedla kształt jabłka, nawiązanie do legendy Williama Tella, w której ojciec został zmuszony do zastrzelenia własnego syna.
Na tym obrazie widać całą dwoistość symboli Dali: Rzekę można też postrzegać jako rybę – dwoistość mającą na celu zwątpienie w racjonalność tego, co się dzieje. Płótno ma implikacje zarówno osobiste, jak i publiczne: rodzice Dali odwiedzili tę rzekę po śmierci ich pierwszego dziecka, również o imieniu Salvador, i wierzono, że artysta był nawiedzany przez obraz swojego zmarłego brata, którego nigdy nie widział. Ponadto odłączony telefon symbolizuje związek między brytyjskim premierem Chamberlainem a Hitlerem po aneksji Sudetów w 1938 roku.
Kolejny obraz o wpływie nazizmu. Max Ernst - Całe miasto. Miasto pochyla się nisko pod jasnym księżycem, wyrażając pesymizm w związku z nazistowskim przejęciem Niemiec. Wykorzystując nową technikę - Scrapping, "scraper", Ernst pokazuje zrujnowany krajobraz, zatłoczone miasto bez ludzi i bez optymizmu.
Możesz pomyśleć, że to Basquiat, ale nie. Po prostu obraz, który mi się podobał, dobrze odzwierciedlający wpływ afrykańskich mitów na sztukę zachodnią.
A to tylko fajne zdjęcie zrobione przez ormiańskiego fotografa Sarkisjana podczas wojny w Syrii. Podobał mi się ogromny napis "TsUM" na środku Aleppo)) Pod nim jest kolejny rosyjski sklep - szkoda, że nie widać go na tym zdjęciu)
A to Matisse z wystawy stałej. Ładny, cichy, spokojny portret. Przedstawiona jest Greta Moll - ona i jej mąż Osacre byli jednymi z pierwszych dziesięciu studentów Akademii Sztuk Pięknych Matisse'a. podaję tutaj jako kontrast)
Moim ulubieńcem jest Emil Nolde. Artysta namalował ten pejzaż morski podczas pobytu na wyspie Sylt w Niemczech. Wyraziste pociągnięcia pędzla i jasne kolory kakbe nawiązują do zbliżającej się burzy. W swoich wspomnieniach Nolde napisał: „Chciałem jeszcze raz zobaczyć morze w całej jego dzikiej okazałości. Burzowe chmury, burza wlewająca się do morza - mam sześć takich pejzaży, nad którymi pracowałem w stanie całkowitej ekstazy”. Dużo pisałem o Nold podczas podróży do Skandynawii -. Nawiasem mówiąc, w tym linku o najlepszym muzeum na świecie jest też o Chirico, o Mondrian io wielu innych. Polecić.
Moim ulubieńcem jest Paul Klee. Szereg trójkątnych żagli zamykających się w sobie tworzy pojedynczą linię łodzi w eleganckim, falistym ruchu. Rytmiczna kompozycja przypomina schemat narysowany przez Klee w jednym z jego wykładów o Bauhausie, w którym mówił o „aktywnej linii ograniczonej w ruchu punktami stałymi”. O jego Aniele Historii, który jest również przechowywany w naszym Muzeum Izraela, pisałem też nie raz -.
Leonora Carrington. Obraz nazywa się Elohim – Bóg po hebrajsku. Artystka miesza tradycyjne irlandzkie mity, które jej niania opowiadała jej jako dziecko, ze światem wymyślonym przez jej matkę. Ale przede wszystkim na jej obrazach często można zobaczyć mitologiczne stworzenia. I wreszcie - kilka plakatów z naszych ukochanych czasów sowieckich)
Nawiasem mówiąc, w tym roku w Tate Modern odbędzie się retrospektywa malarstwa Kazimierza Malewicza
Tak więc temat rosyjsko-radziecki w muzeum jest doskonale przedstawiony
Treść artykułu
GALERIA TATE(Tate Gallery) – państwowe muzeum narodowe w Londynie, które przechowuje ponad sześćdziesiąt tysięcy dzieł sztuki: malarstwa, rzeźby, rysunków, rycin. Dzieli się na dwie części: brytyjską Tate Gallery (Tate Britain) lub starą Tate Gallery, która jest zbiorem malarstwa angielskiego z XVI-XIX wieku. i obcą sztukę XIX wieku oraz Tate Modern Gallery - sztukę europejską i amerykańską od 1900 roku do współczesności.
Trzon kolekcji Tate Gallery stanowi prywatna kolekcja obrazów angielskich artystów Sir Henry'ego Tate'a (1819–1899). Galeria została otwarta 21 lipca 1897 roku.
W czasie II wojny światowej budynek galerii został poważnie uszkodzony w wyniku nalotów. Kolekcja została wcześniej ewakuowana. Muzeum zostało w pełni otwarte dla zwiedzających w 1949 roku.
Galeria była kilkakrotnie przebudowywana. W 1926 r. w nowym gmachu umieszczono kolekcję malarstwa obcego. W 1979 r. – otwarcie pomieszczeń na kolekcję sztuki współczesnej. W 1987 r. - otwarcie Galerii Clore, specjalnie zbudowanej dla dzieł Turnera (1775-1851), który przekazał swoje płótna Anglii pod warunkiem, że wszystkie zostaną zachowane jako jedna wystawa. Sir Charles Clore (1904–1979) zapewnił fundusze na budowę galerii.
Nowoczesna Galeria Tate została otwarta w maju 2000 roku. Budynek został przerobiony z elektrowni zbudowanej w latach 30. XX wieku w centrum miasta, naprzeciw kościoła św. Paweł. Zachowując zewnętrzną część elektrowni, architekci całkowicie przeprojektowali wnętrze i dodali szklany i stalowy dach.
Współczesny Tate odszedł od tradycyjnego układu prac w porządku chronologicznym. Kolekcja składa się z czterech dużych działów: „Martwa natura, przedmiot, życie realne”, „Pejzaż i otoczenie”, „Malarstwo historyczne”, „Akt, akcja, ciało”. Autorzy ekspozycji łączą różne kierunki: twórczość dawnych mistrzów ze współczesnymi, malarstwo i rzeźbę z fotografiami i filmami wideo. W galerii odbywa się wiele wystaw czasowych współczesnych artystów.
KOLEKCJA MUZEALNA
malarstwo angielskie.
W salach dawnej Tate Gallery można uzyskać pełny obraz tego, czym jest malarstwo angielskie, jakie są główne etapy i kierunki życia artystycznego w kraju.
Najwcześniejszym dziełem szkoły narodowej jest Portret mężczyzny w czarnym kapeluszu(1545) John Betts (dc 1576), naśladowca malarza północnego renesansu Hansa Holbeina Młodszego (ok. 1498–1543).
William Hogarth (1697–1764): Opera Żebracza (1729), Autoportret z psem (1745), bal weselny(ok. 1745), Portret służących(1750), Och, pieczeń wołowa ze starej Anglii(Brama Calais) (1748), liczne portrety.
Joshua Reynolds (1723–1792): Hermę Hymen zdobią trzy łaski (1774), Portret admirała Keppela (1780), Portret dr Samuela Johnsona(1772), dwa autoportrety, portrety dziecięce.
Thomas Gainsborough (1727–1788): Widok na Dedham(ok. 1760), Zachód słońca. Konie zaprzęgnięte w wozie, pijąc wodę ze strumienia(ok. 1760), Sir Benjamina Trumana (1774), Córka artysty Mary (1777), Giovannie Baccelli (1782).
Richard Wilson (1713–1782): Tamiza w pobliżu Twickenhm (1762).
George Stubbs (1724–1806): Konie w przyrodzie (1762–1768), zbiór siana (1785), Żniwiarze (1785).
W pełni pokazano prace Williama Blake'a (1757–1827), który zilustrował własne prace akwarelami i rycinami, a także Szekspira, Dantego i Biblię: Bóg stwarza Adama, Niuton, Śmierć Abla, Dobre i złe anioły, Szkoda (1795–1804).
Joseph Mallord William Turner (1775–1851): Rybacy w morzu (1796), Tamiza Most Waltona(ok. 1807), Wrak statku(ok. 1805), Mroźny poranek. Świt (1813), Przekraczanie strumienia (1815), Pogrzeb na morzu(1842). Płótna z widokiem na Wenecję: Most Westchnień, Pałac Dożów i Zwyczaje, Wenecja: Canaletto przy sztalugach(1833) i inne Impresjonistyczne pejzaże artysty: Wnętrze w Petworth(ok. 1837), Zamek Norem. wschód słońca(ok. 1840). Zamieć. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał o niebezpieczeństwie, uderzając w płytką wodę(1842) - doskonałe przedstawienie burzy na morzu. W galerii znajdują się setki szkiców i jedyne autoportret Turnera (1798).
John Constable (1776–1837): Hala Malvern (1809), Młyn Flatforda (1817), Hampstead Heath(ok. 1820), Zamek Hadleyów(ok. 1828–1829), Otwarcie mostu waterloo (1832).
Prerafaelici Dante Gabriel Rossetti (1828–1882): Beata Beatrycze(ok. 1863), Prozerpina(1874); John Everett Millais (1829–1896): Ofelia(ok. 1850); William Holman Hunt (1827–1910): Klaudiusz i Izabela (1850).
Kolekcja sztuki zagranicznej
zaczął powstawać w 1917 roku. Dział ten chronologicznie rozpoczyna się od malarstwa francuskich impresjonistów i postimpresjonistów i posiada bogatą kolekcję mistrzów tych dziedzin.
Claude Monet (1840–1926): pani siedzi na ławce(połowa lat 70. XIX wieku), Sekwana w pobliżu Port Villeuse (1894), Topole na Epte (1890).
Camille Pissarro (1830–1903): Mały pokojówka (1882), autoportret (1903), Piloci Jatt. Hawr. pochmurny poranek (1903).
Alfreda Sisleya (1839–1899): Most na Sevres(ok. 1877), Ścieżka wzdłuż rzeki. Wiosna(1880) i inni.
Rzeźby Auguste'a Renoira (1841–1919) Zwycięska Wenus(1914) i Edgara Degasa Czternastoletnia tancerka (1880).
Georges Seurat (1859–1891): Le Bec doo hoc (1885).
Paul Cezanne (1839–1906): Aleja przy Jas de Bouffan(ok. 1874), Portret ogrodnika(1906); Paul Gauguin (1848–1903): Przygotowanie do wakacji lub Duszpasterstwo tahitańskie (1898), Zbiór. Le Pouldu (1890).
Vincent van Gogh (1853–1890): Krzesło z fajką tytoniową (1888), Fotel Gauguina nocą (1888).
Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901): Portret artysty Emila Bernarda(1885), Dwoje przyjaciół(1890).
Rzeźby mistrzów przełomu XIX i XX wieku. Auguste Rodin (1840–1917): Pocałunek (1901–1904), Muza(1896) i Aristide Maillol (1861–1944): skostniały ruch (1906), Trzy nimfy (1930–1938).
Henri Matisse (1869–1954): Portret Andre Deraina (1905), stojąc nago (1907), Ślimak(1953) - duża aplikacja kolorystyczna, a także seria czterech płaskorzeźb z brązu - Nude co plecy (1909-1930).
Edward Munch (1863–1944): chora dziewczyna(1907); Oskar Kokoschka (1886-1980): Widok na Tamizę (1959).
Amedeo Modigliani (1884–1920): Mały wieśniak(1917), rzeźba Głowa(ok. 1913).
Pablo Picasso (1881–1973): Kobieta w koszuli(ok. 1905) – odnosi się do okresu „niebieskiego”; siedząc nago(1909) - przykład kubizmu; Trzech tancerzy(1925) są napisane w surrealistycznym duchu. Rzeźba na wystawie: Martwa natura (1914), duży kutas (1932).
