Wróżenie Swietłany Bryulłowa. Bryulłow Karol Pawłowicz

Wracając do Rosji jako uznany mistrz, autor Pompei, Bryullov nadal malował portrety, ale nigdy nie malował ich od moskiewskich urzędników ani kupców. Odmawiając, zawsze powtarzał to samo zdanie: „Masz swojego doskonałego artystę - Tropinina”.
Zaprzyjaźnił się z Tropininem, kiedy przybył do Moskwy i spędził tam kilka miesięcy. Nawet we Włoszech wiele słyszałem o tym artyście od poddanych. W Moskwie znajomość przerodziła się w przyjaźń. Karol Pawłowicz wysoko cenił zarówno talent i profesjonalizm, jak i cechy osobiste Wasilija Andriejewicza Tropinina. Pod urokiem jego pomysłowych portretów dziewcząt z dziedzińca, a także pod urokiem popularnej w Rosji ballady V. A. Żukowskiego „Swietłana”, Bryulłow napisał „Wróżbiarską Swietłanę”. To także portret dziewczyny z podwórka, która w noc Trzech Króli przepowiada w lustrze losy swojej narzeczonej.

Wróżby bożonarodzeniowe istniały na całej Rusi. Dziewczyny przerzuciły filcowy but nad bramą: w którą stronę wskazuje skarpetka, stamtąd będą czekać na pana młodego; do wody wlewano roztopiony wosk, fantazjując o ochłodzonych postaciach; karmili kurczaka ziarnami, życząc sobie określonej liczby ziaren… Sposobów wróżenia było wiele. Wszystkim towarzyszyły mistyczne opowieści, z których z kolei zrodziły się mumery, najpierw pod postacią złych duchów, a potem tego, kto zdecyduje się przebrać za kogo.
Żukowski nadał swojej bohaterce niezwykłe imię - Swietłana - które najlepiej pasowało do „Bożego Narodzenia”, „światła”, świętości… Imię zapożyczył z romansu Wostokowa - w prawdziwym życiu takie imię nie istniało. (Dopiero po rewolucji październikowej „Swietłana” rozpowszechniło się jako imię osobiste). Odwołanie do tematu wróżbiarstwa Trzech Króli stało się najcenniejszym znaleziskiem literackim Żukowskiego, czyniąc balladę prawdziwie rosyjską. Wiersze z niej stały się epigrafami, ballada znalazła się w „Księdze edukacyjnej literatury rosyjskiej”, wokół niej ukształtował się nawet szlachetny model obchodzenia świąt Bożego Narodzenia. Dzieło Żukowskiego zajmowało w rodzinach szlacheckich niszę, którą chłopi zajmowali „strasznymi” opowieściami bożonarodzeniowymi.

podparta na łokciu,
Swietłana oddycha trochę...
Tutaj… lekko zablokuj
Ktoś zapukał, słyszy;
Nieśmiało patrzy w lustro:
Za jej ramionami
Ktoś zdawał się błyszczeć
Jasne oczy...

Krytyka przyznała Wasilijowi Andriejewiczowi Żukowskiemu tytuł piosenkarza Swietłany. Bryullov został drugim piosenkarzem, tworząc niezwykle romantyczne płótno. Noc, przyćmiona świeca, młoda dziewczyna w kokoshniku ​​i letniej sukience siedzi przy lustrze, z nadzieją wpatrując się w jego tajemnicze głębie...

Minął rok - nie ma wiadomości;
On do mnie nie pisze;
Oh! i mają tylko czerwone światło,
Oddychają tylko w sercu ...

Tworząc obraz inspirowany balladą Żukowskiego, artysta nie ograniczył się do zadań prostej ilustracji. Ożywił scenę wróżenia z poetyckim uczuciem. Jako prawdziwy innowator uznał za możliwe zaatakować duchowy świat dziewczyny, która jest skupiona na myślach o swoim narzeczonym i jest gotowa przesiedzieć przed lustrem nawet całą noc. W balladzie Żukowskiego dziewczyna zasypia przed lustrem, ma straszny sen, ale rano wszystko jest inne:

Śnieg błyszczy w słońcu
Para czerwieni się cienka...
Chu! .. w oddali pusty dudnienie
dzwoniący dzwonek;
Śnieżny pył na drodze;
Pędząc, jak na skrzydłach,
Sanie: gorliwe konie;
Bliższy; tuż przy bramie;
Dostojny gość idzie na ganek ...
Kto?.. Narzeczony Swietłany.

I chociaż „Wróżbiarstwo Swietłana” nie wywarło znaczącego wpływu na malarstwo rosyjskie, psychologiczny trend obrazu można prześledzić u wszystkich wielkich mistrzów: od Kramskoja i Perowa po Serowa i Wrubela.
Bryullov przez całe życie zajmował się malarstwem portretowym, lekkomyślnie przekraczając granice ustalonych tradycji, próbując zbliżyć sztukę do rzeczywistości. Chciał odtworzyć bezpośredniość i konkretność żywych związków człowieka z otoczeniem, co w jego czasach było zadaniem jedynie malarza rodzajowego. Pisał z uczuciem, podziwiając piękno i malowniczość świata. Portrety Bryullova to duże ceremonialne, imponujące, „historyczne” portrety świeckich piękności - wyjątkowe zjawisko w swoim rodzaju i nie powtarzające się już w sztuce rosyjskiej.

Ogromny stres fizyczny i duchowy wkrótce podkopał zdrowie Karola Pawłowicza. „Moje życie można porównać do świecy, która została spalona z obu końców i trzymana w środku rozpalonymi do czerwoności szczypcami…” - powie Wielki Karol, geniusz malarstwa rosyjskiego, człowiek nieskończenie zmęczony i rozczarowany. Ileż planów pozostało niezrealizowanych! Nie pozwolili na malowanie Obserwatorium Pułkowo, zbudowanego według projektu brata Aleksandra, według gotowych szkiców, nie powierzyli wystroju wnętrz Pałacu Zimowego po pożarze. Karol Pawłowicz przez cztery lata pracował nad malowidłami ściennymi katedry św. Izaaka, ale z powodu choroby inny artysta zakończył pracę nad jego kartonami.
Członek akademii w Mediolanie i Parmie, Akademii św. Łukasza w Rzymie, profesor Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu i Florencji, honorowy wolny wspólnik paryskiej Akademii Sztuk, Karol Pawłowicz Bryullow żył zaledwie 53 lata.

WŁOSKIE POŁUDNIE

Karl Bryullov urodził się w Petersburgu, a jego umiejętność rysowania ujawniła się wcześnie. Początkowo wychowywał się w domu pod ścisłym okiem ojca, mistrza rzeźbienia artystycznego, który otrzymał tytuł akademika, następnie wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie szybko osiągnął wybitne sukcesy. Już jeden z jego pierwszych samodzielnych rysunków został nagrodzony srebrnym medalem i był w klasie jako oryginał do kopiowania przez uczniów.

Po ukończeniu Akademii Bryullov otrzymał Wielki Złoty Medal za pracę konkursową „Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi” oraz prawo do podróży do Włoch. Od czasów Piotra I, który wysłał malarza Iwana Nikitina za granicę, aby doskonalił się w sztuce, stało się to tradycją.

Raz we Włoszech, które Bryullov znał z dzieł klasycznych, był strasznie rozczarowany: ogólny kosmopolityczny zgiełk! Malarstwo nie jest w modzie - nowy, żywy ruch jeszcze się w nim nie pojawił, a stary, cały zwrócony do starożytnego świata, jest zmęczony. Starożytny świat był teraz wskrzeszany przez rzeźbiarzy i cieszył się sukcesem i uznaniem.

Do tego zupełnie obca natura, która nic artystce nie powiedziała.

„… Daleko od Ojczyzny, od przyjaciół, od wszystkiego, co mnie uszczęśliwiało przez 23 lata. Żadnych sosen, żadnych wierzb. Choć rosną tu laury i winogrona zamiast chmielu - wszystko jest słodkie, urocze! - ale bez słów milczą, a wszystko wokół wydaje się umierać ”- napisał z Rzymu.

Karol Pawłowicz zaczął spotykać się z zagranicznymi artystami, ale to mu nic nie dało, byli żołnierzami tej samej armii, tej samej włoskiej dyscypliny, jak on, wyszkolonymi przez nią w Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale Bryullov posiadał niesamowitą siłę wyobraźni, połączoną z subtelnością obserwacji przyrody, jego artystyczny temperament domagał się ujścia. Pojawił się pomysł na namalowanie obrazu „Włoski poranek”. Okazało się to nie tylko sukcesem, ale także szczęśliwym odkryciem artysty.

Młoda, topless dziewczyna o proporcjach greckiej bogini myje twarz pod strumieniami fontanny. Bryullov przeniknął go promieniami słońca, a on, przewiewny i lekki, okazał się uosobieniem samego poranka ludzkiego życia. „Model oświetliłem na słońcu, zakładając podświetlenie, tak aby twarz i klatka piersiowa były w cieniu i odbijały się od oświetlonej słońcem fontanny, co sprawia, że ​​wszystkie cienie są o wiele przyjemniejsze w porównaniu ze zwykłym oświetleniem okiennym” – poinformował Towarzystwo. Zachęty Artystów, wysyłając gotowe płótno na wystawę w Petersburgu.

„Włoski poranek” zachwycił petersburskich koneserów malarstwa. Miasto było pełne plotek o wspaniałym obrazie Bryulłowa, wszyscy spieszyli się, żeby ją zobaczyć. Nawet Aleksander I odwiedził wystawę i wyraził zadowolenie. Obraz został mu przekazany.

W 1826 roku nowy cesarz Rosji Mikołaj I zlecił Bryulłowowi namalowanie obrazu „Włoski poranek”. Tak narodziło się „Włoskie południe”, które stało się najwyższym osiągnięciem Bryulłowa w grupie prac rozwijających temat interakcji między człowiekiem a naturą. Modelką "Pół dnia" była niska, krępa kobieta, daleka od klasycznych proporcji, która przeżyła już młodość, ale podbiła artystkę witalnością. Jak powiedział o niej Gogol: „To namiętna kobieta, płonąca całym luksusem namiętności, całą siłą piękna”.

Karol Pawłowicz przedstawił ją pod winnicą w słonecznym świetle południa. Dojrzałej urodzie bohaterki dorównują zwarte kiście winogron - zenit dnia, zenit życia natury, czas dojrzewania owoców - zenit ludzkiego życia. W zarysie głowy, ramion, ramion, w rumieńcu policzków, w blasku załzawionych oczu jest piękno i wdzięk. Promienie słoneczne przenikają przez listowie, ślizgają się po kobiecie; sprawia wrażenie żywej chwili, podglądanej przez artystę.

Obraz okazał się naturalny i pełen wdzięku, ale kiedy został wystawiony w Petersburgu, zrobiło się zamieszanie! Mecenasi Bryulłowa (Akademia, a zwłaszcza Towarzystwo Zachęty Artystów) spodziewali się starożytnej bogini, ale widzieli tylko szczęśliwą, zdrową kobietę. Potem pojawiły się oskarżenia autora o niewłaściwy dobór natury: „Celem sztuki powinna być natura wybrana w jak najbardziej eleganckiej formie, a pełne wdzięku proporcje nie są udziałem ludzi pewnej klasy”. Bryullov odpowiedział, że postanowił szukać różnorodności w tych formach przyrody, które są bardziej powszechne w życiu codziennym: są bardziej atrakcyjne „niż surowe piękno posągów”.

W odwecie za jego bezczelność Towarzystwo Zachęty Artystów pozbawiło Bryulłowa stypendium. Na szczęście jego umiejętności stały się już na tyle silne, że spokojnie szedł własną drogą, zarabiając na życie portretami na zamówienie. Malował portrety włoskiej szlachty, swoich rodaków i zgromadził doświadczenie artystyczne.

Tymczasem obraz „Włoskie południe” został nabyty przez Mikołaja I i wraz z „Włoskim porankiem” zdobił prywatne kwatery cesarzowej w Pałacu Zimowym. Każdy, kto chciał, mógł je zobaczyć. W „Dzienniku” artysty A.N. Mokryckiego z 14 października 1835 r., istnieje zapis, w którym donosi, że wraz z artystą Wenecjanowem odwiedził buduar cesarzowej i zapoznał się z tymi arcydziełami malarstwa.

OSTATNI DZIEŃ POMPEJÓW

W 1827 roku Karol Pawłowicz odwiedził Pompeje. Spacerując ulicami i oglądając domy zachowane pod wulkanicznym popiołem wraz ze wszystkimi meblami i sprzętami, oglądając odciski martwych ciał w zadziwiająco żywych pozach, naprowadziły artystę na pomysł namalowania obrazu śmierci Pompei . Uważnie przestudiował listy Pliniusza Młodszego i dowiedział się, że w 79 rne w regionie Kampania, położonym w południowych Włoszech, nagle zaczęły się wstrząsy. Odkryto bardzo dziwne zjawisko: w mieście Pompeje woda przestała płynąć w fontannach iw jakiś sposób studnie natychmiast opustoszały. 20 sierpnia podziemne dudnienie stało się bardziej słyszalne, wzmogły się wstrząsy. Rankiem 24 sierpnia nastąpił pchnięcie o niespotykanej sile i ogłuszający ryk, który nastąpił po nim! Szczyt wulkanu Wezuwiusz podzielił się na dwie części, a z powstałego otworu uniósł się słup ognia. To był początek katastrofy!

„Wydawało się, że wszystko się nie tylko porusza, ale i przewraca” — napisał naoczny świadek, Pliniusz Młodszy. - Posypały się kawałki pumeksu i czarne, spalone, spękane ogniem kamienie. W międzyczasie płomienie rozprzestrzeniły się szeroko po Wezuwiuszu w wielu miejscach, a ogień z pożarów wzrósł wysoko. Widzieliśmy, jak morze wciąga się w siebie; ziemia, drżąc, zdawała się odpychać ją od siebie; brzeg bez wątpienia posunął się naprzód; wiele zwierząt morskich utknęło na suchym piasku. Z drugiej strony ogniste zygzaki rozbłysły w czarnej, strasznej chmurze burzowej i podzieliły się na długie paski płomienia, podobne do błyskawicy, ale znacznie większe. Popiół zaczął opadać, wciąż rzadki; oglądając się, zobaczyłem, jak zbliża się do nas gęsta ciemność, która jak strumień rozlała się za nami po ziemi. Nadeszła ciemność. Ale nie to samo, co w bezksiężycową lub bezchmurną noc, ale to, co dzieje się w pomieszczeniu, gdy ogień jest ugaszony. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn; jedni nazywali rodzicami, inni dziećmi, jeszcze inni żonami i mężami, próbując rozpoznać ich po głosach. Niektórzy modlili się w obawie przed śmiercią. Ale większość krzyczała, że ​​nie ma bogów i że nadeszła ostatnia noc dla świata. Dzięki zapiskom Pliniusza Młodszego, któremu udało się uciec na statku, ludzie osiemnaście wieków później mogli sobie żywo wyobrazić, co stało się z Pompejuszem. Jego ślady odkryto podczas budowy wodociągu w tych miejscach. W ciągu dwóch i pół wieku Pompeje były stopniowo uwalniane z siedmiometrowej warstwy popiołu, zamienionej przez gorący deszcz w jedną, gęstą masę wulkaniczną.

Pompeje stały się miastem-muzeum, gdzie są fora i amfiteatry, łaźnie i warsztaty, sklepy i domy z naczyniami, ale ani jednej żywej duszy. Na miejscu zaginionego miasta ludzie nigdy więcej się nie osiedlili. Ale ci, którzy kiedyś go zamieszkiwali, uwielbiali żyć wygodnie i pięknie. Dekoracja każdego mieszkania, jeśli nie należała do niewolnika lub biednego rzemieślnika, wyglądała na bogatą i zróżnicowaną. Wiele domów ozdobiono malowidłami ściennymi, freskami, mozaikowymi podłogami, obrazami. Pompejusz czcił Greków i ich sztukę. Religia była również grecka - bogowie olimpijscy, których stopniowo wypierało chrześcijaństwo. Fresk przedstawiający Pompeje był wyjątkowy. Kolory malowideł ściennych pozostały w całej swej świetności i jasności, pomimo ogromnej temperatury masy wulkanicznej, pod którą miasto zostało pogrzebane w noc katastrofy. To była tajemnica malarstwa kampańskiego, którego technika pozostała nieznana. Zachował się freskowy portret zamyślonej nad czymś młodej dziewczyny, trzymającej w dłoni notatnik z cienkich desek, z patykiem do pisania. Portret wykonany jest w formie medalionu. Jeśli rzymskie portrety rzeźbiarskie z I wieku naszej ery zachowały się w wielu muzeach świata, to malowniczy portret nie był znany przed odkryciem Pompei.

Przez dwa lata Bryullov pielęgnował ideę obrazu „Ostatni dzień Pompejów”. Finansowania „projektu” podjął się Demidov, największy rosyjski hodowca. Opierając się na prawdziwym wydarzeniu, Karol Pawłowicz starał się przekazać na płótnie ducha i atmosferę tej strasznej nocy. Błyskawice otwierają niebo, ziejąca ogniem lawa spływa po zboczu wulkanu wrzącym strumieniem. Przestraszone konie biegają i rżą. Posągi bogów i cesarzy spadają z wysokości. Bryullovowi udało się wymyślić wspólne spektakularne ugrupowanie i z łatwością poradził sobie z kolosalnym zadaniem. Kopiował jeden model po drugim bezpośrednio na płótno iz perfekcyjną perspektywą zbudował ściśle archeologiczny pejzaż.

Petersburg wiedział o malarstwie Bryulłowa. Ci, którzy byli w Rzymie i widzieli artystę przy pracy, mówili, że prawie nie schodzi z płótna, zdarza się, że jest wyczerpany, wynosi go na rękach z warsztatu.

Po jedenastu miesiącach nieprzerwanej pracy, nie licząc dwóch lat przygotowań, obraz został ukończony, pracownia została otwarta dla publiczności, publiczność napływała. „Pompeje” zachwyciły fabułą, zaimponowały scenografią i mszami chóralnymi, oświetleniem i smutnym losem bohaterów. Po Rzymie obraz został pokazany w Paryżu. Do Petersburga przybyła w 1834 r. Sam Karol Pawłowicz udał się na Wschód, aby podróżować.

Przyniosłeś pokojowe trofea
Z tobą w ojcowskim cieniu,
I stał się „Ostatnim dniem Pompejów” -
Dla rosyjskiego pędzla pierwszego dnia!

To był sierpień. Przy wejściu do Cesarskiej Akademii Sztuk było tłoczno. Spragnieni z trudem docierali do Sali Antyków, gdzie wisiały „Pompeje” - ogromne płótno o powierzchni trzydziestu metrów kwadratowych. Krata oddzielała obraz od publiczności. Oczywiście widzowie wyobrażali sobie, że zobaczą coś kolosalnego, ale to, co zobaczyli, przeszło wszelkie możliwe oczekiwania.

Każdy czuł się jak jeden z tłumu przerażonych Pompejanów. Wydawało się, że rozległ się ogłuszający grzmot, że ziemia drży pod stopami, że niebo się zawali.

Im dłużej widzowie wpatrywali się w płótno, tym głębiej pojmowali duszę jego twórcy, jego zaangażowanie w to, co się dzieje. Nic dziwnego, że Bryulłow wśród ogarniętego paniką tłumu Pompejanów przedstawił się z pudełkiem farb i pędzli na głowie. A fakt, że umieścił na płótnie odrażającego skąpca, zbierającego rozsypane na ziemi złoto jeszcze w czasie katastrofy, jeszcze mocniej podkreślał wysokie walory ludzkie artysty.

Kiedy Bryullov przybył do Rosji, został ogłoszony pierwszym malarzem. Akademia Sztuk Pięknych nadała mu tytuł młodszego profesora (słynny w całej Europie mistrz „nie doszedł do starszego”).

Szlachta rywalizowała ze sobą w pośpiechu, aby sprowadzić do nich Bryulłowa, ale nie lubił uroczystych przyjęć, powiedział: „Lepiej mieć garnek kapusty i owsianki, ale w domu, wśród przyjaciół”. Jednak korzystając z usposobienia do siebie wysoko postawionych osób, zapewnił sobie jedno wolne – wyzwolenie z pańszczyzny dla dwóch studentów Akademii. Sława Bryulłowa w Rosji rosła w niesamowitym tempie. Obraz „Ostatni dzień Pompei” w wielu kopiach i reprodukcjach rozproszył się po całym kraju. Były nawet śmieszne rzeczy. I tak pewnego dnia, podczas spaceru z przyjaciółmi, artysta zobaczył budkę z napisem: „Panorama Ostatniego Dnia Pompejów”. Wszedł i śmiał się.

- „Pompeje” nie są dobre!

Przepraszam, sam artysta Bryullov był ze mną, kiedy panorama była w Paryżu!

Znaczenie Bryulłowa było ogromne dla jego współczesnych. Czcigodni malarze, zachęceni jego natychmiastową światową sławą, chcieli ścigać się, by stworzyć drugie Pompeje, co stało się ich gorącym marzeniem. Umiarkowani młodzieńcy zdecydowali również, że jeśli nie dotrą do samego Bryulłowa, to przynajmniej dostaną się do jego świty. Ale dzieło Bryulłowa było końcem rosyjskiego klasycyzmu, dalsza droga w tym kierunku doprowadziła do bezowocnej imitacji. „Pompeja” w imię klasycyzmu powiedziała wszystko, dopełniła klasycyzmu z błyskotliwością i to jest jej nieprzemijająca wartość. A sam Karol Pawłowicz, nie tyle świadomie, co zgadując, pokazał na obrazie miażdżenie bożków - posągów bogów i cezarów, porównał pogańskiego księdza i chrześcijańskiego księdza, żywe dziecko i martwą matkę. Wszystko musiało inspirować ideę nieuchronności śmierci starego świata i równie nieuchronnego nowego życia na jego ruinach.

JEŹDZIEC

Jeszcze przed pracą nad Pompejami Bryullov poznał pierwszą piękność Petersburga, hrabinę Samoilovą, która przeprowadziła się do Włoch. Julia Pawłowna, bogata spadkobierczyni dwóch starożytnych rodzin, zachowywała się niezależnie, gromadziła w swoim Petersburgu wolnomyślicieli, a niezadowolony z niej Mikołaj I zmusił Samojłowę do opuszczenia Rosji. Bryullov stał się jej zagorzałym wielbicielem od pierwszego spotkania. I nic dziwnego, że sam Puszkin poświęcił wiersze Julii Pawłownej, wychwalając jej wiele cnót:

Wszystko w nim jest harmonią, wszystko jest cudowne,
Wszystko ponad światem i namiętnościami...

Samoilova i Bryullov dużo podróżowali po Włoszech, odpoczywali nad jeziorem Como w luksusowej willi Julii Pawłownej, wędrowali wśród ruin Pompejów, gdzie Bryullov wpadł na pomysł namalowania obrazu o śmierci miasta. (W Ostatnim dniu Pompei twarz Samoilovej jest rozpoznawalna na kilku kobiecych obrazach jednocześnie: piękności leżącej na ziemi; przerażona dziewczyna; młoda matka przykrywająca dziecko; kobieta obejmująca córki).

Julia Pawłowna adoptowała córki, Jovaninę i Amazilię. Na jej prośbę Bryullov namalował ich portret. W pełnym galopie Jovanina zatrzymuje konia. Amacilia, chwytając się balustrady balkonu, patrzy na nią z podziwem. Bryullov przedstawił Giovanina w sposób, w jaki przed nim zwyczajowo przedstawiano tylko utytułowane osoby. Portret konny zawsze był ceremonialny i nieuchronnie zawierał ukryte znaczenie: jeździec, który ujarzmił rozpalonego konia, to człowiek u władzy. Ale u Bryulłowa zwykła dziewczyna wróciła ze zwykłego spaceru. Karl Pavlovich był pierwszym malarzem, który połączył ceremonialny portret i codzienną scenę, tworząc natchnione płótno, które gloryfikuje radość życia.

W 1832 r. „Amazonka” została wystawiona w Rzymie i wywołała prawdziwy zachwyt wśród Włochów. Napisana w pełnym rozmiarze, w bogatych kolorach, gładkim i swobodnym pędzlem, skłoniła włoskich krytyków do porównania Bryullova z Van Dyckiem i Rubensem. Pochwały Włochów nie były przesadzone, ten obraz był naprawdę wybitnym dziełem sztuki nie tylko europejskiej, ale i światowej.

W 1896 roku Paweł Michajłowicz Tretiakow kupił Amazonkę.

Bryullov przez całe życie zajmował się malarstwem portretowym, lekkomyślnie przekraczając granice ustalonych tradycji, próbując zbliżyć sztukę do rzeczywistości. Chciał odtworzyć bezpośredniość i konkretność żywych związków człowieka z otoczeniem, co w jego czasach było zadaniem jedynie malarza rodzajowego. Pisał z uczuciem, podziwiając piękno i malowniczość świata. Portrety Bryullova - duże ceremonialne, imponujące, „fabularne” portrety świeckich piękności - są jedynym tego rodzaju zjawiskiem i nie powtarzają się już w sztuce rosyjskiej.

FORTUNA SWIETLANA

W 1835 r. Karol Pawłowicz spotkał Wasilija Andriejewicza Tropinina, którego pomysłowe portrety dziewcząt z dziedzińca podobały mu się tak bardzo, że pod ich urokiem, a także pod urokiem popularnej ballady V. A. Żukowskiego „Swietłana” w Rosji, Bryulłow napisał „Wróżbiarstwo Swietłana” . To także portret dziewuszki podwórkowej, która w noc Trzech Króli wróży dla swojego narzeczonego.

Wróżby bożonarodzeniowe były szeroko rozpowszechnione na Rusi. Dziewczyny przerzuciły filcowy but nad bramą: w którą stronę wskazuje skarpetka, stamtąd będą czekać na pana młodego; do wody wlewano roztopiony wosk, fantazjując o ochłodzonych postaciach; karmił kurczaka ziarnami, życząc sobie określonej liczby ziaren. Było wiele sposobów wróżenia; wszystkim towarzyszyły mistyczne opowieści, z których z kolei zrodziły się mumery – najpierw pod postacią złych duchów, a potem kto zdecyduje się za kogo się przebrać. Żukowski nadał bohaterce swojej ballady niezwykłe imię – Swietłana – które najlepiej pasowało do „Bożego Narodzenia” i „świętości”. Imię zapożyczył z romansu Wostokowa - w prawdziwym życiu takie imię nie istniało. (Dopiero po rewolucji październikowej „Swietłana” rozpowszechniło się jako imię osobiste). Odwołanie do tematu wróżbiarstwa chrzcielnego stało się najcenniejszym znaleziskiem literackim Żukowskiego, czyniąc balladę prawdziwie rosyjską. Linie z niego stały się epigrafami, ballada została włączona do „Książki edukacyjnej o literaturze rosyjskiej”. Powstał szlachecki model obchodzenia świąt Bożego Narodzenia: dzieło Żukowskiego zajmowało w rodzinach szlacheckich niszę, jaką wśród chłopów zajmowały „straszne” opowieści bożonarodzeniowe.

podparta na łokciu,
Swietłana oddycha trochę...
Tutaj… lekko zablokuj
Ktoś zapukał, słyszy;

Nieśmiało patrzy w lustro:
Za jej ramionami
Ktoś zdawał się błyszczeć
Jasne oczy...

Krytyka przyznała V. A. Żukowskiemu tytuł piosenkarki Swietłany. Bryullov został drugim piosenkarzem, tworząc niezwykle romantyczne płótno. Noc, przyćmiona świeca, młoda dziewczyna w kokoshniku ​​i letniej sukience siedzi przy lustrze, z nadzieją wpatrując się w jego tajemnicze głębie.

Minął rok - nie ma wiadomości;
On do mnie nie pisze;
Oh! i mają tylko czerwone światło,
Oddychają tylko w sercu ...

Tworząc obraz inspirowany balladą Żukowskiego, artysta nie ograniczył się do zadań prostej ilustracji. Ożywił scenę wróżenia z poetyckim uczuciem. Jako prawdziwy innowator uznał za możliwe zaatakować duchowy świat dziewczyny, która jest skupiona na myślach o swoim narzeczonym i jest gotowa przesiedzieć przed lustrem nawet całą noc. W balladzie Żukowskiego dziewczyna zasypia przed lustrem, ma straszny sen, ale rano wszystko jest inne:

Śnieg błyszczy w słońcu
Para czerwieni się cienka...
Chu! .. w oddali pusty dudnienie
dzwoniący dzwonek;

Śnieżny pył na drodze;
Pędząc, jak na skrzydłach,
Sanie: gorliwe konie;
Bliższy; tuż przy bramie;
Dostojny gość idzie na ganek ...
Kto?.. Narzeczony Swietłany.

W portrecie „Zgadywanie Swietłany” Karol Pawłowicz kontynuował tradycję rosyjskich artystów, zwracając szczególną uwagę na życie duchowe człowieka. I chociaż portret nie wywarł znaczącego wpływu na malarstwo rosyjskie, jego psychologiczną tendencję można prześledzić u wszystkich wielkich mistrzów: od Kramskoja i Perowa po Serowa i Wrubela.

Karol Bryullow. „Zgadywanie Swietłany”. 1836. Zdjęcie: Muzeum Sztuki w Niżnym Nowogrodzie

Karol Bryullow. „Zgadywanie Swietłany”. 1836

To płótno od razu daje przykład najniebezpieczniejszej wróżby. Bardziej skuteczne jest szukanie narzeczonej tam, gdzie mogą mieszkać złe duchy: w piwnicach, na strychach, w spiżarniach, a potem w domu nie można przechowywać lustra wróżbiarskiego. Artysta namalował ten obraz podczas wizyty u rodziny Aleksieja Perowskiego, obywatela Arzamy, autora bajki „Czarna kura, czyli mieszkańcy podziemia”. Przybywając z Włoch w samą porę na Boże Narodzenie, Bryullov przypomina sobie fabułę romantycznej ballady Wasilija Żukowskiego Swietłana, która opisuje dziesiątki sposobów poszukiwania narzeczonej, aż po dosłowne odtworzenie spisków i pieśni ludowych. Inny artysta XIX wieku, Aleksander Nowoskolcew (Swietłana, 1889), również uległ chęci zilustrowania tej samej fabuły, ale jego bohaterka wygląda zbyt nieustraszenie, przypominając doświadczoną wróżkę. Stąd znacznie bardziej niebezpieczny sposób wróżenia - nie jednym, ale dwoma lustrami.

Konstanty Makowski. „Święta wróżba”. 1890 Fot. Państwowe Muzeum Historii Religii

Konstanty Makowski. „Święta wróżba”. 1890

Wędrowny artysta Konstantin Makovsky często iz miłością przedstawiał chłopów. Często jego wzrok wędrował ku ładnym dziewczętom, nawet takim, które nigdy nie znalazłyby narzeczonej - bohaterkami jego obrazu z 1879 roku były dziewczęta, które zmarły przed ślubem i dlatego wedle słowiańskiej mitologii stały się syrenami. Chociaż zwykle wolał bardziej wesołe tematy - na przykład pół tuzina młodych ludzi otoczyło świątecznego koguta. Zasada wróżenia na kurczakach jest następująca: trzeba zaufać ptakowi, który sam zdecyduje, czy podejść do ziarna, miski z wodą, lustra, czy innego kurczaka. To, zgodnie z powszechnym przekonaniem, określi bogatą, pijącą, przystojną lub kapryśną narzeczoną. Jeśli nie ma wystarczającej ilości akcesoriów, możesz po prostu policzyć, ile ziaren zjadł kogut: jeśli liczba jest parzysta, rok będzie dobry.

Nikołaj Pimonenko. „Święta wróżba”. 1888. Zdjęcie: Krasnojarskie Muzeum Sztuki im. V.I. Surikow

Nikołaj Pimonenko. „Święta wróżba”. 1888

Syn właściciela warsztatu malowania ikon, inny Wędrowiec, Nikołaj Pimonenko, przedstawia dwie wieśniaczki w okresie Bożego Narodzenia, przypominając widzowi, że lepiej nie zgadywać samemu. To nie jest takie straszne, poza tym przyjaciel może pomóc w rozszyfrowaniu znaków, zwłaszcza jeśli chodzi o tak skomplikowane wróżenie, jak odlewanie wosku. Dziewczyny zapaliły świecę i wlały wosk do kubka z wodą. Aby wosk, jak w przypadku Tatiany Lariny Puszkina, nie tylko „powiedział coś cudownego cudownie wylanym wzorem”, wróżki badały cień z zamarzniętej plamy wosku, rzucając go świecą na ścianę. Bez wprawy i dobrej wyobraźni raczej nie widać profilu ukochanej osoby, ale jeśli w wosku widoczne są koła lub coś w kształcie jajka, to według słowiańskich wierzeń warto czekać na ślub w nadchodzący rok. Ciekawe, że w przeciwieństwie do Pimonenki, który przedstawiał niezamężne, proste dziewczyny, inny XIX-wieczny artysta Jegor Solntsev („Wróżbiarstwo”, 1844) w tej samej fabule maluje dziewczęta w „srokowych” kapeluszach ozdobionych perły i wstążki. Ten najdroższy element stroju ludowego był najbogatszy i liczył aż 20 elementów. W zamożnych rodzinach chłopskich młode dziewczęta mogły nosić takie nakrycie głowy tylko w największe święta, na przykład w wigilię Bożego Narodzenia.

Aleksiej Wenecjanow. "Czytnik kart". 1842. Zdjęcie: Państwowe Muzeum Rosyjskie

Aleksiej Wenecjanow. "Czytnik kart". 1842

Aby uniknąć niezręcznych sytuacji z wyrzucaniem butów przez okno lub dzwonieniem do przechodniów (imię pierwszej napotkanej osoby będzie imieniem narzeczonej) pomoże inny, najbardziej znany sposób wróżenia - na kartach. Starannie zapisane szczegóły na obrazie sugerują, że dziewczyny używają układu „13 kart”, który przedstawia przeszłość, teraźniejszość i przyszłość. Dziewczyna trzyma w dłoniach asa pik wierzchołkiem do góry, co może oznaczać zbliżającą się wesołą ucztę lub święto. Na obrazach współczesnego nam, artysty szkoły realistycznej, etnografa Jurija Siergiejewa („Wróżenie z kart”, lata 90.) młode bohaterki uczą się odgadywać przez swoje babcie, również odświętnie ubrane na tę okazję.

Ostatecznie można wybrać dowolną metodę wróżenia. Najważniejsze, aby się spełniło.