W tym artykule znajdziesz wszystkie odpowiedzi w grze „Kto chce zostać milionerem?” na 21 października 2017 (21.10.2017). Najpierw możesz zobaczyć pytania zadawane przez graczy przez Dmitrija Dibrowa, a następnie wszystkie poprawne odpowiedzi w dzisiejszej intelektualnej grze telewizyjnej „Kto chce zostać milionerem?” na dzień 21.10.2017.
Pytania do pierwszej pary graczy
Dmitrij Uljanow i Aleksander Rappoport (200 000 - 200 000 rubli)
1. Czym jest osoba, która nic nie nazywa?
2. Co mówią o osobie o złych intencjach: „Zachowaj…”?
3. Co czasami mówi się o awarii urządzenia?
4. Jak kończy się tytuł piosenki kwartetu beatowego "Secret" - "Blues of the Stray..."?
5. W której byłej republice sowieckiej obowiązuje waluta inna niż euro?
6. Jaką sztukę napisał Lope de Vega?
7. Jak uczniowie nazwali profesora w filmie „Operacja Y i inne przygody Shurika”?
8. Komu stoi pomnik naprzeciw Teatru Armii Rosyjskiej w Moskwie?
9. Jak nazywała się kanonierka, która walczyła u boku krążownika Varyag przeciwko japońskiej eskadrze?
10. Czego Joseph Brodsky nie radził robić w jednym z wierszy?
11. Co setnik stale nosił jako symbol swej potęgi?
12. W jakim mieście w 1960 roku reprezentacja ZSRR została mistrzem Europy w piłce nożnej?
Pytania do drugiej pary graczy
Witalij Eliseev i Sergey Puskepalis (200 000 - 0 rubli)
1. Jak dokończyć przysłowie: „Szpula jest mała…”?
2. Co Matthias Rust posadził w pobliżu Kremla?
3. Jak nazywa się film George'a Danelii?
4. Który z nich nie jest słodyczą?
5. Jaki był najbardziej lekceważący przezwisko nadawane funkcjonariuszom policji w przeszłości?
6. Kto nie ma rogów?
7. Jaki budynek w Moskwie jest wyższy niż sto metrów?
8. Który kraj nigdy nie wygrał mistrzostw Europy w piłce nożnej?
9. Jaką nazwę wymyślił Veniamin Kaverin dla żaglówki, a nie Jules Verne?
10. Jaki jest fort wspomniany w starym wyrażeniu „chodzić po fert”?
11. Jak nazywał się rosyjski generał w filmie o Jamesie Bondzie Widok na zabójstwo?
Pytania do trzeciej pary graczy
Sati Casanova i Andrei Grigoriev-Apollonov (400 000 - 0 rubli)
1. Co według znanej jednostki frazeologicznej może powodować wściekliznę?
2. Jak nazywa się linia kolejowa odchodząca od głównego toru?
3. Bez czego najczęściej obywają się osoby zaproszone do stołu bufetowego?
4. Co nie jest przeznaczone do lotu?
5. Kim były dziewczyny z wiersza „Tamara i ja” Agni Barto?
6. Kto startuje w turnieju „Biała Wieża”?
7. Jaki jest slang programisty na niejasne znaki, które pojawiają się z powodu błędu kodowania?
8. Jak nazywa się główny zespół odkurzacza?
9. Który z wymienionych mieszkańców morskich to ryba?
10. Co znajdowało się na środku Łubianki przed postawieniem tam pomnika Dzierżyńskiego?
11. Czym różnił się Pierwszy Zespół Symfoniczny, utworzony w Moskwie w 1922 roku?
Odpowiedzi na pytania pierwszej pary graczy
- bezczynny
- kamień w piersi
- latał
- psy
- Kazachstan
- "Nauczyciel tańca"
- łopian
- Suworow
- "Koreański"
- wyjdz z pokoju
- kij winorośli
- w Paryżu
Odpowiedzi na pytania drugiej pary graczy
- tak kochanie
- samolot
- „Jesienny maraton”
- manti
- faraonowie
- w ocelota
- Katedra Chrystusa Zbawiciela
- Belgia
- "Święta Maryjo"
- litera alfabetu
- Gogol
Odpowiedzi na pytania trzeciej pary graczy
- oddział
- brak krzeseł
- omnibus
- pielęgniarki
- młodzi szachiści
- krakozyabry
- kompresor
- morski koń
- fontanna
- nie było dyrygenta
Tradycyjnie w soboty publikujemy dla Ciebie odpowiedzi na quiz w formacie Q&A. Nasze pytania wahają się od prostych do złożonych. Quiz jest bardzo interesujący i dość popularny, ale my tylko pomożemy Ci sprawdzić Twoją wiedzę i upewnić się, że wybrałeś poprawną odpowiedź spośród czterech proponowanych. I mamy kolejne pytanie w quizie - Jaka była różnica między I Zespołem Symfonicznym, który powstał w Moskwie w 1922 roku?
- muzycy grali na stojąco
- grał bez nut
- nie było dyrygenta
- muzycy byli samoukami
Prawidłowa odpowiedź to C. Nie było dyrygenta
Persimfans (Pierwszy Zespół Symfoniczny) - orkiestra bez dyrygenta - zorganizowana w Moskwie w 1922 roku stała się jednym z najwybitniejszych zjawisk życia kulturalnego Rosji Sowieckiej. Zespół dał w sezonie ponad siedemdziesiąt koncertów; bez występów poza Moskwą Persimfans zyskał światową sławę jako jeden z najlepszych zespołów symfonicznych tamtych czasów. Na jego podobieństwo orkiestry bez dyrygenta organizowano nie tylko w ZSRR, ale także za granicą – w USA i Niemczech.
W 2008 roku Persimfans został reaktywowany z inicjatywy Petra Aidu po kilkudziesięciu latach przymusowej przerwy. Pod auspicjami Persimfans prowadzone są studia kulturowe, organizowane są wystawy i spektakle teatralne. Persimfans to dziś uniwersalne połączenie sztuk.
W Moskwie w holu. Czajkowski był gospodarzem kolejnego projektu poświęconego 100. rocznicy Rewolucji Październikowej, a nagłówkiem jego koncertów była recenzja lidera światowego proletariatu Włodzimierza Iljicza Lenina na temat słuchanej przez niego Sonaty Beethovena Appassionata - „muzyki nieludzkiej”.
Persimfans (I Symphony Ensemble), orkiestra bez dyrygenta, zorganizowana w Moskwie w 1922 roku, stała się jednym z najbardziej znaczących wydarzeń w życiu kulturalnym Rosji Sowieckiej. Zespół dawał do siedemdziesięciu koncertów w sezonie. Nigdy nie występowali poza Moskwą, Persimfans zyskał światową sławę jako jeden z najlepszych zespołów symfonicznych tamtych czasów. Na jego podobieństwo orkiestry bez dyrygenta organizowano nie tylko w ZSRR, ale także za granicą – w USA i Niemczech. Jakiś czas później nastąpiły dziesięciolecia przymusowych przerw w działalności Persimfanów.
Jego odrodzenie rozpoczęło się w 2008 roku z inicjatywy Petra Aidu, pianisty i kompozytora, pedagoga na Wydziale Wykonawstwa Historycznego i Współczesnego Konserwatorium Moskiewskiego. Jego zainteresowania są szerokie - od baroku po muzykę współczesną. Interesował się także Persimfanami. W jednym z wywiadów Aidu mówił o chwalebnej historii orkiestry bez dyrygenta io tym, że została ona celowo wykluczona z historii muzyki radzieckiej, jak wiele zjawisk kulturowych i naukowych w epoce stalinowskiej. „Poszukiwałem wtedy nowej formy tworzenia muzyki i stwierdziłem, że powinniśmy ją kontynuować” — wspomina Aidu. „Persimfans powinien istnieć jako teatr Bolszoj, konserwatorium. To jest nasz moskiewski, znajdował się na terenie Konserwatorium Moskiewskiego, a jego bazą była Wielka Sala”.
Pokazem osiągnięć Persimfans w ostatnich latach był jego wspólny projekt z Düsseldorf Tonhalle. Zjednoczony Zespół Symfoniczny dwóch siostrzanych miast - Moskwy i Düsseldorfu dał trzy koncerty. 7 i 8 października moskiewscy muzycy połączyli siły z artystami Orkiestry Symfonicznej w Düsseldorfie, a 14 grudnia w Auli odbył się trzeci koncert. P. Czajkowskiego. W Moskwie do naszych muzyków dołączyli Dusseldorferzy. Jedyny koncert w stolicy zorganizowała agencja Apriori Arts we współpracy z agencją Helikon Artists i dyrekcją Tonhalle Dusseldorf przy aktywnym wsparciu Instytutu Goethego w Moskwie, niemieckiego MSZ i Nadrenii Północnej-Westfalii .
W programie koncertu znalazły się rzadko wykonywane utwory powstałe w latach 20. XX wieku. w porewolucyjnych Niemczech i ZSRR, a także w muzyce klasycznej: utwory Beethovena i Mozarta. Zaczęliśmy od Mozarta. Kameralny zespół Persimfanów wykonał Uwerturę do opery Czarodziejski flet. W tym czasie na scenie pojawiły się ujęcia z życia narodu radzieckiego, które nie pasowały do muzyki Mozarta. Dlaczego byli potrzebni? Ale nie można było na nie patrzeć, a jedynie słuchać pięknej muzyki austriackiego geniusza. Orkiestra grała wspaniale. Potem nastąpił I Kwartet Aleksandra Mosolowa i dość ciekawa symfoniczna rapsodia Październik Josepha Schillingera, umiejętnie wypełniona motywami pieśni rewolucyjnych.
Druga gałąź również zaczęła się od klasyków. Zagrano Uwerturę Egmont Beethovena. To właśnie Egmont stał się głównym centrum koncertu. Jasne, dramatyczne napięcie i doskonała inżynieria dźwięku natychmiast uchwyciły publiczność, wybuchając gromkim aplauzem. Po Uwerturze pojawiła się muzyka Edmunda Meisela do filmu Siergieja Eisensteina Pancernik Potiomkin. W tym miejscu materiał filmowy był bardziej niż odpowiedni. Film organicznie połączył się z muzyką, doskonale wyglądał i słuchał. Potem były dwie recytacje melodii Juliusza Mejtusa „Uderzenia komunarda” i „O śmierci Iljicza”. Wieczór zakończył własną suitą symfoniczną „Nad Dnieprostrojem” – pogodnym, entuzjastycznym obrazem codzienności radzieckich robotników.
Program koncertu „Nieludzka muzyka” odradzających się Persimfanów wydawał się niejednoznaczny. Odnosiło się wrażenie, że na razie jego istnieniem interesują się tylko muzycy, a nie słuchacze. To było za dawno temu. Dziś zarówno w Rosji, jak i na świecie króluje orkiestra dyrygenta. Publiczność idzie do dyrygentów. W ostatnim koncercie wzięła udział daleka od pełnej Sali. Czajkowskiego, a po przerwie jego szeregi znacznie się przerzedziły, choć szereg numerów, jak już pisałem, przyjęto entuzjastycznie. W programie wieczoru jest kilka linii, w których „pod auspicjami Persimfanów prowadzone są studia kulturowe, organizowane są wystawy i przedstawienia teatralne. Persimfans to dziś uniwersalne połączenie sztuk. Dobrze, ale to tylko na marginesie muzyków. Co do szerokich mas, które w latach dwudziestych ubiegłego wieku cieszyły się koncertami Persimfanów, dziś są dalekie od jego sztuki i prawie jej nie potrzebują. Ale dla studentów instytucji muzycznych jest to interesujące i oczywiście konieczne. Życzymy im powodzenia w tym kierunku. Może dostaniemy coś ciekawego.
Persimfans - pierwszy zespół symfoniczny, orkiestra bez dyrygenta, powstał w 1922 roku i trwał dziesięć lat - okres, w którym w dziwny i paradoksalny sposób GPU i OGPU pod kierunkiem F. Dzierżyńskiego i W. Menżyńskiego i współistniał znaczny stopień wolności artystycznej. Był to okres, w którym cały skumulowany potencjał zjawiska, które dziś nazywa się „rosyjską awangardą”, urzeczywistniał się na placach, salach koncertowych, szkołach artystycznych i architekturze.
Jej działalność ustała w 1932 roku, kiedy wszystkie istotne śruby w kraju zaczęły się całkowicie i nieodwołalnie obracać, a takie zjawiska jak Persymfanowie i muzyka, którą na scenie KZCh 14 grudnia 2017 roku wykonywali współcześni Persimfanowie, zjednoczeni z muzycy düsseldorfskiej Tonhalle niemal natychmiast przeszli do historii.
Obecne wcielenie Persimfans powstało w 2008 roku i jest wynikiem twórczych wysiłków Petra Aidu i Grigory Krotenko. Być może, jeśli fraza „Wyspa Wolności” ma zastosowanie do czegokolwiek, to jest to obecny Persimfans, jako antonim do zwykłego Ordnung, jeśli mówimy o niemieckich kolegach, lub „Dolina smutku”, jeśli mówimy o rodakach . Jak powiedziała w wywiadzie dla telewizji Kultura producentka projektu Elena Charakidzyan: „Niemcom było to oczywiście trudne, bo przyzwyczaili się do porządku, do jasnej hierarchii”, a nie chodzi tu nawet o brak dyrygenta. ale zupełnie inna twórcza motywacja muzyków zaangażowanych w projekt.
Piotra Aidu. Zdjęcie: Władimir Zisman
Persimfans to nie tylko grupa koncertowa, to także ośrodek badawczy. A cały niezwykle nietrywialny program koncertu „Nieludzka muzyka” był tego dowodem.
Oprócz muzyki lat 20. w programie znalazły się także utwory Mozarta i Beethovena. A w kontekście tego wieczoru, otwierającego każdą z dwóch części koncertu, były one bardziej niż organiczne, ponieważ będąc utworami, jak mówią, wiecznymi, zostały wykonane autentycznie do przedziału czasowego, któremu poświęcony był cały koncert.
Uwertura V.-A. Mozarta do opery „Czarodziejski flet” wykonał zespół solistów według wydania z 1930 r. – aranżacje utworów muzycznych dla kina, klubów i szkół. Potem została wydana cała seria takich aranżacji na dowolny utwór typu „skrzypce, tamburyn i żelazo”, czyli utwory klasyczne zostały zorkiestrowane w taki sposób, aby mógł je wykonać dowolny utwór od trzech do kilkunastu osób, a partia fortepianu była rodzajem kierunku, a więc jest w pewnym sensie skrzyżowaniem partytury z clavierem. (Właściwie nie ma w tym nic historycznie nowego – zespoły barokowe wykonywano w ten sam sposób, na tych instrumentach, które znajdowały się w bilansie elektora lub biskupa).
Być może to wykonanie uwertury Mozarta pozostałoby ilustracją akademicką, gdyby w tym czasie na ekranie nad sceną nie było sekwencji wideo - montaż ujęć dokumentalnych z pierwszych lat władzy radzieckiej, wykonany przez artystę dla których najciekawsze są gatunki multimedialne, Plato Infante-Arana.
Muszę przyznać, że wrażenie było dość przerażające. Po pierwsze, brzmienie zespołu instrumentów, choć bardziej akademickie niż wspomniany tamburyn z żelazkiem, stworzyło dźwięk nieco inny niż zwykle symfoniczny. Ale muzyka Czarodziejskiego fletu, jako akompaniament do niemych filmów, nabrała nowego, nieco postmodernistycznego znaczenia.
Powtórka. Zdjęcie: Władimir Zisman
I wreszcie sam teledysk z koszmarnymi twarzami szczęśliwych Wells Morlocks wraz z muzyką Mozarta zrobił niezatarte wrażenie. Rzeczywiście, „wszystkich sztuk…”.
"Die Ursonate" ("Prymitywna, najprostsza sonata") Kurta Schwittersa (1887-1948), eksperymentalne dzieło niemieckiego dadaistycznego artysty, napisane w 1932 roku, znajduje się na równi i w kontekście dzieł chóralnych D. Harmsa i eksperymenty ze słowami, dźwiękami i znaczeniami V. Chlebnikova i A. Kruchenykha. Wykonanie tego opusu było zarówno demonstracją historycznego fenomenu kultury, jak i poniekąd widowiskiem i manifestacją w stosunku do niego ironii, co było najbardziej widoczne w krótkich falsetowych solówkach Grigorija Krotenki i błyskotliwych solówek. Cadenza fonetyczna wykonywana przez artystę Andrieja Tsitsernaki, która zjednoczyła cały koncert jego pojawieniem się na scenie, a nawet stała się stałym uczestnikiem projektu.
Niemniej jednak przy całej tej samowystarczalnej awangardzie, w istocie zamkniętej na eksperyment, dzieło ma dość zrozumiałą strukturę, a nawet dramaturgię, która płynnie przechodzi od niewyraźnych pomruków do wyartykułowanych przemówień w pseudoaryjskiej dialekcie, konstrukcji znanej nas z finału „Próby orkiestrowej” Felliniego. Po części ta praca skojarzeniowa prowadzi w kierunku powieści E. Zamiatina „My”. Co możesz zrobić - "był taki czas". Ogólnie chciałbym zauważyć, że prawie stuletnie doświadczenie historyczne znacząco wzbogaca kontekst pojęciowy o pewną skłonność do ogólnego pesymizmu.
I Kwartet (1 i 2 godz.) A. Mosolowa (1900-1973) w wykonaniu Jewgienija Subbotina, Asi Sorshneva, Siergieja Połtawskiego i Olgi Deminy otworzył nowe aspekty twórczości kompozytora, lepiej znanego z konstruktywistycznej „Fabryki” i utwory o zabarwieniu etnicznym na solistę, chór i orkiestrę. Kwartet pokazał liryczny, kameralny język muzyczny nieznanego i wcale nie brutalnego Mosolowa. Nawet czysto formalne znaleziska sonorystyczne były zdumiewające, a wszystko to pisane było z taką szczerością, jakiej później, w powojennej awangardzie europejskiej, już nie było.
Na zakończenie pierwszej części orkiestra wykonała kultowy, ale niezwykle rzadko wykonywany utwór Josepha Schillingera (1895-1943) poemat symfoniczny „Październik”. I. Schillinger jest bardziej znany jako teoretyk muzyki, jako naukowiec, który stworzył holistyczną teorię muzyki, mieszczącą się w jego dwunastu księgach Systemu oraz jako nauczyciel, od którego oczywiście po jego wyjeździe z ZSRR w 1928 r. , George Gershwin i Glenn studiowali lub pobierali lekcje Miller, Gerry Mulligan i Benny Goodman.
Jednak jego wiersz „Październik”, napisany w 1927 roku, uważany jest za jedno z najbardziej uderzających dzieł tej dekady. W rzeczywistości jest to kolaż symfonicznych cytatów z epoki – z melodii żydowskiego sztetla, organicznie spływających w mikrofragmenty „Marszu kawalerii” braci Pokrass, Międzynarodówki, różnych marszów z „Wszyscy wyszli”. ludu" do żałobnego "... padła ofiarą śmiertelnej walki" i dalej, aż do "Smażonego Kurczaka" w niezwykle pretensjonalnej prezentacji w repryzie - kolażu, który umiejętnie pokazuje organiczną wspólność materiał muzyczny. A wszystko to w formie koncertu fortepianowego.
Zdjęcie: (c) Ira Polyarnaya/Apriori Arts Agency
Oczywiście, aby odczytać sensy tkwiące w utworze, trzeba znać pierwotne źródła, które wymywane są z pamięci pokoleń żyjących prawie sto lat później, a niemiecka część orkiestry jest chyba zupełnie nieznana. To są niestety cechy muzycznego ezoteryzmu.
Część drugą otworzyła uwertura Ludwiga van Beethovena „Egmont”. Podobno utwór ten tradycyjnie należy do burzliwej muzyki rewolucyjnej, poza kilkoma niemalże wyjątkowo wulgarnymi środkami w finale. Choć tutaj w tworzeniu tych harmonicznych zestawień wydaje się, że Beethoven był pierwszy. To znaczy innowator i pionier.
Ściśle mówiąc, w tej pracy nie ma żadnego znaczenia, czy na podium jest dyrygent, czy nie. Jedynym problematycznym miejscem jest przejście od powolnego intro do Allegro, orkiestra nadal gra według koncertmistrza. Tak było i tym razem – Marina Katarznowa, która z pasją prowadziła „górną część” partytury smyczkowej, uruchomiła Allegro absolutnie dokładnie i wyraźnie, dzięki czemu słynna uwertura nie różniła się niczym od tradycyjnego wykonania. zespół, tempo, dynamika. Może tylko przez aurę wolności i przyjemności. Oznacza to, że dyrygent więcej, dyrygent mniej ...
Zdjęcie: (c) Ira Polyarnaya/Apriori Arts Agency
Ostatnio powszechnym zjawiskiem w orkiestrach stało się wykonywanie muzyki koncertowej do filmów z towarzyszeniem sekwencji wideo. Najbardziej typowym przykładem jest wykonanie suity S. Prokofiewa „Aleksander Newski” do materiału filmowego Siergieja Eisensteina. Odbywa się to prawie z taką samą częstotliwością, jak wykonanie opowiadania A. Puszkina „Burza śnieżna” przez czytelników do muzyki suity o tej samej nazwie G. Sviridova w wykonaniu tej samej (czyli dowolnej) orkiestry.
Ale wykonanie „w ramach” muzyki austriackiego i niemieckiego kompozytora Edmunda Meisela (1894-1930) do filmu Eisensteina „Pancernik Potiomkin” to już inna historia. Ścieżka dźwiękowa E. Meisela jest w znacznie większym stopniu muzyką kina niż suita S. Prokofiewa.
Dlatego jego wykonanie przez Persimfans Chamber Ensemble z jednej strony było bardzo trudnym zadaniem, a z drugiej niezwykle interesujące było zapoznanie się z tym błyskotliwym dziełem, jednym z wczesnych i godnych uwagi przykładów muzyki filmowej, dorównującej temu. dzieło wielkiego Eisensteina. Jednocześnie czerpiesz wielką przyjemność zarówno z umiejętności muzyków, jak i umiejętności kompozytora, ponieważ w końcu zwracasz uwagę nie tylko na film, ale słyszysz i zauważasz, jakimi środkami technologicznymi E. Meisel rozwiązuje pewne problemy, aż po obraz ruchu za pomocą środków muzycznych, tłoki silników parowych – praktyczny odpowiednik „Rośliny” A. Mosolova czy „Pacyfiku 231” A. Honeggera lub czysto formalistyczne, ale bardzo skuteczne techniki, takie jak wznoszące się sekwencje ucieleśniające rosnące napięcie. I tu oczywiście dokładnym trafieniem w kadr jest najwyższy zespół akrobacyjny grupy solistów Persimfans.
Koncert zakończył się utworami Juliusa Meitus (1903-1997). Grigorij Krotenko, przy akompaniamencie Petra Aidu, wykonał utwór wokalny zatytułowany „Cios komunarda”, a Andrey Tsitsernaki – opus deklamacyjny Juliusza Mejtusa „O śmierci Iljicza”, w wykonaniu którego przebieg wydarzeń był przekonujący zilustrowany w stylu wczesnego radzieckiego teatru robotniczego (twórczość z 1924 r.).
Zdjęcie: Władimir Zisman
Na zakończenie orkiestra wykonała suitę symfoniczną „Nad Dnieprostrojem” (1932), utwór znany już wielbicielom Persimfanów, dość złożony w wykonaniu, ale mimo to mistrzowsko wykonany przez orkiestrę.
Na bis Piotr Aidu i Persimfans Orchestra wykonali dość lakoniczny koncert fortepianowy A. Mosolova.
Podsumowując, nie mogę sobie odmówić przyjemności zacytowania frazy z artykułu Josepha Schillingera, napisanego w 1926 roku i starannie przedrukowanego w programie wydanym na koncert „Nieludzka muzyka”. "W żadnej innej orkiestrze nie widziałem tak kochającego stosunku do partytury, takiego pragnienia jej spełnienia w stu procentach." Obecni Persimfanowie w pełni zachowali tę tradycję.
Wieczorem w Wielkiej Sali Konserwatorium orkiestra symfoniczna bez dyrygenta znakomicie zagrała różnorodne utwory z lat 1910-1930, od słynnego koncertu skrzypcowego Prokofiewa po kantatę Daniiła Charmsa.
Brzmiąca nazwa „Persimfans” oznacza „Pierwszy zespół symfoniczny”. Różnica między zespołem a orkiestrą polega na tym, że wbrew zasadom gra ona zasadniczo bez dyrygenta. Taki zespół założyli w Moskwie w 1922 roku młodzi muzycy, którzy marzyli o przeniesieniu komunistycznych ideałów do tak burżuazyjnej sprawy, jak muzyka symfoniczna. Najbardziej zaskakujące jest to, że im się udało: według współczesnych Persimfanowie wykonywali najbardziej złożone dzieła klasycznego repertuaru z cudowną spójnością i siłą. Ale w 1933 roku demonstracja możliwości rozwiązywania złożonych problemów przez duży zespół bez wrażliwego indywidualnego przywództwa stała się nieco przedwczesna - i Persimfans został rozwiązany.
Kiedy każdy jest swoim własnym dyrygentem...
Odrodzić się w 2009 r. dzięki wysiłkom tych samych młodych archaistów awangardowych o konserwatywnym wyszkoleniu, przede wszystkim pianisty Petra Aidu i kontrabasisty Grigorija Krotenki. Jednak kontekst w XXI wieku jest już inny. Nie tyle polityczny, co muzyczny. Przecież „post-bopowe” zespoły jazzowe, a zwłaszcza zespoły prog-rockowe, takie jak King Crimson, nauczyły nas, że „wymyślną” muzykę można grać bez nut na pulpitach i dyrygenta na podium – ale ze sporą dawką teatralność. Dokładnie to ujawniono na koncercie nowych Persimfanów 9 kwietnia 2017 r. W takiej cytadeli akademizmu jak Wielka Sala Konserwatorium Moskiewskiego. Program był jednak awangardowy z umiarem. Obejmowały one orientalny poemat symfoniczny Siergieja Lapunowa „Haszysz” (1913) oparty na poemacie Arsenija Goleniszchowa-Kutuzowa pod tym samym tytułem, I Koncert skrzypcowy Siergieja Prokofiewa (1917), suitę symfoniczną Juliusza Mejtusa „Nad Dnieprostrojem” (1932) oraz kantata Daniil Charms (!) „Zbawienie” (1934).
Persimfans zaczęli od Dnieprostroja. Autor suity znany jest jako ortodoksyjny socrealista, autor zapomnianych dziś oper „Bracia Uljanowowie”, „Richard Sorge”, „Jarosław Mądry”. Ale w latach dwudziestych to on stworzył pierwszy zespół jazzowy na Ukrainie i był jedynym „poważnym” kompozytorem zainteresowanym tak awangardowym urządzeniem jak „proletariackie orkiestry hałasu” – daleko wyprzedzając „noise” i „industrial”. ery elektronicznej! W rzadko brzmiącej suity z 1932 r. te jego zainteresowania znalazły bezpośredni wyraz. I tak, czasami brzmiało to jak rock progresywny. Tylko nie na gitarach i syntezatorach, ale na instrumentach wielkiej orkiestry symfonicznej, od harfy po perkusję. Ten dziwny efekt objawił się jeszcze bardziej w „nieplanowanym” utworze Mejtusa, wcześniej nie zapowiadanym w programie – małym oratorium dla czytelnika z orkiestrą „Śmierć Iljicza”.
Ale po umieszczeniu w programie koncertu skrzypcowego Prokofiewa, Persisfans oczywiście mocno „zastąpili”. Koncert ten został nagrany przez najlepszych skrzypków z najlepszymi dyrygentami. Ale skrzypaczka Asya Sorshneva, która mimo młodego wieku jest dyrektorem artystycznym festiwalu Lege Artis w austriackim mieście Lech am Alberg i Persimfans, całkowicie wytrzymała „konkurs”. Ich interpretacja jednego z arcydzieł modernizmu była czasem nieoczekiwana, ale zawsze przekonująca.
To samo można powiedzieć o przykładzie przedrewolucyjnego orientalizmu - "Orientalnym poemacie symfonicznym" Lapunowa, napisanym na wątku małego wiersza o tej samej nazwie przez A.A. Golenishchev-Kutuzov, poeta i oficer. Przed rozpoczęciem muzyki wykonał ją w skróconej formie aktor Andrey Yemelyanov-Tsitsernaki, który wcielił się w rolę zarówno recytatora, jak i artysty. Wiersz opisuje odurzające sny biednego palacza, w którym albo wznosi się do nieba, albo wpada do piekła. Teraz oczywiście ten pikantny utwór jest odbierany nie tyle jako „orientalny”, ale jako „psychodeliczny” – zabierający słuchaczy nie do Azji Środkowej w XIX wieku, ale do Kalifornii w latach 60.…
Koncert w Wielkiej Sali Konserwatorium to skok w legendarną erę lat 20.
Ostatni utwór koncertu to prawie bis. Harms oczywiście nie pozostawił kantaty z nutami; wytyczył tabelę z tekstami dla czterech solistów i wieloma „technicznymi” instrukcjami, na podstawie których współczesny kompozytor Andrei Semenov „zharmonizował” tekst. Persimfans wykonali to opus, opowiadające o dwóch tonących w morzu dziewczynach i dwóch odważnych ratownikach („płynie woda, klu-klu-klu-klu, a ja kocham-miłość-miłość!”), jako utwór chóralny, włamując się do 4 grupy.
A potem, kiedy muzycy odłożyli instrumenty i stanęli twarzą do publiczności, pokazując młode twarze i jaskrawoczerwone, wcale nie akademickie stroje, stało się zupełnie jasne: choć koncert w BZK uważany jest za „akt wyjścia” Lege Festiwal Artis, w rzeczywistości to skok w legendarną epokę lat 20. XX wieku. Parafrazując ówczesnego poetę: awangarda to młodość świata i musi być wykonana przez młodych!
