Co to jest kostium teatralny? Kostium sceniczny - dlaczego jest potrzebny aktorowi i dlaczego jest ważny dla inscenizacji Co zawiera kostium teatralny.

TEATR to syntetyczna forma sztuki, która pozwala nam nie tylko słyszeć, nie tylko wyobrażać sobie, ale także patrzeć, widzieć. Teatr daje nam możliwość bycia świadkiem dramatów psychologicznych oraz uczestnikiem historycznych czynów i wydarzeń. Teatr, spektakl teatralny powstaje dzięki staraniom wielu artystów, począwszy od reżysera i aktora, a skończywszy na scenografie, ponieważ spektakl jest „połączeniem różnych sztuk, z których każda ulega przeobrażeniu i nabiera w tym planie nowej jakości”. ...”

Kostium teatralny jest składnikiem wizerunku scenicznego aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają w reinkarnacji aktora; środków artystycznego oddziaływania na widza. Dla aktora garnitur to materia, forma inspirowana znaczeniem roli.

Tak jak aktor słowem i gestem, ruchem i barwą głosu tworzy nową istotę obrazu scenicznego, wychodząc od tego, co jest podane w sztuce, tak artysta, kierując się tymi samymi danymi sztuki, ucieleśnia obraz poprzez środki jego sztuki.

W ciągu wielowiekowej historii sztuki teatralnej scenografia podlegała konsekwentnie ewolucyjnym przemianom, spowodowanym nie tylko doskonaleniem techniki scenicznej, ale także wszelkimi zmiennymi stylami i modami tamtych czasów. Zależało to od charakteru konstrukcji literackiej sztuki, gatunku dramaturgii, składu społecznego publiczności oraz poziomu warsztatu scenicznego.

Okresy stabilnych struktur architektonicznych starożytności ustąpiły miejsca prymitywnym etapom średniowiecza, które z kolei ustąpiły miejsca królewskim teatrom dworskim z samowystarczalnym luksusem przedstawień. Występy odbywały się w suknach, w skomplikowanych scenografiach konstrukcyjnych, tylko w oświetleniu, w ogóle bez dekoracji - na gołej scenie, na podwyższeniu, tylko na chodniku.

Rola kostiumu jako „ruchomej” scenerii zawsze była dominująca. Zmienił się punkt widzenia na jego "związek" z aktorem, czasem i historią, wreszcie z jego bezpośrednim "partnerem" - scenografią sceniczną.

W procesie postępującego rozwoju sztuki teatru nowoczesnego, nowatorstwa reżyserskiego, przemiany sposobu projektowania artystycznego rola sztuki kostiumowej nie słabnie, wręcz przeciwnie. Wraz z rozwojem swoich młodszych i bardziej elastycznych odpowiedników – kina i telewizji – teatr niewątpliwie nabywa w poszukiwaniu i dręczeniu nowych form techniki widowiskowej, właśnie takich, które broniłyby i określały pozycję teatru jako trwałej wartości niezależnego forma sztuki. Kostium, jako najbardziej mobilny element scenografii teatralnej, zajmuje w tych poszukiwaniach pierwsze miejsce.

Wysoka współczesna kultura sztuki teatralnej, subtelna i głęboka praca reżyserska nad sztuką i przedstawieniem, utalentowana gra aktorska wymagają od twórcy spektaklu szczególnie głębokiego wniknięcia w dramaturgię przedstawienia, bliskiego kontaktu z kierunek. Nowoczesne wzornictwo nie jest kanonizowane przez zasady. Jest indywidualny i konkretny w każdym konkretnym przypadku. „Praca reżysera jest nierozerwalnie związana z pracą artysty. Reżyser musi najpierw znaleźć własne odpowiedzi na podstawowe problemy scenograficzne. Artysta z kolei musi odczuwać zadania oprawy i wytrwale poszukiwać środków wyrazu…”

Kostium teatralny powstaje najpierw za pomocą środków wizualnych, czyli szkicu.

KOSTIUM TEATRALNY, element wydajności. W historii teatru znane są trzy główne typy kostiumów teatralnych: postać, gra i strój postaci. Te trzy główne rodzaje kostiumów istnieją na wszystkich etapach sztuk widowiskowych – od rytualnego rytuału i folklorystycznego przedteatru do współczesnej praktyki artystycznej.

Kostium postaci jest rodzajem kompozycji figuratywno-plastycznej na postaci wykonawcy, wprawionej przez niego w ruch i udźwiękowionej (poprzez wymówienie tekstu lub śpiew), czasem całkowicie zasłaniając jego postać, podobnie jak maska ​​zakrywała jego twarz. Przykłady strojów postaci w obrzędach i ceremoniach różnych krajów świata. Dzwonowata sylwetka stroju indiańskiego była parafrazą świątyni-namiotu Nagar Shakhara i świętej góry Menu (centrum i oś świata w mitologii hinduskiej). Chiński - swoim kształtem, projektem, ornamentami i kolorem wyraża starożytną kosmologiczną symbolikę naturalnej przemiany Światła i Ciemności, połączenia Nieba i Ziemi w akcie stworzenia świata. Strój szamana ludów Północy ucieleśnia wizerunki fantastycznego ptaka kojarzonego ze „światem górnym” i zwierzęciem (mieszkańcem „świata niższego”). Południowo-rosyjski jest swego rodzaju modelem wszechświata. W tradycyjnych przedstawieniach Opery Pekińskiej kostiumem był wizerunek budzącego grozę smoka, w japońskim teatrze „Nie” - motywy natury, aw epoce baroku XVII wieku. - Targi lub Świat. Jeśli do rytualnych przedstawień rytualnych i folklorystycznych kostiumy postaci (podobnie jak wszystkie inne elementy scenografii) były owocem pracy anonimowych mistrzów ludowych, to w XX wieku od samego początku zaczęli je komponować artyści: I. Bilibin - w operze Złoty Kogucik N. Rimski-Korsakow (1909), K. Frych - w bure W. Szekspir (1913), W. Tatlin - w Car Maksymilian, P. Filonov - w tragedii Władimir Majakowski, wreszcie K. Malewicz - w projekcie zwycięstwo nad słońcem(wszystkie trzy produkcje w 1913 r.). A potem, pod koniec lat 1910-tych - pierwsza połowa lat 20-tych. całą serię kostiumów postaci stworzyli włoscy futuryści E. Prampolini, F. Depero i inni, O. Schlemmer z niemieckiego Bauhausu, a w balecie – P. Picasso, który ukazywał groteskowych Menedżerów w Parada E. Satie i F. Leger - bóstwa murzyńskie w Stworzenie świata D. Millau. Wreszcie kubistyczna „architektura” kostiumu A. Vesnina nabrała charakteru w przedstawieniach A. Tairova - w zwiastowanie, jego suprematystyczne kompozycje na postaciach bohaterów Fedra. Na inne sceny - „kostiumy muszelkowe” Y. Annenkowa w sztuce Gaz G. Kaiser i A. Petritsky - w Viy, a także fantastyczne kolaże jako kostiumy postaci do spektaklu rewident księgowy, które stworzyli uczniowie P. Filonowa (N. Evgrafov, A. Landsberg i A. Sashin) na temat znaczków, herbów, pieczęci, kopert itp. - postać poczmistrza, receptury, podpisy, strzykawki, clystery, termometry - postać Doktora, butelki, kiełbaski, szynki, arbuzy itp. - postać Man-Tavern. W drugiej połowie XX wieku kostiumy jako niezależne postacie wizualne, ukazane oddzielnie od aktorów, jako element scenografii stworzyli M. Kitaev i S. Stavtseva, a jako różnego rodzaju kompozycje na postaciach aktorów – K.Shimovskaya, D.Mataitene, Yu Charikow.

Kostium do gry to sposób na zmianę wyglądu aktora i jeden z elementów jego gry. W przedstawieniach rytualnych i folklorystycznych przeobrażenia miały najczęściej charakter groteskowo-parodystyczny, gdy mężczyźni przebierali się za kobiety, kobiety za mężczyzn, młodzieńcy za starców, piękności za czarownice, czy przedstawiano różne zwierzęta. Jednocześnie używano wszystkiego, co było pod ręką: żupana, kożucha, osłony, kożucha - zawsze wywróconego na lewą stronę, zabawniejszego i zabawniejszego, a także każdego innego, nieco śmiesznego, „odwróconego” ubrania, na przykład przekrótkie spodnie, nieracjonalnie szeroka koszula, pończochy z dziurami, wszelkiego rodzaju łachmany, szmaty, szmaty, worki, liny; wykorzystano również wszystko, co dała natura: trawę, kwiaty, słomę, liście. Wreszcie do ubierania używano również różnych ozdób sztucznych: kolorowego papieru, kory brzozowej, folii, szkła, wstążek, luster, dzwonków, piór itp. Techniki groteskowej maskarady przeszły zarówno do przedstawień komedii starożytnej Grecji, jak i do tradycyjnego teatru Wschodu, gdzie łączono je z urozmaiconą grą aktora elementami jego kostiumu: długimi rękawami i piórami bażanta - w Operze Pekińskiej trenuje , ręczniki i wentylatory - w japońskim „ale”. Spektakle włoskiej commedia dell'arte, sztuki Szekspira i Lope de Vegi budowane były na niekończących się przebraniach i przebraniach. Pod koniec XVIII wieku Swój słynny taniec Emma Hart (Lady Hamilton) zbudowała na grze szalem, po czym podobne techniki (manipulowanie chustami, narzutami, welonami i innymi podobnymi elementami stroju) były szeroko stosowane w teatrze baletowym XIX wieku, osiągając swe najwyższy poziom artystyczny w twórczości L. Baksta, którego szkice obrazów choreograficznych obejmowały dynamikę różnych latających tkanin, pasów, szalików, spódnic, szalików, płaszczy przeciwdeszczowych, peleryn, wisiorków, podwiązek. Na scenie dramatycznej tradycję kostiumu grającego wraz z ruchami aktora kontynuował – za pomocą kubofuturystycznej wyrazistości – A. Exter w przedstawieniach Teatru Kameralnego Salome O. Wilde i Romeo i Julia W. Szekspira, a za nim jej uczeń P. Chelishchev i inni mistrzowie początku lat 20.: W. Chodasiewicz i I. Niwiński, I. Rabinowicz i G. Jakułow, S. Eisenstein i G. Kozintsev, wreszcie znowu na scenie baletowej, w produkcjach K. Goleizovsky'ego - B. Erdmana. Jeśli w tym okresie kostiumy teatralne stanowiły cały nurt w scenografii, to w drugiej połowie XX wieku. wykorzystywali je także artyści i reżyserzy dość szeroko, ale z konieczności, jako element „palety” dostępnych im środków wyrazu. Wśród autorów współczesnych kostiumów teatralnych są gruzińscy artyści Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili i N. Ignatov, podobne przykłady można znaleźć w teatrach innych krajów: w Polsce, Czechach, Niemczech, we Włoszech.

Kostium, jako strój postaci, będący często podstawą komponowania omówionych wyżej rodzajów kostiumów (postaciowego i gry), we wszystkich okresach historycznego rozwoju teatru, w mniejszym lub większym stopniu ucieleśnienie na scenie tego, co ludzie nosili w danym okresie. Tak było w starożytnych tragediach i tak jest w przedstawieniach naszych czasów. Jednocześnie ogólną ewolucję tego typu ubioru charakteryzowało przejście od konwencjonalnych form ubioru rzeczywistego (w epoce baroku i klasycyzmu) do jego coraz większej rzetelności historycznej, geograficznej, narodowej, dokładności i autentyczności. W teatrze naturalizmu i realizmu psychologicznego kostium staje się w pełni adekwatny do charakteru bohatera, wyraża nie tylko jego status społeczny, ale i stan ducha. Jednocześnie zarówno współcześnie, jak i w minionych stuleciach kostium pozostaje przedmiotem szczególnej twórczości artystów (wśród których są najwybitniejsi mistrzowie plastyki i scenografii) i to oni go komponują (nawet pozornie codzienne stroje codzienne, by nie wspomnieć fantastykę), nie tylko jako osobny utwór, ale jako istotny element spektaklu.

Na podstawie książki Zakharzhevskaya R. V. „Historia kostiumu”

Wstyd się przyznać, ale jestem typem reżysera i aktora, dla którego kostium sceniczny nie ma znaczenia. Tak naprawdę jest mi wszystko jedno, co mam na sobie na scenie, a nawet najdokładniejszy kostium nie pomaga mi lepiej przyzwyczaić się do wizerunku postaci, bo o wiele ważniejsze jest dla mnie dopasowanie wewnętrzne. Jako reżyser nigdy nie trzymam się epoki ani miejsca, wolę myśleć, że to nie ma znaczenia i że historia, którą chcę opowiedzieć, mogłaby wydarzyć się gdziekolwiek i kiedykolwiek. Przyczyną takiej obojętności wobec komponentu wizualnego we mnie jest prawdopodobnie moja całkowita ignorancja w zakresie sztuk wizualnych i niedorozwój percepcji wzrokowej. Ale sam rozumiem, jak bardzo się mylę i ile przez to tracą moje produkcje.

Czym więc jest kostium sceniczny i dlaczego jest ważny zarówno dla aktora, jak i dla całej produkcji? Kostium teatralny jest składnikiem wizerunku scenicznego aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają w reinkarnacji aktora; środków artystycznego oddziaływania na widza. Błędem jest myśleć, że garnitur ogranicza się tylko do ubrania. To także makijaż, fryzura, buty, dodatki (parasole, szaliki, szaliki, teczki, torby, czapki, biżuteria). Tylko w takim kompleksie rzeczy koncepcja kostiumu jest kompletna.

Dla aktora garnitur to materia, forma inspirowana znaczeniem roli. Claude Autan Lara, znany francuski reżyser filmowy, pisze w artykule „Kostiumograf w kinie musi ubierać postacie”: pejzaż, strój oddaje stan umysłu: dzięki niemu każdy z nas odsłania jakąś część swojej osobowości , jego przyzwyczajenia, jego upodobania, jego poglądy, jego zamiary... Kostium mówi, że ta osoba właśnie zrobiła, co zamierza zrobić, dlatego kostium w kinie musi być przede wszystkim wskazówką psychologiczną. .. "

Już podczas prac przygotowawczych nad sztuką czy filmem artysta rysuje szkice kostiumów, zaczynając od idei zawartej w dramaturgii, pomysłu reżysera, decyzji stylistycznej przyszłej produkcji i oczywiście od charakterystyki postaci. Szkic sugeruje styl noszenia kostiumu, chód, uwzględnia niezbędną deformację sylwetki, ułożenie głowy, ruch rąk i sposób ich trzymania, ostrość rysunku sylwetki, aktora w kostiumie.

Zły kostium może „zabić” aktora; dobrze - „podbić”, dać klucz do zrozumienia roli, do ujawnienia pewnych cech postaci. Jeśli kostium jest niewygodny, jeśli spada, pęka, klei się do rekwizytów i scenerii, utrudnia poruszanie się, to aktor (a wraz z nim widzowie) będą przez niego nieustannie rozpraszani, zapominając o linii roli. Jednocześnie dobry kostium, odzwierciedlający charakter postaci, pozwoli lepiej przyzwyczaić się do roli, poczuć prawdę, a nawet stworzyć wymagany stan emocjonalny.

Co więcej, widz jest również w stanie rozważyć wiele cech postaci po prostu na podstawie jego wyglądu. Przypomnij sobie przynajmniej Charliego Chaplina z jego słynnym włóczęgą. „Melonik, wąsy i laska mówią o pomyślności, ale jakież smutne rozczarowanie przeżywamy, gdy nasz wzrok ślizga się po workowatym surducie i opadających na buty „zagranicznych” spodniach! Nie, życie się nie powiodło! Tak umiejętnie zagrane części ubioru, zbudowane kontrastowo, stworzyły niezapomniany pod względem perswazji i siły oddziaływania obraz, który stał się symbolem „małego człowieczka”.

Kostium jest w stanie wyrazić cechy psychiczne bohatera, tj. zdradzać cechy jego charakteru (życzliwość, skąpstwo, buta, skromność, śmiałość, rozmach, kokieteria itp.) czy stan umysłu i nastroju. Charakter osoby zawsze odzwierciedla się w jej wyglądzie. Jak się nosi garnitur, jakimi detalami jest dopełniony, w jakich zestawieniach jest wykonany – to cechy, które zdradzają charakter właściciela. I aktor musi o tym pamiętać. Elegancka dama w normalnym stanie umysłu nie może być nieostrożna w garniturze. Odpowiedzialny oficer nie może sobie pozwolić na niezapięcie wszystkich guzików munduru. Z drugiej strony, właśnie takie odchylenia od normy dadzą szczególny stan emocjonalny bohatera.

Kostium może również wyrażać cechy społeczne bohatera. Po kostiumie widz bezbłędnie rozpoznaje bogatych i biednych, wojskowych i inteligencję, szlachtę i mieszczan.

Ponadto kostium na scenie może zmienić postać aktora nie tylko w zależności od wizerunku i wieku, ale także w zależności od mody. Deformacja, jeśli nie mówimy o plastycznej zmianie sylwetki za pomocą grubości lub nakładek, odbywa się poprzez zmianę proporcji głównych linii sylwetki i specjalny krój garnituru, przesuwanie linii talii, różne formy gorsetu. Takie zmiany mogą być wielką pomocą w kreowaniu ról postaci i bohaterów żyjących w danej epoce.

Nie wystarczy mieć dobry kostium dla aktora. Pracuj w garniturze. To „osiedlenie się”, „starzenie się”, „zużycie się”. To także rodzaj psychologicznej pracy z kostiumem, jeden z realnych środków „rewitalizacji” i „uduchowienia” kostiumu. Nie mówię o tym, że po prostu trzeba się przyzwyczaić do kostiumu, bo im szybciej aktor znajdzie kostium, tym szybciej zacznie w nim ćwiczyć, tym lepiej. Tak więc zakończenie tworzenia obrazu-kostiumu pozostaje w gestii aktora: jak go pokona, jak się do niego przyzwyczai, jak będzie mógł go nosić.

Kostium oczywiście odzwierciedla czas i miejsce akcji. Jest to szczególnie ważne w codziennych i realistycznych przedstawieniach. Jeśli kostiumy są adekwatne do epoki lub pięknie do niej stylizowane, widzowie będą mieli większe zaufanie do tego, co dzieje się na scenie. Nie mówię tu o wpadkach kostiumowych w filmach, które szczególnie żrący widzowie odkładają potem na długo i z przyjemnością (przykłady można przeczytać).

Kostium, podobnie jak scenografia, zależy od stylu przedstawienia. „...Przychodzi taki moment, kiedy reżyser jakby nagle odkrywa, że ​​znalazł rozwiązanie spektaklu i od tego momentu będzie miał już klucz do każdego szczegółu. Odnaleziony styl podpowie Ci, jak aktorzy powinni chodzić, jak siedzieć, czy mówić romantycznie optymistycznie, czy na co dzień twardo stąpać po ziemi. Ten sam styl powie Ci, czy dekoracje mają być proste, czy wyszukane, czy meble autentyczne, czy wesoło pomalowane z tyłu; czy kostiumy powinny być łączone w ostrych kontrastach kolorystycznych, czy też być tego samego typu?..” Cechy stylistyczne, w tonacji, w jakiej decyduje się wykonanie, określane są przede wszystkim miarą ich potrzeby rozpoznania gatunku utworu dramatycznego i odsłonić jego istotę. Dlatego na przykład kostiumy w Hamlecie Ljubimowa, Nyakroshyus i Zeffirelli tak bardzo się od siebie różnią.

Czasem kostium może stać się samodzielnym symbolem, gdy widz odbiera go już nie tylko jako strój bohatera, ale odczytuje zamysł reżysera, metaforę zawartą w kostiumie. Mówiłem już o tym, wspominając o Charliem Chaplinie, którego kostium stał się symbolem zarówno „małego człowieczka”, jak i samego Chaplina. Czerwona suknia bohaterki spektaklu „Kalkverk”, o który mi chodzi, nadaje jej cechy demoniczne, postrzegana jest jako zagrożenie, niebezpieczeństwo. Co więcej, sama zmiana zwykłej szarej sukni na jaskrawoczerwoną wskazuje na nierzeczywistość tego, co się dzieje, że to tylko sen stworzony przez chorą wyobraźnię bohatera.

Chciałem też napisać kilka praktycznych wskazówek, ale już wyszedł „arkusz”. Oczywiście ten temat jest interesujący i ogromny. Jestem dopiero na początku jej odkrywania, więc na pewno jeszcze nie raz do niej wrócę.

Podsumowując:

1. Kostium jest sposobem na ujawnienie charakteru postaci.

2. Kostium może zmienić postać aktora.

3. Kostium odzwierciedla czas i miejsce akcji, styl epoki.

4. Kostium jest ważną częścią wyrazistej decyzji i stylu sztuki lub filmu.

5. Garnitur może stać się symbolem.

Sztuka kostiumu teatralnego

„Częścią planu, która jest w rękach aktorów, jest jego kostium”.
Encyklopedia francuska.

„Kostium jest drugą skorupą aktora, jest czymś nierozłącznym z jego istotą, jest widoczną maską jego scenicznego wizerunku, który musi się z nim tak integralnie stopić, aby stać się nierozłącznym…”
A. Ja Tairow.

Teatr to syntetyczna forma sztuki, która pozwala nam nie tylko słyszeć, nie tylko wyobrażać sobie, ale także patrzeć, widzieć. Teatr daje nam możliwość bycia świadkiem dramatów psychologicznych oraz uczestnikiem historycznych czynów i wydarzeń. Teatr, spektakl teatralny powstaje dzięki staraniom wielu artystów, począwszy od reżysera i aktora, a skończywszy na scenografie, ponieważ spektakl jest „splotem różnych sztuk, z których każda ulega przeobrażeniu i nabiera w tym planie nowej jakości”. ...”.

Kostium teatralny jest składnikiem wizerunku scenicznego aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają w reinkarnacji aktora; środków artystycznego oddziaływania na widza. Dla aktora garnitur to materia, forma inspirowana znaczeniem roli.
Tak jak aktor słowem i gestem, ruchem i barwą głosu tworzy nową istotę obrazu scenicznego, wychodząc od tego, co jest podane w sztuce, tak artysta, kierując się tymi samymi danymi sztuki, ucieleśnia obraz poprzez środki jego sztuki.

W ciągu wielowiekowej historii sztuki teatralnej scenografia podlegała konsekwentnie ewolucyjnym przemianom, spowodowanym nie tylko doskonaleniem techniki scenicznej, ale także wszelkimi zmiennymi stylami i modami tamtych czasów. Zależało to od charakteru konstrukcji literackiej sztuki, gatunku dramaturgii, składu społecznego publiczności oraz poziomu warsztatu scenicznego.

Okresy stabilnych struktur architektonicznych starożytności ustąpiły miejsca prymitywnym etapom średniowiecza, które z kolei ustąpiły miejsca królewskim teatrom dworskim z samowystarczalnym luksusem przedstawień. Występy odbywały się w suknach, w skomplikowanych scenografiach konstrukcyjnych, tylko w oświetleniu, w ogóle bez dekoracji - na gołej scenie, na podwyższeniu, tylko na chodniku.

Rola kostiumu jako „ruchomej” scenerii zawsze była dominująca. Zmienił się punkt widzenia na jego "związek" z aktorem, czasem i historią, wreszcie z jego bezpośrednim "partnerem" - scenografią sceniczną.

W procesie postępującego rozwoju sztuki teatru nowoczesnego, nowatorstwa reżyserskiego, przemiany sposobu projektowania artystycznego rola sztuki kostiumowej nie słabnie, wręcz przeciwnie. Wraz z rozwojem swoich młodszych i bardziej elastycznych odpowiedników – kina i telewizji – teatr niewątpliwie nabywa w poszukiwaniu i dręczeniu nowych form techniki widowiskowej, właśnie takich, które broniłyby i określały pozycję teatru jako trwałej wartości niezależnego forma sztuki. Kostium, jako najbardziej mobilny element scenografii teatralnej, zajmuje w tych poszukiwaniach pierwsze miejsce.

Wysoka nowożytna kultura sztuki teatralnej, subtelna i głęboka praca reżyserska nad spektaklem i spektaklem, utalentowana gra aktorska wymagają od projektanta kostiumów projektującego przedstawienie szczególnie starannego wniknięcia w dramaturgię przedstawienia, bliskiego kontaktu z kierunek. Nowoczesne wzornictwo nie jest kanonizowane przez zasady. Jest indywidualny i konkretny w każdym konkretnym przypadku. „Praca reżysera jest nierozerwalnie związana z pracą artysty. Reżyser musi najpierw znaleźć własne odpowiedzi na podstawowe problemy scenograficzne. Artysta z kolei musi wyczuć zadania oprawy i wytrwale szukać środków wyrazu…”.
Kostium teatralny powstaje najpierw za pomocą środków wizualnych, czyli szkicu.
Szkic kostiumu teatralnego

Każdy spektakl lub spektakl grany na scenie ma na celu dostarczenie widzowi między innymi estetycznej przyjemności z tego, co zobaczył. Dlatego tak ważne jest ubranie postaci w odpowiednie kostiumy teatralne. Wtedy łatwo będzie poczuć ducha epoki dzieła, uchwycić charakter postaci i po prostu cieszyć się pięknem spektaklu.

Kostiumy teatralne od starożytności do współczesności

Ubrania aktorów ulegały modyfikacjom od czasu pojawienia się teatru jako takiego, aż do dnia dzisiejszego:

• Próbowali tworzyć obrazy sceniczne w starożytności, eksperymentując z improwizowanymi materiałami. Nawet w starożytnych Chinach i Japonii można było obserwować aktorów w specyficznych strojach, zwłaszcza na przedstawieniach odświętnych lub rytualnych. W Indiach, w czasach starożytnych, uliczni tancerze ubierali się również w niezwykłe jasne sari, aby przyciągnąć uwagę. A wraz z pojawieniem się sztuki malowania naturalnymi barwnikami sari stały się nie monofoniczne, ale wzorzyste.
• To „teatralny” można nazwać kostiumem, który pojawił się w starożytnej Grecji. Zastosowano groteskowe maski, makijaż, a szczególny kolor strojów postaci wskazywał na status lub profesję bohatera spektaklu.
• Następnie teatr europejski zaczął się rozwijać w epoce feudalizmu, kiedy to wystawiano spektakle tzw. „tajemnice” przekazywali wędrowni artyści – histriony. Wygląd postaci odznaczał się elegancją i bogatymi elementami zdobniczymi.
• Renesans ze swoimi komediami dell'arte cechuje groteskowość. Za pomocą strojów, fryzur i peruk, nakryć głowy, butów, masek i makijażu powstawały dowcipne obrazy, podkreślano cechy charakterystyczne konkretnych postaci, które były wyśmiewane lub zachwycały widza (fantazyjne pióra na czapkach, kolorowe pantalony).
• W następnych stuleciach w każdym państwie europejskim i wschodnim istniały teatry, salony muzyczne, opery, balety itp. Stroje stały się bardziej zróżnicowane, często oddając ducha epoki historycznej, ubiory współczesne, uwalniające się od nadmiernej stylizacji. Dlatego na scenie można było zobaczyć zarówno znane widzowi obrazy, jak i odtworzone kostiumy historyczne, naturalistyczne pozory i fantazyjne makijaże.

Na szczególną uwagę zasługuje rosyjski kostium teatralny. Bufony są uważane za jego pierwszych twórców. Jasne koszule, kaftany z szarfami, łykowe buty, czapki z dzwoneczkami, naszywki na spodniach – wszystkie te elementy stroju przypominały chłopskie stroje, ale w przesadnie satyrycznej formie. Był teatr kościelny, w którym aktorzy byli ubrani na biało, jak aniołowie. W teatrach szkolnych postacie miały własne emblematy. A za cara Aleksieja Michajłowicza działał profesjonalny teatr. Dlatego elementy stroju władcy nosiły znamiona królewskiej godności, stosowano szyte na miarę hafty, ręcznie szyto drogie kamienie i wyszukane ozdoby.

Rodzaje

Zwyczajowo wyróżnia się trzy główne rodzaje kostiumów:

1. Osobisty. Ten typ jest kompozycją figuratywno-plastyczną, która jest bezpośrednią częścią całego wizerunku wykonawcy roli. W garniturze postać często jest całkowicie ukryta. Sam aktor wprawia ją w ruch i wypowiada. Tak więc dla Opery Pekińskiej charakterystyczne były obrazy świętej świątyni lub smoka.
2. Gra. To sposób na zmianę wyglądu artysty i ważny element jego gry. Transformacja postaci w czynnościach rytualnych i folklorystycznych według charakteru często miała podstawę w stosowaniu groteski i parodii, na przykład, gdy młodzi mężczyźni przebierali się za dziewczęta.
3. Podobnie jak ubiór bohatera. Jest głównym w nowoczesnych przedstawieniach, często dokładnie przypominając tradycyjne stroje z określonej epoki akcji w przedstawieniu. Na podstawie takiego koloru tworzone są dwa powyższe typy.

Funkcje krawieckie

Szycie strojów scenicznych to dość złożona i twórcza czynność. Należy dobrać odpowiednie materiały, dodatki, w razie potrzeby stworzyć haft i aplikację. Kostium teatralny musi spełniać następujące wymagania:

• Dokładne odzwierciedlenie epoki, biorąc pod uwagę historyczne, etnograficzne, narodowe cechy dzieła i postaci.
• Dopasuj intencję reżysera, aby wyrazić istotę charakteru postaci.
• Nadaj efekt obrazowi aktora w oczach widza.
• Dobrze jest siedzieć zgodnie z sylwetką swojego właściciela.
• Wygoda noszenia kostiumu (szczególnie ważna dla tancerzy biorących udział w spektaklach).

Ponieważ kostiumograf dobiera kostium teatralny do konkretnej roli i konkretnego aktora, konieczne jest dopasowanie go do wymiarów. W tym celu lepiej zwrócić się do profesjonalistów. Tailoring Factory to produkcja krawiecka w Moskwie i regionie moskiewskim, tutaj możesz zamówić krawiectwo kostiumu do spektaklu, opery i baletu. Wybrane zostaną najlepsze materiały i zastosowane zostaną nowoczesne technologie szycia.