Wyświetlenia: 13 337

Sztuka i Rzemiosło(od łac. dekoracje- dekorować) - szeroki dział sztuk plastycznych, który obejmuje różne gałęzie działalności twórczej mającej na celu tworzenie wytworów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorowy warunkowo łączy dwa szerokie rodzaje sztuk: dekoracyjny oraz stosowany. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych do przyjemności estetycznej i związanych z nimi czysta sztuka, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka cech: mają walory estetyczne; zaprojektowany dla efektu artystycznego; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukiennicze i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne.
Od drugiej połowy XIX wieku w literaturze naukowej ustala się klasyfikacja dziedzin sztuki i rzemiosła. według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania (rzeźbienie, malowanie, haftowanie, drukowanie, odlewanie, tłoczenie, intarsje itp.) oraz według cech funkcjonalnych korzystanie z obiektu (meble, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstruktywno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Specyfika gatunkowa DPI

• Szycie- tworzenie ściegów i szwów na materiale za pomocą igły i nici, żyłki wędkarskiej itp. Szycie to jedna z najstarszych technologii produkcji, która powstała jeszcze w epoce kamiennej.
  • Flowermaking - wykonywanie biżuterii damskiej z tkaniny w formie kwiatów
  • Patchwork (szycie z łat), kołdra patchworkowa – technika patchworkowa, mozaika patchworkowa, mozaika tekstylna – rodzaj robótek ręcznych, w których na zasadzie mozaiki szyty jest cały wyrób z kawałków tkaniny.
    • Aplikacja - sposób na uzyskanie obrazu; technikę plastyczną i rzemieślniczą.
  • Wyroby pikowane, pikowane - dwa przeszyte kawałki tkaniny i ułożona między nimi warstwa waty lub waty.
• Haft- sztuka zdobienia wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów różnorodnymi wzorami, od najgrubszych i najgęstszych jak np. sukno, płótno, skóra, po tkaniny najdelikatniejsze - kambryk, muślin, gaz, tiul itp. Narzędzia i materiały do ​​haftu: igły, nici, tamborki, nożyczki.
• Robienie na drutach- proces wytwarzania produktów z ciągłych nici poprzez zginanie ich w pętle i łączenie pętli ze sobą za pomocą prostych narzędzi ręcznie lub na specjalnej maszynie.
• Artystyczna obróbka skóry- produkcja różnych artykułów ze skóry, zarówno do celów domowych jak i dekoracyjnych.
• Tkactwo- produkcja tkanin na krosnach, jedno z najstarszych rzemiosł ludzkich.
• Tkanie dywanów- produkcja dywanów.
• Wypalić się- wzór jest nakładany na powierzchnię dowolnego materiału organicznego za pomocą gorącej igły.
  • Opalanie drewnem
  • Wypalanie na tkaninie (gilosz) to technika robótek ręcznych polegająca na wykańczaniu wyrobów ażurową koronką i wykonywaniu aplikacji poprzez ich wypalanie za pomocą specjalnego aparatu.
  • Do innych materiałów
  • Hotstamping to technologia artystycznego znakowania produktów metodą hotstampingu.
  • Obróbka drewna kwasami
• Rzeźba artystyczna- jeden z najstarszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów obróbki materiałów.
  • Rzeźba w kamieniu to proces formowania pożądanego kształtu, który odbywa się poprzez wiercenie, polerowanie, szlifowanie, piłowanie, grawerowanie itp.
  • Rzeźbienie kości jest rodzajem sztuki i rzemiosła.
  • rzeźbienie w drewnie
• Malarstwo na porcelanie, szkle
• Mozaika- kształtowanie obrazu poprzez układanie, układanie i mocowanie wielobarwnych kamieni, smaltów, płytek ceramicznych i innych materiałów na powierzchni.
• witraż- dzieło sztuki zdobniczej o charakterze malarskim lub zdobniczym, wykonane ze szkła barwionego, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnym obiekcie architektonicznym.
• decoupage- technika dekoracyjna tkanin, naczyń, mebli itp., polegająca na skrupulatnym wycinaniu z papieru obrazów, które są następnie przyklejane lub w inny sposób mocowane do różnych powierzchni w celu dekoracji.
• Modelarstwo, rzeźba, florystyka ceramiczna- kształtowanie tworzywa sztucznego przy pomocy rąk i narzędzi pomocniczych.
• Tkactwo- metoda wytwarzania sztywniejszych konstrukcji i materiałów z mniej trwałych materiałów: nici, łodyg roślin, włókien, kory, gałązek, korzeni i innych podobnych miękkich surowców.
  • Bambus - tkanie z bambusa.
  • Kora brzozy - tkanie z górnej kory brzozy.
  • Beading, beading - tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których jest stosowany, koraliki są nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także konstrukcyjnym i technologicznym.
  • Kosz
  • Koronka - elementy ozdobne wykonane z tkaniny i nici.
  • Makrama to technika tkania węzłów.
  • Winorośl - rzemiosło wytwarzania wyrobów wiklinowych z winorośli: sprzętów gospodarstwa domowego i pojemników o różnym przeznaczeniu.
  • Mata - tkanie podłóg z dowolnego szorstkiego materiału, maty, maty.
• Obraz:
  • Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Malarstwo jasne, lakoniczne (sceny rodzajowe, figurki koni, koguty, motywy roślinne), wykonane swobodnym pędzlem białą i czarną kreską graficzną, zdobione kręcące się koła, meble, okiennice, drzwi.
  • Malarstwo Polchow-Majdan - produkcja malowanych wyrobów toczonych - lalek lęgowych, pisanek, grzybów, solniczek, kielichów, materiałów eksploatacyjnych - hojnie zdobionych soczystym malarstwem ornamentalnym i fabularnym. Wśród motywów malowniczych najczęściej spotykane są kwiaty, ptaki, zwierzęta, pejzaże wiejskie i miejskie.
  • Malarstwo Mezen na drewnie - rodzaj malowania przedmiotów gospodarstwa domowego - kołowrotków, chochli, pudełek, braci.
  • Malarstwo Zhostovo to ludowe rzemiosło artystycznego malowania metalowych tac.
  • Malarstwo Semyonovskaya - wykonanie drewnianej zabawki z obrazem.
  • Khokhloma - stare rosyjskie rzemiosło ludowe, urodzone w XVII wieku w powiecie niżnym nowogrodzie
  • Malarstwo witrażowe - ręczne malowanie na szkle, imitacja witrażu.
  • Batik - ręcznie malowany na tkaninie z wykorzystaniem kompozycji rezerwowych.
    • Zimny ​​batik - technika malowania na tkaninie wykorzystuje specjalną kompozycję rezerwującą zimno.
    • Gorący batik - wzór tworzy się przy użyciu roztopionego wosku lub innych podobnych substancji.
• scrapbooking- projektowanie albumów fotograficznych
• Wytwarzanie gliny— tworzenie form i przedmiotów z gliny. Można rzeźbić na kole garncarskim lub ręcznie.

Dla siebie (o gobelinie):

Gobelin(fr. gobelin), lub krata, - jeden z rodzajów rzemiosła artystycznego, jednostronny niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ozdobną, tkany ręcznie krzyżowym splotem nici. Tkacz przepuszcza nić wątku przez osnowę, tworząc zarówno obraz, jak i samą tkaninę. W Słowniku encyklopedycznym Brockhausa i Efrona gobelin definiowany jest jako „ręcznie tkany dywan, na którym reprodukowany jest obraz i specjalnie przygotowany karton mniej lub bardziej znanego artysty z różnokolorowej wełny i częściowo jedwabiu”.

Gobeliny wykonywano z wełny, jedwabiu, czasem wprowadzano do nich złote lub srebrne nici. Obecnie do ręcznego wytwarzania dywanów stosuje się szeroką gamę materiałów: preferowane są nici z włókien syntetycznych i sztucznych, w mniejszym stopniu stosuje się materiały naturalne. Technika tkania ręcznego jest pracochłonna, jeden mistrz może wykonać około 1-1,5 m² (w zależności od gęstości) kraty rocznie, więc produkty te są dostępne tylko dla zamożnych klientów. A obecnie ręcznie robiony gobelin (krata) nadal jest kosztownym elementem.

Od średniowiecza aż do XIX wieku produkcja arrasów odbywała się w cyklach (zespołach), łączących produkty związane z jednym tematem. Ten zestaw gobelinów miał ozdobić pokój w tym samym stylu. Liczba arrasów w zespole zależała od wielkości pomieszczenia, w którym miały być umieszczone. W tym samym stylu co trejaże ścienne wykonano baldachimy, zasłony, poszewki na poduszki, które również tworzyły komplet.

Słuszne jest nazywanie arrasów nie niestrzępiącymi się dywanami zdobnymi, ale tylko takimi, na których obrazy powstają techniką samego tkania, tj. przeplatanie się nitek wątku i osnowy, a więc stanowią organiczną część samej tkaniny, w przeciwieństwie do haftu, którego wzory nanoszone są na tkaninę dodatkowo igłą. Średniowieczne gobeliny powstawały w warsztatach klasztornych Niemiec i Holandii, w miastach Tournai na zachodzie Flandrii i Arras w północnej Francji. Najbardziej znane to millefleurs (francuskie millefleurs, od mille - „tysiąc” i fleurs - „kwiaty”). Nazwa wzięła się stąd, że postacie na takich gobelinach są przedstawiane na ciemnym tle usianym wieloma drobnymi kwiatami. Cecha ta związana jest z dawnym zwyczajem obchodzenia katolickiego święta Ciała Pańskiego (obchodzonego w czwartek po święcie Trójcy Przenajświętszej). Ulice, którymi szedł uroczysty pochód, udekorowano panelami utkanymi z wielu świeżych kwiatów. Wywieszano je z okien. Uważa się, że tkacze przenieśli ten wystrój na dywany. Najwcześniejszy znany millefleur powstał w Arras w 1402 roku. Dywany z tego miasta były tak popularne, zwłaszcza we Włoszech, że otrzymały włoską nazwę „arazzi”.

Karton w malarstwie- rysunek węglem lub ołówkiem (lub dwoma ołówkami - białym i czarnym), wykonany na papierze lub na zagruntowanym płótnie, z którego obraz jest już pomalowany farbami.

Początkowo rysunki takie wykonywano wyłącznie do fresków, gruby papier (wł. karton), na którym wykonywano rysunek, przebijany wzdłuż jego konturu, nakładany na podłoże przygotowane do malowania fresków i posypywany proszkiem węglowym wzdłuż nakłucia, a tym samym w obwodzie masy uzyskano słabą czerń. Fresk został napisany od razu bez poprawek, konieczne było więc zastosowanie gotowego, całkowicie przemyślanego konturu. Gotowe deski często mają wartość obrazów, z wyjątkiem farb; takie są kartony Michała Anioła, Leonarda da Vinci, Rafaela (kartony do „Szkoła ateńska” przechowywany w Mediolanie), Andrea Mantegni, Giulio Romano i inni.Często znani artyści wykonywali tekturę na tkane obrazy dywanowe (krata); znanego z siedmiu kartonów Raphaela „Dzieje Apostolskie”, wykonane przez niego dla flamandzkich tkaczy (przechowywane w Kensington Museum w Londynie), cztery kartony Mantegny. Karton z XIX wieku można wymienić prace Friedricha Overbecka, Juliusa Schnorra von Karolsfelda, P. J. Corneliusa ( „Zniszczenie Troi”, „Sąd Ostateczny” i inni), Wilhelm von Kaulbach ( „Zniszczenie Jerozolimy”, „Bitwy Hunów” itp.), Ingra – do malowania na szkle w grobowcu orleańskiego domu. W Rosji obrazy na tekturze wykonano w katedrze św. Izaaka (niezachowane). Czasami kartony są tworzone przez jednych artystów, a obrazy na nich przez innych. Tak więc Peter Josef Cornelius oddał część kartonów niemal w całości do dyspozycji swoich uczniów.

Materiały, technika

Do XVIII wieku na podłoże w gobelinach wykorzystywano wełnę – najtańszy i najłatwiejszy w obróbce materiał, najczęściej była to wełna owcza. Głównym wymaganiem dla materiału podstawowego jest wytrzymałość. W XIX wieku podstawą gobelinów był niekiedy jedwab. Baza bawełniana znacznie zmniejsza wagę produktu, jest trwała, bardziej odporna na niekorzystne wpływy środowiska.

W tkaniu gobelinowym gęstość dywanu określa się liczbą nitek osnowy przypadających na 1 cm.Im większa gęstość, tym więcej możliwości tkacz ma na dopracowanie drobnych detali i wolniej postępuje praca. W średniowiecznym gobelinie europejskim na 1 cm przypada około 5 nitek osnowy Produkty brukselskich manufaktur z XVI wieku miały tę samą niską gęstość (5-6 nitek), ale lokalnym tkaczom udało się przekazać złożone niuanse obrazu . Z biegiem czasu gobelin coraz bardziej zbliża się do malarstwa, jego gęstość wzrasta. W manufakturze gobelinów gęstość arrasów wynosiła w XVII wieku 6-7 nitek na 1 cm, a w XVIII wieku już 7-8. W XIX wieku gęstość wyrobów manufaktury Beauvais sięgała 10-16 nici. Taki gobelin stał się właściwie imitacją malarstwa sztalugowego. Jednym ze sposobów przywrócenia dekoracyjności gobelinowi Jean Lursa rozważał zmniejszenie jego gęstości. W XX wieku manufaktury francuskie powróciły do ​​zagęszczenia gobelinów w 5 nitkach. W nowoczesnym tkaniu ręcznym gęstość przyjmuje się na poziomie 1-2 nici na cm, gęstość ponad 3 nitek uważa się za wysoką.

Gobeliny są tkane ręcznie. Nitki osnowy są naciągnięte na maszynę lub ramę. Nitki osnowy przeplatane są kolorowymi nićmi wełnianymi lub jedwabnymi, natomiast osnowa jest całkowicie zakryta, więc jej kolor nie odgrywa żadnej roli.

Najwcześniejszym i najprostszym narzędziem pracy tkacza była rama z naciągniętymi nitkami osnowy. Podstawę można zamocować naciągając gwoździe wbite w ramę lub używając ramy z nacięciami równomiernie rozmieszczonymi wzdłuż górnej i dolnej krawędzi lub po prostu owijając nitkę wokół ramy. Ta ostatnia metoda nie jest jednak zbyt wygodna, ponieważ nitki osnowy mogą się przesuwać podczas procesu tkania.

Później pojawiły się krosna wysokie i niskie. Różnica w pracy na maszynach polega głównie na ułożeniu nitek osnowy, poziomym - na niskim krośnie - i pionowym - na wysokim. Wynika to z ich specyfiki i wymaga charakterystycznych ruchów podczas pracy. W obu przypadkach sposób tworzenia przejść objętościowych i kolorystycznych na obrazie jest taki sam. Nici o różnych kolorach przeplatają się i tworzą efekt stopniowej zmiany tonu lub poczucia objętości.

Obraz został skopiowany z karton - rysunek przygotowawczy w pełnowymiarowej kolorystyce arrasu, wykonany na podstawie szkicu artysty. Na jednym kartonie można stworzyć kilka gobelinów, za każdym razem coś innego.

Mechanicznie technika wykonania gobelinu jest bardzo prosta, ale wymaga od mistrza dużo cierpliwości, doświadczenia i wiedzy artystycznej: tylko wykształcony artysta może być dobrym tkaczem, malarzem na swój sposób, różniącym się od rzeczywistego jedynie że tworzy obraz nie farbami, ale kolorową nicią. Musi rozumieć rysunek, kolor, światło i cień jak artysta, a ponadto musi mieć również pełną wiedzę o technikach tkania kraty i właściwościach materiałów. Dość często niemożliwe jest zebranie nici o różnych odcieniach tego samego koloru, więc tkacz musi zabarwić nici w trakcie pracy.

Podczas pracy na maszynie pionowej, z jej górnego wału, gdy produkt jest gotowy, podstawa jest rozwijana, a gotowa krata jest nawijana na dolną. Dywany wykonane na krośnie pionowym to tzw haute-lisse(Gotlis, od ks. haute„wysoki” i lisses"Fundacja"). Technika Gotlissa pozwala na wykonanie bardziej złożonego rysunku, ale jest też bardziej pracochłonna. Miejsce pracy tkacza znajduje się po niewłaściwej stronie dywanu, na której zamocowane są końce nici. Obraz z kartonu przenoszony jest na kalkę kreślarską, a z niej na dywan. Za plecami tkaczki umieszczono karton, a na przedniej stronie pracy umieszczono lustro. Rozkładając nitki osnowy, mistrz może sprawdzić dokładność pracy na tekturze.

Inne dywany, przy wytwarzaniu których osnowa jest umieszczona poziomo między dwoma wałami, dzięki czemu praca tkacza jest znacznie ułatwiona, nazywane są basse-lisse(basis, od fr. bas„niskie” i lisses"Fundacja"). Nitki osnowy są rozciągnięte między dwoma wałami w płaszczyźnie poziomej. Krata jest odwracana do tkacza niewłaściwą stroną, wzór z tektury przenoszony jest na kalkę umieszczoną pod nitkami osnowy, dzięki czemu przednia strona produktu powtarza tekturę w lustrzanym odbiciu. Mistrz pracuje z małymi szpulkami, na które nawijane są nici w różnych kolorach. Przepuszczając przez osnowę szpulkę z nitką dowolnego koloru i oplatając ją nią, powtarza tę czynność wymaganą liczbę razy, po czym opuszcza ją i bierze kolejną z nitką innego koloru, aby powrócić do pierwsza szpulka, gdy jest ponownie potrzebna.

Po zdjęciu gobelinu z krosna nie sposób rozróżnić, w której z dwóch technik został wykonany. Aby to zrobić, musisz zobaczyć karton - gobelin Baslis powtarza to w lustrzanym odbiciu, Gotlis - bezpośrednio.

Cechy języka artystycznego DPI

Przedmiot działalności artysty artystycznego określa cechy metody twórczej. Najczęściej w odniesieniu do tych funkcji używa się trzech głównych terminów: abstrakcja, geometryzacja, stylizacja.

abstrakcja(łac. abstrakcja - „odwrócenie uwagi”) polega na odwróceniu obrazu dekoracyjnego od określonego obiektowo-przestrzennego środowiska naturalnego, ponieważ rolę takiego środowiska, w przeciwieństwie do sztuki sztalugowej, przejmuje zdobiona powierzchnia. Stąd bierze się fundamentalna umowność przedstawienia dekoracyjnego, w którym z łatwością można łączyć różne momenty czasu i przestrzeni. Koneser ceramiki rosyjskiej A. B. Saltykov przekonująco pisał o tym, zwracając uwagę na „brak jedności miejsca, czasu i działania” jako podstawową zasadę kompozycji dekoracyjnej. W szczególności wystrój umieszczony na trójwymiarowej formie naczynia, oddziałujący z krzywoliniową przestrzenią jego powierzchni, jest umiejscowiony w zależności od „geografii” obiektu, a nie według potocznych wyobrażeń. Krzywizna, kolor i faktura dekorowanej powierzchni, na przykład białe tło w malarstwie porcelanowym lub fajansowym, równie dobrze może oznaczać wodę, niebo, ziemię czy powietrze, ale przede wszystkim walory estetyczne samej powierzchni. . WD Blavatsky napisał, że obraz starożytnego greckiego kylix (miski) należy oglądać, obracając naczynie w dłoniach. Teraz możemy już krążyć po muzealnej gablocie.

Przejściowe etapy procesu abstrakcji i geometryzacji obrazu dekoracyjnego nazywane są „ornamentem obrazkowym”, a według odmian gatunkowych dzielą się na roślinne, zwierzęce, mieszane ... Jedna z najciekawszych odmian gatunkowych mieszanego ornamentu obrazkowego w historia sztuki to groteska.

Stylizacja w najogólniejszym tego słowa znaczeniu celowe, świadome użycie przez artystę form, metod i technik kształtowania, znanych wcześniej w historii sztuki. Jednocześnie artysta zostaje mentalnie przeniesiony do innego stulecia, jakby zanurzając się „w głąb czasu”. Dlatego tę stylizację można nazwać tymczasową. Stylizacja może mieć charakter prywatny, fragmentaryczny, wówczas poszczególne tematy, formy, motywy, techniki wybierane są jako przedmiot gry artystycznej. Czasami ten sposób kształtowania nazywany jest stylizacją motywu. Znaczna część dzieł sztuki „art nouveau” („sztuka nowa”) przełomu XIX i XX wieku. zbudowana na stylizacji jednego motywu: fali, pędu rośliny, kosmyków włosów, zagięcia łabędziej szyi. Te linie były modne w kulturze „przełomu wieków”. W szczególności słynny francuski dekorator i projektant mody Paul Poiret (1879-1944) wymyślił gładko zakrzywioną linię kobiecych strojów, którą nazwali: linią Poireta.

Stylizację motywową można uznać za szczególny przypadek stylizacji dekoracyjnej, gdyż starania artysty zmierzają do włączenia odrębnego dzieła, jego fragmentu lub stylizowanego motywu w szerszą całość kompozycyjną (co odpowiada ogólnemu znaczeniu pojęcia dekoracyjności). Stosując metodę holistycznej stylizacji, artysta przenosi się mentalnie do innej epoki, dekoracyjnej – stara się myśleć organicznie w wykształconym już wokół niego środowisku obiektowo-przestrzennym. Pierwszą metodę nazwaliśmy metodą stylizacji czasowej, a drugą można nazwać przestrzenną.

Oczywiste jest, że metoda stylizacji dekoracyjnej najpełniej przejawia się w rzemiośle zdobniczym, aw szczególności w sztuce efektownego plakatu i ilustracji książkowej, choć zdarzają się wyjątki. Tak więc znakomity malarz i rysownik A. Modigliani zbudował czułą ekspresję obrazów na szczerej stylizacji linii i hiperbolizacji formy, a jego „maski” stylizują afrykańskie wzory.

W twórczości wielu artystów organicznie łączą się metody abstrakcji, geometryzacji i stylizacji.

Gęstość, nasycenie obrazu, przewaga postaci nad tłem również przyczyniają się do dekoracyjności. W niektórych przypadkach prowadzi to do tzw. zdobienia wystroju, w innych do „stylu dywanowego”. Procesy transformacji elementów obrazowych łączy koncepcja geometryzacji. Ostatecznie ten trend prowadzi do niezwykle abstrakcyjnego lub ornament geometryczny.

Oprócz podstawowych metod – abstrakcji, geometryzacji i stylizacji – artysta rzemiosła artystycznego stosuje prywatne metody kształtowania, czyli tropy artystyczne (gr. tropos – „obrót, obrót”).

W sztukach wizualnych porównanie opiera się na geometryzacja. Godnymi uwagi przykładami takich porównań są prace w „zwierzęcym stylu”. Ten styl dominował w przedmiotach „małych form” na rozległych obszarach Eurazji od dolnego Dunaju, północnego regionu Morza Czarnego i stepów kaspijskich po południowy Ural, Syberię i północno-zachodnią część Chin w VII-IV wieku. pne mi.

Klasycznymi przykładami asymilacji formy z formatem są kompozycje w kole, w szczególności kompozycje Doniec z antycznych greckich kilików – okrągłych szerokich mis na nóżce z dwoma poziomymi uchwytami po bokach. Z takich kielichów pili wino rozcieńczone wodą. W starożytnych domach, w przerwach między sympozjami (biesiadami), kylixy wieszano zwykle za jeden z uchwytów na ścianie. Dlatego malowidła umieszczono na zewnątrz czaszy, po obwodzie, tak aby były dobrze widoczne.

Główny problem DPI

Wszystkie dzieła starożytności organicznie łączyły wartość materialną i duchową, użytkową, estetyczną i artystyczną. Co ciekawe, we wczesnej starożytności nie istniało odrębne rozumienie cech naczynia jako pojemnika, jego znaczenia symbolicznego, walorów estetycznych, zawartości i wystroju.

Później przestrzeń obrazową rzeczy zaczęto dzielić na pojemnik wewnętrzny i powierzchnię zewnętrzną, formę i ornament, przedmiot i przestrzeń otaczającą. W wyniku tak zróżnicowanego procesu powstał problem organicznego powiązania funkcji i formy produktu, jego harmonii z otoczeniem.

Jednocześnie twierdzenie, że prawdziwie dekoracyjny obraz powinien być płaski, nie odpowiada rzeczywistości. Abstrakcja wystroju nie polega na adaptacji, ale na interakcji formy malarskiej i otoczenia. Dlatego iluzoryczne obrazy, które wizualnie „przebijają” powierzchnię, mogą być równie dekoracyjne, jak te, które „pełzają po płaszczyźnie”. Wszystko zależy od intencji artysty, zgodności rozwiązania kompozycyjnego z ideą.

To samo dotyczy problemu ujawnienia naturalnych właściwości materiału dekorowanej powierzchni. Całkowicie pozłacany porcelanowy wazon czy „metalopodobna” filiżanka może być nie mniej piękna niż najdoskonalsza polichromia, cieniująca iskrzącą się biel. Czy można powiedzieć, że naturalna faktura drewna jest bardziej dekoracyjna niż jego powierzchnia pokryta jasną farbą i złoceniami, a matowy biskwit (porcelana nieszkliwiona) wygląda lepiej niż błyszcząca glazura?

W 1910 roku wybitny belgijski architekt, malarz i teoretyk secesji Henri Van de Velde (1863–1957) napisał polemiczny artykuł zatytułowany „Animacja materiału jako zasada piękna”.

W tym artykule Van de Velde przedstawił swoje poglądy na jeden z głównych problemów „nowego stylu” - stosunek artysty do materiału. Kłóci się z tradycyjnym poglądem, że artysta użytkowy powinien wydobywać naturalne piękno materiału. „Żaden materiał”, napisał Van de Velde, „nie może być piękny sam w sobie. Swoje piękno zawdzięcza duchowej zasadzie, którą artysta wnosi do natury”. Uduchowienie „martwego materiału” następuje poprzez jego przekształcenie w materiał kompozytowy. W tym przypadku artysta posługuje się innymi środkami, a następnie na bazie tych samych materiałów uzyskuje efekt odwrotny. Sensem artystycznego przekształcania naturalnych materiałów i form, w przeciwieństwie do właściwości estetycznych obiektywnie obecnych w przyrodzie, jest według Van de Velde dematerializacja, nadanie właściwości, których materiał ten nie posiadał, zanim dotknęła go ręka artysty. W ten sposób ciężki i chropowaty kamień zamienia się w najcieńszą „nieważką” koronkę gotyckich katedr, właściwości materiałowe barwników przekształcają się w blask promieni barwnych średniowiecznego witrażu, a złocenie staje się zdolne do wyrażania niebiańskiego światła .

W rzemiośle artystycznym, gdzie artysta zobowiązany jest do rozwiązania problemu relacji między częścią a całością, włączając w to własną kompozycję w szerokim kontekście czasoprzestrzennym, ścieżki nabierają fundamentalnego znaczenia. Przekazy znaczeń mogą odbywać się różnymi sposobami i technikami kompozytorskimi. Najprostsza technika jest dobrze znana w historii sztuki starożytnego świata. To porównanie formy do formatu. Taki obrazowy trop można skorelować z literackim porównaniem na zasadzie „całość z całością”, np.: „Koń leci jak ptak”.

Terminologia w DPI

litry

Własow V.G. Podstawy teorii i historii sztuki i rzemiosła. Pomoc nauczania. - Uniwersytet Państwowy w Petersburgu, 2012. - 156 s.

Moran A. Historia sztuki dekoracyjnej i użytkowej. - M

Człowiek zawsze starał się upiększyć swoje życie, wprowadzając do niego elementy estetyki i kreatywności. Rzemieślnicy, tworząc przedmioty gospodarstwa domowego – naczynia, ubrania, meble, ozdabiali je ornamentami, wzorami, rzeźbieniami, inkrustowanymi drogocennymi kamieniami, czyniąc z nich prawdziwe dzieła sztuki.

Sztuka dekoracyjna istniała w rzeczywistości w czasach prehistorycznych, kiedy dekorował swoje mieszkanie malowidłami naskalnymi, ale w literaturze naukowej została wyróżniona dopiero w latach 50. XIX wieku.

Znaczenie terminu

Łacińskie słowo decorare tłumaczy się jako „dekorować”. Że jest to rdzeń pojęcia „dekoracyjny”, to znaczy „ozdobiony”. Dlatego termin „sztuka dekoracyjna” dosłownie oznacza „umiejętność dekorowania”.

Jest on podzielony na następujące składowe rodzaje sztuki:

• monumentalne - dekorowanie, malowanie, mozaiki, witraże, rzeźby budynków i budowli;
• stosowane - dotyczy wszystkich, w tym naczyń, mebli, ubrań, tekstyliów;
• dekoracja - kreatywne podejście do projektowania świąt, wystaw i witryn sklepowych.

Główną cechą odróżniającą dekorację od elegancji jest jej praktyczność, możliwość zastosowania w życiu codziennym, a nie tylko walory estetyczne.

Na przykład obraz jest dziełem sztuki, a rzeźbiony świecznik lub malowany talerz ceramiczny jest sztuką użytkową.

Klasyfikacja

Gałęzie tej formy sztuki są klasyfikowane według:

• Materiały użyte w procesie pracy. Może to być metal, kamień, drewno, szkło, ceramika, tekstylia.
• Technika wykonania. Stosowane są różnorodne techniki - rzeźbienie, inkrustowanie, odlewanie, drukowanie, tłoczenie, haft, batik, malowanie, tkactwo, makrama i inne.
• Funkcje – przedmiot można wykorzystać na różne sposoby, np. jako mebel, naczynia czy zabawki.

Jak widać z klasyfikacji, pojęcie to ma bardzo szeroki zakres. Ściśle związana z artyzmem, architekturą, dizajnem. Przedmioty sztuki i rzemiosła tworzą świat materialny, który otacza człowieka, czyniąc go piękniejszym i bogatszym pod względem estetycznym i figuratywnym.

powstanie

Przez wieki rzemieślnicy próbowali udekorować owoce swojej pracy. Byli wykwalifikowanymi rzemieślnikami, mieli doskonały gust, doskonalili swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie, pilnie strzegąc rodzinnych tajemnic. Ich kielichy, chorągwie, gobeliny, ubrania, sztućce i inne artykuły gospodarstwa domowego, a także witraże, freski wyróżniały się wysokim artyzmem.

Dlaczego definicja „sztuki zdobniczej” pojawiła się właśnie w połowie XIX wieku? Wynika to z faktu, że w toku szybkiego rozwoju produkcji maszynowej produkcja towarów z rąk rzemieślników przeszła do fabryk i fabryk. Produkty stały się ujednolicone, nieunikalne i często nieatrakcyjne. Jego głównym zadaniem była tylko zgrubna funkcjonalność. W takich warunkach rzemiosło użytkowe oznaczało dosłownie wytwarzanie pojedynczego produktu o dużej wartości artystycznej. Rzemieślnicy wykorzystali swoją sztukę, tworząc ekskluzywne zdobione artykuły gospodarstwa domowego, które w warunkach boomu przemysłowego zaczęły być szczególnie poszukiwane w bogatych warstwach społeczeństwa. I tak narodził się termin „sztuka i rzemiosło”.

Historia rozwoju

Wiek sztuki dekoracyjnej jest równy wiekowi ludzkości. Pierwsze znalezione przedmioty twórczości pochodzą z epoki paleolitu i są to malowidła naskalne, biżuteria, figurki rytualne, przedmioty gospodarstwa domowego z kości lub kamienia. Biorąc pod uwagę prymitywność narzędzi, sztuka dekoracyjna w starożytnym społeczeństwie była bardzo prosta i prymitywna.

Dalsze doskonalenie środków pracy prowadzi do tego, że przedmioty, które służą celom praktycznym, a jednocześnie ozdabiają codzienność, stają się coraz bardziej eleganckie i wyrafinowane. Mistrzowie wkładają swój talent i gust, nastrój emocjonalny w artykuły gospodarstwa domowego.

Ludowa sztuka zdobnicza przesiąknięta jest elementami kultury duchowej, tradycjami i poglądami narodu, charakterem epoki. W swoim rozwoju obejmuje rozległe warstwy czasowe i przestrzenne, materiał wielu pokoleń jest naprawdę ogromny, dlatego nie sposób zmieścić wszystkich jego gatunków i typów w jednej linii historycznej. Etapy rozwoju są warunkowo podzielone na najważniejsze okresy, w których wyróżniają się najbardziej uderzające arcydzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Świat starożytny

Sztuka dekoracyjna Egiptu jest jedną z najważniejszych kart w historii sztuki użytkowej. Egipscy rzemieślnicy doprowadzili do perfekcji takie rzemiosła artystyczne, jak rzeźbienie w kości i drewnie, obróbka metali, biżuteria, kolorowe szkło i ceramika oraz najlepsze wzorzyste tkaniny. Rzemiosła skórzane, tkackie, garncarskie były w najlepszym wydaniu. Artyści egipscy stworzyli wspaniałe pomniki sztuki, którymi dziś zachwyca się cały świat.

Nie mniej znaczące w historii sztuki użytkowej były osiągnięcia starożytnych mistrzów Wschodu (Sumeru, Babilonu, Asyrii, Syrii, Fenicji, Palestyny, Urartu). Sztuka dekoracyjna tych państw była szczególnie widoczna w takich rzemiosłach, jak rzeźbienie w kości słoniowej, pogoń za złotem i srebrem, inkrustowanie kamieniami szlachetnymi i półszlachetnymi oraz kucie artystyczne. Charakterystyczną cechą produktów tych ludów była prostota form, zamiłowanie do drobnych i szczegółowych detali w wystroju oraz bogactwo jasnych kolorów. Osiągnął bardzo wysoki poziom

Wyroby antycznych rzemieślników zdobią wizerunki roślin i zwierząt, mitycznych stworzeń i bohaterów legend. W pracy wykorzystano metal, w tym szlachetny, fajans, kość słoniową, szkło, kamień, drewno. Kreteńscy jubilerzy osiągnęli najwyższe umiejętności.

Sztuka dekoracyjna krajów Wschodu - Iranu, Indii - przesiąknięta jest głębokim liryzmem, wyrafinowaniem obrazów w połączeniu z klasyczną klarownością i czystością stylu. Po wiekach podziwia się tkaniny - muślin, brokat i jedwab, dywany, wyroby ze złota i srebra, gonitwy i ryciny, malowaną szkliwioną ceramikę. Żyrandol i płytki bordiurowe, które zdobią budowle świeckie i religijne, działają na wyobraźnię. Kaligrafia artystyczna stała się unikalną techniką.

Sztuka dekoracyjna Chin wyróżnia się wyjątkową oryginalnością i ekskluzywnymi technikami, które miały poważny wpływ na twórczość mistrzów Japonii, Korei i Mongolii.

Sztuka europejska ukształtowała się pod wpływem sztuki i rzemiosła Bizancjum, które wchłonęło ducha świata starożytnego.

Tożsamość Rusi

Na ludową sztukę zdobniczą wpłynęła kultura scytyjska. Formy artystyczne osiągnęły wielką siłę malarską i wyrazistość. Słowianie używali szkła, kryształu górskiego, karneolu, bursztynu. Rozwijała się jubilerstwo i obróbka metali, rzeźba w kościach, ceramika, dekoracyjne malowanie świątyń.

Szczególne miejsce zajmują pisanki, snycerstwo, hafty i tkactwo. W tego rodzaju sztuce Słowianie osiągnęli wyżyny, tworząc wyrafinowane, wykwintne wyroby.

Narodowe ornamenty i wzory stały się podstawą sztuki zdobniczej.

Wstęp.

Cały świat jest przedmiotem sztuki, która jest specyficzną formą pracy i jako badacz sztuki dekoracyjnej A.B. Saltykov, „jeden z przejawów ludzkiej kreatywności”.

Piękno rzeczy polega na artystycznej wyrazistości formy i pełnej zgodności tego charakteru z przeznaczeniem samej rzeczy. Główną cechą sztuki zdobniczej jest dekoracyjność, jako szczególna forma wyrażania piękna.

Piękno tkwi w samej naturze ludzkiej. Za jego pomocą człowiek stara się wypełnić otaczający go świat, obdarzyć narzędziami i przedmiotami, które towarzyszą mu w życiu codziennym. Ten obszar kultury materialnej nazywany jest sztuką i rzemiosłem. Nieodłącznym elementem dekoracji otaczających nas rzeczy jest ozdoba.

Ideę Jawaharlala Nehru (postaci politycznej Indii), że studiując sztukę i rzemiosło, można napisać historię cywilizacji, potwierdza praktyka studiowania ozdób.

cel pracy: badanie starożytnych ozdób we współczesnej sztuce dekoracyjnej.

Zadania robocze: 1. Zbadanie historii pojawienia się ozdób kuskar i paisley.

2. Zbadanie zastosowania tych ozdób w sztuce i artykułach gospodarstwa domowego.

3. Opanować technikę wykonywania ozdób w technice dot painting.

4. Wykonaj malowanie przedmiotów gospodarstwa domowego z dawnymi ornamentami nowoczesną techniką malowania punktowego konturem na szkle.

Hipoteza: zakładamy, że antyczne ozdoby są istotne w sztuce i rzemiośle współczesnym i kontynuują swoje życie w przedmiotach współczesnych autorów.

Obiekt pracy: interpretacja starożytnych ozdób.

Przedmiotem badań: ozdoby kuskar i paisley.

Stosowane metody:

Ø Opis;

Ø Zbieranie informacji;

Ø Obserwacja;

Ø Analiza;

Ø Praktyczna praca w technice malowania punktowego konturem na szkle.

Praktyczne zastosowanie wyników tej pracy widzimy w postrzeganiu estetycznym otrzymywanych przedmiotów gospodarstwa domowego, wizji antycznych ozdób jako nici łączącej starożytną i nowożytną sztukę i rzemiosło człowieka.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa nigdy nie istniała w oderwaniu od innych rodzajów działalności człowieka. Został w nie wpleciony, istniał jako integralna część łowiectwa, rybołówstwa, rolnictwa i innych rodzajów działalności gospodarczej człowieka. A teraz sztuka i rzemiosło nadal stanowią integralną część wielu działań. Zwłaszcza te, które wymagają pracy fizycznej. Na przykład praca garncarzy, dmuchaczy szkła, jubilerów, szewców, krawców, stolarzy.

Początki sztuki i rzemiosła sięgają wieków wstecz. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej ucieleśniały specyfikę światopoglądu ludzi, ich rozumienie piękna. Tkactwo, haft, artystyczna i dekoracyjna obróbka drewna, metalu i skóry, cechy zdobienia odzieży i mieszkań dostarczają nam doskonałych przykładów zdobnictwa.

1.2. Ornament - jako rodzaj sztuki i rzemiosła

Pochodzenie ornamentu i jego starożytne znaczenie wiąże się z religijnym światopoglądem ludzi, którzy starali się ozdabiać ubrania i przedmioty gospodarstwa domowego, aby przebłagać złe duchy, chronić się przed nimi lub dodawać sobie sił. Wiele elementów znajduje się w różnych narodach.

W tłumaczeniu z łaciny „ozdoba” oznacza „ozdobę, wzór”.

Ornament jest obowiązkowym elementem dekoracji rzeczy. Badacze ornamentu uważają, że powstał on już w epoce górnego paleolitu (15-10 tys. lat p.n.e.). Oparta na nieobrazowej symbolice ornamentacja była prawie wyłącznie geometryczna, składająca się z surowych form koła, półkola, owalu, spirali, kwadratu, rombu, trójkąta, krzyża i różnych ich kombinacji. W wystroju zastosowano zygzaki, kreski, paski, ornament „choinkowy”, pleciony („sznurek”) wzór. Starożytny człowiek obdarzył swoje wyobrażenia o strukturze świata pewnymi znakami. Na przykład koło to słońce, kwadrat to ziemia, trójkąt to góry, swastyka to ruch słońca, spirala to rozwój, ruch itp., ale najprawdopodobniej jeszcze nie mieli walory dekoracyjne przedmiotów (często zakryte ornamentami ukrytymi przed ludzkim okiem części przedmiotów - spody, rewersy biżuterii, amulety, amulety itp.). Stopniowo te znaki-symbole nabrały ornamentalnej wyrazistości wzoru, który zaczęto traktować wyłącznie jako wartość estetyczną. Określono cel ozdoby - do dekoracji. Można jednak śmiało powiedzieć, że piktografia, wczesna faza pisma, powstała z motywów zdobniczych.

Ornament jest jednym z najstarszych rodzajów ludzkiej działalności malarskiej, który w odległej przeszłości miał znaczenie symboliczne i magiczne, symbolikę. W tamtych czasach, kiedy człowiek przeszedł na osiadły tryb życia i zaczął robić narzędzia i artykuły gospodarstwa domowego. Chęć udekorowania domu jest charakterystyczna dla osoby z każdej epoki. A jednak w starożytnej sztuce użytkowej pierwiastek magiczny dominował nad estetycznym, pełniąc rolę talizmanu przeciwko żywiołom i siłom zła.

Rodzaje wzorów

Nowoczesne typy wzorów można podzielić na dwie grupy

Delikatne ornamenty oparte na przedmiotach ze świata rzeczywistego - rośliny, zwierzęta (motywy zoomorficzne), pejzaże, wizerunki ludzi (motyw antropomorficzny), różne przedmioty;

Elementy geometryczne, abstrakcyjne i psychodeliczne obrazy, które być może pierwotnie miały prawdziwy prototyp, ale zmieniły się nie do poznania.

Bardziej starożytne są geometryczne typy wzorów na tkaninach - są to tak znane motywy ozdób jak pasek, zygzak, klatka, romb, kropki, trójkąt itp.

Najwyraźniej pierwszy ornament zdobił naczynie ulepione z gliny, gdy wynalezienie koła garncarskiego było jeszcze odległe. A taka ozdoba składała się z serii prostych wgnieceń wykonanych palcem na szyi mniej więcej w równej odległości od siebie. Oczywiście te wgniecenia nie mogły sprawić, że naczynie będzie wygodniejsze w użyciu. Jednak uczynili to ciekawszym (cieszyło oko) i co najważniejsze „chronili” przed przenikaniem złych duchów przez szyję.

To samo dotyczy dekoracji ubrań. Magiczne znaki na nim chroniły ludzkie ciało przed siłami zła. Nic więc dziwnego, że na kołnierzyku, rękawach i lamówce umieszczono czarujące wzory.

Ale wczesne elementy zdobnicze i zdobnicze nie mogły mieć znaczenia semantycznego, a były jedynie abstrakcyjnymi znakami, w których wyrażały poczucie rytmu, formy, porządku, symetrii.

Czym zatem jest ozdoba? Sztuka dzikusów czy kodeks narodu, drobiazg czy los? Każdy naród ma swój własny zestaw rytmicznie powtarzających się schematów kolorystycznych, które w razie potrzeby można wiele odczytać i zrozumieć: od losów grup etnicznych po charakter jednostki. Historia ornamentu i historia ludu są ze sobą nierozerwalnie związane. Co więcej, wszystko jest tak ściśle ze sobą splecione, że teraz nie od razu zrozumiesz, czy charakter ludu tworzy ozdobę, czy też charakterystyczną ozdobę, niczym nić przewodnią, prowadzi jego lud przez labirynty wieków w przyszłość. Ozdobą jest „krew” ludu. Na przykład pod względem składu krwi Indianie południowoamerykańscy nie mają nic wspólnego z Indianami północnoamerykańskimi, ponieważ. pierwsi to potomkowie Indochińczyków, a drudzy to imigranci z północy Eurazji. Dlatego mieszkańcy tych dwóch kontynentów różnią się nie tylko na poziomie genetycznym, ale także światopoglądowym, który w różny sposób wyraża się w ich twórczości. Albo, powiedzmy, Bułgarzy. Przez krew - północni Grecy, Trakowie, a przez język i mentalność - Słowianie.

Ozdoba wyraźnie daje wyobrażenie o historii ludu. Na przykład wśród ludzi pojawiła się uprawa roli i siła pociągowa, a także natychmiast pojawiła się nowa moda na stylizowane wizerunki koni, która natychmiast została odciśnięta w ornamentach. Nawiązane zostały kontakty z południowymi sąsiadami – pojawiły się nowe wzory z egzotycznymi roślinami i wschodnim załamaniem linii. Tym samym niezwykle bogaty ornament wchłonął najlepsze i najtrwalsze tradycje zdobnicze.

Znając pochodzenie narodu, można wiele zrozumieć w sztuce narodowej. K. M. KLIMOV, kierownik. Kierownik Katedry Historii Sztuki UdGU, doktor historii sztuki, profesor, kierownik projektu „Świat słowiański, ugrofiński, turecki: interakcja kultur” pisze w swojej książce „Udmurcki ornament tekstylny jako dialog kultur”: „Pewna znajoma kazachska kobieta mieszkająca w Rosji jakoś ubolewała:„ Masz tu całą przestrzeń z narożnikami - ulice, dom, meble, ale u nas wszystko jest inne - jurty, stepy, konie. Nie mogę wykopać ogrodu w linii prostej, chcę poruszać się po okręgu ... ”I od razu wyobraziłem sobie kazachską ozdobę - płynącą, płynną, płynną, jak ruchy jeźdźca prowadzącego stado koni.. Być może ornament pochodzi z poziomu psychofizjologicznego”.

Ornament to nie tylko coś oryginalnego, oryginalnego. To także konsekwencja procesów migracyjnych, powiązań handlowych i gospodarczych oraz dialogu kultur. Na przykład w niektórych ornamentach można prześledzić warstwę judaizmu, która pojawiła się w wyniku stosunków handlowych z Khazar Khaganate, starożytnym państwem żydowskim. Z Chazarów pochodził surowy jedwab, z którego wykonywano hafty, az naszych miejsc - futra.

Nie wszyscy wiedzą, że malarstwo Khokhloma jest związane ze staroobrzędowcami, którzy za swoje przekonania religijne zostali zesłani do Niżnego Nowogrodu, Syberii i Ałtaju. Staroobrzędowcy byli kopistami ksiąg religijnych, w których początkowe litery zostały ozdobione dokładnie w sposób Khokhloma, jak teraz mówimy. A ponieważ przepisywanie książek było dla nich niemożliwe, a jakoś żyć musieli, przenieśli swój kunszt na sprzęty domowe, które doskonale rozrzucano na jarmarkach.

Na przykład w ornamentyce udmurckiej XIX-XX wieku widoczne są wpływy białorusko-ukraińskie (bujne róże, duże motywy roślinne), co jest również historycznie wytłumaczalne. Wpływ przeszedł przez warsztaty zemstvo i rysunki szablonowe, które weszły w modę.

Początki baszkirskiej sztuki i rzemiosła giną w mrokach dziejów. Zapotrzebowanie koczowników na broń i sprzęt, a rolników na narzędzia, przyczyniło się do powszechnego rozwoju różnych rzemiosł ludowych. Otworzyło to szeroką drogę do powstania rzemiosła artystycznego, którego ucieleśnieniem było tkactwo, haft, artystyczna i dekoracyjna obróbka drewna i metalu, projektowanie strojów narodowych i dekoracji wnętrz. Przez to wszystko Baszkirowie wyrazili swój stosunek do natury i życia społeczeństwa.

W czasach starożytnych wszystkie ozdoby sztuki i rzemiosła pełniły rolę talizmanów i amuletów, chroniły człowieka przed złym okiem, przed działaniem sił zła i duchów. Z biegiem czasu zmieniły się ludzkie wyobrażenia o świecie i zmienił się cel biżuterii. Stopniowo traciły swoją pierwotną magiczną funkcję i stawały się jedynie przedmiotami dekoracyjnymi.

Dekorując swoje wyroby, ludzie opowiadali o sobie, o swoim rodzaju, o otaczającym ich życiu, naturze, więc możemy nadać ornamentowi jeszcze jedną definicję - jest to symboliczny i graficzny język ludzi, wyrażający ich uczucia, koncepcje.

Szczególne miejsce ornamentu w kulturze tradycyjnego społeczeństwa można ocenić na podstawie aktywności jego użycia. Ozdabiali stroje (codzienne, odświętne, rytualne), biżuterię kobiecą, różne przedmioty (przybory domowe i przedmioty kultu religijnego), mieszkanie, jego dekorację, broń i zbroje, uprząż dla koni.

Ornament jest jedną ze starożytnych form aktywności malarskiej od czasów paleolitu. Początkowe obrazy były nieskomplikowane: gałązka, fragment muszli trzymany na mokrej glinie lub wciśnięte w nią nasiona roślin. Z biegiem czasu prawdziwe nasiona zostały zastąpione ich obrazami. Już w epoce neolitu ornament ceramiki nie był przypadkowym zestawem kresek, pasków, kresek, ale przemyślanym, zweryfikowanym kompozycyjnie rysunkiem wypełnionym treściami symbolicznymi. Każda ozdoba jest czytelna jak książka, ponieważ ma swój własny „alfabet”, myśli, wątki, historię, stosunek do świata. A językiem symboli, linii, kolorów, rytmu opowiada o swoim ludzie: jakim jest człowiekiem, jaki ma temperament, charakter, los.

1.3. Kuskar - jako forma sztuki ludowej.

Ozdoba dla Baszkirów była jedyną formą twórczości artystycznej i wizualnej. Niemal całkowity brak realistycznych obrazów zwierząt, ludzi i krajobrazów w baszkirskiej sztuce ludowej wynikał z wpływu kultury muzułmańskiej, a mianowicie zakazu islamu przedstawiania żywych istot. Islam nie tylko wykluczył ze sztuki wszystkie inne obrazy, z wyjątkiem ornamentu, ale także zdeterminował skrajną stylizację jego formy, rozpowszechnienie ornamentu geometrycznego. Jednak północne regiony świata muzułmańskiego znały powszechne stosowanie w ornamentyce wizerunków zwierząt, częściej stylizowanych, a czasem nawet o stosunkowo realistycznym charakterze.

Pogaństwo ze swoimi ideami magicznymi, totemicznymi i animistycznymi wywarło znaczący wpływ na ornament, jego treść i formę. Przyjęcie i rozpowszechnienie islamu doprowadziło do zniszczenia jednolitego systemu pogańskich idei i wierzeń. Jednak motywy pogańskie związane z mitami ludowymi żyły długo i mocno w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.

Tamga, jako talizman, została znaleziona na ubraniach, nakryciach głowy, butach, rzeźbionych drewnianych naczyniach, chochlach izhau, broni wojskowej. Każdy klan miał swój własny znak rodzajowy - tamga. Dla każdego klanu tamga miała swoje własne kontury, które odzwierciedlały rodzaj działalności, zawód w rodzinie. A jeśli dziewczyna wychodziła za mąż, to wzór jej rodzajowej tamgi zmieniał się, był uzupełniany, wzbogacany o elementy rodzinnej tamgi pana młodego. Powtórzenie elementu totemicznego doprowadziło do powstania ornamentu. Zatem ornament jest produktem długiego rozwoju historycznego. Zachowuje warstwy różnych okresów rozwoju kulturowego, ślady złożonych interakcji i wzajemnych wpływów między plemionami i ludami.

Baszkirowie od dawna ozdabiają uprzęże dla koni, sprzęty domowe, ubrania, buty i mieszkania różnorodnymi, jasnymi i kolorowymi ozdobami. Jest to wzór, który powstaje z połączenia geometrycznych, zoomorficznych i roślinnych kształtów i elementów.

Wśród Baszkirów najstarszy kompleks ozdobny to połączenie najprostszych kształtów geometrycznych: trójkątów, zygzaków, równoległych ukośnych linii, kół, rozet wirowych. Przede wszystkim kompleks ten był rozmieszczony w części górskiej.

Kuskar - rogi baranie - symbol hodowli bydła, ziół, płodności - symbol działalności produkcyjnej człowieka, płodności.

Serce - gościnność

Znak słoneczny - słońce

Romb - symbol rolnictwa

· Ozdoba w kształcie litery S

· Gęsia stopa

Kuskar jest symbolem ludu koczowniczego zajmującego się hodowlą bydła, symbolem gościnności ludu Baszkirów. Kuskar nawiązuje do elementów ornamentu roślinnego. Improwizacja tego symbolu z dodatkowymi spiralnymi lokami doprowadziła do powstania różnych wzorów ozdobnych i wielu innych opcji.

Pod względem kolorystycznym ozdoba baszkirska jest jasna, wielobarwna, oparta na kontrastowych, mocnych i czystych barwach:

Czerwony to kolor ciepła i ognia

Żółty to kolor obfitości i bogactwa

Czarny to kolor ziemi i płodności

Zielony to kolor wiecznie zielony

Biały - czystość myśli, spokój

Niebieski to kolor wolności

Brązowy to kolor więdnącej starości.

Ozdoba baszkirska ma swoje specyficzne cechy, które odróżniają ją od ozdoby nawet najbliższych ludów pod względem pokrewieństwa kulturowego i etnicznego. Pomimo wielu motywów charakterystycznych dla innych ludów, ornament baszkirski stanowi formację wyjątkową. Niektóre z jego elementów, te najstarsze, są znane. Wśród innych ludów, tysiące kilometrów odległych na zachód i wschód. Istnieją elementy charakterystyczne dla sztuki większości ludów Eurazji. Wskazuje to, że kultura Baszkirów narodziła się w jednym nurcie rozwoju kultury światowej, w procesie aktywnych kontaktów z plemionami tureckiego Wschodu i ludnością ugrofińską. To jest powód złożoności, wszechstronności obrazkowego języka ludu Baszkirów, który opowiada o historii rozwoju ich kultury.

Z Wikipedii, wolnej encyklopedii

Sztuka i Rzemiosło(od łac. dekoracje- dekorować) - szeroki dział sztuk plastycznych, który obejmuje różne gałęzie działalności twórczej mającej na celu tworzenie wytworów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorowy warunkowo łączy dwa szerokie rodzaje sztuk: dekoracyjny oraz stosowany. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych do przyjemności estetycznej i związanych z nimi czysta sztuka, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka cech: mają walory estetyczne; zaprojektowany dla efektu artystycznego; służą do rejestracji życia i wnętrza. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukiennicze i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne.
Od drugiej połowy XIX wieku w literaturze naukowej ustala się klasyfikacja dziedzin sztuki i rzemiosła. według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania (rzeźbienie, malowanie, haftowanie, drukowanie, odlewanie, tłoczenie, intarsje itp.) oraz według cech funkcjonalnych korzystanie z obiektu (meble, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstruktywno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Rodzaje sztuki i rzemiosła

• Szycie to tworzenie ściegów i szwów na materiale za pomocą igły i nici, żyłki wędkarskiej itp. Szycie to jedna z najstarszych technologii produkcji, która powstała jeszcze w epoce kamiennej.
  • Flowermaking - wykonywanie biżuterii damskiej z tkaniny w formie kwiatów
  • Patchwork (szycie z łat), kołdra patchworkowa – technika patchworkowa, mozaika patchworkowa, mozaika tekstylna – rodzaj robótek ręcznych, w których na zasadzie mozaiki szyty jest cały wyrób z kawałków tkaniny.
    • Aplikacja - sposób na uzyskanie obrazu; technika sztuki i rzemiosła.
  • Wyroby pikowane, pikowane - dwa przeszyte kawałki tkaniny i ułożona między nimi warstwa waty lub waty.
• Haft to sztuka zdobienia wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów różnorodnymi wzorami, od tych najgrubszych i najgęstszych jak płótno, płótno, skóra, po najdelikatniejsze tkaniny - batyst, muślin, gaz, tiul itp. Narzędzia i materiały do haftu: igły, nici, tamborek, nożyczki.
• Dzianie to proces wytwarzania produktów z ciągłych nici poprzez zginanie ich w pętle i łączenie pętli ze sobą za pomocą prostych narzędzi, ręcznie lub na specjalnej maszynie.
• Artystyczna obróbka skóry - produkcja różnych artykułów ze skóry, zarówno do celów domowych, jak i dekoracyjno-artystycznych.
• Tkactwo to wytwarzanie tkanin na krosnach, jedno z najstarszych rzemiosł ludzkich.
• Tkanie dywanów - produkcja dywanów.
• Wypalanie - wzór jest nakładany na powierzchnię materiału organicznego za pomocą gorącej igły.
  • Opalanie drewnem
  • Wypalanie na tkaninie (gilosz) to technika robótek ręcznych polegająca na wykańczaniu wyrobów ażurową koronką i wykonywaniu aplikacji poprzez ich wypalanie za pomocą specjalnego aparatu.
  • Do innych materiałów
  • Hotstamping to technologia artystycznego znakowania produktów metodą hotstampingu.
• Rzeźbienie artystyczne jest jednym z najstarszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów obróbki materiałów.
  • Rzeźba w kamieniu to proces formowania pożądanego kształtu, który odbywa się poprzez wiercenie, polerowanie, szlifowanie, piłowanie, grawerowanie itp.
  • Rzeźbienie kości jest rodzajem sztuki i rzemiosła.
• Malarstwo na porcelanie, szkle
• Mozaika - tworzenie obrazu poprzez układanie, układanie i mocowanie wielobarwnych kamieni, smaltów, płytek ceramicznych i innych materiałów na powierzchni.
• Witraż jest dziełem sztuki zdobniczej o charakterze malarskim lub ornamentalnym wykonanym ze szkła barwionego, przeznaczonym do oświetlenia przelotowego i przeznaczonym do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnej konstrukcji architektonicznej.
• Decoupage to technika dekoracyjna tkanin, naczyń, mebli itp., polegająca na skrupulatnym wycinaniu z papieru obrazów, które następnie przykleja się lub w inny sposób mocuje do różnych powierzchni w celu dekoracji.
• Modelarstwo, rzeźba, florystyka ceramiczna - kształtowanie tworzywa sztucznego przy pomocy rąk i narzędzi pomocniczych.
• Tkanie to metoda wytwarzania sztywniejszych konstrukcji i materiałów z mniej trwałych materiałów: nici, łodyg roślin, włókien, kory, gałązek, korzeni i innych podobnych miękkich surowców.
  • Bambus - tkanie z bambusa.
  • Kora brzozy - tkanie z górnej kory brzozy.
  • Beading, beading - tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których jest stosowany, koraliki są nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także konstrukcyjnym i technologicznym.
  • Koronka - elementy ozdobne wykonane z tkaniny i nici.
  • Makrama to technika tkania węzłów.
  • Winorośl - rzemiosło wytwarzania wyrobów wiklinowych z winorośli: sprzętów gospodarstwa domowego i pojemników o różnym przeznaczeniu.
  • Mata - tkanie podłóg z dowolnego szorstkiego materiału, maty, maty.
• Obraz:
  • Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Malarstwo jasne, lakoniczne (sceny rodzajowe, figurki koni, koguty, motywy roślinne), wykonane swobodnym pędzlem białą i czarną kreską graficzną, zdobione kręcące się koła, meble, okiennice, drzwi.
  • Malarstwo Polchow-Majdan - produkcja malowanych wyrobów toczonych - lalek lęgowych, pisanek, grzybów, solniczek, kielichów, materiałów eksploatacyjnych - hojnie zdobionych soczystym malarstwem ornamentalnym i fabularnym. Wśród motywów malowniczych najczęściej spotykane są kwiaty, ptaki, zwierzęta, pejzaże wiejskie i miejskie.
  • Malarstwo Mezen na drewnie - rodzaj malowania przedmiotów gospodarstwa domowego - kołowrotków, chochli, pudełek, braci.
  • Malarstwo Zhostovo to ludowe rzemiosło artystycznego malowania metalowych tac.
  • Malarstwo Semyonovskaya - wykonanie drewnianej zabawki z obrazem.
  • Khokhloma - stare rosyjskie rzemiosło ludowe, urodzone w XVII wieku w powiecie niżnym nowogrodzie
  • Malarstwo witrażowe - ręczne malowanie na szkle, imitacja witrażu.
  • Batik - ręcznie malowany na tkaninie z wykorzystaniem kompozycji rezerwowych.
    • Zimny ​​batik - technika malowania na tkaninie wykorzystuje specjalną kompozycję rezerwującą zimno.
    • Gorący batik - wzór tworzy się przy użyciu roztopionego wosku lub innych podobnych substancji.
• Scrapbooking - projektowanie albumów fotograficznych
• Modelowanie w glinie to tworzenie kształtów i przedmiotów z gliny. Można rzeźbić na kole garncarskim lub ręcznie.

Zobacz też

Napisz recenzję artykułu „Sztuka dekoracyjna i użytkowa”

Notatki

Literatura

• Własow V.G. Nowy encyklopedyczny słownik sztuk pięknych: w 10 tomach - St. Petersburg: ABC Classics. - T. 3., 2005. - S. 379-383, 384-391.
• Własow V.G.. - Uniwersytet Państwowy w Petersburgu, 2012. - 156 s.
• Julia Karpowa.// „Racja awaryjna”. 2011, nr 4(78).
• Moran A. Historia sztuki dekoracyjnej i użytkowej. - M.: Sztuka, 1982.
• Sadokhin A. Sztuka świata. - M.: Jedność, 2000.

Spinki do mankietów

• w Projekt otwartej encyklopedii
• (Okrągły stół na festiwalu „Niezapomniane tradycje 2012, etnofuturyzm”)
• Sztuka dekoracyjna ZSRR - magazyn w ZSRR

Ten artykuł na temat sztuki jest en . Możesz pomóc projektowi, dodając do niego.

Fragment charakteryzujący sztukę dekoracyjną i użytkową

Przy drodze stała jedna grupa Francuzów, a dwóch żołnierzy - twarz jednego z nich była pokryta ranami - rozdzierało rękami kawałek surowego mięsa. Było coś strasznego i zwierzęcego w tym pobieżnym spojrzeniu, które rzucali na przechodniów, i w tym złośliwym wyrazie twarzy, z jakim ranny żołnierz, patrząc na Kutuzowa, natychmiast odwracał się i kontynuował swoją pracę.
Kutuzow długo patrzył na tych dwóch żołnierzy; Marszcząc się jeszcze bardziej, zmrużył oczy i potrząsnął głową w zamyśleniu. W innym miejscu zauważył rosyjskiego żołnierza, który śmiejąc się i klepiąc Francuza po ramieniu, powiedział mu coś czule. Kutuzow ponownie potrząsnął głową z tym samym wyrazem twarzy.
- Co ty mówisz? Co? zapytał generała, który kontynuował meldowanie i zwrócił uwagę naczelnego wodza na wzięte przez Francuzów sztandary, które stały przed frontem pułku Preobrażeńskiego.
- Ach, sztandary! - powiedział Kutuzow, najwyraźniej z trudem odrywając się od tematu, który zajmował jego myśli. Rozejrzał się nieobecnym wzrokiem. Tysiące oczu ze wszystkich stron, czekając na jego słowo, patrzyło na niego.
Przed Pułkiem Preobrażeńskim zatrzymał się, westchnął ciężko i zamknął oczy. Ktoś z orszaku machnął na żołnierzy trzymających sztandary, aby podeszli i umieścili je wokół naczelnego wodza z masztami. Kutuzow milczał przez kilka sekund i najwyraźniej niechętnie, posłuszny konieczności swojego stanowiska, podniósł głowę i zaczął mówić. Otoczyły go tłumy oficerów. Bystrym okiem rozejrzał się po kręgu oficerów, rozpoznając niektórych z nich.
- Dziękuję wam wszystkim! — powiedział, zwracając się do żołnierzy i ponownie do oficerów. W ciszy, która panowała wokół niego, jego powoli wypowiadane słowa były wyraźnie słyszalne. „Dziękuję wszystkim za waszą ciężką i wierną służbę. Zwycięstwo jest doskonałe, a Rosja o tobie nie zapomni. Chwała Tobie na wieki! Zatrzymał się, rozglądając dookoła.
„Pochyl się, pochyl głowę” – powiedział do żołnierza, który trzymał francuskiego orła i przypadkowo opuścił go przed sztandar Przemienienia Pańskiego. „Niżej, niżej, to wszystko. Brawo! chłopaki, - szybkim ruchem brody zwróć się do żołnierzy, powiedział.
- Brawo ra ra! ryknęło tysiące głosów. Podczas gdy żołnierze krzyczeli, Kutuzow pochylony w siodle spuścił głowę, a jego oko zajaśniało łagodnym, jakby szyderczym blaskiem.
„Oto co, bracia” - powiedział, gdy głosy ucichły ...
I nagle zmienił się jego głos i wyraz twarzy: głównodowodzący przestał mówić, a odezwał się prosty, stary człowiek, najwyraźniej chcący teraz powiedzieć swoim towarzyszom coś bardzo potrzebnego.
W tłumie oficerów iw szeregach żołnierzy powstał ruch, aby wyraźniej usłyszeć, co teraz powie.
„O to chodzi, bracia. Wiem, że to dla ciebie trudne, ale co możesz zrobić! Bądź cierpliwy; już nie długo. Wyślemy gości, a potem odpoczniemy. Za twoją służbę król o tobie nie zapomni. To dla ciebie trudne, ale nadal jesteś w domu; a oni - zobacz, do czego doszli - powiedział, wskazując na więźniów. - Gorzej niż ostatni żebracy. Kiedy byli silni, nie żałowaliśmy siebie, ale teraz możesz współczuć im. To także ludzie. Więc chłopaki?
Rozejrzał się wokół iw upartych, pełnych szacunku, zakłopotanych spojrzeniach, utkwionych w nim, wyczytał współczucie dla jego słów: twarz jego stawała się coraz jaśniejsza od starczego potulnego uśmiechu, a kąciki ust i oczu pokrywały się gwiazdkami zmarszczek. Zatrzymał się i spuścił głowę, jakby w oszołomieniu.
- A potem powiedz, kto ich do nas wezwał? Służy im dobrze, m ... i ... w g .... - powiedział nagle, podnosząc głowę. I wymachując batem, galopował po raz pierwszy w całej kampanii, z dala od radosnego śmiechu i ryku wiwatów, wywracających szeregi żołnierzy.
Słowa wypowiedziane przez Kutuzowa były prawie niezrozumiałe dla żołnierzy. Nikt nie byłby w stanie przekazać treści pierwszego uroczystego i kończącego naiwnie starca przemówienia feldmarszałka; ale nie tylko zrozumiano serdeczne znaczenie tej mowy, ale to samo, to samo uczucie majestatycznego triumfu, połączonego z litością dla wrogów i świadomością własnej słuszności, wyrażone w tym właśnie, dobrodusznym przekleństwie tego starca, to właśnie (uczucie tkwiło w duszy każdego żołnierza i wyrażało się w radosnym, długotrwałym okrzyku. Kiedy po tym jeden z generałów zwrócił się do niego z pytaniem, czy naczelny wódz rozkaże powóz do przybyć, Kutuzow, odpowiadając, nagle zaszlochał, najwyraźniej bardzo wzburzony.

8 listopada to ostatni dzień bitew pod Krasneńskim; już się ściemniało, gdy wojska przybyły na miejsce noclegu. Cały dzień był cichy, mroźny, padał lekki, rzadki śnieg; Wieczorem stało się jasne. Przez płatki śniegu widać było czarno-fioletowe gwiaździste niebo, a mróz zaczął się nasilać.
Pułk muszkieterów, który opuścił Tarutino w liczbie trzech tysięcy, teraz w liczbie dziewięciuset ludzi, jako jeden z pierwszych przybył na wyznaczone miejsce noclegu, w wiosce przy głównej drodze. Kwatermistrzowie, którzy spotkali się z pułkiem, ogłosili, że wszystkie baraki są zajęte przez chorych i martwych Francuzów, kawalerzystów i kwaterę główną. Dla dowódcy pułku była tylko jedna chata.
Dowódca pułku podjechał do swojej chaty. Pułk przeszedł przez wieś i przy najbardziej oddalonych chatach przy drodze włożył działa w kozy.
Niczym wielkie, wieloczłonowe zwierzę, pułk zabrał się do urządzania legowiska i pożywienia. Część żołnierzy rozpierzchła się po kolana w śniegu do lasu brzozowego, który był na prawo od wsi, i natychmiast dał się słyszeć w lesie odgłos toporów, tasaków, trzask łamanych gałęzi i wesołe głosy; inna część krzątała się po środku wozów pułkowych i koni, układanych w stosy, wyjmowania kotłów, krakersów i dawania koniom jedzenia; trzecia część rozproszyła się po wiosce, organizując kwatery na kwatery główne, wydobywając zwłoki Francuzów leżące w chatach i usuwając deski, suche drewno opałowe i słomę z dachów na ogniska i chrust dla ochrony.
Około piętnastu żołnierzy za chatami, od strony wsi, z radosnym okrzykiem kołysało wysokim płotem szopy, z której zdjęto już dach.
- No, no, zaraz, oprzyj się! - krzyczały głosy, aw ciemnościach nocy ogromny płot z wikliny pokryty śniegiem zakołysał się z mroźnym trzaskiem. Dolne paliki trzaskały coraz częściej, aż w końcu płot z wikliny runął wraz z napierającymi nań żołnierzami. Rozległ się głośny, niegrzecznie radosny płacz i śmiech.
- Weź dwa! daj rocha tutaj! lubię to. Gdzie w takim razie idziesz?
- Cóż, od razu ... Tak, przestańcie, chłopaki! .. Z okrzykiem!
Wszyscy ucichli, a miękki, aksamitnie przyjemny głos zaśpiewał piosenkę. Pod koniec trzeciej zwrotki, tuż przy końcu ostatniego dźwięku, dwadzieścia głosów zawołało chórem: „Uuuu! Idzie! Razem! Chodźcie, dzieciaki!..” Ale mimo wspólnych wysiłków płot z wikliny niewiele się poruszył, aw zapadłej ciszy słychać było ciężkie sapanie.
- Hej ty, szósta kompania! Cholera, diabły! Pomoc... my też się przydamy.
Szósta kompania, licząca około dwudziestu osób, idąca do wsi, przyłączyła się do przeciągania; a pleciony płot, długi na pięć sazhenów i szeroki na sazhen, wyginał się, naciskając i przecinając ramiona dyszących żołnierzy, przesuwał się wzdłuż wiejskiej ulicy.
- Idź, czy coś... Padnij, eka... Czym się stałeś? To tyle... Wesołe, brzydkie przekleństwa nie ustawały.
- Co jest nie tak? - nagle usłyszałem rozkazujący głos żołnierza, który wbiegł na transportery.
- Pan jest tutaj; w chacie sam anal, a wy, diabły, diabły, oszuści. Chory! - krzyknął starszy sierżant i zamachem uderzył pierwszego żołnierza, który pojawił się z tyłu. - Czy nie może być cicho?
Żołnierze umilkli. Żołnierz uderzony przez starszego sierżanta zaczął z jękiem wycierać twarz, którą rozdarł do krwi, gdy potknął się o płot z wikliny.
„Spójrz, do cholery, jak on walczy!” Już zakrwawiłem całą twarz - powiedział nieśmiałym szeptem, gdy starszy sierżant odszedł.
- Nie lubisz Ali? powiedział roześmiany głos; i łagodząc dźwięki głosów, żołnierze poszli dalej. Po opuszczeniu wioski znów mówili równie głośno, zasypując rozmowę tymi samymi bezsensownymi przekleństwami.
W chacie, obok której przechodzili żołnierze, zebrały się najwyższe władze i przy herbacie toczyła się ożywiona rozmowa o minionym dniu i proponowanych manewrach na przyszłość. Miał wykonać marsz flankowy w lewo, odciąć namiestnika i go schwytać.
Kiedy żołnierze przeciągali płot z wikliny, z różnych stron już płonęły ogniska w kuchniach. Drewno opałowe trzeszczało, śnieg topniał, a czarne cienie żołnierzy biegały tam iz powrotem po całej okupowanej, wydeptanej w śnieżnej przestrzeni.
Topory, tasaki działały ze wszystkich stron. Wszystko odbyło się bez żadnego zamówienia. Zaciągano drewno na opał w rezerwie na noc, ogrodzono chaty dla władz, gotowano garnki, zajmowano się bronią i amunicją.
Płot przywieziony przez ósmą kompanię ustawiono w półkolu od strony północnej, wsparty na dwójnogach, a przed nim rozpalono ognisko. Nastał świt, dokonali kalkulacji, zjedli obiad i usiedli na noc przy ogniskach - niektórzy naprawiali buty, inni palili fajkę, inni nadzy, parując wszy.

Wydawać by się mogło, że w tych wręcz niewyobrażalnie trudnych warunkach bytowania, w jakich znajdowali się wówczas rosyjscy żołnierze – bez ciepłych butów, bez kożuchów, bez dachu nad głową, w śniegu przy temperaturze 18° poniżej zera, bez nawet pełnej ilości zaopatrzenia, nie zawsze nadążając za wojskiem - wydawało się, że żołnierze powinni przedstawić najsmutniejszy i najbardziej przygnębiający widok.

Sztuka dekoracyjna - stosowana.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa (DPI) - sztuka wytwarzania przedmiotów gospodarstwa domowego, które mają walory artystyczne i estetyczne i są przeznaczone nie tylko do użytku praktycznego, ale także do dekoracji mieszkań, obiektów architektonicznych, parków itp.

Całe życie prymitywnych plemion i cywilizacji było związane z pogaństwem. Ludzie czcili różne bóstwa, przedmioty - trawę, słońce, ptaka, drzewo. Aby „uspokoić” niektórych bogów i „odpędzić” złe duchy, najstarszy człowiek, budując dom, koniecznie uzupełnił go „amuletami” - płaskorzeźbami, listwami na oknach, zwierzętami i znakami geometrycznymi, które mają symboliczny i znaczenie symboliczne. Odzież koniecznie chroniła właściciela przed złymi duchami z paskiem ornamentu na rękawach, rąbku i kołnierzu, a wszystkie naczynia miały rytualny ornament.

Ale od czasów starożytnych pragnienie piękna w otaczającym go obiektywnym świecie było również charakterystyczne dla człowieka, więc obrazy zaczęły nabierać coraz bardziej estetycznego wyglądu. Stopniowo tracąc swoje pierwotne znaczenie, zaczęły ozdabiać coś więcej niż nieść jakąś magiczną informację. Haftowane wzory nakładano na tkaniny, ceramikę dekorowano ornamentami i obrazami, najpierw wyciskano i rysowano, a następnie nakładano gliną o innym kolorze. Później używano do tego celu kolorowych szkliwa i emalii. Wyroby metalowe odlewane były w formach figurowych, pokrytych wytłoczeniami i nacięciami.

Sztuka i rzemiosło są i artystycznie wykonanych mebli, naczyń, odzieży, dywanów, haftów, biżuterii, zabawek i innych przedmiotów, a także malarstwa ornamentalnego oraz dekoracji rzeźbiarskiej i dekoracyjnej wnętrz i elewacji budynków, ceramiki okładzinowej, witraży itp. Bardzo często spotykane są formy pośrednie między DPI a sztuką sztalugową – płyciny, gobeliny, plafony, ozdobne posągi itp. – które są częścią architektonicznej całości, uzupełniają ją, ale też można je rozpatrywać osobno, jako samodzielne dzieła sztuki. Czasami w wazonie lub innym przedmiocie nie funkcjonalność jest najważniejsza, ale piękno.

Na rozwój sztuki użytkowej miały wpływ warunki życia, życie każdego ludu, warunki przyrodnicze i klimatyczne ich siedliska. DPI to jedna z najstarszych form sztuki. Przez wiele wieków rozwijała się wśród ludu w postaci sztuki i rzemiosła ludowego.

Haft. Ma swoje korzenie w starożytności, kiedy używano igieł z kości, a następnie z brązu. Haftowane na ubraniach lnianych, bawełnianych, wełnianych. W Chinach i Japonii haftowali kolorowym jedwabiem, w Indiach, Iranie, Turcji - złotem. Haftowane ozdoby, kwiaty, zwierzęta. Nawet w obrębie tego samego kraju istniały zupełnie różne rodzaje haftu w zależności od obszaru i zamieszkujących go ludzi, jak na przykład haft czerwonymi nitkami, haft kolorowy, haft krzyżykowy, ścieg satynowy itp. Motywy i kolorystyka często zależała od przeznaczenia przedmiotu, odświętnego lub codziennego.

Podanie. Wielobarwne kawałki tkaniny, papieru, skóry, futra, słomy są naszyte lub naklejone na materiał o innym kolorze lub opatrunku. Zastosowanie w sztuce ludowej, zwłaszcza ludów Północy, jest niezwykle interesujące. Zastosowanie zdobią panele, gobeliny, zasłony. Często aplikacja jest wykonywana po prostu jako samodzielna praca.

Witraż. Jest to fabularna kompozycja dekoracyjna wykonana z kolorowych szkieł lub innego materiału przepuszczającego światło. W klasycznym witrażu poszczególne kawałki kolorowego szkła zostały połączone przekładkami wykonanymi z najdelikatniejszego materiału - ołowiu. Takie są witraże wielu katedr i kościołów w Europie i Rosji. Stosowano również technikę malowania na bezbarwnym lub kolorowym szkle farbami silikatowymi, które następnie utrwalano przez lekkie wypalanie. w XX wieku witraże wykonano z przezroczystych tworzyw sztucznych.

Nowoczesne witraże znajdują zastosowanie nie tylko w kościołach, ale także w lokalach mieszkalnych, teatrach, hotelach, sklepach, metrach itp.

Obraz. Kompozycje wykonane farbami na powierzchni tkanin, wyrobów drewnianych, ceramicznych, metalowych i innych. Murale są fabularne i ozdobne. Są szeroko stosowane w sztuce ludowej i służą jako dekoracja pamiątek lub artykułów gospodarstwa domowego.

Ceramika. Wyroby i materiały wykonane z gliny i różnych jej mieszanek. Nazwa pochodzi od obszaru w Grecji, który od czasów starożytnych był ośrodkiem produkcji ceramiki, tj. do produkcji naczyń i naczyń. Ceramika nazywana jest również płytkami licowymi, często pokrytymi malowidłami. Główne rodzaje ceramiki to glina, terakota, majolika, fajans, porcelana, masa kamienna.

Sznurówka. Ażurowe wyroby z nici. Zgodnie z techniką wykonania dzielą się na ręczne (tkane na toczonych patyczkach - szpulkach, szyte igłą, szydełkowane lub na drutach) i maszynowe.

Tkactwo z kory brzozy, słomy, winorośli, łyka, skóry, nici itp. jeden z najstarszych rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej (znany od neolitu). Z tkactwa wykonywano głównie naczynia, meble, korpusy, zabawki, pudełka.

Wątek. Metoda artystycznej obróbki materiałów, polegająca na wycinaniu rzeźbiarskich postaci specjalnym narzędziem tnącym lub wykonywaniu pewnego rodzaju obrazu na gładkiej powierzchni. Na Rusi najpowszechniejsze było snycerstwo. Zakryła listwy domów, mebli, narzędzi. Jest rzeźbiona rzeźba wykonana z kości, kamienia, gipsu itp. Wiele rzeźb to ozdoby (kamienie, złoto, brąz, miedź itp.) I broń (drewno, kamień, metale).