Co to jest Fis. Accidentals (o ostrych, płaskich, bekar)

Podczas nauki solfeggio uczniowie mają do czynienia z wieloma skalami. Jeden z nich - fis-moll - zostanie omówiony w naszym artykule. Nie jest zbyt skomplikowany, ponieważ zawiera tylko trzy znaki z kluczem, w przeciwieństwie do skal i sekwencji, które mogą mieć do siedmiu znaków podstawowych, nie licząc podwójnie ostrych i podwójnie płaskich.

Fis-moll: znaki

Gamma jest najczęstszym ciągiem mniejszym i jak już wspomniano, zawiera tylko trzy znaki w postaci krzyżyków: fa, do i sol.

Na tej podstawie budowana jest cała sekwencja. Jest oznaczony jako F # moll lub fis-moll, co jest powszechne w partyturach gitarowych lub palcowaniach akordów.

Nuta toniczna to fa#, subdominantą jest si, a dominantą jest do#. Na tych trzech krokach budowane są główne triady gamy, które zostaną omówione poniżej.

Major równoległy

Podobnie jak wszystkie inne, gama fis-moll ma równoległą skalę dur. To jest major. Technika wykrywania jest bardzo prosta. Tak więc dla nieletniego należy zbudować półton w górę od ostatniego znaku przy tonacji. W naszym przypadku jest to półton od zolu #, co daje czystą nutę la.

Dwoma metodami można określić równoległy minor. Pierwszy polega na zbudowaniu małej tercji w dół od toniki (w naszym przypadku z czystej nuty la dostajemy fa #. Drugi sposób polega na odliczeniu tercji od prawej w znakach z tonacją. To będzie pożądany minor odpowiada majorowi.

Wielu kompozytorów zwróciło się i zwraca się ku tym kluczom. Jest ich również wiele wśród rosyjskich klasyków, ponieważ te klawisze mają bardzo ciepły dźwięk dla ludzkiego słuchu.

Odmiany skali molowej

Jak każda inna skala molowa, fis-moll ma trzy główne odmiany: naturalną, harmoniczną i melodyczną.

Różnica między tymi typami sekwencji gamy polega na tym, że w moll naturalnej kolejność do przodu i do tyłu jest odtwarzana bez zmiany znaków.

W skali harmonicznej przy konstruowaniu ciągu prostego i odwrotnego krok VII wzrasta o pół tonu (dla skali fis-moll otrzymujemy mi#).

Jeśli chodzi o moll melodyczny, to przy graniu skali wznoszącej stopnie VI i VII rosną o pół tonu, a przy opadaniu podwyższenie jest anulowane (w samej skali umieszcza się znak becar). Dla f-moll takimi krokami są D i E.

Akordy molowe i triady: ogólne zasady budowy

Patrząc na budowanie triad i akordów, ogólną zasadą jest to, że kiedy tworzysz akord, po prostu dodajesz nutę przesuniętą w górę lub w dół do triady. W najprostszym przypadku jest to tonika, o oktawę wyżej. Ale w zależności od rodzaju akordu odstęp między nutami, z których wykonana jest konstrukcja, może być różny.

W przypadku gamy fis-moll triada toniczna zawiera dźwięki Fis, A i Cis. Jeśli, na przykład, jest zbudowany z toniką pierwszej oktawy, dodanie fis w drugiej oktawie da najprostszy akord.

Dla triady opartej na subdominancie będzie to połączenie nut si-re-fa#, dla dominanty - do#-mi#-sol#. Uwaga: triada na piątym stopniu budowana jest zawsze w oparciu o molową harmoniczną, gdyż to właśnie ten stopień odpowiada za brzmienie dominującego akordu septymowego, a w nim, jak wiadomo, siódmy stopień wznosi się o pół kroku.

Ogólnie rzecz biorąc, dla wszystkich mniejszych triad, które są budowane, istnieje jedna zasada. Z głównej nuty najpierw budowana jest mała tercja, a od następnej - duża tercja. Jeśli spojrzeć na budowę triady w dół, łatwo zauważyć, że jest to jedna z inwersji (gdy każda triada jest budowana z każdej kolejnej nuty, przesuwając poprzednią o oktawę wyżej).

Okazuje się więc, że triada w dół od toniki Fis daje kombinację f#-do#-la, ale tylko o dwie oktawy niższą od standardowego odwrócenia w górę. Podczas budowania w dół, najpierw używana jest doskonała kwarta dolna, a następnie dodawana jest do niej tercja wielka.

Zamiast posłowia

Jeśli spojrzeć na samą skalę fis-moll, jest ona bardzo popularna wśród wielu kompozytorów i wykonawców, tylko dlatego, że odpowiada swojemu odpowiednikowi A-dur. Jest to szczególnie widoczne wśród gitarzystów, ponieważ sam A-dur w palcowaniu jest jednym z najprostszych akordów i jest wykonywany zaledwie trzema palcami na drugim progu, trzymając drugą, trzecią i czwartą strunę.

W przypadku fis-moll sytuacja jest nieco bardziej skomplikowana, ponieważ aby wydobyć standardowy akord, trzeba opanować technikę taktową.

Dla pianistów ta skala molowa, nawet przy szybkim wykonaniu, nie sprawia szczególnych trudności.

Istnieje sporo przykładów użycia tej tonacji w połączeniu z równoległą dur, nawet rockmani grający muzykę glam lub soft metal, w większości zwracają się do tych skal i opartych na nich sekwencji. Ponadto oba klawisze są odpowiednie zarówno dla głosów męskich, jak i żeńskich. Nic dziwnego, że w tych gatunkach znajduje się większość kompozycji opartych na standardowym „włoskim kwadracie” (A-dur-F # E-dur) i jego odmianach.

Akord F to ruch taktowy, którego obawiają się wszyscy początkujący. Możesz tego uniknąć, ograniczając w ten sposób swój repertuar. Ale jeśli naprawdę chcesz nauczyć się grać na gitarze, prędzej czy później będziesz musiał nauczyć się grać na drążku. Co więcej, nie ma w tym nic skomplikowanego. Jeśli ćwiczysz regularnie, szybko opanujesz akord F.

Palcowanie i notacja akordów

Akordy są oznaczone dużymi literami łacińskimi (A, B, C, D, E, F, G). F to F-dur. Dodatkowe litery i cyfry po dużej literze wskazują konkretną odmianę akordu. Na przykład litera m oznacza, że ​​\u200b\u200bjest to mniejsza współbrzmienie. Liczba 7 wskazuje, że jest to akord septymowy itp.

W przeciwieństwie do klawiatury fortepianu, gryf gitary pozwala grać tę samą współbrzmienie w różnych pozycjach. Palcowanie służy do określenia sposobu grania akordu. To wygląda tak.

Palcowanie pokazuje, w którym miejscu na gryfie należy wcisnąć konkretną strunę.

Struktura trójdźwięków durowych i molowych F

F-dur (F) składa się z dźwięków: fa (F), do (C), la (A).

F-moll (Fm) składa się z ich dźwięków: F (F), C (C), G-ostry (G #).

Nuty zawarte w konsonansie muszą być zapamiętane, aby zagrać akord w dowolnym miejscu na gryfie. Jest to bardzo przydatne, gdy grasz w zespole lub zespole rockowym z dwiema gitarami.

F (F-dur) i Fm (F-moll) na gitarze

Podnieś gitarę i zacznij szczypać palcowanie akordów.

F-dur na pierwszym miejscu

Weź drążek na pierwszym progu. Środkowym palcem naciśnij 3. strunę na 2. progu, połóż palec serdeczny i mały na 3. progu, na 5. i 4. strunie.

Zagraj akord. Prawdopodobnie pierwsze dwie struny brzmią stłumione lub nie brzmią wcale. Jeśli to prawda, lekko zegnij i obróć palec wskazujący w kierunku blatu gitary. Znajdź optymalną pozycję, w której brzmią wszystkie struny. W takim przypadku w żadnym wypadku nie obracaj palca wskazującego w krzywy pazur. Powinien być prosty lub delikatnie zakrzywiony.

WAŻNY! pozycja kciuka

Grając akordy barre, umieść kciuk na środku tylnej części podstrunnicy. Więc twój wysiłek będzie skupiony na palcach, a nie na dłoni i przedramieniu. W tej pozycji ręka znacznie mniej się męczy.

f-moll na pierwszym miejscu

Fm różni się od F tylko położeniem środkowego palca. Grając triadę molową, pozostaje ona wolna.

F na trzecim progu

Możesz wziąć F od trzeciego progu. W tym przypadku palcowanie będzie podobne do formy D-dur. Spróbuj ułożyć palce tak, jak pokazano na poniższym obrazku, i zagraj akord.

Fm na 3 progu

Triada-moll w F z III progu ma formę akordu d-moll. W praktyce nie jest używany ze względu na niewygodne przechodzenie z tej pozycji do innych współbrzmień.

F z małą poprzeczką na 5. progu

A ta odmiana F jest podobna do C-dur. Grał tylko nie na 1., ale na 6. progu.

Fm na 5. progu

Tak niezwykłe palcowanie Fm można znaleźć tylko w kompozycjach maniaków gitary, takich jak Robert Fripp i Frank Zappa. Zwykły gitarzysta f-moll nigdy by tak nie zagrał.

F i Fm c stoją na ósmej pozycji

Palce F i Fm z taktem w pozycji 8 są używane podczas gry na gitarze elektrycznej w przypadkach, gdy instrument musi uzyskać jaśniejszy dźwięk.

Aplikacje wyglądają tak.

Główna triada.

Mała triada.

F i Fm po 12. progu.

Po dwunastym progu wszystkie palcowania akordów są powtarzane, ponieważ powtarzają się nuty na gryfie gitary. Po prostu idą w górę o oktawę. Na przykład litera F na 17. progu wygląda tak samo jak na 5. progu.

Jeśli nie umiesz grać F-dur

Początkujący zwykle odkładają naukę F-dur na ostatnią chwilę. Jeśli masz trudności z utrzymaniem taktu, istnieje inny sposób grania F-dur na pierwszych progach. Spójrz na palcowanie i graj na strunach, jak pokazano.

Należy pamiętać, że pierwsze 2 struny muszą być zaciśnięte jednym palcem wskazującym.

WAŻNY! O trudnościach

Mimo wszystko naucz się barre. Opisana powyżej metoda gry F-dur jest konieczna, aby Twoja nauka nie zwolniła tempa. Ale to palcowanie nie jest pełnoprawnym zamiennikiem zwykłego F-dur.

Popularne odmiany akordów F

Ponieważ współbrzmienia F są grane za pomocą taktu, nie ma zbyt wielu popularnych wariacji. W praktyce gitarzyści stosują wariacje z ostrym i piątym akordem. Rzadziej - nonakordy i akordy septymowe.

Duży akord septymowy w F (F7)

Palcowanie dla tej odmiany jest następujące.

Aby uzyskać F7, przytrzymaj F i zdejmij mały palec z szyi.

Fis-moll (F # m)

Fis-moll jest najpopularniejszą odmianą współbrzmień F. Zaciska się go w taki sam sposób jak f-moll, ale nie na 1. progu, ale na 2. progu.

Duży nonakord w F (F9)

F9 jest zaciśnięte jak F7 z małym palcem na strunie 1, 3-ci próg.

Akord piąty F (F5)

Zwróć uwagę, że w akordzie piątym należy zagrać tylko trzy struny. Resztę musisz zaciąć dłonią lewej ręki.

Piąty akord F5 można grać w 1 lub 8 pozycjach.

1 przedmiot

8 pozycja

W środowisku muzycznym kwintchordy nazywane są „kwintami” lub „akordami mocy” (od angielskich akordów mocy).

CIEKAWY.

Niektórzy gitarzyści obniżają szóstą strunę o ton. Dzięki temu piąty akord można ścisnąć jednym palcem.

Technika ta nazywana jest strojeniem w dół. Jest często używany przez muzyków pracujących w ciężkich gatunkach muzyki rockowej.

Ćwiczenie „Popularne sekwencje”

Zanim zaczniesz uczyć się piosenek F, poświęć trochę czasu na ćwiczenie przejść od akordów barowych do otwartych iz powrotem. Największym problemem dla początkujących jest niemożność szybkiego uderzenia we wszystkie struny palcem wskazującym i ułożenia pozostałych palców we właściwych pozycjach. Ale możesz pozbyć się tego problemu tylko przy pomocy regularnego treningu.

Poniżej znajduje się sekwencja akordów, których potrzebujesz do ćwiczenia gry.

Otwórz sekwencje akordów

Najpopularniejszy progres: Am F C E.

Nauczywszy się tej kombinacji współbrzmień, bez problemu zagrasz utwory takie jak „Wszystko idzie zgodnie z planem”, „Szukałem cię”, „Gwizdek”, „Mój wrogu, bój się mnie”, „Połowa” i kilkanaście innych.

Połączenie: Dm F E.

Grając tę ​​sekwencję, ćwiczysz przejście Dm - F, a następnie F - E. Kiedy zmieniasz pozycję po raz pierwszy, trzymaj środkowy palec na trzeciej strunie. Poruszaj tylko palcem wskazującym i serdecznym oraz małym palcem. W przypadku drugiej zmiany pozycji po prostu przesuń dłoń bez zmiany pozycji palców.

Okazuje się, że szczypiesz E-dur środkowym, serdecznym i małym palcem. Jest to niepoprawne z punktu widzenia palcowania E, ale bardzo wygodne w praktyce.

Sekwencje z barre

Pierwsza sekwencja z barre: F C G.

Grając na nim, ćwiczysz przejście z jednego typu barre do drugiego. Jeśli kiedykolwiek planujesz sięgnąć po gitarę elektryczną, zdecydowanie powinieneś opanować tę sekwencję.

Kolejny zestaw akordów: Am, G, F, E.

Tutaj wszystkie akordy muszą być zagrane z taktem. Okazuje się, że poruszasz się po szyi. W tej kolejności te 4 akordy grane z taktem są czasami określane jako „progresja hiszpańska”.

Trzecia sekwencja taktowa zawiera ostry akord: F#m, Bm, A, G.

Jeśli opanowałeś dwie poprzednie sekwencje akordów, granie tej nie będzie wcale trudne. F#m często występuje w piosenkach. I prawie zawsze jest sparowany z Bm.

WSKAZÓWKA: Myśl z wyprzedzeniem

Kiedy masz zamiar zagrać utwór, przejrzyj sekwencję harmonii, zanim zaczniesz grać. Wyobraź sobie, jak zastąpisz jeden akord innym. Znajdź wygodne pozycje. Gdzie grać z otwartymi strunami i gdzie zdobyć barre.

Lepiej siedzieć przez pół minuty, ucząc się akordów, niż zatrzymać się w środku utworu, próbując znaleźć odpowiednie palcowanie.

W przyszłości, gdy będziesz miał już pewne doświadczenie, cały proces analizy sekwencji zajmie ułamek sekundy. Ale na początku treningu należy poświęcić temu więcej czasu.

Popularne piosenki gitarowe wykorzystujące akordy F

Poniżej znajduje się lista popularnych piosenek, które zawierają F, F7, F#m, Fm. Najpierw weź 1-2 piosenki do nauki. Naucz się ich, abyś mógł grać z pamięci. Stopniowo poszerzaj swój repertuar. Spróbuj dodać tylko te utwory, które lubisz. Bo granie nimi jest przyjemniejsze.

• Czyż- "Fantom"
• obrona Cywilna- "Wszystko idzie zgodnie z planem"
• Chaif- "O-yo"
• Bi-2 i Cziczerina- „Mój rock and roll”
• Nocny snajper y - „Dałeś mi róże”
• piosenka wojskowa„Kiedy zamówienie?”
• Gryka- "Kochaj mnie kochanie"
• Nirwana- „Pachnie nastoletnim duchem”
• Kino- "Grupa krwi"
• Król i Klaun- „Skaczę z urwiska”
• Lubrykant- "Nosisz mnie, rzeko"
• chrząszcze- "Bateria"
• Aria- "Stracone niebo"
• Kino- "Dobranoc"
• 5'nizza- "Żołnierz"
• 25/17 - "Gwiazda"
• A. Prichodko- "Wiara"
• Natalia„O mój Boże, co za człowiek!”
• Krug- "Kolszczyk"
• „Złoty promień słońca”

Uwaga! Zwiększony poziom trudności

Jeśli czujesz się wystarczająco silny, spróbuj zagrać otwierający riff utworu „Song 2” zespołu Plama. Ta piosenka wykorzystuje piąty akord F.

Tonacje F dur (F-dur) i F-moll (f-moll)

W tabeli przedstawiono harmonie, których można użyć, grając na klawiszach F.

• Chociaż F-dur jest często używany w pieśniach, kompozycje bardzo rzadko zaczynają się od tej konsonansu.
• Spośród wszystkich akordów wariacja F (fis, fis-moll) jest najczęściej stosowana w muzyce popularnej (np. Kino- "Grupa krwi", Wściekłość na maszynę- „Byki na paradzie” itp.).

O czym pamiętać

1. F-dur z barrem można zastąpić innym palcowaniem, ale tylko za pierwszym razem.
2. Gdy nauczysz się F-dur, możesz grać takt i każdy inny akord. Ta technika znacznie rozszerzy Twoje możliwości techniczne.
3. W przypadku akordów F wystarczy zapamiętać jedno palcowanie (z barrem na pierwszym progu).
4. Kombinacja akordów Am, F, C, E pozwala na zagranie dziesiątek popularnych utworów.

W magicznym i cudownym świecie muzyki każdy krok przynosi nowe wrażenia, niepowtarzalne emocje. Pomimo pozornej nieistotności odległości do sąsiedniego klawisza fortepianu (półtonu) - to właśnie najmniejszy krok w muzyce, ten interwał jest bardzo znaczący, jeśli mówimy o składowej harmonicznej.

kąty muzyczne

Można narysować paralelę z fotografią: krok w bok niesie ze sobą zmianę perspektywy, a czasem obiekt pojawia się w zupełnie innym, dotychczas niewidzianym świetle.

A ponieważ fale dźwiękowe i światło są siłą napędową fotografii, z punktu widzenia fizyki (a jak wiadomo z naukami ścisłymi nie ma sensu spierać się), są to zjawiska tego samego rzędu i często podlegają temu samemu prawa, co oznacza, że ​​zmiana wskaźników może wywołać podobny skutek.

Mądrość klasyków

Tę okoliczność z reguły lekceważą autorzy piosenek popowych, których kreacje, na prośbę wykonawcy, można przenieść na dowolną tonację. Korzystając z naszego systemu obrazów, takiego kompozytora można porównać do fotografa, który nie dba o to, czy kadr jest niedoświetlony, czy prześwietlony – fotografuje przecież ten sam pejzaż.

Kompozytorzy klasyczni, a po nich cała szkoła akademicka, doskonale zdawali sobie sprawę z powyższej okoliczności, zwłaszcza że byli wśród nich naukowcy z dziedziny fizyki i chemii. Klasycy bardzo skrupulatnie dobierali tonację swoich dzieł. Tonacja była często przez nich zawarta w samej nazwie, co oznacza, że ​​​​nie można było jej w żaden sposób zmienić według kaprysu tego czy innego kapryśnego wykonawcy.

kolorowa muzyka

A tak wybitne postacie sztuki muzycznej, jak Skriabin, Rimski-Korsakow, obdarzone tak zwanym „słuchem barw”, postrzegały każdy klawisz jako określoną skalę barw.

Zjawisko słyszenia kolorów tłumaczy się istnieniem zjawiska psychologicznego „synestezja”, które odnosi się do procesu mimowolnej odpowiedzi jednego typu receptora na stymulację innego.

Aleksander Nikołajewicz Skriabin użył terminu „tonalność” w odniesieniu do zakresu kolorów właściwego dla określonej tonacji muzycznej. Nie bez znaczenia jest fakt, że słowo „ton”, będące rdzeniem leksemu „tonalność”, używane jest także w plastyce i fotografii.

Oprócz skojarzeń kolorystycznych Skriabin nadał tonacjom takie epitety, jak tonacje „duchowe”, takie jak na przykład fis-moll, fis-dur i „ziemskie, materialne”, w tym C-dur, F-dur i inne.

Ton koloru

Kolory z kolei dla Skriabina były symbolami podstawowych składników wszechświata. Tak więc czerwień w tym systemie jest związana z „kolorem piekła”, fioletowym i niebieskim - oznaczają duchowy składnik bytu. Opierając się na tym wyjątkowym światopoglądzie, Skriabin napisał poemat symfoniczny Prometeusz. Partytura tego utworu, oprócz instrumentów orkiestry symfonicznej, zawierała partię światła. Na premierze „Prometeusza” w 1910 roku po raz pierwszy w historii użyto sprzętu oświetleniowego i muzycznego. Wydarzenie to antycypowało dziś powszechne użycie takiego sprzętu na koncertach, a także na wszelkiego rodzaju pokazach laserowych.

Jednak Skriabin głęboko się mylił, argumentując, że postrzeganie kolorów i dźwięków przez wszystkich właścicieli takiego słuchu nie różni się od siebie.

Wielu kompozytorów miało indywidualną wizję brzmień i tonacji, czasem radykalnie odbiegającą od pomysłów Skriabina.

Trochę teorii

W tym artykule rozważymy tylko jedną tonację - fis-moll - i porównamy pomysły dotyczące tej tonacji wśród różnych kompozytorów.

Na początek dajmy trochę teoretycznego tła na temat samej tonacji. Ma łacińską nazwę fis-moll. Tonacja fis-moll ma przy tonacji oznaczenia - krzyżyki F, C i G. Losowe znaki mogą się różnić w zależności od rodzaju minoru (naturalne, harmoniczne, melodyczne itp.). Skala fis-moll (naturalna) składa się z następujących dźwięków:

• ostry;
• ostry jak sól;
• C-ostry;

Pomimo faktu, że ta tonacja nie należy do najczęstszych, istnieje wiele przykładów sztuki muzycznej napisanej w tym duchu. Do słynnych dzieł muzycznych napisanych w tej tonacji należą I Sonata fortepianowa Schumanna, etiudy fis-moll Skriabina i Leshgorna. Nie można pominąć Koncertu fortepianowego op.20 Skriabina. Powszechnie znane jest także „Preludium fis-moll nr 1” Rachmaninowa.

Smak i kolor...

Tak więc Aleksander Nikołajewicz Skryabin podał następujący opis tonacji fis-moll: widział ton fis-ostry w jasnoniebieskim kolorze. Kompozytor nazwał ten kolor „kolorem czystej świadomości”.

Warto również zauważyć, że Skriabin nazwał swoją „Sonatę fis-moll na fortepian nr 3 op. 23” „Stany duszy”, gdzie każda z czterech części nosi nazwę określonego przeżycia emocjonalnego.

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow widział tę tonację w bladym szaro-zielonkawym kolorze.

Radziecki kompozytor Borys Władimirowicz Asafiew porównał fis-moll do skórki dojrzałej pomarańczy.

Belgijski kompozytor i muzykolog Auguste Gevaart, który nie miał kolorowego ucha, ale skompilował swój system, składający się wyłącznie z tonacji trybu durowego, napisał, że potencjał ekspresyjny mollu nie jest szczególnie bogaty, w przeciwieństwie do durowego. Fis-moll, jego zdaniem, jest matowy, zamglony i rozmyty.

W latach 1977-1978. studenci Twerskiej Szkoły Muzycznej I. Bynkowa, M. Dobrynskaya, T. Zaitseva, E. Zubryakova, S. Shcherbakova, N. Yakovleva postanowili obalić oświadczenie Gevarta i w trakcie analizy szeregu utworów muzycznych zidentyfikować charakterystyka zakresu tonacji molowych. W trakcie tego badania fis-moll nadano charakterystyczny „podekscytowany”.

Logiczny jest następujący wniosek: ilu kompozytorów – tyle opinii. Oto jak różny może być fis-moll! Muzyka instrumentalna jest w większości abstrakcyjna i postrzegana subiektywnie. Ale w tym tkwi jego piękno!

W tym artykule będziemy kontynuować rozmowę o zapisie muzycznym - będziemy uczyć się znaków chromatycznych. Co to jest zmiana? Zmiana- jest to zmiana głównych stopni skali (główne kroki to do re mi fa sol la si ). Co dokładnie się zmienia? Ich wysokość i nieznacznie zmienia się nazwa.

Ostry- podnosi ton o pół stopnia płaski- obniżenie o pół tonu. Po zmianie nuty do jej głównej nazwy dodaje się po prostu jedno słowo - odpowiednio ostre lub płaskie. Na przykład, Cis, Fis, As, Es itp. W notatkach śruty i mieszkania są oznaczone specjalnymi znakami, które są również nazywane ostre oraz płaski. Używany jest również inny znak - naturalny, anuluje wszelkie zmiany, a następnie zamiast ostrych lub płaskich odtwarzamy główny dźwięk.

Zobacz jak to wygląda w nutach:

Co to jest półton?

Teraz spójrzmy na wszystko bardziej szczegółowo. Co to za półtony? Półton jest najkrótszą odległością między dwoma sąsiednimi dźwiękami. Spójrzmy na klawiaturę fortepianu jako przykład. Oto oktawa z podpisanymi klawiszami:

Co widzimy? Mamy 7 białych klawiszy i na nich znajdują się główne stopnie. Wydaje się, że odległość między nimi jest dość niewielka, ale mimo to między białymi klawiszami są czarne. Mamy 5 czarnych klawiszy, okazuje się, że w sumie w oktawie jest 12 dźwięków, 12 klawiszy. Tak więc każdy z tych kluczy w stosunku do najbliższego sąsiada znajduje się w odległości pół tonu. Oznacza to, że jeśli zagramy wszystkie 12 klawiszy z rzędu, zagramy wszystkie 12 półtonów.

Podwójnie ostry i podwójnie płaski

Oprócz prostych krzyżówek i bemolów, w praktyce muzycznej podwójne ostre oraz podwójne mieszkanie. Podwójne zmiany to dwuetapowe zmiany. Innymi słowy, ostry zakręt podnosi nutę o dwa półtony na raz (czyli o cały ton) i podwójne mieszkanie- obniża nutę o cały ton ( jeden ton to dwa półtony).

Naturalny- jest to znak anulowania przeróbki, działa w stosunku do debla dokładnie tak samo, jak w przypadku zwykłych krzyżyków i bemolów. Na przykład, gdybyśmy grali f-podwójnie ostry, a potem jakiś czas przed nutą F pojawia się bekar, po czym gramy „czystą” nutę "F".

Losowe i kluczowe znaki

Podsumujmy więc.

Rozmawialiśmy o wypadkach: dowiedzieliśmy się, czym są wypadki i jakie są ich oznaki. Ostry- jest to znak wzrostu o pół tonu, płaski- jest to znak obniżenia nuty o pół tonu i naturalny- znak anulowania zmiany. Ponadto istnieją tak zwane duplikaty: podwójnie ostre i podwójnie płaskie- podnoszą lub obniżają dźwięk od razu o cały ton (całość ton to dwa półtony).

To wszystko! Życzę dalszych sukcesów w edukacji muzycznej. Odwiedzaj nas często, będziemy analizować inne ciekawe tematy. Jeśli spodobał Ci się materiał, kliknij „Lubię to” i podziel się informacją ze znajomymi. Teraz proponuję zrobić sobie przerwę i posłuchać dobrej muzyki w wykonaniu genialnego współczesnego pianisty Jewgienija Kissina.

Ludwig van Beethoven – Rondo „Wściekłość z powodu straconego grosza”