Jednak wszystkie współczesne rodzaje „sztuki technicznej” – fotografia, kino, telewizja – przeszły podobną ewolucję: na początku swego istnienia były rodzajem zabawnych atrakcji, potem technicznymi środkami przekazu informacji, a dopiero w trakcie tworząc nową sztukę, język w ramach tych systemów informacyjno-komunikacyjnych, nastąpiło przejście do funkcji komunikacyjnych i artystycznych. Nie oznacza to jednak, że problem relacji między fotografią a sztuką nie był poruszany. Francuski malarz Delaroche (1797-1856), podkreślając możliwości, jakie daje fotografia, napisał: „Malarstwo umarło od tego dnia”. W przeciwieństwie do tego, jeden niemiecki magazyn argumentował coś przeciwnego: „... Odkrycie fotografii ma ogromne znaczenie dla nauki i bardzo ograniczone dla sztuki”. W 1913 r. Ryskie czasopismo poświęcone fotografii praktycznej i artystycznej „Promienie” („Stari”) opublikowało specjalny artykuł. artykuł „Fotografia i sztuka”, w którym poruszono kwestię, czy fotografia jest sztuką, czy tylko umiejętnością praktyczną, stosowaną, w której główną rolę odgrywa opanowanie technologii. Autor niniejszego artykułu doszedł do wniosku, że pytanie, czy fotografia jest sztuką, będzie aktualne tak długo, jak fotografia będzie istnieć. Kwestia strony technicznej nie jest w sztuce nowa, dopiero w fotografii objawiła się z historycznie nowej strony. Posiadanie sprzętu fotograficznego, opanowanie tej umiejętności wygląda tutaj na łatwiejsze zadanie niż np. opanowanie techniki gry na instrumencie muzycznym. Ta lekkość wprowadza w błąd krytyków fotografii jako sztuki. Artysta Delaroche dostrzegł w nowym zjawisku jego cechy artystyczne i potężny potencjał artystyczny.
W pierwszych latach po jej pojawieniu się (okres dagerotypów) fotografia była klasyfikowana przez opinię publiczną i znawców różnych dziedzin kultury jako zabawne bibeloty. Fotografia z tego okresu nie posiadała jeszcze ani dokumentalnej jakości, ani informatywności, ani swobody rozwiązań i ustaleń świetlnych, czyli żadnej z tych cech, które współczesna teoria uważa za definiujące fotografię. Rozwój fotografii był w dużej mierze zdeterminowany potrzebami społecznymi. Rozwój przemysłu prasowego sprawił, że fotografia stała się głównym nurtem reportażu. W czasach, gdy na bazie fotografii pojawiły się pierwsze „ruchome obrazy” (kino), sama fotografia była skromnym świadectwem dokumentalnym, ustępując malarstwu i grafice wyrazistością i wyrafinowaniem. Wokół fotografii nieustannie toczyły się spory teoretyczne: czy można porównywać fotografię z malarstwem pod względem wartości artystycznej? Czy fotografia nie jest malarstwem zdegenerowanym, dla którego technika zastępuje kunszt artysty? I odwrotnie, czy fotografia nie jest nowoczesnym rodzajem malarstwa, które przejmuje i pogłębia swoje funkcje, modyfikacją malarstwa w cywilizacji technicznej, która zmienia kulturowe i estetyczne znaczenie tradycyjnego malarstwa? Ale to nic innego jak zestawienie dwóch zjawisk życia artystycznego, dwóch rodzajów sztuki, które wyraźnie do siebie ciążą i wzajemnie na siebie oddziałują. Fotografia uwolniła malarstwo od jego funkcji użytkowej - obrazowego utrwalania faktu, które już w renesansie było jednym z najważniejszych zadań malarstwa. Można powiedzieć, że fotografia pomogła w rozwoju malarstwa, przyczyniła się do pełnego rozpoznania jego niepowtarzalnej specyfiki. Ale fotografia wchłonęła też wiele z wielowiekowego doświadczenia w rozwoju sztuk pięknych. Już sama wizja świata „w kadrze” jest spuścizną malarstwa. Ramka obrazu to pierwszy w historii kultury storyboard rzeczywistości. Skrócenie perspektywy i budowanie perspektywy, umiejętność „odczytania” przez widza fotografii jako płaskiego obrazu trójwymiarowej przestrzeni – wszystko to składa się na wielkie dziedzictwo kulturowe, jakie fotografia odziedziczyła po malarstwie. Wpływ malarstwa na fotografię jest ogromny. Jednocześnie zadanie fotografii jest dwuwartościowe, dwuwymiarowe: z jednej strony jak najbardziej oddzielić się od malarstwa i określić własne granice i możliwości, swoją specyfikę, z drugiej strony dla większości w pełni opanować doświadczenie artystyczne malarstwa na własnej podstawie.
Jednym z głównych problemów identyfikacji każdego rodzaju sztuki jest problem jej języka. Analizując dzieje wizualnego języka fotografii, wyróżnia się kilka okresów jego rozwoju. Początkowo, ze względu na nieunikniony czas trwania naświetlania w przeszłości, fotografowie woleli fotografować monumentalne, nieruchome (góry, domy). W przypadku portretów modele musiały zamrozić się na długi czas. Osoby uwiecznione na ówczesnych fotografiach są napięte, skupione. Ten pierwszy okres rozpoczął się w 1839 roku i trwał jako główny przez nieco ponad dekadę. Drugi okres związany jest z pojawieniem się nowej technologii fotograficznej, która umożliwiła skrócenie czasu otwarcia migawki z kilkudziesięciu minut do sekund, a jednocześnie rozszerzyła możliwości odzwierciedlania coraz szerszego zakresu obiektów rzeczywistości. Fotografowie starali się, aby obiektem fotografowania był cały otaczający ich świat. Wędrujący fotografowie przemierzyli wiele krajów, zaczęli zgłębiać nie tylko przestrzenie, ale i głębie życia społecznego, by w uogólnionych obrazach prezentować widzom wnikliwe portrety psychologiczne współczesnych im osób z różnych warstw społecznych. Naturalność i pomysłowość fotografii stworzyły świeżość percepcji, zafascynowanej jej prostotą.
Pod koniec XIX - początek XX wieku. w fotografii rozwija się metoda związana z celową ingerencją ręki w tworzenie dzieła – piktorializm. Jest integralną częścią innowacji technicznej - suchej technologii. Wadę tej technologii (brak bogactwa tonacji) rekompensowano nakładaniem tuszu podczas druku. Podczas tworzenia dzieła fotograf i artysta najczęściej łączyli się w jednej osobie. Materiał fotograficzny uznano za „interlinearny” do przekładu, wymagający artystycznej obróbki. Ręczna intonacja zacierała bezpośredniość obrazu fotograficznego. Próbę przezwyciężenia sprzeczności piktorializmu podjęli artyści, którzy przeciwstawili dysharmonii i reprezentacji bogactwo tonacji, wewnętrzną muzykalność, która jest organicznie wpisana w samą rzeczywistość, a nie sztucznie jej narzucona. W relację form bez żadnego montażu wprowadzono głębokie ludzkie uczucie.
 |
Techniczne środki fotografii zredukowały do minimum koszt ludzkiego wysiłku uzyskania wiarygodnego obrazu: każdy może uchwycić wybrany przez siebie obiekt. Za technologiczną stronę fotografowania odpowiada sprzęt fotograficzny. Istnieją tu tradycje i specyficzne parametry rzemiosła. Jednak cel tej techniki jest inny: nie zapewnienie pełnego efektu „imitacji”, a wręcz przeciwnie intruzja, celowe zniekształcenie ekspozycji w celu podkreślenia natury i znaczenia relacji człowieka z prezentowanym.
Spory o artystyczny charakter fotografii są możliwe głównie w zakresie znajdowania i stwierdzania fundamentalnych podobieństw z tradycyjnymi formami sztuki (fotografia jest syntetyczną innowacją kultury artystycznej XX wieku) oraz w zakresie rozpoznawania podstawowych cech fotografii, jej podstawowych odrębność od tradycyjnych form sztuki (fotografia jest specyficzną kulturą innowacyjną XX wieku). Każdy z tych aspektów badań ma swoją wewnętrzną logikę i dopiero ich harmonijne połączenie, a nie absolutyzacja jednego poprzez ignorowanie drugiego, pozwala mniej lub bardziej obiektywnie określić artystyczne możliwości i charakter fotografii. O kunszcie dzieła świadczą doznania piękna, harmonii, poczucia przyjemności, efekt wpływów osobistych i wychowawczych (ten ostatni jest jednak dość trudny do wyizolowania i utrwalenia chwilowo i konkretnie). Specyfiką fotografii jako formy sztuki jest dokumentalność, autentyczność obrazu, umiejętność uwiecznienia chwili. Skupiając uwagę na dziele fotograficznym, można wyróżnić szereg istotnych cech ujawniających cechy fotografii. Każdej ze zidentyfikowanych cech fotografii można towarzyszyć szczegółowy komentarz. Zadaniem zdefiniowania istoty fotografii jako formy sztuki jest po pierwsze określenie, na ile można wyabstrahować z natury materii i skierować „frontalną” percepcję w celu stworzenia obrazu artystycznego, a po drugie, jakie społeczne i kulturową funkcję, jaką spełnia ta lub inna forma artystyczna w połączeniu z określonym materiałem, tj. jak czysto i adekwatnie dzieło artystyczne jest ustalane przez samoświadomość artysty, a także opinię publiczną i teoretyczne formy rozumienia życia artystycznego. Specyfika obrazu artystycznego w fotografii polega na tym, że jest to obraz obrazkowy o znaczeniu dokumentalnym. Fotografia daje obraz, który łączy artystyczną ekspresję z autentycznością i ucieleśnia istotny moment rzeczywistości w zamrożonym obrazie. Słynne fotografie przedstawiające dowódcę batalionu podnoszącego żołnierzy do ataku, spotkanie bohaterów obrony Twierdzy Brzeskiej, łączą w sobie moc artystyczną i znaczenie dokumentu historycznego.
Obraz fotograficzny jest z reguły izoesejem. Fakty z życia w fotografii przenoszone są z pola działania do sfery sztuki niemal bez dodatkowej obróbki i zmiany. Jednak fotografia jest w stanie uchwycić istotny materiał i niejako odwrócić rzeczywistość, zmuszając nas do jej zobaczenia i postrzegania w nowy sposób. Zaobserwowany wzorzec funkcjonuje na przecięciu jego znaczeń informacyjno-komunikacyjnych i komunikacyjno-artystycznych: sfery informacyjnej można przypisać goły fakt, ale jej artystyczna interpretacja będzie już zjawiskiem innego rzędu. I to właśnie estetyczny stosunek fotografa do filmowanego faktu decyduje o efekcie końcowym i efekcie zdjęcia.
Rozpatrując fotografię od strony artystycznej, należy zatrzymać się nad jej dokumentalnym charakterem. Fotografia obejmuje zarówno artystyczny portret współczesnego, jak i chwilowe zdjęcia prasowe (dokumenty) oraz fotoreportaże. Oczywiście nie można żądać wysokiej sztuki od każdego oficjalnego zdjęcia informacyjnego, ale nie można też widzieć tylko informacji wideo i dokumentu fotograficznego w każdym wysoce artystycznym dziele. Dokument, autentyczność, rzeczywistość - to jest najważniejsze w fotografii. W tej fundamentalnej właściwości leży przyczyna globalnego wpływu fotografii na współczesną kulturę. Inne cechy fotografii, jej cechy, znaczenie dla kultury jako całości, krystalizują się przy porównaniu fotografii z poszczególnymi rodzajami sztuki. Dokumentalizm to cecha, która po raz pierwszy przeniknęła do sztuki i kultury wraz z pojawieniem się fotografii. Wykorzystywana w różnych rodzajach sztuki jakość ta, każdorazowo załamywana przez ich specyfikę, tworzyła z siebie nową pochodną. Z innych form sztuki pochodne te, wzbogacając dokument, powróciły do fotografii, poszerzając i wzbogacając nie tylko zasób kultury artystycznej, ale także możliwości estetycznej praktyki fotografii jako formy sztuki. Fotografia nieartystyczna, czyli dokumentalna pod względem zastosowanych technik i dziennikarska pod względem funkcjonalnym, oprócz ładunku informacyjnego niesie ze sobą również estetyczny. Fotoreportaż, jak wiadomo, bezpośrednio odwołuje się do dokumentu, nieodłącznie związanego z fotografią i wszystkimi jej odmianami od urodzenia. Jednak ta właściwość jest używana w różny sposób w zależności od zadania. W tych przypadkach, gdy chodzi o fotokroniki - sumienną, wyczerpującą, protokołowaną, rzetelną informację o wydarzeniu - indywidualność autora zdjęcia nie ujawnia się. Jest całkowicie podporządkowany utrwaleniu faktu, ostatecznej wiarygodności jego wyświetlania. Kolejna sprawa to fotoreportaż. Fotograf ma tu również do czynienia z faktami rzeczywistości, jednak ich prezentacja odbywa się zasadniczo w autorskiej wizji, są one zabarwione osobistą oceną autora. Dokument i artyzm w dziedzinie fotografii przenikają się, nakładają na siebie. Ogólnie rzecz biorąc, współczesna fotografia istnieje w jedności wszystkich jej aspektów - ideowego i artystycznego, semantycznego i ekspresyjnego, społecznego i estetycznego.
Odrębne aspekty fotografii jako formy sztuki przejawiają się w doborze koloru, stylu artystycznego, gatunku, języka malarskiego, specyficznych technik obróbki materiałów fotograficznych, osobistego stosunku fotografa do tworzonego dzieła itp. Kolor jest jednym z najważniejsze elementy współczesnej fotografii. Powstał w fotografii pod wpływem chęci zbliżenia obrazu fotograficznego do rzeczywistych form przedmiotów. Kolor sprawia, że zdjęcie wygląda bardziej autentycznie. Ten czynnik najpierw spowodował potrzebę kolorowania ramek, a później dał impuls do rozwoju fotografii kolorowej. Znaczący jest tu wpływ tradycji malarskich, w których historycznie rosło znaczeniotwórcze użycie koloru. Fotografia artystyczna w swoich szczytowych osiągnięciach wielokrotnie odrzucała tezę, że jej obrazy są statyczne. A kolor odgrywa ważną rolę w tym zaprzeczeniu bezruchu. Na podstawie doświadczeń z fotografią kolorową możemy sformułować zasady stosowania koloru w fotografii. Pierwszym z nich jest fotografowanie w kolorze tylko wtedy, gdy ma to fundamentalne znaczenie, gdy bez koloru nie da się oddać tego, co zamierzono. Druga zasada: symbolika koloru, światła, gra tonów i cieni, nagromadzona i nagromadzona przez poprzedni nurt kulturowy, doświadczenie dawnych form sztuki - malarstwa, teatru i później pokrewnych technicznych - kina i telewizji, może skutecznie używany w fotografii. Trzecia zasada: użycie kontrastu kolorów w celu stworzenia kontrastu semantycznego. Fotografia nie do końca opanowała jeszcze kolor. Będzie musiała pełniej wchłonąć całą paletę kolorów świata. Kolor powinien być estetycznie opanowany przez fotografię i stać się środkiem nie tylko obrazu, ale także konceptualnego rozumienia rzeczywistości.
Styl artystyczny jest szczególnym problemem w teorii i praktyce fotografii. Nie rozwiązuje się go w ramach kwestii gatunków. W aspekcie empirycznym styl to zarówno pastelowe, akwarelowe ujęcia, jak i surowe graficznie prace fotograficzne oraz uogólnione obrazy „olejne”, aż do całkowitej imitacji malowania na płótnie środkami fotograficznymi. Teoretycznie problem stylu w estetyce jest oczywiście niedostatecznie rozwinięty, a jednak można go zidentyfikować w odniesieniu do fotografii. W fotografii zarówno obecność, jak i brak stylu artystycznego są bardzo widoczne. Naturalistyczny i dokumentalny materiał skrupulatnie pokaże wszystkie drobiazgi i szczegóły, które weszły w przestrzeń obiektywu. Ale będzie to niezorganizowany chaos wizji. Jeśli takie zdjęcie zostanie zrobione pod kątem widzenia autora, artystycznie, udekorowane stylistycznie, to wyjdzie zupełnie inne dzieło. Kierunek, charakter i siła odchylenia autora od „lustra”, fotografia naturalistyczna, czysto refleksyjna, determinują styl w twórczości fotograficznej. Może być czysto indywidualny lub odpowiadający określonej szkole, tradycji, programowi artystycznemu. Charakterystyka stylu fotograficznego może być asocjacyjna i artystyczna.
Z problematyką stylu ściśle związana jest kwestia tożsamości narodowej sztuki fotograficznej. Różne nurty w fotografii w różnym stopniu ujawniają swoją zależność od narodowych tradycji kulturowych. I tak np. fotografia reportażowa czy etnograficzno-reportażowa jest bezpośrednio związana z życiem kulturalnym ludzi, z rytmem życia codziennego, z duszą ludzi w jej codziennych przejawach. Inne nurty, takie jak artystyczno-konstruktywne czy dekoracyjne, odtwarzają treści narodowe w artystycznych i estetycznie abstrakcyjnych formach. Wszystkie style i gatunki fotografii, wszystkie jej narodowe szkoły opierają się na swoistej asymilacji mistrza ze światowym artyzmem.
Czas w kadrze nie jest jednoznaczny, jednowymiarowy. Tutaj wyróżnia się 2 główne warstwy, które są niejako syntetycznie połączone. Warstwy te są natychmiastowe i monumentalne, które pomimo biegunowej korelacji są współzależne. Świat artystyczny jest zjednoczony w harmonijnej jedności wszystkich składników, wszystkich szczegółów fotografii artystycznej.
Fotografia wiąże się z obecnością fotografa-artysty. Wymaga starannej wybiórczości, szczególnej osobistej „wizji”, która pozwala odróżnić to, co godne uwagi, od tego, co zewnętrzne, przypadkowe, niepełne. Nie każdy uchwycony kadr staje się dziełem sztuki i oczywiście nie każdy film jest udanym dziełem fotograficznym. Tak jak artysta nieustannie, codziennie wykonuje szkice, tak fotografik trenuje swoje oko, swoją fotograficzną wizję świata. Codzienna praca pozwala na szlifowanie techniki wykonania i wypracowanie stabilnych zasad moralnego, etycznego i estetycznego stosunku do możliwych obiektów sztuki fotograficznej. Fotograf musi mieć wiele cech. Musi być psychologiem, rozumieć charakter portretowanej osoby, uchwycić moment jej ujawnienia się, umieć znaleźć ukrytą autoekspresję w postawie, mimice, mimice, tle i kącie prezentacji, aby w pełni ujawnić jego wewnętrzny świat i stosunek do niego. Fotograf musi mieć głęboką wiedzę o życiu, jego różnych aspektach.Nie da się sfotografować odlewania stali w warsztacie w sposób wysoce artystyczny bez wyobrażenia sobie, przynajmniej w ogólnych zarysach, technologii tego procesu, fotograf musi być badaczem. Poprzez systematyczną i konsekwentną pracę nad tematem, tworząc cykl prac, mistrz nie tylko utrwala dokumentalne momenty, które z czasem stają się wartością historyczną. Nie tylko tworzy informacyjny bank danych wizerunkowych, które w zależności od socjologicznego, etnograficznego, historycznego charakteru mogą być wykorzystywane na różne sposoby. Nie tylko tworzy dzieło sztuki, ale także występuje jako badacz pewnego tematu, posługując się tak ciekawą i bogatą epistemologiczną formą, jaką jest fotografia. Jednocześnie staje się metodą artystycznego poznania i oceny filmowanego zjawiska.
W obliczu fotografa człowiek technologii i estetyki, człowiek kochający dokładność, wyrazistość i człowiek porwany przypływem inspiracji, człowiek uczucia i kontemplacji, zdolny do dostrzegania obrazów i harmonii, muszą być zjednoczeni i zsyntetyzowany, fotograf pełni rolę kronikarza epoki, co nakłada na niego szczególną odpowiedzialność. Otwiera się przed nim niezagospodarowane pole, na którym trzeba wytyczyć ścieżki i ścieżki, zarysować obszary wyznaczone różnymi funkcjonalnościami fotografii. Estetyka nie daje artyście recepty i nie gwarantuje sukcesu. Daje jedynie wskazówki do poszukiwań, których wynik ostatecznie zależy od talentu i pracy autora. Na końcowym etapie procesu twórczego estetyka pomaga rozwinąć artystyczną ocenę obrazu.
Krytyka odgrywa ważną rolę w rozwoju fotografii, w tym teoretyczne i krytyczne myślenie samych fotografów. Krytyka i teoria, pod warunkiem, że są autorytatywne i kompetentne, mogą powstrzymać amatorskie spory, które przeszkadzają i rozpraszają zarówno fotografów, jak i widzów. Dla fotokrytyki istotne jest całościowe traktowanie fotografii jako zjawiska społeczno-artystycznego. Niektóre aspekty analizy krytycznej to: socjologia fotografii (fotografia jako dokument epoki, fotoreportaż, metoda komunikacji międzyludzkiej i środek komunikacji masowej, dziennikarski początek w fotografii, na tej podstawie można znaleźć i opracować kryteria społeczne znaczenie dzieła fotograficznego); kulturoznawstwo fotografii (fotografia jako fenomen współczesnej kultury i jej miejsce w systemie wartości kulturowych; w tym zakresie określa się kryteria kulturowego znaczenia dzieła fotograficznego); psychologia fotografii (fotografia jako utrwalona pamięć wzrokowa i czynnik „obecności” nieobecnego, ten aspekt pomaga w wypracowaniu kryterium osobistego znaczenia); epistemologia fotografii (wybór przedmiotu i specyfika jego odzwierciedlenia w fotografii, bezwarunkowość i warunkowość w fotografii, „podejście” i „odległość” od rzeczywistości w fotografii; z tym wiążą się problemy realizmu – kryteria sztuki, prawdy ); aksjologia fotografii (możliwość subiektywnego stosunku do przedmiotu w fotografii, problematyka wartościowania przedstawianego; na tym poziomie kształtują się kryteria oceny artyzmu); semiotyka fotografii (język fotografii, jego alfabet, morfologia, składnia, gramatyka; tutaj określa się kryteria zawartości informacji); estetyka fotografii (fotografia jako zjawisko estetyczne, możliwości figuratywne i artystyczne fotografii, bogactwo estetyczne świata i jego artystyczny rozwój w fotografii, tu wyrażają się kryteria znaczenia estetycznego).
Biorąc pod uwagę różne aspekty fotografii artystycznej, można sformułować jej istotę, spróbować zdefiniować fotografię. Fotografia artystyczna to tworzenie za pomocą środków chemicznych i technicznych obrazu wizualnego o wartości dokumentalnej, artystycznie wyrazistego i autentycznie rejestrującego istotny moment rzeczywistości w zamrożonym obrazie. W fotografii wykrystalizowało się kilka dość wyraźnie określonych nurtów: etnograficzno-socjologiczny, reportażowy, plakatowo-reklamowy, artystyczno-konstrukcyjny, dekoracyjny, symboliczno-konceptualny, impresjonistyczny. Każdy z tych kierunków pełni swoją specyficzną, jasno określoną funkcję kulturową i komunikacyjną. Kierunki te nie wykluczają się wzajemnie. Ten sam fotograf z reguły pracuje w kilku z nich. Bardzo ważne jest, aby pamiętać o półfunkcjonalności fotografii artystycznej, aby np. jej funkcja artystyczna i konstrukcyjna nie wykluczała funkcji etnograficznej i socjologicznej i odwrotnie, aby konceptualność fotowizji szła w parze z tradycją narodową. Jak każdy rodzaj sztuki, fotografia podlega ogólnym prawom rozwoju sztuki, świadomości i artystycznego światopoglądu. Obraz artystyczny wyrasta historycznie na podstawie empirycznie postrzeganej rzeczywistości i odzwierciedla kształtowanie się i rozwój kulturowego i semantycznego zapośredniczenia między artystą a światem zewnętrznym.
Rozwój każdego rodzaju sztuki można postrzegać jako samoświadomość własnej funkcji kulturowej, czyli kształtowanie się samoświadomości artystycznej w ramach określonego rodzaju sztuki. Dla fotografii oznacza to, że w kontakcie ze współczesną rzeczywistością zgodnie z etnograficzno-socjologiczną, reportażową, plakatową fotografią, artysta-fotograf z konieczności kontynuuje rozwijanie i pogłębianie obrazu artystycznego w ramach fotografii symboliczno-konceptualnej. W tym sensie fotografia konceptualna jest niejako wypadkową tego artystycznego życia i osobistych doświadczeń, dzięki którym fotograf staje się mistrzem i tworzy trwałe wartości. Ale wynika z tego coś jeszcze: wszystkie kierunki i gatunki fotografii artystycznej składają się na integralną specyfikę fotografii jako dziedziny sztuki i tylko dzięki zrozumieniu cech i możliwości artystycznych każdego z nich możliwe jest stworzenie kumulatywnej i integralnej idei fotografia jako nowa, nowoczesna forma sztuki, w pewnym sensie typowa dla dotychczasowego rozumienia sztuki, a w pewnym sensie wprowadzająca własne przystosowania historyczne i semantyczne do rozumienia systemu, relacji i funkcji form artystycznych zarówno w ramach w ramach kultury artystycznej i ogólnie w ramach kultury nowoczesnej.
Fotografia to prawdziwa sztuka. Nie ma w nim mniej subtelności niż w malarstwie czy muzyce. Przygotowując do publikacji szereg artykułów poświęconych fotografii, nie mogłem nie wspomnieć o kompozycji.
Fotografia to prawdziwa sztuka. Nie ma w nim mniej subtelności niż w malarstwie czy muzyce. Przygotowując do publikacji szereg artykułów poświęconych fotografii, nie mogłem nie wspomnieć o kompozycji. Zmysł komponowania jest jak ucho do muzyki - albo się je ma, albo trzeba je wypracować, rekompensując sobie brak pracowitości i doświadczenia. Niektórzy fotografowie twierdzą, że nie da się nauczyć „percepcji estetycznej”, inni odwołują się do teorii kompozycji. Ale, jak to mówią, polegaj na „zawodowcach”, ale sam nie popełnij błędu. Przede wszystkim będziesz musiał dużo myśleć i być wobec siebie krytycznym. Tylko w ten sposób można osiągnąć dobry wynik. W przeciwieństwie do malarstwa, gdzie do stworzenia obrazu potrzebny jest talent, w dzisiejszej fotografii każdy może poczuć się twórcą za naciśnięciem jednego przycisku. Profesjonalny fotograf różni się od początkującego nie tylko jakością aparatu. Z „mydelniczką” można zdziałać cuda, a jeśli posłuchasz moich słów, być może zrobisz mały krok w stronę profesjonalizmu.
Tytuł pierwszej części artykułu mówi wiele. Nie ma reguł konstruowania kompozycji, w zasadzie nie może być. Inaczej sztuka by nie istniała. Stosunek widza do fotografii jest zawsze subiektywny. Autor musi polegać wyłącznie na własnej percepcji. Prawdziwa kreatywność oznacza brak granic, ale na początku staraj się zadowolić poniższymi zaleceniami.
Wybór scen
Autor ma prawo poszczycić się ciekawą i nietuzinkową fabułą. Polowanie na takie historie zajmuje dużo czasu i czasami przeradza się w manię. Jeśli należysz do osób, które zawsze trzymają aparat pod ręką, nie ma się czym martwić. Najważniejsze jest, aby zawsze rozglądać się i dostrzegać piękno w najzwyklejszych scenach.
Zdjęcie 1. Niezwykła fabuła pozwala zaniedbać kompozycję. Po pierwsze, nie ma innego sposobu na uchwycenie takiej sceny. Po drugie, widza interesuje fabuła, która sama w sobie przyciąga uwagę.
Niespotykane dotąd możliwości w wyborze działki otwiera fotografia makro. Kropla wody, owad czy kwiat zachwyca widza, który nie jest przyzwyczajony do szczegółowego przyglądania się małym przedmiotom.
Sceny statyczne dają fotografowi dużo czasu na ocenę sytuacji, przygotowanie aparatu i wybranie odpowiedniego punktu fotografowania. Aby studiować kompozycję, warto ćwiczyć na obiektach stacjonarnych.
Sceny dynamiczne są o wiele bardziej interesujące dla fotografów. Szybkość migawki odgrywa decydującą rolę podczas fotografowania. Długie czasy naświetlania dają rozmyte ujęcia, podkreślając szybkość. Krótkie czasy otwarcia migawki dają wyraźne zdjęcia, które wyrażają siłę, zwinność i grację poruszającego się modelu. Podczas nagrywania dynamicznych scen trzeba szybko myśleć — piękna scena może się już nigdy nie powtórzyć. Jeśli myślisz, że takie strzelanie odbywa się od ręki, to bardzo się mylisz. Proces wyboru miejsca fotografowania jest jeszcze bardziej czasochłonny niż w przypadku sceny statycznej.
Wybór punktu strzeleckiego
Po wybraniu fabuły nie bądź zbyt leniwy, aby dowiedzieć się, skąd bardziej opłaca się strzelać. Przejdź się po modelu, zwracając uwagę na elementy w tle. Pozbywasz się więc „złych” przedmiotów, których nie da się ukryć w żaden inny sposób. Uderzającym przykładem są nijakie latarnie i linie energetyczne, które zepsuły niejeden kadr w historii fotografii.
W większości przypadków fotografowanie z bliskiej odległości pozwala rozjaśnić główny obiekt, podkreślić jego szczegóły. Takie strzelanie daje efekt obecności. Jeśli zbliżenie się do modelu jest niemożliwe, pomoże zoom optyczny, ale przy dużych powiększeniach automatyka nie zawsze skutecznie ustawia ostrość kamery na obiekcie. Ponadto podczas powiększania zwiększa się drżenie obrazu. Statyw uratuje Cię przed takimi problemami, ponieważ kosztuje znacznie mniej niż sam aparat. Ale zoom cyfrowy, w który wyposażona jest większość aparatów, powinien być traktowany wyłącznie jako ruch reklamowy przez producentów sprzętu fotograficznego. Ma to na pewno swoje zalety, ale – ze względu na implementację – czysto teoretyczne. Zoom optyczny w niedrogich obiektywach znacznie poprawia aberracje. Zoom cyfrowy, oparty na interpolacji, mógłby przybliżyć obiekt bez zniekształceń optycznych, gdyby nie jedno „ale”. Zoom cyfrowy jest zawsze włączony na maksymalną wartość optyczną, a jakie aberracje dawała pozycja teleobiektywu obiektywu, takie będą. Gdyby aparat nie miał 10x optycznego, tylko 40x, te wada przy 40x byłaby po prostu straszna, znacznie gorsza niż optyka 10x i 4x „cyfry”. Ale fotograf nie ma wyboru. Dlatego w praktyce zoom cyfrowy jest praktycznie bezużyteczny.
Zdjęcie 2. Fotografowanie z bliskiej odległości pozwoliło oddać wyrazistość kocich oczu. Zbędne szczegóły są odrzucane - oko widza nie znajduje niczego, co byłoby ważniejsze niż oczy.
Fotografowanie z dystansu podkreśla głębię przestrzeni. Należy jednak pamiętać, że w kadr wchodzą przedmioty drugorzędne, które rozpraszają uwagę i przeciążają kompozycję. Zasadniczo ten typ nadaje się do fotografowania krajobrazów, w tym miejskich. Zdjęcia panoramiczne wykonane z dużej odległości wyglądają naturalnie, a „sklejenie” zdjęć staje się znacznie łatwiejsze.
Większość zdjęć jest wykonywana na wysokości oczu. To z tej wysokości patrzymy na świat, dlatego zdjęcia będą wyglądać bardziej znajomo dla widza. Wysoki punkt strzelania umożliwia pokrycie większego obszaru, oddając przestronność. Wręcz przeciwnie, niski punkt pozwala podkreślić dynamikę i głębię fabuły. Strzelając nisko, musisz być szczególnie ostrożny - wiele form jest zniekształconych pod tym kątem. Twarz i sylwetka osoby mogą się bardzo zmienić, a nie na lepsze.
Cechy percepcji wzrokowej
Ludzkie oko jest precyzyjnym i złożonym instrumentem. Aby zrobić piękne, naturalne ujęcie, musisz mieć pojęcie, jak dokładnie oko widza będzie je później analizować. Mimo dość dużego kąta widzenia, jak na otaczający nas świat, przesuwamy się po nim wzrokiem, stopniowo badając szczegóły. Najpierw oko analizuje linie konturowe, a następnie dokładniej bada ich najbardziej zakrzywione części. Z efektem tym wiąże się pojęcie fotogeniczności człowieka. Szczególnie imponująco prezentują się na zdjęciach osoby o ostrych rysach twarzy, gdyż wzrok wbija się w każdą krzywiznę konturu. Miękkie rysy twarzy sprawiają, że oko ześlizguje się z linii, dlatego zainteresowanie modelką natychmiast znika.
Wymiary zdjęcia są znacznie mniejsze niż oryginał, więc standardowe sceny na nich są niezwykłe dla percepcji. Wzrok widza skierowany w jeden punkt jest w stanie uchwycić całe zdjęcie – a to jest nienaturalne. Aby nadać kompozycji skalę, trzeba zapanować nad spojrzeniem widza.
Jesteśmy przyzwyczajeni do czytania od lewej do prawej i od góry do dołu, a grawitacja podkreśla, że ruch w dół jest naturalny. To bardzo wpływa na percepcję. Jeśli na obrazku znajdują się takie same lub podobne obiekty, dominować będzie ten znajdujący się po lewej stronie. Przedmiot na górze zdjęcia wydaje się być cięższy niż ten poniżej. Linia pionowa wydaje się dłuższa niż dokładnie ta sama linia pozioma.
Psychologia linii
„Fotografia” w języku greckim oznacza „malowanie światłem”. Odzwierciedla to cechy techniczne procesu. Pod względem kompozycji podstawą fotografii są linie. Razem z tonacją oddają emocjonalność i dynamikę akcji, zmuszają widza do myślenia i odczuwania.
Linie energetyczne to kontury obiektów znajdujących się na obrazie. Na obrazach czarno-białych są one bardziej wyraźne, ponieważ nasze oczy nie są rozpraszane przez dużą liczbę kolorów. Efekt ten jest często używany w fotografii artystycznej. Nie bez powodu profesjonaliści lubią robić czarno-białe zdjęcia.
Za pomocą linii doświadczony fotograf jest w stanie zapanować nad spojrzeniem widza, kierując go na istotne szczegóły zdjęcia.
Zdjęcie 3. Kompozycja tego ujęcia jest bardzo nietypowa. Ma cztery odrębne obszary: plażę, wodę, niebo i część miasta. Plaża jest oddzielona od wody ostrą linią wybrzeża. Woda z nieba - miękka linia horyzontu. Elementy te istnieją niezależnie na obrazie. Łączą je budynki i drzewa, stając się podstawą kompozycji.
Każdy rodzaj linii ma swój własny koloryt emocjonalny. Najczęściej objawia się to na poziomie podświadomości, ale zobaczysz, że wpływ linii jest dość duży. Linia prosta wyraża aktywność i szybkość, ale jeśli jest położona poziomo, stwarza wrażenie ciszy i spokoju. Oczywistym przykładem jest linia horyzontu – trudno o coś bardziej statycznego. Lekko zakrzywione linie przekazują letarg, relaks. Tak wyglądają brzegi większości zbiorników wodnych. Mocno zakrzywiona linia zatrzymuje wzrok i nadaje kompozycji efekt spowolnienia. Spirala wyraża napięcie i witalność. „Skręcona” bryła modelu wygląda o wiele bardziej spektakularnie właśnie ze względu na spiralne linie. Faliste linie wyznaczają rytm strzału. Jeśli są równoległe, efekt jest wzmocniony, dodając niestabilności i płynności kompozycji. Spróbuj przeanalizować swoje zdjęcia, aby upewnić się, że moje słowa są prawdziwe.
Fot. 4. Linie mocy pozwalają zapanować nad spojrzeniem widza. Ich przemyślane użycie pomaga oddać objętość płaskiej fotografii. Zbiegające się w oddali równoległe linie doskonale podkreślają perspektywę. Droga na zdjęciu przenosi widza w głąb kadru, nadając kompozycji wrażenie nieskończoności.
Zdjęcie 5. Nieumiejętnie użyte linie mogą wyrządzić szkodę, odwracając uwagę widza od tematu. Głównym celem fotografa był Kreml moskiewski, ale linie brzegów uporczywie kierują wzrok w prawo.
Zdjęcie 6. W życiu najczęściej spotyka się poziome linie, o których fotograf nie powinien zapominać. Linia brzegowa dzieli obraz na dwie części o podobnej wielkości. Każdy z nich jest postrzegany niezależnie – kompozycja ulega zniszczeniu.
Zastosowanie przekątnych pozwala uczynić obraz niezwykłym i atrakcyjnym. Zdjęcie, jak każdy prostokąt, ma dwa z nich: rosnący i malejący.
Rosnąca przekątna (zwana także główną przekątną) biegnie od lewego dolnego rogu do prawego górnego rogu. Oparta na nim kompozycja budzi pozytywne emocje. Ruch w górę po wznoszącej się przekątnej jest bardzo łatwy i szybki.
W przypadku przekątnej skierowanej w dół (lub mniejszej) sytuacja jest odwrotna. Przesunięcie w górę wyraża napięcie, w dół – lekkość.
Fot. 7. W kompozycji dominuje przekątna mniejsza. Sama fabuła jest raczej prosta, ale wywołuje u widza trwałe skojarzenia. Ten obraz budzi we mnie poczucie samotności, poczucie straty.
Wydaje się, że ukochana osoba odeszła na zawsze, na ścieżce prowadzącej poza granicę kadru.
Równowaga w składzie
Fotografia jest jak waga. Jeśli obiekt znajduje się na środku zdjęcia, kompozycja będzie zrównoważona, ale jest to zbyt standardowe podejście. Pójdziemy inną drogą. Istnieje kilka sposobów na zrównoważenie kompozycji.
Jeśli fotografujesz dynamiczną scenę, użyj techniki wywoływania ruchu. Aby to zrobić, musisz zostawić wolne miejsce przed poruszającym się obiektem. Im wyższa prędkość, tym więcej miejsca potrzeba.
Fot. 8. Obraz okazał się mało dynamiczny, przez co przed autem nie zostało bardzo dużo miejsca. Pasy dzielące jezdnię są proste, równoległe i odchodzą od ramy. Dopełnia je wyobraźnia, pomagając zrównoważyć kompozycję.
W fotografii portretowej kierunek spojrzenia modelki jest często używany do osiągnięcia równowagi. Spokojne, obojętne spojrzenie wymaga niewiele miejsca, wyraziste spojrzenie wymaga znacznie więcej.
Fot. 9. Ciało modelki znajduje się po lewej stronie obrazu, ale jej spojrzenie sprawia, że kompozycja jest wyważona.
Osobną rozmowę stanowi zainscenizowana fotografia. Jest czas na eksperymentowanie, dodawanie różnych obiektów do kadru. W fotografii ciężar zastępuje się objętością lub skojarzeniami, jakie wywołują określone formy wizualne. Rower czy piłka w kadrze przywołują w widzu wspomnienia z dzieciństwa, ciepło odbierają kompozycję obrazu. Takich skojarzeń może być nieskończenie wiele. Zastanów się, jakie przedmioty będą przypominać widzowi rodziców, pierwszą miłość, radosne i szczęśliwe chwile w życiu. Z ich pomocą można nie tylko zbalansować kompozycję, ale także przekazać różne emocje.
„Złoty podział” (zasada trójpodziału)
Matematycy zawsze twierdzą, że ich przedmiotem jest podstawa wszechświata. Większość ludzi jest sceptycznie nastawiona do takich twierdzeń, ale, co dziwne, matematycy mają rację na wiele sposobów. Od czasów starożytnych artyści i fotografowie stosowali zasadę trójpodziału, czasem nawet nieświadomie. Jeśli narysujesz na fotografii dwie linie poziome i pionowe, z których każda oddziela jedną trzecią obrazu, otrzymasz cztery linie „złotego podziału” i cztery punkty ich przecięcia. Strefa znajdująca się pomiędzy tymi liniami odbierana jest jako najspokojniejsza, a wzrok skupia się przede wszystkim na przedmiotach znajdujących się na samych liniach oraz w punktach ich przecięcia.
Już w starożytnej Grecji naukowcy zauważyli, że spojrzenie osoby patrzącej na obraz opisuje trajektorię podobną do łacińskiej litery „Z”. Spojrzenie, które analizuje fotografię, po prostu przechodzi przez punkty przecięcia. Metoda złotego podziału jest przydatna, ale nie jest to jedyny sposób układania obiektów w kompozycji.
Pozycjonowanie geometryczne
Podobnie jak „złoty podział”, ta zasada ma charakter wyłącznie doradczy. Od dawna zauważono, że obecny w kompozycji trójkąt potęguje wrażenie, jakie wywołuje fotografia. Umieszczając go na jednym ze szczytów, możesz sprawić, że kompozycja będzie niestabilna. Wręcz przeciwnie, trójkąt stojący na podstawie stwarza poczucie nienaruszalności.
Fot. 10. Korpus modelu tworzy trójkąt, którego podstawa opiera się o powierzchnię stołu. Niezwykły kąt i wyrazisty wyraz twarzy podkreśla niezłomność, zarówno fizyczną, jak i psychiczną.
Koło lub owal dodaje dynamizmu kompozycji. Prostokąt lub kwadrat, wręcz przeciwnie, sprawiają, że jest absolutnie statyczny. Eksperymentuj z geometrycznymi kształtami, wynik może być całkiem interesujący.
Nadmiar odcinamy
Wybierając temat fotografowania, nie zapominaj, że otacza nas masa obiektów, z których część nieuchronnie wpadnie w kadr. Na zdjęciach początkujących fotografów najczęściej brakuje pierwszego planu. Koncentrują swoją uwagę bezpośrednio na modelu. Niemniej drobne elementy pierwszego planu pomagają oddać głębię przestrzeni.
Fot. 11. Poręcz mostu złapana w ramę okazała się wcale nie zbędna. Podkreślają głębię przestrzeni. Dodatkowo balustrady wychodzące poza granice ramy równoważą kompozycję.
Zdjęcie okazuje się całkiem interesujące, jeśli obiekt jest zamknięty w określonej ramce utworzonej przez pierwszy plan. Okna, łuki, drzewa mogą służyć jako podobne ramy.
Fot. 12. W powyższym przykładzie kadrem jest huśtawka, podkreślająca „trójwymiarowość” sceny. Proste łańcuchy huśtawki, mające tendencję do zbiegania się w perspektywie, kierują wzrok w stronę dziewczyny.
Czasami uzyskuje się nieudane zdjęcia, ponieważ mamy dwoje oczu, a aparat ma jedno. Nasza wizja „3D” z łatwością oddziela modele od tła, podczas gdy na płaskiej fotografii łączą się. Najczęstszym przykładem są obiekty „wyrastające z głowy modelki”. Rzeźbiarze mówią, że ich zadaniem jest wzięcie kamienia i odcięcie wszystkiego, co zbędne. Co jest nie tak z fotografami? Na obrazie nie powinno być również żadnych ciał obcych. Fotografowanie z bliska pomoże się ich pozbyć. Jeśli ta metoda jest nie do zaakceptowania, spróbuj ukryć nadmiar za obiektem lub za pomocą miękkiej ostrości rozmyj przeszkadzające obiekty, skupiając się na niezbędnych szczegółach obrazu. W tym przypadku priorytet ma przysłona. W aparatach bez trybów ręcznych istnieje swego rodzaju podobieństwo - tryb „portretowy”, ten sam priorytet przysłony z jedyną maksymalną wartością otwarcia. Niestety prawie niemożliwe jest zauważenie tego efektu podczas fotografowania lustrzankami innymi niż lustrzanki cyfrowe - ze względu na małą liczbę pikseli na wyświetlaczu lub wizjerze elektronicznym (są aparaty, które mogą wykonywać „zoom w wizjerze cyfrowym”, zwykle w trybie ręcznego ustawiania ostrości - to trochę pomaga), a także z uwagi na to, że wyświetlacz nie zawsze pokazuje zdjęcie zrobione z rzeczywistymi wartościami czasu otwarcia migawki/przysłony. Podczas fotografowania z lampą błyskową na lustrzankach innych niż lustrzanki cyfrowe prawie zawsze widzisz coś innego na wyświetlaczu lub w wizjerze, ponieważ aby zapewnić widoczność w słabym świetle, aparat całkowicie otwiera przysłonę, a podczas fotografowania zamyka się do pożądanej wartości .
Jeśli to możliwe, obejdź modelkę i spróbuj wybrać lepsze tło. Jeśli fotografujesz w plenerze, możesz użyć najpiękniejszego i najbardziej dostępnego tła - nieba, które doda kolorytu obrazowi. Kamera powinna być umieszczona nisko i uważnie obserwowana, aby ten kąt nie zniekształcił sylwetki modelki.
Fot. 13. Jasne tło, które wypełnia większą część zdjęcia, odwraca uwagę od głównego tematu. Znacznie rozsądniej byłoby zastosować makrofotografię, ustawiając aparat bliżej ziemi.
Fot. 14. Tłem jest "bezgłowy" mężczyzna i niezrozumiałe metalowe konstrukcje. Kompozycja jest przeładowana formami, które nie niosą ze sobą żadnego znaczenia.
Zdjęcie 15. Zdjęcie przedstawia tego samego ptaka, ale autor zastosował zoom optyczny i miękką ostrość, pozbywając się w ten sposób zbędnych szczegółów. Prawa część tła jest rozmyta, a osoba po lewej jest prawie nie do poznania. Teraz, gdy nasza uwaga jest skupiona na ptaku, możemy łatwo dostrzec wszystkie szczegóły zdjęcia. Tutaj, w przeciwieństwie do poprzedniego zdjęcia, wyraźnie widać, że ptak jest obrączkowany.
I na koniec powiem...
Możesz udzielać niekończących się porad dotyczących wyboru kompozycji. Ograniczyłem się do małych, że tak powiem, podstaw. Przygotowując materiał, zrobiłem mały eksperyment. Około pięciu gigabajtów zdjęć zrobionych w czasach lekkomyślnej młodości zostało poddanych mojej ostrej krytyce i „warunkowemu usunięciu”. W rezultacie pozostało 386 megabajtów obrazów, które mają przynajmniej pewną wartość artystyczną. Tak więc moja wydajność fotograficzna wynosiła około 8%. Z tego powodu wszystkie przykładowe zdjęcia zostały wykonane przez amatorów. Nauczyłeś się podstaw kompozycji. Teraz spróbuj spojrzeć na swoje stare zdjęcia w inny sposób i oblicz swoją efektywność.
Planuję kontynuować przygotowywanie artykułów o sztuce fotografii. Możesz wysłać swoje życzenia i krytykę do [e-mail chroniony]
Fotografia artystyczna, co to jest? Miłośnicy fotografii często zadają mi to pytanie. Zwykle przed odebraniem brałem głęboki oddech i czekałem na krótką przerwę, aby zebrać myśli. A potem zaczął wyjaśniać wszystko tak szczegółowo, jak to możliwe. Ale z czasem doszedłem do wniosku, że najlepsza odpowiedź to ta najprostsza i najkrótsza. A dla wielu proste wyjaśnienie oczywistych cech fotografii artystycznej wystarczy, aby dać wyobrażenie o tej dziedzinie sztuki.
Główną cechą odróżniającą fotografię artystyczną od innych dziedzin fotografii jest to, że fotografia artystyczna to nie tylko utrwalanie obiektu i sceny na filmie lub nośniku cyfrowym. Używanie aparatu do uchwycenia pewnych obiektów w danym momencie jest bardziej fotoreportażem niż fotografią artystyczną.
Fotografia artystyczna jest przede wszystkim wyrazem tego, jak fotograf widzi otaczający go świat. W fotografii artystycznej ważne jest nie to, co widzi i rejestruje aparat, ale to, co fotograf widzi i chce pokazać. Dla fotografa artystycznego aparat jest narzędziem do tworzenia dzieła sztuki. W tym przypadku aparat pełni rolę środka do ujawnienia artystycznych intencji fotografa, a nie narzędzia do dokumentowania tego, co wpadło w zakres obiektywu.
Na przykład słynne pustynne pejzaże na płótnach Georgii O'Keeffe to nic innego jak wyraz jej wizji okolic Nowego Meksyku. To znaczy, jeśli umieścimy tuzin fotografów z aparatami fotograficznymi obok sztalugi O'Keeffe'a, czy otrzymamy jedenaście artystycznych pejzaży tego samego obszaru? Prawie wcale. Najprawdopodobniej w rezultacie będziemy mieli jedno płótno artystyczne i kilkanaście fotografii, które bez wątpienia uchwyciłyby filmowaną scenę, ale nie oddałyby artystycznej intencji ich twórcy.
Wschód słońca zimą w Sierra Nevada lub widok na Sierra Nevada z Lone Pine. Kalifornia, Ansel Adams, 1944
Innymi słowy, fotografia artystyczna musi zawierać elementy kontroli uwagi widza, akcenty, które artyści umieszczają w swoich pracach, aby ujawnić ideę, którą chcieliby przekazać swoją pracą.
Być może nikt lepiej niż Ansel Adams nie wyraził tego pomysłu:
„Sztuka implikuje kontrolę nad rzeczywistością, ponieważ sama rzeczywistość nie ma poczucia estetyki. Fotografia staje się sztuką, gdy zastosuje się pewne elementy kontroli”.
Dlatego fotografia artystyczna musi wykraczać poza dosłowne przedstawienie fotografowanej sceny lub obiektu. Powinien tak wyraźnie wyrażać uczucia i spostrzeżenia fotografa, aby na pierwszy rzut oka było jasne, że to zdjęcie zostało stworzone przez artystę, a nie tylko aparat. Każdy element w kadrze, każda metoda obróbki fotografii, a nawet sposób i format druku – wszystko powinno wyrażać indywidualność światopoglądu fotografa.
Ansela Adamsa. Park Grand Teton i Snake River (1942). Park Narodowy Grand Teton, Wyoming.
Co sądzisz o fotografii artystycznej? Podziel się swoimi przemyśleniami w komentarzach poniżej.
Więcej przydatnych informacji i aktualności na naszym kanale Telegram„Lekcje i tajemnice fotografii”. Subskrybuj!- Spojrzenie na fotografię jako sztukę z punktu widzenia nastolatka.
- Zdobycie przez studentów niezbędnej wiedzy na interesujące ich zagadnienia, rozwój własnego myślenia i dalsze samodoskonalenie.
- Utrzymanie …………………………………………………………………………………………………..3
- Część główna……………………………… .4-12
- Narodziny i znaczenie fotografii………………………………. ….4-6
- Czy fotografia obiektywnie odzwierciedla rzeczywistość?…………………………………………………………………………….. …………7-8
- Czy fotografia jest sztuką? I dlaczego sztuki piękne nie przestały istnieć po pojawieniu się fotografii?.................................8-9
- Badania...........................................................10-12
- Wniosek. Wnioski…………………………..12
- Literatura...........................................................13
- Wstęp
- Poznaj historię narodzin i znaczenie fotografii.
- Dowiedz się, czy zdjęcie obiektywnie oddaje rzeczywistość?
- Dowiedz się, dlaczego po pojawieniu się fotografii dzieła sztuki nie przestały istnieć?
- Arnheim R. Nowe eseje o psychologii sztuki. - M., 1994, s.132
- Bazin A. Czym jest kino? - M., 1972. - s.44
- Leontiew A.N. Wybrane prace psychologiczne. - M., 1983. - s. 237
- Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog z ekranem, - Talin, 1994.- od 19-20.
- http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
- http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg
Kuriczew Andriej
Praca edukacyjno-badawcza została napisana w ramach dodatkowego studium sztuki współczesnej. Temat jest bardzo ciekawy jak na ten wiek. Student podjął próbę zgłębienia na swoim poziomie historii powstania takiego rodzaju sztuki jak "fotografia". Nastolatek odpowiada na pytania: „Czy fotografia obiektywnie odzwierciedla rzeczywistość? Czy fotografia jest sztuką? I dlaczego sztuka piękna nie przestała istnieć po pojawieniu się fotografii? Student przedstawił swój projekt, a także ciekawe wyniki badań młodzieży na ten temat, dokonano analizy.
Praca jest czytelna i ciekawa, materiał uporządkowany i przedstawiony w sposób logiczny. Student podkreślał aktualność tematu, jasno określał cele i cele badania.
Główne pozytywne aspekty pracy to:
Ściągnij:
Zapowiedź:
Miejska budżetowa instytucja oświatowa
szkoła średnia nr 10, Pawłowo
Dział - Humanitarny
Sekcja - historia sztuki
Robota wykonana:
Kuriczew Andriej, 15 lat
uczeń 9 klasy "B".
Doradca naukowy: Shitova Olga Konstantinovna,
Nauczyciel światowej kultury artystycznej
Pawłowo
luty 2015 r
„Czy fotografia jest sztuką?”
W dzisiejszych czasach wszystko istnieje po to
zakończyć zdjęciem.
Fotografia mumifikuje czas.
Henryk Bazin
Myślę, że w przeciwieństwie do tradycyjnych sztuk zdjęcie ma praktyczne zastosowania. Przydaje się w wielu dziedzinach życia człowieka: w nauce, w procesie edukacyjnym, w kryminalistyce (fotografowanie miejsc zbrodni, pozostawionych dowodów itp.), w branży reklamowej, w dowodach osobistych, w projektowaniu itp. A jeśli tak, toczy fotografia jest sztuką?
Cel:
Dowiedz się, czy fotografia jest formą sztuki?
Zadania:
Moja hipoteza:
Fotografia jest szerszym pojęciem niż sztuka fotograficzna: nie wszystko, co jest kręcone aparatem (a także kamerą filmową), będzie sztuką.
Metody badawcze
2. Główny korpus
2.1. Narodziny i znaczenie fotografii
Słowo „fotografia” jest tłumaczone z języka greckiego jako „malowanie światłem”. Światło jest głównym elementem tworzenia obrazu w fotografii. Początki techniki fotograficznej tkwią w znanym od starożytności zjawisku optycznym: jeśli wiązka światła wpadnie do małego otworu w camera obscura (łac. „ciemny pokój”), to na przeciwległa ściana.
Pierwszą osobą, która uchwyciła prawdziwy obraz, był Nicéphore Niépce. Stało się to w latach 20. XIX wieku. Kilka lat po eksperymentach. Stało się to w latach 20. XIX wieku. Kilka lat po eksperymentach Niepce'a Louis Jacques Daguerre uzyskał obraz fotograficzny za pomocą cienkiej miedzianej płytki pokrytej warstwą srebra w kasecie. Płyty te nazywane są dagerotypami. W 1839 roku Francuska Akademia Nauk uznała zasługi Daguerre'a i uczyniła odkrycie francuskiego naukowca własnością ludzkości.
Rok 1839 to oficjalny rok narodzin fotografii.
Dagerotypy były pojedynczymi kopiami, to znaczy nie można było ich sporządzić, a fotografia, jak wiadomo, dzieli się na dwie operacje – uzyskanie negatywu i wykonanie pozytywu. Technikę wykonywania negatywów odkrył Fox Tabol w 1840 roku.
Od tego czasu wiele się zmieniło: pojawił się film, rozwinęły się technologie wykonywania fotografii kolorowych, a nie tak dawno pojawił się druk cyfrowy, oparty na technologii elektronicznej, która przetwarza obraz optyczny na sygnał elektryczny.
Narodzin fotografii nie da się wytłumaczyć jedynie rozwojem technologii.
Lata 30-40 XIX wieku to narodziny takiego nurtu w sztuce jak realizm krytyczny. Jeden z postulatów realizmu można sformułować następująco: każda ludzka zasada jest absolutna. Fakt, że każda osoba ma swoje zdjęcie (choćby tylko w paszporcie) świadczy o tym, że każdy z nas jest sobie równy w rzeczywistości. Fotografia potwierdza nasze zaangażowanie w życie i wieczność.
W dziełach realizmu życie ludzkie rozpatrywane jest w kontekście historycznym (bohater jest zawsze podawany w odniesieniu do epoki).
Dbałość o codzienność, detale – to wszystko charakteryzuje zarówno realistyczne dzieło, jak i fotografię.
Fotografia jest strażnikiem przeszłości: badamy epoki historyczne, życie rodzinne i tak dalej. przez fotografie. R. Arnheim tak sformułował gatunkowe właściwości fotografii: „Nierozerwalnie związana z fizycznym charakterem krajobrazu i siedlisk ludzkich, ze zwierzętami i ludźmi, z naszymi wyczynami, cierpieniami i radościami, fotografia obdarzona jest przywilejem pomagania człowiekowi w studiować samego siebie. Poszerz i zachowaj swoje doświadczenie, wymieniaj ważne wiadomości ... ”(Arnheim R. Nowe eseje o psychologii sztuki. - M., 1994, s. 132).
2.2. Czy fotografia obiektywnie odzwierciedla rzeczywistość?
Studiując różne źródła, dowiedziałem się, że naukowcy oceniają realistyczny potencjał fotografii na różne sposoby. Na przykład francuski naukowiec A. Bazin argumentował, że fotograficzny obraz obiektu „jest tym obiektem”. Fotografia, zdaniem badacza, jest obiektywna, ponieważ „między przedmiotem a jego obrazem nie ma nic poza innym przedmiotem… Wszystkie sztuki opierają się na obecności człowieka i tylko w fotografii możemy cieszyć się jego nieobecnością. Fotografia wpływa na nas jako zjawisko „naturalne”, jak kwiat lub kryształ śniegu ... ”(Bazen A. Czym jest kino? - M., 1972. - s. 44). Estetyczne możliwości fotografii polegają na ujawnieniu rzeczywistości, która pojawia się bezpośrednio, bez werbalnych i innych sztucznych pośredników. Obiektyw aparatu „wyzwala podmiot z nawykowych wyobrażeń i uprzedzeń”, a kino „jawi się przed nami jako dopełnienie fotograficznej obiektywności w wymiarze czasowym… Po raz pierwszy obraz rzeczy staje się także obrazem ich istnienia w czasie …” (Bazin A., s. 45).
Jest też przeciwny punkt widzenia. „Wszyscy wiemy”, pisze Yu.M. Łotmana, - jak odmienne, jak zniekształcone potrafią być fotografie. Im bliżej kogoś znamy, tym więcej różnic znajdujemy na fotografiach. Dla każdej osoby, której twarz naprawdę znamy, wolimy portret dobrego artysty niż fotografię o równych umiejętnościach. Znajdziemy w nim więcej podobieństw. Ale jeśli dostaniemy portret i zdjęcie nieznanej nam osoby i poprosimy o wybranie tych bardziej wiarygodnych, nie zawahamy się poprzestać na fotografii, taki jest urok „dokumentacji” tego typu tekstów ”(Lotman Yu.M. O sztuce - St. Petersburg, 2000. - s. 297).
Wnioski: Ta ankieta pozwala zrozumieć, że większość (66,7%) uważa, że fotografia obiektywnie odzwierciedla rzeczywistość, a pozostali
(33,3%) tak nie uważa.
2.3. Czy fotografia jest sztuką? I dlaczego sztuka piękna nie przestała istnieć po pojawieniu się fotografii?
Wiele z nich to obrazy przemijające, codzienne, a dokładniej niewyraźne, nieartystyczne, czyli zwykłe „kopia rzeczywistości”. Oczywiście na naszych domowych (całkiem codziennych) fotografiach najbardziej interesujący będzie dla nas przedmiot zdjęcia: my sami, nasi bliscy, bliscy, przyjaciele itp. Czy te zdjęcia będą sztuką? Dla nas – bez wątpienia: ile emocji, wspomnień wywołują. A dla innych, obcych nam osób, czy obiekt przedstawiony na naszym zdjęciu będzie interesujący? Tu jest trudniej.
Jakie warunki trzeba spełnić, aby „kopia wzięta z rzeczywistości” stała się sztuką? Najwyraźniej tak samo, jak we wszystkich innych sztukach. „Sztuka… jest jedyną działalnością, która spełnia zadanie odkrywania, wyrażania i komunikowania osobistego znaczenia działania, rzeczywistości” (Leontiev A.N. Wybrane prace psychologiczne. - M., 1983. - s. 237).
Tacy wybitni mistrzowie XX wieku jak A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray i inni uczynili z fotografii sztukę.
Zrobiłem eksperyment z kolegą:położył przed sobą dwie fotografie.
Przyglądając się im, mój przyjaciel, opierając się na swoim intuicyjnym wyczuciu, zidentyfikował jeden jako „artystyczny”, a drugi jako „nieartystyczny”. Na moje pytanie: „Dlaczego to zakończył?” - po czym następuje nieco niejasna odpowiedź: „No jasne, to tylko widok przed obiektywem, ale tu coś jest dodane, jakiś nastrój, fotograf chciał coś wyrazić, powiedzieć od siebie, do przekazać, widzisz, co za uczucie…”
Starałem się wyrazić te myśli w bardziej konkretny sposób.
W produkcji fotografii nieartystycznej dwoje uczestników zostało nazwanych przyjaciółmi: pejzaż i aparat; w produkcji fotografii artystycznej wymienił trzech uczestników: pejzaż, aparat, fotograf.
W pierwszym przypadku fotografia automatycznie uchwyciła to, co wpadło w pole widzenia obiektywu, w drugim coś zostało dodane do rzeczywistego krajobrazu.
W istocie są to znaki, które zwykło się nazywać podkreślaniem cech dystynktywnych sztuki: obecność podmiotowości autora,... świat przez artystę. Oznacza to, że „stając się faktem sztuki, świat materialny staje się humanizowany i uduchowiony, otrzymuje znaczenie” (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog z ekranem, - Talin, 1994. - s. 19-20.)
Fotografując, ingerujemy w otaczającą nas rzeczywistość, „wycinamy” z niej „kawałek” rzeczywistości, który nam się jakoś spodobał, albo po prostu był potrzebny, albo zbiegł się z jakimś naszym przeżyciem, wyrażał jakąś myśl.
Oczywiście fotografia jako sztuka ma swoje własne środki wyrazu. Kiedy patrzymy na fotografię, zwracamy uwagę nie tylko na fabułę, ale także na plan, kąt, kompozycję kadru, światło, kolor. Wykorzystując je twórczo, posługując się taką czy inną optyką, filmem czarno-białym lub kolorowym, a teraz także ogromnymi możliwościami komputera, możemy po swojemu interpretować przedmioty świata, tworzyć złożone obrazy artystyczne. Znajomość arsenału środków wyrazu nie gwarantuje jednak wysokiej jakości obrazu artystycznego. Jak w każdej sztuce, tutaj potrzebny jest szczególny talent, inspiracja i smak.
Pierwsza ankieta: Dlaczego dzieła sztuki nie przestały istnieć po pojawieniu się fotografii?
Wyniki: Na podstawie tej ankiety mogę stwierdzić, że 84% ankietowanych uważa, że fotografia stała się jedną ze sztuk pięknych, a 16% uważa, że fotografia jest dużo młodsza od sztuk plastycznych i prawdopodobnie w przyszłości ją zastąpi.
Wyniki: 32 proc. respondentów uważa, że aby zostać dobrym fotografem, trzeba mieć najnowocześniejszy i wysokiej jakości sprzęt, a 64 proc. nadal uważa, że najważniejsza nie jest technologia, ale kto z niej korzysta.
Wyniki: To pytanie jest również dla mnie kontrowersyjne. Liczba zwolenników i przeciwników wykorzystania Photoshopa w fotografii podzieliła się na dwa tożsame obozy i to pytanie pozostanie dla nas bez odpowiedzi.
Wyniki: Na podstawie tej ankiety można stwierdzić, że 80% respondentów uważa, że fotografia jest sztuką, 4% odpowiedziało przecząco, a 16% nie zna odpowiedzi na to pytanie. Co myślisz?
Wniosek
Potwierdziła się moja hipoteza - fotografia nie zawsze jest sztuką.
Każdy, kto kocha fotografię, podziwia arcydzieła profesjonalistów, sam tworzy wysokiej jakości, niepowtarzalne prace, a jednocześnie nie stawia sobie za cel sprzedaży swojej twórczości - na to odpowiedź jest oczywista: fotografia to sztuka!!! A dla tych, którzy po prostu robią zdjęcia dla siebie, dla pamięci, fotografia jest po prostu pożytkiem dla życia, warunkiem koniecznym.
Cóż, myślę, że pytanie, czy fotografia jest sztuką, czy nie, jest chyba równie trudne, jak pytanie o sens naszego istnienia. Niektórzy myślą, że jeśli podoba ci się zdjęcie i żałujesz, że go nie zrobiłeś, to jest to sztuka. Ale moim zdaniem nie wszystko, co się lubi, jest sztuką i odwrotnie, sztuka nie zawsze musi się podobać. Wszak piękno i brzydota, dobro i zło - to rzeczy nierozłączne, dlatego w równym stopniu powinny wypełniać sztukę. Jeśli widzimy tylko piękno, nie dostrzeżemy go. Zło i brzydota są tak potrzebne jak tlen dla naszych płuc. Ludzie, którzy marzą o szczęściu absolutnym, raczej się mylą, nie rozumieją, że gdyby nie było wojny, nie byłoby pokoju, że nie wiedzieliby o szczęściu ani grama, gdyby nie zaznali smutku. Życie samo w sobie byłoby nudne, straciłoby wszelki sens. O wiele ciekawiej jest żyć w świecie pełnym przeciwieństw, które sprawiają, że życie człowieka jest najbardziej intensywne i różnorodne.
Literatura
Wielu początkujących fotografów chce szybko nauczyć się fotografować profesjonalnie.
Dziś, dzięki rozwojowi technologii cyfrowych, prawie każdy fotograf-amator, który...
Wybór formatu obrazu w sztuce fotografii jest bardzo ważny. Prawidłowo dobrana orientacja kadru może nie tylko poprawić wizualną percepcję obrazu, ale także go zepsuć....
Aby stworzyć nastrój i atmosferę na zdjęciu, wcale nie trzeba być wirtuozem kompozycji...
Aby uzyskać porady profesjonalnych fotografów na temat fotografii portretowej, zapoznaj się z książką Techniki fotografii portretowej. Zawiera przewodnik dla początkujących dotyczący kadrowania portretów...
Za udane można uznać fotografię, na której wzrok widza przemieszcza się od jednego obiektu do drugiego, po trajektorii z góry przemyślanej przez autora fotografii. W rzeczywistości nie jest to wcale trudne, jeśli znasz niektóre z głównych cech postrzegania fotografii przez widza...
Czy opanowałeś już obsługę aparatu i wiesz, jak prawidłowo wykorzystywać światło podczas wykonywania portretu, szukasz odpowiedniego tła, kąta i zastosować odpowiednią głębię ostrości? Jednak bez względu na to, jak bardzo się starasz, efekt fotografowania zwykle nie pokrywa się z tym, co chciałeś pokazać na swoich zdjęciach...
Wielu początkujących fotografów marzy o pięknym rozmyciu tła na swoich zdjęciach - bokeh. Dlatego kupują lustrzanki... Ale nie wszystko jest takie proste, jak się wydaje na pierwszy rzut oka - aby stworzyć karykaturalnie rozmyte tło (bokeh) na swoich zdjęciach, trzeba spełnić kilka warunków...
Fotografia portretowa z bliska może wydawać się łatwiejsza niż fotografia portretowa na całej długości. Smukła sylwetka modelki i jej umiejętność pozowania przed kamerą są tu opcjonalne. Jednak do dobrego portretu nie wystarczy sfotografować twarz modelki siedzącej przed obiektywem...
Co powinien zrobić fotograf-amator, jeśli chce zrobić dobry portret? Dlaczego nie kupić profesjonalnych fotooświetlaczy? A może po prostu wynająć profesjonalne studio fotograficzne? Świetne wyniki można osiągnąć przy minimalnych nakładach. Całkiem możliwe jest zrobienie portretu studyjnego w domu...
Podczas fotografowania na zewnątrz w naturalnym świetle często wystarczy po prostu zobaczyć i uchwycić wzór światła i cieni już stworzony przez Jego Królewską Mość Naturę. Jak ustawić oświetlenie w swoim studiu fotograficznym?
Ile zrobiłeś wakacyjnych zdjęć, które są nadal zachwycające i ekscytujące kilka lat po tym doniosłym wydarzeniu? Prawdopodobnie nie. Mogłoby się wydawać, że wszystko zależy od praktyki – musisz kręcić więcej wakacji, a skończysz na świetnych ujęciach… Tak, praktyka czyni mistrza, ale nie w tym przypadku…
Wakacyjna fotografia całej rodziny nie jest łatwym zadaniem. Zwłaszcza jeśli rodzina jest duża, a wakacje były udane ...
Pięć prostych zasad, dzięki którym łatwo uzyskasz wspaniały portret dziecka...
Wysokiej jakości profesjonalne soczewki zazwyczaj zawierają tzw. asferyczne i niskodyspersyjne elementy optyczne, które umożliwiają uzyskanie ostrzejszego i bardziej kontrastowego obrazu niż w przypadku konwencjonalnych obiektywów. Jednak nawet najdroższe profesjonalne soczewki mają...
Często jedno z ulubionych pytań początkujących fotografów dotyczy współczynnika powiększenia. Wiele osób uważa, że im większy zoom, tym lepiej – można zbliżyć się do odległego obiektu! Czy używasz zoomu również jako lunety? Tymczasem w sztuce fotografii do celów artystycznych wykorzystuje się różne obiektywy...
Niezależnie od tego, czy zamierzasz zostać modelką, czy po prostu chcesz, aby Twoje zdjęcia portretowe wyglądały pięknie, i tak musisz nauczyć się pozować...
Ze wszystkich rodzajów fotografii dzikiej przyrody fotografia ptaków jest prawdopodobnie najbardziej ekscytująca i interesująca. Ptaki to jedne z najbardziej nieśmiałych stworzeń na świecie i często potrzeba dużo cierpliwości, aby zrobić dobre ujęcie...
Aby uzyskać przyzwoite zdjęcie makro ważki, motyla, a nawet po prostu kwiatu, trzeba włożyć dużo wysiłku. I nie chodzi tutaj o sprzęt do makrofotografii, a nawet o doświadczenie fotografa. O niektórych sekretach profesjonalnych makrofotografów dowiesz się, czytając ten artykuł i oglądając krótki film...
Jak często początkujący fotograf myśli, że umiejętne wykorzystanie niestandardowej ekspozycji może zrobić zdjęcie godne podziwu z banalnej fabuły? Jak uzyskać efekt niskiego i wysokiego klucza. Co to jest selektywne skupienie. Jak nadać zdjęciu efekt retro...
Jeśli chcesz poprawić swoje zdjęcia, nadać im żywotność, dynamikę lub inne efekty, będziesz musiał zapomnieć o trybach automatycznych i wykazać się kreatywnością w doborze parametrów ekspozycji: czasu otwarcia migawki, przysłony i czułości ISO. Twórczo korzystaj z niestandardowych ustawień ekspozycji i dodawaj różne efekty dynamiczne do swoich ujęć...
