Co to jest krótki opis muzyczny. Musical – historia rozwoju jako gatunku muzycznego

1. „Moja wróżka” (Moja wróżka) (1956)

Frederick Lowe (muzyka) i Alan Jay Lerner (libretto i teksty) przeanalizowali dramatyczny materiał sztuki Bernarda Shawa „Pigmalion” i postanowili napisać musical. Fabuła musicalu w dużej mierze powtarza sztukę Shawa, historię przemiany głównej bohaterki z wulgarnej kwiaciarki w uroczą młodą damę.

Profesor fonetyki Henry Higgins zakłada się ze swoim kolegą językoznawcą, pułkownikiem Pickeringiem, że dziewczyna z Londynu, Eliza Doolittle, zmieni się w prawdziwą damę. Eliza wprowadza się do domu profesora, nauka nie jest łatwa, ale w końcu zaczyna robić postępy. Na balu ambasady Eliza zdaje egzamin z błyskotliwością. Zakończenie musicalu jest optymistyczne – Eliza wraca do swojego nauczyciela Higginsa.

Musical miał swoją premierę 15 marca 1956 roku. Londyńska premiera odbyła się w kwietniu 1958 roku. W rolę Higginsa wcielił się Rex Harrison, a Elizę zagrała Julie Andrews. Spektakl natychmiast stał się niezwykle popularny, bilety zostały wyprzedane z sześciomiesięcznym wyprzedzeniem. Ogromny sukces musicalu był jednak całkowitym zaskoczeniem dla jego twórców.

Musical wystawiono 2717 razy na Broadwayu i 2281 razy w Londynie, przetłumaczono go na jedenaście języków, w tym hebrajski, iz powodzeniem wystawiano go w ponad dwudziestu krajach. Musical otrzymał 6 nagród Tony. Oryginalna obsada z Broadwayu sprzedała się w ponad pięciu milionach egzemplarzy, a film George'a Cukora pod tym samym tytułem został wydany w 1964 roku. Warner Brothers zapłacili rekordową kwotę 5,5 miliona dolarów za prawa filmowe do musicalu. Rola Elizy trafiła do Audrey Hepburn, a Rex Harrison z powodzeniem przeniósł się ze sceny na duży ekran. Film był nominowany do Oscara i otrzymał osiem z 12 statuetek.

Musical „My Fair Lady” wciąż jest uwielbiany przez publiczność, a dzięki producentowi Cameronowi Mackintoshowi i reżyserowi Trevorowi Nunnowi przedstawienie można teraz oglądać w Londynie.

2. „Dźwięki muzyki” (Dźwięki muzyki) (1959)

W 1958 roku amerykańscy scenarzyści Howard Lindsay i Russell Cruz wraz z producentem Richardem Hallidayem i jego żoną, aktorką Mary Martin, połączyli siły, aby pracować nad sztuką opartą na niemieckim filmie Rodzina Von Trappów. Film opowiada o austriackiej rodzinie, która uciekając przed nazistowskimi prześladowaniami, została zmuszona do opuszczenia ojczyzny i wyjazdu do Ameryki. Historia nie została wymyślona – film powstał na podstawie książki Marii von Trapp, bezpośredniej uczestniczki opisywanych wydarzeń.

Mary Martin była gwiazdą teatru muzycznego i choć tym razem był to spektakl dramatyczny, nie mogła sobie odmówić przyjemności występu jako śpiewaczka. Początkowo autorzy zamierzali wykorzystać do oprawy muzycznej spektaklu pieśni ludowe i hymny religijne z repertuaru rodziny von Trapp. Jednak Mary chciała wykonać piosenkę napisaną specjalnie dla niej. Kompozytor Richard Rogers i librecista Oscar Hammerstein pomogli w tym Martinowi. Skomponowali zupełnie nowe numery muzyczne, zamieniając sztukę w musical „Dźwięki muzyki”.

16 listopada 1959 miał premierę na Broadwayu. Spektakl wyreżyserował David Jay Donahue. Główną rolę grała oczywiście Mary Martin, w roli kapitana von Trappa – Theodor Bickel. Publiczność, zakochana w Mary Martin, walczyła o wejście do musicalu, co zapewniło mu doskonałe honoraria.

The Sound of Music został odtworzony 1443 razy i zdobył 8 nagród Tony, w tym dla najlepszego musicalu, a oryginalny album zdobył nagrodę Grammy. W 1961 roku musical odbył tournée po Stanach Zjednoczonych, aw tym samym roku spektakl został otwarty w Londynie, gdzie trwał ponad sześć lat, stając się tym samym najdłużej wystawianym amerykańskim musicalem w historii West Endu.

W czerwcu 1960 roku 20th Century Fox nabyło prawa do filmu za 1,25 miliona dolarów. Fabuła filmu różniła się nieco od historii opowiedzianej w sztuce, ale to właśnie w tej wersji Dźwięki muzyki zyskały światową sławę. Film miał swoją światową premierę w Nowym Jorku 2 marca 1965 roku. Obraz był nominowany do Oscara w 10 kategoriach, z których zdobył pięć.

Filmowa adaptacja nie stała się ostatnią kartą w historii musicalu, wciąż jest uwielbiana przez publiczność i wystawiana na całym świecie. W latach 90. spektakl można było oglądać w Wielkiej Brytanii, RPA, Chinach, Holandii, Szwecji, Islandii, Finlandii, Peru, Izraelu i Grecji.

3. „Kabaret” (Kabaret) (1966)

Podstawą literacką tego legendarnego spektaklu były Berlińskie opowieści Christophera Isherwooda o Niemczech z początku lat 30. oraz sztuka Johna Van Drutena Jestem kamerą. Musical opowiada o romansie młodego amerykańskiego pisarza Cliffa Bradshawa i piosenkarki z berlińskiego kabaretu „Kit-Kat Club” Sally Bowles.

W Berlinie lat 30. losy młodego Anglika Briana Robertsa, początkującego pisarza, zmuszonego dorabiać lekcjami, rzucają się w oczy. Znajomość z amerykańską piosenkarką kabaretową Sally daje Brianowi świeże, niezapomniane przeżycie. Pisarz i piosenkarz zakochali się w sobie, ale ich przeznaczeniem jest przetrwać rozłąkę. Sally odmawia wyjazdu do Paryża z ukochaną, Cliff opuszcza Berlin ze złamanym sercem. Kabaret, ostatnia ostoja ducha wolności, zapełnia się ludźmi ze swastykami na rękawach...

Premiera odbyła się 20 listopada 1966 roku. Spektakl wyreżyserował słynny broadwayowski reżyser Harold Prince, muzykę napisał John Kantser, teksty piosenek - Fred Ebb, libretto - Joe Masteroff. W oryginalnej obsadzie znaleźli się Joel Gray (artysta estradowy), Jill Haworth (Sally), Bert Convy (Cliff) i inni.

Spektakl wytrzymał 1165 przedstawień i otrzymał 8 nagród Tony, w tym nominację do najlepszego musicalu. W 1972 roku ukazał się Kabaret Boba Fosseya z Joelem Grayem (artysta estradowy), Lizą Minnelli (Sally) i Michaelem Yorkiem (Bryan). Film otrzymał osiem Oscarów.

W 1987 roku Joel Gray ponownie zagrał rolę artysty we wznowieniu serialu. W 1993 roku w Londynie, a pięć lat później na Broadwayu, otwarto zupełnie nową produkcję „Kabaretu”, stworzoną przez reżysera Sama Mendesa. Ta wersja spektaklu również otrzymała liczne nagrody. Musical przeszedł około 2377 przedstawień i 37 pokazów i został zamknięty 4 stycznia 2004 roku.

4. „Jezus Chrystus– Superstar” (Jesus Christ Superstar) (1971)

„Jesus Christ” został pomyślany przez Andrew Lloyda Webbera (muzyka skomponowana) i Tima Rice'a (libretto) nie jako tradycyjny musical, ale jako pełnoprawna opera, napisana nowoczesnym językiem muzycznym, z zachowaniem wszystkich tradycji operowych (aria bohatera, refren , aria bohaterki itp.). d.). W przeciwieństwie do tradycyjnych musicali, w "Jesus Christ" nie ma utworów dramatycznych - wszystko opiera się na wokalach i recytatywach. Połączenie muzyki rockowej z motywami klasycznymi, użycie nowoczesnego słownictwa w tekstach, ich wysoka jakość, tzw. Christ Superstar” to prawdziwy hit.

Musical „Jesus Christ Superstar” opowiada o ostatnich siedmiu dniach życia Jezusa z Nazaretu, widzianych oczami jego ucznia Judasza Iskarioty, rozczarowanego tym, czym stały się nauki Chrystusa. Fabuła obejmuje okres od wjazdu Jezusa do Jerozolimy do jego egzekucji na Golgocie.

Operę po raz pierwszy usłyszano w formie albumu w 1970 roku, na którym główną rolę zagrał Ian Gillan, który jest wokalistą „złotej kompozycji” Deep Purple, rolę Judasza zagrali Murray Head, Mary Magdalene Yvonne Elliman. Na Broadwayu musical został po raz pierwszy pokazany w 1971 roku. Niektórzy krytycy uważają, że Jezus był przedstawiany jako pierwszy hipis na ziemi. Produkcja na Broadwayu trwała tylko 18 miesięcy.

Nowa inscenizacja musicalu powstała w londyńskim teatrze w 1972 roku, w rolę Jezusa wcielił się Paul Nicholas, Judasz - Stephen Tate. Ta produkcja odniosła większy sukces, występowała na scenie przez osiem lat i stała się najdłużej emitowanym musicalem. Amerykański reżyser Norman Jewison nakręcił film fabularny oparty na tej pracy w 1973 roku. W 1974 roku film zdobył Oscara za najlepszą muzykę. Oprócz świetnej muzyki i wokali, film jest ciekawy ze względu na nietuzinkową interpretację tematu Chrystusa, będącego alternatywą dla ortodoksyjnego chrześcijaństwa.

Jeden z najsłynniejszych musicali, zwany także rock operą, wzbudził wiele kontrowersji i stał się dziełem kultowym dla całego pokolenia hipisów, nie tracąc przy tym na aktualności. „Jesus Christ Superstar” był tłumaczony na różne języki, wystawiany był wielokrotnie i od ponad 30 lat wystawiany jest w Australii, Nowej Zelandii, na Węgrzech, w Bułgarii, Francji, Szwecji, Ameryce, Meksyku, Chile, Panamie, Boliwii, Niemcy, Japonia i Wielka Brytania.

5. „Chicago” (Chicago) (1975)

11 marca 1924 roku w Chicago, Illinois, Chicago Tribune opublikowało artykuł dziennikarki Maureen Dallas Watkins o pewnej aktorce, która zabiła swojego chłopaka. Ponieważ historie o przestępstwach seksualnych były szczególnie popularne wśród czytelników, kolejny artykuł Watkinsa ukazał się 3 kwietnia 1924 r. Tym razem chodziło o mężatkę, która zastrzeliła swojego kochanka. Szum, jaki towarzyszył tym i innym kryminałom, wywarł na Maureen głębokie wrażenie. Później, opuszczając gazetę, wyjechała na studia teatralne na Uniwersytecie Yale. To tam, w ramach zadania edukacyjnego, napisała sztukę „Chicago”.

30 grudnia 1926 roku Chicago otworzyło się na Broadwayu. Spektakl przetrwał 182 przedstawienia, w 1927 roku nakręcono film pod tym samym tytułem, aw 1942 roku ukazał się film „Roxy Hart” w reżyserii Williama Velmana z Ginger Rogers w roli tytułowej.

Bob Fossey, słynny choreograf i reżyser na Broadwayu, nie mógł przejść obok takiej fabuły. Fossey zatrudnił kompozytora Johna Kandera oraz librecistów Freda Ebba i Boba Fosseya do realizacji projektu. Partytura "Chicago" to genialna stylizacja amerykańskich przebojów końca lat 20., a sposobem ukazania materiału muzycznego i tematyką "Chicago" bardzo zbliża się do wodewilu.

Oto historia tancerki corps de ballet Roxie Hart, która z zimną krwią zamordowała swojego kochanka. W więzieniu Roxy spotyka Velmę Kelly i innych zabójców. Roxy pomaga naczelnik więzienia, opiekunka Mama Morton, i przebiegły prawnik Billy Flynn. Sąd uznaje Roxy za niewinną, ale nie sprawia jej to radości. W ostatniej scenie musicalu artysta zapowiada debiut „duetu dwóch błyskotliwych grzeszników”, chicagowskich królowych przestępczości Velmy Kelly i Roxie Hart. Weszli do show-biznesu.

Musical miał swoją premierę w 46th Street Theatre 3 czerwca 1975 roku z Gwen Verdon jako Roxy, Chitą Rivera jako Velmą i Jerrym Orbachem jako Billy. Chicago zostało otwarte na West Endzie dopiero w 1979 roku. Ta produkcja nie miała nic wspólnego z występem Boba Fosseya. Po 898 przedstawieniach na Broadwayu i 600 przedstawieniach na West Endzie, przedstawienie zostało odwołane. W 1996 roku przedstawienie zostało wznowione pod kierunkiem Waltera Bobby'ego i choreografki Ann Rinking. Cztery spektakle grane w City Center zostały przyjęte z takim entuzjazmem, że producenci spektaklu postanowili przenieść go na Broadway. W obsadzie znaleźli się Ringing jako Roxy, Bebe Neuwirth jako Velma, James Naughton jako Billy Flynn i Joel Gray jako Amos. „Chicago” otrzymało sześć nagród Tony, a także nagrodę Grammy za najlepszy album.

W 1997 roku musical został otwarty w londyńskim Adelphi Theatre. Chicago London zdobyło nagrodę Laurence'a Oliviera dla najlepszego musicalu i Ute Lemper dla najlepszej aktorki w musicalu. Spektakl został zremasterowany w Kanadzie, Australii, Singapurze, Hongkongu, Holandii, Argentynie, Niemczech, Szwecji, Meksyku, Japonii, Szwajcarii, Austrii, Portugalii i Rosji.

Pod koniec 2002 roku studio filmowe Miramax wydało filmową adaptację musicalu z Catherine Zeta-Jones (Velma), Renee Zellweger (Roxy) i Richardem Gere (Billy Flynn), w reżyserii i choreografii Roba Marshalla. Film „Chicago” został entuzjastycznie przyjęty przez publiczność i otrzymał „Złoty Glob” w kategorii „Najlepszy musical lub komedia”. Ponadto obraz był nominowany do Oscara w 12 nominacjach, z których zdobył sześć.

6. „Evita” (Evita) (1978)

W październiku 1973 roku Tim Rice prowadził samochód i przypadkowo usłyszał koniec audycji radiowej. Program dotyczył Evity Peron, żony argentyńskiego dyktatora Juana Perona, i ta historia zainteresowała poetę. Tim Rice uważał, że historia życia Evy mogłaby być tematem nowego musicalu. Jego współautor, Lloyd Webber, nie był entuzjastycznie nastawiony do tego pomysłu, ale po namyśle zgodził się.

Rice szczegółowo przestudiował biografię głównego bohatera swojego przyszłego musicalu, spacerując po londyńskich bibliotekach i podróżując do Argentyny, gdzie napisał większość fabuły. „Evita” łączy różne style muzyczne, w partyturze pojawiają się motywy latynoamerykańskie. Tim Rice wprowadza do musicalu narratora, niejakiego Che (którego pierwowzorem jest Ernesto Che Guevara).

Latem 1976 roku na pierwszym Festiwalu w Sidmonton zaprezentowano gościom pierwsze nagrania demo nowego musicalu Andrew Lloyda Webbera i Tima Rice'a. Wkrótce studio „Olympic” rozpoczęło nagrywanie albumu. W roli Evity wystąpiła aktorka Julie Covington, młody piosenkarz Colm Wilkinson został Che, a Perona zagrał Paul Jones. Album odniósł ogromny sukces. Już trzy miesiące po premierze sprzedano 500 tysięcy egzemplarzy i nawet w Argentynie, gdzie płyta była zakazana, każda szanująca się rodzina uznała za konieczny jej zakup.

Reżyser gwiazd Hal Prince rozpoczął pracę nad produkcją. Elaine Page została nową Evitą, a słynny piosenkarz rockowy David Essex został zaproszony do roli Che. Premiera Evity odbyła się 21 czerwca 1978 roku. Spektakl odniósł ogromny sukces i otrzymał nagrodę West End Theatre Society za „Najlepszy musical 1978 roku”, Elaine Page otrzymała nagrodę dla najlepszego aktora w musicalu. Płyta oryginalnego londyńskiego składu Evity pokryła się złotem w pierwszych tygodniach po wejściu do sprzedaży.

8 maja 1979 roku Evita została otwarta w Los Angeles. Cztery miesiące po amerykańskiej premierze, 21 września 1979 roku, ta sama obsada wystąpiła po raz pierwszy na Broadwayu. „Evita” podbiła serca publiczności i otrzymała 7 nagród „Tony”.

Po sukcesie na Broadwayu musical był wystawiany w ogromnej liczbie krajów: Australii, Hiszpanii, Meksyku, Austrii, Japonii, Izraelu, Korei, RPA, na Węgrzech. Zdjęcia rozpoczęły się dwadzieścia lat po narodzinach Evity. Reżyserię powierzono Alanowi Parkerowi, Madonna zagrała Evę Peron, hiszpański gwiazdor filmowy Antonio Banderas został zaproszony do roli Che, brytyjski aktor Jonathan Pryce został Peronem. Specjalnie na potrzeby filmu napisano nową piosenkę - „Musisz mnie kochać”, która przyniosła jej autorom „Oskara”.

7. „Nędznicy” (Nędznicy) (1980)

Powieść Nędznicy Victora Hugo narodziła się po raz drugi w musicalu stworzonym przez kompozytora Claude-Michela Schonberga i librecistę Alaina Boublila. Prace nad musicalem trwały dwa lata i ostatecznie nagrano dwugodzinny szkic przyszłego musicalu. Z pomocą librecisty Jean-Marca Nathela szkic ten został przekształcony w album koncepcyjny, który został wydany w 1980 roku i sprzedał się w 260 000 egzemplarzy. Znakiem rozpoznawczym musicalu była rycina przedstawiająca małą Cozettę.

Wersję sceniczną zaprezentowano paryżanom 17 września 1980 roku w Palais des Sports. Spektakl obejrzało ponad pół miliona osób. Maurice Barrier zagrał rolę Jean Valjean, Jacques Mercier - Javert, Rose Laurence - Fantine, Marie - Eponina, Fabienne Guyon - Cosette.

W 1982 roku młody reżyser Peter Ferago, któremu bardzo spodobał się album koncepcyjny Les Misérables, zwrócił na niego uwagę brytyjskiego producenta Camerona Mackintosha. McIntosh zamienił projekt w show najwyższej klasy. Nad stworzeniem nowej wersji musicalu „Les Misérables” pracował silny zespół: reżyserami byli Trevor Nunn i John Kead, tekst w języku angielskim skomponował Herbert Kretzmer w ścisłej współpracy z twórcami musicalu. Przedstawienie wystawiono w Teatrze Barbican pod auspicjami Royal Shakespeare Company. Premiera nowej wersji musicalu odbyła się 8 października 1985 roku. Najbardziej „długotrwała” produkcja musicalu „Les Misérables” szczyci się Palace Theatre w Londynie. W sumie spektakl był pokazywany w tym teatrze ponad sześć tysięcy razy.

W 1987 roku Les Misérables przekroczyli Atlantyk i osiedlili się na Broadwayu, rozpoczynając tym samym swój triumfalny marsz dookoła świata. Mimo, że musical ma już ponad dwadzieścia lat, nie schodzi ze sceny i nadal cieszy się ogromną popularnością na całym świecie. Les Misérables zostało przetłumaczone na wiele języków: japoński, hebrajski, węgierski, islandzki, norweski, niemiecki, polski, szwedzki, holenderski, duński, czeski, hiszpański, mauretański, kreolski, flamandzki, fiński, portugalski. W sumie musical „Les Misérables” obejrzeli mieszkańcy dwustu miast w trzydziestu dwóch krajach świata. Twórczość Alana Boublila i Claude-Michela Schonberga obejrzało ponad 20 milionów widzów na całym świecie.

8. „Koty” (Koty) (1981)

Bazą dla „Kotów” był cykl wierszy dla dzieci autorstwa T.S. Księga praktycznych kotów Eliota Old Possum, opublikowana w 1939 roku w Anglii. To zbiór ironicznych szkiców przedstawiających kocie charaktery i zwyczaje, z których łatwo odgadnąć różne typy ludzi.

Andrew Lloyd Webber zaczął pisać piosenki oparte na poezji Eliota na początku lat 70. Do 1980 roku kompozytor zgromadził wystarczającą ilość materiału muzycznego, który postanowiono przetworzyć na musical. Wystawa była skazana na sukces: Brytyjczycy znani są z miłości do tych zwierząt. Zespół muzyczny składał się z utalentowanych ludzi - producenta Camerona Mackintosha, reżysera Trevora Nunna, scenografa Johna Napiera i choreografa Gillian Lynn.

Jeśli chodzi o sceniczne wykonanie piosenek Webbera, głównym problemem twórców musicalu był brak fabuły. Na szczęście dzięki wdowie po T. S. Eliocie, Valerie, autorzy mieli do dyspozycji listy i szkice poety, z których po kawałku wyławiali pomysły na zarys fabuły sztuki.

Aktorzy musicalu mieli specjalne wymagania – musieli nie tylko dobrze śpiewać i mieć perfekcyjną dykcję, ale też być niezwykle plastyczni. W Wielkiej Brytanii nie było łatwo zrekrutować 20-osobową trupę, więc w składzie wykonawców znalazł się premierowy Royal Ballet Wayne Sleep, a także piosenkarz pop Paul Nicholas i aktorka Elaine Paige oraz młoda piosenkarka i tancerka Sarah Brightmann.

W teatrze „Koty”, stworzonym przez projektanta Johna Napiera, nie ma kurtyny, sala i scena to jedna przestrzeń, a akcja toczy się nie frontalnie, ale w głębi. Scena zaprojektowana jest jako wysypisko śmieci i jest górą malowniczych śmieci, scenografia wyposażona jest w wyrafinowaną elektronikę. Aktorzy przemieniają się w pełne wdzięku koty z warstwowym makijażem, ręcznie malowanymi trykotami, perukami z włosia jaków, futrzanymi kołnierzami, ogonami i błyszczącymi kołnierzami.

Musical miał swoją premierę 11 maja 1981 roku w Londynie, a rok później sztukę otwarto na Broadwayu. Do czasu zamknięcia 11 maja 2002 roku spektakl cieszył się w Londynie wielkim powodzeniem, zyskując miano najdłużej wystawianej produkcji teatralnej w historii teatru angielskiego (ponad 6400 przedstawień). Musical „Cats” pobił wszelkie możliwe rekordy w Stanach Zjednoczonych. W 1997 roku, po 6138 przedstawieniach, musical został uznany za numer jeden pod względem długowieczności na Broadwayu. W ciągu 21 lat londyńską produkcję obejrzało ponad 8 milionów osób, a jej twórcy zarobili 136 milionów funtów.

W ciągu swojego istnienia musical wystawiono ponad czterdzieści razy, obejrzało go ponad 50 milionów widzów w trzydziestu krajach, przetłumaczono na 14 języków, a łączna kwota opłat przekroczyła w tej chwili 2,2 miliarda dolarów. Nagrody Cats obejmują Laurence Olivier Award i Evening Standard Award dla najlepszego musicalu, siedem nagród Tony i francuską nagrodę Molière. Nagrania oryginalnej obsady z Londynu i Broadwayu zostały nagrodzone Grammy.

9. Upiór w operze (1986)

Narodziny musicalu rozpoczęły się w 1984 roku, kiedy brytyjski kompozytor Andrew Lloyd Webber poślubił młodą aktorkę i piosenkarkę Sarah Brightman. Opierając się na głosie Sarah, Lloyd Webber skomponował „Requiem”, ale chciał pokazać talent swojej żony w większym dziele. Dziełem tym był musical „Upiór w operze”, stworzony na podstawie powieści francuskiego pisarza Gastona Leroux o tym samym tytule. To mroczna i romantyczna opowieść o nadprzyrodzonym stworzeniu, które żyło w lochach pod Operą Paryską.

Sarah Brightman wcieliła się w rolę głównej bohaterki - Christiny Daae. Główną rolę męską wykonał Michael Crawford. Rolę kochanka Christiny, Raula, zagrał Steve Barton w premierowej obsadzie. Libretto napisali Richard Stilgoe i Andrew Lloyd-Webber, słowa napisał Charles Hart. Artystka teatralna Maria Bjornson wymyśliła słynną maskę Phantom i nalegała, aby niesławny spadający żyrandol został opuszczony na widownię, a nie na scenę.

Musical miał swoją premierę 9 października 1986 roku w Her Majesty's Theatre w obecności członków rodziny królewskiej. Pierwsza produkcja The Phantom na Broadwayu miała swoją premierę w nowojorskim Majestic Theatre w styczniu 1988 roku. Stała się drugą najdłużej wystawianą sztuką w historii Broadwayu po Kotach, z 10,3 milionami widzów.

Ponad 65 000 przedstawień Upiora zostało wykonanych w 18 krajach, w tym w Japonii, Austrii, Kanadzie, Szwecji, Niemczech i Australii. Produkcje Upiora w operze otrzymały ponad 50 prestiżowych nagród, w tym trzy Laurence Olivier Awards i 7 Tony Awards, 7 Drama Desk Awards i Evening Standard Award. „Upiór w operze” zdobył sympatię ponad 58 milionów widzów z całego świata. W samym Nowym Jorku obejrzało go już blisko 11 mln osób, a na całym świecie ponad 80 mln. Wpływy ze sprzedaży biletów na Upiór w Operze przekroczyły 3,2 mld dolarów.

10. "Mamma Mia" (1999)

Pomysł stworzenia autorskiego musicalu opartego na piosenkach zespołu ABBA należy do producenta Judy Kramer. Podstawą musicalu są 22 piosenki grupy. Ponieważ w oryginale wszystkie piosenki były wykonywane przez kobiety, jako punkt wyjścia zaproponowano historię matki i córki, około dwóch pokoleń. Trzeba było wymyślić historię godną słynnych przebojów szwedzkiego kwartetu. Z pomocą przyszła pisarka Katherine Johnson, która napisała historię o rodzinie mieszkającej na greckich wyspach. Historia interesuje widza nie mniej niż piosenki. Katherine była w stanie logicznie połączyć piosenki w jedną fabułę, piosenki są podzielone na dialogi i ubarwione nowymi intonacjami. Muzykę napisali Benny Anderson i Bjorn Ulvaeus, a wyreżyserowała Phyllida Lloyd.

„Mama Mia” to współczesna, ironiczna, romantyczna komedia, w której pojawiają się dwa główne wątki: historia miłosna i relacja między dwoma pokoleniami. Fabuła spektaklu to przeplatanie się komediowych sytuacji, które podkreśla pogodna muzyka zespołu ABBA, oryginalne kostiumy i dowcipne dialogi bohaterów. Istotę projektu wyraża charakterystyczne logo „Mama Mia” – wizerunek szczęśliwej panny młodej. To zdjęcie stało się rozpoznawalną na całym świecie marką.

Młoda dziewczyna Sophie ma zamiar wyjść za mąż. Chce zaprosić ojca na wesele, aby poprowadził ją przed ołtarz. Ale ona nie wie, kim on jest, ponieważ jej matka Donna nigdy o nim nie mówiła. Sophie znajduje pamiętnik swojej matki, w którym opisuje relacje z trzema mężczyznami. Sofia postanawia wysłać zaproszenia do całej trójki. Wszystko, co najciekawsze, zaczyna się dziać, gdy na wesele przybywają goście… Mama wychodzi za mąż w tym samym czasie co jej córka.

Pierwsza próba musicalu „Mama Mia” odbyła się 23 marca 1999 roku, kiedy to w Londynie odbył się przedpremierowy pokaz. Wtedy reakcję publiczności można było opisać jednym słowem – zachwyt: ludzie na sali nie usiedli ani minuty na swoich miejscach – tańczyli w przejściach, śpiewali i klaskali. Premiera odbyła się 6 kwietnia 1999 roku.

Po londyńskiej produkcji musical „Mama Mia” wystawiany jest równolegle w 11 różnych miejscach na całym świecie. 11 światowych produkcji zarabia ponad 8 milionów dolarów tygodniowo. Ponad 27 milionów - łączna liczba widzów na całym świecie, którzy odwiedzili musical "Mama Mia". Codziennie na całym świecie musical „Mama Mia” odwiedza ponad 20 000 osób.

1,6 miliarda USD wpływów ze sprzedaży biletów na całym świecie z Mama Mia.

Przez osiem lat wypożyczenia musical był wystawiany w ponad 130 największych miastach. Płyta z pierwszą produkcją „Mama Mia” pokryła się „platyną” w USA, Australii i Korei; podwójną platyną w Wielkiej Brytanii i złotem w Niemczech, Szwecji i Nowej Zelandii.

Zapisz się do naszego telegramu i bądź na bieżąco z najciekawszymi i najistotniejszymi wiadomościami!

Musical to gatunek produkcji teatralnej i muzycznej, w którym przeplatają się choreografia i muzyka, śpiew i dialogi, dramaturgia teatralna.

Powstanie musicalu jako gatunku, koncepcja i cechy

Ta forma sztuki powstała w Stanach Zjednoczonych w latach 20. ubiegłego wieku. Jednak ta forma sztuki została uznana za niezależny kierunek dopiero w latach 40., kiedy to pierwszy w historii musical „Oklahoma” został z sukcesem wystawiony na Broadwayu. Mimo że sami autorzy nazwali to dzieło „komedią muzyczną”, publiczność odebrała je jako coś nowego i niezwykłego. Później sami autorzy nazwali swoje dzieło po prostu „muzycznym” - to nadało nazwę nowemu gatunkowi. „Oklahoma” istniała na scenie przez pięć lat. A w 2002 roku ponownie wróciła na scenę.

Przez długi czas występy muzyczne były domeną amerykańskiego przemysłu rozrywkowego. Dopiero w latach 80. ubiegłego wieku na londyńskich scenach wystawiano Les Miserables – od tego momentu rozpoczyna się historia europejskich produkcji tego gatunku.

Główne „trzy filary” gatunku:

• libretto, teksty i muzyka są w równym stopniu podstawą dzieła;
• szeroka gama gatunkowa - od komedii po dramat;
• na podstawie znanych dzieł literackich;
• duża liczba zaangażowanych osób: reżyserzy, scenarzyści, kostiumolodzy, oświetlenie, choreografowie, dekoratorzy.

Musical jako gatunek sztuki. Różnica w stosunku do wodewilu i operetki

Obie te dziedziny sztuki łączy wiele podobieństw. Na przykład do początku XX wieku musical nazywano „amerykańską operetką”. Po tym, jak lokalne tradycje i upodobania zaczęły stanowić podstawę twórczości muzycznej, stała się samodzielnym gatunkiem sztuki. Operetka postrzegana jest jako lekki, komediowy gatunek, w którym muzyka jest istotną częścią spektaklu. Natomiast w musicalu dominują dialogi, muzyka zbliżona do muzyki rozrywkowej, bardziej rozbudowana choreografia i aranżacja muzyczna. Ponadto taniec jest integralną częścią tego gatunku.

Wodewil to komedia z tańcami i dwuwierszami. Jest łatwiejszy do zrozumienia, tańszy w produkcji i stosowaniu różnych efektów.

Najsłynniejsze musicale na świecie

Słynne prace światowe, takie jak

„My Fair Lady”, „Kabaret”, „Koty”, „Chicago”, „Evita”, „Nędznicy”, „Upiór w operze”, „Mamma Mia”

nie tracą na aktualności, nadal są wystawiane na Broadwayu iw Londynie.

Najbardziej legendarnym dziełem, wymienionym w Księdze Rekordów Guinnessa jako muzyczny mistrz, jest „Fantastics”. Jest popularny od 42 lat. W tym czasie odbyły się 17 162 spektakle.

Najsłynniejsza produkcja „Jesus Christ Superstar”, która urzekła widzów swoją widowiskowością i tragizmem, była wystawiana na całym świecie zaledwie przez 33 lata (mówimy tylko o oryginalnej produkcji).

Muzyka i dramaturgia jako odzwierciedlenie podstaw musicalu

Głównymi składnikami musicalu są w równym stopniu:

• słowa,
• muzyka,
• Sceneria,
• choreografia.

Uzupełniają się, wyjaśniają, dodają dynamizmu produkcji. Ważną częścią akcji jest dramaturgia muzyczna, narzędzie uogólniające obecne w spektaklu od początku do końca. Muzyka towarzyszy temu, co dzieje się na scenie, podąża za tekstem, odzwierciedla zmianę nastroju, radość i tragedię, wyraża główną ideę utworu. Razem pozwala to widzowi poczuć pełną głębię dramaturgii dzieła.

Dramaturgia spektaklu muzycznego polega na odzwierciedleniu aktualnych problemów społecznych i ich krytycznej ocenie. To kolejna cecha rozwoju gatunku.

Pochodzenie musicalu w Rosji

W Rosji, podobnie jak w Stanach Zjednoczonych, jazz stał się warunkiem powstania tego nurtu.

„Rosyjska droga” rozwoju musicalu różni się od amerykańskiej. Wywodzi się z rosyjskiego środowiska teatralnego, ma inną specyfikę niż jego „kolega” zza oceanu. Tak więc w latach 70. zaczęto rozważać przedstawienia muzyczne i dramatyczne, które opierały się na utworach klasycznych, w których dla maksymalnego efektu odbioru spektaklu akompaniament muzyczny był równoległy.

Przeciwnie, amerykańskie produkcje muzyczne aktywnie wykorzystują szczególną formę praktyki teatralnej, szeroko rozpowszechnioną na Broadwayu: przedsiębiorczość. Uniwersalni aktorzy, producenci - wszyscy pracują na komercyjny sukces spektaklu. Dla nich kontakt z publicznością jest równie ważny jak część finansowa, w przeciwieństwie do rosyjskiej, gdzie materiał jest drugorzędny.

Tym bardziej interesujące są losy dzieła „Juno i Avos”, które przeszło dokładnie amerykańską ścieżką rozwoju, zachowując publiczność przez kilkadziesiąt lat.

Musical w ZSRR: od Utiosowa do Trzech muszkieterów

Po wydaniu „Jolly Fellows”, gdzie tak świetnie grał zespół jazzowy Leonida Utesova, w ZSRR po raz pierwszy zaczęto mówić o musicalu. Chociaż w filmie nie było wielu numerów muzycznych, byli oni jednak uczestnikami filmu wraz z głównymi aktorami. Potem linia muzyczna zaczęła być śledzona w innych filmach: „Cyrk”, „Wołga-Wołga”, w których numery muzyczne zostały wbudowane w film.

Dzięki sukcesowi filmów, które wyszły na ekran, produkcje z tego samego gatunku są wydawane jedna po drugiej: Scarlet Sails, Orfeusz i Eurydyka, Juno i Avos, Free Wind, White Acacia i inne.

Oprócz produkcji teatralnych na sowieckich ekranach pojawiają się filmy muzyczne nie tylko dla dorosłych, ale także dla dzieci: Pinokio, Diabeł. A adaptacja powieści A. Dumasa „Trzej muszkieterowie” przyniosła aktorom i reżyserowi oszałamiający sukces wśród publiczności, a sam film nie stracił swojej atrakcyjności do dziś.

Współczesny musical w Rosji

Musicale okresu rosyjskiego nie wspierały głośnych sukcesów podobnych produkcji ZSRR. Dopiero pod koniec lat 90. takie produkcje zaczęły pojawiać się na rosyjskiej scenie teatralnej. Pierwszą produkcją tego gatunku była adaptowana wersja polskiego „Metra” (1999).

Niedługo potem ukazała się rosyjska produkcja - "Nord-Ost" (2001). Była to wielkoskalowa produkcja dzieła V. Kaverina „Dwóch kapitanów”, która zapowiadała się bardzo popularna. Niestety, perspektywy tej pracy przekreślił wielki zamach terrorystyczny - wzięcie zakładników w dniach 23-26 października 2002 roku w budynku Centrum Teatralnego na Dubrowce. W wyniku trzydniowej konfrontacji i operacji wojskowej zginęło według różnych źródeł około 174 osób. Od tego czasu nazwa „North-Ost” kojarzona jest wyłącznie z tragedią. Samą pracę próbowano kilkakrotnie uruchomić ponownie, ale bezskutecznie.

Od kilku lat, jeden po drugim, pojawiają się:

• „Notre Dame de Paris”, „Chicago”, „Czterdziesta druga ulica” (wszystkie 2002),

• Czarownice z Eastwick, 12 krzeseł (2003),

• "Romeo i Julia" (2004),

• „Koty” (2005).

W 2006 roku ukazała się produkcja oparta na piosenkach grupy ABBA - musical „Mamma Mia!” - odniósł największy sukces w tym czasie w Rosji. Jednak poza „12 krzesłami” były to wszystkie produkcje na licencji autorów zagranicznych.

Ważnym kamieniem milowym w historii rozwoju gatunku we współczesnej Rosji jest rok 2008. W tym czasie na ekranach pojawił się pierwszy rosyjski film muzyczny „Stilyagi”. Od tego czasu produkcja musicali w Rosji została uruchomiona. Znani i mniej znani, odnoszący sukcesy i nieudani, zagraniczni i rosyjscy - co roku ukazywało się 5-7 prac.

Dziś musicale są nadal poszukiwane i nie straciły na popularności, są tłumaczone na różne języki świata i grane na całym świecie. Są nowe produkcje, które jeszcze nie zdobyły swojej publiczności.

Kompozytorzy muzyczni ZSRR:
I. Dunajewski.
G. Gładkow.
A. Rybnikow.
A. Kolkera.
W. Daszkiewicz.
M. Dunajewski.

Rosyjscy kompozytorzy muzyczni:
M. Dunajewski.
A. Rybnikow.
A. Gradski.
A. Żurbin.
A. Iwaszczenko.
G. Wasiliew.

Musical

Z Wikipedii, wolnej encyklopedii

Musical (czasami nazywany komedią muzyczną) to muzyczne dzieło sceniczne, w którym przeplatają się dialogi, piosenki, muzyka, tańce, a fabuła jest zwykle nieskomplikowana. Ogromny wpływ na musical miało wiele gatunków: operetka, opera komiczna, wodewil, burleska. Jako odrębny gatunek sztuki teatralnej przez długi czas nie był rozpoznawany i nadal nie jest rozpoznawany przez wszystkich.

Musical jest gatunkiem inscenizowanym, praca nad każdym projektem zaczyna się od napisania sztuki. Produkcją spektaklu zajmuje się reżyser. W przedstawieniu mogą uczestniczyć również choreografowie, specjaliści od śpiewu.

Musical jest jednym z najbardziej komercyjnych gatunków teatralnych. Wynika to z jego widowiskowości, różnorodności tematów inscenizacyjnych, nieograniczonego wyboru środków wyrazu dla aktorów.

Podczas inscenizacji musicali często stosuje się sceny zbiorowe ze śpiewem i tańcem oraz często stosuje się różne programy specjalne. efekty.

Forma musicalu to najczęściej przedstawienie dwuaktowe.
Treść
1. Historia
1.1 Początki musicalu
1.2 Rozwój w Ameryce
1.3 Dalszy rozwój
2 Najbardziej znane musicale
2.1 Musicale na Broadwayu
2.2 francuskie musicale
2.3 Austriackie musicale
2.4 Rosyjskie musicale

Historia

Pochodzenie musicalu

Prekursorami musicalu było wiele lekkich gatunków, w których mieszano programy rozrywkowe, francuski balet i dramatyczne przerywniki. We wrześniu 1866 roku na nowojorskiej scenie odbyła się inscenizacja Czarnego oszusta, na której przeplatały się balet romantyczny, melodramat i inne gatunki. To ona jest uważana za punkt wyjścia nowego gatunku. Angielski producent George Edwards opisał jeden ze swoich hitów „Chorus Girl” jako komedię muzyczną. Komedia muzyczna oznaczała lekki rozrywkowy występ, w którym najważniejsza nie była fabuła, ale raczej popularne numery wokalne wykonywane przez idoli publiczności. Produkcje Edwardsa odniosły ogromny sukces w Nowym Jorku, a do początku XX wieku angielskie występy dyktowały modę w nowym gatunku.

Rozwój w Ameryce

W latach poprzedzających I wojnę światową utalentowani emigranci Herbert, Friml, Romberg i inni dali impuls do aktywnego rozwoju musicalu w Ameryce. W latach 20. i 30., wraz z pojawieniem się nowych amerykańskich kompozytorów Jerome'a ​​Kerna, George'a Gershwina, Cola Portera i innych, musical nabiera prawdziwie amerykańskiego charakteru. Libretto stało się bardziej skomplikowane, w rytmach dały się zauważyć wpływy jazzu i ragtime'u, w utworach pojawiły się typowe amerykańskie zwroty. Wiele piosenek z musicali stało się muzycznymi klasykami. Umiejętności aktorskie śpiewaków znacznie wzrosły. Gershwin zdobył nagrodę Pulitzera po raz pierwszy w 1932 roku za pracę nad musicalem Of Thee I Sing (1931). Rogers i Hammerstein II współpracowali przy produkcji takich produkcji jak Oklahoma! („Oklahoma!”, 1943), „Karuzela” („Karuzela”, (1945), „Południowy Pacyfik” („Południowy Pacyfik” (1949), wyróżniające się wysokim poziomem dramaturgii. Odniosły ogromny sukces wśród publiczności .

Po drugiej wojnie światowej fabuła musicali stała się poważniejsza, pojawiła się „West Side Story” („Westside story”, 1957) Leonarda Bernsteina. Produkcja oparta jest na tragedii Szekspira Romeo i Julia, a akcja toczy się we współczesnym Nowym Jorku. Ekspresyjność tańców wskazywała na rosnące znaczenie choreografii.

Dalszy rozwój

Pod koniec lat 60. XX wieku, pod wpływem nowych stylów muzycznych, pojawia się nowe rozumienie musicalu jako gatunku. Spektakl "Hair" ("Hair", 1967) odzwierciedlał modne wówczas idee hippisów, stąd spektakl nazwano "musicalem prymitywnego amerykańskiego rocka lirycznego". Od lat 70. liczba przedstawień została zmniejszona, ale dekoracje i kostiumy nowych musicali stają się coraz bardziej luksusowe. Dramatyczne zmiany w koncepcji musicalu przyniosła produkcja „Jesus Christ Superstar” („Jesus Christ Superstar” 1971) kompozytora Andrew Lloyda Webbera i librecisty Tima Rice'a. Poważna tematyka musicalu „Evita” („Evita”, 1978) dowiodła długiej drogi, jaką gatunek ten przeszedł w swoim rozwoju. Twórczość Webbera „Koty” („Koty”, 1981) na podstawie cyklu wierszy T.S. „Księga praktycznych kotów starego oposa” Elliota przedstawia żywe, zapadające w pamięć obrazy, kocie intonacje są rozpoznawalne w muzyce, a tańce są giętkie i plastyczne. Innym popularnym dziełem Webbera był musical „The Phantom of the Opera”, który łączy w sobie elementy detektywa i thrillera.

Angielsko-amerykański monopol na musicale skończył się w 1985 roku, kiedy na londyńskiej scenie odbyła się premiera francuskiej produkcji Les Miserables, opartej na powieści Victora Hugo pod tym samym tytułem. Autorami są kompozytor Claude Michel Schonberg i librecista Alain Boublil. O wysokim poziomie musicalu jako gatunku świadczy "Miss Saigon" ("Miss Saigon"), unowocześniona opera Pucciniego "Madama Butterfly".

Najbardziej znane musicale

musicale na Broadwayu

Musicale na Broadwayu przyniosły temu gatunkowi światową sławę.
My Fair Lady / „My Fair Lady”: muzyka: Frederick Lowe, libretto i tekst piosenki: Alan Jay Lerner (1956)
Sound of Music, The / „Sound of Music” muzyka: Richard Rogers, libretto: Howard Lindsay & Russell Crews, teksty piosenek: Oscar Hammerstein (1959)
Oliverze! / „Oliver!”: muzyka, libretto i teksty piosenek: Lionel Bart (1960)
Skrzypek na dachu / Skrzypek na dachu muzyka: Jerry Bock, libretto: Joseph Stein, tekst piosenki: Sheldon Harnick (1964)
Jesus Christ Superstar Muzyka: Andrew Lloyd-Webber Tekst: Tim Rice (1970)
Les Miserables / Les Misérables: muzyka: Claude-Michel Schonberg, libretto: Alain Boublil (1980)
Koty / „Koty” muzyka: Andrew Lloyd-Webber, libretto: T.S. Eliota (1981)
42nd Street / 42nd Street: Muzyka: Harry Warren, teksty: Al Dubin, libretto: Mark Bramble i Mike Stewart (1981)
Phantom of the Opera, The / The Phantom of the Opera muzyka: Andrew Lloyd-Webber, libretto: Richard Stilgoe i Andrew Lloyd-Webber, słowa piosenek: Charles Hart (1986)
Jekyll & Hyde / "Jekyll & Hyde" muzyka: Frank Wildhorn, libretto i tekst: Leslie Bricass (1989)
Opera za trzy grosze / Muzyka: Kurt Weill, libretto: Bertolt Brecht (na podstawie powieści za trzy grosze)

francuskie musicale

Początkowo musicale we Francji poszły inną drogą: były mniej spektakularne i kosztowały mniej scenografii (w porównaniu z broadwayowskimi) i ogólnie bardziej przypominały koncerty kilku śpiewaków. Żywym tego przykładem jest oryginalna wersja musicalu Nôtre-Dame de Paris autorstwa Riccardo Coccante i Luca Plamondona. Jednak z czasem gusta się zmieniły i w ostatnich latach Francja prezentuje dość barwne pod względem kostiumów i scenografii spektakle muzyczne, takie jak Romeo et Juliette, Autant en Emporte le Vent, Le Roi Soleil itp.
Starmania / Starmania: muzyka: Michel Berger, libretto: Luc Plamondon (1979)
Misérables, Les / Les Misérables: muzyka: Claude-Michel Schonberg, libretto: Alain Boublil (1980)
La legende de Jimmy / „The Legend of Jimmy”: muzyka: Michel Berger, libretto: Luc Plamondon (1990)
Nôtre-Dame de Paris / „Katedra Notre Dame”: muzyka: Riccardo Coccante, libretto: Luc Plamondon (1998)
Romeo i Julia: muzyka: Gerard Presgurvik, libretto: Gerard Presgurvik (2000)
Ali Baba / „Ali Baba”: muzyka: Chatel Aboulker (12 czerwca 2001)
Les Dix Commandements / „10 przykazań”: muzyka: Pascal Obispo (2001)
Le Petit Prince / "Mały Książę": muzyka: Riccardo Coccante, libretto: Elisabeth Anais (2002)
Don Juan / „Don Juan”: muzyka: Felix Gray (3 sierpnia 2003)
Le Roi Soleil / The Sun King: muzyka: Albert Cohen, libretto: Elie Shuraki (2005)
Dracula, Entre l'amour et la mort / "Dracula: między miłością a śmiercią": muzyka: Simon Leclerc, libretto: Roger Tabra (2005) - kanadyjski musical w języku francuskim
Cléopâtre, la dernière reine d'Egypte / "Kleopatra, ostatnia królowa Egiptu": (2009)

Austriackie musicale
Elisabeth / "Elizabeth": muzyka: Sylvester Levay, libretto: Michael Kunze (1992)
Tanz der Vampire / Vampire's Ball Muzyka: Sylvester Levay, libretto: Jim Steinman (1997)
Mozarta! / "Mozart!": muzyka: Sylvester Levay, libretto: Michael Kunze (1999)
Rebecca / "Rebecca": muzyka: Sylvester Levay, libretto: Michael Kunze (2006)

Rosyjskie musicale
„Orfeusz i Eurydyka” – być może założyciel rosyjskiego musicalu. Nadal brzmi w wykonaniu Petersburskiego Rock Opera Theatre
Juno i Avos to rockowa opera Aleksieja Rybnikowa, po raz pierwszy wystawiona na scenie Lenkom w 1981 roku.
„Gwiazda i śmierć Joaquina Muriety” – spektakl wydany na płycie winylowej w ZSRR.
„Nord-Ost” to pierwszy rosyjski musical światowej klasy. Wystawiony przez Gieorgija Wasiljewa i Aleksieja Iwaszczenkę
„www.silicone głupek.ru” – musical Aleksandra Pantykina i Konstantego Rubinskiego, wystawiony w Jekaterynburgu w 2007 roku iw 2008 roku otrzymał dwie „Złote Maski” w nominacjach.
„Noc otwartych drzwi” – ​​musical Jewgienija Karmazina i Konstantego Rubinskiego, wystawiony w Jekaterynburgu w 2005 roku i otrzymał „Złotą Maskę” w dwóch kategoriach, w tym „Najlepszy występ”.
„12 krzeseł” to rosyjski musical oparty na powieści I. Ilfa i E. Pietrowa pod tym samym tytułem.
Mowgli to rosyjski musical fantasy wystawiany w Moskiewskim Teatrze Operetkowym. Działa w Moskwie od 2005 roku. Muzyka i libretto - Vlad Stashinsky, dyrektor produkcji - Alina Chevik, dyrektor muzyczny - Vlad Stashinsky, choreograf - Boris Baranovsky, artysta - Viktor Arefiev, kostiumograf - Valentina Komolova, charakteryzator - Andrey Drykin, projektant oświetlenia - A Kuznetsov, chórmistrz - P. Suchkow.
„Monte Christo” to rosyjski musical oparty na powieści A. Dumasa „Hrabia Monte Christo”. Kompozytor - Roman Ignatiew, autor libretta - Yuli Kim, producent muzyczny - Vladimir Tartakovsky i Alexei Bolonin, dyrektor produkcji - Alina Chevik, choreograf - Irina Korneeva, scenograf - Wiaczesław Okunev, projektant charakteryzacji i peruk - Andrey Drykin, projektant oświetlenia - Gleb Filshtinsky, reżyser kaskaderów parkour - Oleg Krasnyansky
„The Last Test” to musical fantasy autorstwa Antona Krugłowa i Eleny Khanpira.
„Dzieci słońca” - etno-musical Władimira Podgoretskiego.
„The Bremen Town Musicians” to familijny musical oparty na niezwykle popularnych piosenkach Giennadija Gładkowa i słowach Jurija Entina.

Co to jest musical, historia musicalu

Teatr muzyczny jako szczególna forma sztuki powstał z połączenia kilku dziedzin twórczości. Musicale są w stanie opowiedzieć klasyczną historię w zupełnie nowy sposób, bardziej przejmujący i głębszy, i w jednej chwili sprawić, że współczesna sztuka autora stanie się popularna. Czy w kontekście prozaicznej rzeczywistości nie jest to cud generowany przez muzykę, kolory, głos i potężny przekaz emocjonalny, który płynie z serca do serca?

Przeczytaj historię musicalu i wiele ciekawostek na naszej stronie.

To spektakl teatralny, w którym oprócz dialogów między bohaterami spektaklu pojawiają się numery wokalne i taneczne. Każdy musical jest formą opowiadania historii. Historia może mieć podłoże czysto dramatyczne lub historyczne, opowiadać o miłości, szczerych uczuciach lub zawierać głęboki podtekst polityczny, filozoficzny lub społeczny. Niezależnie od tego, jaka okaże się fabuła, musi być urzeczywistniona w taki sposób, aby widzowie mieli okazję cieszyć się fantastycznie spektakularnym przedstawieniem, które może wywołać prawdziwą reakcję emocjonalną.

Gatunek ostatecznie ukształtował się w Stanach Zjednoczonych. W latach trzydziestych bastion systemu demokratycznego pogrążył się w tzw. Wielkim Kryzysie. W tych trudnych czasach to musicale, kolorowe, dynamiczne, „żywe”, zyskały status ujścia dla ludzi, którzy w ciągłym niepokoju o swoją przyszłość. Ta okoliczność pomaga zrozumieć, jak duża skala wpływu sztuki na stan psychiczny człowieka. Musical w tym duchu to najprostsza, przystępna, "lekka" forma.

Broadway jest uważany za warunkową cytadelę odnoszących sukcesy musicali. Teatry na tej ulicy w Nowym Jorku szczycą się godnym pozazdroszczenia repertuarem, a także tytułem miejsca premier spektakli, które później stały się najbardziej kasowymi i zdobyły fenomenalną popularność. W rzeczywistości produkcja jednego musicalu wchodzącego w skład broadwayowskiego repertuaru kosztuje kilka milionów dolarów.

Musicale są zawsze spektakularne i ekscytujące. Niesamowity pod względem wrażeń efekt oglądania uzyskuje się dzięki żmudnej, czasochłonnej pracy, która niezmiennie pozostaje „za kulisami”. Widz ma szansę zobaczyć tylko wynik. Trudność może sprawiać nie tylko montaż wielotonowych scenografii (czasami twórcy zadowalają się bardzo skromną scenografią) i sztuczek inscenizacyjnych, ale także praca charakteryzatorów, kostiumologów, wszystkich członków zespołu kreatywnego, których wysiłki tworzą kolejną urzekającą i „chwytliwą” rzeczywistość.

Popularne musicale

Najbardziej poszukiwane i lubiane przez publiczność recenzje musicali oparte są w większości na nieśmiertelnych dziełach literackich uznanych geniuszy. Są wyjątki, ponieważ wnoszą do sztuki nuty inspirującej nieprzewidywalności i oczekiwania z niepewnym nastrojem. Biorąc film za podstawę musicalu (przykład - „ Dźwięki muzyki ”), oryginalna, autentyczna historia życia („ Chicago ”), wiersze dla dzieci („ koty ”) czy opowieści o współczesnych autorach („Kabaret”), reżyserzy podejmują ryzyko, ale tym słodszy jest aplauz rozentuzjazmowanych widzów. Lista najpopularniejszych musicali jest stale aktualizowana, ale są spektakle, które stały się już niepowtarzalnymi legendami.

Historia przemiany skromnej dziewczyny o imieniu Eliza Doolittle, która akurat była w domu profesora, zakochała się w publiczności. Sama gra została również wysoko oceniona przez krytyków. Musical zdobył wiele prestiżowych nagród. W 1964 roku ukazał się film o tej samej nazwie, główną rolę odegrała piękna Audrey Hepburn, ikona stylu swoich czasów.

„Jezus Chrystus supergwiazda”

Charakterystyczną cechą musicalu jest brak numerów tanecznych. Niezapomniany biblijny obraz przedstawiający okoliczności ostatniego tygodnia ziemskiego życia Jezusa z Nazaretu został odtworzony na deskach teatru w Nowym Jorku w 1971 roku. Przedstawienie stało się kultowe nie tylko ze względu na poruszone aspekty religijne, ale także ze względu na udana integracja muzycznych ballad z narracyjnym płóciennym stylem rockowym. Ciekawą okolicznością był fakt, że życie i nauki Chrystusa zostały opisane oczami jego naśladowcy, Judasza, którego udręki i odrzucenia psychiczne doprowadziły najpierw do rozczarowania, a następnie do zdrady, ale nie ustąpiły pokucie.

Mamma Mia

Musical, stworzony z udziałem 22 piosenek szwedzkiego kwartetu ABBA, od początku był skazany na popularność. W 1999 roku zorganizowano premierowe przedstawienie, po 9 latach ukazał się pełnometrażowy film, po kolejnych 10 - kontynuacja. To opowieść o młodej dziewczynie, która szuka miłości, a gdy ją znajduje, stara się dzielić radością z najbliższymi. Los przygotował jednak dla młodej damy próby, które pomogą jej odnaleźć drogę i odróżnić ziarno od plew.

"Skrzypek na dachu"

Musical obala stereotyp, że teatr muzyczny to z pewnością ekstrawagancja, maskarada, rozrywka i szczęśliwe zakończenie. Spektakl muzyczny o prawdziwej, silnej miłości bez romantyzmu i nadmiernego sentymentalizmu może zakończyć się tragicznie, „boleśnie”. Trzeba będzie to po prostu zaakceptować, tak jak w prawdziwym życiu, z którym sztuka idzie w parze.

„Koty”

Koneserzy gatunku zawdzięczają istnienie tego musicalu zamiłowaniu pana Andrew L. Webbera do poezji dziecięcej. Spektakl miał swoją premierę w 1981 roku w Londynie, jego literackim podłożem była książka wierszowana dla dzieci T. Eliota pod tytułem "Księga starego oposa o praktycznych kotach". Wyjątkowość musicalu polega na najbardziej złożonej, wieloetapowej pracy charakteryzatorów i scenografów. Jednocześnie przestrzeń kreatywna, w której toczy się akcja, nie ma wytyczonej granicy z holem. Takie rozwiązanie stwarza wrażenie niesamowitej bliskości i realizmu tego, co dzieje się na scenie, która jawi się jako wysypisko, na którym gromadzą się bezdomne, ale nie tracące godności koty.

"Upiór w operze"

Piekielny mistycyzm i szczere uczucia - musical oparty na powieści G. Leroux zbudowany jest na pokazie tych ulotnych spraw. Tajemniczy duch żyjący w labiryncie katakumb pod Operą Paryską jest przepojony czułymi uczuciami do Christiny, artystki, która błyszczy na scenie. Duch stara się chronić swoją ukochaną i pomóc jej spełnić jej marzenia, ale jego własne aspiracje co do lokalizacji piękna muszą pozostać uwięzione w mrocznych zakamarkach świadomości.

Udane musicale uzyskują dla reżyserów filmowych status manny z nieba, pozwalającej skorzystać z a priori udanej fabuły: wystarczy ją tylko „doszlifować” dostępnym zasobem środków wyrazu i grą utalentowanych aktorów. Dla samych twórców musicali, w arbitralnym „menu”, które generuje inspiracje, dzieła klasyczne są łakomym kąskiem, którym zainteresowanie nie przemija.

Gatunek powstał w USA, ale retrospektywa historyczna jest niemożliwa bez spojrzenia wstecz na wpływy europejskie. W XVIII wieku opera szybko nabierała rozpędu, by na początku XIX wieku ujawnić się jako najważniejsza forma teatralna. Jednak inscenizacje we Włoszech, Francji i Wiedniu gromadziły w salach głównie arystokrację, przedstawicieli uprzywilejowanych warstw społecznych. Opera była uważana za rozrywkę „dla elit”, Ameryka wręcz przeciwnie, starała się zapewnić społeczeństwu taką sztukę, która pod względem treści, prezentacji i projektu była dostępna dla masowego odbiorcy, niezależnie od jego statusu społecznego i sytuacji materialnej .

Co zaskakujące, właśnie w aspekcie duchowym Amerykanie podjęli próbę odejścia od trendu klasowego i stereotypowego. Niestety tylko w kwestii definiowania odbiorców. W odniesieniu do fabuły autorzy mieli pełną dowolność: treść przedstawień często miała na celu ośmieszenie określonego zjawiska lub osoby.

Prekursorem musicalu jest przedstawienie minstreli, które zyskało popularność pod koniec lat 80. ubiegłego wieku. Spektakl komediowy był inscenizacją utrzymaną w duchu satyrycznym, w której postacie zostały oddane w nieco groteskowej stylistyce. Struktura spektaklu zakładała 3 akty, w każdym z których akcja rozwijała się poprzez pieśni i tańce. Pokazy Minstrela ewoluowały z czasem, przekształcając się w wodewil, burleskę i oczywiście musical. Już wtedy artyści biorący udział w takich scenach musieli być uniwersalni pod względem warsztatowym: byli tancerzami, śpiewakami, aktorami.

Musicale są obecnie bardzo popularne. Wchodzą na stałe do repertuaru znanych teatrów, mogą być wystawiane także w peryferyjnych miejscach. Uczniowie i studenci sięgają po ten gatunek, organizując własne imprezy w ramach poszczególnych placówek oświatowych. Występy amatorskie odbywają się w kościołach i na spontanicznie instalowanych scenach ulicznych.

Nagroda Tony to nagroda przyznawana co roku za doskonałość i osiągnięcia w dziedzinie kreatywności w amerykańskim teatrze muzycznym. Co roku wręczenie nagród staje się przełomowym, podsumowującym wydarzeniem kulturalnym, gromadzącym w podniosłej atmosferze ogromną liczbę wybitnych, utalentowanych artystów.

Ciekawe fakty na temat musicalu

• Pierwszym przedstawieniem przypominającym musical była Opera Żebracza. Produkcja ukazała się w 1728 roku w stolicy Wielkiej Brytanii. Akcja w 3 aktach charakteryzowała się komiczną fabułą, która w zamyśle miała być parodią włoskiej opery dramatycznej. W trakcie akcji ośmieszano życie warstw marginalnych: rabusiów, kurtyzan, złodziei. Za pierwszy musical w formie, w jakiej najściślej oddaje koncepcję, można uznać produkcję „Show Boat”. Premiera odbyła się w 1927 roku w USA.
• Dwa musicale, które okazały się „rekordistami” pod względem wpływów ze sprzedaży biletów, są muzycznie dziełem Andrew Lloyda Webbera. Mowa o legendarnych „Kotach”, które przez cały czas produkcji zebrały ponad dwa miliardy dolarów, oraz musicalu „Upiór w operze”, porażającym luksusem scenografii i ekscytującym suspensem. Stres psychiczny potęgują efekty specjalne godne udziału w kinowym thrillerze akcji. Mimo kolosalnych kosztów reprodukcji scenografii i akrobacji, Upiór w operze był wystawiany wielokrotnie, od 1988 roku regularnie gromadząc publiczność na Broadwayu. Całkowity zysk wyniósł około 5 miliardów dolarów.

• Spider-Man został uznany za najbardziej nieudany komercyjnie projekt w gatunku muzycznym. Produkcja, pomimo epickiej fabuły z komiksu, zyskała złą sławę. Prace rozpoczęły się w 2007 roku, ale były stale zawieszane z powodu braku środków budżetowych na realizację wspaniałego pomysłu. Do 2009 roku zadłużenie związane z projektem wyniosło około 25 milionów USD. Twórcy nie upadli jednak na duchu, wierząc, że opłaty zwrócą bieżące koszty. Nadzieje nie były uzasadnione. Premierowy spektakl został pokazany światu w 2011 roku, ale już dwa lata później stało się jasne: musical nie ma przyszłości, publiczność go nie zaakceptowała, nie doceniła, mimo inwestycji nie ustępujących skalą zakres działki.
• Co zaskakujące, amerykańska publiczność nie zaakceptowała musicalu opartego na historii Stephena Kinga. Książki i adaptacje powieści autora wciąż cieszą się ogromną popularnością wśród czytelników i fanów talentu „króla horrorów” na całym świecie. Jednak produkcja „Carrie” z 1988 roku została wystawiona tylko 5 razy. Oparta na muzyce historia niefortunnej i okrutnej dziewczyny ze zdolnościami telekinezy, opowiedziana ze sceny na Broadwayu, nie odniosła żadnego sukcesu wśród publiczności, choć proces przygotowania spektaklu kosztował twórców 7 milionów dolarów.
• Najbardziej znaną krajową produkcją w gatunku muzycznym są Juno i Avos. Wzruszająca historia miłosna, która nie zna granic, została wcielona na scenie przez Marka Zacharow. Premiera odbyła się w 1981 roku.

• Musical należy do tych gatunków, które albo są rozpoznawalne i żarliwie uwielbiane, albo uważane za spektakl niskiej jakości, co podkreśla komercyjny charakter produkcji. francuski chansonnier Karola Aznaura określił musical jako gatunek muzyczny dla tych, którzy nie mają umiejętności mowy scenicznej, a potoczny - dla tych, którzy nie mają umiejętności śpiewania. Amerykański kompozytor Frederick Lowe szczerze przyznał, że nie podoba mu się muzyka, którą tworzy. Jednocześnie ironicznie zauważył, że jego opinia nic nie znaczy w porównaniu z oceną publiczności. Autorstwo Low należy do musicalu opartego na sztuce B. Shawa o handlarce kwiatami „My Fair Lady”, który stał się ozdobą gatunku.
• Zasadnicza różnica między musicalem w teatrze a kinem polega na tym, że format kinowy zapewnia większą swobodę w ucieleśnieniu scenerii tła, w którym rozgrywa się akcja. W filmie można obserwować wspaniałe naturalne krajobrazy lub inne otoczenie, których technicznie nie da się odtworzyć w teatrze. Jednocześnie musical jest szczególnym gatunkiem w kinie, który pozwala aktorom podczas kręcenia filmu patrzeć bezpośrednio w kamerę (co trudno sobie wyobrazić w tradycyjnym kinie). Osiąga się w ten sposób efekt teatralności: poprzez spojrzenie skierowane ze sceny na salę następuje imitacja dialogu między artystą a publicznością.
• Błędem jest sądzić, że jakikolwiek musical obejmuje zarówno tańce, jak i piosenki. Istnieje termin „inscenizacja muzyczna”, który opisuje ukryty efekt pracy reżysera. Na przykład w musicalu może nie być w ogóle tańca, ani jednego, ale praca choreografa będzie kolosalna, co będzie ucieleśnione w każdym ruchu, ulotnym geście artysty.

W jednym niezmiennie popularnym sowieckim filmie jeden z bohaterów wypowiedział zdanie, że w niedalekiej przyszłości telewizja zastąpi kino, teatr i książki. Jakże błędna i absurdalna wydaje się ta opinia w XXI wieku, kiedy muzyczne spektakle teatralne zyskały status spektakularnego widowiska zdolnego poruszyć wyobraźnię nawet najbardziej wymagającego widza!

Wideo: obejrzyj fragmenty popularnych musicali

Uniwersytet Stanowy Yugra

Humanitarnyinstytut

Katedra Pedagogiki i Psychologii

Streszczenie na ten temat

„Musical jako gatunek muzyczny”

według dyscypliny akademickiej

„Historia rozwoju muzyki smyczkowej i jazzowej »

Wykonane:

studentka 4 roku

grupa nr 9175

JEJ. Sokołowa

Sprawdzony:

Adiunkt Katedry

Edukacja muzyczna

NM Prowozina

Chanty-Mansyjsk

1. Co to jest musical?

2. „Amerykańska droga” rozwoju muzycznego.

3. Musical w Rosji.

Bibliografia.

Co to jest musical?

Współczesna sztuka muzyczna pełna jest różnorodnych gatunków i nurtów. Teraz na scenie można spotkać przedstawicieli szkoły klasycznej, różnych subkultur młodzieżowych i wszelkiego rodzaju nurtów muzycznych. Czym jest musical i jakie są cechy tego wyjątkowego gatunku?

Musical (czasami nazywany komedią muzyczną) to muzyczne dzieło sceniczne, w którym przeplatają się dialogi, piosenki, muzyka, ważną rolę odgrywa choreografia.

Musical to szczególny gatunek sceniczny, w którym sztuka dramatyczna, muzyczna, wokalna, choreograficzna i plastyczna łączą się w nierozerwalną całość. Ich połączenie i wzajemne powiązanie nadawało musicalowi niezwykłej dynamiki, cechą charakterystyczną wielu musicali było rozwiązywanie poważnych problemów dramatycznych prostymi środkami artystycznymi. Na obecnym etapie jest to jeden z najbardziej złożonych i osobliwych gatunków, w którym w mniejszym lub większym stopniu odzwierciedlono prawie wszystkie istniejące wcześniej style sztuki scenicznej. Podczas gdy musical był na początkowym etapie powstawania, wielu nie wierzyło w jego sukces.

Trzy główne elementy musicalu to muzyka, teksty i libretto. Libretto musicalu odnosi się do „sztuki” lub historii spektaklu - w rzeczywistości jego linii mówionej (nie wokalnej). Jednak „libretto” może również odnosić się do dialogu i tekstu razem, jak libretto w operze. Muzyka i tekst razem tworzą partyturę muzyczną. Interpretacja musicalu przez zespół kreatywny ma ogromny wpływ na sposób prezentacji musicalu. W skład zespołu kreatywnego wchodzi reżyser, kierownik muzyczny i zazwyczaj choreograf. Produkcja musicali jest również twórczo charakteryzowana przez aspekty techniczne, takie jak scenografia, kostiumy, właściwości sceniczne, oświetlenie itp. Zwykle różni się to w zależności od produkcji (chociaż niektóre godne uwagi aspekty produkcji zwykle trzymają się oryginalnej produkcji, na przykład choreografia Boba Fosse'a w „Chicago”).

Nie ma ustalonej długości musicalu i może trwać od krótkiego jednoaktowego przedstawienia do kilku aktów i kilku godzin (lub nawet kilku wieczorów). Jednak większość musicali trwa od pół godziny do trzech godzin. Dzisiejsze musicale są zwykle prezentowane w dwóch aktach, z jedną przerwą trwającą od dziesięciu do 20 minut. Pierwszy akt jest prawie zawsze nieco dłuższy niż drugi akt i generalnie reprezentuje większość muzyki. Musical może składać się z 4-6 głównych melodii tematycznych, które powtarzają się podczas występu, lub może składać się z serii piosenek niezwiązanych bezpośrednio muzycznie. Dialogi mówione są zwykle przeplatane numerami muzycznymi, chociaż nie wyklucza się użycia „dialogu wokalnego” lub recytatywu.

„Amerykański sposób” rozwoju muzycznego.

Ile lat ma musical? Sztuka opowiadania historii za pomocą piosenek sięga niepamiętnych czasów. Wiemy, że starożytni Grecy włączali muzykę i taniec do swoich przedstawień teatralnych już w V wieku pne. Niektórzy z nich napisali specjalne piosenki do każdego musicalu, inni wykorzystali istniejące. Te sztuki łączyły satyrę polityczną i społeczną oraz wszystko, co mogło bawić masy. Za pomocą piosenek można było komentować działania, rozmawiać o tym, co się działo itp.

Rzymianie skopiowali niemal wszystkie formy i tradycje teatru greckiego, ale dokonali też pewnych zmian. W szczególności zaczęto wyściełać buty metalem, aby lepiej słyszeć ruch tancerzy, co zaczęto podkreślać znaczenie efektów specjalnych.

Prekursorami współczesnego musicalu było wiele lekkich gatunków: operetka, opera komiczna, wodewil, burleska. Niektórzy ogólnie uważają to po prostu za amerykańską odmianę operetki. Nie ma w tym wielkiego błędu. Gatunki sztuki mają tendencję do rozwoju, a operetka nie raz zmieniała swoją narodową i gatunkową specyfikę. Sentymentalno-melodramatyczne operetki I. Kalmana i F. Lehara były tak odmienne od wiedeńskiej operetki końca XIX wieku, a komedie muzyczne autorów radzieckich tak odmienne od zachodnich produkcji, że czasami dawały też powód do mówienia o nich jako o nowy gatunek. Słowa „to nie jest operetka” były dobrze znane wielu twórcom operetki XX wieku. Główna różnica strukturalna między operetką a musicalem polega na roli muzyki w porównaniu ze scenami konwersacyjnymi. Operetka zachowała w dużej mierze cechy utrzymanej formy muzycznej z ansamblami i finałami, z motywami przewodnimi i elementami rozwinięcia symfonicznego. Musical jest bardziej formą teatralną, w której muzyka jest jednym ze środków muzycznego montażu scenicznego, obok choreografii, plastyczności, efektów inscenizacyjnych itp. „Pod względem struktury musical jest bliski różnorodności operetki, którą my otrzymały, podobnie jak iw innych krajach, miano „komedii muzycznej” i które zwolennicy czystości gatunku czasami zasadniczo oddzielali od operetki ciągłość z operetką.

Ogromną rolę w powstaniu musicalu (można powiedzieć, że musical pojawił się dzięki temu gatunkowi) odegrał jazz, który na początku XX wieku. stopniowo stała się nie tylko muzyką, ale i sposobem myślenia, przeniknęła do wszystkich dziedzin kultury artystycznej, w tym do teatru. Stopniowo uznawane za oryginalną muzykę narodową kompozycje jazzowe zyskiwały coraz większą popularność. Na początku lat czterdziestych trudno było znaleźć przedstawienie z gatunku komedii muzycznej, które nie zawierałoby numerów jazzowych. Na ich tle banalność innych scen i szkiców wyglądała coraz bardziej wulgarnie. Skok jakościowy w przedstawieniach muzycznych i teatralnych stał się nieunikniony. To myślenie jazzowe zjednoczyło na nowych zasadach wszystkie niezbyt różniące się od siebie gatunki muzyczne i rozrywkowe, nadając ich lekkiemu i powierzchownemu charakterowi nieoczekiwaną głębię. Zmiana charakteru muzyki nieuchronnie doprowadziła do fundamentalnej zmiany podstawy dramatycznej. Tak więc na przecięciu pozornie nieprzystających do siebie kierunków artystycznych powstał musical.

Historia światowego musicalu liczy dziś około 100 lat. Chociaż niektórzy znawcy uważają operę Georgesa Bizeta Carmen (1874) za pierwszy musical na świecie, niektórzy idą jeszcze dalej i zaczynają liczyć od Czarodziejskiego fletu Mozarta (1791). Za absolutnych prekursorów musicalu można uznać Beggar's Opera Johna Gaya (1787) czy opery komiczne Gilberta i Sullivana (połowa XIX wieku). Za pierwszy prawdziwy amerykański musical uważa się „Show Boat” kompozytora Jerome'a ​​Kerna i librecisty Oscara Hammersteina (1927). W nim po raz pierwszy stopień integracji tekstu i muzyki osiągnął „muzyczną spójność”. Jednak wtedy „Pływający statek” nie był nazywany musicalem, ale komedią muzyczną.

Za oficjalną datę narodzin nowego gatunku przyjmuje się marzec 1943 roku, kiedy sztuka miała swoją premierę na Broadwayu. Oklahoma! R. Rogersa i O. Hammersteina. Choć początkowo autorzy tradycyjnie nazywali swój spektakl „komedią muzyczną”, publiczność i krytycy odebrali go jako innowację burzącą utarte kanony. Spektakl był kompozycyjnie jedną całością: nie było w nim wstawionych numerów wokalno-tanecznych z rozrywką; fabuła, charaktery postaci, muzyka, śpiew - wszystkie składowe istniały nierozłącznie, podkreślając i rozmaitymi środkami rozwijając ogólną linię pracy scenicznej. Za prostą i bezpretensjonalną fabułą stały fundamentalne wartości – miłość, wspólnota społeczna, patriotyzm. Nie bez powodu dziesięć lat później stan Oklahoma ogłosił piosenkę z tego występu swoim oficjalnym hymnem.

Już po premierze, która okazała się niezwykłym sukcesem, autorzy zaproponowali nowe określenie gatunku performansu: musical. Musical Oklahoma! nie opuszczał sceny na Broadwayu przez ponad pięć lat; po - podróżował po całej Ameryce z trasą koncertową. W 1944 otrzymał nagrodę Pulitzera. Po raz pierwszy ukazała się płyta z nagraniem nie pojedynczych numerów muzycznych, ale całego wykonania. Film powstał w 1955 roku Oklahoma!, który otrzymał dwa Oscary – za najlepszą muzykę i najlepszą pracę z dźwiękiem. W 2002 roku został ponownie wystawiony na Broadwayu. Ogłoszono Nowojorską Ligę Dramatyczną Oklahoma! najlepszy musical stulecia.

Tak rozpoczęła się nowa era w dziejach najpierw amerykańskiego, a potem światowego teatru, który wychwalali tacy kompozytorzy jak J. Gershwin, R. Rogers, L. Bernstein, E. Lloyd Webber, J. German i inni.

W Ameryce epicentrum tak jasnego przedstawienia muzycznego i teatralnego jest oczywiście Broadway - kultowa ulica Nowego Jorku, na której koncentruje się ogromna liczba teatrów i sal muzycznych, zawsze przyciągała wyobraźnię zarówno aktorów, jak i widzów. Broadwayowskie musicale stały się prawdziwą marką, gwiazdy Hollywood od czasu do czasu biorą udział w lokalnych produkcjach, a widzowie chętnie czytają recenzje nowych spektakli w gazetach. Na skrzyżowaniu Broadwayu z 42nd Street znajduje się Times Square – tutaj znajdują się słynne teatry na Broadwayu. Dziś w tej dzielnicy działa około 40 dużych teatrów, które są podstawą amerykańskiej kultury teatralnej. Dlatego nazwa ulicy od dawna stała się nazwą domową, w zasadzie synonimem tej sztuki w Stanach Zjednoczonych.