Jakie jest pojęcie sztuki. §3

WPROWADZANIE

Jednym z głównych zadań naszego społeczeństwa stojących przed systemem nowoczesnej edukacji jest kształtowanie kultury osobowości. Aktualność tego zadania wiąże się z rewizją systemu życia oraz wartości artystycznych i estetycznych. Kształtowanie kultury młodego pokolenia jest niemożliwe bez odwoływania się do wartości artystycznych zgromadzonych przez społeczeństwo w toku jego istnienia. Tym samym oczywista staje się potrzeba studiowania podstaw historii sztuki.

Aby w pełni zrozumieć sztukę danej epoki, konieczne jest poruszanie się w terminologii historii sztuki. Poznać i zrozumieć istotę każdej ze sztuk. Tylko w przypadku posiadania systemu kategoryczno-pojęciowego człowiek będzie w stanie w pełni uświadomić sobie wartość estetyczną zabytków sztuki.

KLASYFIKACJA SZTUKI

Sztuka (refleksja twórcza, reprodukcja rzeczywistości w obrazach artystycznych) istnieje i rozwija się jako system powiązanych ze sobą typów, których różnorodność wynika z uniwersalności samej siebie (świata rzeczywistego, ukazanego w procesie twórczości artystycznej).

Formy sztuki to historycznie ugruntowane formy działalności twórczej, które mają zdolność artystycznego realizowania treści życiowych i różnią się sposobami jej materialnego urzeczywistnienia (słowo w literaturze, dźwięk w muzyce, materiały plastyczne i kolorowe w sztukach plastycznych itp.).

We współczesnej literaturze historii sztuki wykształcił się pewien schemat i system klasyfikacji sztuk, choć nadal nie ma jednego i wszystkie są względne. Najczęstszym schematem jest jego podział na trzy grupy.

Pierwsza obejmuje sztuki przestrzenne lub plastyczne. Dla tej grupy sztuk konstrukcja przestrzenna jest niezbędna do ujawnienia obrazu artystycznego - Sztuki Piękne, Sztuki Dekoracyjne i Stosowane, Architektura, Fotografia.

Druga grupa obejmuje sztuki tymczasowe lub dynamiczne. Kluczowe znaczenie nabiera w nich rozwijająca się w czasie kompozycja - Muzyka, Literatura.
Trzecia grupa to typy czasoprzestrzenne, które nazywane są również sztukami syntetycznymi lub widowiskowymi - choreografia, literatura, sztuki teatralne, kinematografia.

Istnienie różnych rodzajów sztuk wynika z faktu, że żadna z nich nie jest w stanie samodzielnie dać artystycznego całościowego obrazu świata. Taki obraz może stworzyć tylko cała kultura artystyczna ludzkości jako całości, składająca się z poszczególnych rodzajów sztuki.

CHARAKTERYSTYKA SZTUKI

ARCHITEKTURA

Architektura (gr. „architecton” – „mistrz, budowniczy”) to monumentalna forma sztuki, której celem jest tworzenie budowli i budowli niezbędnych do życia i działalności ludzkości, odpowiadających na utylitarne i duchowe potrzeby ludzi.

Formy obiektów architektonicznych zależą od warunków geograficznych i klimatycznych, charakteru krajobrazu, intensywności nasłonecznienia, bezpieczeństwa sejsmicznego itp.

Architektura jest ściślej związana niż inne sztuki z rozwojem sił wytwórczych, z rozwojem techniki. Architektura jest w stanie łączyć się z monumentalnym malarstwem, rzeźbą, sztuką dekoracyjną i innymi sztukami. Podstawą kompozycji architektonicznej jest trójwymiarowa struktura, organiczne połączenie elementów budynku lub zespołu budynków. Skala konstrukcji w dużej mierze determinuje charakter obrazu artystycznego, jego monumentalność czy intymność.

Architektura nie odtwarza bezpośrednio rzeczywistości, nie jest obrazowa, lecz ekspresyjna.

SZTUKA

Sztuki piękne to grupa rodzajów twórczości artystycznej, które odtwarzają wizualnie postrzeganą rzeczywistość. Dzieła sztuki mają formę obiektywną, niezmienną w czasie i przestrzeni. Sztuki plastyczne to: malarstwo, grafika, rzeźba.

GRAFIKA

Grafika (przetłumaczona z greckiego - „piszę, rysuję”) to przede wszystkim prace rysunkowe i artystyczne (rytownictwo, litografia). Opiera się na możliwości tworzenia wyrazistej formy plastycznej za pomocą linii, kresek i plam o różnych kolorach nakładanych na powierzchnię arkusza.

Grafika poprzedzała malowanie. Najpierw człowiek nauczył się uchwycić kontury i plastyczne formy przedmiotów, a następnie rozróżniać i odtwarzać ich kolory i odcienie. Opanowanie koloru było procesem historycznym: nie wszystkie kolory zostały opanowane od razu.

Specyfiką grafiki są zależności liniowe. Odwzorowując formy przedmiotów, oddaje ich iluminację, stosunek światła do cienia itp. Malarstwo oddaje rzeczywiste proporcje barw świata, kolorem i poprzez kolor wyraża istotę przedmiotów, ich wartość estetyczną, kalibruje ich cel społeczny, zgodność lub sprzeczność z otoczeniem.

W procesie rozwoju historycznego kolor zaczął przenikać do grafiki rysunkowej i drukowanej, a obecnie rysowanie kolorowymi kredkami - pastelami i grawerowanie kolorem oraz malowanie akwarelami - akwarelą i gwaszem są już zawarte w grafice. W różnej literaturze z zakresu historii sztuki pojawiają się różne punkty widzenia na grafikę. W niektórych źródłach grafika jest rodzajem malarstwa, w innych jest odrębnym podgatunkiem sztuk plastycznych.

OBRAZ

Malarstwo jest płaską sztuką wizualną, której specyfika polega na przedstawianiu za pomocą farb nakładanych na powierzchnię obrazu świata realnego, przekształconego przez twórczą wyobraźnię artysty.

Malarstwo dzieli się na:

Monumentalny - fresk (z włoskiego Fresco) - malowanie na mokrym tynku farbami rozcieńczonymi w wodzie i mozaice (z francuskiego mosaiqe) obraz kolorowych kamieni, smalt (Smalt - kolorowe przezroczyste szkło.), Płytki ceramiczne.

Sztaluga (od słowa „maszyna”) - płótno, które powstaje na sztalugach.

Malarstwo reprezentowane jest przez różnorodne gatunki (gatunek (gatunek francuski, od łac.

Głównym zadaniem portretu jest przekazanie wyobrażenia o zewnętrznym wyglądzie osoby, ujawnienie wewnętrznego świata osoby, podkreślenie jej indywidualności, wizerunku psychologicznego i emocjonalnego.

Krajobraz - odtwarza otaczający świat w całej jego różnorodności form. Obraz pejzażu morskiego określa termin marinizm.

Martwa natura - obraz przedmiotów gospodarstwa domowego, narzędzi, kwiatów, owoców. Pomaga zrozumieć światopogląd i drogę pewnej epoki.

Gatunek historyczny - opowiada o ważnych historycznie momentach z życia społeczeństwa.

Gatunek gospodarstwa domowego - odzwierciedla codzienne życie ludzi, temperament, zwyczaje, tradycje określonej grupy etnicznej.

Malowanie ikon (przetłumaczone z greckiego jako „obraz modlitewny”) jest głównym celem skierowania człowieka na ścieżkę przemiany.

Animalizm to przedstawienie zwierzęcia jako bohatera dzieła sztuki.

W XX wieku. charakter malarstwa zmienia się pod wpływem postępu technologicznego (pojawienie się sprzętu fotograficznego i wideo), co prowadzi do powstania nowych form sztuki – sztuki multimedialnej.

RZEŹBA

Rzeźba to sztuka przestrzenna i wizualna, która eksploruje świat w plastikowych obrazach.

Głównymi materiałami używanymi w rzeźbie są kamień, brąz, marmur, drewno. Na obecnym etapie rozwoju społeczeństwa, postępu technologicznego, zwiększyła się liczba materiałów używanych do tworzenia rzeźb: stal, plastik, beton i inne.

Istnieją dwa główne rodzaje rzeźby: wolumetryczna trójwymiarowa (okrągła) i reliefowa:

Wysoka ulga - wysoka ulga,

Płaskorzeźba - płaskorzeźba,

Kontrreliefa - płaskorzeźba wpuszczana.

Rzeźba z definicji jest monumentalna, dekoracyjna, sztalugowa.

Monumentalne – służą do ozdabiania ulic i placów miasta, wyznaczania ważnych historycznie miejsc, wydarzeń itp. Monumentalna rzeźba obejmuje:

pomniki,

pomniki,

Pamiętnik.

Sztaluga - przeznaczona do inspekcji z bliskiej odległości i przeznaczona do dekoracji wnętrz.

Dekoracyjny - używany do ozdabiania przedmiotów codziennego użytku (drobne plastikowe przedmioty).

SZTUKA DEKORACYJNA I UŻYTKOWA.

Sztuka dekoracyjna i stosowana to rodzaj twórczej działalności w zakresie tworzenia artykułów gospodarstwa domowego zaprojektowanych w celu zaspokojenia potrzeb użytkowych, artystycznych i estetycznych ludzi.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to produkty wykonane z różnych materiałów i przy użyciu różnych technologii. Materiałem na temat DPI może być metal, drewno, glina, kamień, kość. Techniczne i artystyczne metody wytwarzania produktów są bardzo różnorodne: rzeźbienie, haftowanie, malowanie, golenie itp. Główną cechą charakterystyczną przedmiotu DPI jest dekoracyjność, która polega na obrazowości i chęci udekorowania, uczynienia go lepszym, piękniejszym.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma charakter narodowy. Ponieważ wywodzi się ze zwyczajów, zwyczajów, wierzeń określonej grupy etnicznej, jest bliska sposobowi życia.

Ważnym elementem rzemiosła artystycznego i użytkowego jest rzemiosło ludowe – forma organizacji pracy artystycznej oparta na twórczości zbiorowej, rozwijającej lokalną tradycję kulturową i ukierunkowana na sprzedaż rękodzieła.

Kluczową ideą twórczą tradycyjnego rzemiosła jest twierdzenie o jedności świata przyrody i człowieka.

Główne rzemiosła ludowe Rosji to:

Rzeźba w drewnie - Bogorodskaja, Abramcewo-Kudrinskaja;

Malarstwo na drewnie - Khokhloma, Gorodetskaya, Polkhov-Maidanskaya, Mezenskaya;

Zdobienie wyrobów z kory brzozowej - tłoczenie na korze brzozowej, malowanie;

Artystyczna obróbka kamienia - obróbka kamienia twardego i miękkiego;

Rzeźba kości - Chołmogory, Tobolsk. Chotkowskaja

Malarstwo miniaturowe na papierze-mache - miniatura Fedoskino, miniatura Palekh, miniatura Msterskaya, miniatura Kholuy

Artystyczna obróbka metalu - Veliky Ustyug czarne srebro, emalia Rostów, malowanie Zhostovo na metalu;

Ceramika ludowa - ceramika Gzhel, ceramika Skopinsky, zabawka Dymkovo, zabawka Kargopol;

Koronkarstwo - koronka Wołogdy, koronka Michajłowskiego,

Malowanie na tkaninie - szale i szale Pawłowskiego

Haft - Vladimirskaya, Kolorowy przeplot, Złoty haft.

LITERATURA

Literatura jest rodzajem sztuki, w której materialnym nośnikiem obrazu jest słowo.

Zakres literatury obejmuje zjawiska przyrodnicze i społeczne, różne kataklizmy społeczne, życie duchowe jednostki, jej uczucia. W swoich różnych gatunkach literatura obejmuje ten materiał albo poprzez dramatyczne odtworzenie akcji, albo poprzez epicką narrację wydarzeń, albo poprzez liryczne samoujawnienie wewnętrznego świata osoby.

Literatura dzieli się na:

artystyczny

edukacyjny

historyczny

Naukowy

Odniesienie

Główne gatunki literackie to:

- tekst piosenki- jeden z trzech głównych gatunków beletrystyki, odzwierciedla życie poprzez przedstawienie różnorodnych ludzkich doświadczeń, cechą tekstów jest poetycka forma.

- Dramat- jeden z trzech głównych gatunków beletrystyki, utwór fabularny napisany w formie potocznej i bez mowy autora.

- epicki- literatura narracyjna, jeden z trzech głównych gatunków fikcji, obejmuje:

- epicki- główne dzieło gatunku epickiego.

- Nowela- proza ​​narracyjna (znacznie rzadziej - poetycka) gatunek literacki, reprezentujący małą formę narracyjną.

- Opowieść(historia) - gatunek literacki, który wyróżnia się mniej znaczącym tomem, mniejszą liczbą postaci, treścią życia i szerokością

- Fabuła- Dzieło epickie niewielkich rozmiarów, które różni się od opowiadania większą przewagą i dowolnością kompozycji.

- powieść- duże dzieło narracyjne prozą, czasem wierszem.

- ballada- liryczno-epicki poetycki utwór fabularny napisany w zwrotkach.

- wiersz- fabularne dzieło literackie o charakterze liryczno-epickim wierszem.

Specyfika literatury jest zjawiskiem historycznym, wszystkie elementy i części składowe dzieła literackiego i procesu literackiego, wszystkie cechy literatury podlegają ciągłym zmianom. Literatura jest żywym, mobilnym systemem ideologicznym i artystycznym, wrażliwym na zmiany w życiu. Poprzednikiem literatury jest ustna sztuka ludowa.

SZTUKA MUZYCZNA

Muzyka - (z greckiego musike - dosł. - sztuka muz), rodzaj sztuki, w której dźwięki muzyczne zorganizowane w określony sposób służą jako środek ucieleśnienia obrazów artystycznych. Głównymi elementami i środkami wyrazu muzycznego są tryb, rytm, metrum, tempo, głośna dynamika, barwa, melodia, harmonia, polifonia, instrumentacja. Muzyka zapisywana jest w zapisie nutowym i realizowana w procesie wykonawczym.

Przyjmuje się podział muzyki na świecką i duchową. Głównym obszarem muzyki sakralnej jest kult. Rozwój europejskiej teorii muzycznej notacji muzycznej i pedagogiki muzycznej związany jest z europejską muzyką kultową (zwaną potocznie muzyką kościelną). Pod względem wykonawczym muzykę dzieli się na wokalną (śpiew), instrumentalną i wokalno-instrumentalną. Muzyka często łączy się z choreografią, sztuką teatralną i kinem. Rozróżnij muzykę monofoniczną (monodia) i polifoniczną (homofonia, polifonia). Muzyka dzieli się na:

Dla rodzajów i typów - teatralne (operowe itp.), Symfoniczne, kameralne itp .;

Gatunki - pieśń, chorał, taniec, marsz, symfonia, suita, sonata itp.

Utwory muzyczne charakteryzują się pewnymi, względnie stabilnymi strukturami typowymi. Muzyka wykorzystuje, jako środek ucieleśnienia rzeczywistości i ludzkich uczuć, obrazy dźwiękowe.

Muzyka w obrazach dźwiękowych generalnie wyraża istotne procesy życiowe. Przeżycie emocjonalne i idea zabarwiona uczuciem, wyrażona dźwiękami szczególnego rodzaju, opartymi na intonacjach ludzkiej mowy - taka jest natura obrazu muzycznego.

CHOREOGRAFIA

Choreografia (gr. Choreia – taniec + grapho – pismo) jest rodzajem sztuki, której tworzywem są ruchy i postawy ciała ludzkiego, mające znaczenie poetyckie, zorganizowane w czasie i przestrzeni, stanowiące system artystyczny.

Taniec wchodzi w interakcję z muzyką, tworząc razem z nią obraz muzyczny i choreograficzny. W tym związku każdy składnik zależy od drugiego: muzyka dyktuje tańcowi swoje własne prawa i jednocześnie podlega wpływom tańca. W niektórych przypadkach taniec można wykonać bez muzyki – przy akompaniamencie klaskania, stukania obcasami itp.

Początkami tańca były: naśladowanie procesów pracy; obrzędy i ceremonie rytualne, których plastyczna strona miała pewną regulację i semantykę; taniec spontanicznie wyrażający ruchami w ruchach kulminację stanu emocjonalnego danej osoby.

Taniec zawsze, przez cały czas, był związany z życiem i sposobem życia ludzi. Dlatego każdy taniec odpowiada charakterowi, duchowi ludzi, z których się wywodzi.

TEATR

Teatr to forma sztuki, która artystycznie opanowuje świat poprzez dramatyczną akcję prowadzoną przez kreatywny zespół.

Podstawą teatru jest dramaturgia. Syntetyczny charakter sztuki teatralnej decyduje o jej kolektywnym charakterze: spektakl łączy twórcze wysiłki dramatopisarza, reżysera, artysty, kompozytora, choreografa, aktora.

Spektakle teatralne dzielą się na gatunki:

- Dramat;

- Tragedia;

- Komedia;

- Muzyczne itp.

Sztuka teatralna ma swoje korzenie w starożytności. Jej najważniejsze elementy istniały już w prymitywnych obrzędach, w tańcach totemicznych, w kopiowaniu zwyczajów zwierząt itp.

FOTOGRAFIA.

Fotografia (gr. Phos (zdjęcia) światło + grafo piszę) jest sztuką, która odtwarza na płaszczyźnie, poprzez linie i cienie, w sposób najdoskonalszy i bez możliwości pomyłki, przekazywany przez nią kontur i kształt przedmiotu .

Specyfiką fotografii jest organiczne oddziaływanie w niej procesów twórczych i technologicznych. Fotografia artystyczna rozwinęła się na przełomie XIX i XX wieku w wyniku interakcji myśli artystycznej oraz postępu nauki i techniki fotograficznej. Jego powstanie zostało historycznie przygotowane przez rozwój malarstwa, które zorientowane było na lustrzany wierność widzialnego świata i wykorzystywało do tego celu odkrycia optyki geometrycznej (perspektywa) i przyrządów optycznych (camera obscura).

Specyfika sztuki fotograficznej polega na tym, że daje obrazowy obraz o wartości dokumentalnej.

Fotografia daje artystycznie ekspresyjny obraz i z pewnością uchwyci istotny moment rzeczywistości na zamrożonym obrazie.

Fakty z życia w fotografii przenoszone są niemal bez dodatkowej obróbki ze sfery rzeczywistości do sfery sztuki.

KINO

Kino to sztuka odtwarzania na ekranie ruchomych obrazów uchwyconych na taśmie filmowej, stwarzających wrażenie żywej rzeczywistości. Kino to wynalazek XX wieku. O jego wyglądzie decydują osiągnięcia nauki i techniki w dziedzinie optyki, elektrotechniki i fototechniki, chemii itp.

Kino oddaje dynamikę epoki; Pracując z czasem jako środkiem wyrazu, kino jest w stanie oddać zmianę różnych zdarzeń w ich wewnętrznej logice.

Kino jest sztuką syntetyczną, zawiera elementy organiczne, takie jak literatura (scenariusz, piosenki), malarstwo (rysunek, scenografia w filmie fabularnym), sztuka teatralna (aktorstwo), muzyka, która służy jako uzupełnienie obrazu wizualnego.

Kino można warunkowo podzielić na naukowo-dokumentalne i fabularne.

Gatunki filmowe są również określone:

Tragedia,

Fantazja,

Komedia,

Historyczne itp.

WNIOSEK

Kultura odgrywa szczególną rolę w doskonaleniu osobowości, w kształtowaniu jej indywidualnego obrazu świata, ponieważ gromadzi całe emocjonalne, moralne i wartościujące doświadczenie ludzkości.

Problem edukacji artystycznej i estetycznej w kształtowaniu orientacji wartościowych młodego pokolenia stał się przedmiotem zainteresowania socjologów, filozofów, teoretyków kultury i krytyków sztuki. Ten podręcznik edukacyjno-poradniczy jest niewielkim dodatkiem do ogromnej warstwy materiałów edukacyjnych związanych z dziedziną sztuki. Autorka wyraża nadzieję, że będzie dobrą pomocą dla studentów, uczniów i wszystkich, którym sztuka nie jest obojętna.

1. Problem-prawdopodobna dynamika lub możliwość.

Nie należy jednak dać się ponieść tylko jednemu stawaniu się i tylko jednemu działaniu, które odróżnia przedmiot sztuki od przedmiotu nauki. Trzeba cały czas pamiętać, że w dziedzinie sztuki mamy do czynienia nie tylko z działaniem jako organiczną strukturą stawania się, ale że samo stawanie się powstało tu u Arystotelesa w wyniku przeciwstawnego rozumowania kategorycznego (a także logicznej konieczności) właśnie do prawdopodobieństwa problemu. Tylko biorąc tę ​​możliwość w sferę czystego rozumu w aspekcie organicznie tkwiącej w niej możliwości stawania się i integralności, uzyskujemy po raz pierwszy mniej lub bardziej kompletne wyobrażenie o przedmiocie sztuki.

Arystoteles pisze: „... Zadaniem poety nie jest mówienie o tym, co się stało (ta genomena), ale o tym, co może się stać, o tym, co jest możliwe z powodu prawdopodobieństwa lub konieczności” (Poet. 9, 1451 a 36 - b 1). Oznacza to, że Arystoteles zerwał raz na zawsze z przedmiotem sztuki, podobnie jak z rzeczywistą rzeczywistością. Nagie fakty, wzięte same w sobie, nie interesują poety. Interesuje go to, co jest przedstawione w tym, co jest postrzegane nie samo w sobie, ale jako źródło innych możliwych przedmiotów i przedstawień, czyli, jak byśmy powiedzieli, podmiot obrazu artystycznego jest zawsze symboliczny, a raczej ekspresyjnie symboliczny, zawsze wskazuje na coś innego i woła do czegoś innego.

Myśli Arystotelesa w tym względzie są dość kategoryczne:

„Historyk (158) i poeta różnią się nie tym, że jeden mówi wierszem, a drugi prozą. Przecież dzieła Herodota można by przełożyć na wiersz, a jednak byłaby to ta sama historia w metrach, co bez metrów. Różnica polega na tym, że jeden opowiada o tym, co się stało (ta genomena), a drugi o tym, co mogło się stać” (b 1-6).

2. Uogólniony charakter tej możliwości.

Wreszcie, według Arystotelesa, w żaden sposób nie można zredukować przedmiotu artystycznego, który zadeklarował jako tylko jedną z możliwości, w żaden sposób – zarówno pod względem ogólności, jak i pod względem przekonywalności obrazu. Można by pomyśleć, że gdyby artyście kazano przedstawiać nie to, co jest, ale to, co może być, artysta miałby związane ręce w stosunku do przedstawiania czegokolwiek. Nie, w żaden sposób nie może tak być, ponieważ nie zapomnimy, że cała sfera możliwości jest wzięta z tego samego rozumu teoretycznego, który zawsze operuje tylko w kategoriach ogólnych.

"Poezja zawiera bardziej filozoficzny i poważny element niż historia: jest bardziej ogólna, a historia jest szczegółowa. Ogólna polega na przedstawianiu tego, co ktoś ma do powiedzenia lub zrobienia przez przypadek lub konieczność osobie, która ma określone cechy. Do tego dąży Poezja podając imiona postaci i szczegóły, na przykład, co zrobił Alcibiades lub co się z nim stało” (b 6-12).

3. Figuratywny charakter sztuki.

W tym miejscu należy zauważyć, że to, co możliwe, o którym traktuje sztuka, jest zawsze scharakteryzowane przez jakieś nazwy. Teraz powiedzielibyśmy inaczej. Wszakże do tej pory dyskutowano w zasadzie tylko rozum czysty, czyli teoretyczny, operujący za pomocą ogólnych kategorii. Ale dzieło sztuki nie jest po prostu systemem logicznych kategorii. Jest to zawsze obraz pewnych osób z ich imionami i określonymi działaniami, które mają miejsce z tymi osobami. Arystoteles mówił już o akcji, ale jeszcze nie mówił o bohaterach dzieła sztuki. I dopiero teraz mówi, że dzieło sztuki zawsze operuje takim czy innym imieniem, to znaczy takim czy innym bohaterem noszącym to czy inne imię. Jeśli w komedii liczy się przede wszystkim sama fabuła, a imiona mogą być dowolne, a jeśli w iambikografii są nazwiska, ale nie przedstawia się akcji (b 12-15), to zupełnie inaczej sytuacja wygląda w tragedii, gdzie pewna fabuła mit, to znaczy określony zestaw działań, i „imiona”, to znaczy bohaterowie, którzy noszą pewne należące do nich imiona, a ponieważ mitologia należy do przeszłości, kwestia jej rzeczywistej rzeczywistości nie jest już dłużej uniesiony. Skoro coś było, to mogło być; dlatego tragedia w pełni zaspokaja artystyczną zasadę możliwości, nie mówiąc już o wynikającej z tego perswazyjności, a co za tym idzie, swoistym realizmie, który nie tylko nie sprzeciwia się zasadzie możliwości, ale wręcz ją najdobitniej realizuje.

Oto, co czytamy na ten temat u Arystotelesa:

„W tragedii nazwiska bierze się z przeszłości. Powodem tego jest to, że możliwe [czyli w tym przypadku zdarzenie] jest wiarygodne. Nie wierzymy w możliwość tego, co jeszcze się nie wydarzyło; a to, co się wydarzyło stało się, być może, jest oczywiste, ponieważ nie wydarzyłoby się, gdyby nie było możliwe. Jednak w niektórych tragediach występuje tylko jedno lub dwa dobrze znane nazwiska, podczas gdy inne są fikcyjne, jak na przykład w „Kwiecie” Agathona. to dzieło zarówno fikcyjne, jak i wydarzenia i nazwiska, a jednak sprawia przyjemność” (b 15-23).

Ważna jest tu nie tylko szerokość artystycznego horyzontu Arystotelesa, ale także to, że wśród tych sporów o integralność, powszechność i swoisty realizm obrazu mitologicznego nie zapomina on także o przyjemności, jaką daje tragedia ( eyphraifiein, a raczej byłoby to przetłumaczone jako „radość”).

Konkludując, Arystoteles jeszcze raz podkreśla pozafakturalny charakter dzieła sztuki, a mianowicie jego wykonanie, fabrykację, twórczy projekt, wirtuozowską figuratywność, która według Arystotelesa zawsze dokonuje się poprzez jego efektywne stworzenie:

"Niekoniecznie należy czynić naszym zadaniem obstawanie przy mitach zachowanych przez tradycję, w obszarze których obraca się tragedia. I to jest śmieszne, ponieważ nawet to, co dobrze znane, znane jest nielicznym, a tymczasem daje Z tego wynika jasno, że poeta powinien być bardziej twórcą fabuły niż metrów, ponieważ jest twórcą o tyle, o ile odtwarza i odtwarza działania. stwórcą, gdyż nic nie stoi na przeszkodzie, aby pewne realne zdarzenia miały charakter prawdopodobieństwa i możliwości. Dlatego jest ich twórcą” (b 23-33).

4. Ekspresja jako estetyczna ostrość przedmiotu artystycznego.

Dochodzimy wreszcie do arystotelesowskiego rozumienia sztuki jako sfery ekspresji. Rzeczywiście, tutaj staje się jasne samo przez się, że tego rodzaju teoria przedmiotu artystycznego, obliczona nie tylko na treść, ale na wirtuozerię ukształtowania dowolnej treści, która zresztą dostarcza określonej przyjemności, jest tylko wytrawną estetyką ekspresji, gdy liczy się nie to, co obiektywnie ważne, a nie to, co wymyślone w porządku subiektywnej arbitralności, ale wirtuozeria samej ekspresji i specyficzna przyjemność z nią związana.

a) W ostatnim z poprzednich cytatów byliśmy przekonani, że Arystoteles, choć bardzo lubił dobrze znane i zrozumiałe wątki mitologiczne, uważa jednak, że kunszt dzieła wcale nie zależy od tych dobrze znanych i zrozumiałych wątków. Fabuły mogą być zupełnie nieznane opinii publicznej i całkowicie niezrozumiałe w swojej nowości, a jednak publiczność może czerpać z nich przyjemność estetyczną. I dlaczego? Ponieważ dla Arystotelesa w dziele sztuki ważne jest nie „co”, ale „jak”, a raczej całkowite połączenie obu w jedno ekspresyjne, a przez to przekonujące obrazowanie formalno-strukturalne. Poniżej zobaczymy, jak Arystoteles definiuje samo pochodzenie sztuki przez naturalną skłonność człowieka do „naśladowania”, czyli do twórczego odtwarzania wszystkiego wokół siebie i czerpania przyjemności z tego rodzaju naśladowania.

b) Teraz podamy bardzo interesujące rozumowanie Arystotelesa w „Polityce”:

„Dzieci powinny być nauczane przedmiotów ogólnoużytecznych nie tylko w interesie płynących z tego korzyści – jak np. Tak jest w przypadku rysunku: i nie uczy się go, aby nie popełnić błędu we własnym działaniu lub nie dać się oszukać przy zakupie lub sprzedaży sprzętu gospodarstwa domowego, ale rysunku się uczy, ponieważ rozwija oko w określaniu piękna fizycznego ludzie o wysokich walorach duchowych i wolno urodzeni” (VIII 3, 1388 a 37 - 1388 b 4).

Innymi słowy, według Arystotelesa przedmiot artystyczny jest równie żywotnie neutralny, jak i żywotnie użyteczny. Sztuka to zupełnie specyficzna sfera, w której nie mówi się ani „tak”, ani „nie”, a jednak zawsze jest to sfera możliwych stwierdzeń i zaprzeczeń. Jest to sfera ekspresyjnych stawań-działań. Muzyka wyróżnia się tym szczególnie (Polit. VIII 4-5), jak zobaczymy poniżej, rozważając istotę muzyki i wychowania muzycznego.

c) To, że piękno jest na ogół wyższe niż tylko fizyczne, jest oczywiste z rozumowania Arystotelesa (Etyka. Nic. III 12), że przyjemnie jest otrzymać wieniec i zaszczyty dla walczącego na pięści, ale bolesne jest otrzymywanie ciosów w walce, a odważne czyny dokonywane są w imię pięknego celu iw celu uniknięcia wstydu, choć rany i śmierć nie są bynajmniej czymś pięknym ani przyjemnym. Arystoteles chce tutaj powiedzieć, że piękno jest skuteczne, ale nie w sensie czysto fizycznym.

„W dziełach sztuki doskonałość (do ey) tkwi sama w sobie i wystarczy, aby dzieła te powstały zgodnie z regułami, które tkwią w samej sztuce” (II 3, 1105 a 27-28).

„Dlatego nie można krytykować sztuki za przedstawianie błędnych, niemożliwych lub nieprawdopodobnych przedmiotów. Oczywiście byłoby lepiej, gdyby wszystko przedstawione w sztuce było zarówno obiektywnie poprawne, jak i obiektywnie możliwe, i obiektywnie prawdopodobne, ale jeśli np. koń z wysuniętymi dwiema prawymi nogami, to ten, kto krytykuje malarza, nie za to krytykuje sztukę malarską, a jedynie jej niezgodność z rzeczywistością.Podmiot obrazu artystycznego może być nawet obiektywnie zupełnie niemożliwy.Jednak dla poezji niemożliwe jest lepsze, ale prawdopodobne niż możliwe, ale niewiarygodne” (Poet. 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Arystoteles przyjmuje wirtuozerską strukturę dzieła sztuki nawet wtedy, gdy w tragedii docenia sam związek wydarzeń, czyli to, co nazywa „mitem”, a nie same wydarzenia. I tak np. tragedia według Arystotelesa jest możliwa nawet bez przedstawienia postaci, ale w żaden sposób nie jest możliwa bez skończonego i jasno wyrażonego związku wydarzeń. Dotyczy to również wszystkich innych dziedzin sztuki.

„Bez działania niemożliwa jest tragedia, ale możliwa jest bez charakteru” (6, 1450 a 24-25). „To samo można zauważyć wśród artystów, na przykład, jeśli porównamy Zeuxisa z Polygnotusem: Polygnotus jest dobrym malarzem charakterystycznym, a pismo Zeuksisa nie ma nic charakterystycznego” (a 27-29). „Jeżeli ktoś harmonijnie połączy charakterystyczne powiedzonka z pięknymi słowami i myślami, to nie spełni zadania tragedii, ale tragedia dokona tego znacznie więcej, choć używając tego wszystkiego w mniejszym stopniu, ale mając fabułę i odpowiedni układ zdarzeń” (a 29-33).

W związku z tym artystyczny sens tragedii tkwi jedynie w złożeniu zdarzeń, czyli w samej jego strukturze, a nie w zdarzeniach jako takich. To samo dzieje się w malarstwie.

„Jeżeli ktoś rozmazuje najlepsze farby w bałaganie, nie potrafi nawet dostarczyć takiej przyjemności jak szkicownik kredą” (a 33-36).

5. Filozoficzne uzasadnienie strukturalnej samowystarczalności sztuki.

Niestety, w chwili obecnej nie możemy z braku miejsca podać w pełni filozoficznego uzasadnienia strukturalnej natury artyzmu, jaką faktycznie posiada Arystoteles. Pierwszy traktat, który następuje po kategoriach w Organonie, nosi tytuł O interpretacji. Faktem jest, że oprócz bycia branym w sobie, dla osoby zawsze istnieje taka czy inna interpretacja, taka czy inna jej interpretacja. Ta interpretacja istnieje oczywiście w odniesieniu do całego kosmosu jako całości. Ale taka interpretacja kosmosu, jak dobrze wiemy, jest kosmicznym Umysłem dla Arystotelesa. We wspomnianym traktacie Arystoteles broni praw ludzkiej interpretacji bytu w obliczu samego bytu. Interpretacja ma specyficzną naturę: nie wszystko, co jest prawdziwe w samym bycie, jest prawdziwe w myśleniu; a sama sprzeczność, której Arystoteles zabrania samemu bytowi, jest całkiem możliwa w myśleniu. Tak więc „być” i „nie być” jest niedopuszczalną sprzecznością. Jednak w myśleniu oprócz modalności realnej i kategorycznej istnieją jeszcze inne modalności, w stosunku do których nie ma sensu mówić o prawdzie lub fałszu. To jest cała sfera możliwego istnienia. Nie można o nim powiedzieć, że jest prawdziwy, ponieważ jeszcze nie istnieje, ani że jest fałszywy, ponieważ nie został jeszcze kategorycznie stwierdzony na etapie możliwości. Szczególnie uderzające w tym traktacie jest to, że Arystoteles odsyła nas właśnie do poetyki i retoryki, by rozważać ten rodzaj bytu, w stosunku do którego nic nie jest stwierdzone ani zaprzeczone.

Arystoteles pisze:

„Nie każda mowa zawiera [sąd], ale tylko ta, która zawiera prawdę lub fałsz czegoś, więc na przykład„ życzenie ”(eyche) jest mową, ale nie jest prawdą ani fałszem. Reszta rodzajów mowy jest tutaj zwolnione, ponieważ badanie ich jest bardziej odpowiednie dla retoryki lub poetyki; tylko sąd (logos apophanticos) należy do niniejszych rozważań” (De interpret. 4, 17 a 2-7).

Tak więc niemożności stosowania pozytywnych lub negatywnych sądów wobec sztuki udowadnia Arystoteles w jednym z najważniejszych traktatów swojej filozofii teoretycznej. Bycie artystycznym zarazem jest i nie jest. Jest to tylko możliwość, tylko problematyka, tylko z góry określona i naładowana, ale bynajmniej nie system sądów o bycie, pozytywnych lub negatywnych. Jest tylko samą ekspresją i niczym więcej.

Wszystkie powyższe sądy Arystotelesa io Arystotelesie mogą w oczach innych sprowadzić całe nauczanie Arystotelesa o sztuce do pustego i bezsensownego formalizmu. Oznaczałoby to w ogóle niezrozumienie estetyki Arystotelesa. Faktem jest, że cała ta artystyczna „możliwość”, „neutralność” i w ogóle specyficzna modalność reprezentują (o czym mówiliśmy wiele razy) nie formę, w przeciwieństwie do treści, tak jak, co prawda, nie treść bez formy, ale to, w jakiej formie i treści są utożsamiane, w czym nie różnią się od siebie i w czym ich byt i niebyt łączą się aż do całkowitej nierozróżnialności. Jak więc można mówić, że Arystoteles interesuje się sztuką tylko w jej formach i tylko w jej strukturach?

Cały 17. rozdział „Poetyki” poświęcony jest właśnie zagadnieniom konkretnego projektowania sztuki.

"Tragedia", mówi Arystoteles, "powinna być napisana w taki sposób, aby była jak najjaśniejsza, najbardziej przekonująca i aby jej sceny składowe były jak najbardziej zrozumiałe. Najbardziej fascynujący są ci poeci, którzy doświadczają uczuć tego samego rodzaju. gniew jest jednym kto jest naprawdę zły. W rezultacie poezja jest losem albo osoby bogato uzdolnionej, albo osoby skłonnej do szaleństwa. Pierwsi mogą reinkarnować, drudzy - wpaść w ekstazę "(17, 1455 a 30-34) .

Gdzie jest formalizm u Arystotelesa, kiedy przedstawia on samą istotę dzieła sztuki?

O takich „formalnych” kategoriach estetyki Arystotelesa, jak „początek”, „środek” i „koniec”, powiedziano powyżej. Próbowaliśmy już tam udowodnić, że tutaj Arystoteles nie miał formalizmu, a jedynie plastyczny, rzeźbiarski sposób postrzegania świata. Przyjrzyjmy się teraz, co Arystoteles ma do powiedzenia na temat pojęcia okresu i estetycznej przyjemności, którą otrzymujemy właśnie dzięki jego porządkowi strukturalnemu:

„Kropką nazywam frazę, która sama w sobie ma początek, środek i koniec, i której wymiary są łatwe do zauważenia. Ten styl jest przyjemny i zrozumiały; jest przyjemny, ponieważ jest przeciwieństwem niedokończonej mowy i słuchaczowi zawsze się wydaje, że coś chwyta i że coś się dla niego skończyło, ale nic nie przewidzieć i nie dojść do niczego jest nieprzyjemne.Taka mowa jest zrozumiała, bo łatwa do zapamiętania, a wynika to z faktu, że mowa okresowa ma numer, a numer jest najłatwiejszy do zapamiętania. Dlatego każdy pamięta wersety lepiej niż proza, ponieważ wersety mają liczbę, według której są mierzone "(Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Zapytajmy tu ponownie, gdzie jest formalizm estetyczny Arystotelesa w ocenie dzieł sztuki?

Arystoteles jako moralista sprzeciwia się wszelkim skrajnościom i wszędzie głosi środek, umiar. Ale w stosunku do przedmiotów sztuki nie zna środka ani umiaru.

„W niższych, cielesnych przyjemnościach należy zachować umiar, ale nie w przyjemnościach koloru obrazów, słuchania utworów muzycznych i subtelnych eleganckich zapachów”. "Nie nazywamy ani umiarkowanymi, ani nieumiarkowanymi tych, którzy cieszą się widokiem, na przykład kwiatami, kształtami lub obrazami, chociaż może się zdarzyć, że dla takich ludzi istnieje normalna przyjemność, zarówno nadmierna, jak i niewystarczająca. To samo należy powiedzieć o przyjemnościach płynących z ucha: nikt nie nazwie nieumiarkowanych ludzi, którzy lubią za dużo melodii i przedstawień teatralnych, i nikt nie nazwie umiarkowanymi tych, którzy lubią to z umiarem. Ani miłośników zapachów, którzy lubią zapach owoców, róż lub kadzideł ziołowych ”(Etyka Nic III) 13, 1118 a 1-9).

Takiego stosunku do sztuki nie można nazwać formalistycznym, kiedy głosi się możliwość „zanurzenia bez jakiejkolwiek miary w kolorach i formach, w malarstwie, muzyce, a nawet w kadzidle. inny traktat, a ponadto jeszcze bardziej szczegółowy (Etyka. Eud. III 2, 1230 b 31).

7. Niebezpieczeństwo unowocześnienia doktryny sztuki Arystotelesa.

Przeglądając wszystkie dotychczasowe materiały Arystotelesa na temat sztuki i próbując je przeanalizować z punktu widzenia specyfiki artystycznej, rzeczywiście natrafiamy na szereg niespodzianek, których zwykle nie ma w prezentacji estetyki Arystotelesa. Nawet sama różnica między dynamicznym bytem a czystym bytem może być dla wielu zdumiewająca. Okazuje się przecież ni mniej, ni więcej, jak to, że byt artystyczny nie jest ani pozytywny, ani negatywny, że nie mówi ani „tak”, ani „nie”, że jest egzystencjalnie neutralny i ostatecznie ma swoje korzenie w subiektywny obszar twórczego artysty. Bardzo łatwo jest zbłądzić i zrównać estetykę Arystotelesa z tymi nowoczesnymi nihilistycznymi idealistycznymi formami myślenia, które znalazły żywy wyraz w epistemologii Macha i Avenariusa. Najwyraźniej autor, który tak wiele zrobił dla naświetlenia estetyki Arystotelesa i rozpatrzenia jej na płaszczyźnie współczesnych teorii europejskich i amerykańskich, W. Tatarkiewicz (159), skłania się ku temu błędnemu stanowisku. Zauważył u Arystotelesa wiele rzeczy, które wykraczają daleko poza tradycyjne rozumienie i wykładnię Arystotelesa; przytacza wiele takich tekstów Arystotelesa, które również odgrywają ważną rolę w naszym kraju (ale tylko my mamy tych tekstów wielokrotnie więcej). Główna teza W. Tatarkiewicza sprowadza się właśnie do tego, że Arystoteles nauczał rzekomo o neutralno-egzystencjalnej sferze sztuki, w której według tego autora ostro różni się od wszelkiej filozofii starożytnej (poza Cyceronem) i w której jest z pewnością bliskie naszej teraźniejszości. Daliśmy też wyżej rozwiniętą naukę o dynamiczno-energetycznej naturze umysłu w filozofii Arystotelesa, a także przytoczyliśmy teksty o prymacie podmiotowości nad bytem przedmiotowym w Arystotelesowskiej teorii sztuki. Jednak cała ta strona estetyki Arystotelesa nie powinna w najmniejszym stopniu przesłaniać nam i wszystkiego, co w niej znajdziemy.

Jeśli Arystoteles rzeczywiście głosił tego rodzaju teorię, to W. Tatarkiewicz miałby absolutną rację, że Arystoteles nie jest bynajmniej teoretykiem sztuki starożytnej, ale współczesnym. Jednak bliższe studium Arystotelesa pokazuje, że ten „machistowski” element musi być w stanie dokładnie i bezwarunkowo łączyć się z ogólnym antycznym ontologiem Arystotelesa, a jego specyfikę dzieła sztuki należy łączyć z ogólnym antycznym nauczaniem o sztuce, naturze i bycie. Umysł nauczany przez Arystotelesa nie tylko nie zaprzecza tej dynamiczno-energetycznej koncepcji, ale, jak wielokrotnie udowodniliśmy, tutaj Arystoteles miał bezwarunkową jedność i żaden z jego ontologizmów wcale na tym nie ucierpiał. Aby właściwie scharakteryzować stan rzeczy, nie będziemy teraz wdawać się w rozumowanie teoretyczne, do którego mieliśmy już wiele stron, ale dotkniemy tylko dwóch węższych zagadnień, w których najłatwiej zaobserwować można ogólną starożytną tendencję Arystotelesa do biernego rozumienia podmiotu ludzkiego, mimo że zdaniem Arystotelesa to w podmiocie ludzkim zakorzenione jest to, co trzeba nazwać sztuką.

a) Gdybyśmy zadali sobie pytanie, jak taki pierwszorzędny filozof starożytności, a przy tym wyjątkowy encyklopedysta, wyczuwa cały wewnętrzny żywioł sztuki, to bylibyśmy zdumieni letargiem i biernością odpowiadających im postaw. U Arystotelesa, podobnie jak gdzie indziej w starożytności, pojawia się termin enthoysiasmos, „entuzjazm”, który jednak nie jest entuzjazmem w naszym znaczeniu, ale raczej rodzajem namiętnego podniecenia, afektywnej inspiracji. Arystoteles definiuje to w ten sposób: „Entuzjazm jest afektem ładu etycznego w naszej psychice” (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12), a ethos, „ethos” należy tu rozumieć nie w sensie etyki, lecz w taki sam sposób, w jaki Francuzi i Anglicy w czasach nowożytnych i nowożytnych rozumieją termin „moralny”, czyli w szerokim sensie psychologicznym. Entuzjazm ten, o którym filozof dużo mówi w odniesieniu do muzyki, jest przez niego faktycznie traktowany bardzo umiarkowanie i trzeźwo. Entuzjazm, ekstaza, oczywiście, są przydatne. O jednym z pomniejszych poetów, Marakusie z Syrakuz, Arystoteles mówi (Probl. XXX 1, 954 a 38-39), że „byłby lepszym poetą, gdyby był w ekstazie”. Ale Arystoteles odrzuca wszelkie skrajne formy entuzjazmu, uważając je za chorobę. Takie ekstazy, jak ekstaza Herkulesa, który zabił swoje dzieci, lub ekstaza Ajaksa, który zabił owce zamiast Atrydów, mają dla Arystotelesa wszelkie oznaki choroby. W tym samym traktacie (a 36-38) podane jest czysto fizjologiczne wyjaśnienie stanów ekstatycznych. Na przykład Sybille i Bakidy działają na podstawie chorobliwych predyspozycji natury. Czarna żółć, niedożywienie i tym podobne są przyczyną tego „entuzjazmu”. Arystoteles odnosi się do takich „melancholijnych” wielu filozofów, w tym Empedoklesa, Sokratesa i Platona (953a 27-32). Zamiast tych nienaturalnych stanów Arystoteles daje pisarzom bardzo rozsądne rady, takie jak znajdujemy na przykład w 17 rozdziale Poetyki:

„Podczas kompilacji mitów i przetwarzania ich języka należy jak najdokładniej przedstawić wydarzenia przed oczami. Pod tym warunkiem poeta, widząc je dość wyraźnie i jakby obecny podczas ich rozwoju, może znaleźć właściwy i najlepszy zauważcie sprzeczności” (1455 a 22-26).

To bardzo spokojna i rozsądna rada, która stawia pytania o inspirację na bardzo realistycznych i psychologicznych podstawach.

b) Kwestia fantazji jest równie realistyczna. Cechy bierności w tym sensie odnajdujemy także u Platona. Jest to tym bardziej charakterystyczne dla Arystotelesa, który stara się tu przeprowadzić trzeźwą analizę psychologiczną. Pod wpływem ekstazy ludzie często biorą za rzeczywistość obrazy przedstawiające ich własne przedstawienie: „Mówią, że obrazy przedstawiające (phantasmata) były rzeczywiste i że je pamiętają” (De memor. 1, 450 b 10-11). Ogólnie rzecz biorąc, fantazja jest znacznie słabsza niż prawdziwe doznania zmysłowe. w Recie. I 11, 1370 a 28-29 Arystoteles wyraźnie stwierdza: „Przedstawienie (fantazja) jest rodzajem słabego wrażenia”. Ta bierność nie powinna jednak przesłaniać innego, bardzo ważnego aspektu.

c) Faktem jest, że Arystoteles, sprzeciwiając się Platonowi w kwestii idei, jak już dobrze wiemy, w rzeczywistości wcale nie zaprzecza istnieniu idei, lecz umieszcza je immanentnie w rzeczach, w rzeczywistości. Z drugiej strony, tego immanentyzmu nie da się zrozumieć z grubsza. Prowadzi to tylko do tego, że idea wzięta razem z rzeczą nabiera bardziej złożonego schematu semantycznego, staje się formą ekspresywną, nie przestając być czystym znaczeniem. Oto klucz do arystotelesowskiego „coś” lub „formy”, „eidos”. Ten sam symbolizm obserwujemy u Arystotelesa iw jego psychologii. Dusza jest przez niego pojmowana jako czysta forma ciała, ale nie istnieje ona „bez ciała” (De an. II 2, 414 a 5-22), będąc więc semantyczną ekspresją ciała (415 b 7-27). Percepcja zmysłowa ma czyste eidos, ale nie jest pozbawiona materii (417 b 28 - 418 a 6). Wreszcie ta sama nauka odnosi się do myślenia. Według Arystotelesa myślenie znajduje się w tych samych warunkach, co percepcja zmysłowa, czyli jest stanem biernym pod wpływem tego, co da się pomyśleć (III 4, 429 a 13-15). Ale wyobrażalne samo w sobie jest dokładnie takie, że nie wywołuje uczucia, a zatem sam umysł, właściwie mówiąc, jest poza cierpieniem. Zawiera eidos i moc wszystkiego, co można sobie wyobrazić. Jako ten, który myśli o wszystkim, nie zawiera żadnych domieszek. Jest to tylko moc kompletnej myśli. I w ogóle nie uczestniczy w ciele, bo inaczej byłby ciepły lub zimny i miałby jakiś narząd. To miejsce eidos, a ponadto przede wszystkim potencjalnych. Rozwinięte myślenie tworzy już entelechię myśli; tutaj - entelechial eidos (429 a 15 - b 10). Ale umysł jest nie tylko czysty i aktywny. Cierpi także dlatego, że nie zawsze myśli. Ponieważ umysł jest sam w sobie, myśli sam, będąc niezależnym od wszystkiego, co zmysłowe, jest myślą o myśleniu, a zatem znajduje swój wyraz w samoświadomości (w tym przypadku myślenie i myśl są tożsame, 430 a 3- 5). O ile myśli inaczej, będąc niejako pod wpływem tego innego, znajduje swój wyraz w myśleniu figuratywnym lub, lepiej, w intuicyjnym urzeczywistnieniu przez specjalnego umysłowego przedstawiciela myślenia.

Tutaj Arystoteles powtarza tę samą mimowolną antynomię, którą możemy stwierdzić w innych problemach: dusza nie jest ciałem, ale nie jest bez ciała; wrażenie nie jest ruchem, ale nie jest pozbawione ruchu. W odniesieniu do umysłu Arystoteles mówi wprost: „Dusza nigdy nie myśli bez obrazu” (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17), a obrazy wprowadzają w myśli tę samą „zmianę”, czyli według nasza interpretacja, „ekspresja”, co dany nośnik światła ogólnie przyczynia się do koloru.

„Zasada myślenia myśli eidos w obrazach” (413 b 2).

„Ponieważ, co prawda, nie ma ani jednej rzeczy, która istniałaby w oderwaniu od (jej) ilości postrzeganych zmysłowo, to, co wyobrażalne, jest dane w zmysłowych eidos, podczas gdy zarówno tak zwane przedmioty abstrakcyjne, jak i te, które są związane ze stanami, a zatem ten, kto niczego nie postrzega zmysłowo, nie może niczego ani rozpoznać, ani zrozumieć, a kiedy kontempluje umysłem, musi jednocześnie kontemplować pewien obraz wyobraźni (fantasma), ponieważ ten obraz istnieje jak obrazy percepcji (hosper aithёmata ), z wyjątkiem [tego ostatniego]. Tak jak wyobraźnia różni się od twierdzenia i przeczenia, tak prawda lub fałsz jest taką lub inną kombinacją myśli. Ale czym różnią się myśli pierwotne od obrazów zmysłowych? Oczywiście nie są one [po prostu] inne obrazy, ale oni – nie bez obrazów” (III 8, 432 a 3-14).

Umysł jest „czysty” (III 5, 430 a 18 itd.), „eidos eidos” (III 8, 432 a 1), nie jest czymś poruszającym się (III 9, 432 b 26-27) i nie jest nawet dusza w ogóle (II 2, 414 a 4-14), az drugiej strony energetycznie jest to niemożliwe bez zmysłowości. Oto zupełne powtórzenie problemów, które stawiamy w sposób ogólny w Metafizyce: eidos nie są faktami, ale realne znaczenie mają tylko w rzeczach, w których uzyskują swój ostateczny wyraz. I tak jak tam energia jest symbolicznie dana w rzeczach semantycznej wyrazistości, tak tutaj myślenie jest symbolicznie dane w obrazach zmysłowych, wszystkie te same semantyczne wyrazy.

d) Łatwo zauważyć, jak subtelna bierność tkwi w całej tej symbolicznej, opisowej estetyce Arystotelesa. Fantazja jest dla niego bardzo wyważonym, spokojnym połączeniem czystej myśli i zmysłowej wyobraźni, która zamienia czystą myśl w malarską figuratywność i ekspresję oraz sprawia, że ​​zmysłowa wyobraźnia ze ślepej i głuchej staje się przezroczyście symboliczna i artystyczna. Związek ten jest oczywiście elementarny: postuluje go każda estetyka już na pierwszej stronie swojego studium psychologii sztuki. Sokrates wymagał tego samego, jak wiemy, od artystów; Platon celowo użył „wrażliwości”, konstruując swój „prawdopodobny mit” w Timajosie; Plotyn będzie również pamiętał swój czysty Umysł poprzez znaki cielesne i tak dalej. itp. Ale cała starożytna estetyka rozumie ten fundamentalny związek w sposób wewnętrznie bierny, kontemplacyjny, „klasyczny”; Arystoteles, w przeciwieństwie do dialektycznych konstrukcji platonizmu w zakresie samoświadomości (dojrzała forma jest w Plot. V 3) oraz w przeciwieństwie do naturalizmu stoicko-epikurejskiego („wypływy”, „atomy duszy” itp.). ), daje ekspresyjny i semantyczny opis fantazji, daje ekspresyjną fenomenologię tej ogólnej antycznej pasywno-plastycznej świadomości artysty.

Oparta na twórczym odwzorowaniu otaczającego świata w artystycznych obrazach. Ponadto w szerokim znaczeniu sztuka może oznaczać najwyższy poziom umiejętności w dowolnej dziedzinie działalności, nawet niezwiązanej bezpośrednio z twórczością (na przykład w kuchni, budownictwie, sztukach walki, sporcie itp.).

obiekt(lub Przedmiot) sztuka to świat w ogóle, a człowiek w szczególności, a forma istnienia jest dziełem sztuki będącym wynikiem działalności twórczej. Dzieło sztuki- najwyższa forma wyniku twórczości.

Cele art:

• rozdzielanie błogosławieństw duchowych;
• autoekspresja autora.

Funkcje sztuki.

1. Kognitywny. Sztuka pełni funkcję źródła informacji o świecie lub osobie.
2. Edukacyjny. Sztuka wpływa na moralny i ideologiczny rozwój jednostki.
3. estetyka. Odzwierciedla duchową potrzebę człowieka dla harmonii i piękna. Tworzy pojęcie piękna.
4. hedonistyczny. Zbliża się do funkcji estetycznej, ale nie tworzy pojęcia estetyki, ale daje możliwość estetycznej przyjemności.
5. proroczy. Funkcja próby przewidywania przyszłości.
6. Wyrównawczy. Służy do przywrócenia równowagi psychicznej; często używany przez psychologów i psychoterapeutów (fani programu Dom-2 rekompensują brak własnego życia i emocji oglądaniem go; choć nie zakwalifikowałbym tego programu jako sztuki).
7. Społeczny. Może po prostu zapewniać komunikację między ludźmi (komunikatywność) lub może nawoływać do czegoś (propaganda).
8. Rozrywkowy(na przykład kultura popularna).

Rodzaje sztuki.

Rodzaje sztuki są różne – wszystko zależy od tego, według jakiego kryterium są klasyfikowane. Ogólnie przyjęta klasyfikacja uwzględnia trzy rodzaje sztuki.

1. sztuka:
   • statyczne (rzeźba, malarstwo, fotografia, zdobnictwo itp.);
   • dynamiczny (na przykład film niemy, pantomima).

1. sztuka ekspresyjna(lub nieobrazowe):
   • statyczny (architektura i literatura);
   • dynamiczny (muzyka, sztuka tańca, choreografia).
2. Sztuka spektaklu(teatr, kino, opera, cyrk).

Stopień zastosowania w życiu codziennym sztuka może być

• stosowane (dekoracyjne i stosowane);
• pełen wdzięku (muzyka).

Według czasu stworzenia:

• tradycyjna (rzeźba, literatura);
• nowe (kino, telewizja, fotografia).

Pod względem czasoprzestrzeni:

• przestrzenny (architektura);
• tymczasowe (muzyka);
• czasoprzestrzenny (kino, teatr).

Według liczby użytych komponentów:

• prosty (muzyka, rzeźba);
• złożone (jest też syntetyczne: kino, teatr).

Istnieje wiele klasyfikacji, a definicja i rola sztuki wciąż jest okazją do nieustannych sporów i dyskusji. Najważniejsze jest inne. Sztuka może niszczyć ludzką psychikę lub leczyć, korumpować lub edukować, uciskać lub dawać impuls do rozwoju. Zadaniem społeczeństwa ludzkiego jest rozwijanie i wspieranie właśnie „lekkich” rodzajów sztuki.

Pojęcie sztuki

Słowo " sztuka" zarówno w języku rosyjskim, jak iw wielu innych językach jest używany w dwóch znaczeniach:

• w wąska poczucie, że jest to specyficzna forma praktyczno-duchowego rozwoju świata;
• w szeroki- najwyższy poziom umiejętności, umiejętności, niezależnie od sposobu, w jaki się przejawiają (sztuka kuchmistrza, lekarza, piekarza itp.).

- specjalny podsystem duchowej sfery społeczeństwa, który jest twórczą reprodukcją rzeczywistości w obrazach artystycznych.

Początkowo sztukę nazywano wysokim stopniem umiejętności w każdym biznesie. To znaczenie tego słowa jest nadal obecne w języku, gdy mówimy o sztuce lekarza lub nauczyciela, sztuce walki czy krasomówstwie. Później zaczęto coraz częściej używać pojęcia „sztuka” na określenie szczególnej działalności mającej na celu odzwierciedlenie i przekształcenie świata zgodnie z normy estetyczne, tj. zgodnie z prawami piękna. Jednocześnie zachowano pierwotne znaczenie tego słowa, ponieważ stworzenie czegoś pięknego wymaga najwyższych umiejętności.

Temat Sztuka to świat i człowiek w całokształcie ich wzajemnych relacji.

Forma istnienia sztuka - dzieło sztuki (wiersz, obraz, sztuka teatralna, film itp.).

Sztuka używa również specjalnych oznacza dla reprodukcja rzeczywistości: dla literatury jest to słowo, dla muzyki to dźwięk, dla sztuk pięknych to kolor, dla rzeźby to objętość.

Cel sztuka jest dwoista: dla twórcy jest artystyczną autoekspresją, dla widza jest rozkoszowaniem się pięknem. Ogólnie rzecz biorąc, piękno jest tak ściśle związane ze sztuką, jak prawda z nauką, a dobro z moralnością.

Sztuka jest ważnym składnikiem kultury duchowej ludzkości, formą poznania i refleksji nad otaczającą człowieka rzeczywistością. Pod względem możliwości rozumienia i przekształcania rzeczywistości sztuka nie ustępuje nauce. Jednak sposoby rozumienia świata przez naukę i sztukę są różne: jeśli nauka używa do tego ścisłych i jednoznacznych pojęć, to sztuka -.

Sztuka, jako samodzielna i jako gałąź produkcji duchowej, wyrosła z produkcji materiału, została w nią pierwotnie wpleciona jako moment estetyczny, ale czysto utylitarny. z natury artysta, który w ten czy inny sposób stara się wszędzie wprowadzać piękno. Aktywność estetyczna człowieka nieustannie przejawia się w życiu codziennym, społecznym, a nie tylko w sztuce. dziać się estetyczna eksploracja świata osoba publiczna.

Funkcje sztuki

Sztuka wykonuje liczbę funkcje publiczne.

Funkcje sztuki można podsumować następująco:

• funkcja estetyczna pozwala odtworzyć rzeczywistość zgodnie z prawami piękna, kształtuje gust estetyczny;
• funkcja społeczna przejawiająca się w tym, że sztuka oddziałuje ideowo na społeczeństwo, przekształcając tym samym rzeczywistość społeczną;
• funkcje kompensacyjne pozwala przywrócić spokój ducha, rozwiązać problemy psychologiczne, „uciec” na chwilę od szarej codzienności, zrekompensować brak piękna i harmonii w codzienności;
• funkcja hedoniczna odzwierciedla zdolność sztuki do sprawiania przyjemności osobie;
• funkcja poznawcza pozwala poznawać rzeczywistość i analizować ją za pomocą artystycznych obrazów;
• funkcja predykcyjna odzwierciedla zdolność sztuki do przewidywania i przewidywania przyszłości;
• funkcja edukacyjna przejawia się w zdolności dzieł sztuki do kształtowania osobowości człowieka.

funkcja poznawcza

Po pierwsze to kognitywny funkcjonować. Dzieła sztuki są cennym źródłem informacji o złożonych procesach społecznych.

Oczywiście nie wszyscy w otaczającym świecie interesują się sztuką, a jeśli tak, to w różnym stopniu, a samo podejście sztuki do przedmiotu jej poznania, kąt jej widzenia jest bardzo specyficzny w porównaniu z innymi formami świadomości społecznej. Główny przedmiot wiedzy w sztuce zawsze był i pozostaje. Dlatego sztuka w ogóle, aw szczególności fikcja, nazywana jest nauką humanistyczną.

funkcja edukacyjna

Edukacyjny funkcja – zdolność do wywierania istotnego wpływu na rozwój ideowy i moralny osoby, jej samodoskonalenie lub upadek.

A jednak funkcje poznawcze i edukacyjne nie są specyficzne dla sztuki: inne formy świadomości społecznej również pełnią te funkcje.

funkcja estetyczna

Specyficzną funkcją sztuki, która czyni ją sztuką w prawdziwym tego słowa znaczeniu, jest jej estetyka funkcjonować.

Dostrzegając i pojmując dzieło sztuki, nie tylko przyswajamy jego treść (jak treści z fizyki, biologii, matematyki), ale pozwalamy tej treści przejść przez serce, emocje, nadać zmysłowo konkretnym obrazom tworzonym przez artystę ocenę estetyczną jako piękny lub brzydki, wzniosły lub niski. , tragiczny lub komiczny. Sztuka kształtuje w nas umiejętność wydawania takich ocen estetycznych, odróżniania tego, co naprawdę piękne i wzniosłe, od wszelkiego rodzaju namiastek.

funkcja hedoniczna

Poznawcza, edukacyjna i estetyczna łączą się w sztuce. Dzięki chwili estetycznej cieszymy się treścią dzieła sztuki i właśnie w procesie rozkoszowania się jesteśmy oświeceni i wykształceni. W związku z tym mówią o hedonistyczny(przetłumaczone z greckiego - przyjemność) Funkcje sztuka.

Od wielu stuleci w literaturze społeczno-filozoficznej i estetycznej trwa spór o związek piękna w sztuce z rzeczywistością. Ujawnia to dwa główne stanowiska. Według jednego z nich (w Rosji poparł go N. G. Czernyszewski) piękno w życiu jest zawsze i pod każdym względem wyższe niż piękno w sztuce. W tym przypadku sztuka jawi się jako kopia typowych postaci i przedmiotów samej rzeczywistości oraz surogat rzeczywistości. Oczywiście preferowana jest koncepcja alternatywna (G. V. F. Hegel, A. I. Herzen i inni): piękno w sztuce jest wyższe niż piękno w życiu, ponieważ artysta widzi dokładniej i głębiej, czuje się silniejszy i jaśniejszy, i dlatego może inspirować z jego sztuką innych. W przeciwnym razie (będąc surogatem, a nawet duplikatem) społeczeństwo nie potrzebowałoby sztuki.

dzieła sztuki, będąc merytorycznym ucieleśnieniem ludzkiego geniuszu, stają się najważniejszymi wartościami duchowymi i przekazywanymi z pokolenia na pokolenie, własnością społeczeństwa estetycznego. Opanowanie kultury, edukacja estetyczna jest niemożliwa bez zaznajomienia się ze sztuką. Dzieła sztuki minionych stuleci uchwyciły duchowy świat tysięcy pokoleń, bez opanowania którego człowiek nie może stać się osobą w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Każdy człowiek jest swego rodzaju pomostem między przeszłością a przyszłością. Musi opanować to, co pozostawiło mu poprzednie pokolenie, twórczo pojąć swoje duchowe doświadczenie, zrozumieć swoje myśli, uczucia, radości i cierpienia, wzloty i upadki i przekazać to wszystko potomnym. Tylko tak potoczy się historia, aw tym ruchu ogromną armię ma sztuka, wyrażająca złożoność i bogactwo duchowego świata człowieka.

Rodzaje sztuki

Podstawową formą sztuki była szczególna synkretyczny(niepodzielny) kompleks działalności twórczej. Dla człowieka prymitywnego nie istniała odrębna muzyka, literatura czy teatr. Wszystko zostało połączone w jedną akcję rytualną. Później z tego synkretycznego działania zaczęły wyłaniać się odrębne rodzaje sztuki.

Rodzaje sztuki- są to utrwalone historycznie formy artystycznej refleksji nad światem, wykorzystujące do budowania obrazu szczególne środki - dźwięk, kolor, ruch ciała, słowo itp. Każdy rodzaj sztuki ma swoje szczególne odmiany - rodzaje i gatunki, które razem zapewniają różnorodność artystycznych postaw wobec rzeczywistości. Przyjrzyjmy się pokrótce głównym rodzajom sztuki i niektórym ich odmianom.

Literatura posługuje się środkami słownymi i pisemnymi w celu budowania obrazów. Istnieją trzy główne rodzaje literatury - dramat, epos i liryzm oraz liczne gatunki - tragedia, komedia, powieść, opowiadanie, wiersz, elegia, opowiadanie, esej, felieton itp.

Muzyka używa dźwięku. Muzyka dzieli się na wokalną (przeznaczoną do śpiewania) i instrumentalną. Gatunki muzyczne - opera, symfonia, uwertura, suita, romans, sonata itp.

Taniec wykorzystuje środki ruchów plastycznych do budowania obrazów. Przydziel rytuał, folk, salę balową,

tańce nowoczesne, balet. Kierunki i style tańca - walc, tango, fokstrot, samba, polonez itp.

Obraz przedstawia rzeczywistość na płaszczyźnie za pomocą koloru. Gatunki malarstwa - portret, martwa natura, pejzaż, a także gatunki codzienne, animalistyczne (obrazy zwierząt), historyczne.

Architektura tworzy środowisko przestrzenne w postaci struktur i budynków dla życia ludzkiego. Dzieli się na mieszkalne, publiczne, ogrodnicze, przemysłowe itp. Istnieją również style architektoniczne - gotyk, barok, rokoko, secesja, klasycyzm itp.

Rzeźba tworzy dzieła sztuki, które mają objętość i trójwymiarowy kształt. Rzeźba jest okrągła (popiersie, posąg) i płaskorzeźba (obraz wypukły). Wielkość dzieli się na sztalugową, dekoracyjną i monumentalną.

Sztuka i Rzemiosło związane z potrzebami aplikacji. Obejmuje to przedmioty artystyczne, które można wykorzystać w życiu codziennym - naczynia, tkaniny, narzędzia, meble, ubrania, biżuterię itp.

Teatr organizuje specjalną akcję sceniczną poprzez grę aktorów. Teatr może być dramatyczny, operowy, lalkowy itp.

Cyrk przedstawia spektakularną i zabawną akcję z niezwykłymi, ryzykownymi i zabawnymi liczbami na specjalnej arenie. Są to akrobatyka, balansowanie, gimnastyka, jazda konna, żonglerka, sztuczki magiczne, pantomima, klaunowanie, tresura zwierząt i tak dalej.

Film jest rozwój akcji teatralnej w oparciu o nowoczesne techniczne środki audiowizualne. Rodzaje kinematografii obejmują fabułę, filmy dokumentalne, animację. Według gatunku wyróżnia się komedie, dramaty, melodramaty, filmy przygodowe, detektywi, thrillery itp.

Zdjęcie utrwala dokumentalne obrazy wizualne za pomocą środków technicznych - optycznych i chemicznych lub cyfrowych. Gatunki fotografii odpowiadają gatunkom malarstwa.

Etap obejmuje małe formy sztuk performatywnych – dramaturgię, muzykę, choreografię, iluzje, przedstawienia cyrkowe, przedstawienia autorskie itp.

Do wymienionych rodzajów sztuki można dodać grafikę, grafikę radiową itp.

W celu ukazania wspólnych cech różnych rodzajów sztuki oraz ich różnic zaproponowano różne podstawy ich klasyfikacji. Istnieją więc rodzaje sztuki:

• według liczby użytych środków - prostych (malarstwo, rzeźba, poezja, muzyka) i złożonych lub syntetycznych (balet, teatr, kino);
• w zakresie stosunku dzieła sztuki do rzeczywistości – obrazowym, przedstawiającym rzeczywistość, kopiującym ją (malarstwo realistyczne, rzeźba, fotografia) oraz ekspresyjnym, gdzie fantazja i wyobraźnia artysty tworzą nową rzeczywistość (ornament, muzyka);
• w odniesieniu do przestrzeni i czasu - przestrzenny (sztuki plastyczne, rzeźba, architektura), czasowy (literatura, muzyka) i czasoprzestrzenny (teatr, kino);
• według czasu występowania – tradycyjne (poezja, taniec, muzyka) i nowe (fotografia, kino, telewizja, wideo), zwykle przy użyciu dość skomplikowanych środków technicznych do budowy obrazu;
• według stopnia przydatności w życiu codziennym - stosowane (sztuka i rzemiosło) i dobre (muzyka, taniec).

Każdy typ, rodzaj lub gatunek odzwierciedla określoną stronę lub aspekt ludzkiego życia, ale razem wzięte, te elementy sztuki dają wszechstronny artystyczny obraz świata.

Potrzeba twórczości artystycznej lub czerpania przyjemności z dzieł sztuki wzrasta wraz ze wzrostem poziomu kulturowego danej osoby. Sztuka staje się tym bardziej potrzebna, im bardziej człowiek oddala się od stanu zwierzęcego.

SZTUKA

I. w szerokim tego słowa znaczeniu, oznaczający wysoki poziom umiejętności w dowolnej dziedzinie działalności pozaartystycznej i artystycznej, tj. doskonałe wykonanie tej pracy, nabiera w ten sposób bezpośrednio walorów estetycznych. oznaczający, dlatego umiejętne działanie, gdziekolwiek i jakkolwiek się objawia, nabiera piękna, znaczenia estetycznego. Dotyczy to również działań artysty-poety, malarza, muzyka, którego twórczość jest o tyle piękna, o ile oddaje wysoki kunszt twórcy i wywołuje w nas estetykę. podziw. Jednakże rozdz. Cechą charakterystyczną twórczości artystycznej nie jest tworzenie piękna dla ekscytującej przyjemności estetycznej, ale figuratywne eksplorowanie rzeczywistości, tj. w rozwoju określonej treści duchowej i w specyficznym. funkcjonowanie społeczne.

W dążeniu do określenia sensu istnienia I. jako szczególnej sfery działania, zasadniczo różnej od I. w szerokim tego słowa znaczeniu, teoretycy całej historii estetyki. myśli szły dwojako: niektórzy byli przekonani, że „sekret” I. polegał na jednej z jego zdolności, jednym powołaniu i celu – albo w poznaniu świata rzeczywistego, albo w stworzeniu fikcyjnego, idealnego świata, lub w wyrażeniu wewnętrzny w świecie artysty, czy w organizacji komunikacji między ludźmi, czy w celu samym w sobie, czysto zabawowa działalność; inni Naukowcy, odkrywając, że każda z tych definicji absolutyzuje niektóre cechy właściwe ja, a pomijają inne, stwierdzili właśnie wielowymiarowość, wszechstronność ja i próbowali opisać je jako zbiór różnych jakości i funkcji. Ale jednocześnie I. nieuchronnie zaginął i pojawił się w postaci sumy heterogenicznych właściwości i funkcji, których sposób łączenia w jakościowo oryginalny pozostał niezrozumiały.

Estetyka marksistowsko-leninowska uważa I. za jedną z głównych. formy duchowej asymilacji rzeczywistości. Na podstawie znawcy. zdolność społeczeństw. człowiek, I. dorównuje takim formom społeczeństw. świadomość, jako nauka, choć różni się od niej przedmiotem, postacią refleksji i duchowego przyswajania rzeczywistości, funkcją społeczną. Powszechne zarówno w nauce, jak i sztuce. świadomość - zdolność obiektywnego odzwierciedlenia świata, poznania rzeczywistości w jej istocie. W tym I. jest przeciwieństwem religii (choć były one ściśle powiązane na pewnych etapach rozwoju historycznego), ponieważ religia. świadomość błędnie odbija rzeczywistość i nie jest w stanie przeniknąć do obiektywnej istoty rzeczy.

W przeciwieństwie do nauki, która teoretycznie opanowuje świat, I. opanowuje rzeczywistość estetycznie, obejmując świat holistycznie, w całym bogactwie żywych przejawów esencji, we wszystkich uczuciach. jasność jednego, niepowtarzalnego. Ale jednocześnie w swoich najlepszych dziełach ujawnia prawdę, głęboką penetrację istoty społeczeństw. życie. Estetyka stosunek człowieka do świata przejawia się w społeczeństwie w różnych formach, aw szczególności w każdej obiektywnej działalności, w której mniej lub bardziej swobodnie ujawnia się twórczość. charakter pracy. To w szczególności wyjaśnia obecność sztuki. pierwiastek w niektórych produktach produkcji materialnej. Jednak I. jest historycznie ukształtowany jako szczególny, specyficzny. obszar produkcji duchowej, mający na celu estetyczne opanowanie rzeczywistości: uogólnia, identyfikuje i rozwija estetykę. stosunek społeczeństwa do realnego świata.

Sztuka. świadomość nie ma na celu przekazywania żadnej szczególnej wiedzy, jest poznawalna. nie jest powiązany z żadnymi prywatnymi gałęziami produkcji materialnej. lub społeczeństwa. praktyki i nie ma na celu na przykład podkreślenia w zjawiskach jakiegoś szczególnego łańcucha wzorców. fizyczny, technologiczny lub, z drugiej strony, specyficznie ekonomicznie, psychologicznie. itp. Przedmiotem I. jest „wszystko, co jest interesujące dla człowieka w życiu” (Chernyshevsky N. G., Poln. sobr. soch., t. 2, 1949, s. 91), opanowuje świat w całym bogactwie swoich przejawów , gdyż okazują się one przedmiotem praktycznego, konkretnego zainteresowania ludzi. Stąd holistyczny i wszechstronny charakter sztuki. świadomość, przyczyniająca się do realizacji przez jednostkę jej „ogólnej istoty” (Marks), do rozwoju jej społecznej samoświadomości jako członka społeczeństwa, zdefiniowanego. klasa. I. powołana jest do poszerzania i wzbogacania praktyczno-duchowego doświadczenia człowieka, przesuwa granice „bezpośredniego doświadczenia” jednostek, będąc potężnym narzędziem formacji człowieka. osobowość. Konkretny Społeczna funkcja I. polega na tym, że będąc formą świadomości rzeczywistości, kondensuje w sobie nieskończoną różnorodność doświadczeń duchowych zgromadzonych przez ludzkość, ujmowanych nie w jej ogólnych i końcowych skutkach, ale w samym procesie żywych relacji między społeczeństwami . człowiek ze spokojem. W dziele I. ucieleśnia się nie tylko wynik wiedzy, ale także jej ścieżka, złożony i elastyczny proces rozumienia i estetyki. przetwarzanie podmiotowego świata. To jest najważniejsza różnica. cecha „artystycznego… rozwoju… świata” (por. K. Marks, w książce: Marx K. i Engels F., Soch., wyd. 2, t. 12, s. 728). Ponieważ w I. świat jawi się opanowany, sensowny, estetycznie przetworzony, obraz rzeczywistości w dużym, iście klasycznym. Praca I. ma w sobie porządek, harmonijną logikę, piękno, nawet jeśli chodzi o odtworzenie podłego czy brzydkiego zjawiska życia. Nie jest to wprowadzane do obiektywnego świata przez arbitralność podmiotu, ale ujawnia się przez artystę w procesie duchowego przyswajania rzeczywistości (człowiek tworzy „według praw piękna” – zob. K. Marks, From Early Works, str. 1956, s. 566). Postrzegając pracę I., osoba niejako ponownie wykonuje kreatywność. opanowując przedmiot, angażuje się w doświadczenie praktyczne i duchowe utrwalone w I., co powoduje szczególne poczucie radości z duchowego posiadania świata, estetycznego. , bez którego ani tworzenie, ani odbiór sztuki nie jest nie do pomyślenia. Pracuje.

Świadomość społeczeństw ma również długą historię. rola I. Rozumienie I. jako środka edukacji społecznej jest nakreślona już w starożytności (Platon, Arystoteles) iw klasyce. estetyka Wschodu (np. w Chinach - Konfucjusz). Według myślicieli starożytności I. posiada zdolność dopasowywania definicji. obrazu psychiki człowieka, aby uczynić go pełnoprawnym członkiem społeczeństwa obywatelskiego, pożytecznym sługą państwa. Środa wieku. filozofia zinterpretowała tę rolę w sposób przewrotnie teologiczny. sens; Renesans przeciwstawiał się idei znaczenia I. w swobodnym i wszechstronnym rozwoju osobowości (Campanella). Estetyka oświeceniowa dobitnie ujawniła znaczenie sztuki. świadomość w praktyce. walka społeczna, akcentująca moralno-edukacyjną (Shaftesbury) i społecznie mobilizacyjną funkcję I. (Didero). Najważniejsza rola dla zrozumienia I. jako aktywnego społeczeństwa. sił w walce o wyzwolenie człowieka odgrywane przez jej przedstawicieli. klasyczny estetyka (Goethe, Schiller, Hegel), która rozumiała I. jako „wolność”. Jednak problem ten został przez nią postawiony idealistycznie, co doprowadziło do przeciwstawienia „życia w kajdanach” wolnej sztuce (Kant). O jej sprzecznościach. idealizm wskazywał Rus. rewolucyjny demokratów, którzy widzieli w I. „podręcznik życia” i widzieli jego funkcję w „zdaniu” na jego zjawiska (Czernyszewski).

Marksizm-leninizm zajął się edukacją. rola I. na historycznym. gleba. Będąc narzędziem urzeczywistniania rzeczywistości, I. jest aktywną siłą w społeczeństwach. samoświadomość, w społeczeństwie klasowym - klasa. Poznanie świata w I. jest nierozerwalnie związane z jego estetyką. oceny, która mając charakter społeczny, z konieczności obejmuje cały system poglądów społeczeństw. osoba; sztuki. dzieło jest w stanie organicznie wyrazić się w swojej estetyce. treść filozofii. moralność, społeczeństwo i polityczny pomysły. I. wysunięty, reagujący na akt. rozwoju ludzkości, odgrywa progresywną rolę w rozwoju duchowym ludzi, w ich wszechstronnym rozwoju ideologicznym i emocjonalnym. wzrost. Pewna miara wolności w wykonywaniu tego wykształci go. rola jest określona przez określone warunki społeczne. Wyzysk człowieka przez człowieka nieuchronnie prowadzi do jednostronnego, a czasem brzydkiego przejawu edukacji ideologicznej. funkcje I. Tylko socjalistyczne. daje I. możliwość swobodnego kształtowania każdego członka społeczeństwa w całym bogactwie jego relacji życiowych i podmiotowych możliwości.

Synkretyczny i przede wszystkim rytualno-magiczny charakter „dzieł” sztuki prymitywnej późnego paleolitu (30-20 tys. sztuka. Starożytne rzeźby, figurki zwierząt i ludzi, rysunki na glinie, „freski” skalne wyróżniają się żywotnością, bezpośredniością i autentycznością obrazu, świadczą o znajomości i znajomości języka oraz środkach warunkowej refleksji na płaszczyźnie, zdolności do pracy z tomami. Określenie sztuki prymitywnej jako „realistycznej”, „naturalistycznej” czy „impresjonistycznej” zasadniczo oddaje „pokrewieństwo” między odległymi początkowymi i późniejszymi etapami rozwoju sztuki, jej formami nowożytnymi i cechami typologicznymi.

Różne interpretacje pojęcia sztuki odzwierciedlają różne aspekty jej społecznego charakteru i specyfiki gatunkowej. Estetyka antyczna kładła więc nacisk na moment mimetyczny, „naśladowczy”, podkreślając poznawcze znaczenie i moralną wartość sztuki. W średniowieczu sztuka jest postrzegana jako sposób i środek oswajania zasady „nieskończoności”, „boskości”: postrzegają ją jako nośnik, choć niedoskonały, obrazu duchowego, „bezcielesnego” piękna. Renesans powraca i rozwija antyk o sztuce jako „zwierciadle”, „naśladowaniu pięknej natury”, dołączając raczej do Arystotelesa niż do Platona. Niemiecka estetyka klasyczna (Kant, Schiller, Hegel itp.) uważa sztukę za „celową czynność bez celu”, „królestwo widzialności”, „grę sił twórczych”, manifestację i ekspresję bytu „ Absolute Spirit”, dokonuje istotnych korekt w rozumieniu relacji sztuki z rzeczywistością empiryczną, nauką, moralnością i religią. Rosyjska estetyka realizmu kładzie nacisk na ideę organicznego związku między sztuką a rzeczywistością, uznając ją za główny temat „wszystko, co jest interesujące dla człowieka w życiu” (Czernyszewski N. G. Poln. sobr. soch., t. 2. M., 1947, s. 91). Nowoczesna „estetyka postmodernistyczna”, kwestionując i zaprzeczając tradycji i wartości „starej”, humanistycznej kultury, próbuje w duchu „nowej mimesis” (J. Derrida) reinterpretować relacje dzieł sztuki z tym, co leży poza granicami „tekstu” i zalicza się do „rzeczywistości”.

Ujawnienie relacji między sztuką a rzeczywistością nie wyczerpuje problemu określenia jej istoty. Konkretna, uniwersalna natura sztuki obejmuje i ujawnia cały szereg podejść, które wzajemnie się zakładają i uzupełniają; wśród nich zwyczajowo wyróżnia się epistemologiczne (epistemologiczne), wartościowe (aksjologiczne), estetyczne i socjologiczne (funkcjonalne). Rozpatrując sztukę w płaszczyźnie epistemologicznej, co podkreślał Platon, czyli w ramach pełnionej przez nią funkcji, od której Arystoteles rozpoczął analizę tragedii greckiej, teoretyk niejako określa wartość wiedzy i działania artystycznego. Z kolei podejście wartościujące nie może pomijać socjologicznej charakterystyki istoty i funkcji sztuki. Dla zrozumienia specyfiki sztuki szczególne znaczenie mają aspekty epistemologiczne i wartościowe, a miejsce i rola sztuki w życiu publicznym jest odpowiednio uchwycona i ujawniona poprzez analizę estetyczną i socjologiczną. Kant, analizując „sądy smaku”, przekonująco wykazał niezależność (aczkolwiek względną) aspektu epistemologicznego. Pytanie o społeczną istotę sztuki pojawia się dopiero w ramach rozważań nad jej możliwościami i funkcjami komunikacyjnymi. Przecież sztuka we właściwym tego słowa znaczeniu tworzy odbiorcę, który ją rozumie i potrafi cieszyć się pięknem.

Historycznie rzecz biorąc, sztuka powstaje, gdy człowiek wykracza poza zaspokojenie swoich bezpośrednich potrzeb fizycznych, praktycznych zainteresowań i celów użytkowych i otrzymuje możliwość tworzenia uniwersalnego, swobodnego, wytwarzania rzeczy i przedmiotów, które sprawiają mu przyjemność przez sam proces działania. Powstanie sztuki wiąże się z zaspokojeniem potrzeby, najpierw przewidywalnej, a następnie realizowanej, w wytwarzaniu i odtwarzaniu właściwej ludzkiej natury własnej działalności życiowej oraz siebie jako istoty uniwersalnej i uniwersalnej. Sztuka odsłania, obnaża i przedstawia iluzorycznie, „pozornie” to, co ukryte – jak, cel i sposób działania – zawiera się w podmiotowo-społecznej treści ludzkiej aktywności, która jest obiektywnym źródłem indywidualnej aktywności. Jednocześnie sztuka afirmuje potencjalną możliwość uniwersalnego rozwoju jednostki społecznej jako realną możliwość i rzeczywistą siłę, nie tracąc z oczu faktu, że jest ona realizowana pod dominacją „królestwa konieczności”.

Sztuka, ze swej natury wyprzedzająca normy i idee swoich czasów, w pewnym sensie jest zdolna do wyznaczania celu. W świecie wyobraźni artystycznej człowiek niejako unosi się nad potrzebami, nie mieszcząc się w ramach obowiązkowej zgodności z „istniejącym”. W tym sensie sztuka tworzy „możliwy byt „dynamiczny” (Arystoteles), świat „celowości ponad wszelkim celem” (Kant). Okoliczności zewnętrzne nie mają absolutnej władzy nad wewnętrznymi normami stosunku człowieka do rzeczywistości, którą sztuka rozwija „idealnie”. Dzieło sztuki jest zatem projekcją dążeń duchowych, poszukiwaniem uczuć, fantazją pragnień, ponieważ rodzi się z potrzeby przekształcenia swojego zmysłowego stosunku do rzeczywistości, która zaopatruje tę potrzebę w niezbędny materiał. Sztuka nie odwraca się z obrzydzeniem od pełni przejawów życia (i w tym sensie nie ma dla niej nic „zakazanego”), ale jednocześnie, jak zauważył L. Feuerbach, nie wymaga uznania swoich dzieł jako rzeczywistość. Siła sztuki objawia się w jej dobrze znanej wolności od faktycznej strony życia. Właśnie tę osobliwość miał na myśli Hegel, przedstawiając historię sztuki jako „samoczynny ruch” ideału estetycznego ucieleśnionego w obrazach, oraz Bieliński, który w „tęsknieniu za ideałem” widział iluzoryczną formę wyrażenia pilnej potrzeby osoby społecznej, tkwiące właśnie w sztuce. Ideał jako rzecz oczywista i możliwa rzeczywistość otrzymuje w sztuce swoje przedmiotowe ucieleśnienie i uzasadnienie. Odzwierciedlając i wyrażając rzeczywistość z punktu widzenia najwyższych potrzeb rozwijającego się człowieka, sztuka pokazuje, jak teraźniejszość wkracza w przyszłość, co w teraźniejszości należy do przyszłości.

W zasadzie sztuka jest tworzona przez jednostkę i przemawia do jednostki. Żadna dziedzina ludzkiej twórczości nie może z nią konkurować w kompletności odzwierciedlenia całej różnorodności ludzkich doznań. Dotyczy to także artysty, autora dzieła, w którym „wyraża siebie”, często wierząc czytelnikowi, widzowi, w najskrytsze sekrety swojego serca, umysłu, duszy (por. słowa Flauberta o bohaterce jego powieści: „Emma to ja”). Niespotykane dotąd możliwości sztuki w ujawnianiu motywów ludzkich zachowań, czynów, doświadczeń. Usuwając znane już, utrwalone znaczenia faktów, zjawisk, zdarzeń, artysta obnaża i odtwarza ich wewnętrzne znaczenie w indywidualnie unikalnym kształcie i formie, która znacząco i oczywiście różni się od teoretyka (więcej zob. rozwoju psychiki M., 1965, s. 286-290). Będąc aktem twórczym i stronniczym, sztuka liczy na adekwatną reakcję. W procesie postrzegania dzieła sztuki, z reguły, głęboko indywidualnego, wyjątkowo osobistego aktu, ujawnia się pełnia uniwersalnej, uniwersalnej natury czytelnika, widza, słuchacza. Wszelkiego rodzaju odchylenia wynikające z różnicy w poziomie rozwoju smaku, wyobraźni, kultury ogólnej i emocjonalnej odbiorców nie anulują tej normy odbioru iście artystycznego.

„Wyimaginowany byt”, „możliwa rzeczywistość” sztuki są nie mniej (często bardziej) aktualne niż obiektywnie istniejący świat, który był punktem wyjścia do kontemplacji i reprezentacji; a co do formy jest obrazem całości w „spojrzeniu” przedstawienia artystycznego, gdzie uogólnienie jest budowane poprzez przejście od jednej specyfiki do drugiej, w taki sposób, że tworzenie obrazu z konieczności działa jako tworzenie znaczeń ( patrz Obraz artystyczny. Typowy). Tak więc poprzez sztukę - szczególny rodzaj duchowego i praktycznego przyswajania rzeczywistości - następuje kształtowanie i rozwijanie zdolności osoby społecznej do twórczego postrzegania i przekształcania otaczającego ją świata i siebie zgodnie z prawami piękna. W przeciwieństwie do innych sfer i form świadomości i aktywności społecznej (nauka, moralność, religia, polityka) sztuka zaspokaja najważniejszą ludzką potrzebę – percepcję, poznanie rzeczywistości w rozwiniętych formach ludzkiej wrażliwości, czyli za pomocą specyficznie ludzkiej zdolność zmysłowego („estetycznego”, wizualno-ekspresyjnego) postrzegania zjawisk, przedmiotów i zdarzeń obiektywnego świata jako „żywej konkretnej całości”, ucieleśnionej w dziełach sztuki poprzez twórczą, „twórczą” wyobraźnię. Ponieważ sztuka obejmuje niejako w sfilmowanej formie wszelkie formy aktywności społecznej, jej wpływ na życie i człowieka jest naprawdę nieograniczony. Z jednej strony pozbawia to jakiegokolwiek sensu roszczenia sztuki do jakiejkolwiek ekskluzywności, z wyjątkiem tej, która jest podyktowana jej gatunkową istotą. Z drugiej strony, działając transformacyjnie na wiele sfer społecznych i instytucji, sztuka zachowuje swoje wrodzone cechy i względną niezależność. Historycznie sztuka rozwija się jako pewien system konkretnych typów. Są to literatura, muzyka, architektura, malarstwo, rzeźba, sztuka i rzemiosło itp. Ich różnorodność i różnice są ustalane i klasyfikowane według kryteriów wypracowanych przez teorię estetyki i historię sztuki: według sposobu odzwierciedlenia rzeczywistości (kryterium epistemologiczne) - obrazowe , ekspresyjny; ze względu na sposób bycia obrazu artystycznego (kryterium ontologiczne) - przestrzenny, czasowy, czasoprzestrzenny; zgodnie z metodą percepcji (kryterium psychologiczne) - słuchową, wzrokową i wzrokowo-słuchową. Jest to jednak względne. Dzieło, które jest w przeważającej mierze „obrazowe”, jest jednocześnie „ekspresyjne” (na przykład obrazowy portret lub pejzaż, gra aktorska itp.). itp.), a „ekspresyjny” obejmuje także element „obrazowy” (jak np. „Obrazki z wystawy” M. Musorgskiego, taniec czy obraz architektoniczny). Klasyfikacja oparta na zasadzie atrybutu dominującego nie uwzględnia faktu, że każdy rodzaj sztuki wykorzystuje i reprezentuje (w różnych proporcjach) wszystkie formy i środki „języka” artystycznego – figuratywności, wyrazistości, symbolizacji, cechy czasowe i przestrzenne. Szczególne miejsce w tym systemie form artystycznych zajmuje literatura, jako najbardziej „syntetyczna” forma obrazowania artystycznego. Rodzaje sztuki to dynamicznie rozwijający się system: w tej czy innej epoce jeden z typów dominuje, staje się dominujący (eposy i tragedia - w starożytnej Grecji, architektura i ikonografia - w średniowieczu, kino i telewizja - w XX wieku) . Wraz z rozwojem nauki i techniki, doskonaleniem środków komunikacji, powstają nowe rodzaje sztuki; więc na początku XX wiek pojawia się kino, a na jego końcu fotografia artystyczna, posługująca się zasadą „kolażu” (technika rozwinięta przez Braque'a i Picassa) i pretendująca do miana nowej sztuki wizualnej.

Pytanie „czym jest sztuka?” nabiera aktualności i pilności wraz z nadejściem postmodernizmu, który podporządkowuje wiele „starych”, klasycznych idei, w tym idei estetycznych, artystycznych, a zatem i sztuki. Dla postmodernistów zachowują one swoje znaczenie jedynie jako „wartości transkulturowe, transtemporalne”. Antyczne idee dotyczące realizmu są rewidowane. Broniona jest idea tzw. priorytetu. namacalne, a nie iluzjonistyczne przedmioty, reprezentujące oryginalny sposób interakcji między ekspresją artystyczną a doświadczeniem życia codziennego. Odpowiadająca tej zasadzie „postmodernistyczna” praktyka artystyczna jest traktowana (a dokładniej: przekazywana) jako nowy i nieprzewidywalny krok w zbieżności sztuki i życia, rzekomo stapiania się w „doświadczenie symultaniczne”. Takie podejście do sztuki jest całkiem zgodne i adekwatne do modernistycznego odrzucenia holistycznego obrazu świata, który jest właściwie dyskretny i niepełny. Jednak przy tak zdecydowanym zerwaniu z przeszłością dziedzictwo klasyczne raczej nie będzie silniejsze niż duchowa i praktyczna moc samej sztuki, która wciąż zadziwia i sprawia przyjemność nowym pokoleniom ludzi.