Symfonia
Symfonia(z greckiego. ” współbrzmienie”) to gatunek symfonicznej muzyki instrumentalnej o wieloczęściowej kanonizowanej formie fundamentalnych treści światopoglądowych.
Symfonia jest zwykle utworem na orkiestrę, zwykle składającym się z kilku części. To jeden z najważniejszych gatunków muzyki europejskiej. We współczesnym znaczeniu słowo „symfonia” pojawiło się stosunkowo niedawno, w latach 70. XVIII w., ale jest to bardzo starożytne pochodzenie.
„Symfonia” w języku greckim oznacza „współbrzmienie”. W starożytności tak nazywano śpiew chóru lub zespołu unisono, a także wszelkie harmonijne, harmonijne kombinacje tonów. W średniowieczu słowo to zniknęło z użycia, a jego nowe życie rozpoczęło się w renesansie. Ale teraz słowo „symfonia” ma inne znaczenie. W muzyce renesansu powszechne były polifoniczne kompozycje wokalne - madrygały, kanzony. Rozpoczynały się one zwykle wstępem instrumentalnym, który nazywano symfonią. Kiedy w XVII w Jeśli powstawała opera, to też zaczynała się symfonią – później takie wprowadzenie przeradzało się w uwerturę.
W XVIII wieku. symfonia stopniowo oddzieliła się od muzyki wokalnej i rozpoczęła samodzielną egzystencję. Formę klasycystyczną uzyskał w latach 80.-90. XVIII wieku. w twórczości wielkich austriackich kompozytorów J. Haydna i W. A. Mozarta. Od tego czasu rozpoczyna się błyskotliwa droga symfonii w muzyce europejskiej i światowej, to właśnie wtedy stała się ona najważniejszym, centralnym gatunkiem twórczości muzycznej.
Symfonia typu klasycznego składa się z czterech kontrastujących ze sobą części. Razem tworzą cykl sonatowo-symfoniczny. Cykliczna struktura pozwala kompozytorowi na wyrażenie różnorodnych uczuć i nastrojów, na stworzenie muzycznie uogólnionego obrazu epoki. Symfonie Mozarta, L. Beethovena, L. I. Czajkowskiego, I. Brahmsa, G. Mahlera, D. D. Szostakowicza dają nam możliwość wczucia się w niepowtarzalny klimat tamtych czasów, podobnie jak powieść czy sztuka teatralna.
Pierwsza część symfonii klasycznej jest energiczna, dynamiczna, utrzymana w szybkim tempie, z reguły zajmuje dominującą pozycję w cyklu. W tym celu kompozytorzy wybierają jedną z najbardziej złożonych form - sonatę. Forma sonatowa umożliwia porównywanie kontrastujących, a nawet sprzecznych obrazów - heroicznych i lirycznych, ponurych i jasnych, uroczystych i delikatnych. Obrazy te następnie rozwijają się, zmieniają, w wyniku czego nabierają nowego charakteru, nowych cech. Pierwsza część symfonii wyróżnia się zatem szczególną wszechstronnością i bogactwem.
Druga część jest zwykle powolna. O jej charakterze decydują nastroje liryczne, kontemplacyjne, są w niej melodie bliskie piosence, romansowi. To wytchnienie po burzliwych wydarzeniach z pierwszej części. Ale są też rekolekcje. Na przykład w jednej z symfonii Haydna iw Symfonii heroicznej Beethovena w drugiej części brzmi marsz żałobny, żałobny i majestatyczny.
Trzecią częścią symfonii Haydna i Mozarta jest menuet. Menuety w symfoniach klasycznych są jak szkice, obrazy z życia. Menuety Haydna pełne są ludowej zabawy, bliskiej chłopskim tańcom; u Mozarta są liryczne, czasem z domieszką dramatycznej powagi. Menueta scherzo Beethoven zastąpił muzyką o szybkim, żywym charakterze, często o humorystycznym kolorycie.
Czwarta część to finał. Podobnie jak pierwsza, jest napisana w szybkim tempie, ale wewnętrznie nie jest tak kontrastowa. Jeśli sens pierwszej części tkwi w skonfliktowanym zestawieniu obrazów i dramatycznym rozwoju akcji, to w finale na pierwszy plan wysuwa się afirmacja i podsumowanie. Nieprzypadkowo finały pisane są często w formie ronda, opartego na okrężnym powrocie tego samego tematu, czyli na głoszeniu tej samej myśli muzycznej. Równolegle z cyklem sonatowo-symfonicznym ukształtowała się kompozycja orkiestrowa, dla której powstały symfonie - orkiestra symfoniczna.
Za szczyt w historycznym rozwoju symfonii uważa się twórczość Beethovena. Każda z jego symfonii jest nową, indywidualną wersją gatunku, każda zawiera w sobie cały świat idei filozoficznych, jest wynikiem ciężkiej pracy myśli kompozytora.
IX Symfonia Beethovena, wieńcząca jego karierę, otwiera nową kartę w historii gatunku. W końcowej części rozbrzmiewa oda „Do radości” F. Schillera, afirmująca ideę powszechnego braterstwa ludzkości. Ta idea, centralna dla twórczości Beethovena, została wyrażona w potężnym brzmieniu chóru i orkiestry. W ten sposób symfonia staje się wokalna. Odziedziczyli ją kompozytorzy kolejnych pokoleń: G. Berlioz, Mahler, A. N. Skriabin, I. F. Strawiński, Szostakowicz pisali symfonie wokalne.
Tekst poetycki uszczegóławia treść symfonii, a takie kompozycje należą do muzyki programowej. Symfonia programowa może również stać się programem, jeśli kompozytor po prostu poprzedzi ją tytułem. Haydn miał jeszcze podobne dzieła, na przykład oryginalną „Symfonię pożegnalną”, kończącą się stopniowym odchodzeniem muzyków. W szóstej („pastoralnej”) symfonii Beethovena wszystkie pięć części nosi tytuły. Widzimy, że układ programowy zmusił Beethovena do zwiększenia liczby głosów w symfonii i odejścia od klasycznej konstrukcji cyklu. Późniejsi kompozytorzy jeszcze swobodniej podchodzą do formy symfonii, zwiększając liczbę głosów lub wręcz przeciwnie, kompresując cykl do jednej części. Za każdym razem wiąże się to z ideą kompozycji, z indywidualnym planem.
Najwięksi symfoniści po Beethovenie to F. Schubert, Brahms, A. Bruckner, A. Dvorak, Mahler.
Dziedzictwo symfoniczne kompozytorów rosyjskich - Czajkowskiego, A.P. Borodina, A.G. Głazunowa, Skriabina, S.V. Rachmaninowa ma znaczenie światowe. Ich wielkie tradycje doczekały się bogatego i żywego rozwoju w twórczości radzieckich kompozytorów wszystkich pokoleń - N. Ya Myaskovsky, S. S. Prokofiew. A. I. Chaczaturian, T. N. Khrennikova, K. A. Karaev, Ya. A. Ivanov, F. M. Amirov i inni mistrzowie. Największym symfonistą naszych czasów był Szostakowicz. Jego 15 symfonii to prawdziwa kronika XX wieku.
Ze względu na podobieństwo budowy do sonaty, sonata i symfonia zostały połączone pod ogólną nazwą „cykl sonatowo-symfoniczny”. Symfonia klasyczna (w takiej postaci, w jakiej jest prezentowana w dziełach klasyków wiedeńskich – Haydna, Mozarta i Beethovena) składa się zazwyczaj z czterech części. część I, utrzymana w szybkim tempie, utrzymana jest w formie sonatowej; 2., w zwolnionym tempie, napisana jest w formie wariacji, ronda, rondo-sonaty, złożonej trzygłosowej, rzadziej w formie sonaty; 3. - scherzo lub menuet - w trzyczęściowej formie da capo z trio (czyli według schematu A-trio-A); Część IV, w tempie szybkim - w formie sonaty, w formie ronda lub sonaty ronda.
Symfonia programowa to taka, która jest powiązana ze znaną treścią przedstawioną w programie (wyrażoną np. w tytule lub motcie), na przykład Symfonia pasterska Beethovena, Symfonia fantastyczna Berlioza itp. Jako pierwszy wprowadził program do symfonią byli Dittersdorf, Rosetti i Haydn.
Stały adres artykułu: Symfonia. Co to jest symfonia
Sekcje witryny
Forum Muzyki Elektronicznej
Co to jest Toccata
Toccata (z wł. toccata od toccare – dotykać, pchać) – pierwotnie dowolny utwór na instrumenty klawiszowe, we współczesnym znaczeniu – utwór instrumentalny o szybkiej, wyraźnej części w równych krótkich odstępach czasu. Toccata jest zwykle pisana na fortepian lub organy, ale są też...
Słowo "symfonia" przetłumaczone z greckiego jako „współbrzmienie”. Rzeczywiście, dźwięk wielu instrumentów w orkiestrze można nazwać muzyką tylko wtedy, gdy są one nastrojone i nie wydają dźwięków każdy z nich.
W starożytnej Grecji tak nazywano przyjemne połączenie dźwięków, wspólny śpiew unisono. W starożytnym Rzymie zespół, orkiestra, nazywano już tak. W średniowieczu muzykę świecką w ogóle i niektóre instrumenty muzyczne nazywano symfoniami.
Słowo ma inne znaczenia, ale wszystkie niosą ze sobą znaczenie połączenia, uczestnictwa, harmonijnego połączenia; na przykład zasada relacji między kościołem a władzą świecką, ukształtowana w Cesarstwie Bizantyjskim, jest również nazywana symfonią.
Ale dzisiaj porozmawiamy tylko o muzycznej symfonii.
Odmiany symfonii
Symfonia klasyczna to utwór muzyczny w formie cyklicznej sonaty, przeznaczony do wykonania przez orkiestrę symfoniczną.
Symfonia (oprócz orkiestry symfonicznej) może obejmować chór i wokal. Istnieją symfonie-suity, symfonie-rapsodie, symfonie-fantazje, symfonie-ballady, symfonie-legendy, symfonie-wiersze, symfonie-requiem, symfonie-balety, symfonie-dramaty i symfonie teatralne jako rodzaj opery.
Klasyczna symfonia ma zwykle 4 części:
jest pierwsza część szybkie tempo(Allegro ) , w formie sonatowej;
druga część w wolne tempo, najczęściej w formie wariacji, rondo, rondo-sonata, złożone trzygłosowe, rzadziej w formie sonaty;
trzecia część - scherza czy menueta- w formie trzygłosowej da capo z trio (czyli według schematu A-trio-A);
czwarta część w szybkie tempo, w formie sonatowej, w formie ronda lub ronda sonatowego.
Ale są symfonie z mniejszą (lub większą) liczbą części. Istnieją również symfonie jednoczęściowe.
Symfonia oprogramowania to symfonia o określonej treści, która jest zawarta w programie lub wyrażona w tytule. Jeśli w symfonii jest tytuł, to jest to program minimalny, na przykład Symfonia fantastyczna G. Berlioza.
Z historii symfonii
Rozważany jest twórca klasycznej formy symfonii i orkiestracji Haydna.
A pierwowzorem symfonii jest Włoch uwertura(instrumentalny utwór orkiestrowy wykonywany przed rozpoczęciem jakiegokolwiek przedstawienia: opery, baletu), który ukształtował się pod koniec XVII wieku. Znaczący wkład w rozwój symfonii wnieśli m.in Mozarta oraz Beethovena. Ci trzej kompozytorzy nazywani są „klasykami wiedeńskimi”. Klasycy wiedeńscy stworzyli wysoki typ muzyki instrumentalnej, w której całe bogactwo treści figuratywnych zawarte jest w doskonałej artystycznej formie. Na ten czas zbiegł się także proces powstawania orkiestry symfonicznej – jej stałego składu, zespołów orkiestrowych.
VA Mozarta
Mozarta pisał we wszystkich formach i gatunkach, które istniały w jego epoce, przywiązywał szczególną wagę do opery, ale przywiązywał dużą wagę do muzyki symfonicznej. Ze względu na to, że przez całe życie pracował równolegle nad operami i symfoniami, jego muzykę instrumentalną wyróżnia melodyjność operowej arii i dramatyczny konflikt. Mozart stworzył ponad 50 symfonii. Największą popularnością cieszyły się trzy ostatnie symfonie - nr 39, nr 40 i nr 41 („Jowisz”).
K. Schlosser „Beethoven przy pracy”
Beethovena stworzył 9 symfonii, ale pod względem rozwoju formy symfonicznej i orkiestracji można go nazwać największym kompozytorem symfonicznym okresu klasycznego. W jego IX Symfonii, najsłynniejszej, wszystkie jej części łączy temat przewodni w jedną całość. W tej symfonii Beethoven wprowadził partie wokalne, po czym zaczęli to robić inni kompozytorzy. W formie symfonii powiedziało nowe słowo R. Schumana.
Ale już w drugiej połowie XIX wieku. surowe formy symfonii zaczęły się zmieniać. Czteroczęściowy stał się opcjonalny: pojawił się jedna część symfonia (Myaskowski, Borys Czajkowski), symfonia z 11 części(Szostakowicz), a nawet z 24 części(Hovaness). Klasyczny, szybki finał został wyparty przez powolny finał (VI Symfonia PI Czajkowskiego, III i IX Symfonia Mahlera).
Autorami symfonii byli F. Schubert, F. Mendelssohn, I. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jan Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Czajkowski, A. Borodin, N. Rimski-Korsakow, N. Miaskowski, A. Skriabin, S. Prokofiew, D. Szostakowicz i inni.
Jego skład, jak już powiedzieliśmy, ukształtował się w epoce klasyków wiedeńskich.
Podstawą orkiestry symfonicznej są cztery grupy instrumentów: wygięte struny(skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy) instrumenty dęte drewniane(flet, obój, klarnet, fagot, saksofon ze wszystkimi ich odmianami - stary flet prosty, shalmy, chalyumeau itp., a także szereg instrumentów ludowych - balaban, duduk, zhaleyka, fujarka, zurna), mosiądz(róg, trąbka, kornet, flugelhorn, puzon, tuba) bębny(kotły, ksylofon, wibrafon, dzwonki, bębny, trójkąt, cymbały, tamburyn, kastaniety, tam-tam i inne).
Czasami w skład orkiestry wchodzą inne instrumenty: harfa, fortepian, organ(klawiszowy i dęty instrument muzyczny, największy rodzaj instrumentów muzycznych), czelesta(mały klawiszowo-perkusyjny instrument muzyczny, który wygląda jak pianino, brzmi jak dzwonki), klawesyn.
Klawesyn
Duży orkiestra symfoniczna może liczyć do 110 muzyków , mały- nie więcej niż 50.
Dyrygent decyduje o ustawieniu orkiestry. Umiejscowienie wykonawców współczesnej orkiestry symfonicznej ma na celu uzyskanie spójnego brzmienia. W latach 50-70. XX wiek rozpiętość „Amerykańskie siedzenia”: pierwsze i drugie skrzypce umieszczone są po lewej stronie dyrygenta; po prawej altówki i wiolonczele; w głębi – instrumenty dęte drewniane i blaszane, kontrabasy; po lewej - perkusja.
Układy siedzeń dla muzyków orkiestry symfonicznej
SYMFONIA
(z gr. konsonans) – utwór muzyczny na orkiestrę symfoniczną, napisany w formie cyklicznej sonaty. zwykle składa się z 4 części. symfonia powstawała przez kilka wieków iw XVIII wieku. przekształcił się w niezależny gatunek koncertowy; na jego rozwój wpłynęły inne gatunki muzyki orkiestrowej.
Słownik terminów muzycznych. 2012
Zobacz także interpretacje, synonimy, znaczenia tego słowa i czym jest SYMFONIA w języku rosyjskim w słownikach, encyklopediach i leksykach:
- SYMFONIA w Wielkim Słowniku Encyklopedycznym:
(z gr. symfonia – współbrzmienie) utwór na orkiestrę symfoniczną, napisany cyklicznie w formie sonaty; najwyższa forma muzyki instrumentalnej. Zwykle … - SYMFONIA w Wielkiej Sowieckiej Encyklopedii TSB:
(z gr. symfonia – współbrzmienie, od syn – razem i fon – dźwięk), utwór w cyklicznej formie sonatowej, przeznaczony… - SYMFONIA w Słowniku encyklopedycznym Brockhausa i Euphron:
Symfonia (spółgłoska grecka) to nazwa kompozycji orkiestrowej składającej się z kilku części. S. jest najobszerniejszą formą w dziedzinie muzyki koncertowo-orkiestrowej. Ze względu na podobieństwa... - SYMFONIA we współczesnym słowniku encyklopedycznym:
- SYMFONIA
(łac. symfonia, z gr. symfonia - współbrzmienie, zgoda), utwór na orkiestrę symfoniczną jest jednym z głównych gatunków muzyki instrumentalnej. Symfonia klasyczna... - SYMFONIA w słowniku encyklopedycznym:
i cóż. 1. Świetny utwór na orkiestrę. Szostakowicz. Symfoniczny - związany z formą symfonii, z wykonywaniem dużych muzycznych ... - SYMFONIA w słowniku encyklopedycznym:
, -jeśli. 1. Duży (zwykle czteroczęściowy) utwór muzyczny na orkiestrę. 2. trans. Połączenie harmoniczne, połączenie czegoś. (książka). … - SYMFONIA w dużym rosyjskim słowniku encyklopedycznym:
SYMFONIA (z greckiej symfonii - współbrzmienie), muzyka. praca na symfonię orkiestra, napisana w formie cyklu sonatowego; najwyższa forma instr. muzyka. … - SYMFONIA w słowniku Colliera:
utwór muzyczny na orkiestrę, zwykle składający się z trzech lub czterech części, czasem z głosami. Pochodzenie. Pod koniec epoki baroku powstało wiele... - SYMFONIA w pełnym zaakcentowanym paradygmacie według Zalizniaka:
symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, symfonia, ... - SYMFONIA w Popularnym słowniku wyjaśniająco-encyklopedycznym języka rosyjskiego:
-i cóż. 1) Duży utwór muzyczny na orkiestrę symfoniczną, napisany w cyklicznej formie sonatowej. Symfonie Sibeliusa. 2) przeł. , Co … - SYMFONIA w Nowym Słowniku Słów Obcych:
(gr. współbrzmienie symfoniczne) 1) najwyższy rodzaj muzyki instrumentalnej, rozdz. arr. na orkiestrę symfoniczną; z. zwykle składa się z 4 części; … - SYMFONIA w Słowniku Wyrazów Obcych:
[ 1. najwyższy rodzaj muzyki instrumentalnej, rozdz. arr. na orkiestrę symfoniczną; z. zwykle składa się z 4 części; 2. *harmoniczne... - SYMFONIA w Słowniku synonimów Abramowa:
zobacz harmonię, ... - SYMFONIA w słowniku synonimów języka rosyjskiego:
harmonia, symfonietta, ... - SYMFONIA w Nowym słowniku wyjaśniającym i derywacyjnym języka rosyjskiego Efremova:
oraz. 1) a) Duży utwór muzyczny na orkiestrę, składający się zwykle z 3-4 głosów, różniących się między sobą charakterem muzyki i ... - SYMFONIA w Słowniku języka rosyjskiego Lopatin:
Symfonia, -i (indeks słownikowy do Sacred ... - SYMFONIA w kompletnym słowniku ortograficznym języka rosyjskiego:
symfonia i... - SYMFONIA w słowniku ortograficznym:
symfonia, -i (indeks słownikowy do świętego ... - SYMFONIA w słowniku ortograficznym:
symfonia, -i... - SYMFONIA w Słowniku języka rosyjskiego Ozhegov:
duży (zwykle czteroczęściowy) utwór muzyczny na orkiestrę symfonia harmoniczne połączenie czegoś w kolorach Lib S. C. kolory. Z. … - SYMFONIA w Słowniku Dahla:
Kobieta , Grecki , muzyka harmonia, współbrzmienie dźwięków, współbrzmienie polifoniczne. | Specjalny rodzaj polifonicznej kompozycji muzycznej. Symfonia Haydena. | Symfonia… - SYMFONIA we współczesnym słowniku wyjaśniającym, TSB:
(z gr. symfonia – współbrzmienie), utwór na orkiestrę symfoniczną, napisany w formie cyklicznej sonaty; najwyższa forma muzyki instrumentalnej. Zwykle …
Symfonia(z greckiego. ” współbrzmienie”) to gatunek symfonicznej muzyki instrumentalnej o wieloczęściowej kanonizowanej formie fundamentalnych treści światopoglądowych.
Symfonia jest zwykle utworem na orkiestrę, zwykle składającym się z kilku części. To jeden z najważniejszych gatunków muzyki europejskiej. We współczesnym znaczeniu słowo „symfonia” pojawiło się stosunkowo niedawno, w latach 70. XVIII w., ale jest to bardzo starożytne pochodzenie.
„Symfonia” w języku greckim oznacza „współbrzmienie”. W starożytności tak nazywano śpiew chóru lub zespołu unisono, a także wszelkie harmonijne, harmonijne kombinacje tonów. W średniowieczu słowo to zniknęło z użycia, a jego nowe życie rozpoczęło się w renesansie. Ale teraz słowo „symfonia” ma inne znaczenie. W muzyce renesansu powszechne były polifoniczne kompozycje wokalne - madrygały, kanzony. Rozpoczynały się one zwykle wstępem instrumentalnym, który nazywano symfonią. Kiedy w XVII w Jeśli powstawała opera, to też zaczynała się symfonią – później takie wprowadzenie przeradzało się w uwerturę.
W XVIII wieku. symfonia stopniowo oddzieliła się od muzyki wokalnej i rozpoczęła samodzielną egzystencję. Formę klasycystyczną uzyskał w latach 80.-90. XVIII wieku. w twórczości wielkich austriackich kompozytorów J. Haydna i W. A. Mozarta. Od tego czasu rozpoczyna się błyskotliwa droga symfonii w muzyce europejskiej i światowej, to właśnie wtedy stała się ona najważniejszym, centralnym gatunkiem twórczości muzycznej.
Symfonia typu klasycznego składa się z czterech kontrastujących ze sobą części. Razem tworzą cykl sonatowo-symfoniczny. Cykliczna struktura pozwala kompozytorowi na wyrażenie różnorodnych uczuć i nastrojów, na stworzenie muzycznie uogólnionego obrazu epoki. Symfonie Mozarta, L. Beethovena, L. I. Czajkowskiego, I. Brahmsa, G. Mahlera, D. D. Szostakowicza dają nam możliwość wczucia się w niepowtarzalny klimat tamtych czasów, podobnie jak powieść czy sztuka teatralna.
Pierwsza część symfonii klasycznej jest energiczna, dynamiczna, utrzymana w szybkim tempie, z reguły zajmuje dominującą pozycję w cyklu. W tym celu kompozytorzy wybierają jedną z najbardziej złożonych form - sonatę. Forma sonatowa umożliwia porównywanie kontrastujących, a nawet sprzecznych obrazów - heroicznych i lirycznych, ponurych i jasnych, uroczystych i delikatnych. Obrazy te następnie rozwijają się, zmieniają, w wyniku czego nabierają nowego charakteru, nowych cech. Pierwsza część symfonii wyróżnia się zatem szczególną wszechstronnością i bogactwem.
Druga część jest zwykle powolna. O jej charakterze decydują nastroje liryczne, kontemplacyjne, są w niej melodie bliskie piosence, romansowi. To wytchnienie po burzliwych wydarzeniach z pierwszej części. Ale są też rekolekcje. Na przykład w jednej z symfonii Haydna iw Symfonii heroicznej Beethovena w drugiej części brzmi marsz żałobny, żałobny i majestatyczny.
Trzecią częścią symfonii Haydna i Mozarta jest menuet. Menuety w symfoniach klasycznych są jak szkice, obrazy z życia. Menuety Haydna pełne są ludowej zabawy, bliskiej chłopskim tańcom; u Mozarta są liryczne, czasem z domieszką dramatycznej powagi. Menueta scherzo Beethoven zastąpił muzyką o szybkim, żywym charakterze, często o humorystycznym kolorycie.
Czwarta część to finał. Podobnie jak pierwsza, jest napisana w szybkim tempie, ale wewnętrznie nie jest tak kontrastowa. Jeśli sens pierwszej części tkwi w skonfliktowanym zestawieniu obrazów i dramatycznym rozwoju akcji, to w finale na pierwszy plan wysuwa się afirmacja i podsumowanie. Nieprzypadkowo finały pisane są często w formie ronda, opartego na okrężnym powrocie tego samego tematu, czyli na głoszeniu tej samej myśli muzycznej. Równolegle z cyklem sonatowo-symfonicznym ukształtowała się kompozycja orkiestrowa, dla której powstały symfonie - orkiestra symfoniczna.
Za szczyt w historycznym rozwoju symfonii uważa się twórczość Beethovena. Każda z jego symfonii jest nową, indywidualną wersją gatunku, każda zawiera w sobie cały świat idei filozoficznych, jest wynikiem ciężkiej pracy myśli kompozytora.
IX Symfonia Beethovena, wieńcząca jego karierę, otwiera nową kartę w historii gatunku. W końcowej części rozbrzmiewa oda „Do radości” F. Schillera, afirmująca ideę powszechnego braterstwa ludzkości. Ta idea, centralna dla twórczości Beethovena, została wyrażona w potężnym brzmieniu chóru i orkiestry. W ten sposób symfonia staje się wokalna. Odziedziczyli ją kompozytorzy kolejnych pokoleń: G. Berlioz, Mahler, A. N. Skriabin, I. F. Strawiński, Szostakowicz pisali symfonie wokalne.
Tekst poetycki uszczegóławia treść symfonii, a takie kompozycje należą do muzyki programowej. Symfonia programowa może również stać się programem, jeśli kompozytor po prostu poprzedzi ją tytułem. Haydn miał jeszcze podobne dzieła, na przykład oryginalną „Symfonię pożegnalną”, kończącą się stopniowym odchodzeniem muzyków. W szóstej („pastoralnej”) symfonii Beethovena wszystkie pięć części nosi tytuły. Widzimy, że układ programowy zmusił Beethovena do zwiększenia liczby głosów w symfonii i odejścia od klasycznej konstrukcji cyklu. Późniejsi kompozytorzy jeszcze swobodniej podchodzą do formy symfonii, zwiększając liczbę głosów lub wręcz przeciwnie, kompresując cykl do jednej części. Za każdym razem wiąże się to z ideą kompozycji, z indywidualnym planem.
Najwięksi symfoniści po Beethovenie to F. Schubert, Brahms, A. Bruckner, A. Dvorak, Mahler.
Dziedzictwo symfoniczne kompozytorów rosyjskich - Czajkowskiego, A.P. Borodina, A.G. Głazunowa, Skriabina, S.V. Rachmaninowa ma znaczenie światowe. Ich wielkie tradycje doczekały się bogatego i żywego rozwoju w twórczości radzieckich kompozytorów wszystkich pokoleń - N. Ya Myaskovsky, S. S. Prokofiew. A. I. Chaczaturian, T. N. Khrennikova, K. A. Karaev, Ya. A. Ivanov, F. M. Amirov i inni mistrzowie. Największym symfonistą naszych czasów był Szostakowicz. Jego 15 symfonii to prawdziwa kronika XX wieku.
Ze względu na podobieństwo budowy do sonaty, sonata i symfonia zostały połączone pod ogólną nazwą „cykl sonatowo-symfoniczny”. Symfonia klasyczna (w takiej postaci, w jakiej jest prezentowana w dziełach klasyków wiedeńskich – Haydna, Mozarta i Beethovena) składa się zazwyczaj z czterech części. część I, utrzymana w szybkim tempie, utrzymana jest w formie sonatowej; 2., w zwolnionym tempie, napisana jest w formie wariacji, ronda, rondo-sonaty, złożonej trzygłosowej, rzadziej w formie sonaty; 3. - scherzo lub menuet - w trzyczęściowej formie da capo z trio (czyli według schematu A-trio-A); Część IV, w tempie szybkim - w formie sonaty, w formie ronda lub sonaty ronda.
Symfonia programowa to taka, która jest powiązana ze znaną treścią przedstawioną w programie (wyrażoną np. w tytule lub motcie), na przykład Symfonia pasterska Beethovena, Symfonia fantastyczna Berlioza itp. Jako pierwszy wprowadził program do symfonią byli Dittersdorf, Rosetti i Haydn.
Wśród wielu gatunków i form muzycznych jedno z najbardziej zaszczytnych miejsc zajmuje symfonia. Powstał jako gatunek rozrywkowy, od początku XIX wieku po dzień dzisiejszy, najczulej i najpełniej, jak żadna inna forma sztuki muzycznej, oddaje swoje czasy. Symfonie Beethovena i Berlioza, Schuberta i Brahmsa, Mahlera i Czajkowskiego, Prokofiewa i Szostakowicza są wielkoformatowymi refleksjami nad epoką i osobowością, nad historią ludzkości i drogami świata.
Cykl symfoniczny, jaki znamy z wielu klasycznych i współczesnych przykładów, ukształtował się około dwustu pięćdziesięciu lat temu. Jednak w tym historycznie krótkim okresie gatunek symfoniczny przeszedł długą drogę. O długości i znaczeniu tej drogi zadecydował właśnie fakt, że symfonia pochłonęła wszystkie problemy swoich czasów, była w stanie oddać złożone, sprzeczne, pełne kolosalnych przewrotów epoki, ucieleśnić uczucia, cierpienia, zmagania ludzie. Wystarczy wyobrazić sobie życie społeczeństwa w połowie XVIII wieku - i przypomnieć sobie symfonie Haydna; wielkie przewroty końca XVIII i początku XIX wieku oraz odzwierciedlające je symfonie Beethovena; reakcja społeczna, rozczarowanie - i romantyczne symfonie; wreszcie wszystkie okropności, jakie ludzkość musiała znosić w XX wieku - i porównać symfonie Beethovena z symfoniami Szostakowicza, aby wyraźnie zobaczyć tę rozległą, czasem tragiczną drogę. Dziś mało kto pamięta, jak wyglądały początki, skąd się wziął ten najbardziej złożony z czysto muzycznych gatunków niezwiązanych z innymi sztukami.
Rzućmy okiem na muzyczną Europę połowy XVIII wieku.
We Włoszech, klasycznym kraju sztuki, który wyznacza trendy we wszystkich krajach europejskich, króluje opera. Dominuje tak zwana opera seria („poważna”). Nie ma w nim jasnych pojedynczych obrazów, nie ma prawdziwej dramatycznej akcji. Cykl operowy jest naprzemiennością różnych stanów psychicznych ucieleśnionych w postaciach warunkowych. Najważniejszą jej częścią jest aria, w której przekazywane są te stany. Są arie gniewu i zemsty, arie-skargi (lamento), arie powolne żałobne i radosne arie brawurowe. Te arie były tak uogólnione, że można je było przenosić z jednej opery do drugiej bez szkody dla wykonania. W rzeczywistości kompozytorzy często to robili, zwłaszcza gdy musieli pisać kilka oper w sezonie.
Melodia stała się elementem opery seria. Słynna sztuka włoskiego bel canto jest tutaj na najwyższym poziomie. W ariach kompozytorzy osiągnęli prawdziwe wyżyny ucieleśnienia określonego stanu. Miłość i nienawiść, radość i rozpacz, złość i smutek zostały oddane w muzyce tak żywo i przekonująco, że nie trzeba było słuchać tekstu, aby zrozumieć, o czym śpiewa piosenkarz. W ten sposób ostatecznie przygotowano grunt pod muzykę bez tekstu, zaprojektowaną tak, by uosabiała ludzkie uczucia i pasje.
Z interludiów - wstawek rozgrywanych między aktami opery seria a treściami z nią niezwiązanymi - wyrosła jej pogodna siostra, opera komiksowa. Demokratyczna w treści (jej bohaterami nie byli mitologiczni bohaterowie, królowie i rycerze, ale zwykli ludzie z ludu), świadomie sprzeciwiała się sztuce dworskiej. Miłośników opery wyróżniała naturalność, żywiołowość akcji, bezpośredniość języka muzycznego, często bezpośrednio nawiązującego do folkloru. Zawierał wokalne łamańce językowe, komiczną parodystyczną koloraturę, żywe i lekkie taneczne melodie. Finały aktów rozwijały się jak ansamble, w których aktorzy śpiewali czasem wszyscy naraz. Czasami takie finały nazywano „plątaniną” lub „zamieszaniem”, akcja toczyła się w nich tak szybko, a intryga okazywała się zagmatwana.
We Włoszech rozwinęła się także muzyka instrumentalna, a przede wszystkim gatunek najściślej kojarzony z operą – uwertura. Jako orkiestrowe wprowadzenie do spektaklu operowego zapożyczył jasne, ekspresyjne tematy muzyczne z opery, podobne do melodii arii.
Ówczesna uwertura włoska składała się z trzech części - szybkiej (Allegro), wolnej (Adagio lub Andante) i znowu szybkiej, najczęściej Menueta. Nazwali to sinfonia - tłumacząc z greckiego - współbrzmienie. Z czasem uwertury zaczęto wykonywać nie tylko w teatrze przed podniesieniem kurtyny, ale także osobno, jako samodzielne kompozycje orkiestrowe.
Na przełomie XVII i XVIII wieku pojawiła się we Włoszech genialna plejada wirtuozów skrzypków, którzy byli jednocześnie utalentowanymi kompozytorami. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli i inni, którzy doskonale opanowali grę na skrzypcach – instrumencie muzycznym, który w swej wyrazistości można porównać z głosem ludzkim – stworzyli obszerny repertuar skrzypcowy, głównie z utworów zwanych sonatami (z włoskiego sonar - dźwięk). W nich, podobnie jak w sonatach clavierowych Domenica Scarlattiego, Benedetto Marcello i innych kompozytorów, rozwinęły się pewne wspólne cechy strukturalne, które następnie przeszły do symfonii.
Inaczej kształtowało się życie muzyczne Francji. Muzyka kojarzona ze słowem i czynem od dawna jest tam kochana. Sztuka baletowa była wysoko rozwinięta; kultywowano szczególny rodzaj opery - tragedię liryczną, pokrewną tragediom Corneille'a i Racine'a, która miała odcisk specyficznego życia dworu królewskiego, jego etykiety, jego uroczystości.
Kompozytorzy francuscy przy tworzeniu utworów instrumentalnych skłaniali się ku fabule, programowi, werbalnej definicji muzyki. „Latająca czapka”, „Żniwiarze”, „Tamburyn” - tak zwane utwory klawesynowe, które były albo szkicami rodzajowymi, albo portretami muzycznymi - „Wdzięczny”, „Delikatny”, „Pracowity”, „Zalotny”.
Większe prace, składające się z kilku części, wywodziły się z tańca. Surowe niemieckie allemande, ruchomy, jak przesuwany francuski dzwonek, majestatyczna hiszpańska sarabanda i szybki gigue - ognisty taniec angielskich żeglarzy - od dawna znane są w Europie. Stanowiły one podstawę gatunku suity instrumentalnej (z suity francuskiej – sekwencja). Często w suitę wchodziły inne tańce: menuet, gawot, polonez. Przed allemande mogło zabrzmieć wstępne preludium, w środku suity miarowy ruch taneczny był czasem przerywany swobodną arią. Ale trzon suity – cztery różnorodne tańce różnych narodów – był z pewnością obecny w tej samej sekwencji, zarysowując cztery różne nastroje, prowadząc słuchacza od spokojnej części początku do ekscytującego, żywiołowego finału.
Suity pisało wielu kompozytorów, nie tylko we Francji. Znaczący hołd złożył im również wielki Jan Sebastian Bach, z którego nazwiskiem, jak również z całą niemiecką kulturą muzyczną tamtych czasów, wiąże się wiele gatunków muzycznych.
W krajach języka niemieckiego, czyli licznych niemieckich królestwach, księstwach i episkopatach (pruskich, bawarskich, saskich itp.), a także na różnych obszarach wielonarodowego Cesarstwa Austriackiego, do którego wówczas należał „lud muzyków” - Czechy zniewolone przez Habsburgów - muzyka instrumentalna kultywowana jest od dawna. W każdym małym miasteczku, miasteczku, a nawet wsi byli skrzypkowie i wiolonczeliści, wieczorami rozbrzmiewały utwory solowe i zespołowe grane z entuzjazmem przez amatorów. Ośrodkami muzykowania stały się zazwyczaj kościoły i szkoły przy nich. Nauczycielem był z reguły także kościelny organista, który w święta realizował muzyczne fantazje najlepiej jak potrafił. W dużych niemieckich ośrodkach protestanckich, takich jak Hamburg czy Lipsk, kształtowały się także nowe formy muzyki: koncerty organowe w katedrach. W koncertach tych zabrzmiały preludia, fantazje, wariacje, aranżacje chóralne i przede wszystkim fugi.
Fuga jest najbardziej złożonym rodzajem muzyki polifonicznej, osiągając swój szczyt w twórczości J.S. Bacha i Haendla. Jej nazwa pochodzi od łacińskiego słowa fuga – bieganie. Jest to utwór polifoniczny oparty na jednym temacie, który przechodzi (biegnie!) z głosu na głos. W tym przypadku każda linia melodyczna nazywana jest głosem. W zależności od liczby takich wersów fuga może być trzy-, cztero-, pięciogłosowa itd. W części środkowej fugi, po całkowitym wybrzmieniu tematu we wszystkich głosach, zaczyna się on rozwijać: albo jego początek pojawia się i znowu znika, potem będzie się rozszerzał (każda z składających się na niego nut będzie dwa razy dłuższa), potem się kurczy - to się nazywa temat rosnący i temat malejący. Może się zdarzyć, że w ramach tematu zstępujące ruchy melodyczne staną się wznoszącymi i odwrotnie (temat w obiegu). Ruch melodyczny przechodzi od jednego klawisza do drugiego. A w końcowej części fugi – Reprise – temat znów brzmi niezmiennie, jak na początku, wracając do głównego tonu spektaklu.
Przypomnijmy jeszcze raz: mówimy o połowie XVIII wieku. W trzewiach arystokratycznej Francji szykuje się eksplozja, która wkrótce zmiecie monarchię absolutną. Nadejdzie nowy czas. Tymczasem nastroje rewolucyjne przygotowywane są tylko w sposób dorozumiany, myśliciele francuscy przeciwstawiają się istniejącemu porządkowi. Domagają się równości wszystkich ludzi wobec prawa, głoszą idee wolności i braterstwa.
Sztuka, odzwierciedlając przemiany w życiu społecznym, jest wrażliwa na zmiany atmosfery politycznej w Europie. Przykładem tego są nieśmiertelne komedie Beaumarchais. Dotyczy to również muzyki. Właśnie teraz, w trudnym okresie, obfitującym w wydarzenia o kolosalnym znaczeniu historycznym, w czeluściach starych, ugruntowanych od dawna gatunków i form muzycznych, rodzi się nowy, prawdziwie rewolucyjny gatunek – symfonia. Staje się jakościowo, fundamentalnie inny, ponieważ ucieleśnia nowy typ myślenia.
Trzeba pomyśleć, że to nie przypadek, że mając przesłanki w różnych regionach Europy, gatunek symfonii ukształtował się ostatecznie w krajach języka niemieckiego. We Włoszech opera była sztuką narodową. W Anglii ducha i sens zachodzących tam procesów historycznych najpełniej oddały oratoria Georga Haendla, Niemca z urodzenia, który stał się narodowym kompozytorem angielskim. We Francji na pierwszy plan wysunęły się inne sztuki, w szczególności literatura i teatr, bardziej konkretne, bezpośrednio i zrozumiale wyrażające nowe idee, które ekscytowały świat. Dzieła Woltera, „Nowa Eloiza” Rousseau, „Listy perskie” Montesquieu w zawoalowanej, ale całkiem zrozumiałej formie przedstawiały czytelnikom zjadliwą krytykę istniejącego porządku, proponowały własne wersje struktury społeczeństwa.
Kiedy po kilkudziesięciu latach doszła do muzyki, pieśń wkroczyła w szeregi wojsk rewolucyjnych. Najbardziej uderzającym tego przykładem jest Pieśń Armii Renu, stworzona z dnia na dzień przez oficera Rougera de Lisle, która stała się znana na całym świecie pod nazwą Marsylianka. Po pieśni pojawiła się muzyka uroczystości masowych i uroczystości żałobnych. I wreszcie tak zwana „opera zbawienia”, której treścią było prześladowanie bohatera lub bohaterki przez tyrana i ich zbawienie w finale opery.
Symfonia natomiast wymagała zupełnie innych warunków zarówno do jej powstania, jak i do pełnego odbioru. „Środek ciężkości” myśli filozoficznej, który najpełniej odzwierciedlał głęboką istotę przemian społecznych tamtej epoki, okazał się być w Niemczech, z dala od społecznych burz.
Tam stworzyli swoje nowe systemy filozoficzne, najpierw Kanta, a później Hegla. Podobnie jak systemy filozoficzne, symfonia - najbardziej filozoficzny, dialektycznie proceduralny gatunek twórczości muzycznej - ukształtowała się ostatecznie tam, gdzie docierały tylko odległe echa nadchodzących burz. Gdzie zresztą rozwinęły się stabilne tradycje muzyki instrumentalnej.
Mannheim, stolica bawarskiego elektoratu Palatynatu, stała się jednym z głównych ośrodków powstania nowego gatunku. Tutaj, na genialnym dworze elektora Karola Teodora, w latach 40-50-tych XVIII wieku utrzymywano znakomitą, być może najlepszą orkiestrę w ówczesnej Europie.
W tym czasie orkiestra symfoniczna dopiero nabierała kształtu. A w kaplicach dworskich i katedrach nie istniały zespoły orkiestrowe o stałym składzie. Wszystko zależało od środków, którymi dysponował władca lub urzędnik, od gustów tych, którzy mogli rozkazywać. Orkiestra pełniła początkowo jedynie rolę użytkową, towarzysząc występom dworskim lub uroczystościom i uroczystym ceremoniom. I był uważany przede wszystkim za zespół operowy lub kościelny. Początkowo orkiestra obejmowała altówki, lutnie, harfy, flety, oboje, rogi i bębny. Stopniowo skład powiększał się, zwiększała się liczba instrumentów smyczkowych. Z czasem skrzypce wyparły starożytną altówkę i wkrótce zajęły wiodącą pozycję w orkiestrze. Instrumenty dęte drewniane - flety, oboje, fagoty - połączyły się w osobną grupę, a pojawiły się miedziane - piszczałki, puzony. Klawesyn, który tworzy podstawę harmoniczną brzmienia, był instrumentem obowiązkowym w orkiestrze. Zwykle szedł za nim lider orkiestry, który grając jednocześnie wydawał instrukcje dotyczące wejścia.
Pod koniec XVII wieku rozpowszechniły się zespoły instrumentalne, które istniały na dworach szlacheckich. Każdy z licznych drobnych książąt rozbitych Niemiec chciał mieć własną kaplicę. Rozpoczął się szybki rozwój orkiestr, pojawiły się nowe metody gry orkiestrowej.
Mannheim Orchestra obejmowała 30 instrumentów smyczkowych, 2 flety, 2 oboje, klarnet, 2 fagoty, 2 trąbki, 4 rogi, kotły. To kręgosłup współczesnej orkiestry, dla której tworzyło swoje dzieła wielu kompozytorów późniejszej epoki. Orkiestrę poprowadził wybitny czeski muzyk, kompozytor i wirtuoz skrzypiec Jan Vaclav Stamitz. Wśród artystów orkiestry byli także najwybitniejsi muzycy swoich czasów, nie tylko wirtuozi instrumentaliści, ale także utalentowani kompozytorzy Franz Xaver Richter, Anton Filz i inni. To one zadecydowały o doskonałym poziomie mistrzostwa wykonawczego orkiestry, która zasłynęła z niesamowitych walorów – nieosiągalnej wcześniej równości uderzeń skrzypiec, najdrobniejszych gradacji dynamicznych odcieni, których wcześniej w ogóle nie stosowano.
Według ówczesnego krytyka Bosslera „dokładne przestrzeganie fortepianu, forte, rinforzando, stopniowe narastanie i nasilanie dźwięku, a następnie ponowne zmniejszanie się jego siły aż do dźwięku ledwo słyszalnego – wszystko to można było usłyszeć tylko w Mannheim”. Angielski meloman, który odbył podróż do Europy w połowie XVIII wieku, Bernie, powtarza za nim: „Ta niezwykła orkiestra ma wystarczająco dużo miejsca i aspektów, aby pokazać wszystkie swoje możliwości i dać wspaniały efekt. To tutaj Stamitz, zainspirowany twórczością Yomelliego, po raz pierwszy wyszedł poza zwykłe uwertury operowe… wypróbowano wszystkie efekty, jakie może wywołać taka masa dźwięków. To tutaj narodziły się crescendo i diminuendo, a fortepian, który wcześniej był używany głównie jako echo i był zwykle jego synonimem, oraz forte zostały uznane za barwy muzyczne, które mają swoje odcienie...”
To właśnie w tej orkiestrze po raz pierwszy zabrzmiały czterogłosowe symfonie - kompozycje zbudowane według jednego typu i mające wspólne schematy, które wchłonęły wiele cech wcześniej istniejących gatunków i form muzycznych i stopiły je w jakościowo odmienną; nowa jedność.
Pierwsze akordy są zdecydowane, pełne, jakby wołające o uwagę. Potem szerokie, zamaszyste ruchy. Znów akordy, zastąpione ruchem arpeggiowym, a potem - skoczną, elastyczną, jak rozwijająca się sprężyna melodia. Wydaje się, że może to się rozwijać w nieskończoność, ale odchodzi szybciej, niż chce plotka: jak gość przedstawiony właścicielom domu podczas wielkiego przyjęcia, oddala się od nich, ustępując miejsca kolejnym. Po chwili ogólnego poruszenia pojawia się nowy temat - łagodniejszy, kobiecy, liryczny. Ale nie brzmi długo, rozpływa się w pasażach. Po jakimś czasie znów mamy pierwszy temat, nieco zmieniony, w nowej tonacji. Strumień muzyczny płynie szybko, powracając do pierwotnej, głównej tonacji symfonii; drugi temat organicznie wtapia się w ten nurt, zbliżając się teraz charakterem i nastrojem do pierwszego. Pierwsza część symfonii kończy się pełnią brzmienia radosnych akordów.
Druga część, andante, rozwija się powoli, melodyjnie, ujawniając ekspresję instrumentów smyczkowych. Jest to rodzaj arii na orkiestrę, w której dominuje liryzm i elegijna medytacja.
Trzecia część to elegancki galant menuet. Tworzy uczucie odprężenia, odprężenia. A potem, jak ognista trąba powietrzna, zapalające ostatnie wybuchy. Taka jest, ogólnie rzecz biorąc, symfonia tamtych czasów. Jego początki są bardzo wyraźnie śledzone. Pierwsza część najbardziej przypomina uwerturę operową. Ale jeśli uwertura jest tylko progiem spektaklu, to tutaj sama akcja rozwija się w dźwiękach. Typowo operowe muzyczne obrazy uwertury – heroiczne fanfary, wzruszające lamenty, burzliwa wesołość błaznów – nie kojarzą się z konkretnymi sytuacjami scenicznymi i nie noszą charakterystycznych cech indywidualnych (przypomnijmy, że nawet słynna uwertura do „Cyrulika sewilskiego” Rossiniego nie ma w sobie nic z treścią opery i w ogóle oryginalnie była napisana do innej opery!), oderwała się od przedstawienia operowego i rozpoczęła samodzielne życie. Łatwo je rozpoznać we wczesnej symfonii – zdecydowane, odważne intonacje arii heroicznych w tematach pierwszych, zwanych głównymi, łagodne westchnienia arii lirycznych w tematach drugich – tzw. pobocznych.
Zasady opery wpływają również na fakturę symfonii. Jeśli wcześniej w muzyce instrumentalnej dominowała polifonia, to znaczy polifonia, w której kilka niezależnych melodii, przeplatających się, brzmiało jednocześnie, to zaczęła się tu rozwijać polifonia innego typu: jedna melodia główna (najczęściej skrzypcowa), wyrazista, znacząca, której towarzyszy akompaniament, który ją wyróżnia, podkreśla jej indywidualność. Ten rodzaj polifonii, zwany homofonicznym, całkowicie dominuje we wczesnej symfonii. Później w symfonii pojawiają się techniki zapożyczone z fugi. Jednak w połowie XVIII wieku można go raczej skontrastować z fugą. Był z reguły jeden temat (są fugi podwójne, potrójne i więcej, ale w nich tematy nie są przeciwstawiane, lecz porównywane). Powtarzała się wiele razy, ale nic jej nie zaprzeczało. W istocie był to aksjomat, teza, którą powtarzano wielokrotnie bez konieczności udowadniania. W symfonii jest odwrotnie: spory i sprzeczności słychać w pojawianiu się i dalszych przemianach różnych tematów i obrazów muzycznych. Być może jest to najbardziej uderzający znak czasu. Prawda nie jest już dana. Trzeba go szukać, udowadniać, uzasadniać porównując różne opinie, wyjaśniając różne punkty widzenia. Tak robią encyklopedyści we Francji. Na tym opiera się filozofia niemiecka, aw szczególności metoda dialektyczna Hegla. A sam duch ery poszukiwań odbija się w muzyce.
Tak więc symfonia zaczerpnęła wiele z uwertury operowej. W szczególności w uwerturze zarysowana została zasada naprzemiennych, kontrastujących odcinków, które w symfonii przekształciły się w niezależne części. W pierwszej części - różne strony, różne uczucia człowieka, życie w jego ruchu, rozwój, zmiany, kontrasty i konflikty. W drugiej części - refleksja, skupienie, czasem - teksty. W trzecim - relaks, rozrywka. I wreszcie finał - obrazy zabawy, uniesienia, a zarazem - wynik rozwoju muzycznego, zakończenie cyklu symfonicznego.
Tak będzie się rozwijała symfonia do początku XIX wieku, tak najogólniej rzecz ujmując, będzie to np. Brahms czy Bruckner. A w chwili swoich narodzin najwyraźniej pożyczyła wiele części z apartamentu.
Allemande, courante, sarabande i gigue to cztery tańce obowiązkowe, cztery różne nastroje, które łatwo odnaleźć we wczesnych symfoniach. Taneczność w nich wyraża się bardzo wyraźnie, zwłaszcza w finałach, które często przypominają jig charakterem melodii, tempa, a nawet metrum. To prawda, czasem finał symfonii bliższy jest błyskotliwemu finałowi opery-buffa, ale nawet wtedy jego pokrewieństwo z tańcem, na przykład tarantellą, jest niezaprzeczalne. Jeśli chodzi o trzecią część, nazywa się ona menuetem. Dopiero u Beethovena scherzo zastąpi szarmanckiego dworzanina lub prymitywny pospolity taniec ludowy.
Nowonarodzona symfonia wchłonęła więc cechy wielu gatunków muzycznych, w dodatku gatunków narodzonych w różnych krajach. Powstanie symfonii miało miejsce nie tylko w Mannheim. Istniała Szkoła Wiedeńska, reprezentowana w szczególności przez Wagenseila. We Włoszech Giovanni Battista Sammartini pisał utwory orkiestrowe, które nazwał symfoniami i przeznaczone do wykonania koncertowego, niezwiązanego z przedstawieniem operowym. We Francji młody kompozytor, Belg z urodzenia, François-Joseph Gossec, zwrócił się ku nowemu gatunkowi. Jego symfonie nie spotkały się z odzewem i uznaniem, gdyż w muzyce francuskiej dominowało programowanie, ale jego twórczość odegrała rolę w rozwoju symfonii francuskiej, w odnowie i rozbudowie orkiestry symfonicznej. Czeski kompozytor Frantisek Micha, który swego czasu służył w Wiedniu, dużo iz sukcesem eksperymentował w poszukiwaniu formy symfonicznej. Jego słynny rodak Josef Myslevichka miał ciekawe eksperymenty. Wszyscy ci kompozytorzy byli jednak samotnikami iw Mannheim powstała cała szkoła, która zresztą miała do dyspozycji pierwszorzędny „instrument” – słynną orkiestrę. Dzięki szczęśliwej okazji, że elektor Palatynatu był wielkim miłośnikiem muzyki i miał dość środków na jej ogromne wydatki, w stolicy Palatynatu zgromadzili się wielcy muzycy z różnych krajów - Austriacy i Czesi, Włosi i Prusacy - z których każdy wniósł własny wkład w stworzenie nowego gatunku. W twórczości Jana Stamitza, Franza Richtera, Carlo Toeschiego, Antona Filza i innych mistrzów symfonia powstała w swoich głównych cechach, które następnie przeszły do twórczości wiedeńskich klasyków - Haydna, Mozarta, Beethovena.
Tak więc w ciągu pierwszego półwiecza istnienia nowego gatunku wykształcił się klarowny model strukturalny i dramaturgiczny, zdolny pomieścić różnorodne i bardzo znaczące treści. Podstawą tego modelu była forma, którą nazwano sonatą lub allegrem sonatowym, ponieważ pisane było najczęściej w tym tempie, a później było typowe zarówno dla sonat symfonicznych, jak i instrumentalnych oraz koncertów. Jego osobliwością jest zestawienie różnych, często kontrastujących ze sobą tematów muzycznych. Trzy główne części formy sonatowej - ekspozycja, rozwinięcie i repryza - przypominają początek, rozwój akcji i zakończenie klasycznego dramatu. Po krótkim wstępie lub bezpośrednio na początku ekspozycji przed słuchaczami przechodzą „bohaterowie” spektaklu.
Pierwszy temat muzyczny, który wybrzmiewa w tonacji głównej utworu, nazywany jest głównym. Częściej - temat główny, ale właściwiej - część główna, ponieważ w ramach części głównej, czyli pewnego segmentu formy muzycznej, połączonej jedną wspólnotą kluczową i figuratywną, z czasem nie jeden, ale kilka różnych tematów - zaczęły pojawiać się melodie. Po partii głównej, we wczesnych próbkach przez bezpośrednie porównanie, aw późniejszych przez małą partię łączącą, rozpoczyna się partia boczna. Jego temat lub dwa lub trzy różne tematy kontrastują z głównym. Najczęściej część boczna jest bardziej liryczna, miękka, kobieca. Brzmi w innej niż główna, drugorzędna (stąd nazwa partii) tonacji. Pojawia się niestabilność, a czasem konflikt. Ekspozycję kończy część końcowa, której albo nie ma we wczesnych symfoniach, albo pełni ona rolę czysto pomocniczą, rodzaj punktu, kurtyny po pierwszym akcie dramatu, by następnie, począwszy od Mozarta, nabrać znaczenia niezależny trzeci obraz wraz z głównym i dodatkowym.
Środkowa część formy sonatowej to rozwój. Jak sama nazwa wskazuje, w nim rozwijane, poddawane zmianom i rozwijane są tematy muzyczne, z którymi słuchacze zapoznali się w ekspozycji (czyli wystawianej wcześniej). Jednocześnie ukazywane są z nowych, czasem nieoczekiwanych stron, modyfikowane, wyodrębniane są z nich odrębne motywy - te najbardziej aktywne, które później się zderzają. Rozwój to dramatycznie skuteczna sekcja. Na końcu następuje kulminacja, która prowadzi do repryzy - trzeciej części formy, swoistego rozwiązania dramatu.
Nazwa tej sekcji pochodzi od francuskiego słowa reprendre – odnawiać. Jest to odnowienie, powtórzenie ekspozycji, ale zmodyfikowane: obie partie brzmią teraz w głównej tonacji symfonii, jakby zharmonizowane wydarzeniami rozwojowymi. Czasami w repryzie są inne zmiany. Na przykład może być obcięty (bez żadnego z motywów, które brzmiały w ekspozycji), odzwierciedlony (najpierw brzmi część boczna, a dopiero potem główna). Pierwsza część symfonii kończy się zwykle kodą – konkluzją potwierdzającą główną tonację i główny obraz allegra sonatowego. We wczesnych symfoniach koda jest niewielka i jest w istocie nieco rozwiniętą częścią końcową. Później, na przykład u Beethovena, nabiera ono znacznych rozmiarów i staje się rodzajem drugiego rozwinięcia, w którym ponownie dochodzi do afirmacji w walce.
Ta forma okazała się naprawdę uniwersalna. Od czasów symfonii do współczesności z powodzeniem ucieleśnia najgłębsze treści, przekazuje niewyczerpane bogactwo obrazów, idei, problemów.
Druga część symfonii jest powolna. Zwykle jest to liryczny środek cyklu. Jego forma jest inna. Najczęściej jest trzygłosowa, to znaczy ma podobne odcinki skrajne i kontrastujący z nimi odcinek środkowy, ale może być też napisana w formie wariacji lub dowolnej innej, aż do sonaty różniącej się konstrukcyjnie od pierwszej allegro tylko w wolniejszym tempie i mniej efektywnym rozwoju.
Część trzecia - we wczesnych symfoniach menuet, a od Beethovena do współczesności - scherzo - ma z reguły złożoną formę trzyczęściową. Treść tej części była modyfikowana i komplikowana przez dziesięciolecia, od tańca codziennego lub dworskiego do monumentalnych potężnych scherz z XIX wieku i późniejszych, do budzących grozę obrazów zła, przemocy w cyklach symfonicznych Szostakowicza, Honeggera i innych symfoników XX wieku. stulecie. Począwszy od drugiej połowy XIX wieku scherzo coraz częściej zamieniało się miejscami z częścią wolną, co zgodnie z nową koncepcją symfonii staje się rodzajem duchowej reakcji nie tylko na wydarzenia części pierwszej, ale także do figuratywnego świata scherza (zwłaszcza w symfoniach Mahlera).
Finał będący konsekwencją cyklu we wczesnych symfoniach jest częściej pisany w formie sonaty ronda. Przeplatanie wesołych, iskrzących się wesołością epizodów z nieustannym tanecznym refrenem - taka struktura naturalnie wynikała z charakteru obrazów finału, z jego semantyki. Z czasem, wraz z pogłębianiem się problematyki symfonii, zaczęły zmieniać się prawidłowości struktury jej finału. Finały zaczęły pojawiać się w formie sonatowej, w formie wariacji, w formie swobodnej, wreszcie - z cechami oratorium (z udziałem chóru). Zmieniły się też jego obrazy: nie tylko afirmacja życia, ale czasem tragiczny finał (VI Symfonia Czajkowskiego), pogodzenie się z okrutną rzeczywistością czy ucieczka z niej w świat snu, iluzje stały się treścią finału cyklu symfonicznego w ostatnie sto lat.
Wróćmy jednak do początków chwalebnej ścieżki tego gatunku. Pojawiając się w połowie XVIII wieku, osiągnął klasyczną doskonałość w twórczości wielkiego Haydna.
