Czym jest malarstwo sztalugowe w sztukach plastycznych. Malarstwo - główne gatunki

Nazwa „malarstwo sztalugowe” pochodzi od głównego elementu, czyli narzędzia, które bierze udział w tworzeniu obrazów. Mowa oczywiście o sztaludze, która rzadziej nazywana jest obrabiarką. Do jego powierzchni mocuje się płótno lub kartkę papieru, na którą następnie nakłada się farby. Malarstwo sztalugowe to wszystkie obrazy, które znajdują się obecnie w muzeach i kolekcjach prywatnych na całym świecie. Dlatego czasami trudno sobie wyobrazić liczbę wszystkich gatunków i odmian, które są podstawą tego rodzaju sztuki.

Nowożytni historycy sztuki postanowili podzielić malarstwo na różne podgatunki, które nazywane są w zależności od techniki wykonania obrazu, a także rodzaju użytych farb. W rezultacie ukształtowała się pewna chronologia, bo z czasem pojawiało się coraz więcej nowych.Malarstwo sztalugowe świata starożytnego, średniowiecza i renesansu dzieli się na dwie podgrupy – temperę i olej. Artysta albo stosował farby suche, czyli temperowe, które rozcieńczał wodą, albo stosował do nich farby olejne, a także szereg rozpuszczalników chemicznych.

Malarstwo sztalugowe temperą to złożona nauka, która wymaga wielu umiejętności, a także ogromnej cierpliwości mistrza malującego obraz. W starożytności farby temperowe mieszano z różnymi produktami naturalnymi, w tym z żółtkami i białkami jaj, miodem, winem i tak dalej. Za wszelką cenę do tej kompozycji dodano wodę, w wyniku czego farba nasiąkła i nadawała się do nakładania na płótno. mogły tworzyć piękny i niepowtarzalny wzór tylko wtedy, gdy były nakładane w oddzielnych warstwach lub małymi pociągnięciami. Dlatego forma sztuki tempery charakteryzuje się wyraźnymi liniami i przejściami, jasno określonymi granicami i brakiem płynnie przechodzących odcieni. Ze względu na to, że są temperowe, mogą zacząć się kruszyć. Również wiele dzieł sztuki wykonanych temperą wyblakło, tracąc dawne kolory i odcienie.

Malarstwo olejne ma swoje korzenie w XIV wieku, kiedy Van jan Eyck po raz pierwszy użył oleju do stworzenia swoich arcydzieł. są nadal używane przez wszystkich światowych artystów, ponieważ za ich pomocą można przekazać nie tylko przejścia kolorów na obrazie, ale także uczynić go obszernym i żywym. Farby na bazie naturalnych olejów można nakładać warstwami o różnej grubości, można nimi uzyskać mieszane i płynne przejścia kolorystyczne. Pozwala to artyście przenieść na płótno swoje emocje i doświadczenia w pełnym spektrum, aby obraz był bogaty i niepowtarzalny.

Ale pomimo wszystkich swoich zalet olej z czasem, podobnie jak tempera, traci swoje walory kolorystyczne. Za główną wadę takich farb uważa się również spękania pojawiające się na powierzchni obrazów. Pęknięcia mogą tworzyć się na przejściach z jednego koloru do drugiego, zamieniając obraz w rozdrobniony „witraż”. Dlatego obraz sztalugowy, malowany olejem, jest werniksowany, dzięki czemu obraz może być zachowany w pierwotnej formie przez dłuższy czas.

Nowoczesność, która stała się znacznie bardziej różnorodna i innowacyjna, bardzo różni się od sztuki minionych lat. Jednak pomimo bardziej progresywnych materiałów i kolorystyki, współczesne obrazy nie wyglądają tak żywe i pełne emocji i przeżyć, jak dzieła sztuki minionych wieków.

Widoki Monumentalne Sztalugi Monumentalnie dekoracyjne Malarstwo ikonowe Malarstwo miniaturowe Gatunki Style Mitologiczne Bitwa Historyczny Krajobraz Portret Martwa natura Animalistyczny Gospodarstwo domowe Akt

Rozejrzyj się wokół, jak tu pięknie! Ludzie zawsze szukali sposobów na zapisanie i zapamiętanie tego, co widzą. Możesz zrobić zdjęcie otaczającego Cię świata, ale wcześniej nie było aparatów fotograficznych, a rysowanie jest o wiele przyjemniejsze!

Malarz potrafi zdziałać cuda - pokazać wydarzenia z odległej przeszłości, przybliżyć nam bohaterów epickich i baśniowych, przenieść się w przyszłość i przedstawić nam nieistniejące postacie.

Głównym środkiem wyrazu malarstwa jest kolor. Artysta zwykle komponuje kolor na palecie, a następnie przenosi farbę na płótno obrazu, tworząc porządek kolorystyczny - kolorowanie.

Kolor może być ciepły i zimny, wesoły i smutny, spokojny i napięty, jasny i ciemny. Kolor tworzy nastrój obrazu.

Aby stworzyć zdjęcie, oprócz koloru, potrzebujesz kompozycji, czyli lokalizacji szczegółów obrazu. Artysta rozpoczyna pracę na płótnie od szkiców - szkiców.

Malarstwo dzieli się na sztalugowe i monumentalne. Artysta maluje obrazy na sztaludze, zwanej także sztalugą. Stąd nazwa „malarstwo sztalugowe”.

A słowo „monumentalny” mówi o czymś wielkim i znaczącym. Malarstwo monumentalne - są to duże malowidła na ścianach budynków w metrze, lotniskach, kościołach. Tematy monumentalnych obrazów są również wybierane jako znaczące: wydarzenia historyczne, bohaterskie czyny, opowieści ludowe.

Malarstwo monumentalne obejmuje mozaiki i witraże, które można również przypisać sztuce dekoracyjnej. Mozaika to wzór składający się z małych kawałków lub różnych materiałów.

Witraż to obraz na szkle lub z kawałków różnokolorowego szkła. Witraże wstawia się zamiast okien lub w drzwiach.

Fresco to technika malowania farbami wodnymi na wilgotnym tynku na ścianach, która wymaga bardzo szybkiej pracy przed wyschnięciem tynku.

Dlaczego nie malowali obrazów! Farby wykonano z białka jaja, kleju lub soku z drzewa figowego. Potem pojawiły się farby olejne, na bazie oleju roślinnego.

Malarstwo na bazie żółtka lub białka nazywa się temperą. W technice tempery artysta nie powinien mieszać farb, powinny one być nakładane bardzo cienką warstwą, jedna obok drugiej, bez przejść. Mieszane odcienie można uzyskać tylko poprzez nałożenie jednej warstwy na drugą.

Malarstwo woskowe Malarstwo na bazie kleju nazywamy gwaszem. Farby gwaszowe są gęste, matowe. Rysują na papierze, kartonie, płótnie, jedwabiu, kości.

Pastel to technika malowania i rysowania na szorstkiej powierzchni papieru lub tektury za pomocą specjalnych ołówków. Jednocześnie zaczynają się od szorstkich ołówków, a kończą na miękkich, a kolorowy puder rozciera się palcami.

Akwarela to technika malowania akwarelami. Zwykle akwarele wykonuje się na papierze, rozpuszczając farby w wodzie. Akwarela jest przezroczysta i miękka.

Nóż paletowy - narzędzie w postaci noża lub szpatułki z zakrzywionym uchwytem. Nóż paletowy jest używany przez artystów do usuwania mokrej farby z obrazu. Czasami zamiast pędzla używany jest szpachelka do nakładania farby w równej warstwie lub pociągnięciu reliefowym.

Gatunki malarstwa pojawiły się, gdy artyści zaczęli prezentować różne motywy na swoich obrazach. Głównym zadaniem pejzażysty jest pokazanie natury w całym jej pięknie.

W tłumaczeniu z francuskiego słowo „martwa natura” oznacza „martwą naturę”. Martwa natura nazywana jest obrazem rzeczy otaczających człowieka - naczyń, tkanin, kwiatów, warzyw i owoców, owoców morza i dziczyzny.

Portret to wizerunek osoby lub grupy osób. W portrecie artysta nie tylko przekazuje podobieństwo, ale także próbuje opowiedzieć o życiu i działalności osoby.

W starożytności człowiek starał się przedstawiać świat na obrazach tak, jak on sam go widział. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań i grobowców.

W renesansie pojawiły się gatunki malarstwa, które już zbadaliśmy - pejzaż, martwa natura, portret, zwierzęcy, codzienny, mitologiczny, historyczny, batalistyczny.

Klasycyzm to styl artystyczny skupiony na formach antycznych, głównie greckich klasyków. Artyści zwrócili szczególną uwagę na światłocień. Zwróć uwagę, jak dokładnie autor przedstawił fałdy na tkaninach za pomocą cieni. A artyści klasycyzmu w swoich obrazach używali tylko trzech kolorów - czerwonego, niebieskiego i żółtego - i mieszali je, aby uzyskać inne kolory.

Słowo „barok” oznacza „dziwny”, „dziwaczny”. Obrazy w stylu barokowym są kapryśne, bujne. Często łączą ze sobą bardzo duże i – wręcz przeciwnie – bardzo drobne detale, a światło i cień nie przechodzą płynnie w siebie, ale są ostro zarysowane.

Malarstwo romantyzmu często odzwierciedlało wydarzenia historyczne i teraźniejsze, wykorzystywało kontrast światła i cienia, bogatą kolorystykę.

Rewolucją w malarstwie było pojawienie się impresjonizmu, który starał się przekazać ulotne wrażenie, unikając jakichkolwiek szczegółów w rysunku. Takie obrazy były malowane na świeżym powietrzu i lepiej jest na nie patrzeć, oddalając się o kilka kroków.

Jeśli artystów impresjonistów interesowało wszystko, co ulotne, przypadkowe, to przedstawiciele kierunku postimpresjonistycznego szukali czegoś stałego, stabilnego. Obrazy zostały namalowane nie pod wpływem natychmiastowego wrażenia, ale z uwzględnieniem przebiegu promieni świetlnych, obliczenia cieni.

Modernizm dążył do ustanowienia podstaw sztuki. Modernizm łączył wiele nurtów artystycznych: ekspresjonizm, kubizm, konstruktywizm, surrealizm, abstrakcjonizm, pop-art. Ekspresjonizm to kierunek w sztuce, który charakteryzuje się chwytliwością, groteskowością.

Obrazy w stylu kubizmu przedstawiają rzeczywiste przedmioty w postaci wielu przecinających się, półprzezroczystych płaszczyzn (czworokąty, trójkąty, półkola).

Malarstwo abstrakcyjne, nazywane niekiedy awangardą, abstrakcjonizmem lub undergroundem, posługuje się odważną, nietuzinkową kolorystyką, poprawną, jak zarysowane figury na linijce.

Spójrz na twórczość autora, pracującego w stylu fowizmu. Używa niektórych kolorów, tak jak w twoim pudełku z farbą. Posługuje się też wyraźnymi konturami, jakby najpierw rysował ołówkiem, a potem już tylko farbami. Liczby na rysunku są bez cieni, bez objętości.

Prymitywizm to kierunek w sztukach wizualnych, którego obrazy przypominają dzieła sztuki prymitywnej, średniowiecznej, ludowej i dziecięcej.

Ile „-izmów”! Nawet przerażające jest wzięcie pędzla lub ołówka! Ale nie bójcie się, każdy z artystów, których obrazy właśnie widzieliście kiedyś sięgnął po farbę i papier po raz pierwszy. I jemu też nie udało się od razu. Bądź odważniejszy - fantazjuj, twórz, rysuj!

Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i przekonujące. Jest w stanie przekazać tomy i przestrzenie, naturę, ucieleśnić uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej i lot fantazji, ujawnić złożony świat ludzkich uczuć i charakterów. Malowanie może być jednowarstwowe (wykonywane od ręki) i wielowarstwowe, m.in podmalówki oraz szlifowanie nakładane na wyschniętą warstwę farby przezroczyste i półprzezroczyste warstwy farby.
Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.
Z budową objętości i przestrzeni wiąże się w malarstwie perspektywa liniowa i powietrzna, przestrzenne właściwości barw ciepłych i zimnych, światłocieniowe modelowanie formy, przeniesienie ogólnego kolorystycznego tła płótna. Aby stworzyć zdjęcie, oprócz koloru potrzebujesz dobry rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły rozpoczyna pracę od płótna, szukając najbardziej udanego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych rysunkach z natury opracował niezbędne elementy kompozycji.

MALARSTWO SZTALUGOWE .
Obrazy sztalugowe to takie, które mają niezależne znaczenie (są pisane na sztalugach). Malarstwo sztalugowe ma wiele gatunków.

Gatunek muzyczny (francuskie „sposób”, „wygląd”, „smak”, „zwyczaj”, „rodzaj”) – historycznie powstający i rozwijający się typ dzieła sztuki.
Gatunek można odnotować w tytule obrazu (ok. „Fishmonger”).

Gatunki malarstwa sztalugowego:

Jak pokazano na rysunku:
1.Portret
2.Sceneria
3.Martwa natura
4.Gospodarstwo domowe (gatunek)
5.Historyczny
6.Bitwa
7.animalistyczny
8.Biblijny
9.Mitologiczny
10.Bajka

1.Portret - wizerunek osoby lub grupy osób, który istnieje lub istniał w rzeczywistości.
Rodzaje portretów : portret do połowy, do ramion, do klatki, portret pełny, portret na tle krajobrazu, portret we wnętrzu (pokoju), portret z dodatkami, autoportret, portret podwójny, portret grupowy, portret pary, portret w kostiumie , miniaturowy portret.

W zależności od charakteru obrazu wszystkie portrety można podzielić na 3 grupy:
a ) ceremonialne portrety z reguły sugerują pełnometrażowy wizerunek osoby (na koniu, stojącej lub siedzącej), zwykle na tle pejzażu lub architektury;
b) portrety w pół sukience (może nie do końca pełnometrażowy, nie ma zaplecza architektonicznego);
w ) komora (intymne) portrety, w których wykorzystuje się ramię, klatkę piersiową, obraz w połowie długości, często na neutralnym tle.

Rosyjscy portreciści: Rokotov, Levitsky, Borowikowski, Bryullov, Kiprensky, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov

2.Sceneria (francuskie „miejsce”, „kraj”, „ojczyzna”) - przedstawia przyrodę, ukształtowanie terenu, krajobraz.
typy krajobrazu : wiejskie, miejskie, morskie (marina), urbanistyczne (veduta), przemysłowe.
Krajobraz może być liryczny, heroiczny, epicki, historyczny, fantastyczny..

Rosyjscy pejzażyści: Szczedrin, Aiwazowski, Wasiliew, Lewitan, Szyszkin, Polenow, Sawrasow, Kuindzhi, Grobar i inni.

3.Martwa natura (francuska „martwa natura”) – przedstawia oryginalne portrety rzeczy, ich spokojne życie. Artyści przedstawiają najzwyklejsze rzeczy, ukazują ich piękno i poezję.

Artyści: Serebryakova, Falk

4.Gatunek domowy (malarstwo rodzajowe) - przedstawia codzienne życie człowieka i zapoznaje nas z życiem ludzi minionych czasów.

Artyści: Venetsianov, Fedotov, Perov, Repin i inni.

5.gatunek historyczny - przedstawia znaczące wydarzenia historyczne, wydarzenia z przeszłości, epickie czasy. Gatunek ten często przeplata się z innymi gatunkami: domowymi, bitewnymi, portretowymi, pejzażowymi.

Artyści: Losenko, Ugryumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, Ge i inni.
Surikowa, wybitnego mistrza malarstwa historycznego: „Poranek egzekucji Streltsy”, „Bojar Morozowa”, „Mieńszykow w Berezowie”, „Przeprawa Suworowa przez Alpy”, „Podbój Syberii przez Jermaka”.

6.Gatunek bitewny - przedstawia kampanie wojskowe, bitwy, wyczyny zbrojne, operacje wojskowe.

7.Gatunek zwierzęcy - przedstawia świat zwierząt.

MALARSTWO MONUMENTALNE.

Od zawsze związany z architekturą. Dekoruje ściany i sufity, podłogi, otwory okienne.

Rodzaje malarstwa monumentalnego(różni się w zależności od techniki wykonania):

1.Fresk (po włosku „na surowo”) – pisany jest na surowym tynku wapiennym farbami (suchy pigment, barwnik w proszku), rozcieńczonymi wodą. Po wyschnięciu wapno uwalnia bardzo cienką warstwę wapna, która utrwala farbę pod spodem, sprawia, że ​​obraz jest nieścieralny i bardzo trwały.

2.tempera - farby rozcieńczane jajkiem, klejem kazeinowym lub spoiwem syntetycznym. Jest to niezależny i szeroko rozpowszechniony rodzaj malarstwa ściennego. Czasami piszą temperą na wyschniętym już fresku. Tempera wysycha szybko i zmienia kolor w miarę wysychania.

3.Mozaika (łac. „Dedykowane Muzom”) - obraz, ułożony z małych kawałków kolorowych kamieni lub smaltu (specjalnie spawane nieprzezroczyste kolorowe szkło)

4. witraż (francuskie „szklenie”, z łac. „szkło”) – obraz wykonany z kawałków przezroczystego kolorowego szkła, połączonych ze sobą ołowianymi paskami (lutowanie ołowiem)

5.płyta (francuski „tablica”, „tarcza”)
- a) fragment ściany lub stropu (plafon), podkreślony stiukową ramą lub ornamentem wstęgowym i wypełniony malarstwem;
b) wykonany farbami na płótnie, a następnie przymocowany do ściany. W przypadku ścian zewnętrznych panel może być wykonany z płytek ceramicznych.

ARCHITEKTURA

Architektura - sztuka tworzenia budynków i ich zespołów tworzących środowisko życia ludzi. Różni się od innych rodzajów sztuki tym, że realizuje nie tylko zadania ideowe i artystyczne, ale także praktyczne.

Rodzaje architektury:
publiczny (pałac);
mieszkalne publiczne;
urbanistyka;
przywrócenie;
ogrodnictwo krajobrazowe (krajobraz);
przemysłowy.

Ekspresyjne środki architektury:
kompozycja budynku;
skala;
rytm;
światłocień;
Kolor;
otaczająca przyroda i budynki;
malarstwo i rzeźba.

1. Skład budynku - ułożenie jego głównych części i elementów w określonej kolejności . Kompozycja budynku jest bardzo ważna, ponieważ decyduje o wrażeniu, jakie budynek robi.. Tworząc kompozycję architektoniczną, architekt stosuje różne techniki: naprzemienność i łączenie różnych przestrzeni (otwartych i zamkniętych, oświetlonych i zaciemnionych, komunikujących się i izolowanych itp.); różne objętości (wysokie i niskie, proste i krzywoliniowe, ciężkie i lekkie, proste i złożone); elementy powierzchni zamykających (płaskie i tłoczone, głuche i ażurowe, gładkie i kolorowe). Wybór kompozycji zależy od tego, do czego przeznaczony jest budynek.

Rodzaje kompozycji:
- symetryczny . Taki sam układ elementów budynku względem osi symetrii, która wyznacza środek kompozycji. Takie budowle były charakterystyczne dla architektury epoki klasycyzmu.
- Asymetryczny . Główna część budynku jest odsunięta od centrum. Zastosowano różne kubatury, kontrastujące kształtem, materiałem i kolorem, co prowadzi do dynamicznego obrazu architektonicznego. . charakterystyczne dla nowoczesnego budownictwa.
Odbiór symetrii i asymetrii w kompozycji poszczególnych elementów, rozmieszczeniu kolumn, okien, schodów, drzwi itp.

2. Rytm Duże znaczenie porządkowe w kompozycji architektonicznej ma rytm, tj. wyraźny rozkład brył i powtarzające się w określonych odstępach detale budowli (amfilady pomieszczeń i sieni, kolejne zmiany kubatur pomieszczeń, grupowanie kolumn, okien, rzeźb )

Rodzaje rytmu:
-rytm pionowy . Naprzemienność poszczególnych elementów w kierunku pionowym. Nadaje budynkowi wrażenie lekkości, aspiracji ku górze.
- Rytm poziomy . Naprzemienność elementów w kierunku poziomym Sprawia, że ​​budynek jest przysadzisty, stabilny.
Architekt, gromadząc i pogrubiając poszczególne detale w jednym miejscu i rozładowując je w innym, może podkreślić centrum kompozycji, nadać budynkowi dynamiczny lub statyczny charakter.

3. Skala . Proporcjonalne proporcje budynku i jego części. Określa wielkość poszczególnych części i detali budynku w stosunku do wielkości całego budynku jako całości, do osoby, otaczającej przestrzeni i innych budynków. Skala budynku nie zależy od wielkości budynku, ale od ogólnego wrażenia, jakie wywiera na osobie.

4. Światłocień . Właściwość, która ujawnia rozkład jasnych i ciemnych obszarów na powierzchni formy. Wzmacnia i ułatwia percepcję wizualną formy architektonicznej, nadaje jej bardziej malowniczy wygląd. Sztuczne oświetlenie kubatur budynków stosuje się na poziomie ulicy, głównego i oświetlenia. Odbite światło we wnętrzu stwarza złudzenie lekkości form.

Osobliwością architektury jako sztuki jest tworzenie jedności kompozycji architektonicznej z różnych form architektonicznych. Najprostszym sposobem na stworzenie jedności jest nadanie bryle budynku prostego geometrycznego kształtu. W złożonym zespole budynku jedność osiąga się przez podporządkowanie: drugorzędne części budynku są podporządkowane głównej bryle (centrum kompozycyjne). Tektonika to także narzędzie kompozytorskie.

Tektonika-artystycznie ujawniona struktura konstrukcyjna budynku.

5. Kolor . Jest często stosowany w obiektach architektonicznych, zwłaszcza w przestrzeniach wnętrz (zwłaszcza w budynkach klasycystycznych i barokowych). Nowoczesne wnętrze charakteryzuje się jasnymi, jasnymi kolorami.

6. Malarstwo i rzeźba .Artystycznymi środkami tworzenia jedności kompozycyjnej budynku są sztuka monumentalna i użytkowa, zwłaszcza rzeźba i malarstwo, których połączenie z architekturą nazwano „syntezą sztuk”.

7. Okoliczna przyroda i zabudowania .Architektura skłania się ku zespołowi. Dla jego konstrukcji ważne jest wpisanie się w naturalny (naturalny) lub miejski (miejski) krajobraz. Formy architektury są zdeterminowane: naturalnie (zależne od warunków geograficznych i klimatycznych, charakteru krajobrazu, intensywności nasłonecznienia); społecznie (w zależności od charakteru ustroju społecznego, ideałów estetycznych, utylitarnych i artystycznych potrzeb społeczeństwa).

Architektura jest ściśle związana z rozwojem sił wytwórczych i technologii. Żadna inna sztuka nie wymaga takiej koncentracji zbiorowych wysiłków i zasobów materialnych., na przykład: Katedra św. Izaaka została zbudowana przez 500 tysięcy ludzi w ciągu 40 lat.

Trójca architektury: użyteczność, siła, piękno. Innymi słowy, są to najważniejsze składowe całości architektonicznej: funkcja, konstrukcja, forma (Witruwiusz, I wiek n.e., starożytny rzymski teoretyk architektury). Budownictwo stało się architekturą, gdy celowy budynek nabrał estetycznego wyglądu.

Architektura powstała w starożytności. W starożytnym Egipcie wspaniałe budowle powstawały w imię celów duchowych i religijnych.(groby, świątynie, piramidy). W starożytnej Grecji architektura nabiera demokratycznego wyglądu, a miejsca kultu (świątynie) już teraz potwierdzają piękno i godność greckiego obywatela. Pojawiają się nowe rodzaje budynków użyteczności publicznej: teatry, stadiony, szkoły. A architekci idą w ich ślady humanistyczna zasada piękna, sformułowana przez Arystotelesa: „Piękne nie powinno być ani za duże, ani za małe ". W starożytnym Rzymie architekci szeroko stosowali łukowato sklepione konstrukcje wykonane z betonu. Nowe typy budynków, fora, łuki triumfalne i kolumny odzwierciedlają idee państwowości i siły militarnej. W średniowieczu architektura staje się wiodącą i najpopularniejszą formą sztuki.. W gotyckich katedrach aspirujących do nieba wyrażał się religijny impuls do Boga i namiętny ziemski sen ludzi o szczęściu . Architektura renesansu rozwija na nowych podstawach zasady i formy antycznych klasyków, wprowadza nową formę architektoniczną - posadzkę Klasycyzm kanonizuje techniki kompozytorskie starożytności.

Jedność kompozycji architektonicznej implikuje jedność stylu, który tworzy połączenie cech typowych dla sztuki określonego czasu. Na styl każdej epoki wpływały różne czynniki: poglądy ideowe i estetyczne, materiały i techniki budowlane, poziom rozwoju produkcji, codzienne potrzeby i formy artystyczne.

Styl - suma elementów, które ujawniają cechy tej epoki.
Styl - historycznie ustalony zestaw środków i technik artystycznych, które charakteryzują cechy sztuki określonego czasu.
Styl obecny jest we wszystkich formach sztuki, ale kształtuje się głównie w architekturze. Styl architektoniczny kształtował się przez dziesięciolecia, a nawet stulecia, na przykład w starożytnym Egipcie styl zachował się przez 3 tysiące lat, w związku z czym nazwano go kanonicznym (kanon (norma, reguła) - zbiór zasad wykształconej w procesie praktyki artystycznej i utrwalonej w tradycji).

Podstawowe zasady stylu egipskiego, charakterystyczne dla całej sztuki starożytnego Egiptu:
- jedność obrazów i inskrypcji hieroglificznych;
- pionowy obraz przedmiotów i osób (mniej znaczący jest przedstawiony na płaszczyźnie powyżej);
- obraz linia po linii złożonych scen z poziomymi pasami;
- figury w różnej skali, których rozmiar nie zależy od położenia w przestrzeni, ale od znaczenia każdej z nich;
- obraz postaci ludzkiej jakby z różnych punktów widzenia (twarzą w twarz) - zasada spłaszczania postaci na płaszczyźnie (gdy głowa i nogi były przedstawione z profilu, a tułów i oczy z przodu).

KALENDARZ-TEMATYCZNE PLANOWANIE LEKCJI.

Planowanie tematyczne kalendarza uzależnione jest od wieku uczniów. Idealną opcją jest obecność lekcji w klasach 5 (6) -11, do tego przeznaczony jest program państwowy Yu A. Solodovnikova i L. N. Predczetenskaya. Należy mieć na uwadze, że specyfika pracy na stanowiskach średniego i wyższego kierownictwa jest różna. . Gimnazjaliści potrafią już dostrzegać uogólnione idee zawarte np. w pojęciu stylu, w którym przeważa zjawisko zasady „od ogółu do szczegółu”. Uczniowie szkół średnich, zwłaszcza w klasach 5-6, nie zawsze są gotowi do zrozumienia stylu, to znaczy nadal nie mają umiejętności dostrzegania ogólnego wzorca w wielu konkretnych zjawiskach. Ta umiejętność rozwija się stopniowo, dlatego na poziomie średnim lekcje „zanurzenia” w dowolnym dziele, wydarzeniu, zjawisku, życiu i ścieżce twórczej autora, na przykład „Mity starożytnej Grecji”, „Narodziny opery”, "Florentine Kommerata" da większy wynik. Zajęcia te mogą przybrać formę dramatyzacji, gier biznesowych, quizów, sporów itp. Jednocześnie studenci otrzymują informacje dotyczące konkretnych postaci, cech środków wyrazu danej sztuki. Zdolność dostrzegania ogólnych wzorców kryjących się za tymi „prywatnymi” momentami powstaje na poziomie podświadomości. Ale konkretne obrazy i sytuacje zapamiętuje się dobrze, żywo i na długo.
W późniejszym okresie studenci, którzy zgromadzili doświadczenie w komunikowaniu się z poszczególnymi dziełami sztuki, zjawiskami kulturowymi, nabywają umiejętności realizowania, formułowania i wyrażania uogólnionych sądów. Ten moment przychodzi, gdy uczeń przychodzi do klasy 9, rzadziej do klasy 8. Uczniowie klas 8 i 9 mają różne spostrzeżenia. Klasa 8 to etap wieku przejściowego, który objawia się na różne sposoby. W jednym przypadku ósmoklasiści są już gotowi na bardziej złożony poziom percepcji, w drugim nie. W każdym przypadku o tej sytuacji decyduje nauczyciel.
Jeśli szkoła MHC uczy się od klas 5 do 11, podejście dwuetapowe może być najbardziej efektywne. Lekcje w klasach 5-7(8) to pasjonujące „zanurzanie się” w świat konkretnych zjawisk kultury, sztuki itp., przy wykorzystaniu aktywnych, praktycznych form pracy. Może to być podżeganie, gry, spory, korzystanie z programów komputerowych, badanie z wykorzystaniem Internetu, praca projektowa, quizy itp. Jednocześnie zachowana jest zasada historyzmu – w planowaniu tematycznym nauczyciel uwzględnia kluczowe dzieła i zjawiska kulturowe odzwierciedlające różne etapy jej rozwoju. Bardzo dobrze, jeśli jest to połączone z kursem historii, który studenci odbywają równolegle. Możliwe połączenie z lekcjami plastyki, literatury, muzyki itp.
Koncepcja wybrana przez nauczyciela jako podstawa może definiować różne materiały i działania. Solodovnikov sugeruje poleganie na mitologii jako możliwej zasadzie organizacji obiektu. Ale możliwe są też inne zasady.
Po osiągnięciu drugiego etapu, mając wiedzę na temat określonego zjawiska kulturowego, uczniowie klas 9-11 mogą ponownie przejść tę drogę, ale z punktu widzenia stylów, cech obrazu artystycznego w danej epoce. Oddzielne idee uzyskane wcześniej są dodawane do jednego systemu relacji, przyczyny i skutki stają się jasne.

Opracowując program dla klas 6-8, nauczyciel może wziąć za podstawę treść opcjonalnego kursu MHC Danilova, w którym nauczyciel może wybrać z obszernego i różnorodnego materiału to, co jest mu najbliższe i spełnia warunki jego praca.
Istnieje również możliwość zaplanowania lekcji MHK na poziomie średnim, gdy w każdej klasie obowiązuje zasada koncentryczności, tj. na każdych zajęciach uczniowie konsekwentnie przechodzą przez tematy związane ze sztuką świata starożytnego, średniowiecza, Wschodu, Rusi, renesansu itp.

, tektura, tektura, papier, jedwab) i implikuje niezależne i nieuwarunkowane postrzeganie otoczenia.

Głównymi materiałami malarstwa sztalugowego są farby olejne, temperowe i akwarelowe, gwasz, pastel, akryl. Na Dalekim Wschodzie malarstwo tuszem (głównie monochromatyczne), często integrujące kaligrafię, stało się przeważnie rozpowszechnione.

Szczególne miejsce zajmuje monotypia - pseudodrukarska technika malarska, wykorzystująca charakterystyczną dla grafiki warsztatowej metodę nakładania warstwy malarskiej na papier, poprzez drukowanie z płyty (metal, plastik, szkło).

Obraz europejski z reguły oddziela się od otoczenia ramą lub passe-partout, tradycja wschodnia pozostawia obraz w arkuszu lub zwoju, niekiedy powielając go na ozdobnym podłożu.

Malarstwo sztalugowe to jeden z głównych rodzajów sztuk plastycznych, najbogatszy w gatunki i style.

Malarstwa sztalugowego uczy się w szkołach i pracowniach artystycznych, w średnich szkołach artystycznych i instytutach artystycznych, z których największe w Rosji znajdują się w Sankt Petersburgu, Ryazan Art School. G.K. Wagnera w Riazaniu iw Moskwie.

Fundacja Wikimedia. 2010 .

Zobacz, co „Malarstwo sztalugowe” znajduje się w innych słownikach:

Rodzaj malarstwa, który w przeciwieństwie do monumentalnego nie jest związany z architekturą, ma charakter niezależny. Obrazy sztalugowe (obrazy) można przenosić z jednego wnętrza do drugiego, pokazywane w innych krajach. Termin... ... Encyklopedia sztuki

Rodzaj sztuki, której prace są tworzone za pomocą farb nakładanych na twardą powierzchnię. W dziełach sztuki tworzonych za pomocą malarstwa, koloru i rysunku stosuje się światłocień, wyrazistość ... ... Encyklopedia sztuki

Rodzaj dzieł sztuki, których prace są tworzone za pomocą farb nakładanych na powierzchnię. Malarstwo jest ważnym środkiem artystycznej refleksji i interpretacji rzeczywistości, wpływającym na myśli i uczucia odbiorców. Wielki słownik encyklopedyczny

ORAZ; oraz. 1. Sztuka wizualna, która odtwarza przedmioty i zjawiska świata rzeczywistego za pomocą farb. Olej, akwarela J. olej. Pejzaż Gatunek, bitwa Zaangażuj się w malowanie. Interesuje się malarstwem. Lekcje… … słownik encyklopedyczny

obraz- i tylko jednostki, f. 1) Rodzaj sztuki, który odtwarza przedmioty i zjawiska świata rzeczywistego za pomocą farb. Malarstwo akwarelowe. Malarstwo portretowe. Historia rozwoju malarstwa. 2) zebrane. Dzieła tego rodzaju sztuki. Wystawa… … Popularny słownik języka rosyjskiego

OBRAZ- rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła powstają na płaszczyźnie przy użyciu farb i kolorowych materiałów. System zestawień kolorystycznych (kolorystycznych) pozwala oddać najdrobniejsze niuanse rzeczywistości, a w ogóle malarskie…… Eurazjatycka mądrość od A do Z. Słownik wyjaśniający

Malarstwo antyczne- malowanie farbami woskowymi (enkaustycznymi) lub temperami na tynku, marmurze, wapieniu, drewnie, glinie; znane są obrazy towarzystw i budynków mieszkalnych, krypty, nagrobki, a także wyroby. malarstwo sztalugowe. Bolypa w zabytkach innych gr. obraz... ... antyczny świat. Odniesienie do słownika.

obraz- ▲ art poprzez, kolor malarstwo sztuka przedstawiająca rzeczywistość z farbą. malarstwo sztalugowe: malarstwo jest dziełem malarstwa. płótno. płótno. dyptych. tryptyk. monumentalne malarstwo dekoracyjne: malarstwo ścienne, ... ... Słownik ideograficzny języka rosyjskiego

MALARSTWO i dla kobiet. 1. Plastyczne tworzenie obrazów artystycznych za pomocą farb. Lekcje malarstwa. Szkoła malarstwa. 2. zebrane Dzieła tej sztuki. Kolejka ścienna Kolej sztalugowa | przym. malowniczo, wow. Pracownia malarska. . . . . . Słownik wyjaśniający Ożegowa

Rodzaj dzieł sztuki, dzieła sztuki tworzone za pomocą farb nakładanych na twardą powierzchnię. Podobnie jak inne rodzaje sztuki (patrz sztuka), Zh. wykonuje zadania ideologiczne i poznawcze oraz ... Wielka radziecka encyklopedia

Książki

• Giotta di Bondone. Malarstwo sztalugowe, Jurij Astachow, Era przedrenesansu ożywiła sztukę humanistyczną Giotto di Bondone. Jego freski zapewniły artyście chwałę pierwszego mistrza tamtych czasów. W dużej mierze zdecydował... Kategoria: Artyści zagraniczni Seria: Arcydzieła Malarstwa Wydawca: