Obraz - widok przedstawienia wyspy, przedstawienie w samolocie; pr-e art-va, wykonane farbami nakładanymi na dowolną powierzchnię. Korzyść: wizerunek osoby w jej różnorodnych powiązaniach z otoczeniem. Zh-s jest w stanie przekazać objętość i przestrzeń na płaszczyźnie, trudno to ujawnić. świat ludzkich chuv-in i hard-ditch. Podejście obrazkowe polega na przedstawieniu obiektu w odniesieniu do otaczającego go przestrzennego środowiska świetlnego i powietrznego, w najdrobniejszych przejściach tonalnych.
Rodzaje malarstwa miejsce docelowe: monumentalne (najstarszy typ) i monumentalno-dekoracyjne, sztalugowe, miniaturowe, ikonograficzne, teatralno-dekoracyjne, dekoracyjno-użytkowe. Malarstwo ikonowe i miniatura (ilustracja księgi rękopiśmiennej) - sztuka średniowiecza. Malarstwo sztalugowe - renesans.
Wyświetlenia wg technika. Techniki malarstwa monumentalnego: fresk(technika malowania farbami wodnymi na mokrym tynku; malowanie ścian); płyta(obraz do dekoracji ściany lub sufitu); mozaika(obraz lub wzór cząstek, które są jednorodne lub różnią się materiałem: z kamienia - kamyków, ze smaltu - stopu szkła, z płytek ceramicznych); witraże(kolorowe kompozycje szklane); grisaille(tworząc iluzję ulgi). Techniki malarstwa sztalugowego: inne wyposażenie enkaustyki(malowanie woskiem, wykonywane na gorąco, roztopionymi farbami); tempera(podstawowe malowanie ikon - farby na żółtku jajka); oleisty dobrze (materialna namacalność obrazu - renesans); pastel(suchymi, miękkimi kredkami bez brzegów); akwarela(no cóż, farby wodne, które wymagają szybkiej, dokładnej pracy); gwasz(Cóż, przy farbach wodnych z dodatkiem kleju i bieli tony rozjaśniają się po wyschnięciu).
Otóż wg tematy: religijno-mitologicznym i świeckim. System gatunków w dziennikarstwie świeckim w XVII wieku: portret- indywidualne, parowe i grupowe, ceremonialne i intymne, psychologiczne i gatunkowe, poza środowiskiem iw środowisku. otoczenie, autoportret. Sztuka portretu sięga starożytnego rytuału n-tu (Fayum n-t). Krajobraz- jako niezależny gatunek pojawił się w malarstwie egipskim. Rozkwit - sztuka XIX wieku: romantyczna i realistyczna - pejzaż narodowy (liryczny i epicki), plener, nastrojowy, filozoficzny. Wiejska i miejska (veduta - weneckie miasto z XVIII wieku - Canaletto, Guardi) n, morze. Martwa natura- przedstawiające przedmioty nieożywione i formy naturalne - owoce, kwiaty, naczynia. Rozkwit gatunku: flamandzki (gatunek sklepów), holenderski (gatunek śniadań lub wanita- „marność nad marnościami”, przedstawiona z czaszką) oraz hiszpańska studnia z XVII wieku. → w sztuce awangardowej. animalistyczny gatunek - przedstawienie istot żywych, ptaków, ryb (gatunki historyczne, alegoryczne, batalistyczne, codzienne). nagi- przedstawienie nagiego ciała: sięga mitologicznego f-si. Impresjonizm to mieszanka gatunków.
Wyrazić. środa w-si: rysunek (linia), kolor (kolor), światłocień, kompozycja. kolorowanie- system barwny pr-i, charakter relacji elementów kolorystycznych. Są kolory ciepłe-zimne, jasne-ciemne, spokojne-napięte. Obraz- sztaluga pr-e w-si, która ma niezależną wartość. Orientalny typ malarstwa to tradycyjna forma swobodnie wiszącego rozwiniętego zwoju jedwabiu (poziomego lub pionowego). Obraz składa się z podstawy (płótno lniane, deska drewniana, tektura), na kota nakładany jest podkład - będzie się przygotowywał. specjalna warstwa. skład (klej, olej, emulsja) i warstwę farby. W-s m/b jednowarstwowe i wielowarstwowe. Według tekstury (har-ru na wierzchu kolorowej warstwy wyróżnia się walerianowy oraz pasztecik dobrze. Valer to niuans tonalny, subtelna różnica pierwszego koloru w jasności, oddaje związek postaci, przedmiotów ze światłem i powietrzem (D. Velasquez, Jan Vermeer Delftsky, J. B. Chardin, C. Corot, V. Surikov). Olej pastozowy - praca z gęstymi warstwami, fakturą, reliefem, objętością oleju (Tycjan, Rembrandt, W. van Gogh). Kompozycja obrazu: podział na plany bliskie, średnie i dalekie, kompozycja piramidalna (klasycyzm); diagonalny (barok, romantyzm, realizm); podział na elementy większe i mniejsze lub brak tego podziału (impresjonizm). sztafaż- drugorzędne elementy kompozycji malarskiej - przedstawiające małe postacie ludzi lub zwierząt, które nie pełnią roli fabularnej.
Obraz- rodzaj sztuki plastycznej związany z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farby na stałą lub elastyczną powierzchnię.Istnieją dwa rodzaje malarstwa: sztalugowe i monumentalne. Malarstwo sztalugowe obejmuje dzieła, które istnieją niezależnie od miejsca powstania. Zasadniczo są to obrazy tworzone na sztaludze (czyli obrabiarce) artysty. W malarstwie sztalugowym dominują prace wykonane farbami olejnymi, ale można stosować także inne barwniki (tempera, farby akrylowe itp.). Obrazy malowane są głównie na płótnie naciągniętym na ramę lub naklejonym na tekturę, na tekturze, dawniej powszechnie stosowano deski drewniane, można użyć dowolnych materiałów płaskich. Malarstwo monumentalne wykonuje się bezpośrednio na ścianach i sufitach budynków i innych konstrukcji. Dawniej dominowało malowanie farbami wodnymi na wilgotnym tynku (fresku). We Włoszech do początku XVI wieku temperą malowano detale na wyschniętym „czystym fresku”. Technika „czystego fresku” wymaga od artysty specjalnych umiejętności, dlatego zastosowano również inne technologie, na przykład nie tak stabilne malowanie na suchym tynku - secco, późniejsze obrazy wykonano farbami olejnymi, które nie nadawały się zbytnio do malarstwa monumentalnego. Kolorowe obrazy na papierze (akwarela, gwasz, pastel itp.) formalnie (np. ze względu na miejsce w zbiorze) nawiązują do grafiki, ale i te prace często uchodzą za malownicze. Wszystkie inne metody obrazowania kolorowego są związane z grafiką, w tym obrazy tworzone przy użyciu technologii komputerowej. Najczęściej obrazy wykonywane są na płaskich lub prawie płaskich powierzchniach, takich jak naciągnięte płótno, drewno, płótno, obrobione powierzchnie ścian itp. Istnieje również wąska interpretacja tego terminu obraz jako prace wykonane farbami olejnymi na płótnie, tekturze, płycie pilśniowej i innych podobnych materiałach. rosyjskie słowo obraz wskazuje na realizm tej sztuki w epoce baroku, kiedy w Rosji zaczęto malować obrazy w stylu zachodnim, głównie farbami olejnymi. W ikonografii używa się czasownika „pisać”, podobnie jak w grece. Jednocześnie „malarstwo” można rozumieć jako energetyczny, oryginalny sposób pisania, czyli jako rodzaj pisma. W związku z malarstwem i pismem semiotycy widzą także pewien sposób tworzenia znaków. Historia malarstwa rozwija się i wędruje właśnie w tych dwóch znaczeniach: w figuratywności, realizmie i - symbolizmie: od ikony (obrazu) do abstrakcji. Techniki i kierunki malarstwa: olej; tempera; emalia; gwasz (ponieważ artysta wykorzystuje jako główny materiał papier, co jest charakterystyczne dla graficznych odmian sztuk plastycznych - zaliczany jest również do grafik; świadczy o tym także użycie drugiej do tworzenia prac monochromatycznych); pastel (do tej techniki zasadna jest uwaga podobna do poprzedniej); tusz (i w tym przypadku, podobnie jak w dwóch poprzednich, nie można jej jednoznacznie przypisać grafice; w Na przykład wschodnia kaligrafia, która w większości wykorzystuje ten materiał, jest tradycyjnie uważana za malarstwo, ponieważ jednak chińskie malarstwo akademickie używało głównie atramentu - skali achromatycznej); malarstwo na tynku: fresk i secco, malowanie klejem sfumato; malarstwo woskowe: metoda enkaustyczna, tempera woskowa i na zimno (farby woskowe na terpentynie); malowanie farbami ceramicznymi; malowanie farbami silikatowymi; malarstwo akwarelowe (technika akwareli jest inna, niektóre techniki są bliższe malarstwu, inne grafice, dlatego nieprzypadkowo w tezaurusie występuje takie sformułowanie: „rysuj akwarelą”) suchy pędzel; akryl; technika mieszana;Techniki malarskie są prawie niewyczerpalne. Wszystko, co pozostawia na czymś ślad, jest ściślej mówiąc malarstwem: malarstwo tworzy natura, czas i człowiek. Zauważył to już Leonardo da Vinci. Tradycyjne techniki malarskie: enkaustyka, tempera (z jajkiem), ściana (wapno), klej i inne rodzaje. Od XV wieku popularne stało się malarstwo olejne; w XX wieku pojawiły się farby syntetyczne ze spoiwem wykonanym z polimerów (akrylowych, winylowych itp.). Farby można przygotowywać z naturalnych i sztucznych pigmentów.Malarstwem określa się również gwasz, akwarelę, tusz chiński oraz technikę półrysunkową - pastel. Malowanie można wykonać na dowolnym podłożu: na kamieniu, gipsie, płótnie, jedwabiu, papierze, skórze (w tym na ciele zwierzęcia lub człowieka – tatuaże), metalu, asfalcie, betonie, szkle, ceramice itp., itp., itp. Malarstwo spotyka się i współistnieje ze sztukami plastycznymi, w tym z architekturą i rzeźbą; może uczestniczyć w kształtowaniu sztucznego i naturalnego środowiska. Malarstwo, podobnie jak inne sztuki wizualne, jest iluzoryczne: jest imitacją trójwymiarowej przestrzeni na płaszczyźnie, uzyskaną poprzez perspektywę liniową i kolorystyczną. Ale jego aspekt wizualny, a ponadto kolorystyczny (oko odbiera w jednej chwili niemal nieskończoną ilość informacji) przesądza o ekskluzywnym miejscu malarstwa wśród wszystkich sztuk wizualnych. Jednocześnie rozwój sztuki, wizualnych metod i środków wyrazu już dawno wykroczył poza rozumienie jej głównego zadania – „reprodukcji rzeczywistości”. Więcej Plotyn mówi: „Nie naśladuj natury, ale ucz się od niej”; i ta zasada przyświecała wielu artystom na przestrzeni wieków. Dlatego zadania malarstwa implikują nie tylko taką organizację przestrzeni na płaszczyźnie, którą kieruje i ogranicza odtworzenie na niej trójwymiarowego środowiska, co więcej, poszczególne metody od dawna postrzegane są jako „ślepe zaułki” na płaszczyźnie. ścieżka rozwoju sztuki (w kontekście rozumienia i przemyślenia adekwatności percepcji). Płaszczyzna, podobnie jak kolor, ma niezależną integralność i wartość, razem dyktują swoje warunki w syntezie form i na płaszczyźnie jako takiej oraz w interakcji z przestrzenią trójwymiarowo-czasową. Artysta nie zadowala się już zestawem technik iluzorycznych („iluzjonizm”), podąża za potrzebami nowego rozumienia piękna, porzucając nieistotne metody wyrażania siebie i oddziaływania na widza, poszukując nowych form takiego, dialektycznie powraca do tego, co najlepsze z odrzuconych, a tym samym dochodzi do zrozumienia i urzeczywistnienia nowych wartości. Takie rozumienie metod i technicznych, ekspresyjnych zadań sztuki kultywowali wśród innych teoretyków i mistrzów V. A. Favorsky i ks. Pavel Florensky, a później niezależnie opracowany przez samego V. A. Favorsky'ego. Oczywiście nie jest to jedyna „właściwa” droga rozwoju współczesnej sztuki i malarstwa, jednak wiele zapisów takiej wizji jest bardzo przekonujących i produktywnych. Jeśli chodzi o błędność ścisłego wykluczenia malarstwa ze sztuk plastycznych, nawet teoria „ortodoksyjnej” historii sztuki już dawno została poddana ponownej ocenie. Oto, co powiedziano nie w jakimś zawiłym studium konceptualnym, ale w Popular Art Encyclopedia: „Sztuka plastyczna dzieli się z kolei na obrazową i nieobrazową. Do tych pierwszych zalicza się malarstwo, rzeźbę, grafikę, sztukę monumentalną… Do niemalarskich zalicza się architekturę, sztukę i rzemiosło, projektowanie artystyczne… Granice między sztukami pięknymi i niepięknymi nie są absolutne… Funkcje malarstwa. Podobnie jak inne formy sztuki, malarstwo może pełnić funkcje poznawcze, estetyczne, religijne, ideologiczne, filozoficzne, społeczno-edukacyjne czy dokumentalne. Jednak główną i podstawową wartością ekspresywną i znaczeniową w malarstwie jest kolor, który sam w sobie jest nośnikiem idei (m.in. ze względu na psychologiczne czynniki wpływu i percepcji). Bardzo przekonująco wyjaśnia to i pokazuje np. teoria I. Ittena. To nie przypadek, że istnieje coś takiego jak „literackie”, gdy malarstwo, z tego czy innego powodu, nie mając wystarczających cech plastycznych i wyrazistych, wciąga do swojego arsenału element czysto narracyjny, „literacki”. Niemniej jednak, ewoluując wraz z człowiekiem i całym światem, malarstwo zyskało zarówno nową interpretację, jak i nowe rozumienie zadań. Posiadający więc początkowo wyraźne znamiona samodzielnych cech plastycznych (nieprzypadkowo jednym z głównych parametrów odróżniających technikę malarską od grafiki jest pociągnięcie pędzla, które daje szeroki wachlarz możliwości plastycznych – oczywiście w największym stopniu najczęściej formy – malarstwo olejne, ale oczywiście także – wiele jego nowych typów i technik, zakładających syntezę form). Na idee sposobów i zadań malarstwa, a także wszelkie środki i metody wyrażania siebie, historię sztuki i środowisko twórcze, wyraźnie wpłynął rozwój ogólnego procesu poznawczego, ale w naturalny sposób one same wpłynął na nią, dotykając wielu aspektów światopoglądu i działalności człowieka. Ponowne przemyślenie funkcji malarstwa, a właściwie wszelkiej twórczości, przeszło przez zaprzeczenie jego celowości jako takiej („Dopiero zdając sobie sprawę, że jest to całkowicie bezsensowne, możesz zacząć tworzyć”, mówi R.-M. Rilke); - poprzez uświadomienie sobie, że "jest to głęboko irracjonalny proces" - nie tylko sam R.-M. Rilkego i właściwie postrzegany, dobrze przez niego rozumiany P. Klee, ale także wielu artystów i filozofów; co więcej, sam ich rozwój przygotował nowe rozumienie sztuki i jej zadań: pełni ulotnego życia, technicznego i technologicznego, a wreszcie – przemian społecznych i moralnych – nie udało się zmieścić w prokrustowym łożu ideologicznych i akademickich dogmatów i klisz, kapłańskie izolowanie sztuki od samego rozwoju życia, sprowadzając się właśnie do „dobrze rozumianych i od dawna znanych” funkcji samego tego głębokiego procesu twórczego. Wyróżniają się obrazy tworzone przez ludzi, którzy w różnym stopniu niewłaściwie postrzegają otaczającą ich rzeczywistość, w których twórczości nie ma prób zbliżenia się do jej realistycznego przedstawienia. W niektórych przypadkach takie płótna są tworzone przez osoby z odchyleniami umysłowymi od ogólnie przyjętej normy, a nawet przez pacjentów placówek medycznych. gatunki malarstwa. Portret. Portret to wizerunek osoby lub grupy osób, które istnieją lub istniały w rzeczywistości. „Portret przedstawia wygląd zewnętrzny (a przez to świat wewnętrzny) konkretnej, realnej osoby, która istniała w przeszłości lub istnieje w teraźniejszość.” [Granice gatunku portretowego są bardzo ruchome i często sam portret można łączyć w jednej pracy z elementami innych gatunków. portret historyczny- przedstawia jakąś postać z przeszłości i stworzoną według wspomnień lub wyobraźni mistrza. Portret pośmiertny (retrospektywny).- wykonane po śmierci przedstawionych osób według ich wizerunków z życia lub nawet całkowicie skomponowane. malarstwo portretowe- portretowana osoba przedstawiona jest w semantycznej i fabularnej relacji z otaczającym ją światem rzeczy, przyrodą, motywami architektonicznymi i innymi ludźmi. Spacer portretowy- wizerunek chodzącej osoby na tle natury powstał w Anglii w XVIII wieku i stał się popularny w dobie sentymentalizmu Typ portretowy- obraz zbiorowy, strukturalnie zbliżony do portretu Portret w kostiumie- osoba jest przedstawiona jako postać alegoryczna, mitologiczna, historyczna, teatralna lub literacka. autoportret- Zwyczajowo wyróżnia się odrębny podgatunek. portret religijny (dawcy lub dawcy)- starożytna forma portretu, kiedy osoba, która dokonała darowizny, była przedstawiana na obrazie (np. obok Madonny) lub na jednym ze skrzydeł ołtarza (często klęcząca). Z natury obrazu: ceremonialny portret- z reguły polega na ukazaniu osoby w pełni rozwiniętej. półprzód- ma taką samą koncepcję jak portret formalny, ale zwykle ma krój w talii lub pokoleniowy i dość rozbudowane dodatki. portret kameralny- używany jest obraz talii, klatki piersiowej, ramion. Postać często podawana jest na neutralnym tle. Portret intymny - to rzadka odmiana muzyki kameralnej o neutralnym tle. Wyraża ufny związek między artystą a portretowaną osobą. portrety małoformatowe i miniaturowe, wykonane akwarelą i tuszem. Krajobraz- gatunek malarstwa, w którym głównym tematem obrazu jest pierwotna natura, w mniejszym lub większym stopniu przekształcona przez człowieka. Istniał od starożytności, ale stracił na znaczeniu w średniowieczu i pojawił się ponownie w renesansie, stając się stopniowo jednym z najważniejszych gatunków malarskich. przystań- gatunek sztuki przedstawiający widok na morze, a także scenę bitwy morskiej lub innych wydarzeń rozgrywających się na morzu. To rodzaj krajobrazu. Jako niezależny rodzaj malarstwa pejzażowego marina wyróżniała się na początku XVII wieku w Holandii. Malarstwo historyczne - gatunek malarstwa wywodzący się z renesansu, obejmujący prace nie tylko o fabule prawdziwych wydarzeń, ale także obrazy mitologiczne, biblijne i ewangeliczne. Przedstawia wydarzenia z przeszłości, które są ważne dla pojedynczego narodu lub całej ludzkości. Malarstwo bitewne - gatunek sztuki poświęcony tematyce wojny i życia wojskowego. Główne miejsce w gatunku bitewnym zajmują sceny bitew lądowych, morskich i kampanii wojskowych. Artysta dąży do uchwycenia szczególnie ważnego lub charakterystycznego momentu bitwy, ukazania bohaterstwa wojny, a często także do ujawnienia historycznego znaczenia wydarzeń militarnych. martwa natura - przedstawienie przedmiotów nieożywionych w sztukach wizualnych. Powstał w XV-XVI wieku, ale jako niezależny gatunek ukształtował się dopiero w XVII wieku w twórczości artystów holenderskich i flamandzkich. Od tego czasu jest ważnym gatunkiem w malarstwie, w tym w twórczości artystów rosyjskich. Malarstwo rodzajowe jest częścią codziennego gatunku w sztukach wizualnych. Sceny codzienne były przedmiotem malarstwa od starożytności, jednak jako odrębny gatunek malarstwo gatunkowe ukształtowało się dopiero w średniowieczu, które szczególnie silnie rozwinęło się w dobie przemian społecznych w czasach nowożytnych. Malarstwo architektoniczne. Malarstwo, którego głównym tematem nie był pejzaż naturalny, ale architektoniczny. Obejmuje nie tylko obraz obiektów architektonicznych, ale także obraz wnętrz. Malarstwo zwierząt To obraz, którego główną fabułą jest wizerunek zwierząt. Furry art to obraz antropomorficznych zwierząt. Malarstwo dekoracyjne. Malarstwo monumentalne jest częścią sztuki monumentalnej, malarstwa na budynkach i konstrukcjach. Malarstwo teatralne i dekoracyjne to projekty scenografii i kostiumów do przedstawień teatralnych i filmów; szkice poszczególnych inscenizacji. Malarstwo dekoracyjne - kompozycje ornamentalne i fabularne tworzone za pomocą malowania na różnych częściach obiektów architektonicznych, a także na wyrobach sztuki dekoracyjnej i użytkowej.
Obraz
(z rosyjskiego żywy i pisać) - rodzaj sztuki, który polega na tworzeniu obrazów, obrazów, które najpełniej i najbardziej realistycznie odzwierciedlają rzeczywistość.
Dzieło sztuki wykonane farbami (olej, tempera, akwarela, gwasz itp.) naniesionymi na twardą powierzchnię nazywamy malarstwem. Głównym środkiem wyrazu malarstwa jest kolor, jego zdolność do wywoływania różnych uczuć, skojarzeń, wzmacnia emocjonalność obrazu. Artysta zwykle rozrysowuje na palecie kolor niezbędny do malowania, a następnie zamienia farbę w kolor na płaszczyźnie obrazu, tworząc porządek kolorystyczny - kolorowanie. Z natury zestawień kolorystycznych może być ciepła i zimna, wesoła i smutna, spokojna i napięta, jasna i ciemna.
Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i przekonujące. Malarstwo jest w stanie przekazać objętość i przestrzeń, naturę na płaszczyźnie, odsłaniając złożony świat ludzkich uczuć i postaci, ucieleśniając uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej, mitologiczne obrazy i lot fantazji.
Malarstwo dzieli się na sztalugowe i monumentalne. Artysta maluje obrazy na płótnie naciągniętym na blejtram i osadzonym na sztalugach, które można też nazwać sztalugami. Stąd nazwa „malarstwo sztalugowe”.
A samo słowo „monumentalny” mówi o czymś wielkim i znaczącym. Malarstwo monumentalne - są to wielkoformatowe malowidła na ścianach wewnętrznych lub zewnętrznych budynków (freski, panele itp.). Dzieła malarstwa monumentalnego nie można oddzielić od podłoża (ściany, podpory, stropu itp.). Wybierane są również istotne dla malarstwa monumentalnego tematy: wydarzenia historyczne, bohaterskie czyny, opowieści ludowe itp. Mozaika i witraże, które również można przypisać sztuce dekoracyjnej, łączą się bezpośrednio z malarstwem monumentalnym. Tutaj ważne jest osiągnięcie stylistycznej i figuratywnej jedności malarstwa monumentalnego i architektury, syntezy sztuk.
Konieczne jest rozróżnienie takich rodzajów malarstwa, jak malarstwo dekoracyjne, malowanie ikon, malarstwo miniaturowe, teatralne i dekoracyjne. Każda z odmian malarstwa wyróżnia się specyfiką technicznego wykonania oraz rozwiązaniem zadań artystycznych i pomysłowych.
W przeciwieństwie do malarstwa jako samodzielnej dziedziny sztuk plastycznych podejście (metoda) obrazowe może być stosowane także w innych jego rodzajach: w rysunku, grafice, a nawet w rzeźbie. Istota podejścia piktorialnego polega na przedstawieniu obiektu w relacji do otaczającego go przestrzennego środowiska świetlnego i powietrznego, w delikatnej gradacji przejść tonalnych.
Różnorodność przedmiotów i wydarzeń otaczającego świata, zainteresowanie nimi artystów doprowadziło do powstania w XVII-XX wieku. gatunki malarstwa: portret, martwa natura, pejzaż, animalistyczne, codzienne (malarstwo rodzajowe), mitologiczne, historyczne, batalistyczne. W dziełach malarskich można spotkać łączenie gatunków lub ich elementów. Na przykład martwa natura lub pejzaż z powodzeniem mogą być uzupełnieniem obrazu portretowego.
Ze względu na stosowane techniki i materiały malarstwo można podzielić na następujące rodzaje: olej, tempera, wosk (enkaustyka), emalia, klej, farby wodne na mokrym tynku (fresk) itp. W niektórych przypadkach jest to trudne oddzielić malarstwo od grafiki. Prace wykonane akwarelą, gwaszem, pastelą, mogą odnosić się zarówno do malarstwa, jak i grafiki.
Malowanie może być jednowarstwowe, wykonywane od ręki, jak i wielowarstwowe, obejmujące podmalowanie i lazurowanie, przeźroczyste i prześwitujące warstwy farby nakładane na wyschniętą warstwę malarską. Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.
Ważnymi środkami artystycznego wyrazu w malarstwie są, oprócz koloru [koloru], plama i charakter kreski, obróbka barwnej powierzchni (faktury), waleriany, ukazujące najsubtelniejsze zmiany tonacji w zależności od oświetlenia, refleksy, które pojawiają się w wyniku interakcji sąsiednich kolorów.
Konstruowanie objętości i przestrzeni w malarstwie wiąże się z perspektywą liniową i powietrzną, przestrzennymi właściwościami barw ciepłych i zimnych, światłocieniowym modelowaniem formy, przeniesieniem ogólnej tonacji kolorystycznej płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru potrzebujesz dobrego rysunku i wyrazistej kompozycji. Artysta z reguły rozpoczyna pracę na płótnie od poszukiwania najbardziej udanego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych rysunkach z natury opracował niezbędne elementy kompozycji. Pracę nad obrazem można rozpocząć od narysowania kompozycji pędzlem, podmalowania i bezpośredniego pomalowania płótna różnymi środkami malarskimi. Co więcej, nawet szkice przygotowawcze i szkice mają czasem samodzielną wartość artystyczną, zwłaszcza jeśli należą do pędzla słynnego malarza.
Malarstwo to bardzo starożytna sztuka, która ewoluowała przez wiele stuleci od paleolitycznych malowideł naskalnych do najnowszych trendów w malarstwie XX wieku. Malarstwo ma szeroki wachlarz możliwości urzeczywistnienia idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe.
W starożytności istniała chęć odtworzenia prawdziwego świata tak, jak widzi go człowiek. Spowodowało to pojawienie się zasad światłocienia, elementów perspektywy, pojawienie się trójwymiarowych obrazów obrazowych. Ujawniły się nowe możliwości tematyczne obrazowego przedstawiania rzeczywistości. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań, grobowców i innych budowli, pozostawało w artystycznej jedności z architekturą i rzeźbą.
Malarstwo średniowieczne miało głównie treść religijną. Wyróżniał się ekspresją dźwięcznych, głównie lokalnych kolorów, wyrazistych konturów.
Tło fresków i obrazów było z reguły warunkowe, abstrakcyjne lub złote, ucieleśniające boską ideę w jej tajemniczym blasku. Znaczącą rolę odegrała symbolika koloru.
W renesansie poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm (osoba w centrum mieszania czystych kolorów, efekty przenoszenia faktury. Artyści wychodzili malować swoje obrazy w plenerze.
Pod koniec XIX-XX wieku. rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny. Różne ruchy realistyczne i modernistyczne uzyskują prawo do istnienia.
Pojawia się malarstwo abstrakcyjne (zob. awangarda, abstrakcjonizm, underground), które oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalność i umowność koloru, przesadę i geometryzację form, dekoracyjność i asocjatywność rozwiązań kompozycyjnych.
W XX wieku. poszukiwania nowych kolorów i środków technicznych tworzenia obrazów trwają, co niewątpliwie doprowadzi do powstania nowych stylów w malarstwie, jednak malarstwo olejne pozostaje nadal jedną z najbardziej ukochanych technik artystów.
Proces rozwoju malarstwa europejskiego w XVII - XVIII wieku. staje się bardziej złożony, powstają szkoły narodowe, z których każda ma własne tradycje i cechy charakterystyczne. Malarstwo głosiło nowe ideały społeczne i obywatelskie, pogłębiało problemy psychologiczne, poczucie sprzecznej relacji między jednostką a otaczającym ją światem. Odwoływanie się do różnorodności prawdziwego życia, zwłaszcza do codziennego otoczenia człowieka, doprowadziło do wyraźnego ukształtowania systemu gatunków: pejzaż, martwa natura, portret, gatunek codzienny itp. Powstały różne systemy obrazowe: dynamiczne malarstwo barokowe z charakterystyczną otwartą, spiralną kompozycją; malarstwo rokokowe z grą wykwintnych niuansów kolorystycznych, jasnych tonów; malarstwo klasycyzmu o wyraźnym, surowym i wyraźnym wzorze.
W 19-stym wieku malarstwo odgrywało aktywną rolę w życiu publicznym. Malarstwo romantyzmu wyróżniało się aktywnym zainteresowaniem dramatycznymi wydarzeniami historii i nowoczesności, kontrastem światła i cienia, nasyceniem koloru.
Od niepamiętnych czasów człowiek dążył do doskonałości, poszukując harmonii w otaczającym go świecie. Odnajdując piękno, stara się znaleźć sposób na zachowanie tego piękna i przekazanie go swoim potomkom. Sztuka piękna to jedna z nielicznych metod wymyślonych przez człowieka w czasach prymitywnych. Wtedy starożytni malowali na skałach i ścianach jaskiń sceny przedstawiające życie ich ludu. W ten sposób sztuka malarstwa zaczęła pojawiać się w prymitywnym społeczeństwie. Z biegiem czasu artyści nauczyli się wykorzystywać różnorodne środki i metody rysowania. Pojawiły się nowe gatunki i rodzaje malarstwa. Przekazując zgromadzoną wiedzę i doświadczenie z pokolenia na pokolenie, udało się zachować obraz świata w jego pierwotnej postaci. A dziś mamy okazję podziwiać wszystkie zakątki świata, przyglądając się twórczości artystów z różnych epok.
Różnica w stosunku do innych rodzajów dzieł sztuki
Malowanie, w przeciwieństwie do innych sposobów przekazywania obrazów wizualnych, odbywa się poprzez nakładanie farby na płótno, papier lub inną powierzchnię. Ten rodzaj dzieł sztuki charakteryzuje się niezwykłym artystycznym stylem wypowiedzi. Artysta, bawiąc się wyobraźnią i odcieniami kolorów, jest w stanie oddać widzowi nie tylko odbicie widzialnego świata, ale dodając świeże wizerunki samego siebie, przekazać swoją wizję i podkreślić coś nowego i niezwykłego.
Rodzaje malarstwa i ich krótki opis
Ten rodzaj sztuki charakteryzuje się w zależności od użytych farb i materiałów. Istnieją różne techniki i rodzaje malarstwa. Istnieje 5 głównych odmian: miniaturowa, sztalugowa, monumentalna, teatralna i dekoracyjno-dekoracyjna.
malarstwo miniaturowe
Zaczął się rozwijać jeszcze przed wynalezieniem druku, w średniowieczu. Istniały wówczas księgi pisane ręcznie, które mistrzowie sztuki ozdabiali misternie rysowanymi wstępami i zakończeniami, a także ozdabiali teksty kolorowymi miniaturowymi ilustracjami. W pierwszej połowie XIX wieku do tworzenia małych portretów używano malarstwa miniaturowego. Artyści preferowali do tego akwarele, ponieważ dzięki czystym i głębokim barwom oraz ich zestawieniom portrety nabierały szczególnego wdzięku i szlachetności.
malarstwo sztalugowe
Ta sztuka malowania ma swoją nazwę ze względu na fakt, że obrazy są wykonywane przy użyciu sztalugi, czyli obrabiarki. Płótna malowane są najczęściej na płótnie naciągniętym na blejtram. Jako podstawę materiałową można również wykorzystać papier, tekturę i drewno. Obraz namalowany na sztalugach jest dziełem całkowicie samodzielnym. Może przedstawiać zarówno fikcję artysty, jak i rzeczywistość we wszystkich jej przejawach. Mogą to być zarówno przedmioty nieożywione, jak i ludzie, zarówno współczesność, jak i wydarzenia historyczne.
malarstwo monumentalne
Ten rodzaj dzieł sztuki jest malarską kreacją na dużą skalę. Malarstwo monumentalne służy do dekoracji sufitów i ścian budynków, a także różnych konstrukcji budowlanych. Z jej pomocą artyści identyfikują istotne wydarzenia społeczne i historyczne, które wpływają na rozwój społeczeństwa i przyczyniają się do formowania ludzi w duchu postępu, patriotyzmu i człowieczeństwa.
Malarstwo teatralne i dekoracyjne
Ten typ służy do charakteryzacji, rekwizytów, dekoracji kostiumów i scenografii, pomagając odsłonić fabułę spektaklu. Kostiumy, charakteryzacja i dekoracje wykonane są według szkiców artysty, który stara się oddać styl epoki, status społeczny i osobisty charakter postaci.
malarstwo dekoracyjne
Odnosi się do dekoracji wnętrz i budynków za pomocą kolorowych paneli, które tworzą wizualne zwiększenie lub zmniejszenie wielkości pomieszczenia, iluzję przebicia ściany itp.
Malarstwo w Rosji
Wymieniliśmy główne rodzaje malarstwa, które różnią się sposobem, w jaki malarz wykorzystuje materiał do kreatywności. Porozmawiajmy teraz o cechach tego rodzaju sztuki nieodłącznie związanych z naszym krajem. Rosja zawsze słynęła z rozległych przestrzeni z bogatą florą i fauną. I każdy artysta starał się uchwycić na płótnie całe piękno natury i przekazać widzowi wspaniałość obrazów.
Na płótnach znanych twórców można zaobserwować różne rodzaje pejzaży w malarstwie. Każdy z nich, stosując własną technikę, starał się przekazać widzowi własne emocje i własną wizję. Malarstwo rosyjskie jest gloryfikowane przez takich mistrzów jak Lewitan, Szyszkin, Sawrasow, Aiwazowski i wielu innych. Do napisania swoich słynnych obrazów używali różnych technik. I tak jak różnorodne są wewnętrzne światy mistrzów malarstwa, tak różnorodne są ich kreacje i emocje, jakie na koniec wzbudzają w widzach. Najbardziej szczere i głębokie uczucia budzą słynne dzieła naszych malarzy.
I tak na przykład „Poranek w lesie sosnowym” Shishkina napełnia nas subtelnym światłem i daje spokój ducha. Wydaje się, że czujemy poranne świeże powietrze, zanurzając się w iglastą atmosferę i obserwując bawiące się młode. Natomiast „Pobrzeże” Aiwazowskiego zabiera nas w otchłań zmartwień i niepokoju. Wiejskie jesienne pejzaże Lewitanu niosą ze sobą porcję nostalgii i wspomnień. A dzieło Savrasova „Przybyły gawrony” otula lekkim smutkiem i daje nadzieję.
Potwierdzeniem kolosalnego potencjału i talentu narodu rosyjskiego, a także miłości do ojczyzny i natury jest malarstwo rosyjskie. Każdy może się o tym przekonać, oglądając zdjęcia naszych rodaków. A głównym zadaniem jest zachowanie żywej rosyjskiej tradycji malarstwa i zdolności twórczych ludzi.
Wielka postać, naukowiec i artysta renesansu Leonardo da Vinci powiedział: „Malarstwo to poezja, którą się widzi, a poezja to malarstwo, które się słyszy”. I nie można się z nim nie zgodzić. Prawdziwa sztuka jest naprawdę postrzegana kompleksowo. Widzimy, kontemplujemy i słyszymy, aw duszy przechowujemy dzieła sztuki, które nam się podobają. A światowe arcydzieła pozostają w naszej pamięci na długie lata.
Gatunki i rodzaje malarstwa
Rysując obraz, mistrz wykonuje go w określonym stanie, o specjalnym charakterze. Praca nie okaże się pełnoprawna, godna miłości i uwagi, jeśli zostanie na niej przedstawiona tylko forma i kolor. Artysta ma obowiązek obdarzyć przedmioty duszą, ludzi charyzmą, iskrą, może tajemnicą, naturą osobliwe uczucia, a wydarzeniami realnymi przeżyciami. Gatunki i rodzaje malarstwa pomagają w tym twórcy. Pozwalają poprawnie oddać nastrój epoki, wydarzenia, faktu, lepiej uchwycić główną ideę, obraz, krajobraz.
Do głównych należą:
- Historyczny- przedstawienie faktów, momentów z historii różnych krajów i epok.
- Bitwa- transmituje sceny batalistyczne.
- Domowy- Sceny z życia codziennego.
- Krajobraz To są obrazy natury. Są pejzaże morskie, górskie, fantastyczne, liryczne, wiejskie, miejskie, kosmiczne.
- Martwa natura- ilustruje przedmioty nieożywione: przybory kuchenne, broń, warzywa, owoce, rośliny itp.
- Portret- To jest obraz osoby, grupy ludzi. Często artyści lubią malować autoportrety lub płótna przedstawiające swoich kochanków.
- animalistyczny- Zdjęcia o zwierzętach.
Osobno można wyróżnić inny gatunek fabularno-tematyczny i zaliczyć tu utwory, których tematem są mity, legendy, eposy, a także obrazy z życia codziennego.
Rodzaje malarstwa to także osobne, pomagają artyście osiągnąć doskonałość podczas tworzenia płótna, podpowiadają mu, w jakim kierunku ma się poruszać i pracować. Dostępne są następujące opcje:
- Panorama- zdjęcie terenu w dużym formacie, widok ogólny.
- Diorama- obraz bitew, spektakularnych wydarzeń zakrzywiony w półkolu.
- Miniaturowy- Rękopisy, portrety.
- Malarstwo monumentalne i dekoracyjne- malowanie na ścianach, panelach, plafonach itp.
- malowanie ikon- obrazy o tematyce religijnej.
- malarstwo dekoracyjne- tworzenie scenografii artystycznej w kinie i teatrze.
- malarstwo sztalugowe Innymi słowy, zdjęcia.
- Dekoracyjne malowanie przedmiotów codziennego użytku.
Z reguły każdy mistrz sztuk pięknych wybiera dla siebie jeden konkretny gatunek i rodzaj malarstwa, który jest mu najbliższy duchem i przeważnie działa tylko w nim. Na przykład Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) pracował w stylu pejzażu morskiego. Tacy artyści są również nazywani malarzami morskimi (od „marina”, co po łacinie oznacza „morze”).
Techniki
Malarstwo to pewien sposób prowadzenia fabuły, jej odczuwanie poprzez świat barw i kresek. I oczywiście taka reprodukcja nie może się odbyć bez użycia pewnych technik, wzorców i zasad. Samo pojęcie „techniki” w sztukach wizualnych można zdefiniować jako zbiór technik, norm i wiedzy praktycznej, za pomocą których autor przekazuje ideę i fabułę obrazu najdokładniej, blisko rzeczywistości.
Wybór techniki malarskiej zależy od tego, jakie materiały, rodzaj płótna zostaną użyte do stworzenia dzieła. Czasem artysta potrafi podejść do swojej twórczości w sposób indywidualny, skorzystać z mieszanki różnych stylów i nurtów. Takie autorskie podejście pozwala na tworzenie naprawdę wyjątkowych dzieł sztuki – światowych arcydzieł.
Pod względem technicznym istnieje kilka opcji malowania. Rozważmy je bardziej szczegółowo.
Malarstwo starożytności
Historia malarstwa zaczyna się od rytów naskalnych człowieka prymitywnego. W tym czasie obrazy nie wyróżniały się żywotnością wątków, zamieszaniem kolorów, ale były w nich szczególne emocje. A wątki z tamtych lat wyraźnie informują nas o istnieniu życia w odległej przeszłości. Linie są niezwykle proste, temat przewidywalny, kierunki jednoznaczne.
W czasach starożytnych treść rysunków staje się bardziej zróżnicowana, częściej przedstawiają zwierzęta, różne rzeczy, robią całe biografie na całej ścianie, zwłaszcza jeśli obrazy są tworzone dla faraonów, w co wtedy bardzo wierzono. Po około dwóch tysiącach lat malowidła ścienne zaczynają nabierać kolorów.
Starożytne malarstwo, w szczególności staroruskie, jest dobrze przekazane i zachowane na starych ikonach. Są sanktuarium i najlepszym przykładem przekazującym piękno sztuki od Boga. Ich kolor jest wyjątkowy, a przeznaczenie doskonałe. Takie malarstwo oddaje nierzeczywistość bytu, obrazów i zaszczepia w człowieku ideę boskiej zasady, istnienia idealnej sztuki, której trzeba być równym.
Rozwój malarstwa nie przeszedł bez śladu. Ludzkości przez długi czas udało się zgromadzić prawdziwe relikwie i duchowe dziedzictwo wielu stuleci.
Akwarela
Malarstwo akwarelowe wyróżnia się jasnością kolorów, czystością barwy i przezroczystością aplikacji na papier. Tak, właśnie na powierzchni papieru najlepiej pracuje się w tej technice plastycznej. Rysunek szybko wysycha, dzięki czemu uzyskuje jaśniejszą i matową fakturę.
Akwarela nie pozwala uzyskać ciekawych odcieni przy użyciu ciemnych, jednolitych odcieni, ale doskonale modeluje kolor, gdy warstwy nakładają się jedna na drugą. W tym przypadku okazuje się, że można znaleźć zupełnie nowe, nietypowe opcje, które trudno uzyskać innymi technikami artystycznymi.
Trudności z akwarelą
Złożoność pracy w takiej technice jak malarstwo akwarelowe polega na tym, że nie wybacza ona błędów, nie pozwala na improwizację z kardynalnymi zmianami. Jeśli nie podobał ci się zastosowany ton lub masz zupełnie inny kolor, niż chciałeś, jest mało prawdopodobne, że będziesz w stanie to naprawić. Wszelkie próby (zmywanie wodą, skrobanie, mieszanie z innymi kolorami) mogą doprowadzić zarówno do ciekawszego odcienia, jak i całkowitego zanieczyszczenia obrazu.
Zmiana położenia figury, przedmiotu, jakakolwiek poprawa kompozycji w tej technice jest w zasadzie niemożliwa. Ale dzięki szybkiemu wysychaniu farb podczas malowania idealnie nadaje się do rysowania szkiców. A jeśli chodzi o przedstawienie roślin, portretów, pejzaży miejskich, może konkurować z obrazami olejnymi.
Olej
Każda z technicznych odmian malarstwa ma swoją specyfikę. Dotyczy to zarówno sposobu wykonania, jak i artystycznego przekazu obrazu. Malarstwo olejne to jedna z ulubionych technik wielu artystów. Praca w nim jest trudna, ponieważ wymaga pewnego poziomu wiedzy i doświadczenia: od przygotowania niezbędnych przedmiotów, materiałów, aż po końcowy etap – pokrycie powstałego obrazu ochronną warstwą werniksu.
Cały proces malowania olejnego jest dość pracochłonny. Bez względu na to, jakie podłoże wybierzesz: płótno, tekturę czy płytę pilśniową, musisz najpierw pokryć je podkładem. Pozwoli to farbie dobrze się położyć i dobrze trzymać, nie odstawać od oleju. Nada również tłu pożądaną teksturę i kolor. Istnieje wiele rodzajów i receptur dla różnych gleb. A każdy artysta preferuje swój własny, specyficzny, do którego jest przyzwyczajony i który uważa za najlepszą opcję.
Jak wspomniano powyżej, praca odbywa się w kilku etapach, a finałem jest pokrycie obrazu substancjami werniksowymi. Odbywa się to w celu ochrony płótna przed wilgocią, pojawieniem się pęknięć (siatki) i innych uszkodzeń mechanicznych. Malarstwo olejne nie toleruje pracy na papierze, ale dzięki całej technologii nakładania farb pozwala na zachowanie dzieł sztuki w nienaruszonym stanie przez wieki.
chińskie sztuki piękne
Szczególną uwagę chciałbym zwrócić na epokę malarstwa chińskiego, gdyż ma ona w historii szczególną kartę.Wschodni kierunek malarstwa rozwijał się przez ponad sześć tysięcy lat. Jego powstanie było ściśle związane z innymi rzemiosłami, przemianami społecznymi i uwarunkowaniami zachodzącymi w życiu ludzi. Na przykład po wprowadzeniu buddyzmu w Chinach freski religijne nabrały wielkiego znaczenia. W czasach (960-1127) popularne stało się malarstwo historyczne, w tym opowieści o życiu codziennym. Malarstwo pejzażowe stało się niezależnym kierunkiem już w IV wieku naszej ery. mi. Obrazy natury powstały w niebiesko-zielonych barwach i chińskim tuszu. A w IX wieku artyści coraz częściej zaczęli malować obrazy przedstawiające kwiaty, ptaki, owoce, owady, ryby, ucieleśniając w nich swoje ideały i naturę epoki.
Cechy malarstwa chińskiego
Tradycyjne malarstwo chińskie wyróżnia się specyficznym stylem, a także materiałami używanymi do malowania, co z kolei wpływa na metody i formy sztuki orientalnej. Po pierwsze, chińscy malarze używają specjalnego pędzla do tworzenia obrazów. Wygląda jak akwarela i ma wyjątkowo ostrą końcówkę. Takie narzędzie pozwala tworzyć wyrafinowane dzieła, a jak wiadomo styl kaligrafii jest nadal szeroko stosowany w Chinach. Po drugie, tusz jest używany wszędzie jako farby - atrament chiński (zdarza się, że razem z innymi kolorami, ale jest również używany jako samodzielna farba). Dzieje się tak od dwóch tysięcy lat. Warto również zauważyć, że przed pojawieniem się papieru ludzie w Chinach malowali na jedwabiu. Dziś współcześni mistrzowie sztuki wykonują swoje prace zarówno na papierze, jak i na jedwabnej powierzchni.
To nie wszystkie możliwości techniczne malarstwa. Oprócz powyższych istnieje wiele innych (gwasz, pastel, tempera, fresk, akryl, wosk, malarstwo na szkle, porcelanie itp.), W tym autorskie opcje sztuki.
Epoki malarstwa
Jak każda forma sztuki, malarstwo ma swoją własną historię powstawania. A przede wszystkim charakteryzuje się różnymi etapami rozwoju, wielopłaszczyznowymi stylami, ciekawymi kierunkami. Nie ostatnią rolę odgrywa tu epoka malarstwa. Każdy z nich wpływa nie tylko na kawałek życia ludzi i nie tylko na czas niektórych wydarzeń historycznych, ale na całe życie! Do najbardziej znanych okresów w sztuce malarstwa należą: renesans i oświecenie, twórczość impresjonistów, nowoczesność, surrealizm i wiele, wiele innych. Innymi słowy, malarstwo jest wizualną ilustracją pewnej epoki, obrazem życia, światopoglądem widzianym oczami artysty.
Pojęcie „malowanie” dosłownie oznacza „pisanie życia”, przedstawianie rzeczywistości żywo, po mistrzowsku, przekonująco. Aby przekazać na płótnie nie tylko każdy szczegół, każdą drobiazg, chwilę, ale także nastrój, emocje, kolor tego czy innego czasu, styl i gatunek całego dzieła sztuki.
Wprowadzenie………………………………………………………….3
1. Malarstwo jako forma sztuki……………………………………………….4
2. Rodzaj plastyki - grafika………………………………4
3. Starożytna forma sztuki - rzeźba............................................6
4.Architektura – sztuka projektowania i budowania……………………7
5.Główne nurty i techniki sztuki współczesnej…………..9
6.Sztuka kinetyczna……………………………………………..14
Zakończenie……………………………………………………………….16
Spis wykorzystanej literatury…………………………………………………………17
Wstęp
Pojęcie „sztuka” to ogólnie twórczość artystyczna: literatura, architektura, rzeźba, malarstwo, grafika, sztuka i rzemiosło, muzyka, taniec, teatr, kino i inne rodzaje działalności człowieka, połączone jako artystyczne i wyobrażeniowe formy odzwierciedlenia rzeczywistości .
W historii estetyki istotę sztuki interpretowano jako imitację (mimesis), zmysłową ekspresję tego, co nadzmysłowe itp.
Estetyka traktuje sztukę jako formę świadomości społecznej, swoisty rodzaj duchowego i praktycznego przyswajania świata, jako organiczną jedność tworzenia, poznawania, wartościowania i komunikacji międzyludzkiej, w wąskim znaczeniu – sztuka piękna, wysoki stopień umiejętności, mistrzostwo w każdej dziedzinie działalności człowieka.
Główne rodzaje sztuki: malarstwo, grafika, rzeźba, architektura, literatura, kino, teatr.
Rozważ podstawowe pojęcia niektórych typów, nurtów i technik współczesnej sztuki plastycznej.
1. Malarstwo jako forma sztuki
Malarstwo to bardzo starożytna sztuka, która ewoluowała przez wiele stuleci, od malowideł naskalnych do najnowszych trendów w malarstwie XI wieku. Malarstwo ma szeroki wachlarz możliwości urzeczywistnienia idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe.
Pod koniec XIX-XX wieku. rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny. Różne ruchy realistyczne i modernistyczne uzyskują prawo do istnienia.
Pojawia się malarstwo abstrakcyjne (awangardowe, abstrakcjonistyczne, undergroundowe), które oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalność i umowność koloru, przesadę i geometryzację form, dekoracyjność i asocjatywność. rozwiązań kompozycyjnych.
W XX wieku. poszukiwanie nowych kolorów i środków technicznych tworzenia obrazów trwało, co niewątpliwie doprowadziło do powstania nowych stylów w malarstwie, ale malarstwo olejne nadal pozostaje jedną z najbardziej ukochanych technik artystów.
2. Rodzaj plastyki - grafika
Grafika (z gr. grapho – piszę, rysuję) – rodzaj sztuki plastycznej, który kojarzy się z obrazem na płaszczyźnie. Grafika łączy rysunek, jako samodzielną dziedzinę, oraz różne rodzaje grafiki drukowanej: drzeworyt (ksylografia), metaloryt (akwaforta), litografia, linoryt, ryt na tekturze itp.
Rysunek należy do grafik niepowtarzalnych, ponieważ każdy rysunek jest jedyny w swoim rodzaju. Dzieła grafiki drukowanej mogą być reprodukowane (replikowane) w wielu równoważnych egzemplarzach - drukach. Każdy wydruk jest oryginałem, a nie kopią pracy.
Rysunek jest podstawą wszelkiego rodzaju grafiki i innych sztuk plastycznych. Z reguły obraz graficzny jest wykonywany na kartce papieru. Artysta potrzebuje czasem bardzo prostych środków - grafitowego ołówka lub długopisu - aby wykonać graficzny rysunek. W innych przypadkach do tworzenia swoich prac wykorzystuje skomplikowane oprawy do prasy drukarskiej, kamienie litograficzne, frezy (rytowniki) do linoleum lub drewna i wiele innych.
Termin „grafika” był pierwotnie używany tylko do pisania i kaligrafii. Czcionka od dawna kojarzona jest z grafiką. Nowe znaczenie i rozumienie nabrało na przełomie XIX i XX wieku, kiedy grafika została zdefiniowana jako samodzielna forma sztuki.
Językiem grafiki i jej głównymi środkami wyrazu są linia, kreska, kontur, plama i ton. Bierze czynny udział w tworzeniu całościowego wrażenia graficznego dzieła z białej kartki papieru. Możesz uzyskać wyrazisty wzór nawet używając tylko czerni. Dlatego grafikę często nazywa się sztuką czerni i bieli. Nie wyklucza to jednak użycia koloru w grafice.
Granice między grafiką a malarstwem są bardzo elastyczne, na przykład technika akwareli, pasteli, a czasami gwaszu jest przypisywana do jednego lub drugiego rodzaju sztuki, w zależności od tego, w jakim stopniu używany jest kolor, co dominuje w dziele - linia lub plama, jaki jest jej cel.
Jedną z wyróżniających cech grafiki jest szczególny stosunek przedstawianego obiektu do przestrzeni. Czysto białe tło arkusza, niezajęte obrazami, a nawet prześwitujące pod kolorową warstwą tło papieru, są umownie postrzegane jako przestrzeń. Szczególnie wyraźnie widać to w grafice książkowej, kiedy obraz umieszczony na czystej kartce odbierany jest jako znajdujący się w przestrzeni wnętrza, ulicy, krajobrazu zgodnie z tekstem, a nie na zaśnieżonym polu.
Artystycznie wyraziste walory grafiki tkwią w jej zwięzłości, pojemności obrazów, skupieniu i ścisłym doborze środków graficznych. Pewne niedopowiedzenie, umowne oznaczenie przedmiotu, niejako aluzja, stanowią szczególną wartość obrazu graficznego, służą aktywnej pracy wyobraźni widza.
Pod tym względem nie tylko starannie przerysowane arkusze graficzne, ale także pobieżne szkice, szkice z natury, szkice kompozycji mają samodzielną wartość artystyczną.
W grafice dostępne są różnorodne gatunki (portret, pejzaż, martwa natura, gatunek historyczny itp.) oraz niemal nieograniczone możliwości przedstawiania i figuratywnej interpretacji świata.
.3. Starożytna forma sztuki - rzeźba
Rzeźba jest jedną z najstarszych form sztuki. Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - cięcie, rzeźbienie, rzeźba, plastik) - rodzaj dzieł sztuki, których dzieła mają materiałową trójwymiarową objętość. Same te dzieła (posągi, popiersia, płaskorzeźby itp.) Są również nazywane rzeźbami.
Rzeźbę dzieli się na dwa rodzaje: okrągłą, swobodnie umieszczoną w rzeczywistej przestrzeni oraz płaskorzeźbę (płaskorzeźbę i płaskorzeźbę), w której trójwymiarowe obrazy znajdują się na płaszczyźnie. Rzeźba może być sztalugowa, monumentalna, monumentalna i dekoracyjna zgodnie z jej przeznaczeniem. Osobno wyróżnia się rzeźba małych form. Według gatunku rzeźba dzieli się na portretową, codzienną (gatunek), zwierzęcą, historyczną i inną. Krajobraz i martwą naturę można odtworzyć za pomocą środków rzeźbiarskich. Ale głównym obiektem dla rzeźbiarza jest osoba, którą można ucieleśnić w różnych formach (głowa, popiersie, posąg, grupa rzeźbiarska).
Technologia wykonywania rzeźb jest zazwyczaj złożona i wieloetapowa, wymagająca dużego nakładu pracy fizycznej. Rzeźbiarz tnie lub rzeźbi swoje dzieło z litego materiału (kamień, drewno itp.), usuwając nadmiar masy. Inny proces tworzenia objętości poprzez dodanie plastycznej masy (plasteliny, gliny, wosku itp.) Nazywa się modelowanie (plastyczność). Rzeźby również tworzą swoje prace, odlewając z substancji, które mogą zmieniać stan z płynnego w stały (różne materiały, gips, beton, plastik itp.). Niestopiony metal do rzeźby jest przetwarzany przez kucie, wytłaczanie, spawanie i cięcie.
W XX wieku. pojawiają się nowe możliwości rozwoju rzeźby. Dlatego w rzeźbie abstrakcyjnej stosuje się nietradycyjne metody i materiały (drut, dmuchane figury, lustra itp.). Artyści wielu ruchów modernistycznych proklamują zwykłe przedmioty jako dzieła rzeźbiarskie.
Kolor, który od dawna był używany w rzeźbie (starożytność, średniowiecze, renesans), jest dziś aktywnie wykorzystywany do wzmocnienia artystycznej ekspresji rzeźby sztalugowej. Odwoływanie się do polichromii w rzeźbie lub jej odrzucanie, powrót do naturalnej barwy materiału (kamień, drewno, brąz itp.) wiążą się z ogólnym kierunkiem rozwoju sztuki w danym kraju i w danym kraju. era.
