Człowiek witruwiański to rysunek sporządzony przez Leonarda da Vinci około 1490-92 jako ilustracja do książki poświęconej twórczości Witruwiusza i umieszczony w jednym z jego dzienników. Przedstawia postać nagiego mężczyzny w dwóch nałożonych na siebie pozycjach: z rozstawionymi rękami i nogami, wpisaną w okrąg; z rozłożonymi rękami i nogami złączonymi, wpisany w kwadrat. Rysunek i jego wyjaśnienia są czasami nazywane proporcjami kanonicznymi.
To nie tylko jeden z najbardziej znanych rysunków Leonarda da Vinci, ale najszerzej nagłośniony w mediach obraz. Często można go znaleźć w różnych podręcznikach, wykorzystano w reklamach i plakatach, a nawet przebłyskach w filmach – wystarczy przypomnieć niejednoznacznie przyjęty przez opinię publiczną i krytykę Kod Leonarda da Vinci. Taka sława wynika z najwyższej jakości obrazu i jego znaczenia dla współczesnego człowieka.
„Człowiek witruwiański” to zarówno arcydzieło sztuki, jak i owoc badań naukowych.
Ten rysunek powstał jako ilustracja do książki Leonarda poświęconej jednemu z dzieł słynnego rzymskiego architekta Witruwiusza. Podobnie jak sam Leonardo, Witruwiusz był człowiekiem niezwykle uzdolnionym o szerokich zainteresowaniach. Znał dobrze mechanikę i posiadał wiedzę encyklopedyczną. Zainteresowanie Leonarda tą niezwykłą osobą jest zrozumiałe, ponieważ sam był osobą bardzo wszechstronną i lubił nie tylko sztukę w jej różnych przejawach, ale także naukę. 
Wykonanie rysunku
Rysunek wykonany jest piórkiem, tuszem i akwarelą przy użyciu metalowego ołówka, wymiary rysunku to 34,3x24,5 centymetra. Obecnie znajduje się w zbiorach Galerii Accademia w Wenecji.
Człowiek witruwiański. Rysunek narysowany przez Leonarda da Vinci.
Rola „człowieka witruwiańskiego” w rozwoju sztuki i rozkwicie włoskiego renesansu jest niezwykle duża.
. Po upadku Cesarstwa Rzymskiego znaczna część wiedzy poprzednich pokoleń na temat ludzkich proporcji i budowy ciała została utracona i stopniowo zapomniana. W sztuce średniowiecznej obrazy ludzi znacznie różniły się od tych, które istniały w starożytności. Leonardo był w stanie zademonstrować, w jaki sposób boski plan faktycznie odzwierciedla się w strukturze ludzkiego ciała. Jego rysunek stał się wzorem dla artystów wszystkich czasów. Nawet wielki Le Corbusier wykorzystywał go do tworzenia własnych kreacji, które wpłynęły na architekturę całego XX wieku. Ze względu na symbolikę obrazu wielu uważa go za odzwierciedlenie struktury całego wszechświata (pępek postaci jest środkiem koła, co budzi skojarzenia ze środkiem wszechświata).
Rysunek jest zarówno dziełem naukowym, jak i dziełem sztuki
, jest także przykładem zainteresowania Leonarda proporcjami.Proporcje ludzkiego ciała
Zgodnie z towarzyszącymi notatkami Leonarda, został stworzony w celu określenia proporcji (męskiego) ciała ludzkiego, jak opisano w traktatach starożytnego rzymskiego architekta Witruwiusza, który napisał o ludzkim ciele:
Oprócz ogromnego znaczenia historycznego i naukowego „Człowiek witruwiański” niesie ze sobą również znaczny ładunek estetyczny. Rysunek wykonany jest cienką, precyzyjną kreską, idealnie oddającą ludzkie kształty. Obraz stworzony przez Leonarda jest bardzo wyrazisty i niezapomniany. Trudno znaleźć cywilizowaną osobę, która nie widziała tego obrazu i nie zna jego autora.
Do 1514 - 1515 nawiązuje do powstania arcydzieła wielkiego mistrza – „La Gioconda”.
Do niedawna sądzili, że portret ten powstał znacznie wcześniej, we Florencji, około 1503 roku. Wierzyli w historię Vasariego, który napisał: „Leonardo zobowiązał się wykonać dla Francesco del Gioconde portret Monny Lisy, swojej żony, a po nad nim przez cztery lata, pozostawił go niedokończonym. Ta praca jest teraz u francuskiego króla w Fontainebleau. Nawiasem mówiąc, Leonardo zastosował następującą sztuczkę: ponieważ Madonna Lisa była bardzo piękna, podczas malowania portretu trzymał ludzi, którzy grali na lirze lub śpiewali, i zawsze byli błazny, którzy utrzymywali ją wesołą i usuwali melancholię, która zwykle zgłosił malarstwo do wykonywanych portretów.
Cała ta historia jest błędna od początku do końca. Według Venturiego „Monna Lisa, później Gioconda, była wytworem fantazji powieściopisarza, biografa Aretina, George'a Vasariego”. Venturi w 1925 roku zasugerował, że Gioconda to portret księżnej Costanza d'Avalos, wdowy po Federigo del Balzo, śpiewany w krótkim wierszu Eneo Irpino, który wspomina również o jej portrecie namalowanym przez Leonarda. Costanza była kochanką Giuliano Medici, który po ślubie z Filibertem Sabaudzkim oddał portret Leonardowi.
Ostatnio Pedretti wysunął nową hipotezę: portret w Luwrze przedstawia wdowę po Giovanni Antonio Brandano o imieniu Pacifica, która była także kochanką Giuliano de 'Medici i urodziła jego syna Ippolito w 1511 roku.
Tak czy inaczej, wersja Vasariusa jest wątpliwa, ponieważ w żaden sposób nie wyjaśnia, dlaczego portret żony Francesco del Giocondo pozostał w rękach Leonarda i został przez niego zabrany do Francji.
2. Dama z gronostajem ok. 1488-1490
Olej na desce.
54,8 x 40,3 cm
Muzeum Czartory, Kraków, Polska
„Dama z gronostajem” to nieśmiertelna siedemnastoletnia Cecilia Gallerani, ulubienica Lodovico Sforzy. Córka XV wieku. Przebiegła czarodziejka. Ulubieniec mediolańskiego pałacu. Pojawia się przed nami czuła i mądra, nieśmiała i frywolna. Proste i złożone. Tajemniczo atrakcyjna, o prawie statycznej twarzy, wciąż drzemie w niej magnetyzm niezwykłego, ukrytego ruchu. Ale co nadaje wyglądowi młodej damy tę magiczną żywotność? Uśmiech. Ledwie dotknęła kącików swoich niewinnych ust. Ukryła się w lekko nabrzmiałych dziewczęcych dołeczkach przy ustach i jak błyskawica błysnęła w odpowiedzi ciemnymi, rozszerzonymi źrenicami, zakrytymi okrągłymi, cebulkowatymi powiekami. Przyjrzyj się bliżej subtelnym, duchowym rysom „Damy z gronostajem”, jej pełnej godności postawie, jej surowemu, ale eleganckiemu ubiorowi, a renesans natychmiast pojawi się przed tobą ze swoimi wspaniałymi dziełami genialnych mistrzów sztuki. Cecylia Gallerani. Ona, jak mała planeta, odbijała blask okrutnego, brzydkiego i pięknego, wyjątkowego XV wieku.
3. Fresk Ostatnia Wieczerza 1494 -1498
Olej i tempera na gipsie.
460 x 880 cm
Santa Maria del Grazia, Mediolan, Włochy
Od lewej do prawej stół z jedzeniem rozciąga się na całej szerokości obrazu. Przy stole naprzeciw nas siedzi w grupach po trzy dwanaście postaci z Chrystusem pośrodku. Apostołowie rozmawiają z ożywieniem. O czym rozmawiają i o czym jest to zdjęcie? Z zeznań Ammoretiego należy wnioskować, że obraz „Ostatnia wieczerza” został ukończony w 1497 roku. Niestety Leonardo da Vinci namalował go farbami, z których część okazała się bardzo krucha. Już pięćdziesiąt lat po zakończeniu obraz, według Vasariego, był w najbardziej opłakanym stanie. Gdyby jednak w tym czasie udało się spełnić pragnienie króla Franciszka I, wyrażone szesnaście lat po ukończeniu obrazu, i burząc mur przenieść obraz do Francji, to być może zostałby zachowany. Ale tego nie można było zrobić. W 1500 roku woda, która zalała mączkę, całkowicie zniszczyła mur. Ponadto w 1652 r. wyłamano drzwi w murze pod twarzą Zbawiciela, co zniszczyło nogi tej figury. Obraz kilkakrotnie bezskutecznie restaurowano.W 1796 r., po przekroczeniu Alp przez Francuzów, Napoleon wydał surowy rozkaz oszczędzenia posiłku, ale idący za nim generałowie, ignorując jego rozkaz, zamienili to miejsce w stajnię, a później w miejsce do przechowywania siana.
4. Portret Ginevry de Benci ok. 1475 - 1478
Tempera i olej na desce
38,1 x 37 cm
Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie
Ten obraz, znajdujący się obecnie w National Gallery of Art w Waszyngtonie, przedstawia młodą damę w górskim krajobrazie, na którym grają odbicia rzeki. Istnieją różne punkty widzenia dotyczące identyfikacji portretowanej osoby; zdania ekspertów na temat datowania tego dzieła są również podzielone. Niektórzy przypisują to pierwszemu florenckiemu okresowi twórczości Leonarda, inni wręcz przeciwnie, mediolańskiemu. Większość badaczy trzyma się hipotezy, że na portrecie przedstawiona jest Ginevra Benci (na jej imię wskazują widoczne w tle kompozycji gałęzie jałowca, ginepro). Powstał w okresie uwalniania się Leonarda od studenckiej zależności od sztuki Verrocchio, czyli około 1475 roku.
5. Portret muzykanta 1485-1490
Olej na desce.
43 x 31 cm
Ambrosiano Library, Mediolan, Włochy
Portrety przypisywane Leonardowi mają cechy wspólne: ich tło jest przyciemnione, półfigurowany wizerunek modelki, zwykle w 3/4 obrotu, pomaga przedstawić ją widzowi w całej jej indywidualności. Nazwiska portretowanych nie są znane, mimo usilnych starań historyków sztuki o ich ujawnienie oraz mimo udokumentowanych dowodów działalności mistrza. Szereg portretów Leonarda wiąże się z atmosferą dworu Sforzów, gdzie decydującą rolę odegrała gloryfikacja jednostki, odzwierciedlająca chwałę dworu. Czystość form, dostojność póz, połączona z ostrym wnikaniem w charakter modelki, zbliżają portrety artysty do najbardziej zaawansowanych jak na tamte czasy osiągnięć tego gatunku sztuki – z dziełami Antonello da Messina. Wykraczają daleko poza memoratywny formalizm mistrzów XV wieku, rozwijając typ portretu, który oddaje stan ducha postaci i pozwala znacznie pogłębić charakterystykę obrazu. W tzw. Portrecie muzyka z Ambrozjany w Mediolanie jego model jest czasem utożsamiany z regentem mediolańskiej katedry Francino Gaffurio, ale w rzeczywistości przedstawia on tylko młodego mężczyznę z kartką papieru nutowego. Możemy również wyróżnić pewien geometryzm w przekazywaniu plastikowych objętości, który zdradza wpływy toskańskie. Czapka na głowie i masa kręconych włosów tworzą dwie półkule po bokach twarzy; ostrość konturów i światłocień świadczą już o znajomości mistrza z tradycjami lombardzkimi i portretami Antonello da Messina. Gruntownie odrestaurowany, przepisany, a być może nawet pozostawiony niedokończony, choć na dość zaawansowanym etapie prac, ten jedyny męski portret Leonarda – jeśli rzeczywiście został wykonany przez samego artystę – przedstawia mężczyznę o inteligentnym i twardym spojrzeniu. Nie dając się ponieść retorycznej gloryfikacji jednostki, Leonardo przekazuje w wewnętrznym świetle twarzy i spojrzenia portretowanej osoby swoją wrodzoną siłę moralną.
6. Madonna z kwiatem (Madonna Benois) 1478 - 1480
Olej przeniesiony z deski na płótno
48x31,5 cm
Ermitaż, Sankt Petersburg, Rosja
Młody malarz Leonardo da Vinci, który właśnie ukończył studia, namalował ten obraz we Florencji pod koniec lat siedemdziesiątych XV wieku. Przyjęto ją z entuzjazmem, wykonano wiele kopii, a na początku XVI wieku… zaginęły.
Trzysta lat później trupa wędrownych aktorów koncertowała w Astrachaniu. Jeden ze służących Melpomeny zaproponował miejscowemu wielbicielowi muz i najbogatszemu z kupców miasta Aleksandrowi Sapożnikowowi kupienie pociemniałego ze starości obrazu namalowanego na desce. Umowa przeszła.
Wiele lat później jego wnuczka Maria wyszła za mąż. Kreacja nieznanego Włocha była również związana z luksusowym dodatkiem, na który początkowo niewiele osób zwracało uwagę. Nie wiadomo, co by się z nim stało, gdyby odnoszący sukcesy architekt i przyszły rektor Akademii Sztuk Pięknych Leonty Benois (syn jeszcze bardziej znanego architekta) nie został mężem Marii Aleksandrownej i gdyby jego młodszy brat nie był znanym artysta, krytyk sztuki i organizator stowarzyszenia World of Art Alexander. „Słysząc uporczywe prośby brata Leonty'ego i jego żony”, wspomina, „musiałem zostać w Berlinie. Faktem jest, że polecili mi pokazać posiadany przez nich obraz słynnemu Bodemu”. nieobecny, ale okazało się, że w muzeum przebywa kilku światowej sławy specjalistów „Ich wyrok był surowy: obraz nie jest dziełem Leonarda, raczej został namalowany przez jednego z jego kolegów w warsztacie Verrocchio. Później Bode sam potwierdził ten wniosek”.
„Madonna” z domu Sapożnikowów przez cały rok leżała w paryskim mieszkaniu Aleksandra Nikołajewicza, po czym została zabrana z powrotem do Petersburga i zwrócona właścicielom. Jednak po ośmiu latach (było to już w 1914 r.), gdy był w zgiełku związanym z przygotowaniem rosyjskiej wystawy w Paryżu, otrzymał wizytówkę z nazwiskiem jednego z berlińskich specjalistów: „Profesor Moller Walde”.
„Nie miałem czasu, aby się na to zgodzić”, powiedział Alexander Benois, „gdyż jego własna postać rzuciła się na mnie z okrzykiem: „Teraz jestem głęboko przekonany, że wasza Madonna to Leonardo!” Natychmiast, nie siadając, nie dając mi dojść do siebie, czerwony z podniecenia, zaczął wyciągać z ogromnej, ciasno wypchanej teczki stos fotografii tych niewątpliwych rysunków Leonarda, które były w jego oczach (a właściwie ) potwierdzenie jego zaufania do autorstwa wielkiego mistrza.
Benois odrzucił ofertę sprzedaży arcydzieła muzeom Berlina, przekazując je do kolekcji Cesarskiego Ermitażu. Tam obraz jest do dziś znany całemu światu pod nazwą „Madonna Benois”.
7. Madonna w grocie 1483-1486
Olej na desce (przeniesiony na płótno)
199x122 cm
Luwr, Paryż, Francja
Obraz miał ozdobić ołtarz (ramę dla obrazu stanowił rzeźbiony drewniany ołtarz) w Kaplicy Niepokalanego Poczęcia kościoła San Francesco Grande w Mediolanie. 25 kwietnia 1483 członkowie Bractwa Najświętszego Poczęcia zlecili Leonardowi wykonanie obrazów (kompozycja centralna to Madonna z Dzieciątkiem, kompozycje boczne to Anioły Muzyczne), któremu powierzono wykonanie najważniejszej części ołtarza , a także bracia Ambrogio i Evangelista de Predis. Obecnie historycy sztuki są zdania, że oba płótna o tej samej tematyce, z których jedno znajduje się w Luwrze, a drugie w National Gallery w Londynie, są wariantami obrazu wykonanego w tym samym celu. Podpis Madonny na Skałach z Paryża (Luwr) pierwotnie zdobił ołtarz kościoła San Francesco Grande; być może podarował go sam Leonardo francuskiemu królowi Ludwikowi XII w dowód wdzięczności za pośrednictwo w sporze między klientami a artystami o zapłatę za obrazy. Został on zastąpiony w ołtarzu kompozycją znajdującą się obecnie w Londynie. Po raz pierwszy Leonardo był w stanie rozwiązać problem łączenia postaci ludzkich z krajobrazem, który stopniowo zajmował wiodące miejsce w jego programie artystycznym.
8. Jan Chrzciciel 1512
Olej na desce
69x57 cm
Luwr, Paryż
Można sądzić, że pierwszym zamysłem artysty było przedstawienie anioła ewangelizującego, jeśli tylko zgadza się to z dziwną postacią, która wywołuje u widza raczej zakłopotanie niż entuzjastyczne zdumienie. Ma w sobie ten sam duch ironii, który jest charakterystyczny dla Giocondy, ale nie ma krajobrazu, na który można by tę ironię przenieść, odzwierciedlając bardziej złożone związki między człowiekiem a naturą. Z tego powodu Jan Chrzciciel robi na widzu dziwne, wręcz niejednoznaczne wrażenie. Tymczasem obraz z pewnością należy do kręgu twórczości Leonarda, aw swojej konstrukcji jest jednym z najbardziej nowatorskich, gdyż w postaci św. Jana mistrz dokonał syntezy swoich poszukiwań środków wyrazu uczuć i natury ludzkiej jako całości. Przeładowany symboliką i iluzją obraz ten wydaje się egzystować na granicy tajemnicy i realności.
9. Leda z łabędziem 1508 - 1515
Olej na desce.
130x77,5
Galeria Uffizi, Florencja, Włochy
Mona Lisa powstała w czasie, gdy Leonardo Vinci był tak pochłonięty badaniem budowy kobiecego ciała, anatomią i problemami związanymi z porodem, że rozdzielenie jego zainteresowań artystycznych i naukowych jest prawie niemożliwe. W ciągu tych lat naszkicował ludzki embrion w macicy i stworzył ostatnią z kilku wersji obrazu „Leda” na fabule starożytnego mitu o narodzinach Kastora i Polluksa ze związku śmiertelniczki Ledy i Zeusa, który przybrał postać łabędzia. Leonardo zajmował się anatomią porównawczą i interesował się analogiami między wszystkimi formami organicznymi.
10. Autoportret 1514 - 1516
Czerwony sangwinik (kreda).
33,3 x 21,3 cm
Galeria Narodowa w Turynie we Włoszech
Autoportret Leonarda z Turynu należy do ostatnich lat jego życia.
A opis Lomazzo najwyraźniej odnosi się również do tego autoportretu: „Głowa jego była pokryta długimi włosami, brwi tak gęste, a broda tak długa, że wydawał się prawdziwym uosobieniem szlachetnej nauki, którą druid Hermes i starożytny Prometeusz był już wcześniej”.
Starożytni biografowie Leonarda da Vinci opisują jego wygląd w najbardziej atrakcyjnych cechach:
Według Vasariego:
„Z blaskiem swojego wyglądu, który ukazywał najwyższe piękno, przywrócił jasność każdej zasmuconej duszy”.
Według Anonimowego:
„Był przystojny, proporcjonalnie złożony, pełen wdzięku, z atrakcyjną twarzą. Nosił czerwony płaszcz, który sięgał mu do kolan, choć modne były wówczas długie ubrania. Piękna broda opadała do połowy klatki piersiowej, kręcona i dobrze uczesana.
BES Brockhaus i Efron:
„Vinci był przystojny, pięknie zbudowany, miał wielką siłę fizyczną, był dobrze zorientowany w sztukach rycerskich, jeździectwie konnym, tańcu, szermierce itp.”
Źródło: abc-people.com
Kto widział „żywe” rysunki Leonarda da Vinci, zrozumie moją miłość do nich! Oto rozkosz i ekstaza umiejętności wielkiego malarza! A same rysunki to zupełnie żywe twarze, głowy, obrazy… Oddychają, ekscytują się Twoim spojrzeniem, są prawdziwe! Co jest niesamowite!
Przyjrzyj się i zwróć uwagę na materiał, którego Leonardo użył do stworzenia tej magii:
„Szkic głowy dziewczynki”, 1470-78. Pióro, atrament, papier. Galeria Uffizi Florencja, Włochy.
„Portret Isabelli de Este (d Este)” . 1499. Węgiel drzewny, czarna kreda i pastele, papier. Luwr, Paryż.
Leonardo nazywa nową technikę tego obrazu colorire secco (barwienie na sucho) i utożsamia ją z pastelami.
„Głowa dziewczyny” 1483. Srebrny ołówek na brązowawym przygotowanym papierze. Turyn (Biblioteca Reale), Włochy.
„Szkic głowy Ledy” (jeden z wielu szkiców do obrazu „Leda i łabędź” 1510-15. Galeria Borghese (Borghese), Rzym, Włochy).
„Szkic głowy kobiety” (do obrazu „Madonna Litta”). 1490. Srebrny ołówek na zielonkawym przygotowanym papierze. Luwr, Paryż.
„Szkic głowy św. Anny” (do obrazu „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem”). 1490. Srebrny ołówek na zielonkawym przygotowanym papierze.
„Głowa kobiety” (ten rysunek kojarzy się z obrazem „Madonna z wrzecionem”). 1501. Srebrny ołówek, czerwona kreda na różowym przygotowanym papierze. Galeria (dell Accademia), Wenecja, Włochy.
"Żebrak". 1490. Srebrny ołówek na przygotowanym papierze. Luwr, Paryż.
Profil starszego mężczyzny. 1495. Pióro i atrament na przygotowanym papierze. Windsor, zamek Windsor.
„Głowa mężczyzny i lwa”. 1503-1505. Czerwona i biała kreda na różowym papierze. Windsor, zamek Windsor.
Leonardo uważał, że twarz człowieka pokazuje jego charakter i włożył wiele wysiłku w zobrazowanie tego.
"Stary i młody". 1495-1500. Czerwona kreda. Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.
„Stary wojownik” 1472. Ołówek metalowy (Metalpoint) na przygotowanym papierze. British Museum, Londyn, Anglia.
„Głowa mężczyzny” 1503-1505. Czerwona kreda na papierze. Galeria Accademia, Wenecja, Włochy.
„Portret Cyganki (groteska)”. 1500-1505 lat. Czarna kreda. Oksford.
Jest to największy znany rysunek Leonarda. Uważa się, że przedstawia cygańskiego barona. Ślady po przebiciu wskazują, że rysunek był przygotowywany do przeniesienia na płótno.
„Siedzący starzec” Pióro, atrament, papier. Windsor, zamek Windsor.
„Św. Jakub Starszy” (szkic do „Ostatniej wieczerzy”). 1495. Czerwona kreda, pióro i atrament. Windsor, zamek Windsor.
Św. Jakub w oryginale ma brodę i dłuższe włosy, na rysunku Leonardo jak zwykle starał się wyrazić swoją opinię: twarz oddaje charakter. Obok portretu znajduje się szkic architektoniczny. Typowe dla artysty jest zapisywanie pomysłów na dowolnej kartce papieru.
„Madonna z Dzieciątkiem ze św. Anną i Janem Chrzcicielem”. Pastel. Galeria Narodowa, Londyn.
"Autoportret". 1514 - 1516. Czerwony sangwinik (kreda). Galeria Narodowa w Turynie we Włoszech.
I moje ulubione!
„Dziewczyna z rozczochranymi włosami (La Scapigliata)” . 1508.
„Głowa kobiety”. Muzeum Metropolitalne, Stany Zjednoczone.
W renesansie było wielu genialnych rzeźbiarzy, artystów, muzyków, wynalazców. Leonardo da Vinci wyróżnia się z ich tła. Stworzył instrumenty muzyczne, jest właścicielem wielu wynalazków inżynierskich, malowanych obrazów, rzeźb i wielu innych.
Uderzające są również jego dane zewnętrzne: wysoki, anielski wygląd i niezwykła siła. Zapoznajmy się z geniuszem Leonarda da Vinci, krótka biografia opowie o jego głównych osiągnięciach.
Fakty z biografii
Urodził się niedaleko Florencji w małym miasteczku Vinci. Leonardo da Vinci był nieślubnym synem słynnego i bogatego notariusza. Jego matka jest zwykłą wieśniaczką. Ponieważ jego ojciec nie miał innych dzieci, w wieku 4 lat zabrał do siebie małego Leonarda. Chłopiec od najmłodszych lat wykazywał niezwykły umysł i przyjazny charakter, dzięki czemu szybko stał się ulubieńcem rodziny.
Aby zrozumieć, jak rozwijał się geniusz Leonarda da Vinci, można przedstawić krótką biografię w następujący sposób:
- W wieku 14 lat wstąpił do warsztatu Verrocchio, gdzie studiował rysunek i rzeźbę.
- W 1480 przeniósł się do Mediolanu, gdzie założył Akademię Sztuk Pięknych.
- W 1499 opuszcza Mediolan i zaczyna przenosić się z miasta do miasta, gdzie buduje budowle obronne. W tym samym okresie rozpoczyna się jego słynna rywalizacja z Michałem Aniołem.
- Od 1513 pracuje w Rzymie. Za Franciszka I zostaje nadwornym mędrcem.
Leonardo zmarł w 1519 r. Jak wierzył, nic z tego, co zaczął, nie zostało ukończone do końca.
kreatywny sposób
Dzieło Leonarda da Vinci, którego krótką biografię przedstawiono powyżej, można podzielić na trzy etapy.
- Wczesny okres. Wiele dzieł wielkiego malarza było niedokończonych, jak np. „Pokłon Trzech Króli” dla klasztoru San Donato. W tym okresie namalowano obrazy „Madonna Benois”, „Zwiastowanie”. Mimo młodego wieku malarz wykazał się już dużym kunsztem malarskim.
- Dojrzały okres twórczości Leonarda upłynął w Mediolanie, gdzie planował zrobić karierę inżynierską. Najpopularniejszym dziełem pisanym w tym czasie była Ostatnia wieczerza, w tym samym czasie rozpoczął pracę nad Mona Lisą.
- W późnym okresie twórczości powstał obraz „Jan Chrzciciel” oraz cykl rysunków „Powódź”.
Malarstwo zawsze uzupełniało naukę dla Leonarda da Vinci, ponieważ starał się uchwycić rzeczywistość.
wynalazki
Wkładu Leonarda da Vinci w naukę nie da się w pełni oddać w krótkiej biografii. Można jednak zauważyć najbardziej znane i cenne odkrycia naukowca.
- Wniósł największy wkład w mechanikę, co widać na wielu jego rysunkach. Leonardo da Vinci badał upadek ciała, środki ciężkości piramid i wiele więcej.
- Wynalazł drewniany samochód napędzany dwiema sprężynami. Mechanizm samochodu został wyposażony w hamulec.
- Wymyślił skafander kosmiczny, płetwy i łódź podwodną, a także sposób na nurkowanie na głębokość bez użycia skafandra ze specjalną mieszanką gazów.
- Badanie lotu ważek doprowadziło do powstania kilku wariantów skrzydeł dla ludzi. Eksperymenty zakończyły się niepowodzeniem. Jednak wtedy naukowiec wymyślił spadochron.
- Był zaangażowany w rozwój przemysłu wojskowego. Jedną z jego propozycji były rydwany z armatami. Wymyślił prototyp pancernika i czołgu.
- Leonardo da Vinci dokonał wielu ulepszeń w budownictwie. Mosty łukowe, maszyny odwadniające i dźwigi to wszystko jego wynalazki.
W historii nie ma drugiej osoby takiej jak Leonardo da Vinci. Dlatego wielu uważa go za kosmitę z innych światów.
Pięć tajemnic Da Vinci
Dziś wielu naukowców wciąż zastanawia się nad spuścizną pozostawioną przez wielkiego człowieka minionej epoki. Chociaż Leonarda da Vinci nie należy tak nazywać, przewidział wiele, a przewidział jeszcze więcej, tworząc swoje niepowtarzalne arcydzieła i uderzając ogromem wiedzy i myśli. Proponujemy Ci pięć tajemnic wielkiego Mistrza, które pomogą podnieść zasłonę tajemnicy nad jego dziełami.
Szyfrowanie
Mistrz dużo zaszyfrował, aby nie przedstawiać otwartych pomysłów, ale trochę poczekać, aż ludzkość „dojrzeje, dorośnie” do nich. Równie biegły w obu rękach, da Vinci pisał lewą, najmniejszą czcionką, a nawet od prawej do lewej, często w lustrzanym odbiciu. Zagadki, metafory, rebusy – to jest w każdej linijce, w każdym utworze. Nigdy nie podpisując swoich dzieł, Mistrz pozostawił swoje znaki widoczne tylko dla uważnego badacza. Na przykład po wielu stuleciach naukowcy odkryli, że patrząc z bliska na jego obrazy, można znaleźć symbol wzbijającego się w powietrze ptaka. Lub słynna „Madonna Benois”, spotykana wśród wędrownych aktorów, którzy nosili płótno jako ikonę domu.
Sfumato
Idea rozpraszania należy również do wielkiego mistyfikatora. Przyjrzyj się płótnom, nie wszystkie obiekty odsłaniają wyraźne krawędzie, jest jak w życiu: płynne przejście jednych obrazów w drugie, rozmycie, rozproszenie – wszystko oddycha, żyje, budzi fantazje i myśli. Nawiasem mówiąc, Mistrz często radził ćwiczyć się w takiej wizji, zaglądając w plamy wody, strumienie błota lub wzgórza popiołu. Często specjalnie oddymiał pomieszczenia pracy, aby zobaczyć w klubach to, co kryje się poza granicami rozsądnego spojrzenia.
Spójrz na słynny obraz - uśmiech „Mony Lisy” z różnych stron jest albo łagodny, albo nieco arogancki, a nawet drapieżny. Wiedza zdobyta poprzez studiowanie wielu nauk dała Mistrzowi możliwość wynalezienia doskonałych mechanizmów, które dopiero teraz stają się dostępne. Jest to na przykład efekt rozchodzenia się fal, przenikliwej siły światła, ruchu oscylacyjnego… i jeszcze wiele rzeczy musi zostać przeanalizowanych nawet nie przez nas, ale przez naszych potomków.
analogie
Analogie są najważniejsze we wszystkich dziełach Mistrza. Przewagą nad dokładnością, gdy trzeci wynika z dwóch wniosków umysłu, jest nieuchronność jakiejkolwiek analogii. A jeśli chodzi o dziwactwa i rysowanie absolutnie oszałamiających podobieństw do da Vinci, wciąż nie ma sobie równych. Tak czy inaczej, wszystkie jego prace mają pewne idee, które nie pasują do siebie: słynna ilustracja „złotego podziału” jest jedną z nich. Z rozstawionymi kończynami i rozwiedzionymi, osoba wpasowuje się w okrąg, z zamkniętymi kończynami w kwadrat, a ręce lekko uniesione w krzyż. To właśnie taki rodzaj „młyna” podsunął florenckiemu czarownikowi pomysł tworzenia kościołów, w których ołtarz umieszczony jest dokładnie pośrodku, a wierni stoją w kręgu. Nawiasem mówiąc, inżynierom spodobał się ten sam pomysł - tak pojawiło się łożysko kulkowe.
kontrapost
Definicja oznacza przeciwstawianie sobie przeciwieństw i tworzenie pewnego rodzaju ruchu. Przykładem jest rzeźbiarski wizerunek ogromnego konia w Corte Vecchio. Tam nogi zwierzęcia są ułożone dokładnie w stylu kontrapostu, tworząc wizualne zrozumienie ruchu.
niekompletność
To chyba jedna z ulubionych „sztuczek” Mistrza. Żadne z jego dzieł nie jest skończone. Ukończenie to zabicie, a da Vinci kochał każde ze swoich potomków. Powolny i skrupulatny oszust wszechczasów mógł wykonać kilka pociągnięć pędzlem i udać się do dolin Lombardii, aby poprawić tamtejsze krajobrazy, przejść do tworzenia kolejnego arcydzieła lub czegoś innego. Wiele dzieł zostało zniszczonych przez czas, ogień czy wodę, ale każde z dzieł, przynajmniej coś sensownego, było i jest „niekompletne”. Nawiasem mówiąc, ciekawe jest to, że nawet po uszkodzeniu Leonardo da Vinci nigdy nie poprawiał swoich obrazów. Artysta, tworząc własną farbę, celowo pozostawił nawet „okno niekompletności”, wierząc, że samo życie dokona niezbędnych poprawek.
Czym była sztuka przed Leonardem da Vinci? Zrodzony wśród bogatych, w pełni odzwierciedlał ich zainteresowania, światopogląd, poglądy na człowieka, na świat. Dzieła sztuki opierały się na ideach i motywach religijnych: afirmacja światopoglądu nauczanego przez Kościół, przedstawianie wątków z historii sakralnej, zaszczepianie w ludziach poczucia czci, podziwu dla „boskości” i świadomości własnej znikomości. Dominujący temat determinował także formę. Oczywiście wizerunek „świętych” był bardzo daleki od wizerunków autentycznych żywych ludzi, dlatego w sztuce dominowały schematy, sztuczność i statyczność. Ludzie na tych obrazach byli swego rodzaju karykaturami żywych ludzi, krajobraz jest fantastyczny, kolory są blade i niewyraźne. To prawda, że \u200b\u200bjeszcze przed Leonardem jego poprzednicy, w tym jego nauczyciel Andrea Verrocchio, nie byli już zadowoleni z szablonu i próbowali tworzyć nowe obrazy. Rozpoczęli już poszukiwania nowych metod reprezentacji, zaczęli studiować prawa perspektywy, dużo myśleli o problemach uzyskania wyrazistości obrazu.
Jednak te poszukiwania czegoś nowego nie dawały wielkich rezultatów, przede wszystkim dlatego, że artyści ci nie mieli dostatecznie jasnego pojęcia o istocie i zadaniach sztuki oraz znajomości praw malarstwa. Dlatego teraz znowu popadli w schematyzm, potem w naturalizm, który jest równie niebezpieczny dla prawdziwej sztuki, kopiującej poszczególne zjawiska rzeczywistości. O znaczeniu rewolucji dokonanej przez Leonarda da Vinci w sztuce, a zwłaszcza w malarstwie, decyduje przede wszystkim fakt, że jako pierwszy jasno, jasno i definitywnie ustalił istotę i zadania sztuki. Sztuka powinna być głęboko witalna, realistyczna. Musi pochodzić z głębokiego, gruntownego studium rzeczywistości i natury. Musi być głęboko zgodny z prawdą, musi przedstawiać rzeczywistość taką, jaka jest, bez sztuczności i fałszu. Rzeczywistość, natura jest piękna sama w sobie i nie potrzebuje żadnych upiększeń. Artysta musi uważnie studiować naturę, ale nie po to, by ją ślepo naśladować, nie po to, by ją po prostu kopiować, ale po to, by po zrozumieniu praw natury, praw rzeczywistości tworzyć dzieła; ściśle przestrzegać tych przepisów. Tworzyć nowe wartości, wartości realnego świata – taki jest cel sztuki. To wyjaśnia pragnienie Leonarda, aby połączyć sztukę i naukę. Zamiast prostej, przypadkowej obserwacji, uznał za konieczne systematyczne, wytrwałe studiowanie tematu. Wiadomo, że Leonardo nigdy nie rozstał się z albumem i wpisał do niego rysunki i szkice.
Mówią, że uwielbiał chodzić po ulicach, placach, targowiskach, notując wszystko, co ciekawe - postawy, twarze, wyraz twarzy ludzi. Drugim wymogiem Leonarda wobec malarstwa jest wymóg prawdziwości obrazu, jego witalności. Artysta musi dążyć do jak najwierniejszego oddania rzeczywistości w całym jej bogactwie. W centrum świata stoi żywa, myśląca, czująca osoba. To jego należy przedstawić w całym bogactwie jego uczuć, przeżyć i działań. W tym celu to Leonardo studiował anatomię i fizjologię człowieka, w tym celu, jak mówią, zebrał w swoim warsztacie znanych sobie chłopów i lecząc ich, opowiadał im zabawne historie, aby zobaczyć, jak ludzie się śmieją, jak to samo zdarzenie powoduje ludzie mają różne doświadczenia. Jeśli przed Leonardem nie było prawdziwego człowieka w malarstwie, teraz stał się dominujący w sztuce renesansu. Setki rysunków Leonarda dają gigantyczną galerię typów ludzi, ich twarzy, części ciała. Zadaniem artystycznego przedstawienia jest człowiek w całej różnorodności jego uczuć i działań. I to jest siła i urok malarstwa Leonarda. Zmuszony ówczesnymi warunkami do malowania głównie o tematyce religijnej, bo jego klientami byli kościół, panowie feudalni i bogaci kupcy, Leonardo władczo podporządkowuje te tradycyjne tematy swemu geniuszowi i tworzy dzieła o znaczeniu uniwersalnym. Malowane przez Leonarda Madonny są przede wszystkim obrazem jednego z głęboko ludzkich uczuć - poczucia macierzyństwa, bezgranicznej miłości matki do dziecka, podziwu i podziwu dla niego. Wszystkie jego Madonny to młode, kwitnące, pełne życia kobiety, wszystkie dzieci na jego obrazach to zdrowi, rudzielcy, figlarni chłopcy, w których nie ma ani grama „świętości”.
Jego apostołowie w Ostatniej Wieczerzy to żyjący ludzie w różnym wieku, o różnym statusie społecznym io różnych charakterach; z wyglądu są mediolańskimi rzemieślnikami, chłopami i intelektualistami. W dążeniu do prawdy artysta musi umieć uogólnić napotkaną jednostkę, musi stworzyć typowość. Dlatego nawet rysując portrety niektórych historycznie znanych postaci, jak np. Mona Lisa Gioconda – żona zrujnowanego arystokraty, florenckiego kupca Francesco del Gioconda, Leonardo nadaje im, obok indywidualnych cech portretowych, typowe, wspólne dla wielu ludzi . Dlatego namalowane przez niego portrety przeżyły przedstawione na nich osoby o wiele wieków. Leonardo był pierwszym, który nie tylko dokładnie i dokładnie przestudiował prawa malarstwa, ale także je sformułował. Głęboko, jak nikt przed nim, studiował prawa perspektywy, rozmieszczenie światła i cienia. Wszystko to było mu potrzebne, aby osiągnąć najwyższą ekspresję obrazu, aby, jak mówił, „dogonić naturę”. Po raz pierwszy w twórczości Leonarda obraz jako taki stracił swój statyczny charakter, stał się oknem na świat. Kiedy patrzy się na jego obraz, gubi się poczucie tego, co jest namalowane, zamknięte w kadrze i wydaje się, że patrzy się przez otwarte okno, ukazując widzowi coś nowego, niewidzialnego. Domagając się wyrazistości obrazu, Leonardo stanowczo sprzeciwiał się formalnej grze barw, zamiłowaniu do formy kosztem treści, temu, co tak żywo charakteryzuje sztukę dekadencką.
Forma dla Leonarda to tylko skorupa idei, którą artysta musi przekazać widzowi. Leonardo wiele uwagi poświęca problematyce kompozycji obrazu, problematyce rozmieszczenia figur, poszczególnych detali. Stąd tak ukochana przez niego kompozycja ułożenia figur w trójkącie - najprostszej geometrycznej figurze harmonicznej - kompozycji, która pozwala widzowi uchwycić cały obraz jako całość. Ekspresyjność, prawdomówność, przystępność - to prawa prawdziwej, prawdziwie ludowej sztuki, sformułowane przez Leonarda da Vinci, prawa, które on sam ucieleśniał w swoich genialnych dziełach. Już w swoim pierwszym dużym obrazie Madonna z kwiatem Leonardo pokazał w praktyce, co oznaczają wyznawane przez niego zasady sztuki. Uderzająca w tym obrazie jest przede wszystkim jego kompozycja, zaskakująco harmonijne rozmieszczenie wszystkich elementów obrazu, które składają się na jedną całość. Obraz młodej matki z wesołym dzieckiem w ramionach jest głęboko realistyczny. Głęboko odczuwalny błękit włoskiego nieba przez szczelinę okienną jest niezwykle umiejętnie oddany. Już na tym obrazie Leonardo zademonstrował zasadę swojej sztuki - realizm, obraz osoby w najgłębszej zgodzie z jego prawdziwą naturą, obraz nie jest abstrakcyjnym schematem, czego uczyła i co robiła średniowieczna sztuka ascetyczna, a mianowicie , czująca osoba.
Te zasady są jeszcze wyraźniej wyrażone w drugim wielkim obrazie Leonarda „Pokłon Trzech Króli” z 1481 r., w którym nie liczy się wątek religijny, ale mistrzowskie przedstawienie ludzi, z których każdy ma własną, indywidualną twarz, swoją własną pozę, wyraża własne uczucia i nastrój. Prawda życiowa jest prawem malarstwa Leonarda. Najbardziej kompletne ujawnienie wewnętrznego życia człowieka jest jego celem. W Ostatniej Wieczerzy kompozycja jest dopracowana do perfekcji: mimo dużej liczby postaci – 13, ich rozmieszczenie jest ściśle wykalkulowane, tak aby wszystkie jako całość stanowiły swoistą jedność, pełną wielkiej wewnętrznej treści. Obraz jest bardzo dynamiczny: jakaś straszna wiadomość przekazana przez Jezusa uderzyła w jego uczniów, każdy z nich reaguje na nią na swój sposób, stąd ogromna różnorodność wyrazów wewnętrznych uczuć na twarzach apostołów. Doskonałość kompozycyjną dopełnia niezwykle mistrzowskie operowanie kolorem, harmonia światła i cienia. Ekspresyjność, ekspresja obrazu osiąga swoją doskonałość dzięki niezwykłej różnorodności nie tylko mimiki twarzy, ale także ułożenia każdej z dwudziestu sześciu namalowanych na obrazie dłoni.
Ten zapis samego Leonarda mówi nam o starannych pracach przygotowawczych, które wykonał przed namalowaniem obrazu. Wszystko jest w nim przemyślane w najdrobniejszych szczegółach: postawy, mimika; nawet takie detale jak przewrócona miska czy nóż; wszystko to w sumie stanowi jedną całość. Bogactwo kolorów na tym obrazie łączy się z subtelnym użyciem światłocienia, co podkreśla wagę wydarzenia przedstawionego na obrazie. Subtelność perspektywy, przeniesienie powietrza, kolory czynią ten obraz arcydziełem sztuki światowej. Leonardo skutecznie rozwiązał wiele problemów ówczesnych artystów i otworzył drogę do dalszego rozwoju sztuki. Dzięki sile swojego geniuszu Leonardo przezwyciężył średniowieczne tradycje, które ciążyły sztuce, złamał je i odrzucił; udało mu się poszerzyć wąskie granice, którymi rządząca wówczas klika duchownych ograniczała twórczą siłę artysty, i zamiast oklepanej, stereotypowej sceny gospel, pokazać ogromny, czysto ludzki dramat, pokazać żywych ludzi z ich pasjami, uczuciami, doświadczeniami. I na tym obrazie ponownie pojawił się wielki, afirmujący życie optymizm artysty i myśliciela Leonarda.
Przez lata swoich wędrówek Leonardo namalował o wiele więcej obrazów, które zyskały zasłużoną światową sławę i uznanie. W „La Gioconda” obraz jest głęboko żywy i typowy. To właśnie ta głęboka witalność, niezwykle reliefowe przeniesienie rysów twarzy, poszczególnych detali, kostiumu, w połączeniu z mistrzowsko namalowanym pejzażem, nadaje temu obrazowi szczególną wyrazistość. Wszystko w niej - od tajemniczego półuśmiechu igrającego na jej twarzy po spokojnie złożone dłonie - mówi o wielkiej zawartości wewnętrznej, wielkim życiu duchowym tej kobiety. Pragnienie Leonarda, aby przekazać świat wewnętrzny w zewnętrznych przejawach ruchów duchowych, jest tutaj szczególnie w pełni wyrażone. Ciekawy obraz Leonarda „Bitwa pod Anghiari”, przedstawiający bitwę kawalerii i piechoty. Podobnie jak w innych swoich obrazach, Leonardo starał się tutaj pokazać różnorodność twarzy, postaci i póz. Dziesiątki przedstawionych przez artystę postaci tworzą integralne wrażenie obrazu właśnie dlatego, że wszystkie one podlegają jednej idei, która się za nim kryje. Było to pragnienie pokazania powstania wszystkich sił człowieka w bitwie, napięcia wszystkich jego uczuć, zebranych razem w celu osiągnięcia zwycięstwa.
Leonardo da Vinci, włoski malarz, rzeźbiarz, architekt, naukowiec i inżynier. Założyciel kultury artystycznej Wysokiego Renesansu, Leonardo da Vinci, rozwijał się jako mistrz, studiując u Andrei del Verrocchio we Florencji. Metody pracy w warsztacie Verrocchio, gdzie praktykę artystyczną łączono z eksperymentami technicznymi, a także przyjaźń z astronomem P. Toscanellim, przyczyniły się do powstania zainteresowań naukowych młodego da Vinci. We wczesnych pracach (głowa anioła w Chrzcie Verrocchio, po 1470 r., Zwiastowanie, ok. 1474 r., obie w Uffizi; tzw. Madonna Benois, ok. 1478 r., Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu) artysta: rozwijając tradycje sztuki wczesnego renesansu, podkreślał płynną objętość form miękkim światłocieniem, czasem ożywiał twarze ledwie dostrzegalnym uśmiechem, osiągając za jego pomocą przekazywanie subtelnych stanów umysłu. Zapisując wyniki niezliczonych obserwacji w szkicach, szkicach i badaniach terenowych wykonywanych w różnych technikach (ołówki włoskie i srebrne, sangwinik, pióro itp.), Leonardo da Vinci osiągnął, uciekając się czasem do niemal karykaturalnej groteski, ostrość w przekazie twarzy mimika, cechy fizyczne i ruch ciała ludzkiego młodych mężczyzn i kobiet doskonale harmonizują z duchową atmosferą kompozycji.
W 1481 lub 1482 roku Leonardo da Vinci wszedł na służbę władcy Mediolanu Lodovico Moro, pełniąc funkcję inżyniera wojskowego, inżyniera hydraulika i organizatora świąt dworskich. Przez ponad 10 lat pracował nad konnym pomnikiem Francesca Sforzy, ojca Lodovico Moro (naturalnej wielkości gliniany model pomnika został zniszczony podczas zajęcia Mediolanu przez Francuzów w 1500 roku). W okresie mediolańskim Leonardo da Vinci stworzył „Madonnę w skałach” (1483-1494, Luwr, Paryż; druga wersja - ok. krajobraz, a najwspanialszy światłocień pełni rolę duchowego początku, podkreślając ciepło relacji międzyludzkich. W refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie ukończył malowidło ścienne „Ostatnia wieczerza” (1495-1497; ze względu na specyfikę techniki zastosowanej podczas pracy Leonarda da Vinci na fresku - olej z temperą - zachował się w bardzo zniszczonym stanie, odrestaurowany w XX w.), co należy do szczytów malarstwa europejskiego; jej wysoka zawartość etyczna i duchowa wyraża się w matematycznej regularności kompozycji, będącej logiczną kontynuacją rzeczywistej przestrzeni architektonicznej, w czytelnym, ściśle opracowanym systemie gestów i mimiki postaci, w harmonijnej równowadze form.
Zajmując się architekturą, Leonardo da Vinci opracował różne wersje „idealnego” miasta i projekty świątyni z kopułą centralną, które wywarły ogromny wpływ na współczesną architekturę Włoch. Po upadku Mediolanu życie Leonarda da Vinci upłynęło w nieustannym ruchu (1500-1502, 1503-1506, 1507 - Florencja; 1500 - Mantua i Wenecja; 1506, 1507-1513 - Mediolan; 1513-1516 - Rzym; 1517-1519 - Francja). W rodzinnej Florencji pracował nad obrazem Wielkiej Sali Rady w Palazzo Vecchio „Bitwa pod Anghiari” (1503-1506, nieukończony, znany z kopii z tektury), stojącym u początków europejskiego gatunku bitewnego nowoczesne czasy. W portrecie „Mona Lisa” czy „La Gioconda” (ok. 1503-1505, Luwr, Paryż) ucieleśniał wzniosły ideał wiecznej kobiecości i ludzkiego wdzięku; ważnym elementem kompozycji był kosmicznie rozległy pejzaż, przechodzący w zimną błękitną mgiełkę. Do późnych dzieł Leonarda da Vinci należą projekty pomnika marszałka Trivulzia (1508-1512), ołtarz „Św. Anna i Maryja z Dzieciątkiem” (ok. 1507-1510, Luwr, Paryż), zakończenie z zakresu perspektywy świetlno-powietrznej i kompozycji piramidalnych harmonicznych oraz „Jan Chrzciciel” (ok. 1513-1517, Luwr), gdzie nieco słodkawa dwuznaczność obrazu wskazuje na wzrost momentów kryzysowych w twórczości artysty.
W cyklu rysunków przedstawiających uniwersalną katastrofę (tzw. cykl z „Potopem”, włoski ołówek, pióro, ok. 1514-1516, Biblioteka Królewska, Windsor) rozważania nad znikomością człowieka wobec potęgi elementy łączą się z racjonalistycznymi koncepcjami cykliczności procesów naturalnych. Najważniejszym źródłem do studiowania poglądów Leonarda da Vinci są jego zeszyty i rękopisy (około 7 tysięcy arkuszy), których fragmenty znalazły się w „Traktacie o malarstwie”, opracowanym po śmierci mistrza przez jego ucznia F. Melziego i które wywarły ogromny wpływ na europejską myśl teoretyczną i praktykę artystyczną. W sporze między sztukami Leonardo da Vinci dał pierwsze miejsce malarstwu, rozumiejąc je jako język uniwersalny, zdolny do ucieleśnienia wszelkich różnorodnych przejawów zasady racjonalności w przyrodzie. Obraz Leonarda da Vinci byłby przez nas postrzegany jednostronnie, bez uwzględnienia faktu, że jego działalność artystyczna okazała się nierozerwalnie związana z działalnością naukową. Zasadniczo Leonardo da Vinci reprezentuje na swój sposób jedyny przykład wielkiego artysty, dla którego sztuka nie była głównym zajęciem życia.
Jeśli w młodości zwracał uwagę przede wszystkim na malarstwo, to z czasem ten stosunek zmienił się na korzyść nauki. Trudno znaleźć takie dziedziny wiedzy i techniki, które nie zostałyby wzbogacone o jego wielkie odkrycia i śmiałe pomysły. Nic nie daje tak żywego wyobrażenia o niezwykłej wszechstronności geniuszu Leonarda da Vinci, jak wiele tysięcy stron jego rękopisów. Zawarte w nich notatki, w połączeniu z niezliczonymi rysunkami, które plastycznie materializują myśli Leonarda da Vinci, obejmują cały byt, wszystkie dziedziny wiedzy, będąc niejako najdobitniejszym dowodem odkrycia świata, jakie przyniósł ze sobą renesans . W tych wynikach jego niestrudzonej pracy duchowej wyraźnie odczuwa się różnorodność samego życia, w świadomości którego zasady artystyczne i racjonalne pojawiają się u Leonarda da Vinci w nierozerwalnej jedności.
Jako naukowiec i inżynier wzbogacił niemal wszystkie ówczesne dziedziny nauki. Leonardo da Vinci, wybitny przedstawiciel nowej nauki przyrodniczej opartej na eksperymencie, zwracał szczególną uwagę na mechanikę, widząc w niej główny klucz do tajemnic wszechświata; jego błyskotliwe konstruktywne domysły znacznie wyprzedzały współczesną mu epokę (projekty walcowni, maszyn, okrętów podwodnych, samolotów). Zgromadzone przez niego obserwacje na temat wpływu przezroczystych i półprzezroczystych mediów na kolorystykę przedmiotów doprowadziły do ustalenia naukowo uzasadnionych zasad perspektywy powietrznej w sztuce Wielkiego Renesansu. Studiując urządzenie oka, Leonardo da Vinci dokonał właściwych przypuszczeń na temat natury widzenia obuocznego. W rysunkach anatomicznych położył podwaliny pod nowoczesną ilustrację naukową, a także studiował botanikę i biologię. I w przeciwieństwie do tej pełnej napięcia twórczości twórczej – życiowe losy Leonarda, jego niekończące się tułaczki związane z niemożnością znalezienia sprzyjających wówczas warunków do pracy we Włoszech.
Kiedy więc francuski król Franciszek I zaproponował mu posadę nadwornego malarza, Leonardo da Vinci przyjął zaproszenie i przybył do Francji w 1517 roku. We Francji w tym okresie, szczególnie aktywnie włączając się w kulturę włoskiego renesansu, Leonardo da Vinci otaczany był na dworze powszechnym szacunkiem, który miał jednak charakter bardziej zewnętrzny. Siły artysty były na wyczerpaniu i dwa lata później, 2 maja 1519 roku, zmarł w zamku Cloux (koło Amboise, Touraine) we Francji. Niestrudzony eksperymentator i genialny artysta Leonardo da Vinci stał się powszechnie rozpoznawalnym symbolem renesansu. Historia narodzin włoskiego renesansu.
