Edvard Grieg to wokalista skandynawskich legend. Edwarda Griega

Miejska instytucja budżetowa

dodatkowa edukacja

Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 8

Uljanowsk.

Muzykologiczna praca nauczyciela fortepianu

Tuarminskaja Jelena Anatolijewna

„Dzieło E. Griega i jego utwory fortepianowe”

201 6 rok

„Dzieło E. Griega i jego utwory fortepianowe”

Wprowadzenie………………………………………………………………………………………… 1

§jeden. Edvard Grieg – klasyk muzyki norweskiej………………………………2-5

§2. Zapoznanie uczniów z twórczością Griega w trakcie jej studiowania ... .. 5-8

§3. Griega w klasie fortepianu szkoły artystycznej. ……….8-23

Zakończenie………………………….……………….…………………………..23

Referencje………………………………...23-24

Wstęp

Grieg, artysta o błyskotliwym indywidualnym składzie, wszedł do historii światowej kultury muzycznej jako wielki norweski kompozytor, którego muzyka zawierała wszystko, co najlepsze, co jego ojczyzna stworzyła przez wiele stuleci: heroizm ludowej epopei i tajemnicza bajeczność, energia tańca ludowego i cudownych, czułych tekstów. Słowami Ibsena zawiera „zarówno pamięć o przeszłości, jak i moc miłości”.

Życie intelektualne i duchowe każdego człowieka opiera się na kulturze narodowej, do której należy. Jego znaczenie dla rozwoju potencjału twórczego jest nie do przecenienia: „Istnieje prawo natury i kultury ludzkiej, na mocy którego wszystko, co wielkie, człowiek lub naród może powiedzieć tylko na swój własny sposób, a wszystko, co genialne, narodzi się właśnie w łonie narodowego doświadczenia, ducha i sposobu życia” (Ilyin I. AND.). Praca Griega jest żywym potwierdzeniem tego prawa i

Znajomość spuścizny wielkiego kompozytora pomaga studentom-muzykom zrozumieć wiele wzorców tkwiących w procesach kształtowania stylu twórczego każdego mistrza.

§jeden. Edvard Grieg – klasyk muzyki norweskiej

O narodowym i światowym znaczeniu sztuki Griega najlepiej świadczą te krótkie słowa, w których starał się on wyrazić swoje twórcze credo, swoje cele i zadania jako artysty: „Nagrałem muzykę ludową mojego kraju. Bogate skarby czerpałem z melodii ludowych mojej ojczyzny, az tego wciąż nieodkrytego źródła norweskiej duszy ludowej starałem się stworzyć sztukę narodową.

Grieg opowiedział całemu światu o swoim kraju. O wyjątkowości norweskiej przyrody z jej skałami, fiordami i wąwozami. O dziwacznym klimacie: na wąskim pasie wybrzeża panuje ciepła, zielona wiosna, aw górach – zimowy chłód. O ciężkim życiu mieszkańców tego kraju - przyciśniętego przez góry do morza, który musi osiedlić się nad wodą i wiecznie walczyć z kamieniem, urządzając domostwa na nagich, stromych klifach.

Grieg przekazał w muzyce wielkość norweskiej natury, niezłomnej

duch ludu, jego niesamowite sagi i bajki.

Melodia norweskiej muzyki ludowej ma wiele charakterystycznych cech

funkcje. Przede wszystkim niezwykłość jego sekwencji interwałowych jest imponująca. Często linia melodyczna rozwija się w formie złożonego ornamentu, w nawarstwianiu się różnych przednutek, mordentów, tryli, opóźnień melodycznych czy krótkich intonacji inwokacyjnych. Język harmoniczny muzyki norweskiej charakteryzuje się zmiennością modalną, szerokim wykorzystaniem trybu lidyjskiego i modalnością. W efekcie powstaje tonalna „współgra”, która ożywia akcję rytmiczną, nadaje dźwiękowi ruchliwość, impulsywność i cierpkość. Szczególne znaczenie w norweskim folklorze muzycznym ma rytm, którego cechą charakterystyczną, podobnie jak dla trybu, jest zmienność. Kapryśna zmiana dwutaktu i trójtaktu, dziwaczne aranżacje akcentów, zmiana grupowania metrum - wszystko to jest typowe dla norweskiej muzyki ludowej. Ważnym czynnikiem jest w niej sam kontrast figuratywnych treści, nasycenie zmiennymi nastrojami, nagłe przejścia od patosu do ciężkich myśli, od melancholii do

do lekkiego humoru, który czasami nadaje szczególny ton balladowy, w dużej mierze wywodzący się z kontrastów życia i krajobrazów w Norwegii.

Typowe cechy norweskiego folkloru muzycznego znalazły swoiste odzwierciedlenie w muzyce fortepianowej Griega iw dużej mierze zadecydowały o oryginalności jej stylu. Interesująca jest również interpretacja Griega różnych tańców ludowych. W Norwegii rozpowszechniły się tańce z podwójnymi i potrójnymi metrum.

Tańce trzyczęściowe - springar, springlake - różniły się od siebie odmiennym zastosowaniem synkopy, akcentami, charakterystycznymi zmianami metrum, co nadawało każdemu tańcowi niepowtarzalną oryginalność. Tańce dwuetapowe dzielą się na dwa typy: 2/4 i 6/8. Przede wszystkim są to gangar i halling. Gangar to taneczny korowód par, halling (z reguły ma szybsze tempo niż gangar) to solowy taniec męski, znany w większości kraju.

Muzyka Griega miała genetyczne powiązania nie tylko z norweską sztuką narodową, ale także ogólnie z kulturą Europy Zachodniej. Najlepsze tradycje niemieckiego romantyzmu, zawarte przede wszystkim w twórczości Schumanna, miały znaczący wpływ na kształtowanie się metody twórczej Griega. Zauważył to sam kompozytor, nazywając siebie „romantykiem szkoły Schumanna”. Grieg, podobnie jak Schumann, romantyzm bliski jest sferze aspiracji lirycznych i psychologicznych, odzwierciedlając świat złożonych i subtelnych ludzkich uczuć. Inne aspekty romantyzmu Schumanna znalazły również odzwierciedlenie w twórczości Griega: bystra obserwacja, przekazywanie zjawisk życiowych w ich wyjątkowej oryginalności - czyli tych cechach, które określają charakterystyczne cechy sztuki romantycznej.

Jako spadkobierca tradycji romantycznych Grieg przyjął ogólne zasady

„Schumann”, programowanie poetyckie, które najpełniej ujawnia się w zbiorach „Liric Pieces”, po które kompozytor sięgał przez niemal całe swoje twórcze życie. Miniatury fortepianowe Griega mają „nazwy opisowe”: są to impresje („Na karnawale” op. 19 nr 3), szkic pejzażowy („W górach” op. 19 nr 1), czasem wspomnienia („Było kiedyś „ op. 71 nr 1), płynące z serca, światło grigowiańskie, a konkretnie „północne”. Artystycznym celem kompozytora nie jest ucieleśnienie fabuły, ale przede wszystkim przekazanie ulotnych nastrojów, które rodzą się w naszych umysłach poprzez obrazy prawdziwego życia.

Warto zwrócić uwagę na charakterystyczne cechy pisarstwa kompozytora Griega. To przede wszystkim melodia kompozytora, przesiąknięta typowymi dla muzyki norweskiej intonacjami: jak np. charakterystyczne przejście od pierwszego kroku trybu przez ton wprowadzający do kwinty (w tryb dominujący). Ta intonacja odgrywa dużą rolę w wielu utworach Griega (na przykład w Koncercie fortepianowym). Intonacja Grigova. jako swoisty zwrot melodyczny, stał się swego rodzaju godłem narodowym kompozytora.

Rytm ma dla Griega ogromne znaczenie. Istotną cechą norweskich rytmów tanecznych jest przewaga spiczastych rytmów trypletowo-kropkowanych, które Grieg szeroko stosował nie tylko w rodzajowo-tanecznych miniaturach, ale także w utworach o dużej formie - w momentach dramatycznego napięcia. Elementy rytmiki ludowej organicznie i naturalnie weszły w jego muzykę.

Charakter pisma kompozytora odznacza się najwyższą lakonicznością wypowiedzi, rygorem i elegancją formy, a najdrobniejsze szczegóły nasycone są znaczną wyrazistością semantyczną. Stąd charakterystyczne dla Griega powtórzenia – dosłowne, sekwencyjne, wariantowe.

§ 2. Zapoznanie studentów z twórczością Griega w trakcie jej studiowania.

Zapoznawszy się z twórczością Griega, należy zauważyć, że jego twórczość jest nierozerwalnie związana z historycznym rozwojem kultury norweskiej oraz z tendencjami norweskiego życia publicznego w połowie XIX wieku. Przez długi czas Norwegia nosiła ciężar silnej zależności od sąsiednich krajów - Danii, Szwecji, które tłumiły swoją pierwotną kulturę.

Druga połowa XIX wieku charakteryzowała się rozwojem ruchu narodowowyzwoleńczego. Twórczość kompozytora narodziła się z tego wspaniałego czasu, kiedy w walce o niezależność polityczną i kulturową Norwegii rozwijały się i umacniały tradycje artystyczne, rozkwitała literatura, dramaturgia i poezja.

Najwybitniejszymi przedstawicielami odrodzenia narodowego w literaturze byli G. Ibsen i B. Bjornson. Twórcza współpraca Griega z tymi pisarzami przyniosła norweskiej sztuce światową sławę. Obaj pisarze – każdy na swój sposób – mieli zauważalny wpływ na kształtowanie się poglądów estetycznych kompozytora.

Prace Griega były również zgodne ze współczesną norweską sztuką piękną. Malarze pejzażyści H. Dahl, Tiedemann i Gude poświęcili swoje prace rodzimej przyrodzie i życiu ludowemu.

H norweski pejzażysta H. Dahl – subtelny mistrz pejzażu wybiera przyjazny, jasny

zakątki rodzimej przyrody:

słoneczny skraj lasu latem, soczysta łąka z pasterką i dziećmi. idylliczny lud

sceny malarza romantycznego mimowolnie kojarzą się z pejzażami muzycznymi Griega: „Potok” (op. 62, nr 4), „Locke” (op. 66, nr 1). W spektaklu „Poranek” (od I suity do „Peer Gynt”) lekka, przezroczysta melodia przypomina spokojną, pogodną pasterską melodię na zielonej łące.

Na płótnach artysty A. Tiedemanna możemy obserwować życie norweskich chłopów. Dobrze znany obraz gatunkowy Tiedemanna Procesja weselna w Hardanger (1849), nasycony oświeconym, lirycznym nastrojem, żywo odbija się echem w sztukach Griega z cyklu Tańce chłopskie, op. 72, Przepustki weselne, op. malarze. Topniejący śnieg, płynące strumienie w lirycznych pejzażach F. Thaulova są one zgodne z miniaturą Grigova „Potok” (op. 62, nr 4). W spektaklu „Na wiosnę” (op. 43, nr 6) liryczny nastrój łączy się z subtelnością obrazu. Grieg często śpiewa o wiośnie, tworząc malownicze obrazy w utworach wokalnych i fortepianowych, z których wiele to prawdziwe perełki w swoim gatunku.

K. Krog jest artystą późniejszego okresu. Na jego płótnach przedstawiona jest Norwegia pracy - wiejska i miejska. Krogh ma całą galerię ekspresyjnych portretów kobiecych, w których wizerunki wieśniaczek i kobiet miejskich, przedstawicielek inteligencji, są oddane z psychologiczną penetracją. Podobne portrety ma Grieg – „Znam tę dziewczynkę” op. 17#16; Pieśń Solveig, Kołysanka Solveig.

Znajomość studentów z przykładami malarstwa i literatury skandynawskiej oczywiście przyczynia się do rozwoju myślenia asocjacyjnego. Zasada rozwoju edukacji realizowana jest w dwóch aspektach. Zasada rozwoju edukacji realizowana jest w dwóch aspektach. Pierwszy dotyczy rozwijania świadomości artystycznej i estetycznej studentów, wprowadzania ich w zjawiska światowej kultury muzycznej poprzez studiowanie kompozycji Griega. Drugi to aspekt muzyczno-wykonawczy - wpływa na ucieleśnienie wiedzy w specyfice czynności muzycznych i wykonawczych.

W praktyce nauczania wykonawstwa muzycznego głównymi metodami pracy z uczniem są metoda słowna oraz bezpośredni pokaz wizualny i ilustracyjny na instrumencie. Obok demonstracji wykonawczych badanych utworów, uczestniczenia w koncertach wybitnych wykonawców, ważne miejsce w rozwoju profesjonalnego myślenia młodych muzyków zajmuje celowe wykorzystywanie nowoczesnych OSP, w szczególności urządzeń odtwarzających dźwięk, które umożliwiają włączyć do procesu edukacyjnego niezbędne materiały audio i wideo, w tym przypadku nagrania kompozycji Griega, wykonane przez krajowych i zagranicznych muzyków-wykonawców (D. Adni, M. Pletnev, Ya Austbo itp.).

§3. Griega w klasie fortepianu szkoły artystycznej.

Fortepian zawsze był ulubionym instrumentem Griega. To właśnie temu instrumentowi, drogiemu mu, od dzieciństwa przywykł zwierzać się ze swoich ukochanych myśli. W długim szeregu tworzonych przez siebie zbiorów i cykli fortepianowych („Obrazki poetyckie”, „Humoreski”, „Cykl z życia ludowego”, „Kartki albumowe”, „Walce-kaprysy”, „Utwory liryczne”, „Nastroje”) z wcześnie do W ostatnich latach można wyraźnie prześledzić jedną ogólną sferę nastrojów lirycznych i jedną ogólną tendencję programowości poetyckiej. Nurt ten najpełniej objawia się w cyklu „Utwory liryczne”, ku którym kompozytor zwracał się przez niemal całe swoje twórcze życie.

„Utwory liryczne” stanowią większość utworów fortepianowych Griega. Kontynuują oni typ kameralistyki fortepianowej reprezentowany przez „Momenty muzyczne” i „Impromptu” Schuberta, „Pieśni bez słów” Mendelssohna. Bezpośredniość wypowiedzi, liryzm, ekspresja w grze z przewagą jednego nastroju, tendencja do małej skali, prostota i dostępność koncepcji artystycznej oraz środków technicznych – to cechy romantyzmu.

miniatury fortepianowe, charakterystyczne także dla Utworów lirycznych Griega. „Utwory liryczne” można nazwać „dziennikiem muzycznym kompozytora”, tutaj Grieg „wpisał” swoje najróżniejsze wrażenia, uczucia, myśli.

Z „Utworów lirycznych” widać, jak bardzo Grieg oddał swoje myśli i uczucia swojej ojczyźnie. Temat ojczyzny rozbrzmiewa w podniosłej „Pieśni ojczystej” (op. 12), w spokojnej i majestatycznej pieśni „W ojczyźnie” (op. 43), w scenie rodzajowo-lirycznej „Do ojczyzny” (op. 62), w wielu ludowych

utwory taneczne, pomyślane jako szkice rodzajowe. Wątek ojczyzny kontynuowany jest we wspaniałych „Pejzażach muzycznych” Griega („Na wiosnę” – op. 43, „Nokturn” – op. 54), w osobliwych motywach baśni ludowych („Pochód krasnoludków” ", "Kobalt"). Żywe, bezpośrednie szkice „z natury” („Ptak”, „Motyl”), echa artystycznych wrażeń („Pieśń stróża”, napisana pod

impresja z „Makbeta” Szekspira), portret muzyczny („Gade”), strony lirycznych wypowiedzi („Arietta”, „Walc improwizowany”, „Wspomnienia”) – taki jest krąg obrazów tego cyklu. Impresje życiowe, podsycane liryzmem, żywym uczuciem autora - taka jest treść i ton emocjonalny cyklu, który tłumaczy jego nazwę: "Utwory liryczne". Cechy stylu „dramatów lirycznych” są tak różnorodne, jak ich treść.

Bardzo wiele sztuk charakteryzuje się skrajną lakonicznością, skąpymi i precyzyjnymi pociągnięciami miniatury; ale w niektórych sztukach pojawia się pragnienie malowniczości, szerokiej, kontrastowej kompozycji („Pochód krasnoludów”, „Gangar”, „Nokturn”). W niektórych utworach słychać subtelność kameralnego stylu („Taniec elfów”), inne mienią się jasnymi kolorami, zachwycają wirtuozowskim blaskiem koncertu („Wesele w Trollhaugen”).

Cechy stylu „dramatów lirycznych” są tak różnorodne, jak ich treść. Bardzo wiele sztuk charakteryzuje się skrajną lakonicznością, skąpymi i precyzyjnymi pociągnięciami miniatury; ale w niektórych sztukach pojawia się pragnienie malowniczości, szerokiej, kontrastowej kompozycji („Pochód krasnoludów”, „Gangar”, „Nokturn”). W niektórych utworach słychać subtelność kameralnego stylu („Taniec elfów”), inne mienią się jasnymi kolorami, zachwycają wirtuozowskim blaskiem koncertu („Wesele w Trollhaugen”).

„Sztuki liryczne” wyróżniają się dużą różnorodnością gatunkową. Spotykamy tu elegię i nokturn, kołysankę i walca, pieśń i arietta. Bardzo często Grieg sięga po gatunki norweskiej muzyki ludowej (springdance, halling, gangar). O wartości artystycznej cyklu „Utwory liryczne” decyduje zasada programowania. Każdy utwór rozpoczyna się tytułem, który określa jego poetycki obraz, a każdy utwór uderza prostotą i subtelnością, z jaką jest ucieleśniony w muzyce.

„zadanie poetyckie”

Arieta

Uroczy temat tego utworu pojawia się ponownie w zmienionej formie w najnowszym utworze lirycznym Echoes op. 71, nr 7, zamykając w ten sposób wielką ligę, obejmującą cały cykl, wszystkie dziesięć Dzieł.

W Arietta są trzy niezależne głosy, a tajemnica sukcesu tkwi w realizacji tego trójgłosu. Najpierw zwróć uwagę na łagodną, ​​melancholijną melodię, ale nie zapominaj, że arpeggiowe wypełnienie faktury wymaga tu osobnej pracy. Wskazane jest wyróżnienie kilku głosów w Arietta: bas + melodia, bas + arpeggio, melodia + arpeggio. Wtedy wszystko ostatecznie połączy się w nierozłączne trio, w którym jednak każdy głos zachowa swoją indywidualność. Zwróć szczególną uwagę na dynamikę linii basu, użyj pedału, aby upewnić się, że jest obecna, ale nie jest zbyt głośna. Podobny do dźwięku

harfa, figura w głosie środkowym powinna być równa i miękka, a sopran powinien być miękko melodyjny. Uważaj też na frazesy. Sekcja otwierająca składa się z dwutaktowych fraz, w których pierwszy takt jest podobny do wprowadzenia. Po pierwszych czterech taktach tok melodii staje się bardziej zróżnicowany. Artykulacja w głosie środkowym musi być bardziej niezależna od innych głosów. To jedna z subtelności „Arietty”.

Walc

To pierwszy walc z wielu zawartych w utworach lirycznych. Chociaż często grają na nim dzieci, całkiem dobrze nadaje się do występów koncertowych. W takim przypadku wyobraź sobie porcelanę i balet powietrzny. Z technicznego punktu widzenia wymaga to starannej artykulacji i lekkiego dotykania klawiszy opuszkami palców. Frazowanie w prawej ręce zawsze pozostaje niezależne od typowego metrum walca 3/4 w lewej ręce.

Nie graj z zaznaczonymi motywami forte, za głośno. Weź pod uwagę, że

wykonaj miniaturę: wykonaj miniaturę i dynamikę.

subito fortepianowe z fermatą w t. 18 daje wspaniały efekt.

Należy pamiętać, że główny motyw brzmi dwukrotnie fortepian ale trzeci raz pianissimo. Ta subtelność jest ważna dla formy utworu. Ten sam dynamiczny kontrast występuje w kodzie − pianino dolce w t. 71, pianissimo w t. 77. T. 63 i dalsze brzmią jak walc, który ma się zamienić w norweskiego springara.

Wydaje się właściwe grać w ćwiartki staccato w swobodnym rytmie.

Chociaż Grieg tego nie sprecyzował, można by rozważyć granie kody nieco wolniej niż reszta utworu. Postaraj się nadać mu nieco duszpasterski charakter. W podobny sposób można zagrać część środkową A-dur. Różnice te powinny być jednak ledwo zauważalne.

Piosenka Strażnika

„Pieśń o stróżu” była bardzo popularna w czasach Griega i pozostaje nią do dziś. Zwróć uwagę na wskazanie wszystko jasne: Powinien być słyszalny w 2/2 zamiast 4/4. Pomoże również podkreślić prostotę, której domaga się Grieg. wytrzymać legato na początku utworu, który brzmi unisono, raz trzygłosowy, raz czterogłosowy. Zagraj tę rolę skromnie, jakbyś nie był świadomy fatalnego wydarzenia, które ma się wydarzyć.

Intermezzo z tej piosenki jest słynne. Wyobraź sobie krzyk sowy w chwili popełnienia morderstwa w ciemnościach nocy. Grieg napisał Pieśń stróża po tym, jak był na przedstawieniu Makbeta Szekspira, więc spróbuj odzwierciedlić w swoim występie coś z horroru tego potężnego dramatu. Wyobraź sobie, że stróż na swoim okrągłym okręcie zauważa, a raczej dostrzega przebłysk popełnianego okrucieństwa. Czy coś usłyszał, czy też ktoś potajemnie zadał mu cios, gdy przechodził obok? Być może ta druga interpretacja jest lepsza. Cyfry z siódmej trzydzieści sekund powinny być bardzo ciche, ale wyraźne. Niezbędny jest tu lekki ruch ręką, ale ręka musi pozostać jak najbardziej nieruchoma. Rosnące trojaczki nie powinny nagle stać się głośne. Zacząć od fortepian i stopniowo zwiększaj głośność.

Taniec elfów

Ten uroczy mały wirtuozowski utwór przypomina muzykę Mendelssohna. Wszystkie nuty muszą być zagrane opuszkami palców, aby uzyskać lekki, szybki dźwięk staccato. Będziesz potrzebował pomocy całej ręki, ale trzymaj rękę nisko nad klawiszami. Ruchy nadgarstka w bok są przydatne, gdy wygrywasz ósemki, ale utrzymuj je na minimalnym poziomie, aby nie zakłócać koordynacji ruchów. Takie podejście może łatwo doprowadzić do

rozmyty dźwięk i niedokładny rytm. „Taniec elfów” powinien być miękki, lekki i precyzyjny rytmicznie. Nie przesadzaj z tym forte. W końcu nie chcesz odstraszyć elfów! Musisz jednak ćwiczyć głośno, a następnie sprawić, by dźwięk był nieco bardziej grzmotowy niż str.

Spróbuj sobie wyobrazić, jak elfy roją się wokół, ukrywają, pojawiają się ponownie i ostatecznie całkowicie znikają. Dopiero w t. 29-30 i 70-72 Grieg używa pedału. Nadaje to sztuce dodatkowego wymiaru – impresjonistycznej mgiełki lub. może smugi mgły, w których znikają elfy.

Pieśń ludowa

Grieg miał niesamowitą zdolność tworzenia melodii o prawdziwie norweskim brzmieniu. Chociaż Pieśń Ludowa jest niewątpliwie inspirowana niewyczerpanymi skarbami muzyki ludowej jego rodzinnego kraju, jest niezaprzeczalnie jego własnym odkryciem. Nie graj „Pieśni ludowej” zbyt wolno: zwróć uwagę na to, co napisał Grieg Z moto. Jedną z cech norweskiego temperamentu jest melancholia, dlatego aby oddać ten stan, sztukę należy zagrać prosto, bez artyzmu, szczerze. Połącz dwie czterotaktowe frazy na początku w ośmiotaktowym okresie, tak aby druga fraza brzmiała jak odpowiedź na pierwszą. Możesz stopniowo zwiększać głośność przez pierwsze cztery takty, a następnie zmniejszać ją w taktach od 5 do 8, a komunikat ośmiu taktów będzie brzmiał jak pojedyncza kropka.

W t. 3 i 4 naturalne jest nadanie tonowi nieco jaśniejszego tonu. W takcie 7 robi się ciemniej. spróbuj naśladować głos klatki piersiowej. „Pieśń ludowa” od początku do końca jest jak sen. Henrik Wergeland powiedział kiedyś o swoim rodzinnym kraju, że to piękna, majestatyczna lira, pełna nadziei, że stanie się czymś ciepłym i muzykalnym. Tę nadzieję słychać w dźwiękach Pieśni ludowej Grigova.

Liść z albumu

Z jakiego albumu może pochodzić ten utwór? Może sekretny list miłosny z młodości Griega? W spektaklu wyczuwa się niestałość właściwą wczesnej młodości. Nie wiadomo, czy on pisze do niej, czy ona do niego, ale jasne jest, że oboje są w to zaangażowani. Dialog jest szczególnie słyszalny w okresach ośmiotaktowych. Niewątpliwie „on” (melodia w głosie tenorowym) przemawia przez szesnaście ciągłych taktów, ale jednak „ona” (melodia w głosie sopranowym) zastrzega sobie zarówno pierwsze, jak i ostatnie słowo. Przednutki nie powinny być zbyt długie, w przeciwnym razie utwór będzie brzmiał archaicznie. aby je skrócić, „myśl w prawo”, to znaczy uważaj, że należą one raczej do następnej niż poprzedniej nuty. W praktyce graj je prawie jednocześnie, a następnie stopniowo rozdzielaj. W dialogu między prawą i lewą ręką nigdy nie graj dwa razy danego motywu w ten sam sposób. Użyj swojej wyobraźni! Możesz zamienić sztukę w ekscytującą krótką rozmowę, potajemnie nagraną na stronie czyjegoś osobistego albumu.

Kobold
w mitologii północnej Europy był dobroduszny duszek . Jednak w odpowiedzi na zaniedbanie potrafił zaprowadzić chaos i nieporządek w domu. W mitologii germańskiej Kobold jest szczególnym rodzajem elfy lub alfy . Koboldom przypisuje się płatanie ludziom figli, ciągle się bawią i hałasują. Są one opisane w formularzu karły , zwykle brzydki; ich kolor od ognia w palenisku jest jaskrawoczerwony.

Menuet („Przeszłe dni”)

Sztuka jest napisana w złożonej, trzyczęściowej formie i opiera się na kontrastowym porównaniu części pierwszej, mniejszej i środkowej, dużej. Mimo gwałtownej zmiany nastroju i kontrastu tonalnego, dzięki motywacyjno-tematycznej jedności poszczególnych odcinków, spektakl stanowi kompletną całość.

Pierwsza część Menueta napisana jest w prostej, dwuczęściowej formie. Druga część to repryza pisemna, ale w nieco zmienionej formie.

Temat pierwszej części Menueta składa się z dwóch elementów: żywiołowego, tanecznego i spokojniejszego, miarowego. Główne trudności wykonawcze pierwszej części pierwszej części: poprawność rytmiczna (rytm punktowany, triole, polirytmia); dobra punktacja nut podwójnych (z przewagą dźwięku wyższego), zachowanie długiej linii dźwiękowej, dokładna dynamika. Ponadto tutaj jest pierwszy punkt kulminacyjny.

Drugi odcinek pierwszej części charakteryzuje się dużą żywotnością wnoszoną przez lewą rękę i bardzo jasnym rozwojem kulminacji, któremu towarzyszy niestabilność tonalna, użycie techniki oktawowej i akordowej oraz duże przesunięcia dynamiczne od pianissimo do fortissimo. Dużo pracy wymaga swobodnego, jasnego grania oktaw i akordów. Szczególnym utrudnieniem jest ostatnie wprowadzenie tematu pod koniec części pierwszej, usuwa ono klimatyczną intensywność i przywraca pierwotny nastrój. Środkowa część Menueta (siringar) również składa się z dwóch części, z kolei każda część podzielona jest na 3 zdania. Najbardziej uderzające, impulsywne, kulminacyjne jest zdanie trzecie. Zbudowana jest w oparciu o technikę oktawową i akordową, zastosowano tu technikę stretto. Wydaje się, że temat osiąga tutaj swoją intensywność i nagle i nieoczekiwanie urywa się na ostatnim, finałowym akordzie. Aby powrócić do pierwotnego nastroju, Grieg stosuje tutaj małe ogniwo D-dur, należy je zagrać pianissimo iw wolniejszym tempie. Druga część środkowej części całkowicie powtarza pierwszą, ale w żywszym tempie, z jaśniejszym

dźwięczność.

Piosenka o ojczyźnie

Była Wigilia i podobno Bjornstjørn Bjornson wbiegł po schodach mieszkania Griega w Oslo, krzycząc „Znalazłem tekst norweskiego hymnu narodowego!”. Grieg napisał już numer 8 i zagrał go dla Bjornsona; sztuka tak mu się spodobała, że ​​postanowił napisać do niej słowa – 32 linijki, nie mniej! Utwór nie stał się hymnem narodowym Norwegii, ale powinien być grany w ten sposób. Musi być rytmiczny, aby pasował do tytułu i kierunku. maestoso. Zagraj w półnuty za darmo

sposób i przy wystarczającym użyciu pedału, aby uzyskać dźwięk podobny do dzwonka, utrzymuj je w ruchu przez cały czas ich trwania.

Kontrastujące fortepian z taktu 9 powinno brzmieć jak najdokładniej legato- jak orkiestra dęta grająca miękko i płynnie.

„Samotny wędrowiec”

Wyobraź sobie majestatyczne norweskie skały, wirujące wodospady, które latem spadają z klifów z rykiem i rykiem, a zimą zamieniają się w dziwaczne przezroczyste posągi. Gruby lód na jeziorach jest tak przezroczysty, że można pod nim zobaczyć przerażone ryby. Posłuchaj grającej muzyki. Nazywa się Samotny Wędrowiec. Czyż nie jest prawdą, że człowiek przejeżdżający przez górzystą Norwegię patrzy z podziwem na otaczający go świat?

"Motyl"

Jeden z najwspanialszych przykładów wyrafinowanego chromatycznego stylu Griega. Muzyka (gra harmonicznych barw) jest bardzo elegancka i ukazuje jasne, przejrzyste, ażurowe strony pianistyki Griega. Ta muzyka jest w kontakcie z Chopinem. Nie jest to najłatwiejszy repertuar, ale niezbędny do posiadania romantycznej pianistyki. Ważne jest, aby znaleźć technikę wykonania tej złożonej faktury, tylko dzięki dokładności techniki możliwe jest odpowiednie artystyczne ucieleśnienie obrazu motyla. Poczucie pozycyjności jest bardzo ważne, a także niezbędne dla rozwoju palcowego legato, które jest podstawą melodii w repertuarze romantycznym, jak u Chopina, Debussy'ego, Griega. Jedną z trudności gry jest zmiana zadań teksturalnych. Wykonawca musi umieć przebudować i zmienić technikę, aby znaleźć adekwatny efekt artystyczny.

"Ptak"

Przykład rzadkiego daru Griega do stworzenia dokładnego i delikatnego rysunku za pomocą kilku pociągnięć. Melodia utworu utkana jest z krótkich „śpiewnych” tryli i „skokowego” rytmu. Faktura jest wyjątkowo skąpa, przejrzysta; zdominowane przez jasne, dźwięczne dźwięki górnego rejestru. Ponure tony środkowej części tylko rozjaśniają wyrazistość obrazu początkowego. „Trzepoczące” figurki kodu tworzą wrażenie lekkości, przestronności. W Ptaszku Grieg używa wyrafinowanych środków, aby narysować skaczące i skaczące ptaki z ich ćwierkającymi motywami w pierwszych taktach. Ten materiał motywacyjny narasta i zmienia się w trakcie utworu muzycznego zarówno w sposób naturalny, jak i logiczny – tak, że całość sprawia wrażenie arcydzieła muzycznej harmonii, a przecież utwór ma tylko 36 taktów! Oto przykład prawdziwej wielkości w małych rzeczach. Ta muzyka niesie w sobie odbicie świata i natury. Autor podyktował zadanie ruchowe. Utwór rozwija poczucie przestrzenności w muzyce i pozwala poczuć swobodę i radość przenoszenia ręki z jednego rejestru do drugiego, radość ruchu, polegania na obrazie. Ten kawałek jest przydatny dla powściągliwego dziecka.

"Wiosna"

To cały wiersz z krótkim, ale bardzo wyrazistym rozwinięciem. Urok tego uogólnionego, poetyckiego obrazu wiosny jest nieodparty. Powściągliwe środki wyrazowe różnicowane są z wielką, wymagającą wprawą: tutaj każda zmiana rejestru, każdy zwrot harmonii, każde poszerzenie lub zwężenie faktury odgrywa swoją rolę. Przedstawiony w tej sztuce obraz wiosny stał się jednym z najbardziej „grigijskich” – nie tylko ze względu na zwyczajową charakterystykę wielu zwrotów intonacyjnych, ale także jako wyraz najwyższej bezpośredniości w całkowicie surowej formie. W istocie nie sposób nie zauważyć innowacyjności tego obrazu. Wiosna u Griega nie tylko tchnie świeżą radością, nie tylko płynie strumieniami, ale też cały czas „kapie”. Ta intonacyjna cecha „kapania” jest cudownie widoczna już od pierwszych taktów i nadaje całej muzyce integralność lokalnego kolorytu.

W tej sztuce, podobnie jak w poprzednich, nastrój liryczny

w połączeniu z subtelnością malowniczego obrazu. Jeden z najważniejszych

środkiem wyrazu jest tu dobrze odnaleziona drżąco - dźwięczna faktura instrumentalna (próby towarzyszących akordów w lekkim i dźwięcznym górnym rejestrze, na tle którego rozwija się śpiewna, swobodnie rytmiczna melodia), stwarzająca wrażenie powietrza, światła, przestrzeni. Bez uciekania się do skomplikowanych technik technicznych Grieg osiąga nowe, świeże, imponujące efekty dźwiękowe. Między innymi stąd bierze się ogromna popularność utworu Griega, który obok Nokturnu (op. 54) stał się jedną z najbardziej lubianych i powszechnie znanych miniatur fortepianowych kompozytora. W utworze tym ważne jest opanowanie uderzenia „apartamentowego”, a także śpiewnego „legato” w melodii. Główna trudność pojawia się, gdy melodia jest powielana w innym rejestrze. Należy ją grać pianistycznie zróżnicowaną. W utworze pojawia się trzecia linia - wibracja akordowa. Długi pedał jest tutaj ważny, aby zapewnić dźwięk o długim czasie trwania. Grieg myśli orkiestrowo. Trzy wersy przywołują stosunek do faktury fortepianowej, jak do partytury orkiestrowej. Poczucie otaczającego nas życia, związek z muzycznym wcieleniem - to jest uderzające w Griegu. To sprawia, że ​​​​wierzysz w dokładność obrazu, podążasz za muzyką w emocjonalnej percepcji. Sztuka napisana w formie wariacyjnej, trzyczęściowej, przeznaczona dla klasy VII szkoły muzycznej.

„Procesja krasnoludków”

Jeden z najwspanialszych przykładów muzycznej fantazji Griega. W kontrastowej kompozycji spektaklu przeciwstawiają się dziwactwa baśniowego świata, podziemne królestwo trolli oraz urzekające piękno i przejrzystość natury. Sztuka napisana jest w trzech częściach. Ekstremalne części wyróżniają się jasną dynamiką: w szybkim ruchu migoczą fantastyczne kontury „procesji”. Środki muzyczne są niezwykle skąpe: rytm ruchowy i na jego tle kapryśny i ostry układ akcentów metrycznych, synkopa; chromatyzmy skompresowane w tonicznej harmonii i rozproszone, mocno brzmiące duże akordy septymowe; melodia „pukająca” i ostre „gwiżdżące” figurki melodyczne; dynamiczne kontrasty (pp-ff) między dwoma zdaniami z kropki i szerokie łuki narastania i opadania dźwięczności. Obraz części środkowej ujawnia się słuchaczowi dopiero po zniknięciu fantastycznych wizji (długie „La”, z którego zdaje się płynąć nowa melodia). Lekkie brzmienie tematu, o prostej konstrukcji, kojarzy się z brzmieniem ludowej melodii. Jego czysta, przejrzysta struktura znalazła odzwierciedlenie w prostocie i surowości struktury harmonicznej (na przemian tonika durowa i jej paralela).

Tajemniczy „Pochód krasnoludków” kontynuuje tradycję fantastycznych scen z „Peer Gynt. Grieg wprowadza jednak w tę miniaturę odrobinę subtelnego, przebiegłego humoru, którego nie ma i być nie może w charakterystyce ponurego półświatka Ibsena „Króla gór”. Tutaj małe trolle - zabawne dziwadła - nie przypominają już złych "duchów ciemności". Promień światła przenika przez tajemniczą, magiczną krainę: prosta ludowa melodia tria durowego, szemrzące jak strumyki strumienia pasaże opowiadają o otaczającej baśniowych bohaterów naturze - całkiem realnej, urzekająco jasnej i pięknej. Spektakl przynosi emancypację, odwagę niezbędną do właściwej realizacji idei. Śmiały ruch formuły pięciu palców w różnych rejestrach przyczynia się do wyzwolenia, zdobycia pewności siebie. W lewej ręce potrzebna jest dokładność uderzenia w korowodzie oktawowym, trzeba ją zbudować, trzeba znaleźć technikę, aby lewa ręka była równorzędnym składnikiem obrazu artystycznego. Ważne jest, aby unikać rzucania techniką oktawową. Konieczne są ruchy elipsy – nacisk na pierwszy takt, potem rzut w dół, ale nie obciążony, nie konkurujący z głosem prowadzącym, krokowy ruch mocnego uderzenia.

"Nokturn"

Niesamowity w subtelności liryczny pejzaż. Wydaje się, że blask natury jest tu wypisany z malowniczą wyrazistością, ale ani jeden „malowniczy” szczegół nie wypada z ogólnego, głęboko lirycznego tonu „obrazu”. „Nokturn” napisany jest w dynamicznej trzyczęściowej formie. Podstawą pierwszej części jest melodia liryczna. „Otwarte” frazy melodyczne skierowane ku górze, harmonijnie napięte chromatyki, odchodzące od wyraźnej powagi i stałości toniki, nieoczekiwane miękkie i barwne zwroty tonalne – wszystko to nadaje obrazowi romantyczną niestałość, subtelność niuansów. Ale pamiętajmy o początku melodii: wyrasta ona z krótkiej melodii ludowego składu, jakby dobiegała z daleka. Prosty i zrozumiały, budzący skojarzenia figuratywne (krajobrazowe), nie wpisuje się w dalszy rozwój melodii, pozostając jakby żywym, „obiektywnym” wrażeniem. Równie naturalnie, kontynuując liryczny obraz, pojawiają się obrazowe obrazy: trele ptaków, lekki powiew bryzy. Dzięki umiejętnościom kolorysty Griegowi udało się nadać kolor, pewność brzmienia każdemu tematowi. Początkowa melodia przywołuje barwę waltorni w przedstawieniu, liryczny rozlew melodii - ciepłe brzmienie instrumentów smyczkowych, lekkie opalizujące tryle - dźwięczny i czysty dźwięk fletu. W ten sposób w brzmienie fortepianu wprowadzane są cechy orkiestrowe. W „Nokturnie” można prześledzić zwięzłość stylu Griega. Walory wyrazowe najdrobniejszego detalu muzycznego są tu ogromne: kontrasty rejestrowe, zmiana metrum z gładkiego, płynnego na lżejsze i bardziej ruchome, kontrasty intensywnego rozwoju harmonii na początku, statyka w temacie trylu i barwne zestawienia harmoniczne w środek (Piu mosso, non-akordy w tertach i triton ratio), kontrasty figuratywne i ich muzyczne powiązania. Ważne w "Nocturnie" proporcje w stosunku części: część środkowa, lekka, zwiewna, znacznie ściśnięta w stosunku do partii skrajnych. W repryzie wyciek tekstu jest mocniejszy, jaśniejszy. Krótka i mocna kulminacja tematu brzmi jak wyraz pełnego, entuzjastycznego uczucia. Ciekawe jest zakończenie „Nokturnu”: intensywny rozwój melodii przekłada się na sferę barwnych harmonii (sekwencja na długim łańcuchu opadających chromatycznie akordów septymowych). Motyw „tryllowania” pojawia się niespodziewanie, gdy plotka czeka na pojawienie się początkowej melodii. Pozbawiony już harmonicznego blasku, ze smutnym powtórzeniem – „echo” (pół stopnia niżej), brzmi jak odległe echo.

Nokturn tworzy wrażenie wiosennej lub letniej natury, dźwiękowej przestrzeni. Trudnym zadaniem jest opanowanie polirytmii. Środkowa część utworu to wschód słońca północnego. Utwór jest nieoceniony pod względem pedałowania, przyczynia się do opanowania sztuki pedałowania. W „Nocturne” są specyficzne obrazy, które mają bogatą barwę barwnego dźwięku.

„Ringing the Bells” to najczystsze ćwiczenie w pisaniu dźwiękowym. Pod względem harmonii ten śmiały impresjonistyczny eksperyment nie ma odpowiednika we współczesnej muzyce Griega. Celem kompozytora nie jest melodyjne piękno, ale niemal realistyczne odtworzenie wrażenia, jakie wywołuje bicie dzwonów, uczucie statyczne, by nie powiedzieć monotonne. Szereg równoległych kwint ustawionych w synkopie względem siebie w lewej i prawej ręce, a dzięki pedałowi powstają masy dźwiękowe bogate w alikwoty, które dosłownie drżą w powietrzu. Ta gra jest pojedynczym zjawiskiem w twórczości Griega. Tutaj wyraźnie zidentyfikowano nowe trendy w impresjonistycznym malarstwie dźwiękowym.

Kompozytor szczególnie upodobał sobie to dzieło, inspirowane, jak mówi, wrażeniem porannego bicia bergeńskich dzwonów. Nie niszcząc funkcjonalnej podstawy harmonii, Grieg jednocześnie podkreśla jej czysto dźwiękową, barwną ekspresję. Naruszona jest również zwykła struktura akordów: utwór jest zbudowany na kombinacjach i rozwarstwieniach kwintowych harmonii, które mają różne funkcje (nakładanie subdominanty na tonikę, dominanty na subdominantę).

Barwne przelewy kwintowych harmonii tworzą malowniczy efekt dalekiego dzwonienia rozbrzmiewającego w górskiej dolinie. W utworze „The Bell Ringing” konkretność obrazu dyktuje rozwiązanie problemów technicznych pedałów. To jest edukacja uszu, asocjacyjne obrazy.

Wniosek

Prace Griega, ze względu na ich bogatą i wielowymiarową wyobraźnię,

malownicza ilustracyjność, barwność barw stwarzają optymalne warunki dla kształtowania się artystycznego i wyobrażeniowego myślenia muzyków, przyczyniają się do umacniania w ich umysłach więzi asocjacyjnych między muzyką a innymi rodzajami sztuki, inicjują rozwój całego kompleksu sztuk ogólnych i specjalnych zdolności muzyczne.

Fortepianowe kompozycje Griega w naturalny sposób wprowadzają ucznia w sferę

kultura pianistyczna drugiej połowy XIX - początku XX wieku; praca nad tymi utworami znacznie poszerza arsenał technik ekspresyjnych i technicznych (wykonawczych) oraz środków niezbędnych do profesjonalnej działalności muzyków.

Dzieła fortepianowe: „Obrazy poetyckie” (1863). „Ballada” (1876). „Sztuka liryczna” (10 zeszytów). „Tańce i pieśni norweskie”.

Bibliografia

1. Asafiew, B. V. Grig - L.: Muzyka: oddział w Leningradzie, 1986.

2. Aleksiejew A.D. Metody nauczania gry na fortepianie. – M.: 1961.

3. Benestad F., Schelderup-Ebbe D. Edvard Grieg – człowiek i artysta; - M.:

Tęcza, 1986.

4. Demenko N. V. Muzyka E. Griega w procesie edukacyjnym o godz

wydziały muzyczne pedagogicznych placówek oświatowych:

materiał zajęć w klasach muzycznych i wykonawczych. - M., 2002.

5. Druskin M. S. Grieg i kultura norweska. M., "Muzyka", 1964.

6. Ibsen G. Wybrane dzieła. M.: Sztuka, 1956.

7. Ilyin I. A. Ścieżka duchowej odnowy. - M., "Republika", 1993.

8. Levasheva O.E. Edvard Grieg. Esej o życiu i pracy. M., „Muzyka”,

9. Steen-Nockleberg, E. Na scenie z Griegiem: interpretacja fortepianowa

dzieła kompozytora. - M.: "Verge-AV", 1999.

Edvard Grieg urodził się w Bergen w 1843 roku w zamożnej rodzinie. Przodkowie Griega przenieśli się do Norwegii już w 1770 roku i od tego czasu wszyscy starsi mężczyźni w rodzinie służyli jako wicekonsulowie Wielkiej Brytanii. Dziadek i ojciec kompozytora, a także jego matka byli znakomitymi muzykami; Sam Grieg został po raz pierwszy uwięziony za instrument w wieku 4 lat. W wieku 12 lat przyszły „geniusz norweskiego romansu” napisał swoje pierwsze dzieło, a po ukończeniu nauki szkolnej wstąpił do założonego przez samego Mendelssohna konserwatorium w Lipsku. Tam studiował od 1858 do 1862 roku.

W Lipsku, gdzie mieszkał wówczas R. Szumen, a wcześniej ostatnie lata życia spędził J. Bach, Grieg zetknął się z twórczością tak genialnych kompozytorów jak Schubert, Chopin, Beethoven, Wagner, jednak najbardziej wyróżnił R. Schumanna ze wszystkich. W jego wczesnych utworach wyczuwalny jest wpływ tego kompozytora.

Początek drogi twórczej

W 1863 roku Grieg wrócił do rodzinnego miasta, ale w małym Bergen trudno było rozwinąć sukces i talent, dlatego wyjechał, aby żyć i pracować w Kopenhadze. To tam Grieg zaczął myśleć o odrodzeniu narodowej kultury skandynawskiej. W 1864 roku wraz z podobnie myślącymi ludźmi założył stowarzyszenie Euterpe, którego głównym celem było zapoznanie Norwegów z twórczością kompozytorów skandynawskich.

W tym czasie muzyk aktywnie działał i wydał wiele różnych utworów muzycznych, w tym opowiadania oparte na baśniach H. H. Andersena, An. Muncha i innych.

Związek małżeński

Grieg był żonaty (od 1867) ze swoją kuzynką ze strony matki Niną Hagerup, która sama była znaną śpiewaczką o klasycznym i bardzo melodyjnym sopranie.

Praca w Oslo

W 1866 r. z powodu problemów rodzinnych (krewni nie akceptowali małżeństw młodych ludzi; taki związek rodzinny nie był w Norwegii uważany za tradycyjny), Grieg przeniósł się z narzeczoną do Oslo (wówczas Christiania). W tym czasie kompozytor pracował ciężko i owocnie, tworząc swoje najlepsze arcydzieła.

W 1868 roku Franciszek Liszt usłyszał utwory skrzypcowe młodego autora. Bardzo je lubił, o czym pisał w liście do Griega. List Liszta wywarł bardzo silny wpływ na kompozytora, uświadomił sobie, że idzie w dobrym kierunku i że muzyczne eksperymenty należy kontynuować.

W 1871 założył Towarzystwo Filharmoniczne w Oslo, które istnieje do dziś. W sali Towarzystwa można było usłyszeć muzykę Liszta, Schuberta, Chopina, Mozarta, Wagnera, Beethovena, Schumanna. Wiele dzieł norweskiej publiczności usłyszano tam po raz pierwszy.

pasmo uznania

W 1874 kompozytor otrzymał dożywotnie stypendium władz Oslo, aw 1876 zyskał światowe uznanie.

Po kilku muzycznych sezonach Griega było stać na opuszczenie metropolii i powrót do Bergen.

ostatnie lata życia

W 1883 roku u Griega zdiagnozowano gruźlicę, dotkniętą wilgotnym i zimnym klimatem Bergen. W tym samym roku od kompozytora odeszła żona (relacje między nimi skomplikowały się po śmierci ich jedynej córki na zapalenie opon mózgowych). Grieg mieszkał przez jakiś czas sam, ale potem znalazł w sobie siłę, by pogodzić się z żoną i przenieść do willi Trollhaugen, zbudowanej według jego zamówienia i projektu.

W 1898 roku zorganizował Festiwal Muzyki Norweskiej w Bergen, który odbywa się do dziś.

Kompozytor zmarł w 1907 roku w rodzinnym Bergen na gruźlicę. Śmierć była nieoczekiwana, w całej Norwegii ogłoszono żałobę. Grieg został pochowany nad brzegiem fiordu, niedaleko swojej willi, na łonie ukochanej norweskiej przyrody.

Inne opcje biografii

• Sądząc po krótkiej biografii Edvarda Griega, był akademikiem Królewskiej Akademii Szwajcarskiej, akademikiem Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych i honorowym profesorem kilku uniwersytetów, w tym Cambridge.
• Grieg bardzo lubił łowić ryby i często wychodził na wieś, aby łowić ryby z przyjaciółmi. Wśród jego przyjaciół, miłośników wędkarstwa, był słynny dyrygent Franz Bayer.

• Sonata fortepianowa e-moll op. 7 (1865)
• Sonata nr 1 na skrzypce i fortepian F-dur op. 8 (1865)
• „Jesienią” na fortepian na cztery ręce op. 11, także na orkiestrę (1866)
• Utwory liryczne, 10 zbiorów, od 1866 (op. 12) do 1901 (op. 71).
• Sonata nr 2 na skrzypce i fortepian G-dur op. 13 (1867)
• Koncert na fortepian i orkiestrę op. 16 (1868)
• Sygurd Krzyżowiec, op. 22, muzyka do sztuki Bjornstjerne Bjornsona (1872)
• „Peer Gynt”, op. 23, muzyka do sztuki Henryka Ibsena (1875)
• Kwartet smyczkowy g-moll op. 27 (1877-1878)
• Tańce norweskie na fortepian na cztery ręce op. 35, także na orkiestrę (1881)
• Sonata na wiolonczelę i fortepian op. 36 (1882)
• Sonata nr 3 na skrzypce i fortepian c-moll op. 45 (1886-1887)
• Tańce symfoniczne op. 64 (1898).

Dziedzictwo Griega

Dziś twórczość Edvarda Griega jest bardzo szanowana, zwłaszcza w Norwegii. Leif Ove Andsnes, jeden z najbardziej znanych współczesnych muzyków norweskich, aktywnie wykonuje swoje kompozycje jako pianista i dyrygent. Sztuki Griega są wykorzystywane w wydarzeniach artystycznych i kulturalnych. Odbywają się różne występy muzyczne, scenariusze łyżwiarstwa figurowego i inne produkcje.

„Trollhaugen”, w którym kompozytor spędził część swojego życia, stał się domem-muzeum otwartym dla publiczności. Tutaj zwiedzającym pokazano rodzime mury kompozytora, jego posiadłość i wnętrza. Rzeczy, które należały do ​​kompozytora - płaszcz, kapelusz i skrzypce do dziś wiszą na ścianie jego pracowni. W pobliżu posiadłości znajduje się naturalnej wielkości pomnik Griega i jego chaty roboczej.

We współczesnej kulturze

• Carl Stalling, kompozytor Warner Bros., często wykorzystywał melodię ze sztuki „Poranek” do zilustrowania porannych scen w kreskówkach.
• Spektakl muzyczny „Wielobarwny kominiarz” (1957), oparty na opowiadaniu Braci Grimm, wykorzystywał wyłącznie muzykę Griega.
• Musical The Song of Norway (1970) oparty jest na wydarzeniach z życia Griega i wykorzystuje jego muzykę.
• Rainbow - Hall of the Mountain King (album Stranger in Us All, 1995) to hardrockowa kompozycja oparta na muzyce ze sztuki „In the Hall of the Mountain King” z tekstami autorstwa Candice Knight (żony Ritchiego Blackmore'a, założyciela zespołu gitarzysta). Piosenka Vikingtid rosyjskiego pogańskiego zespołu metalowego Butterfly Temple z albumu „Dreams of the North Sea” również zawiera fragmenty tego utworu Griega.
• Pierwsza część koncertu fortepianowego została wykorzystana w filmie Adriana Lyne'a Lolita (1997).

Biblioteka publiczna w Bergen, Norwegia / Edvard Grieg przy fortepianie

Edvard Hagerup Grieg (Norweg Edvard Hagerup Grieg; 15 czerwca 1843 - 4 września 1907) - norweski kompozytor okresu romantyzmu, postać muzyczna, pianista, dyrygent.

Edvard Grieg urodził się i młodość spędził w Bergen. Miasto słynęło z narodowych tradycji twórczych, zwłaszcza w dziedzinie teatru: tutaj swoją działalność rozpoczynali Henrik Ibsen i Bjornstjerne Bjornson. Ole Bull urodził się i długo mieszkał w Bergen, który jako pierwszy zauważył talent muzyczny Edwarda (komponował muzykę od 12 roku życia) i poradził rodzicom, aby skierowali go do Konserwatorium Lipskiego, co odbyło się latem z 1858 roku.

Za jedno z najsłynniejszych dzieł Griega do dziś uważa się drugą suitę – „Peer Gynt”, na którą składają się utwory: „Skarga Ingrid”, „Taniec arabski”, „Powrót Peera Gynta do ojczyzny”, „Pieśń Solveig”.

Dramatycznym utworem jest Skarga Ingrid, jedna z tanecznych melodii, jakie zabrzmiały na weselu Edvarda Griega i Niny Hagerup, kuzynki kompozytora. Małżeństwo Niny Hagerup i Edvarda Griega dało parze córkę Aleksandrę, która zmarła na zapalenie opon mózgowych po roku życia, co zaczęło ochładzać stosunki między małżonkami.

Grieg opublikował 125 piosenek i romansów. Pośmiertnie opublikowano około dwudziestu kolejnych sztuk Griega. W swoich lirykach sięgał niemal wyłącznie do poetów duńskich i norweskich, a okazjonalnie do poezji niemieckiej (G. Heine, A. Chamisso, L. Ulanda). Kompozytor interesował się literaturą skandynawską, aw szczególności literaturą języka ojczystego.

Grieg zmarł w swoim rodzinnym mieście - Bergen - 4 września 1907 roku w Norwegii. Kompozytor jest pochowany w tym samym grobie z żoną Niną Hagerup.

Biografia

Dzieciństwo

Edvard Grieg urodził się 15 czerwca 1843 roku w Bergen w rodzinie potomka szkockiego kupca. Ojciec Edwarda, Alexander Grieg, pełnił funkcję konsula brytyjskiego w Bergen, jego matka, Gesina Hagerup, była pianistką, która ukończyła konserwatorium w Hamburgu, które zazwyczaj przyjmowało tylko mężczyzn. Edward, jego brat i trzy siostry od dzieciństwa uczyli się muzyki, jak to było w zwyczaju w zamożnych rodzinach. Po raz pierwszy przyszły kompozytor zasiadł do fortepianu w wieku czterech lat. W wieku dziesięciu lat Grieg został wysłany do szkoły ogólnokształcącej. Jednak jego zainteresowania leżały w zupełnie innym obszarze, w dodatku niezależny charakter chłopca często popychał go do oszukiwania nauczycieli. Według biografów kompozytora, Edward, dowiedziawszy się w podstawówce, że uczniom, którzy zmokli podczas częstych deszczów w jego ojczyźnie, wolno było wracać do domu w celu przebrania się w suche ubrania, Edward zaczął moczyć ubranie w drodze do szkoły. Ponieważ mieszkał daleko od szkoły, lekcje właśnie się kończyły, kiedy wrócił.

W wieku dwunastu lat Edvard Grieg komponował już własną muzykę. Koledzy nadali mu przydomek „Mozac”, ponieważ jako jedyny poprawnie odpowiedział na pytanie nauczyciela o autora „Requiem”: reszta uczniów nie wiedziała o Mozarcie. Na lekcjach muzyki Edward był przeciętnym uczniem, pomimo swojego geniuszu muzycznego. Współcześni kompozytorowi opowiadają, jak pewnego dnia Edward przyniósł do szkoły zeszyt nutowy podpisany „Wariacje na temat niemiecki Edvarda Griega op. Nr 1". Opiekun klasy wykazał widoczne zainteresowanie, a nawet go przejrzał. Grieg już nie mógł się doczekać wielkiego sukcesu. Jednak nauczyciel nagle pociągnął go za włosy i syknął: „Następnym razem przynieś niemiecki słownik, ale zostaw te bzdury w domu!”

wczesne lata

Pierwszym z muzyków, który zadecydował o losie Griega, był słynny skrzypek Ole Bull, który był także znajomym rodziny Griegów. Latem 1858 roku Bull odwiedził rodzinę Griegów, a Edward, aby uszanować swojego drogiego gościa, zagrał na fortepianie kilka własnych kompozycji. Słuchając muzyki, zwykle uśmiechnięty Ole nagle spoważniał i cicho powiedział coś do Aleksandra i Gesiny. Potem podszedł do chłopca i oznajmił: „Jedziesz do Lipska, żeby zostać kompozytorem!”

W ten sposób piętnastoletni Edvard Grieg dostał się do konserwatorium w Lipsku. W nowej instytucji edukacyjnej, założonej przez Feliksa Mendelssohna, Grieg nie był zadowolony ze wszystkich: na przykład jego pierwszy nauczyciel gry na fortepianie, Louis Plaidy, z jego skłonnością do muzyki wczesnego okresu klasycznego, okazał się tak dysonansowy z Griegiem, że zwrócił się do dyrekcji konserwatorium z prośbą o przeniesienie (w Później Grieg studiował u Ernsta Ferdinanda Wenzela, Moritza Hauptmanna, Ignaza Moschelesa). Następnie utalentowany uczeń udał się do sali koncertowej Gewandhaus, gdzie wysłuchał muzyki Schumanna, Mozarta, Beethovena i Wagnera. „W Lipsku mogłem słuchać dużo dobrej muzyki, zwłaszcza muzyki kameralnej i orkiestrowej” – wspominał później Grieg. Edvard Grieg ukończył konserwatorium w 1862 roku z doskonałymi ocenami, zdobytą wiedzą, łagodnym zapaleniem opłucnej i poczuciem celu w życiu. Zdaniem profesorów, w latach studiów dał się poznać jako "wybitny talent muzyczny", zwłaszcza w zakresie kompozycji, a także jako wybitny "pianista o charakterystycznym dla siebie przemyślanym i pełnym wyrazu sposobie gry". Jego przeznaczeniem teraz i na zawsze była muzyka. W tym samym roku w szwedzkim Karlshamn dał swój pierwszy koncert.

Życie w Kopenhadze

Po ukończeniu konserwatorium wykształcony muzyk Edvard Grieg wrócił do Bergen z gorącym pragnieniem pracy w ojczyźnie. Jednak pobyt Griega w rodzinnym mieście tym razem był krótkotrwały. Talentu młodego muzyka nie można było doskonalić w warunkach słabo rozwiniętej kultury muzycznej Bergen. W 1863 roku Grieg udał się do Kopenhagi, centrum życia muzycznego ówczesnej Skandynawii.

Lata spędzone w Kopenhadze upłynęły pod znakiem wielu wydarzeń ważnych dla twórczego życia Griega. Przede wszystkim Grieg jest w bliskim kontakcie ze skandynawską literaturą i sztuką. Spotyka wybitnych jej przedstawicieli, na przykład słynnego duńskiego poetę i gawędziarza Hansa Christiana Andersena. Wiąże się to z włączeniem kompozytora w nurt bliskiej mu kultury narodowej. Grieg pisze piosenki na podstawie tekstów Andersena i norweskiego poety romantycznego Andreasa Muncha.

W Kopenhadze Grieg znalazł tłumaczkę swoich dzieł, piosenkarkę Ninę Hagerup, która wkrótce została jego żoną. Twórcza społeczność Edvarda i Niny Griegów trwała przez całe ich wspólne życie. Subtelność i kunszt, z jakim śpiewaczka wykonywała pieśni i romanse Griega, były tym wysokim kryterium ich artystycznego wcielenia, o którym kompozytor zawsze myślał, tworząc swoje miniatury wokalne.

Chęć młodych kompozytorów do rozwijania muzyki narodowej wyrażała się nie tylko w ich twórczości, w łączeniu ich muzyki z muzyką ludową, ale także w propagowaniu muzyki norweskiej. W 1864 roku Grieg i Rikard Nurdrokowie we współpracy z muzykami duńskimi zorganizowali Towarzystwo Muzyczne Euterpe, które miało przybliżyć publiczności twórczość kompozytorów skandynawskich. Był to początek wielkiej działalności muzyczno-społeczno-oświatowej. W latach życia w Kopenhadze (1863-1866) Grieg napisał wiele utworów muzycznych: „Obrazki poetyckie” i „Humoreski”, sonatę fortepianową i sonatę na pierwsze skrzypce. Z każdym nowym utworem obraz Griega jako norweskiego kompozytora wyłania się coraz wyraźniej.

W lirycznym dziele „Obrazki poetyckie” (1863) cechy narodowe są bardzo nieśmiało przełamywane. Rytmiczna figura leżąca u podstaw trzeciego utworu jest często spotykana w norweskiej muzyce ludowej; stało się charakterystyczne dla wielu melodii Griega. Pełen wdzięku i prosty zarys melodii na piątym „obrazie” przywodzi na myśl niektóre pieśni ludowe. W soczystych szkicach gatunkowych Humoresque (1865) ostre rytmy tańców ludowych i ostre kombinacje harmoniczne brzmią znacznie odważniej; istnieje lidyjska kolorystyka modalna charakterystyczna dla muzyki ludowej. Jednak w "Humoreskach" wciąż czuć wpływ Chopina (jego mazurków) - kompozytora, którego Grieg, jak sam przyznaje, "uwielbiał". Równolegle z Humoreskami pojawiły się sonaty fortepianowe i pierwsze skrzypce. Dramatyzm i żywiołowość sonaty fortepianowej wydają się być nieco zewnętrznym odbiciem romantyzmu Schumanna. Z drugiej strony jaskrawy liryzm, hymnizm i jaskrawa kolorystyka sonaty skrzypcowej ujawniają typową dla Griega strukturę figuratywną.

Życie osobiste

Edvard Grieg i Nina Hagerup dorastali razem w Bergen, ale jako ośmioletnia dziewczynka Nina przeprowadziła się z rodzicami do Kopenhagi. Kiedy Edward zobaczył ją ponownie, była już dorosłą dziewczyną. Przyjaciółka z dzieciństwa zamieniła się w piękną kobietę, śpiewaczkę o pięknym głosie, jakby stworzoną do grania sztuk Griega. Wcześniej zakochany tylko w Norwegii i muzyce, Edward czuł, że odchodzi od zmysłów. W Boże Narodzenie 1864 roku, w salonie, w którym gromadzili się młodzi muzycy i kompozytorzy, Grieg podarował Ninie zbiór sonetów o miłości, zatytułowany Melodie serca, a następnie ukląkł i zaproponował, że zostanie jego żoną. Wyciągnęła do niego rękę i zgodziła się.

Jednak Nina Hagerup była kuzynką Edwarda. Krewni odwrócili się od niego, rodzice przeklinali. Wbrew wszelkim przeciwnościom pobrali się w lipcu 1867 roku i nie mogąc znieść presji krewnych, przenieśli się do Christianii.

Pierwszy rok małżeństwa był typowy dla młodej rodziny – szczęśliwej, ale trudnej finansowo. Grieg komponował, Nina wykonywała jego utwory. Aby uratować sytuację finansową rodziny, Edward musiał podjąć pracę jako dyrygent i uczyć gry na fortepianie. W 1868 r. urodziła im się córka Aleksandra. Rok później dziewczynka zachoruje na zapalenie opon mózgowych i umrze. To, co się stało, położyło kres przyszłemu szczęśliwemu życiu rodziny. Po śmierci córki Nina zamknęła się w sobie. Jednak para kontynuowała wspólną działalność koncertową.

Z koncertami podróżowali po Europie: Grieg grał, śpiewała Nina Hagerup. Ale ich tandem nie zyskał szerokiego uznania. Edward zaczął rozpaczać. Jego muzyka nie znalazła odzewu w sercach, relacje z ukochaną żoną pękły. W 1870 roku Edward i jego żona przybyli w podróż do Włoch. Jednym z tych, którzy słyszeli jego utwory we Włoszech, był słynny kompozytor Franciszek Liszt, którego Grieg podziwiał w młodości. Liszt docenił talent dwudziestoletniego kompozytora i zaprosił go na prywatne spotkanie. Po wysłuchaniu koncertu fortepianowego sześćdziesięcioletni kompozytor podszedł do Edwarda, uścisnął mu dłoń i powiedział: „Tak trzymaj, mamy na to wszystkie dane. Nie daj się zastraszyć!" „To było coś w rodzaju błogosławieństwa” — napisał później Grieg.

W 1872 roku Grieg napisał „Sygurda krzyżowca” – pierwszą znaczącą sztukę, po której Szwedzka Akademia Sztuk Pięknych uznała jego zasługi, a władze norweskie wyznaczyły mu dożywotnie stypendium. Ale światowa sława zmęczyła kompozytora, a zdezorientowany i zmęczony Grieg wyjechał do rodzinnego Bergen, z dala od zgiełku stolicy.

W samotności Grieg napisał swoje główne dzieło - muzykę do dramatu Henrika Ibsena Peer Gynt. Ucieleśniał jego doświadczenia z tamtego czasu. Melodia „W sali Króla Gór” (1) odzwierciedlała gwałtownego ducha Norwegii, który kompozytor lubił ukazywać w swoich utworach. Świat obłudnych europejskich miast, pełen intryg, plotek i zdrad, dał się poznać w „Tańcu arabskim”. Końcowy odcinek – „Song of Solveig”, poruszająca i ekscytująca melodia – mówił o zagubionych, zapomnianych i niewybaczonych.

Śmierć

Nie mogąc pozbyć się bólu serca, Grieg zajął się kreatywnością. Od wilgoci w rodzinnym Bergen pogorszyło się zapalenie opłucnej, istniała obawa, że ​​​​może zamienić się w gruźlicę. Nina Hagerup oddalała się coraz bardziej. Powolna agonia trwała osiem lat: w 1883 roku opuściła Edwarda. Edward żył samotnie przez trzy długie miesiące. Ale stary przyjaciel, Franz Beyer, przekonał Edwarda, by ponownie spotkał się z żoną. „Na świecie jest tak niewielu naprawdę bliskich ludzi” — powiedział zagubionemu przyjacielowi.

Edvard Grieg i Nina Hagerup spotkali się ponownie i na znak pojednania udali się w trasę koncertową do Rzymu, a po powrocie sprzedali swój dom w Bergen, kupując cudowną posiadłość na przedmieściach, którą Grieg nazwał „Trollhaugen” - „Troll Hill” . To był pierwszy dom, w którym Grieg naprawdę się zakochał.

Z biegiem lat Grieg stawał się coraz bardziej wycofany. Mało interesował się życiem - opuścił dom tylko ze względu na trasę koncertową. Edward i Nina byli w Paryżu, Wiedniu, Londynie, Pradze, Warszawie. Podczas każdego występu w kieszeni kurtki Griega leżała gliniana żaba. Przed rozpoczęciem każdego koncertu zawsze go wyjmował i głaskał po grzbiecie. Talizman zadziałał: na koncertach za każdym razem odnosił niewyobrażalny sukces.

W 1887 roku Edward i Nina Hagerup ponownie byli w Lipsku. Na sylwestra zaprosił ich wybitny rosyjski skrzypek Adolf Brodski (późniejszy pierwszy wykonawca III Sonaty skrzypcowej Griega). Oprócz Griega obecni byli jeszcze dwaj znakomici goście - Johann Brahms i Piotr Iljicz Czajkowski. Ten ostatni zaprzyjaźnił się z parą, między kompozytorami wywiązała się ożywiona korespondencja. Później, w 1905 roku, Edward chciał przyjechać do Rosji, ale uniemożliwił to chaos wojny rosyjsko-japońskiej i zły stan zdrowia kompozytora. W 1889 roku, w proteście przeciwko aferze Dreyfusa, Grieg odwołał występ w Paryżu.

Coraz częściej Grieg miał problemy z płucami, trudniej było wyruszyć w trasę. Mimo to Grieg nadal tworzył i dążył do nowych celów. W 1907 roku kompozytor wybierał się na festiwal muzyczny do Anglii. On i Nina zatrzymali się w małym hotelu w ich rodzinnym mieście Bergen, aby czekać na statek do Londynu. Stan Edwarda się tam pogorszył i musiał jechać do szpitala. Edvard Grieg zmarł w swoim rodzinnym mieście 4 września 1907 roku.

Działalność muzyczna i twórcza

Pierwszy okres twórczości. 1866-1874

Od 1866 do 1874 trwał ten intensywny okres pracy muzycznej, wykonawczej i kompozytorskiej. Bliżej jesieni 1866 roku w stolicy Norwegii, Christianii, Edvard Grieg zorganizował koncert, który brzmiał jak sprawozdanie z dokonań kompozytorów norweskich. Następnie wykonano sonaty fortepianowe i skrzypcowe Griega, pieśni Nurdroka i Hjerulfa (do tekstów m.in. Bjornsona). Ten koncert pozwolił Griegowi zostać dyrygentem Chrześcijańskiego Towarzystwa Filharmonicznego. Grieg poświęcił osiem lat swojego życia w Christianii na ciężką pracę, która przyniosła mu wiele twórczych zwycięstw. Działalność dyrygencka Griega miała charakter oświecenia muzycznego. Wśród koncertów znalazły się symfonie Haydna i Mozarta, Beethovena i Schumanna, dzieła Schuberta, oratoria Mendelssohna i Schumanna, fragmenty oper Wagnera. Grieg przywiązywał dużą wagę do wykonywania dzieł kompozytorów skandynawskich.

W 1871 r. Grieg wraz z Johanem Swensenem zorganizował stowarzyszenie muzyków wykonawczych, którego celem było zwiększenie aktywności życia koncertowego miasta, ujawnienie możliwości twórczych muzyków norweskich. Znaczące dla Griega było zbliżenie z czołowymi przedstawicielami norweskiej poezji i prozy artystycznej. Włączył kompozytora w ogólny ruch na rzecz kultury narodowej. Twórczość Griega w tych latach osiągnęła pełną dojrzałość. Napisał koncert fortepianowy (1868) i drugą sonatę na skrzypce i fortepian (1867), pierwszą księgę utworów lirycznych, które stały się jego ulubionym rodzajem muzyki fortepianowej. W tamtych latach Grieg napisał wiele piosenek, wśród nich wspaniałe piosenki do tekstów Andersena, Bjornsona, Ibsena.

W Norwegii Grieg styka się ze światem sztuki ludowej, która stała się źródłem jego własnej twórczości. W 1869 roku kompozytor po raz pierwszy zapoznał się z klasycznym zbiorem norweskiego folkloru muzycznego, opracowanym przez słynnego kompozytora i folklorystę L.M. Lindemana (1812-1887). Bezpośrednim tego rezultatem był cykl Griega „Norweskie pieśni i tańce ludowe na fortepian”. Prezentowane obrazy: ulubione tańce ludowe - halling i springdance, różne pieśni komiczne i liryczne, robotnicze i chłopskie. Akademik B. V. Asafiew trafnie nazwał te adaptacje „szkicami piosenek”. Cykl ten był dla Griega swoistym laboratorium twórczym: w kontakcie z pieśniami ludowymi kompozytor odnalazł te metody muzycznego pisania, które były zakorzenione w samej sztuce ludowej. Tylko dwa lata dzielą drugą sonatę skrzypcową od pierwszej. Mimo to II Sonata "wyróżnia się bogactwem i różnorodnością tematów, swobodą ich rozwijania" - mówią krytycy muzyczni.

II Sonata i Koncert fortepianowy zostały wysoko ocenione przez Liszta, który stał się jednym z pierwszych promotorów koncertu. W liście do Griega Liszt pisał o II Sonacie: „Świadczy ona o silnym, głębokim, pomysłowym, znakomitym talencie kompozytora, który tylko własną, naturalną drogą może dojść do wysokiej doskonałości”. Dla kompozytora, który utorował sobie drogę w sztuce muzycznej, reprezentując po raz pierwszy muzykę Norwegii na arenie europejskiej, wsparcie Liszta było zawsze silnym wsparciem.

Na początku lat 70. Grieg był zajęty pomysłem opery. Dramaty muzyczne i teatr stały się dla niego wielką inspiracją. Pomysły Griega nie zostały zrealizowane głównie dlatego, że w Norwegii nie było tradycji kultury operowej. Ponadto libretto obiecane Griegowi nie zostało napisane. Z próby stworzenia opery pozostała jedynie muzyka do poszczególnych scen niedokończonego libretta Bjornsona Olafa Trygvasona (1873), według legendy o królu Olafie, który w X wieku zaszczepił chrześcijaństwo wśród mieszkańców Norwegii. Grieg pisze muzykę do dramatycznego monologu Bjornsona „Bergliot” (1871), opowiadającego o bohaterce ludowej sagi, która wychowuje chłopów do walki z królem, a także muzykę do dramatu tego samego autora „Sigurd Jursalfar” (fabuła sagi staroislandzkiej).

W 1874 Grieg otrzymał list od Ibsena z propozycją skomponowania muzyki do dramatu Peer Gynt. Ogromnym zainteresowaniem kompozytora cieszyła się współpraca z najzdolniejszym norweskim pisarzem. Jak sam przyznaje, Grieg był „fanatycznym wielbicielem wielu jego dzieł poetyckich, zwłaszcza Peer Gynta”. Gorący entuzjazm dla twórczości Ibsena zbiegł się z pragnieniem Griega stworzenia wielkiego dzieła muzycznego i teatralnego. W 1874 roku Grieg napisał muzykę do dramatu Ibsena.

Drugi okres. Działalność koncertowa. Europa. 1876-1888

Występ Peer Gynta w Christianii 24 lutego 1876 roku okazał się wielkim sukcesem. Muzyka Griega w Europie zaczęła być popularna. W życiu kompozytora rozpoczyna się nowy okres twórczy. Grieg przestaje pracować jako dyrygent w Christianii. Grieg przenosi się w odludne miejsce wśród pięknej przyrody Norwegii: najpierw Lofthus, nad brzegiem jednego z fiordów, a następnie słynny Troldhaugen („góra trolli”, tak nazwał to miejsce sam Grieg), w w górach, niedaleko jego rodzinnego Bergen. Od 1885 roku aż do śmierci Griega Troldhaugen było główną rezydencją kompozytora. W górach nadchodzą „uzdrowienia i nowa energia życiowa”, w górach „rosną nowe idee”, z gór Grieg powraca „jako nowy i lepszy człowiek”. Listy Griega często zawierały podobne opisy gór i przyrody Norwegii. Tak pisze Grieg w 1897 roku:

„Widziałem takie piękno natury, o którym nie miałem pojęcia… Ogromny łańcuch ośnieżonych gór o fantastycznych kształtach wyrastał bezpośrednio z morza, podczas gdy w górach świt była czwarta rano, jasna letnia noc i cała krajobraz był jakby namalowany krwią. To było wyjątkowe!

Piosenki napisane pod inspiracją norweską naturą - „W lesie”, „Chata”, „Wiosna”, „Morze lśni jasnymi promieniami”, „Dzień dobry”.

Od 1878 roku Grieg występował nie tylko w Norwegii, ale także w różnych krajach Europy jako wykonawca własnych utworów. Europejska sława Griega rośnie. Wyjazdy koncertowe przybierają charakter systematyczny, sprawiają kompozytorowi ogromną przyjemność. Grieg koncertuje w miastach Niemiec, Francji, Anglii, Holandii, Szwecji. Występuje jako dyrygent i pianista, akompaniując Ninie Hagerup. Najskromniejsza osoba Grieg notuje w swoich listach „gigantyczny aplauz i niezliczone wyzwania”, „kolosalną furię”, „gigantyczny sukces”. Grieg nie porzucił działalności koncertowej do końca swoich dni; w 1907 (roku śmierci) pisał: „Zaproszenia do dyrygowania napływają z całego świata!”

Liczne podróże Griega zaowocowały nawiązaniem kontaktów z muzykami z innych krajów. W 1888 roku Grieg spotkał się w Lipsku z PI Czajkowskim. Otrzymawszy zaproszenie w roku, w którym Rosja była w stanie wojny z Japonią, Grieg nie uważał za możliwe jego przyjęcia: „Jest dla mnie tajemnicze, jak można zaprosić zagranicznego artystę do kraju, w którym prawie każda rodzina opłakuje tych, którzy zginął na wojnie”. „Szkoda, że ​​tak się musiało stać. Przede wszystkim trzeba być człowiekiem. Wszelka prawdziwa sztuka wyrasta tylko z człowieka. Wszystkie działania Griega w Norwegii są przykładem czystej i bezinteresownej służby swojemu ludowi.

Ostatni okres twórczości muzycznej. 1890-1903

W latach 90. XIX wieku uwaga Griega była najbardziej pochłonięta muzyką fortepianową i pieśniami. W latach 1891-1901 Grieg napisał sześć zeszytów utworów lirycznych. Kilka cykli wokalnych Griega pochodzi z tych samych lat. W 1894 roku napisał w jednym ze swoich listów: „… dostroiłem się tak lirycznie, że piosenki wylewają się z mojej piersi jak nigdy dotąd i myślę, że są najlepsze, jakie kiedykolwiek stworzyłem”. Autor licznych opracowań pieśni ludowych, kompozytor zawsze tak blisko związany z muzyką ludową, w 1896 roku cykl „Norweskie melodie ludowe” to dziewiętnaście subtelnych szkiców rodzajowych, poetyckich obrazów natury i lirycznych wypowiedzi. Ostatnie duże dzieło orkiestrowe Griega, Tańce symfoniczne (1898), zostało napisane na tematy ludowe.

W 1903 roku pojawił się nowy cykl opracowań tańców ludowych na fortepian. W ostatnich latach życia Grieg opublikował dowcipną i liryczną powieść autobiograficzną „Mój pierwszy sukces” oraz artykuł programowy „Mozart i jego znaczenie dla nowoczesności”. Wyraźnie wyrażały twórcze credo kompozytora: pragnienie oryginalności, określenia swojego stylu, swojego miejsca w muzyce. Pomimo poważnej choroby Grieg kontynuował swoją twórczość do końca życia. W kwietniu 1907 roku kompozytor odbył wielką podróż koncertową do miast Norwegii, Danii i Niemiec.

Charakterystyka prac

Charakterystykę opracowali Asafiev B.V. i Druskin M.A.

Gra liryczna

„Utwory liryczne” stanowią większość utworów fortepianowych Griega. „Utwory liryczne” Griega kontynuują typ kameralnej muzyki fortepianowej reprezentowany przez „Musical Moments” i „Impromptu” Schuberta oraz „Pieśni bez słów” Mendelssohna. Bezpośredniość wypowiedzi, liryzm, ekspresja w grze przeważnie jednego nastroju, tendencja do małej skali, prostota i przystępność koncepcji artystycznej oraz środków technicznych to cechy romantycznej miniatury fortepianowej, charakterystyczne także dla Griega. utwory liryczne.

Utwory liryczne w pełni oddają temat ojczyzny kompozytora, którą tak bardzo kochał i szanował. Temat ojczyzny rozbrzmiewa w podniosłej „Pieśni ojczystej”, w spokojnym i majestatycznym spektaklu „U ojczyzny”, w gatunkowo-lirycznym skeczu „Do ojczyzny”, w licznych przedstawieniach tańców ludowych pomyślanych jako rodzajowe i codzienne skecze. Wątek Ojczyzny kontynuowany jest we wspaniałych "muzycznych pejzażach" Griega, w osobliwych motywach dramatów ludowych ("Pochód krasnoludków", "Kobold").

Echa wrażeń kompozytora widoczne są w utworach o żywych tytułach. Takich jak „Ptak”, „Motyl”, „Pieśń stróża”, napisana pod wpływem „Makbeta” Szekspira), muzyczny tragarz kompozytora – „Gade”, strony lirycznych wypowiedzi „Arietta”, „Impromptu Walc”, „Wspomnienia”) – to krąg obrazów z cyklu ojczyzna kompozytora. Impresje życiowe, okryte liryką, żywe uczucie autora - sens utworów lirycznych kompozytora.

Cechy stylu „dramatów lirycznych” są tak różnorodne, jak ich treść. Bardzo wiele sztuk charakteryzuje się skrajną lakonicznością, skąpymi i precyzyjnymi pociągnięciami miniatury; ale w niektórych sztukach pojawia się pragnienie malowniczości, szerokiej, kontrastowej kompozycji („Pochód krasnoludów”, „Gangar”, „Nokturn”). W niektórych utworach słychać subtelność kameralnego stylu („Taniec elfów”), inne mienią się jasnymi kolorami, zachwycają wirtuozowskim blaskiem koncertu („Dzień ślubu w Trollhaugen”)

„Sztuki liryczne” wyróżniają się dużą różnorodnością gatunkową. Spotykamy tu elegię i nokturn, kołysankę i walca, pieśń i arietta. Bardzo często Grieg sięga po gatunki norweskiej muzyki ludowej (springdance, halling, gangar).

Integralność artystyczną cyklu „Utwory liryczne” zapewnia zasada programowania. Każdy utwór rozpoczyna się tytułem, który określa jego poetycki obraz, aw każdym utworze uderza prostota i subtelność, z jaką „zadanie poetyckie” jest ucieleśnione w muzyce. Już w pierwszym zeszycie Utworów lirycznych zostały określone artystyczne zasady cyklu: różnorodność treści i liryczny ton muzyki, dbałość o tematykę Ojczyzny i powiązanie muzyki z ludowymi rodowodami, zwięzłość i prostota, klarowność i elegancji obrazów muzycznych i poetyckich.

Cykl otwiera lekka liryczna „Arietta”. Niezwykle prosta, dziecinnie czysta i naiwna melodia, tylko trochę „podniecona” czułymi romantycznymi intonacjami, tworzy obraz młodzieńczej spontaniczności, spokoju ducha. Wyrazista „wielokropek” na końcu utworu (piosenka urywa się, „zatrzymuje” przy początkowej intonacji, wydaje się, że myśl odeszła w inne sfery), jako jasny szczegół psychologiczny, tworzy żywe uczucie, wizję obrazu. Intonacje melodyczne i faktura Arietty oddają charakter utworu wokalnego.

„Walc” wyróżnia się uderzającą oryginalnością. Na tle typowo walcowej figury akompaniamentu pojawia się elegancka i krucha melodia o ostrych rysach rytmicznych. „Zwariowane” akcenty zmienne, triole na mocnym takcie taktu, odtwarzające figurę rytmiczną tańca wiosennego, nadają walcowi swoistego posmaku muzyki norweskiej. Uwydatnia ją charakterystyczne dla norweskiej muzyki ludowej podbarwienie modalne (moll melodyczny).

„A Leaf from an Album” łączy bezpośredniość lirycznego uczucia z elegancją, „rycerskością” wiersza albumowego. W nieartykułowanej melodii tej sztuki słychać intonacje pieśni ludowej. Ale lekka, zwiewna ornamentyka oddaje wyrafinowanie tej prostej melodii. Kolejne cykle „Liric Pieces” przynoszą nowe obrazy i nowe środki artystyczne. „Lullaby” z drugiego zeszytu „Lyric Pieces” brzmi jak scena dramatyczna. Równa, spokojna melodia składa się z wariantów prostego śpiewu, jakby wyrosła z miarowego ruchu, kołysania. Z każdym nowym uściskiem uczucie spokoju i światła nasila się.

„Gangar” jest zbudowany na rozwinięciu i wariantach powtórzeń jednego tematu. Tym bardziej interesujące jest zwrócenie uwagi na figuratywną wszechstronność tej sztuki. Ciągły, niespieszny rozwój melodii odpowiada charakterowi majestatycznego gładkiego tańca. W melodię wplecione są intonacje melodii fletu, długo utrzymujący się bas (detal ludowego stylu instrumentalnego), twarde harmonie (łańcuch dużych akordów septymowych), czasem brzmiące niegrzecznie, „niezdarnie” (jakby nieharmonijny zespół wiejskich muzycy) – nadaje to sztuce sielski, wiejski posmak. Ale teraz pojawiają się nowe obrazy: krótkie, mocne sygnały i zwroty odpowiedzi o charakterze lirycznym. Co ciekawe, przy figuratywnej zmianie tematu, jego struktura metrorytmiczna pozostaje niezmieniona. Wraz z nową wersją melodii w repryzie pojawiają się nowe aspekty figuratywne. Lekkie brzmienie w wysokim rejestrze, wyraźna toniczność nadają tematowi spokojny, kontemplacyjny, uroczysty charakter. Płynnie i stopniowo, wyśpiewując każdy dźwięk tonacji, utrzymując „czystość” do dur, melodia opada. Pogrubienie podbarwień rejestru i wzmocnienie dźwięku prowadzą jasny, przejrzysty temat do surowego, ponurego brzmienia. Wydaje się, że ta procesja melodii nigdy się nie skończy. Ale teraz, z ostrym przesunięciem tonalnym (C-dur-As-dur), pojawia się nowa wersja: temat brzmi majestatycznie, uroczyście, goni.

„Pochód krasnoludków” to jeden ze wspaniałych przykładów muzycznej fantazji Griega. W kontrastowej kompozycji spektaklu przeciwstawiają się dziwactwa baśniowego świata, podziemne królestwo trolli oraz urzekające piękno i przejrzystość natury. Sztuka napisana jest w trzech częściach. Ekstremalne części wyróżniają się jasną dynamiką: w szybkim ruchu migoczą fantastyczne kontury „procesji”. Środki muzyczne są niezwykle oszczędne: rytm ruchowy i na jego tle kapryśny i ostry układ akcentów metrycznych, synkopa; chromatyzmy skompresowane w tonicznej harmonii i rozproszone, mocno brzmiące duże akordy septymowe; melodia „pukająca” i ostre „gwiżdżące” figurki melodyczne; dynamiczne kontrasty (pp-ff) między dwoma zdaniami z kropek i szerokie łuki wzlotów i upadków w dźwięczności. Obraz części środkowej ujawnia się słuchaczowi dopiero po zniknięciu fantastycznych wizji (długie A, z którego zdaje się płynąć nowa melodia). Lekkie brzmienie tematu, o prostej konstrukcji, kojarzy się z brzmieniem ludowej melodii. Jego czysta, przejrzysta struktura znalazła odzwierciedlenie w prostocie i surowości struktury harmonicznej (na przemian tonika durowa i jej paralela).

„Wesele w Trollhaugen” to jedno z najbardziej radosnych, radosnych dzieł Griega. Pod względem jasności, „chwytliwych” obrazów muzycznych, skali i wirtuozowskiej błyskotliwości zbliża się do utworu koncertowego. O jego charakterze decyduje przede wszystkim gatunkowy pierwowzór: ruch pochodu, uroczysty pochód leży u podstaw spektaklu. Jak pewnie, dumnie brzmią inwokacyjne wzloty, gonione rytmiczne zakończenia melodyjnych obrazów. Ale melodii marsza towarzyszy charakterystyczny piąty bas, który dodaje jej powagi prostoty i uroku wiejskiego kolorytu: utwór jest pełen energii, ruchu, jasnej dynamiki - od stłumionych tonów, skąpej przejrzystej faktury początku do dźwięcznych ff, brawurowych pasaży, szerokiej gamy brzmieniowej. Sztuka napisana jest w złożonej, trzyczęściowej formie. Uroczyste odświętne obrazy skrajnych partii kontrastują z czułymi tekstami środkowego. Jej melodia, jakby śpiewana w duecie (melodia naśladowana jest w oktawie), zbudowana jest na czułych, romantycznych intonacjach. Kontrasty występują także w skrajnych odcinkach formy, również trzyczęściowej. Środek przywołuje taneczną scenę spektaklu z kontrastem energicznego, odważnego ruchu i lekkich, pełnych gracji „pas”. Ogromny wzrost siły dźwięku, aktywność ruchu prowadzi do jasnej, dźwięcznej repryzy, do kulminacyjnego wykonania tematu, jakby podniesionego przez poprzedzające go mocne, potężne akordy.

Kontrastowy temat części środkowej, napięty, dynamiczny, łączący aktywne, energiczne intonacje z elementami recytacji, wprowadza nuty dramaturgiczne. Po niej, w repryzie, z niepokojącymi okrzykami rozbrzmiewa temat główny. Jego struktura została zachowana, ale nabrała charakteru żywej wypowiedzi, słychać w nim napięcie ludzkiej mowy. Delikatne kołyszące intonacje na początku tego monologu zamieniły się w żałosne, żałosne okrzyki. W „Kołysance” Griegowi udało się przekazać całą gamę uczuć.

Romanse i piosenki

Romanse i piosenki to jeden z głównych gatunków twórczości Griega. Romanse i piosenki były w większości pisane przez kompozytora w jego Troldhaugen Manor (Troll Hill). Grieg tworzył romanse i piosenki przez całe swoje twórcze życie. Pierwszy cykl romansów ukazał się w roku ukończenia konserwatorium, ostatni na krótko przed zakończeniem kariery kompozytora.

Zamiłowanie do liryki wokalnej i jej wspaniały rozkwit w twórczości Griega były w dużej mierze związane z rozkwitem poezji skandynawskiej, która rozbudzała wyobraźnię kompozytora. Wiersze poetów norweskich i duńskich stanowią podstawę zdecydowanej większości romansów i pieśni Griega. Wśród poetyckich tekstów piosenek Griega znajdują się wiersze Ibsena, Bjornsona, Andersena.

W piosenkach Griega powstaje duży świat poetyckich obrazów, wrażeń i uczuć osoby. Obrazy natury, pisane barwnie i malowniczo, obecne są w zdecydowanej większości pieśni, najczęściej jako tło lirycznego obrazu („W lesie”, „Chata”, „Morze lśni jasnymi promieniami”). Temat Ojczyzny rozbrzmiewa we wzniosłych lirycznych hymnach („Do Norwegii”), w obrazach jej mieszkańców i przyrody (cykl pieśni „Ze skał i fiordów”). W pieśniach Griega życie człowieka jawi się różnorodnie: z czystością młodości („Margarita”), radością miłości („Kocham cię”), pięknem porodu („Ingeborg”), z cierpieniem, które pojawia się na ścieżka człowieka („Kołysanka”, „Biada matce”), z jego myślą o śmierci („Ostatnia wiosna”). Ale bez względu na to, o czym „śpiewają” piosenki Griega, zawsze niosą ze sobą poczucie pełni i piękna życia. W pisaniu piosenek Griega kontynuowane są różne tradycje gatunku wokalu kameralnego. Grieg ma wiele piosenek opartych na jednej szerokiej melodii, która oddaje ogólny charakter, ogólny nastrój tekstu poetyckiego („Dzień dobry”, „Izba”). Obok takich piosenek pojawiają się romanse, w których subtelna muzyczna recytacja zaznacza niuanse uczuć („Łabędź”, „W separacji”). Zdolność Griega do łączenia tych dwóch zasad jest osobliwa. Nie naruszając integralności melodii i uogólnienia obrazu artystycznego, Grieg jest w stanie skonkretyzować i uczynić namacalnym szczegóły obrazu poetyckiego dzięki wyrazistości poszczególnych intonacji, z powodzeniem znalezionych uderzeń partii instrumentalnej, subtelności harmonicznej i modalnej kolorowanie.

We wczesnym okresie twórczości Grieg często zwracał się do poezji wielkiego duńskiego poety i gawędziarza Andersena. Kompozytor znalazł w swoich wierszach poetyckie obrazy zgodne z własnym systemem uczuć: szczęściem miłości, która objawia człowiekowi nieskończone piękno otaczającego świata, przyrody. W pieśniach opartych na tekstach Andersena określono charakterystyczny dla Griega typ miniatury wokalnej; melodia pieśni, forma dwuwierszowa, uogólniony przekaz obrazów poetyckich. Wszystko to sprawia, że ​​takie utwory jak „W lesie”, „Chata” można zaliczyć do gatunku piosenki (ale nie romansu). Dzięki kilku jasnym i precyzyjnym muzycznym akcentom Grieg wprowadza żywe, „widoczne” szczegóły obrazu. Charakterystyka narodowa melodii i kolorystyki harmonicznej nadaje piosenkom Griega szczególnego uroku.

„W lesie” to rodzaj nokturnu, piosenka o miłości, o magicznym pięknie nocnej przyrody. Szybkość ruchu, lekkość i przejrzystość dźwięku decydują o poetyckim obrazie utworu. W melodii naturalnie łączą się szerokie, swobodnie rozwijające się, żywiołowość, scherzo i miękkie intonacje liryczne. Subtelne odcienie dynamiki, ekspresyjne zmiany tonacji (zmienności), ruchliwość intonacji melodycznych, czasem żywa i lekka, czasem wrażliwa, czasem pogodna i radosna, akompaniament, z wyczuciem podążający za melodią – to wszystko nadaje figuratywnej wszechstronności całej melodii, podkreśla poetyckie barwy wiersza. Lekki muzyczny akcent we wstępie instrumentalnym, interludium i zakończeniu tworzy imitację głosów leśnych, śpiewu ptaków.

„Chata” to muzyczno-poetycka sielanka, obraz szczęścia, piękna życia człowieka na łonie natury. Podstawą gatunkową utworu jest barkarola. Spokojny ruch, jednolite rytmiczne kołysanie najlepiej pasuje do poetyckiego nastroju (spokój, spokój) i malowniczości wiersza (ruch i wybuchy fal). Nietypowy dla barkaroli przerywany rytm akompaniamentu, częsty u Griega i charakterystyczny dla norweskiej muzyki ludowej, nadaje ruchowi klarowność i elastyczność.

Lekka, plastyczna melodia zdaje się unosić nad ściganą fakturą partii fortepianu. Piosenka jest napisana w formie stroficznej. Każda zwrotka składa się z kropki z dwoma kontrastującymi zdaniami. W drugim wyczuwalne jest napięcie, liryczna intensywność melodii; strofa kończy się dobrze zarysowaną kulminacją; słowami: „…w końcu tu mieszka miłość”.

Swobodne ruchy melodii w tercjach (z charakterystycznym brzmieniem septymy wielkiej), kwarty, kwinty, rozpiętość oddechu melodii, jednolity rytm barkaroli stwarzają wrażenie przestrzenności, lekkości.

„Pierwsze spotkanie” to jedna z najbardziej poetyckich stron tekstów piosenek Grigova. Obraz bliski Griegowi - pełnia uczucia lirycznego, równa uczuciu, jakie natura, sztuka daje człowiekowi - jest ucieleśniony w muzyce, pełnej spokoju, czystości, wzniosłości. Pojedyncza melodia, szeroka, swobodnie rozwijająca się, „obejmuje” cały tekst poetycki. Ale w motywach, frazach melodii znajdują odzwierciedlenie jej szczegóły. Naturalnie w partię wokalną wpleciony jest motyw trąbki grającej z przytłumioną drobnej repetycji - niczym dalekie echo. Początkowe frazy, „unoszące się” wokół długich fundamentów, oparte na stabilnej harmonii tonicznej, na statycznych zwrotach plagalnych, z pięknem światłocienia, odtwarzają nastrój spokoju i kontemplacji, piękno, którym tchnie wiersz. Natomiast zakończenie pieśni, oparte na szerokich rozlewiskach melodii, ze stopniowo narastającymi „falami” melodii, ze stopniowym „podbijaniem” szczytu melodycznego, z napiętymi ruchami melodycznymi, odzwierciedla jasność i siła emocji.

„Dzień dobry” to jasny hymn do natury, pełen radości i radości. Jasny D-dur, szybkie tempo, wyraźnie rytmiczne, bliskie tańcu, energiczny ruch, jedna linia melodyczna dla całego utworu, dążenie do szczytu i kulminacja – wszystkie te proste i jasne środki muzyczne dopełnione są subtelnymi wyrazistymi detalami : eleganckie „vibrato”, „dekoracje” melodii, jakby dźwięczące w powietrzu („las dzwoni, trzmiel brzęczy”); wariantowe powtórzenie części melodii („słońce wzeszło”) w innym, jaśniejszym brzmieniu; krótkie melodyjne wzloty i upadki z zatrzymaniem na tercji wielkiej, wszystkie nabierające mocy w brzmieniu; jasne „fanfary” w fortepianowym zakończeniu. Wśród pieśni Griega wyróżnia się cykl wierszy G. Ibsena. Treść liryczno-filozoficzna, żałobne, skoncentrowane obrazy wydają się niezwykłe na ogólnym jasnym tle pieśni Grigova. Najlepsza z pieśni Ibsena – „Łabędź” – jest jednym ze szczytów twórczości Griega. Piękno, siła ducha twórczego i tragizm śmierci – oto symbolika poematu Ibsena. Obrazy muzyczne, podobnie jak tekst poetycki, odznaczają się skrajną lakonicznością. Kontury melodii wyznacza ekspresyjność recytacji wiersza. Ale skąpe intonacje, przerywane, swobodnie deklamacyjne frazy przeradzają się w melodię integralną, jednolitą i ciągłą w swoim rozwoju, harmonijną w formie (piosenka napisana jest w formie trzygłosowej). Wymiarowany ruch i niewielka ruchliwość melodii na początku, surowość faktury akompaniamentu i harmonia (ekspresyjność zwrotów plagowych subdominanty molowej) tworzą wrażenie wielkości i spokoju. Napięcie emocjonalne w części środkowej osiągane jest przy jeszcze większym skupieniu, „skąpstwie” środków muzycznych. Harmonia zawiesza się na dysonansowych dźwiękach. Wyważona, spokojna melodyczna fraza osiąga dramatyzm, zwiększając wysokość i siłę dźwięku, podkreślając szczytową, końcową intonację z powtórzeniami. Piękno gry tonalnej w repryzie, ze stopniowym rozjaśnianiem barwy rejestrowej, odbierane jest jako triumf światła i pokoju.

Grieg napisał wiele piosenek na podstawie wierszy norweskiego poety chłopskiego Osmunda Vigne. Wśród nich jest jedno z arcydzieł kompozytora - piosenka „Wiosna”. Częsty u Griega motyw wiosennego przebudzenia, wiosennego piękna przyrody łączy się tu z niezwykłym lirycznym obrazem: ostrością percepcji ostatniej wiosny w życiu człowieka. Muzyczne rozwiązanie poetyckiego obrazu jest niezwykłe: jest to jasna liryczna piosenka. Szeroka, płynna melodia składa się z trzech konstrukcji. Podobni w intonacji i strukturze rytmicznej są wariantami obrazu wyjściowego. Ale ani przez chwilę nie ma wrażenia powtórzenia. Wręcz przeciwnie: melodia płynie na dużym oddechu, a każda kolejna faza zbliża się do wysublimowanego brzmienia hymnu.

Bardzo subtelnie, nie zmieniając ogólnego charakteru części, kompozytor przekłada obrazy muzyczne z malowniczych, żywych na emocjonalne („daleka, daleka przestrzeń kusi”): kapryśność znika, pojawia się jędrność, dążenie do rytmów, zastępowane są niestabilne dźwięki harmoniczne przez stabilne. Ostry kontrast tonalny (G-dur - Fis-dur) przyczynia się do wyrazistości linii między różnymi obrazami tekstu poetyckiego. Dając wyraźną preferencję poetom skandynawskim w wyborze tekstów poetyckich, Grieg dopiero na początku swojej kariery napisał kilka romansów do tekstów poetów niemieckich Heine, Chamisso, Uhland

Koncert fortepianowy

Koncert fortepianowy Griega to jedno z najwybitniejszych dzieł tego gatunku w muzyce europejskiej drugiej połowy XIX wieku. Liryczna interpretacja koncertu zbliża twórczość Griega do tej gałęzi gatunku, którą reprezentują koncerty fortepianowe Chopina, a zwłaszcza Schumanna. Bliskość koncertu Schumanna przejawia się w romantycznej swobodzie, jasności manifestacji uczuć, w subtelnych niuansach lirycznych i psychologicznych muzyki, w wielu technikach kompozytorskich. Jednak narodowy norweski smak i charakterystyczna dla kompozytora figuratywna struktura utworu zadecydowały o jasnej oryginalności koncertu Griega.

Trzy części koncertu odpowiadają tradycyjnej dramaturgii cyklu: dramatyczny „węzeł” w pierwszej części, liryczna koncentracja w drugiej, ludowy obraz w trzeciej.

Romantyczny wybuch uczuć, lekka liryka, stwierdzenie silnej woli początku - taka jest struktura figuratywna i linia rozwoju obrazów w pierwszej części.

Druga część koncertu to małe, ale wieloaspektowe psychologicznie Adagio. Jego dynamiczna, trzyczęściowa forma wynika z rozwoju głównego obrazu od skoncentrowanego, z nutami dramatycznego liryzmu do otwartego i pełnego objawienia jasnego, mocnego uczucia.

Finał, napisany w formie sonaty rondowej, zdominowany jest przez dwa obrazy. W pierwszym temacie - pogodnym, energetycznym huku - folkowe epizody znalazły swoje dopełnienie jako "życiowe tło" rozpoczynające dramaturgię części pierwszej.

Dzieła sztuki

Główne dzieła

* Suita „Z czasów Holberga” op. 40

* Sześć utworów lirycznych na fortepian op. 54

* Tańce symfoniczne op. 64, 1898)

* Tańce norweskie op.35, 1881)

* Kwartet smyczkowy g-moll op. 27, 1877-1878)

* Trzy sonaty skrzypcowe op. 8, 1865

* Sonata wiolonczelowa a-moll op. 36, 1882)

* Uwertura koncertowa „Jesienią” (I Hst, op. 11), 1865)

* Sigurd Jorsalfar op. 26, 1879 (trzy utwory orkiestrowe od muzyki do tragedii B. Bjornsona)

* Dzień ślubu w Troldhaugen op. 65, nie. 6

* Rany serca (Hjertesar) z dwóch melodii elegijnych, op. 34 (Suita liryczna op. 54)

* Sigurd Jorsalfar op. 56 - Marsz hołdu

* Apartament Peer Gynt nr. 1, op. 46

* Apartament Peer Gynt nr. 2, op. 55

* Zeszłej wiosny (Varen) z dwóch utworów elegijnych op. 34

* Koncert fortepianowy a-moll op. 16

Kameralne utwory instrumentalne

* I Sonata skrzypcowa F-dur op. 8 (1866)

* II Sonata skrzypcowa G-dur op. 13 (1871)

* III Sonata skrzypcowa c-moll op. 45 (1886)

* Sonata wiolonczelowa a-moll op. 36 (1883)

* Kwartet smyczkowy G-moll op. 27 (1877-1878)

Utwory wokalne i symfoniczne (muzyka teatralna)

* „Samotny” na baryton, orkiestrę smyczkową i dwa rogi - op. 32

* Muzyka do Peer Gynt Ibsena op. 23 (1874-1875)

* „Bergliot” na recytację i orkiestrę op. 42 (1870-1871)

* Sceny z Olafa Trygvasona na solistów, chór i orkiestrę op. 50 (1888)

Utwory fortepianowe (łącznie około 150)

* Małe dramaty (op. 1 wyd. 1862); 70

zawarte w 10 „Zeszytach lirycznych” (red. od lat 70. do 1901)

* Z ważniejszych dzieł: Sonata e-moll op. 7 (1865),

* Ballada w formie wariacji op. 24 (1875)

* Na fortepian, 4 ręce

* Utwory symfoniczne op. czternaście

* Tańce norweskie op. 35

* Walce-Kaprysy (2 sztuki) op. 37

* Romans staronordycki z wariacjami op. 50 (jest wydanie orkiestrowe)

* 4 sonaty Mozarta na 2 fortepiany i 4 ręce (F-dur, c-moll, C-dur, G-dur)

Chóry (łącznie - z wydanymi pośmiertnie - ponad 140)

* Album na śpiew męski (12 chórów) op. trzydzieści

* 4 psalmy do melodii staronorweskich na chór mieszany

* a cappella z barytonem lub basem op. 70 (1906)

Interesujące fakty

Niedokończona opera E. Griega (op. 50) - przekształcona w epicką operę dla dzieci „Asgard”

Zadzwoń z zewnątrz

Grieg dał duży koncert w Oslo, którego program składał się wyłącznie z utworów kompozytora. Ale w ostatniej chwili Grieg niespodziewanie zastąpił ostatni numer programu dziełem Beethovena. Następnego dnia w największej metropolitalnej gazecie ukazała się bardzo jadowita recenzja znanego norweskiego krytyka, któremu nie podobała się muzyka Griega. Krytyk odniósł się szczególnie surowo do ostatniego numeru koncertu, zauważając, że ta „kompozycja jest po prostu śmieszna i całkowicie niedopuszczalna”. Grieg zadzwonił do tego krytyka i powiedział:

Niepokoi cię duch Beethovena. Muszę wam powiedzieć, że ostatni utwór wykonany w koncercie Griega został skomponowany przeze mnie!

Z takiego zażenowania nieszczęsny, zhańbiony krytyk dostał zawału serca.

Gdzie złożyć zamówienie?

Pewnego razu król Norwegii, zagorzały wielbiciel muzyki Griega, postanowił odznaczyć słynnego kompozytora orderem i zaprosić go do pałacu. Zakładając frak, Grieg udał się na przyjęcie. Rozkaz został przedstawiony Griegowi przez jednego z Wielkich Książąt. Po prezentacji kompozytor powiedział:

Przekaż Jego Królewskiej Mości moją wdzięczność i uznanie za troskę o moją pokorną osobę.

Następnie obracając rozkaz w dłoniach i nie wiedząc, co z nim zrobić, Grieg schował go do kieszeni fraka, która była wszyta z tyłu, na samym dole pleców. Odniosłem niezręczne wrażenie, że Grieg wepchnął gdzieś zamówienie do tylnych kieszeni. Jednak sam Grieg tego nie rozumiał. Ale król bardzo się obraził, gdy powiedziano mu, gdzie Grieg złożył Zakon.

Cuda się zdarzają!

Grieg i jego przyjaciel, dyrygent Franz Beyer, często łowili ryby w Nurdo-svannet. Pewnego razu, podczas łowienia ryb, Grieg nagle wymyślił muzyczną frazę. Wyjął z torby kartkę, zapisał ją i spokojnie położył obok siebie. Nagły podmuch wiatru zdmuchnął liść do wody. Grieg nie zauważył, że papier zniknął, a Beyer po cichu wyłowił go z wody. Odczytał nagraną melodię i schowawszy kartkę, zaczął ją nucić. Grieg odwrócił się błyskawicznie i zapytał:

Co to jest?.. Beyer odpowiedział całkowicie spokojnie:

Po prostu pomysł, który wpadł mi do głowy.

- "" Cóż, wszyscy mówią, że cuda się nie zdarzają! – powiedział Grieg z wielkim zdumieniem. -

Wyobraź sobie, bo ja też kilka minut temu wpadłem na dokładnie ten sam pomysł!

wzajemna pochwała

Spotkanie Edvarda Griega z Franciszkiem Lisztem miało miejsce w Rzymie w 1870 roku, kiedy Grieg miał około dwudziestu siedmiu lat, a Liszt przygotowywał się do obchodów swoich sześćdziesiątych urodzin. Grieg pokazał Lisztowi, obok innych swoich kompozycji, Koncert fortepianowy a-moll, co było niezwykle trudne. Z zapartym tchem młody kompozytor czekał na to, co powie wielki Liszt. Po przejrzeniu partytury Liszt zapytał:

Zagrasz w to dla mnie?

Nie! Nie mogę! Nawet jeśli zacznę próby przez miesiąc, raczej nie zagram, bo nigdy specjalnie nie uczyłem się gry na pianinie.

Ja też nie mogę, to zbyt niezwykłe, ale spróbujmy.” Tymi słowami Liszt usiadł przy fortepianie i zaczął grać. A przede wszystkim zagrał najtrudniejsze miejsca w Koncercie. Kiedy Liszt skończył grać, zdumiony Edvard Grieg westchnął:

Wspaniały! Niezgłębiony...

przyłączam się do Twojej opinii. Koncert jest naprawdę wspaniały - uśmiechnął się dobrodusznie Liszt.

Dziedzictwo Griega

Dziś twórczość Edvarda Griega jest bardzo szanowana, zwłaszcza w ojczyźnie kompozytora - w Norwegii.

Leif Ove Andsnes, jeden z najsłynniejszych współczesnych norweskich muzyków, aktywnie wykonuje swoje kompozycje jako pianista i dyrygent. Dom, w którym przez wiele lat mieszkał kompozytor - "Troldhaugen" stał się domem-muzeum otwartym dla publiczności.

Tutaj zwiedzającym pokazano rodzime mury kompozytora, zachował się także jego dwór, wnętrza, pamiątki należące do Edvarda Griega.

Stałe rzeczy, które należały do ​​kompozytora: płaszcz, kapelusz i skrzypce do dziś wiszą na ścianie jego pracowni. Niedaleko posiadłości odsłonięto pomnik Edvarda Griega, który zobaczyć może każdy, kto odwiedza Troldhaugen i chatę robotniczą, w której Grieg komponował swoje najlepsze utwory muzyczne i aranżacje o motywach ludowych.

Koncerny muzyczne nadal wydają płyty i kasety z największymi dziełami Edvarda Griega. Wydawane są płyty CD z melodiami Griega w nowoczesnej obróbce (patrz w tym artykule Fragmenty muzyczne - „Erotyczny”, „Wesele w Troldhaugen”). Nazwisko Edvarda Griega do dziś kojarzone jest z norweską kulturą i muzyczną twórczością tego kraju. Klasyczne sztuki Griega są wykorzystywane w różnych wydarzeniach artystycznych i kulturalnych. Inscenizowane są różne występy muzyczne, scenariusze profesjonalnych występów na lodzie i inne przedstawienia.

„W Sali Króla Gór” to chyba najpopularniejsza i najbardziej rozpoznawalna kompozycja Griega.

Przeżyła wiele zabiegów ze strony muzyków popowych. Candice Knight i Ritchie Blackmore napisali nawet tekst do „The Hall of the Mountain King” i zredagowali go do utworu „Hall of the Mountain King”. Kompozycja, jej fragmenty i aranżacje są często wykorzystywane w ścieżkach dźwiękowych do filmów, programów telewizyjnych, gier komputerowych, reklam itp., gdy konieczne jest stworzenie tajemniczej, nieco złowrogiej lub nieco ironicznej atmosfery.

Na przykład w filmie „M” wyraźnie pokazała postać bohatera Petera Lorre – Beckerta, maniaka polującego na dzieci.

Edvard Grieg (1843-1907) to pierwszy norweski kompozytor, którego twórczość wyszła poza granice swojego kraju i stała się własnością kultury paneuropejskiej. Dzięki Griegowi szkoła muzyczna Norwegii dorównywała innym narodowym szkołom Europy, choć jej rozwój przebiegał w bardzo trudnych warunkach.

Przez długi czas (do 1905 roku) Norwegia nie mogła uzyskać niepodległości państwowej. Uzależnienie polityczne od Danii (XIV-XVIII w.) i Szwecji (XIX w.) hamowało rozwój gospodarki i kultury kraju (do połowy XIX w. ).

Życie i kariera Griega zbiegła się z okresem niezwykle jasnego rozkwitu kultury norweskiej, związanego z przebudzeniem tożsamości narodowej. W latach 60-70 XIX wieku czołowi norwescy artyści zwrócili się ku studiowaniu narodowej epopei, podań ludowych i folkloru muzycznego. W Bergen, w ojczyźnie Griega, otwarto Norweski Teatr Narodowy, którego dziełem kierował Henrik Ibsen (najwybitniejszy dramaturg norweski, autor dramatu Peer Gynt). Wybitny skrzypek-improwizator Ole Bull zaczął promować norweską muzykę ludową, wykonując własne fantazje koncertowe o tematyce ludowej. Kompozytor norweskiego hymnu narodowego Nurdrok Wraz z Griegiem stworzył w Kopenhadze towarzystwo muzyczne „Euterpe”, którego celem było rozpowszechnianie i promocja twórczości młodych kompozytorów skandynawskich. Awansował jako autor licznych romansów Hjerulf . A jednak to Grieg zdołał wynieść norweską szkołę muzyczną na światowy poziom. Obraz Norwegii stał się semantycznym centrum całej twórczości Grigova. Jego ucieleśnienie wiąże się albo z heroizmem norweskiej epopei, albo z obrazami narodowej historii i literatury, albo z fantazją skandynawskich baśni lub obrazami surowej północnej przyrody. Najgłębszym i najdoskonalszym artystycznie uogólnieniem epickiego obrazu ojczyzny były 2 suity orkiestrowe „Peer Gynt”, w których Grieg przedstawił swoją interpretację fabuły Ibsena. Wychodząc poza opis Pera – poszukiwacza przygód, indywidualisty i buntownika – Grieg stworzył liryczno-epicki poemat o Norwegii, wyśpiewał piękno jej natury („Poranek”), namalował przedziwne baśniowe obrazy („W jaskini król gór”). Znaczenie wiecznych symboli zostało przejęte przez liryczne obrazy matki Pera, starego Oze'a i jego oblubienicy Solveig.

Jaskrawo oryginalny styl Griega rozwinął się pod wpływem norweskiego folkloru, który ma bardzo długą historię. Jego tradycje ukształtowały się w liryczno-epickich pieśniach skaldów, w pasterskich melodiach górskich ( lokka), w norweskich tańcach i marszach.

Grigowskije melodie wchłonął najbardziej charakterystyczne cechy norweskich pieśni ludowych, jak np. łączenie ruchów pentatonicznych z trytonami, czy zwrot melodyczny T – ton wprowadzający – D. Intonacja ta, która stała się swego rodzaju muzycznym symbolem Norwegii, jest bardzo często spotykane w muzyce Griega (np. w wielu tematach, w „Nocturne” z „Lyric Pieces”). Często „przesuwa się” na inne stopnie trybu, jak na przykład w Piosenka Solveig, gdzie ten ruch melodyczny pochodzi z D (przez podniesiony krok IV), a następnie z S.

Pod wpływem folkloru wykształciły się także cechy charakterystyczne Harmonia Grieg:

• obfitość elementów organowych;
• częste używanie trybów lidyjskich i doryckich;
• podniesienie czwartego stopnia trybu zarówno w dur, jak i moll jest ulubioną zmianą Grigova;
• elastyczna zmienność modalna, jako swego rodzaju gra „światła i cienia” (d-dur-dur, S-dur-moll itd.) t. wolna część fp. koncert

Ogólnie rzecz biorąc, język harmoniczny dzieł Griega wyróżnia się szczególnym blaskiem, szerokim zastosowaniem akordów multi-tertian, które ponownie są zakorzenione w norweskim folklorze (wiele melodii norweskich zawiera kilka ruchów tertian w jednym kierunku).

Liczne tańce Griega są najbardziej bezpośrednio związane z norweskim folklorem. Oparte są na specyficznym rytmie norweskim łuski, tańce wiosenne, gangary. gangar to norweski marsz chłopski. Hallinga - solowy taniec męski z bardzo złożonymi, wręcz akrobatycznymi ruchami. wiosenny taniec (lub springar) - dziarski „taniec skaczący”. Grieg często podkreśla typowe rytmiczne detale wszystkich tych tańców – połączenie trójek i kropek, nieoczekiwane akcenty na słabych uderzeniach, wszelkiego rodzaju synkopy.

Twórcze dziedzictwo Griega obejmuje prawie cały musical gatunki - fortepianowa, wokalna, symfoniczna (uwertura „Jesień”, suita „Z czasów Holberga” na orkiestrę smyczkową) i wokalno-symfoniczna (muzyka teatralna), kameralno-instrumentalna (kwartet smyczkowy, 3 sonaty na skrzypce i fortepian, 1 sonata na wiolonczela i fortepian). Mimo to najdobitniej pokazał się na boisku miniatury - fortepian i wokal. Współcześni nazywali go genialnym miniaturzystą, mistrzem małych form.

Gdzie uchwycone są jego obserwacje z życia osobistego, wrażenia z otaczającego go świata, natury, myśli i uczuć, myśli o Ojczyźnie. Kompozytor napisał około 150 miniatur fortepianowych. 66 z nich wchodzi w skład cyklu 10 zeszytów „Utwory liryczne”, które zajęły główne miejsce w jego twórczości fortepianowej (oprócz niego – „Obrazki poetyckie”, „Humoreski”, „Z życia ludowego”, „Kartki albumowe”, „ Walce-Kaprysy”). Grieg poświęcił też fortepianowi 3 najważniejsze dzieła: sonatę e-moll, balladę w formie wariacji oraz koncert fortepianowy, jeden z najlepszych w literaturze koncertowej.

Wraz z muzyką fortepianową (około 150 pieśni i romansów, w tym cykle wokalne „Melodia serca” do słów G.Kh Andersena, „Na skałach i fiordach”, „Norwegia”, „Dziecko z gór”) . Znamienne jest, że podstawą kompozycji wokalnych Griega była poezja norweska (wiersze Bjornsona, Paulsena, Ibsena).

Grieg pokazał się nie tylko jako kompozytor. Był też znakomitym wykonawcą (występował jako dyrygent i pianista, najczęściej we współpracy ze śpiewaczką Niną Hagerup, która była jego żoną); krytyk muzyczny; osoba publiczna (kierował Towarzystwem Filharmonicznym w Christianii, zorganizował pierwszy festiwal muzyki norweskiej w Bergen itp.)

Do ostatnich lat życia Grieg kontynuował działalność edukacyjną (prowadzenie koncertów bergeńskiego towarzystwa muzycznego Harmony, zorganizowanie pierwszego festiwalu muzyki norweskiej w 1898 r.). Skoncentrowaną twórczość kompozytora zastąpiły tournee (Niemcy, Austria, Anglia, Francja); przyczyniły się do rozpowszechnienia muzyki norweskiej w Europie, przyniosły nowe koneksje, znajomości z największymi współczesnymi kompozytorami – I. Brahmsem, K. Saint-Saensem, M. Regerem, F. Busonim.

Zasadniczo jest to muzyka do spektakli dramatycznych. Opera Olaf Trygvason pozostała niedokończona.