Jeśli kiedykolwiek widziałeś obrazy Andy'ego Warhola, nigdy ich nie zapomnisz. Gdzieś w głębokich półkach twojej podświadomości pozostaną wspomnienia tych niezwykłych, bardzo żywych obrazów. Ale nie każdy, kto widział jego obrazy, wie, kim jest Andy Warhol.
Spróbujmy więc zanurzyć się w cudowny świat Artysty i jeśli nawet nie rozwikłać jego osobowości, to przynajmniej poczuć niepokojące błony jego duszy.
Mówienie o tym, gdzie się urodził, studiował, mieszkał, jest banalne. Ale potrzebna jest przynajmniej krótka informacja. Trzy kraje uważają tego niezwykłego artystę za swojego - Ameryka, Słowacja, Ukraina. Ale prawdopodobnie jedno można jednoznacznie powiedzieć - twórcze dziedzictwo Andy'ego Warhola nie należy do konkretnego kraju, ale do świata.
Andy (Andrei Vargola) urodził się w Pistburgu w rodzinie Rusinów z Karpat. Jego matka Julia Vargole miała wtedy 36 lat. Ojciec przyszłego artysty pracował w firmie budowlanej. Andy był najmłodszym dzieckiem, rodzina miała jeszcze dwóch starszych synów. Od 4 do 8 roku życia Andy cierpiał na szereg poważnych chorób, wśród których najcięższą była choroba „tańca św. Wita”. Z tego powodu, częściej latem, cierpiąc na napady padaczkowe, Andy był zmuszony spędzać całe dnie w łóżku, bawiąc się rzeźbionymi lalkami i słuchając radia. Matka rysowała różne obrazy dla Andy'ego, co zaszczepiło w jej synu zamiłowanie do rysowania. Nieco później, z własnych zarobków, Julia kupiła synowi mały projektor filmowy, za pomocą którego mógł oglądać historie na obrazach bezpośrednio na ścianie swojego pokoju.
Tak więc, jako dziecko, kreatywność Andy'ego zaczęła się powoli rozwijać. Od dziewiątego roku życia chłopiec zaczął uczęszczać na bezpłatne kursy plastyczne. Po ukończeniu studiów młody człowiek wstąpił do Carnegie Institute of Technology na wydziale rysunku i projektowania. Tam uczeń zajmował aktywną pozycję życiową - chodził na przyjęcia, do orkiestr symfonicznych, interesował się baletem.
Twórczość artysty jest postmodernistyczna, nieskrępowana, swobodna.
„Nagi król”, moda i film
W czym tkwi sekret twórczości Warhola? Dlaczego te rzekomo proste obrazy są nadal znane na całym świecie? Jego twórczość: odważna, skandaliczna, chwytająca moment, wielowarstwowa, undergroundowa, trójwymiarowa, stworzona w stylistyce filmu. Jest taka teoria: narysuj coś szalonego, niezrozumiałego, a staniesz się sławny. To zasada „nagiego króla”, kiedy nikt nie rozumie podtekstu, „przekazu”, który jest osadzony w dziele. A z powodu nieporozumień jest uważany za wysokie, niesamowite, arcydzieło. Jest to typowe dla Czarnego kwadratu Malewicza. Ale ta zasada nie ma zastosowania do prac Warhola.
Andy żył w modzie, popkulturze i kinie. Już w młodości artysta tworzył szkice futurystycznych, bardzo jasnych butów na obcasach. To były pomysły projektowe. Główną atrakcją były zakrzywione linie, dzięki którym koneserzy rozpoznali „styl Warhola” w projektowaniu. Jego pasją była moda. Być może nawet otaczającą artystę rzeczywistość postrzeganą przez podświadome okulary modnych okularów. Był homoseksualistą i nie ukrywał tego. Dlatego jeszcze łatwiej było zrozumieć trendy w modzie. To było w jego chromosomach, w jego duszy.
Ważnym aspektem jego istoty była także kinematografia. Film stał się środkiem pojmowania świata, rozumienia rzeczywistości. Andy trzymał rękę na pulsie życia. Świadczą o tym jego obrazy: „Krzesło elektryczne”, „Rasistowskie zamieszki”, „Zupa Kens” i wiele innych obrazów, które odzwierciedlały obecną rzeczywistość. Przedstawiał wydarzenia na fotografiach z niezwykłą kombinacją kolorów, z rozmytymi liniami. Nie tak, jak wszyscy to widzieli. Artysta niejako przykuwa naszą uwagę, zmusza do zastanowienia się nad zjawiskami codzienności, do próby zrozumienia ich w inny sposób. I być może przerażony. Krzesło elektryczne, nietolerancja rasowa, półprodukty – wszystko to było charakterystyczne dla ówczesnego społeczeństwa amerykańskiego. A zwykli ludzie nie zwracali już na to większej uwagi, martwili się o własne życie, własne problemy. Andy zaapelował do każdego serca i nietrudno było rozpoznać jego „przesłanie”. Tworzył jednocześnie sztukę masową i elitarną.
Szczere i „malowane” gwiazdy popu
Mimo to najsłynniejsze obrazy Andy'ego to portrety gwiazd muzyki pop, wykonane w jego zwykłej technice „kolorowania zdjęć”. Najbardziej znane z tej serii to wizerunki Marilyn Monroe i Elvisa Presleya. Artysta niejako zagląda w duszę ludzi, których przedstawia. A jeśli przyjrzysz się uważnie, możesz poczuć całą tragedię osobowości Marilyn Monroe. Jaskrawo pomalowana, z różową twarzą, wygląda nieszczęśliwie. Prawda jest ukryta w oczach. Spod rzęs wyglądają jakby zawstydzone, oszołomione. Być może Merlin nigdy nie odnalazł sensu życia. A ten puder, nadmiar farby na twarzy to tylko maska, za którą kryje się prawdziwa esencja gwiazdy, której nikt nie chciał zobaczyć. To samo z wizerunkiem Elvisa. Wykonany jest w ciemniejszej kolorystyce, w kolorze szarym. Często obraz jest w połowie wymazany. Piosenkarz wycelował pistolet w widza, jego twarz jest zniekształcona. Może Elvis chce się bronić?
15 klatek portretu "na żywo".
Nic dziwnego, że przy takim postrzeganiu świata artysta tworzył także kino. I ten film również zadziwił świat! Na przykład portrety ludzi. Andy kręcił nieruchomą osobę przez trzy minuty, a następnie zmontował to w taki sposób, że było 15 klatek na sekundę. Obraz był powolny, jakoś surrealistyczny. W ten sposób można zrozumieć osobę, były to „żywe” portrety. Albo monotonny kadr na 8 godzin. Było tu wszystko: kolor, ruch chmur, przestrzeń, nawet przelatujący samolot. Ale kamera się nie poruszyła. Właśnie obejrzeliśmy kawałek świata, jak dokładnie w tym miejscu zaczyna się poranek, mija dzień, zapada zmierzch. To był czar rzeczywistości. Nie wszystkim udało się zrozumieć ten film, to prawdziwy art house. Ale teraz Andy jest porównywany do impresjonistów. Kiedy Monet również „bawił się kolorem”, malując fasadę katedry w Rouen. Malował budynek o różnych porach dnia. I za każdym razem zdjęcie wychodziło inaczej.
Andy Warhol to nie tylko artysta, on sam jest sztuką. Nie bał się eksperymentów, szalonych pomysłów, nie bał się pokazać światu. Artysta nie jest tylko ucieleśnieniem postmodernizmu, zrobił wiele dla rozwoju tego nurtu. I niech ktoś powie, że jego praca jest nienormalna, niemoralna, nieciekawa. Ale ci, którzy nie boją się łamać stereotypów, kładą nowy fundament pod sztukę, zwykle pozostają w pamięci pokoleń. Standard, stereotyp, poprawność to nie sztuka, to tylko surogat, który narzucił nam socrealizm. nie ma ograniczeń dla ludzkiego potencjału, ponieważ wszyscy czerpiemy inspirację z bezkresnych głębi kosmosu, z którym faktycznie jesteśmy połączeni. „Nieświadomość zbiorowa” jest w każdym z nas, ale nie każdy potrafi w pełni usłyszeć ten głos.
WARHOL ANDY
Prawdziwe nazwisko - Andrzej Warhola
(ur. 1928 - zm. 1987)
Słynny amerykański artysta, rzeźbiarz, projektant, reżyser, producent, scenarzysta. Jeden z twórców pop-artu, twarz kultury amerykańskiej drugiej połowy XX wieku.
Jedna z najbardziej uderzających i kontrowersyjnych postaci amerykańskiej popkultury drugiej połowy XX wieku, niezwykła osobowość i twórca nurtu pop-art – Andy Warhol – swoją działalność nazywał „produkcją” i „fikcją”, a siebie samego – „maszyny” i marzył, żeby wszyscy ludzie myśleli podobnie, a jednocześnie chciał, żeby wszyscy na planecie stali się sławni „na co najmniej 15 minut”. Podniósł kulturę popularną do rangi sztuki i sam stał się jej częścią, ponieważ publiczność postrzegała go nie jako osobę, ale jako część własnej twórczości. Warhol wywarł ogromny wpływ na kulturę światową drugiej połowy XX wieku. Jego życie i twórczość stały się potwierdzeniem jego słynnego zdania: „Sztuka niczego nie zmienia, zmienia się sama, nieuchronnie zmierzając ku końcowi”. Zrobił biznes ze sztuki i stał się bajecznie bogaty.
Niestety, nie ma dokładnych informacji dotyczących daty urodzenia Andrzeja Warhola. Źródła podają nie tylko różne daty: 6 sierpnia i 28 września, ale także lata 1927, 1928 i 1930. Andrzej urodził się w Pittsburghu w Pensylwanii, w rodzinie biednych imigrantów z Czechosłowacji. Jego ojciec zmarł, gdy Andrzej miał 13 lat. Chłopiec dorastał wycofany i nieśmiały, szkoła była dla niego najgorszym sprawdzianem, gdzie wszyscy śmiali się z chudego blondyna Andrzeja. Cały czas wolny od znienawidzonego pobytu w szkole chłopiec spędzał w domu, a matka, która bała się o swojego najsłabszego najmłodszego syna, bała się pozwolić mu odejść daleko od siebie. Andrzej dość wcześnie miał hobby - robił kolaże z kolorowych zdjęć ze starych czasopism i komiksów - wycinał, sklejał, malował.
Po maturze Andrzej studiował wzornictwo w Carnegie Institute of Technology, a później jakimś cudem udało mu się dostać na wydział projektowy California Technical University. Była to prestiżowa placówka edukacyjna, a nasz bohater wyglądał tam dość żałośnie na tle dzieci z zamożnych rodzin. Prawie z nikim się nie komunikował i kultywował swoje kompleksy, chociaż na studiach się z niego nie śmiali, tak jak w szkole, tu raczej go żałowano. Szybko stało się jasne dla nauczycieli, że Warhola jest bardzo utalentowany, i zaczęli mu pomagać: koledzy robili zadania z angielskiego (sam Andrzej nie potrafił wtedy połączyć nawet dwóch słów na kartce), profesorowie walczyli, żeby nie zostać wyrzucony z uczelni, gdy zamiast klasycznych modeli malował żebraków lub dzieci dłubiące w nosie.
Po ukończeniu studiów Andrzej Warhola wyjechał do Nowego Jorku – centrum amerykańskiego życia kulturalnego i modnych galerii sztuki. Zmienił nazwisko na bardziej eufoniczne dla USA – Andy Warhol, wynajął tanią pracownię i zaczął uderzać w progi agencji reklamowych i redakcji popularnych publikacji. Już jego pierwsze prace w reklamie zaczęły cieszyć się dużym powodzeniem, były jasne i zapadające w pamięć – Warhol doskonale uchwycił trendy tamtych czasów.
W Nowym Jorku ujawniono kolejny talent Warhola. Wcześniej zawsze zamknięty i nietowarzyski, zaczął przyciągać do siebie ludzi jak magnes. Jakby chcąc zrekompensować brak komunikacji i rozrywki w młodości, stał się aktywnym imprezowiczem, nie opuścił ani jednej prezentacji, wystawy ani imprezy, nieustannie znikał w nocnych klubach, co nie przeszkadzało mu w pracy w ciągu dnia, ponieważ Andy cierpiał na bezsenność od dzieciństwa. Warhol przyznał się później do swojego patologicznego pragnienia imprez: „Gdyby Nowy Jork miał wielkie otwarcie toalety, poszedłbym tam pierwszy”. To zamiłowanie do pojawiania się w miejscach publicznych okazało się na jego korzyść: trudno wyobrazić sobie lepszą reklamę dla artysty. W tym czasie jego wizerunek był już ostatecznie ukształtowany - te same ciemne okulary, szara peruka (Warhol bardzo wcześnie wyłysiał) i drogi garnitur poplamiony farbami. W ciągu dnia rzadko wychodził z pracowni – jego cienka, jasna skóra natychmiast płonęła, a jeśli wychodził na słońce, to tylko z parasolem i ciemnymi okularami.
Dość szybko Andy Warhol stał się najlepiej opłacanym reklamodawcą w Nowym Jorku. Jednak taki stan rzeczy nie do końca mu odpowiadał, gdyż Warhol uważał, że pracując w reklamie, gdzie znali się tylko koledzy w sklepie, nie osiągnie się światowej sławy. W tym czasie w Ameryce pojawił się nowy trend - pop-art, zatarł granice między sztuką "wysoką" a "masową", malowniczym przedmiotem mogło stać się wszystko - reklama, wycinki z gazet, postaci z kreskówek. Wszystko to przypomniało Warholowi jego dziecięce eksperymenty z kolażami, którymi chłopiec bawił kiedyś swoją rodzinę i całą ulicę. I już dorosły Andy ponownie zaczął eksperymentować w poszukiwaniu nowej metody, która pomogłaby mu osiągnąć cel - stać się sławnym. W 1956 roku Warhol wyrusza w podróż: odwiedza Indie, Egipt, Francję, Włochy, Wielką Brytanię i wiele innych krajów, gdzie studiuje lokalną kulturę i sztukę. Przykładem oburzenia jest jego dźwięczne wrażenie z tej podróży: „Najpiękniejszą rzeczą w Rzymie jest McDonald's. Najpiękniejszą rzeczą w Paryżu jest McDonald's. Najpiękniejszą rzeczą w Londynie jest McDonald's. Z punktu widzenia sztuki masowej jest to prawda. Pałace, świątynie i pomniki Starego Świata to sztuka elitarna, prezentowana w pojedynczych egzemplarzach, a McDonald's to pojedyńczy koncept, szczyt masowości i standaryzacji.
Podczas swojego światowego tournée Warhol ostatecznie ugruntował się w przekonaniu, że sztuka współczesna powinna być masowa i komercyjna, a po powrocie do Ameryki ponownie zajmuje się płótnem.
Po długich próbach i eksperymentach z techniką pisania, udany, jak się później okazało, został niespodziewanie rzucony mu przez jednego przyjaciela, mówiąc: „Co kochasz najbardziej? Pieniądze. Proszę, narysuj dolara. Chodzi o to, żeby wziąć ze sobą coś prostego i wszystkim znanego – samego dolara lub puszkę zupy. Monumentalne płótna z puszką zupy pomidorowej Campbell's, stworzone przez artystę w 1962 roku, na wiele lat stały się znakiem rozpoznawczym Andy'ego Warhola i przyniosły mu prawdziwą sławę. Gazety i krytycy krztusili się z zachwytu, ceny jego prac poszybowały w górę, a sam artysta był zdziwiony, jak naiwny jest ten świat, jak wszystko okazuje się proste. Historyk sztuki Robert Hughes bardzo dokładnie opisał sukces obrazów zupy Campbella: „Malowanie na puszce samo w sobie nie oznacza uprawiania prawdziwej sztuki. Ale prawda o Warholu polega na tym, że podniósł produkcję zupy w puszce do poziomu tworzenia obrazów, nadając im charakter masowej produkcji - sztuka konsumpcyjna naśladuje proces, a także wygląd kultury konsumpcyjnej. Kolejnym produktem konsumenckim uwiecznionym na obrazach Warhola była Coca-Cola. Artysta tłumaczył swój wybór tym, że „piją ją wszyscy – prezydent kraju, Liz Taylor i żebrak, który wie, że jego Coca-Cola nie jest gorsza od prezydenckiej”. Pewnego dnia na wystawie, na której znalazły się między innymi obrazy Campbell's Soup, nowojorski krytyk zażartował do Andy'ego: „Jeśli możesz narysować reklamę zupy, dlaczego nie narysować reklamy piwa?” Warhol całkiem poważnie się z nim zgodził i już następnego dnia wystawiono także „portret” puszki po piwie. Nawiasem mówiąc, dolar, o którym mówił jego przyjaciel, który podsunął pomysł z zupą, został również przedstawiony przez Warhola ...
Ogromna liczba ludzi kręciła się teraz wokół Warhola, a wkrótce artysta otworzył dużą pracownię, ochrzcząc ją „Fabryką”, która później stała się symbolem nowej sztuki. W salach „Fabryki” tłoczyli się młodzi artyści, aktorzy i po prostu ludzie, którzy marzyli o sławie. Przyciągnęła ich niezwykła aura Warhola, czcili go, śpiewali pieśni pochwalne i byli gotowi spełnić każdą jego zachciankę, co oznaczało tylko jedno – Andy Warhol stał się żywym idolem popkultury. Andy czerpał inspiracje z komunikacji z ludźmi, którzy odwiedzali „Fabrykę” lub tam mieszkali. Z tego powodu narobił sobie ogromnej liczby wrogów, często korzystając z cudzych pomysłów lub umieszczając w swoich filmach nagrania z szczerymi historiami ludzi, którym obiecał, że nikomu tego nie pokaże. To właśnie „Fabryka” i jej goście na wiele sposobów pomogli uczynić sztukę masową, tak jak chciał Warhol, powstawały tysiące dzieł, w pewnym sensie była to prawdziwa fabryka. Artysta z dumą deklarował: „W naszej „Fabryce” powstaje dziennie film, obraz, rzeźba, mnóstwo rysunków, mnóstwo fotografii.
Przez pięć lat, od 1963 do 1968, Warhol był aktywnie zaangażowany, jak sam to określił, w „produkcję filmową”. W tym okresie stworzył kilkaset filmów, od masy trzyminutowych przesłuchań i portretów po 150 filmów pełnometrażowych. Twórczość Andy'ego Warhola nie mieściła się w zastanych ramach kinematografii, była wybuchową mieszanką kina awangardowego, hollywoodzkiego i undergroundowego, z elementami pornografii, teatru, minimalizmu i portretu. Czas trwania tych filmów wahał się od trzech minut do dwudziestu pięciu godzin. Tylko kilka z setek filmów Warhola zostało zrozumianych i zaakceptowanych przez publiczność. Często tylko jeden aktor był na ekranie przez kilka godzin. „Zacząłem kręcić filmy z jednym aktorem. Przez kilka godzin palił, siedział, jadł, spał. Zrobiłem to, ponieważ zdałem sobie sprawę, że głównym powodem, dla którego ludzie chodzą do kina, jest obejrzenie ulubionego aktora. Więc dałem im tę szansę” – powiedział Warhol. W filmie Empire z 1964 roku kamera rejestruje obraz słynnego nowojorskiego Empire State Building przez osiem godzin. Można powiedzieć, że filmy Andy'ego Warhola są przeciwieństwem komercyjnych filmów fabularnych, w pewnym sensie są to „antyfilmy”, które nie mają odpowiednika w historii światowego kina.
Do 1968 roku Warhol stał się uznanym mistrzem pop-artu, a jego wystawy odbywały się na całym świecie. W Ameryce był najpopularniejszym artystą, jego obrazy sprzedawały się po niewyobrażalnych cenach. Andy zasłynął także ze swoich skandalicznych wywiadów, z których ku zaskoczeniu wszystkich powiedział: „Nigdy nie byłem poruszony własną pracą. Robię tanie pisanie…” W Los Angeles wiosną tego roku, podczas otwarcia dużej retrospektywy swojej twórczości, Warhol czekał na tłum, który skandował: „Kochamy Andy'ego Warhola!” Sukces wystawy był ogromny. A jednocześnie samych wystaw artystki nie można było nazwać czysto artystycznymi, rolę odgrywało tu wnętrze, światło i wszelkiego rodzaju instalacje. Mógł pokazać na wystawie sterty kartonów chaotycznie rzucanych w kąty pomieszczeń - i nic więcej, a wystawa i tak cieszyła się ogromnym powodzeniem.
W tym samym 1968 roku Warhol otrzymał scenariusz do filmu od radykalnej feministki, jedynej członkini utworzonego przez nią Stowarzyszenia Zniszczenia Mężczyzn, Valerie Solanas. Artysta uznał scenariusz za zbyt „brudny” i odmówił realizacji filmu na jego podstawie. Kiedy dziewczyna kilka razy pojawiała się w „Fabryce” żądając zwrotu rękopisu, Andy za każdym razem ją odtrącał i prosił, by przyszła później. Pewnego dnia cierpliwość niezrównoważonej Valerie pękła. Kilka dni po powrocie Warhola z Los Angeles pojawiła się ponownie w Factory, podeszła do Warhola, wyjęła rewolwer z papierowej torby i oddała trzy strzały w artystę, drugim raniąc mężczyznę z otoczenia Andy'ego. Następnie Solanas spokojnie wezwał windę i wyszedł. Na ulicy zwróciła się do pierwszego spotkanego policjanta ze słowami: „Strzelałam do Andy'ego Warhola”. Później te słowa zostaną nazwane filmem o niej i tej ponurej historii.
W szpitalu lekarze stwierdzili śmierć kliniczną artysty. Niewielu sądziło, że słaby fizycznie Warhol może przeżyć trzy rany postrzałowe, ale przeżył. Rekonwalescencja trwała cały rok, a artysta do końca życia był zmuszony nosić gorset, ponieważ lekarze bezskutecznie szyli mu mięśnie brzucha. Zdjęcie Richarda Avedona, przedstawiające nagi tors Andy'ego Warhola z brzuchem okaleczonym straszliwymi bliznami, obiegło magazyny na całym świecie.
Po zamachu Andy, który prawie pozbył się kompleksów, znów zaczął bać się ludzi. Zaczął stale nosić kamizelkę kuloodporną, zaostrzył kontrolę twarzy przy wejściu do „Fabryki” i nie wychodził na zewnątrz po ósmej wieczorem. „Po strzale jestem jak we śnie. nic nie rozumiem. Nie rozumiem, czy żyję, czy nie” – często powtarzał Warhol. Teraz artysta bardzo niechętnie udzielał wywiadów, na wszystkie pytania mógł odpowiadać tylko „tak” lub „nie”; czasami pytał reporterów, co chcieliby od niego usłyszeć, i zezwalał na opublikowanie ich odpowiedzi jako własnej. Warhol w ogóle nie lubił mówić o sobie, często odpowiadając na takie pytania: „Jeśli chcesz wiedzieć wszystko o Andym, obejrzyj moje filmy, moje obrazy. To wszystko ja. Nie ma nic więcej”. Warhol zaczął unikać pojawiania się publicznie, często wysyłał osobę, która wyglądała jak on, na wykłady we własnym imieniu.
Andy Warhol nie ukrywał swojej niekonwencjonalnej orientacji, ale nie krzyczał o niej na wszystkich skrzyżowaniach. Nie miał głośnych i skandalicznych powieści, jak inne gwiazdy, wolał być obserwatorem, a nie uczestnikiem: „Fantazje miłosne są znacznie lepsze niż miłość cielesna. Nie robienie tego jest bardzo ekscytującą rzeczą”.
Szczególna była także twórczość literacka Andy'ego Warhola. W 1968 roku ukazała się jego pierwsza książka, zatytułowana „A”, zawierająca zapisy rozmów telefonicznych w „Fabryce”. Kolejna książka ukazała się kilka lat później, nosiła tytuł Filozofia Andy'ego Warhola. Z A do B i odwrotnie. Jej głównym tematem był argument, że sztuka to proces zarabiania pieniędzy. Od 1969 roku pod kierunkiem Warhola w Stanach Zjednoczonych wydawany był słynny magazyn Interview, w którym gwiazdy przeprowadzały wywiady z innymi gwiazdami.
Od 1970 roku rozpoczął się najbardziej udany okres w twórczości Andy'ego Warhola - zaczął wykorzystywać metodę sitodruku do tworzenia portretów celebrytów. Jego zdjęcia Marilyn Monroe, Lizy Minnelli, Jimmy'ego Cartera, Elvisa Presleya, Elizabeth Taylor i Mao Zedonga obiegły cały świat. Jeden z krytyków nazwał namalowany przez Warhola portret Marilyn Monroe Mona Lisą XX wieku. Teraz można było już mówić nie tylko o Amerykaninie, ale także o światowej sławie artysty. Ulubiona metoda Warhola - sitodruk - jest techniką obiegową, dzięki której tworzenie obrazów nie było długim żmudnym procesem, jak zawsze uważano, ale prawdziwie masową „produkcją”. Warhol używał tylko jasnych, czystych kolorów, bez żadnych półtonów, cieni i niuansów, pozbawił swoje prace realizmu i życia, nie oddychają, są tylko odbitkami, obrazami, jeszcze bardziej martwymi niż na plakatach reklamowych, a ich twórca wyjaśnia z satysfakcja: „Uwielbiam wszystko, co sztuczne”. Zniwelował różnicę między oryginałem a kopią, ponieważ sitodruk polegał na stworzeniu niemal nieograniczonej liczby odbitek. Artysta uważał, że właśnie takiej sztuki - banalnej i powielanej - potrzebuje współczesny świat i sądząc po jego szalonej popularności, miał w dużej mierze rację. Ponadto im dalej, tym bardziej publiczność interesowała się osobowością Warhola, a nie jego twórczością, imię Andy stawało się bardziej znakiem firmowym niż nazwiskiem artysty.
W latach 80. XX wieku Warhol ponownie dużo pracował w reklamie. W 1980 roku opracował i zrealizował projekt własnego kanału telewizji kablowej i został jego dyrektorem. W tym samym roku ukazała się kolejna książka artysty Popism: Warhol in the 60s. W tym okresie kończy pracę z wizerunkami gwiazd i bierze się za malownicze arcydzieła z przeszłości - ukazują się jego serie „Mona Lisa” i „Ostatnia wieczerza”.
Od drugiej połowy lat 80. XX wieku stan zdrowia Andy'ego Warhola wyraźnie się pogorszył, okoliczność tę pogarszał fakt, że artysta strasznie bał się lekarzy i odmawiał leczenia. Zimą 1987 roku zapalenie pęcherzyka żółciowego pogorszyło się i Warhol został zmuszony do pójścia do szpitala na prostą operację. Operacja się udała, ale następnego dnia pielęgniarka znalazła artystę martwego w łóżku. Zmarł we śnie na zawał serca. Stało się to 22 lutego 1987 roku. Warhol został pochowany w rodzinnym Pittsburghu. W nabożeństwie żałobnym 1 kwietnia w katedrze św. Patryka w Nowym Jorku wzięło udział około 2000 osób.
Kiedy po śmierci artysty jego przyjaciele i prawnicy otworzyli mieszkanie Warhola, do którego za życia nikogo nie wpuszczał, znaleźli tam ogromną ilość najróżniejszych rzeczy, które były w strasznym bałaganie. Wśród nich było mnóstwo rozpakowanych paczek z zakupami, liczne flakony perfum i indyjskich kadzideł, biżuteria, arcydzieła światowej sztuki w oryginale zmieszane ze szczerym śmieciem ze sklepów z rupieciami. Andy Warhol wydał miliony dolarów na zakupy, ale nikomu nie pokazał swoich nabytków. Trzymał też pieniądze w swoim mieszkaniu w pudełkach po ciastkach, nie ufając bankom. Pstrokata kolekcja Warhola została sprzedana na słynnej aukcji Sotheby za ponad 25 milionów dolarów. Pieniądze te, zgodnie z wolą Andy'ego, zostały przekazane do utworzonego przez niego funduszu pomocy organizacjom artystycznym.
Kilka lat po śmierci słynnego artysty w rodzinnym Pittsburghu otwarto Muzeum Andy'ego Warhola, w którym znajduje się wiele jego dzieł.
Nadal nie jest jasne, jak ten cichy i dziwny mężczyzna, który zawsze ukrywał swój prawdziwy wygląd pod peruką i wielkimi ciemnymi okularami, mógł stać się twarzą swoich czasów i tak skutecznie łączyć sztukę i biznes. Nekrolog opublikowany w The New York Times podał chyba najdokładniejszą i zwięzłą definicję fenomenu Andy'ego Warhola: „Najlepszym dziełem Warhola jest sam Warhol”. Rzeczywiście, nie można docenić jego dzieł, nie wiedząc nic o ich twórcy, wizerunek tej dziwnej i nieśmiałej osoby jest nierozerwalnie związany z jego twórczością i vice versa. Kolejna, bardzo trafna definicja twórczości Andy'ego Warhola należy do muzyka rockowego Micka Jaggera, lidera zespołu Rolling Stones, który u szczytu swojej popularności również padł na płótno słynnego artysty: „Jeśli chcesz wiedzieć, co było najpopularniejszy w danym okresie, spójrz, jaki Warhol malował w tym czasie”. I to prawda. Andy był bardzo wrażliwy na ówczesne trendy iw swoich pracach od razu odzwierciedlał preferencje mas – czy to była zupa pomidorowa Campbella, czy Marilyn Monroe, Coca-Cola czy Elizabeth Taylor.
Z książki Filozofia Andy'ego Warhola autorstwa Andy'ego Warhola Z książki Ten, który nazywał się O. Henry autor Wnukow Nikołaj Andriejewicz Z książki Madonna [W łóżku z boginią] autor Taraborelli Randy Z książki 100 krótkich biografii gejów i lesbijek przez Russella PaulaWyjście: Andy Bird Punktem zwrotnym w relacjach Madonny z Andym Birdem był październik 1998 roku, kiedy ten wygłosił w prasie kilka kontrowersyjnych, choć raczej nieszkodliwych uwag na jej temat. „Mieliśmy namiętny związek, nad którym trzeba było popracować” – powiedział Andy Bird
Z książki GEJÓW. Zmienili świat autor Degtyareva Wiktoria Anatolijewna Z książki Tajny rosyjski kalendarz. Główne daty autor Bykow Dmitrij LwowiczAndy Warhol Papież Papież Nazywano go Papieżem, przez papieża rozumiejąc oczywiście papieża, a przez księdza - pop-artu: kierunku w sztuce, którego wprawdzie nie ustanowił, ale bezwarunkowo kierował. Nawet jeśli ktoś jakimś cudem nie usłyszał jego imienia, to na pewno go widział
Z książki 50 znanych ekscentryków autor Sklarenko Walentyna Markowna6 sierpnia Urodził się Andy Warhol (1928) Bliźnięta W sierpniu 2008 roku obchodzono dwie wspaniałe rocznice: Andy Warhol skończyłby osiemdziesiąt lat;
Z książki Wielcy Amerykanie. 100 wybitnych historii i losów autor Gusarow Andriej JurjewiczWARHOL ANDY Prawdziwe nazwisko - Andrzej Warhola (ur. 1928 - zm. 1987) Słynny amerykański artysta, rzeźbiarz, projektant, reżyser, producent, scenarzysta. Jeden z twórców pop-artu, twarz kultury amerykańskiej drugiej połowy XX w. Jeden z najbardziej uderzających i kontrowersyjnych
Z książki Wielcy ludzie XX wieku autor Wulf Witalij JakowlewiczKról programu telewizyjnego Andy Samuel Griffith (1 czerwca 1926, Mount Airy - 3 lipca 2012, Manteo) W maju 2007 roku sędzia Sądu Rejonowego John S. Shabaz rozpatrywał niezwykłą sprawę. Pozew został złożony przeciwko niejakiemu Williamowi Fenrickowi z Platteville w stanie Wisconsin, który
Z książki 100 sławnych Amerykanów autor Tabołkin Dmitrij WładimirowiczAndy Warhol Przygody Białego Królika Imię Andy'ego Warhola jest znacznie bardziej znane niż jego dzieło. Jednocześnie jego praca jest znacznie bardziej znana niż on sam. Ten paradoks jest całkiem w jego duchu - Warhol zawsze starał się wyglądać na kogoś, kim nie był, i być tym, kim po prostu nie mógł być.
Z książki Od Diogenesa do Jobsa, Gatesa i Zuckerberga ["Nerdowie, którzy zmienili świat]" autor Zittlau JörgWARHOL ANDY Prawdziwe nazwisko - Andrzej Warhola (ur. 1928 - zm. 1987) Znany malarz, przedstawiciel pop-artu, mistrz aplikacji mechanicznej. „Artysta to osoba, która tworzy coś, czego ludzie nie potrzebują, ale z jakiegoś powodu, jak uważa, powinno
Z książki 100 wielkich historii miłosnych autor Kostina-Cassanelli Natalia NikołajewnaAndy Warhol (Andrey Vargola): Sama na przyjęciu Valerie Solanas była wściekła. W takiej złości, że ze swojego beretu strzeliła trzy razy do Andy'ego Warhola, trafił go tylko jeden pocisk, ale rana była ciężka. Przebiła mu lewe płuco i przeszła dalej przez woreczek żółciowy.
Z książki Intela [Jak Robert Noyce, Gordon Moore i Andy Grove stworzyli najpotężniejszą firmę na świecie] przez Michaela Malone'aAndy Warhol i Edie Sedgwick Ameryka lat 60. była wyjątkowym światem, który można podsumować trzema słowami: seks, narkotyki, rock and roll. Andy Warhol w tym świecie nie był tylko jego własny - był prawie półbogiem, gdzie mieszali się w jeden egzotyczny koktajl
Z książki autoraROZDZIAŁ 31 Andy na uchodźstwie We wrześniu 1949 r. cały kraj słuchał radia, kiedy węgierski minister spraw zagranicznych Laszlo Rajk został poddany pokazowemu procesowi podobnemu do tego, który odbył się w ZSRR pod koniec lat 30. w okresie represji stalinowskich. Raik, który był torturowany, przyznał się
Z książki autoraRozdział 42 Fighter Andy Układ Intel 80386 został oficjalnie wprowadzony na rynek w październiku 1985 r., w tym samym miesiącu, w którym Intel wycofał się z branży układów pamięci. Dostawy na dużą skalę miały miejsce w trzecim kwartale 1986 roku. Odzwierciedlając ogólnoświatowy zakres osobistego
„Teraz, kiedy wszystko zmienia się tak szybko, nie ma prawie żadnej szansy na zachowanie nietkniętych obrazów swoich fantazji, zanim będziesz gotowy je spełnić”
© Andy Warhol
Jeśli poświęcisz całe swoje życie na zaspokojenie obsesyjnego pomysłu - co z tego wyniknie? Ponieważ amerykański sen ma tak wiele wspólnego z paranoją. Artysta i twórca pop-artu Andy Warhol w swoim dążeniu do sławy próbował wszystkich dostępnych sposobów wyrażania siebie: znamy jego sitodruk, filmy studyjne, założony przez niego magazyn Wywiad (Wywiad). I nawet Marilyn Monroe jest znana wielu w kontekście swojej pracy. Bez wątpienia jest to człowiek, który zmienił ideę sztuki całego kraju.
Kiedy życie biednych emigracyjnych kwater ma się za sobą, próżność przestaje być tak silną wadą. Całe życie Warhola było poświęcone promowaniu jego nazwiska jako marki, a nawet kiedy stał się światowej sławy reklamodawcą, to nie wystarczyło. Najbardziej kolorowe plakaty reklamowe są anonimowe, podczas gdy Warhol szukał czegoś, co wyniosłoby jego imię do najwyższego stopnia.
Wtedy pojawiła się puszka zupy, rzucając świat na kolana. Nie była to pierwsza praca Warhola jako artysty, ale z pewnością to ona publicznie ogłosiła początek ery pop-artu. Trzydzieści dwa identyczne obrazy zupy Campbella w puszkach, powieszone w rzędzie imitujące wystawę sklepową, trafiły do Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Los Angeles i, o dziwo, niemal natychmiast zostały kupione. Tak więc po raz pierwszy przedmiot jednorazowego użytku umieszczony w białych ścianach muzeum sam stał się eksponatem sztuki.
Nagle świat dobrowolnie zgodził się czcić znaki towarowe, tak jak kiedyś czynił to z Biblią. Można to nazwać donosem stulecia: Warhol nieświadomie sprawił, że Ameryka spojrzała na siebie. Ale nikt nie był przerażony tym, co zobaczył. Ktoś zareagował na ekstrawagancki rodzaj kreatywności jako nieszkodliwy żart, ktoś po prostu nie rozróżnił granic.
Społeczeństwo lat 60. chętnie akceptowało pragnienie, by sztuka nie była uciążliwa i poważna. Repliki wizerunków puszek Coca-Coli symbolem nie tylko epoki, ale i wolności? Z łatwością. Pudełko płatków na honorowym miejscu nad stołem w jadalni? Dlaczego nie? Teraz wielu pozwala sobie na protekcjonalny uśmiech: „Ale to są lata sześćdziesiąte, wtedy tego potrzebowali”. Jednak nawet rzut oka na naszą dekadę wystarczy, aby zobaczyć, że moda i design wciąż z powodzeniem integrują zasady Warhola z masami.
Zasada tego jest fenomenalnie prosta: weź dowolny towar masowej konsumpcji i przedstaw go jako przedmiot intonowania poprzez wielokrotną reprodukcję. Warhol stworzył nawet własną „Fabrykę”, klub bohemy, w którym bliscy zwolennicy zajmowali się produkcją niekończących się kopii metodą szablonową. W ciągu roku „Fabryka” dała Ameryce i światu tysiące (!) absolutnie identycznych wizerunków puszek Coca-Coli, zupy Campbell, dolarów i innych znanych przedmiotów. Na „strumieniu” umieszczano także portrety znanych osobistości: Audrey Hepburn, Jacqueline Kennedy, a nawet Mao i Lenina, tradycyjnie wykonane w kwaśnych barwach.
„Kiedy Picasso umarł, przeczytałem w czasopiśmie, że stworzył w swoim życiu cztery tysiące arcydzieł i pomyślałem: „Spójrz, tyle mogę zrobić jednego dnia”. Widzisz, biorąc pod uwagę sposób, w jaki robię je w mojej technice, naprawdę myślałem, że mogę zrobić cztery tysiące obrazów dziennie. I wszystkie będą arcydziełami, bo to będzie ten sam obraz”., - napisał Warhol w swojej autobiografii „Od A do B i odwrotnie”.
Oczywiście jeden sitodruk na tysiąc wykonał sam Andy Warhol, ale to nie miało większego znaczenia: czy ma znaczenie, kto naciska przycisk start w fabryce płatków zbożowych? Filozofia głównego ideologa pop-artu sprawiała, że sztukę, jak każdy inny produkt komercyjny, można umieścić na taśmociągu. Z drugiej strony artysta może działać nie jako siła robocza, ale jako przedsiębiorca. Pod koniec lat 60. zagorzała feministka Valerie Solanas pojawiła się w Fabryce i trzykrotnie strzeliła Warholowi w brzuch. Przeżył, ale zmuszony do spędzenia trochę czasu w szpitalu, z satysfakcją zauważył, że stworzył coś w rodzaju kinetycznego biznesu. Warsztat z powodzeniem kontynuował pracę bez niego.
Wielkim błędem byłoby szukanie sensu w tego typu biznesie: montaż line art jest całkowicie pozbawiony emocji. I to bynajmniej nie jest atak: sam Andy w wywiadzie na pytanie „Czy wkładasz emocje w swoją pracę?” wzruszył ramionami ze znudzoną miną. "Nie". "Ale jak?"- oburzył się lider. „Jaką emocję chciałbyś zobaczyć w puszce zupy Campbella?” Edie Sedgwick, muza Warhola, uniosła brwi. Hall roześmiał się. Wszyscy rozpaczliwie lubili uznawać pustkę i bezwartościowość egzystencji oraz pustkę puszek.
Pomimo pozornej bezsensowności pop-artu, wciąż można prześledzić pewną filozofię. Wcześniej nawet prostemu laikowi nie przyszło do głowy, że sztuka może być czymś innym niż pojedynczym dziełem, wykonanym w niepowtarzalny sposób autora. Warhol skłonił społeczeństwo kulturalne do zadania pytania: dlaczego sztuka nie miałaby być masowa? Pochodzący z rodziny imigrantów, był szczególnie przywiązany do głównej idei błogosławionej Ameryki: równości.
„Oglądasz telewizję i widzisz Coca-Colę i wiesz, że Prezydent pije Coca-Colę, Liz Taylor pije Coca-Colę i pomyśl tylko, że ty też możesz pić Coca-Colę! Wszystko to jest naprawdę zgodne z amerykańską ideą równości”. stwierdził Warhol.
Rekordy performatywne „Fabryki” osadzone są nie tylko w sferze artystycznej i wizualnej. Oczywiście „romans z telewizją”, jak nazwał to Warhol, przerodził się w produkcję filmową. W ciągu pięciu lat powstało ponad czterysta „Screen Testów” – trzyminutowych filmów, na których przyjaciele, znajomi, przypadkowi goście i celebryci zasiadali w milczeniu przed kamerą artysty. "Co muszę zrobić?"- często padało pytanie. "Nic. Po prostu bądź sobą".
W jaskrawym, kontrastującym świetle i pod baczną obserwacją niektórzy rozglądali się dookoła, inni zaciągali się papierosem. Ktoś ze znudzoną miną przykładał szklankę coca-coli, ktoś żuł gumę. Jane Holzer myła zęby. James Rosenquist obrócił się na krześle. Filmowane ze standardową prędkością filmową, na prośbę Warhola, filmy były wyświetlane z połową szybkości szesnastu klatek na sekundę, nadając obrazowi nieco magnetyczną jakość. Przy braku dźwięku, scenariusza i pomysłu natura bohaterów została bezlitośnie obnażona i ukazana w oderwaniu od kreowanych lub narzucanych przez dziennikarzy wizerunków.
Filmy fabularne były również całkowicie warholowskie. Ośmiogodzinny film ukazujący szczyt Empire State Building, pięciogodzinny sen poety Johna Giorno, trzygodzinna opowieść o przygodach nowojorskich prostytutek, półgodzinny film o prowokacyjnym tytule „Blow Job „pokazuje tylko zbliżenie mężczyzny stojącego pod ścianą i zapalającego papierosa w dwudziestej piątej minucie. Filmy nie zyskały wielkiej popularności, ale nie można im odmówić istotnego wkładu w powstanie kina undergroundowego.
Niezależnie od tego, czym pasjonował się Warhol w poszukiwaniu nowych sposobów przyciągania uwagi i poszerzania granic tego, co ogólnie przyjęte, zawsze szczególny nacisk kładziono na serializację, powtórzenie, akumulację. Dosłownie wszystko, co otaczało artystę, znalazło się w zasięgu kamery 16 mm. Tysiące migawek zostało zrobionych jego polaroidem.
Nie da się zmierzyć długości taśm zawierających nagrania wszystkich rozmów i osobistych przemyśleń. Samo życie stało się skrupulatnym przedmiotem kolekcjonerskim. Kiedy pewnego dnia znajomy, który nie dostał roli w nowym filmie eksperymentalnym, wrócił do domu, przyjął LCD i wyskoczył przez okno, Warhol był oburzony: „Dlaczego mi nic nie powiedział? Moglibyśmy sfilmować jego upadek”.. Dokumentacji fotograficznej, wideo czy audio poddano bez wyjątku wszystko, co się wydarzyło.
W latach osiemdziesiątych, po śmierci Warhola, dziennikarze niczym sępy zaczęli patroszyć jego życie osobiste, które wcześniej skrupulatnie ukrywano. Jeśli kogoś można określić jako „dziwnego”, to Warhol był idealnym kandydatem. Teraz wszyscy chcieli uzyskać wyjaśnienie jego ekscentrycznego wyglądu, radykalnej kreatywności i ekscentrycznych działań. Nagłe odkrycie sześciuset dziesięciu pudeł „śmieci Andy'ego”, jak nazywali go jego asystenci, gdy jeszcze nie znali ich wartości, było prawdziwą kpiną z tych, którzy uczynili sobie obowiązek opowiedzenia nieco więcej o Warholu. Sam Andy wspominał o tych „Kapsułach Czasu” w swoich dziennikach, ale nikt nie mógł sobie wyobrazić, jak kolosalną część swojej codziennej egzystencji zapieczętował w zwykłych kartonowych pudłach.
„Wyobraź sobie, że studiujesz jego biografię, próbując zidentyfikować istotę codziennego życia i czasu, i nagle Warhol daje ci 610 pudełek surowców do pracy. To jest tak dużo, absurdalna kwota, że nie wszystko jest dopięte na ostatni guzik. I tam można znaleźć skarby. Cienki, rzadki sitodruk na płótnie, jeden z pierwszych wykonanych przez Andy'ego Warhola jako artysta, został znaleziony w pudełku pełnym nieotwartej poczty, czasopism, płyt Velvet Underground i mapy wyjaśniającej, jak dostać się na miejsce imprezy . napisała mieszkająca w Nowym Jorku niezależna kuratorka Ingrid Schaffner.
„Kapsuły czasu” są swego rodzaju zbiorową pamięcią lat 70. i 80., ale jednocześnie dowodzą, że żadnego życia nie da się w pełni wyjaśnić, tak jak nie można w pełni wyjaśnić żadnej kolekcji.
To dość ironiczne, że Warhol, który tak bardzo podziwiał celebrytów, nie zauważył, kiedy sam stał się jednym z nich. Znany ilustrator reklamowy, artysta, filmowiec, kolekcjoner, geniusz pop-artu i kina undergroundowego, zyskał sławę większą niż wszystkie jego dzieła. Można to potraktować inaczej: pytanie o to, co ma prawo nazywać się sztuką, jest dziś bardziej dotkliwe niż kiedykolwiek.
„Mówią, że czas wszystko zmieni, ale za każdym razem okazuje się, że wszystko trzeba zmienić samemu”
© Andy Warhol
(Inż. Andy Warhol, 6 sierpnia 1928 - 22 lutego 1987, USA) - założyciel magazynu Interview, twórca i producent zespołu rockowego The Velvet Underground & Nico, artysta, fotograf, reżyser, dziennikarz, kolekcjoner. Kultowa postać w historii ruchu pop-art i sztuki współczesnej.
Biografia i kariera
Dzieciństwo i wczesne lata
Andy Warhol (nazwisko rodowe - Andrey Warhola) urodził się 6 sierpnia 1928 roku w Pittsburghu w USA. Dorastał w religijnej rodzinie słowackich emigrantów Julii Zawatskiej i Andrieja Warhola seniora wraz z dwoma braćmi, Janem i Pawłem. Kiedy Andy miał 9 lat, rodzice dali mu aparat. Następnie wspominał, że „zachwycił go proces strzelania”.
W wieku sześciu lat Andy Warhol uczęszczał na bezpłatne przygotowawcze zajęcia plastyczne w Carnegie Institute of Technology.
Kiedy Andy był w trzeciej klasie, zachorował na szkarlatynę, która doprowadziła do pląsawicy, zaburzenia układu nerwowego, które powoduje mimowolne ruchy kończyn. Rozwinął strach przed lekarzami i szpitalami. Chłopiec nie chodził do szkoły przez wiele miesięcy, po czym stał się wyrzutkiem w klasie. W okresach przykucia do łóżka Andy'ego malował, kolekcjonował zdjęcia gwiazd filmowych, robił kolaże z wycinków z gazet.
W 1942 roku ojciec Andy'ego Warhola zmarł na zapalenie otrzewnej.
W 1945 roku Andy ukończył szkołę Shenley i wstąpił do Carnegie Institute of Technology. Andrei Varhola senior przez całe życie oszczędzał pieniądze na edukację.
Warhol ukończył Carnegie Institute of Technology w 1949 roku z tytułem Bachelor of Fine Arts. W tym samym roku przeniósł się do Nowego Jorku.
Początek kariery
W 1949 roku Andy Warhol zaprojektował okna domu towarowego Josepha Horna. Pod koniec tego samego roku rozpoczął pracę jako ilustrator w magazynach. Zaprojektował kampanie reklamowe dla różnych projektów pocztówek i projektów okładek dla Columbia Records.
Na początku lat pięćdziesiątych Andy Warhol zarabiał około 100 000 dolarów rocznie. W 1952 roku przeniósł się z matką z Pittsburgha do Nowego Jorku. W tym samym roku Warhol otrzymał swoją pierwszą nagrodę Graphic Arts Award od Art Editors Club. W 1952 roku odbyła się tam mała wystawa Andy'ego Warhola. Zawierał piętnaście rysunków do dzieł Trumana Capote, które stały się bestsellerami.
W 1959 roku Andy Warhol zaprezentował swoje prace w Muzeum Solomona Guggenheima.
W latach 1959 - 1963 Andy Warhol wynajął najwyższe piętro budynku znajdującego się na Upper East Side na Manhattanie. Tu pracował, organizował wystawy i przyjęcia.
W 1961 roku Andy Warhol zaczął malować i tworzyć ilustracje w stylu pop-art.
Rozkwit twórczości
W 1960 roku Andy Warhol wyreżyserował ponad 300 filmów eksperymentalnych. Charakteryzowały się brakiem fabuły i odnosiły sukcesy tylko w wąskich kręgach. Wiele filmów było erotycznych, niektóre odtwarzały pewną akcję z życia człowieka. Za najsłynniejsze obrazy uznano „Kinoproby”, „Vinyl”, „Chelsea Girls”.
„Zacząłem kręcić filmy z jednym aktorem. Przez kilka godzin palił, siedział, jadł, spał. Zrobiłem to, bo zdałem sobie sprawę, że widzowie chodzą do kina głównie po to, żeby zobaczyć swojego ulubionego aktora. Dałem im więc taką możliwość”.
W 1961 roku Andy Warhol rozpoczął produkcję zielonych butelek Coca-Coli i puszek z zupą Campbell. Używał techniki sitodruku, za pomocą której można było odtwarzać w nieskończoność te same obrazy. Andy Warhol wyjaśnił dużą liczbę zdjęć butelek Coca-Coli w następujący sposób: „wszyscy konsumują ten produkt - prezydent kraju, Elizabeth Taylor i żebrak, który wie, że jego Coca-Cola nie jest gorsza od prezydenta”. Cechą charakterystyczną jego twórczości stała się monotonna powtarzalność – fotografie i rysunki przedstawiające butelki Coca-Coli zostały zastąpione portretami Elizabeth Taylor, Elvisa Presleya, Audrey Hepburn i innych.Dzieła Andy'ego Warhola zasłynęły na całym świecie jako obiekt sztuki epoki masowej konsumpcji .
„Malowanie puszki samo w sobie nie jest prawdziwą sztuką. Ale to, co pozostaje autentyczne w przypadku Warhola, to to, że poziom produkcji zupy w puszce podniósł do poziomu tworzenia obrazów, nadając im masowy charakter. W swoich pracach reprodukował obraz kultury konsumpcyjnej.
Robert Hughes, historyk sztuki, artysta
W 1962 roku, po śmierci Marilyn Monroe, Andy Warhol stworzył słynny dyptyk Marilyn. Za pomocą sitodruku naniósł na płótno 50 identycznych wizerunków aktorki ze zdjęcia z 1953 roku wykonanego na planie filmu Niagara. Lewą stronę dyptyku stanowiło płótno z 25 kolorowymi wizerunkami Marilyn Monroe, prawa strona imitowała rozmyte negatywy. Panowała opinia, że Andy Warhol kojarzy kontrastowe części płótna z życiem i śmiercią aktorki.
W 1963 roku Andy Warhol kupił budynek na Manhattanie, wyposażył go w studio i nazwał „Fabryką”. Tutaj stworzył około 2000 obrazów. W Fabryce zgromadziło się wielu niezwykłych ludzi, takich jak Edie Sedgwick, Holly Woodlaw, Viva, Gerard Malanga, którzy pomogli mu w tworzeniu nowych projektów.
W 1963 roku Andy Warhol przedstawił serię prac Five Deaths, które łączy temat śmierci i katastrof.
W 1965 roku Andy Warhol pokazywał swoje prace na wystawach w Nowym Jorku, Paryżu, Mediolanie, Turynie, Essen, Sztokholmie, Buenos Aires i Toronto.
W 1966 roku Andy Warhol stworzył zespół rockowy The Velvet Underground & Nico.
Próba zamachu na Andy'ego Warhola
3 czerwca 1968 roku miał miejsce zamach na Andy'ego Warhola. Valerie Solans, feministka, która pracowała w Fabryce, strzeliła mu 3 razy w brzuch. Następnie podeszła do kontrolera ruchu na ulicy, wyciągnęła broń i powiedziała: „Policja mnie szuka. Zastrzeliłem Andy'ego Warhola. Miał zbyt dużą kontrolę nad moim życiem”. Warhol nie zeznawał przeciwko niej. Za „umyślną napaść z zamiarem wyrządzenia szkody” sąd skazał Valerie Solanas na 3 lata więzienia i przymusowe leczenie w szpitalu psychiatrycznym. Andy Warhol uszkodził wszystkie narządy wewnętrzne, do końca życia był zmuszony nosić bandaż. Następnie zrobił zdjęcie, na którym artysta pokazał blizny po operacji.
Magazyn wywiadów
W 1969 roku Andy Warhol założył magazyn . Początkowo publikacja nosiła nazwę inter/View, co w tłumaczeniu oznaczało „między opiniami”. Magazyn był w całości poświęcony tematyce kina. W publikacji publikowane były wywiady z gwiazdami filmowymi i reżyserami, a także recenzje i recenzje.
W połowie lat 70. w obszarze zainteresowań magazynu znalazły się także materiały dotyczące mody, sztuki, muzyki, telewizji i innych aspektów popkultury. Teksty o modelkach i innych celebrytach branży modowej zaczęły regularnie pojawiać się w Wywiadzie. Osobliwością publikacji było to, że to nie dziennikarze przeprowadzali wywiady z gwiazdami, ale inne gwiazdy. Anjelica Huston rozmawiała z Mae West, Bianca Jagger - z, Michael Jackson przeprowadził wywiad z liderem grupy Neptunes, Andym Warholem - z Trumanem Capote. Pomysł „stworzenia atmosfery swobodnej, szczerej rozmowy” przyświecał założycielowi publikacji, stał się znakiem rozpoznawczym magazynu. Wywiad opublikował zdjęcia stworzone przez Francesco Scavullo itp.
Inne projekty Andy'ego Warhola
W 1969 roku Andy Warhol stworzył film Flesh, aw 1970 roku wypuścił film Garbage. W obu utworach pojawił się element parodii kina komercyjnego. W latach 1966-1968 Andy Warhol nakręcił kilka filmów z udziałem Velvet Underground. Wyprodukował także kilka albumów tej grupy oraz zaprojektował okładkę pierwszej płyty.
W latach siedemdziesiątych Andy Warhol zaczął malować portrety na zamówienie. Stworzył zdjęcia Johna Lennona, Michaela Jacksona, Mohammeda Alego, Jane Fondy, Marlona Brando, Grace Jones, Mao Zedonga, Lizy Minnelli itp. Andy Warhol sfotografował klienta na polaroidzie, wybrał najlepsze zdjęcie, powiększył je i przeniósł obraz na płótnie metodą sitodruku. Następnie pomalował płótno farbami olejnymi.
W 1973 roku Andy Warhol zaczął kolekcjonować przedmioty codziennego użytku – listy, gazety, pamiątki, ubrania, pocztówki itp. – i umieszczać je w pudełkach. Nazwał te kolekcje „Kapsułami czasu”.
Do 1987 roku było 610 boksów. Kapsuła czasu znajduje się obecnie w Muzeum Andy'ego Warhola.
W 1975 roku Andy Warhol opublikował Filozofię Andy'ego Warhola. Z A do B i odwrotnie.
W 1979 roku Andy Warhol namalował samochód BMW (model M1).
„Próbowałem narysować, jak wygląda prędkość. Kiedy samochód się porusza, wszystkie linie i kolory są rozmazane”.
W połowie lat 80. MTV wyemitowało programy Andy'ego Warhola - Andy Warhol Television i Fifteen Minutes with Andy Warhol.
22 lutego 1987 roku Andy Warhol zmarł we śnie w Cornwell Medical Center na Manhattanie. gdzie przeszedł operację usunięcia pęcherzyka żółciowego. Jego bracia Paul i John przenieśli ciało do Pittsburgha i pochowali je na terenie katolickiego kościoła Ducha Świętego. Na nabożeństwie żałobnym w katedrze św. Patryka w Nowym Jorku wzięło udział około dwóch tysięcy osób.
Fortunę Andy'ego Warhola oszacowano na 600 milionów dolarów.
W 1989 roku, po śmierci Andy'ego Warhola, ukazały się Pamiętniki, osobiste notatki artysty, które prowadził od lat 60.
Życie osobiste Andy'ego Warhola
Pomimo faktu, że Andy Warhol był osobą publiczną, kluczową postacią drugiej połowy XX wieku, szczegóły jego życia osobistego są nieznane. Za najbliższą mu osobę uważał matkę, z którą przez 20 lat mieszkał w tym samym mieszkaniu na Manhattanie. Nigdy otwarcie nie deklarował swojego homoseksualizmu, ale przyczynił się do rozwoju gejowskiej tematyki kina amerykańskiego. Według wpisów w pamiętniku Andy'ego Warhola nie miał on bliskiego związku ani z kobietą, ani z mężczyzną. Wiadomo o jego pociągu do Trumana Capote, do którego pisał listy miłosne.
„Miłość w fantazji jest znacznie lepsza niż miłość w rzeczywistości. Najbardziej ekscytujące jest to, że zakochujesz się w kimś i nigdy nie uprawiasz z nim seksu. Najbardziej szalona atrakcja jest między dwoma przeciwieństwami, które nigdy się nie spotykają.”
Za życia Andy Warhol używał makijażu, farbował włosy na kolor słomy, nosił peruki z czarnymi pasmami. Będąc właścicielem androgynicznego wyglądu, był czasami fotografowany w kobiecych sukienkach. Andy Warhol miał platoniczne romanse z Edie Sedgwick i modelką Nico.
Filmy o Andym Warholu
- 1995. „Zastrzeliłem Andy'ego Warhola”. Film oparty jest na prawdziwym wydarzeniu – zamachu Valerie Solans na Andy'ego Warhola.
- 2001. „Andy Warhol: gotowy obraz”. Dokument o twórczości Andy'ego Warhola.
- 2001. „Absolutnego Warhola”. Dokument o życiu Andy'ego Warhola i jego rodziny.
- 2006. „Uwiodłam Andy'ego Warhola” („Dziewczyna z fabryki”). Zdjęcie przedstawia związek Andy'ego Warhola i jego muzy Edie Sedgwick.
Muzeum Andy'ego Warhola
W 1994 roku w Pittsburghu otwarto siedmiopiętrowe muzeum poświęcone życiu i twórczości Andy'ego Warhola. W galeriach znajduje się około 900 obrazów, 77 rzeźb, 4000 fotografii, 4350 filmów. Przechowywane są tu także oryginały jego wpisów do pamiętnika, peruk itp. Muzeum corocznie organizuje wystawy zwiedzające w różnych krajach świata.
Komercyjna wartość Andy'ego Warhola
W 1995 roku seria obrazów „Campbell's Soup Can” została sprzedana nowojorskiemu Museum of Modern Art za 14 500 dolarów.
W 2004 roku Dyptyk Marilyn zajął trzecie miejsce na liście 500 wybitnych dzieł sztuki współczesnej The Guardian. Obraz jest obecnie wystawiany w Tate Gallery w Liverpoolu.
W 2006 roku na aukcji sprzedano 1010 dzieł Andy'ego Warhola za łączną kwotę 199 milionów dolarów.
W 2008 roku płótno Eight Elvis zostało sprzedane za 100 milionów dolarów.
W 2010 roku łączna wartość sprzedaży prac Andy'ego Warhola przekroczyła 300 milionów dolarów.
W 2011 roku Campbell's Can of Soup, jeden z pierwszych obrazów Warhola, został sprzedany na aukcji w Christie's za 10 milionów dolarów.
W 2012 roku Andy Warhol sprzedał na aukcji 380 milionów dolarów.
W 2013 roku najlepiej sprzedającymi się dziełami są prace Andy'ego Warhola. Drugie miejsce zajmują obrazy Pabla Picassa.
Interpretacja pop-artowych obrazów Andy'ego Warhola w XXI wieku
W 2011 roku firma Campbell Soup Company wydała limitowaną edycję zup Campbell's Canned Soups. Jego premiera zbiegła się w czasie z pięćdziesiątą rocznicą pojawienia się tytułowej serii obrazów Andy'ego Warhola. Na cześć tej daty stworzono cztery opcje pakowania. Wszystkie puszki zostały pomalowane na kolory czerwony, niebieski, niebieski, zielony, żółty - to są odcienie, których Andy Warhol używał w swoich pracach. Produkty prezentowane były w amerykańskiej sieci sklepów Target w cenie 75 centów za puszkę.
Opakowanie zostało ozdobione wizerunkami muz Warhola i cytatami. Koszt produktów kosmetycznych wahał się od 35 do 75 dolarów.
W 2012 roku w grudniowym numerze Dujour ukazała się sesja zdjęciowa poświęcona Warholowi i jego muzom. przymierzył zdjęcia Edie Sedgwick, Nico, Candy Darling i samego Andy'ego.
Wywiad z Andym Warholem dla Glenna O'Briena (czerwiec 1977, opublikowany w magazynie Interview)
IŚĆ.: Jakie było twoje pierwsze dzieło sztuki?
EW: Wycinam papierowe lalki.
IŚĆ.: Ile miałeś lat?
EW: Siedem.
IŚĆ.:Czy miałeś dobre stopnie w szkole plastycznej?
EW: Tak, a nauczyciele mnie kochali.
IŚĆ.:Czy powiedzieli, że masz naturalny talent?
EW: Coś w tym stylu. Nienaturalny talent.
IŚĆ.: Czy zajmowałeś się plastyką w szkole?
EW: Często chorowałem, więc aby nadrobić zaległości w programie, poszedłem do letniej szkoły. Miałem jedną lekcję plastyki.
IŚĆ.: Jak się bawiłeś, gdy byłeś nastolatkiem?
EW: Nie próbowałem się bawić. Tylko raz byłem na koncercie Franka Sinatry.
IŚĆ.: Jak zdecydowałeś, że zostaniesz artystą i przeprowadzisz się do Nowego Jorku?
EW: Dostałem się do Carnegie Tech. Philip Pearlstein jechał na wakacje do Nowego Jorku i pojechałem z nim. Wzięłam torbę i wsiedliśmy do autobusu. Pokazaliśmy portfolio po Nowym Jorku i liczyliśmy na znalezienie pracy. Tina Fredericks, która pracowała dla magazynu Glamour, powiedziała, że zatrudni mnie, gdy tylko skończę szkołę średnią. To była moja pierwsza praca.
Oficjalna strona: www.warholstars.org
Oficjalna strona w języku rosyjskim: www.andy-warhol.ru
strona internetowa muzeum: www.warhol.org
Strona Fundacji: www.warholfoundation.org
Jeśli kiedykolwiek widziałeś obrazy Andy'ego Warhola, nigdy ich nie zapomnisz. Gdzieś w głębokich półkach twojej podświadomości pozostaną wspomnienia tych niezwykłych, bardzo żywych obrazów. Ale nie każdy, kto widział jego obrazy, wie, kim jest Andy Warhol.
Spróbujmy więc zanurzyć się w cudowny świat Artysty i jeśli nawet nie rozwikłać jego osobowości, to przynajmniej poczuć niepokojące błony jego duszy.
Mówienie o tym, gdzie się urodził, studiował, mieszkał, jest banalne. Ale potrzebna jest przynajmniej krótka informacja. Trzy kraje uważają tego niezwykłego artystę za swojego - Ameryka, Słowacja, Ukraina. Ale prawdopodobnie jedno można jednoznacznie powiedzieć - twórcze dziedzictwo Andy'ego Warhola nie należy do konkretnego kraju, ale do świata.
Andy (Andrei Vargola) urodził się w Pistburgu w rodzinie Rusinów z Karpat. Jego matka Julia Vargole miała wtedy 36 lat. Ojciec przyszłego artysty pracował w firmie budowlanej. Andy był najmłodszym dzieckiem, rodzina miała jeszcze dwóch starszych synów. Od 4 do 8 roku życia Andy cierpiał na szereg poważnych chorób, wśród których najcięższą była choroba „tańca św. Wita”. Z tego powodu, częściej latem, cierpiąc na napady padaczkowe, Andy był zmuszony spędzać całe dnie w łóżku, bawiąc się rzeźbionymi lalkami i słuchając radia. Matka rysowała różne obrazy dla Andy'ego, co zaszczepiło w jej synu zamiłowanie do rysowania. Nieco później, z własnych zarobków, Julia kupiła synowi mały projektor filmowy, za pomocą którego mógł oglądać historie na obrazach bezpośrednio na ścianie swojego pokoju.
Tak więc, jako dziecko, kreatywność Andy'ego zaczęła się powoli rozwijać. Od dziewiątego roku życia chłopiec zaczął uczęszczać na bezpłatne kursy plastyczne. Po ukończeniu studiów młody człowiek wstąpił do Carnegie Institute of Technology na wydziale rysunku i projektowania. Tam uczeń zajmował aktywną pozycję życiową - chodził na przyjęcia, do orkiestr symfonicznych, interesował się baletem.
Twórczość artysty jest postmodernistyczna, nieskrępowana, swobodna.
„Nagi król”, moda i film
W czym tkwi sekret twórczości Warhola? Dlaczego te rzekomo proste obrazy są nadal znane na całym świecie? Jego twórczość: odważna, skandaliczna, chwytająca moment, wielowarstwowa, undergroundowa, trójwymiarowa, stworzona w stylistyce filmu. Jest taka teoria: narysuj coś szalonego, niezrozumiałego, a staniesz się sławny. To zasada „nagiego króla”, kiedy nikt nie rozumie podtekstu, „przekazu”, który jest osadzony w dziele. A z powodu nieporozumień jest uważany za wysokie, niesamowite, arcydzieło. Jest to typowe dla Czarnego kwadratu Malewicza. Ale ta zasada nie ma zastosowania do prac Warhola.
Andy żył w modzie, popkulturze i kinie. Już w młodości artysta tworzył szkice futurystycznych, bardzo jasnych butów na obcasach. To były pomysły projektowe. Główną atrakcją były zakrzywione linie, dzięki którym koneserzy rozpoznali „styl Warhola” w projektowaniu. Jego pasją była moda. Być może nawet otaczającą artystę rzeczywistość postrzeganą przez podświadome okulary modnych okularów. Był homoseksualistą i nie ukrywał tego. Dlatego jeszcze łatwiej było zrozumieć trendy w modzie. To było w jego chromosomach, w jego duszy.
Ważnym aspektem jego istoty była także kinematografia. Film stał się środkiem pojmowania świata, rozumienia rzeczywistości. Andy trzymał rękę na pulsie życia. Świadczą o tym jego obrazy: „Krzesło elektryczne”, „Rasistowskie zamieszki”, „Zupa Kens” i wiele innych obrazów, które odzwierciedlały obecną rzeczywistość. Przedstawiał wydarzenia na fotografiach z niezwykłą kombinacją kolorów, z rozmytymi liniami. Nie tak, jak wszyscy to widzieli. Artysta niejako przykuwa naszą uwagę, zmusza do zastanowienia się nad zjawiskami codzienności, do próby zrozumienia ich w inny sposób. I być może przerażony. Krzesło elektryczne, nietolerancja rasowa, półprodukty – wszystko to było charakterystyczne dla ówczesnego społeczeństwa amerykańskiego. A zwykli ludzie nie zwracali już na to większej uwagi, martwili się o własne życie, własne problemy. Andy zaapelował do każdego serca i nietrudno było rozpoznać jego „przesłanie”. Tworzył jednocześnie sztukę masową i elitarną.
Szczere i „malowane” gwiazdy popu
Mimo to najsłynniejsze obrazy Andy'ego to portrety gwiazd muzyki pop, wykonane w jego zwykłej technice „kolorowania zdjęć”. Najbardziej znane z tej serii to wizerunki Marilyn Monroe i Elvisa Presleya. Artysta niejako zagląda w duszę ludzi, których przedstawia. A jeśli przyjrzysz się uważnie, możesz poczuć całą tragedię osobowości Marilyn Monroe. Jaskrawo pomalowana, z różową twarzą, wygląda nieszczęśliwie. Prawda jest ukryta w oczach. Spod rzęs wyglądają jakby zawstydzone, oszołomione. Być może Merlin nigdy nie odnalazł sensu życia. A ten puder, nadmiar farby na twarzy to tylko maska, za którą kryje się prawdziwa esencja gwiazdy, której nikt nie chciał zobaczyć. To samo z wizerunkiem Elvisa. Wykonany jest w ciemniejszej kolorystyce, w kolorze szarym. Często obraz jest w połowie wymazany. Piosenkarz wycelował pistolet w widza, jego twarz jest zniekształcona. Może Elvis chce się bronić?
15 klatek portretu "na żywo".
Nic dziwnego, że przy takim postrzeganiu świata artysta tworzył także kino. I ten film również zadziwił świat! Na przykład portrety ludzi. Andy kręcił nieruchomą osobę przez trzy minuty, a następnie zmontował to w taki sposób, że było 15 klatek na sekundę. Obraz był powolny, jakoś surrealistyczny. W ten sposób można zrozumieć osobę, były to „żywe” portrety. Albo monotonny kadr na 8 godzin. Było tu wszystko: kolor, ruch chmur, przestrzeń, nawet przelatujący samolot. Ale kamera się nie poruszyła. Właśnie obejrzeliśmy kawałek świata, jak dokładnie w tym miejscu zaczyna się poranek, mija dzień, zapada zmierzch. To był czar rzeczywistości. Nie wszystkim udało się zrozumieć ten film, to prawdziwy art house. Ale teraz Andy jest porównywany do impresjonistów. Kiedy Monet również „bawił się kolorem”, malując fasadę katedry w Rouen. Malował budynek o różnych porach dnia. I za każdym razem zdjęcie wychodziło inaczej.
Andy Warhol to nie tylko artysta, on sam jest sztuką. Nie bał się eksperymentów, szalonych pomysłów, nie bał się pokazać światu. Artysta nie jest tylko ucieleśnieniem postmodernizmu, zrobił wiele dla rozwoju tego nurtu. I niech ktoś powie, że jego praca jest nienormalna, niemoralna, nieciekawa. Ale ci, którzy nie boją się łamać stereotypów, kładą nowy fundament pod sztukę, zwykle pozostają w pamięci pokoleń. Standard, stereotyp, poprawność to nie sztuka, to tylko surogat, który narzucił nam socrealizm. nie ma ograniczeń dla ludzkiego potencjału, ponieważ wszyscy czerpiemy inspirację z bezkresnych głębi kosmosu, z którym faktycznie jesteśmy połączeni. „Nieświadomość zbiorowa” jest w każdym z nas, ale nie każdy potrafi w pełni usłyszeć ten głos.
