Tył do przodu
Uwaga! Podgląd slajdu służy wyłącznie celom informacyjnym i może nie odzwierciedlać pełnego zakresu prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany tą pracą, pobierz pełną wersję.
Obecnie wszystkie dziecięce szkoły muzyczne i artystyczne w Rosji przechodzą na nowe standardy nauczania. Programy edukacyjne zaczęto dzielić na przedzawodowe i ogólnorozwojowe. A jeśli dzieci, które uczą się w ramach programów przedzawodowych, otrzymują dogłębną wiedzę ze wszystkich przedmiotów, to wiedza dzieci, które opanowują programy ogólnorozwojowe, jest bardzo powierzchowna. Zwłaszcza na przedmiotach teoretycznych, bo. Zgodnie z programami nauczania, zamiast pełnoprawnych zajęć z „Solfeggio”, „Literatura muzyczna”, „Teoria muzyki”, „Analiza form muzycznych”, uczniowie realizują przedmiot „Muzyka i środowisko” (1 godzina tygodniowo).
Przy wykonywaniu utworów w swojej specjalności studenci muszą posiadać przynajmniej elementarną wiedzę o epokach muzycznych, stylach, bo. wiedza ta jest bardzo ważna dla poszerzania horyzontów, kształtowania aktywności poznawczej uczniów i podtrzymywania zainteresowania nauką. Lekcje w szkole muzycznej powinny być ciekawe, kolorowe, pouczające, a co najważniejsze zapadające w pamięć.
Tu jest główny bramka lekcja-wykład: promowanie kształtowania się pomysłów uczniów na temat walorów estetycznych poprzez zapoznanie się z epokami muzycznymi.
Aby osiągnąć ten cel, konieczne jest rozwiązanie następującego problemu zadania lekcja:
- zapoznanie studentów ze stylami „baroku”, „klasycyzmu” i „romantyzmu”;
- dać wyobrażenie o brzmieniu światowych arcydzieł powstałych w tych epokach;
- skonsolidować i uogólnić wiedzę.
Podczas zajęć
Slajd 1. Muzyka towarzyszy człowiekowi od pierwszych dni i przez całe życie. Słuchamy go od momentu przebudzenia, w ciągu dnia i zasypiania przy dźwiękach muzyki. Słyszymy to cały czas: w drodze, na wakacjach, w pracy... Muzyka może poprawiać humor, inspirować, ale może też wprowadzać w stan melancholii, żalu czy cichego smutku. Muzyka, jako jedna z form sztuki, skierowana jest przede wszystkim do duszy ludzkiej.
Czym jest muzyka? Muzyka to sztuka dźwięków. Naukowcy udowodnili, że starożytni ludzie przetrwali epokę lodowcową i stali się dominującym gatunkiem na planecie, ponieważ posiadali zdolność tworzenia: przekazywania i tworzenia dźwięków, kolorów, tworzenia obrazów wizualnych i dźwiękowych .
Muzyka rozwijała się równolegle z innymi sztukami, więc ma wiele wspólnego z malarstwem, architekturą, rzeźbą, literaturą i teatrem.
Sztuka, a przede wszystkim muzyka różnych epok, odzwierciedlała swoje czasy i wyrażała się w określonym stylu artystycznym.
Muzyka nie zawsze była taka, jaką znamy teraz. Dziś zapraszamy na muzyczną podróż w czasie i poznanie niektórych stylów muzyki klasycznej.
Slajd 2. Pierwszy przystanek - era barokowy.
Epoka barokowy (od it. barocco - „dziwny”, „dziwaczny”), który powstał na przełomie XVI i XVII wieku. - jeden z najbardziej znaczących w historii rozwoju człowieka. W tym czasie narodziły się nowe style i nurty w sztuce: literatura, muzyka, malarstwo, architektura. Epoka baroku odrzuca naturalność, uważając ją za ignorancję i dzikość.
Slajd 3. Na przykład w tym czasie kobieta powinna być nienaturalnie blada, nosić perukę z falbankami, obcisły gorset i za dużą spódnicę.
Slajd 4. Mężczyzna w peruce bez wąsów i brody, pudrowany i perfumowany.
Styl ten charakteryzuje się wyrazistością, dramatyzmem, widowiskowością, powagą, przepychem, chęcią łączenia różnych rodzajów sztuki. Cechy te w pełni ujawniły się w operze, w której połączono muzykę, poezję, dramaturgię i malarstwo teatralne.
Slajd 5. Pierwsze dzieła nowego gatunku, które do nas dotarły, to dwie opery pod tym samym tytułem „Eurydyka”, kompozytorzy Jacopo Peri i Giulio Caccini stworzony na fabule mitu o Orfeuszu.
Opera zaczęła się szybko rozwijać, powstały różne szkoły operowe. Na przykład w Szkole Operowej w Neapolu rozwinął się styl wokalny bel canto (włoski bel canto - „piękny śpiew”), który słynął z niezwykłego piękna dźwięku, melodii i perfekcji technicznej.
W epoce baroku zmieniła się koncepcja muzyki kościelnej. Były prace napisane na tekstach lub fabułach, ale nie przeznaczone do obowiązkowego wykonywania w kościele. Należą do nich kantaty, oratoria.
Slajd 6. Jest mistrzem monumentalnego oratorium tamtych czasów Georga Friedricha Haendla (1685-1759), niemiecki kompozytor i organista. Stworzył nowy typ oratorium, rozmachu w skali, demokratyczny w języku muzycznym. Oratoria Haendla wywarły znaczący wpływ na twórczość kompozytorów europejskich.
W epoce baroku polifonia, która dominowała w muzyce renesansu, zaczęła ustępować miejsca homofonii (z greckiego „homos” – „jeden” i „tło” – „dźwięk”. W przeciwieństwie do polifonii, gdzie wszystkie głosy są równe, jeden głos wyróżnia się w homofonii, a pozostałe pełnią rolę akompaniamentu. Dało to impuls do rozwoju muzyki instrumentalnej, powstania nowych gatunków, a przede wszystkim koncertu instrumentalnego.
Slajd 7. Jeden z wybitnych mistrzów muzyki skrzypcowej pracował w gatunku „Concerto Grosso” - wielki koncert Antonio Vivaldiego (1678-1741), który napisał 465 koncertów. Koncerty A. Vivaldiego składają się z 3 części - szybkich skrajnych części i wolnej części środkowej. Wiele koncertów A. Vivaldiego ma program, na przykład cykl koncertów „Pory roku”.
Dodatek 1. A. Vivaldi „Pory roku”: „Zima” 1 godz.
Slajd 8. Przedstawicielem niemieckiej szkoły baroku jest Jana Sebastiana Bacha (1685-1750) - największa postać światowej kultury muzycznej. Jego twórczość jest jednym ze szczytów myśli filozoficznej w muzyce. Swobodnie przekraczając cechy nie tylko różnych gatunków, ale i szkół narodowych, Bach stworzył nieśmiertelne arcydzieła, które stoją ponad czasem.
Dodatek 2. I.S. Bach Toccata i fuga w d-moll
Jako ostatni (obok G. F. Haendla) wielki kompozytor epoki baroku podsumował dorobek sztuki muzycznej okresu przejściowego od baroku do klasycyzmu.
Slajd 9. Następny przystanek - epoka klasycyzm .
Styl artystyczny klasycyzm od łac. Classicus-„wzorowy”, „doskonały” powstał w XVII wieku we Francji. Opierając się na ideach regularności, racjonalności porządku świata, mistrzowie tego stylu dążyli do idealnych, wyraźnych i surowych form, harmonijnych obrazów. Klasycyzm pod wieloma względami przeciwstawiał się barokowi z jego pasją, zmiennością i niekonsekwencją. Podobnie jak sam człowiek, sztuka klasycyzmu była afirmująca życie i jasna. W tym czasie w muzyce zachodnioeuropejskiej ukształtowały się „wzorowe” struktury dla całej późniejszej historii sonaty i symfonii.
slajd 10. forma sonatowa- taka jest zasada prezentacji materiału muzycznego, polegająca na interakcji tematów i obrazów artystycznych. Tematy – główny i drugorzędny – albo są sobie przeciwstawne, albo się uzupełniają. Opracowanie tematów przebiega przez trzy etapy - ekspozycję, opracowanie i podsumowanie. Wątki pojawiają się w ekspozycji, dalszy rozwój tematów następuje w opracowaniu. Rekapitulacja jest wynikiem złożonej ścieżki, do której doszły tematy wzbogacone przez rozwój w ekspozycji i rozwoju. Wyniki rozwoju są czasami ustalane w dodatkowej sekcji - kodzie, ale jest to opcjonalne.
Slajd 11. Symfonia- najbardziej złożona forma muzyki instrumentalnej. Wykonywane przez orkiestrę symfoniczną. Kompozytorzy klasycyzmu wiedeńskiego (Haydn, Mozart, Beethoven) opracowali cykl sonatowo-symfoniczny składający się z czterech części różniących się charakterem muzycznym, tempem i sposobem opracowania tematu.
Pierwsza część wykonywana była zwykle w szybkim tempie, wypełniona treścią dramatyczną, zapisana w formie sonatowej. Druga część jest powolna, kontemplacyjna - to liryczny środek kompozycji. Część trzecia jest ruchoma, ma charakter taneczny lub zabawowy (menuet lub scherzo). Część czwarta Finał, zwykle szybki, podsumowuje rozwój obrazów i tematów całej symfonii.
Slajd 12. W operze XVII wieku. klasycyzm jest reprezentowany przez dzieła Christopha Willibalda Glucka (1714-1787), który stworzył nową interpretację tego typu sztuki muzycznej i dramatycznej. Wrodzony instynkt dramaturga i poczucie niezadowolenia z opery seria, z jej kultem wirtuozowskich śpiewaków, kierują kompozytora w stronę dramatu muzycznego, ku antycznemu wzorowi.
Pierwszymi operami powstałymi według nowych zasad były Orfeusz i Eurydyka (1762), Parys i Helena (1770). Libretto do tych oper napisał poeta i dramaturg Ranieri da Calzabidgi, był to pierwszy przykład współpracy autora muzyki z librecistą w procesie tworzenia opery, zanim kompozytorzy pisali muzykę do gotowych i oddzielnie wydawanych libretta. Do swoich oper Gluck z reguły wybierał starożytne wątki, w których śpiewano wyczyn w imię miłości i spełnienia obowiązku. Kompozytor zwrócił główną uwagę na słowo. Starał się, aby muzyka dokładnie oddawała ducha i nastrój tekstu poetyckiego. Ważną rolę w operach Glucka odgrywały recytatywy, wybrzmiewające zawsze przy akompaniamencie orkiestry (w przeciwieństwie do „secco” – recytatywów operowych – „seria”), którym towarzyszył klawesyn. Główna linia melodyczna utrzymana jest w ariach. Wzrosła rola orkiestry. Główne idee zostały już nakreślone w uwerturze. W utworach Glucka pociągała go klarowność rozwoju dramatycznego, integralność obrazów, klasyczny rygor i wyrazistość muzyki, naturalność i piękno melodii, szlachetność uczuć bohaterów.
Szczytem rozwoju klasycyzmu muzycznego była praca J. Haydna, V.A. Mozarta i L. Beethovena, którzy działali głównie w Wiedniu i ukształtowali kierunek w kulturze muzycznej – wiedeńską szkołę klasyczną.
Slajd 13. Z kreatywnością Józef Haydn (1732-1809) wiąże się z rozkwitem takich gatunków jak symfonia (ma ich 104), kwartet smyczkowy, sonata clavier. Kompozytor wiele uwagi poświęcił koncertom na różne instrumenty, zespołom kameralnym oraz muzyce sakralnej. Kompozytorom wiedeńskiej szkoły klasycznej, a przede wszystkim Haydnowi przypisuje się ukształtowanie stabilnego składu orkiestry. Brzmienie instrumentów muzycznych zostało sprowadzone do ścisłego systemu, który przestrzegał zasad instrumentacji, opartych na znajomości możliwości instrumentów.
Slajd 14. Kreatywność Wolfganga Amadeusza Mozarta (1756-1791) zajmuje szczególne miejsce w wiedeńskiej szkole klasycznej. W jego pracach klasyczny rygor i klarowność formy łączył się z głęboką emocjonalnością.
Mozart zwracał szczególną uwagę na operę, ale nie dążył, wzorem Glucka, do stworzenia nowej formy operowej - sama jego muzyka była nowatorska. W utworach dojrzałych kompozytor zrezygnował z ścisłego podziału na operę poważną i komiczną – pojawiło się widowisko muzyczno-dramatyczne, w którym te elementy się przeplatają („Wesele Figara”, „Don Giovanni”, „Czarodziejski flet”).
Dodatek 3. V.A. Mozart Aria Królowej Nocy z opery „Czarodziejski flet”, napisana w stylu bel canto.
Mozart przywiązywał dużą wagę do symfonii, szczególnie popularne są trzy ostatnie - nr 39, nr 40 i nr 41 „Jowisz”. W utworach tego gatunku ustalono ostatecznie 4-głosowy cykl i zasady formy sonatowej.
Mozart stał się jednym z twórców gatunku koncertu klasycznego. Dzieła fortepianowe obejmują 19 sonat, a także kompozycje z gatunku fantasy. Tworzył także dzieła duchowe: msze, kantaty, oratoria, requiem.
Slajd 15. Ostatnim przedstawicielem wiedeńskiej szkoły klasycznej był Ludwiga van Beethovena (1770-1827). Światopogląd Beethovena ukształtował się pod wpływem idei oświecenia i rewolucji francuskiej. Muzycznie jego twórczość z jednej strony kontynuowała tradycje klasycyzmu wiedeńskiego, z drugiej zawierała cechy sztuki nowej, romantycznej (odważne eksperymentowanie w symfoniach i sonatach, zainteresowanie miniaturami wokalnymi i instrumentalnymi oraz programowaniem). W ciągu swojego życia kompozytor napisał dziewięć symfonii, trzydzieści dwie sonaty na fortepian, a także na skrzypce i wiolonczelę, szesnaście kwartetów smyczkowych, operę Fidelio, pięć koncertów fortepianowych. IX Symfonia jest słusznie uważana za szczyt twórczości symfonicznej. Symfonia ma imponującą skalę, szczególnie niezwykły jest finał, który jest czymś w rodzaju wielkiej kantaty na chór, solistów i orkiestrę, napisanej do tekstu hordy ku uciesze I.F. Schillera.
Slajd 16 romantyzm.
Na przełomie XVIII i XIX wieku w sztuce europejskiej pojawił się nowy kierunek - romantyzm (fr. romantisme), w powstaniu którego ogromną rolę odegrała rewolucja francuska z 1789 roku. Przyniosła ludziom rozczarowanie i beznadziejność, bo. to, o co walczyli rewolucjoniści, nie spełniło się. Rzeczywistość była ponura, więc romantycy szukali ukojenia w świecie snów. Głównymi tematami są samotność, odległa przeszłość, sen, baśń. Romantycy interesują się duszą ludzką, jej namiętnościami i przeżyciami.
Społeczeństwo filistrów, kupców, zwykłych mieszkańców dyktowało swoje upodobania sztuce muzycznej, co doprowadziło do powstania „lekkich” gatunków. Piosenka i romans były szeroko rozwinięte.
Wiodącym gatunkiem jest miniatura, często o określonej nazwie. W małym instrumentalnym utworze-miniaturze można było uchwycić ulotne uczucia, głęboki szok emocjonalny, chwilowy nastrój i szkic z natury.
Ważnym środkiem kreowania obrazu muzycznego stał się program werbalny ujawniający treść utworu. Czasami muzyka była pisana jako ilustracja do dzieła literackiego lub malarstwa. Czasami sam kompozytor układał fabułę muzyki instrumentalnej i umieszczał ją w specjalnym objaśnieniu do partytury.
Kompozytorzy romantyczni często zwracali się ku folklorowi, wykorzystując intonacje, rytmy, motywy tańców i pieśni ludowych.
Kompozytorzy romantyczni byli przekonani, że poprzez edukację muzyczną można zmienić świat i człowieka, dlatego wiele wysiłku poświęcali publicystyce i działalności edukacyjnej. Starali się osobiście wpłynąć na dużą publiczność i zostali wykonawcami lub dyrygentami. To romantycy stworzyli system publicznych koncertów w Europie.
Slajd 17. Austriacki kompozytor stał się pierwszym przedstawicielem romantyzmu Franciszka Schuberta (1797-1828) W swoim krótkim życiu kompozytor stworzył ponad 1000 kompozycji. Muzyka instrumentalna Schuberta związana jest z tradycjami wiedeńskiej szkoły klasycznej. Kompozytor napisał dziewięć symfonii. VIII Symfonia z podtytułem „Niedokończona” (1822) to jedno z najbardziej uderzających dzieł nie tylko w twórczości Schuberta, ale także w światowej muzyce symfonicznej. Ale za życia zyskał uznanie tylko jako autor tekstów, a jego symfonie, sonaty, miniatury fortepianowe zostały na długo zapomniane.
Dodatek 4 F. Schuberta „Pszczoła”.
Schubert napisał ponad 600 pieśni. Każda z nich to opowieść o osobie zdolnej do silnych, szczerych uczuć. Główna część piosenek poświęcona jest miłości, ale wśród nich są szkice krajobrazowe i rodzajowe (na przykład „Pstrąg”), romantyczne legendy (ballada „Król lasu” do wierszy niemieckiego poety I.W. Goethego). W pieśniach duże znaczenie ma partia fortepianu, który zdaje się być całkowicie podporządkowany głosowi, to instrument, który przekazuje te uczucia i emocje, których nie da się wyrazić słowami. Cykle wokalne „Piękny młynarz” i „Zimowa droga” to szczyt twórczości F. Schuberta.
Slajd 18. Kolejnym przedstawicielem romantyzmu jest kompozytor Roberta Schumanna (1810-1856). W swojej twórczości kompozytor przywiązywał dużą wagę do muzyki fortepianowej. Jeden po drugim słynne cykle fortepianowe „Wariacje” (1830), „Motyle” (1831), „Karnawał” (1835), „Utwory fantastyczne” (1837), a także „Sceny dziecięce”, „Kreislerowskie”, „ nowele”. Kompozytor pisał muzykę psychologiczną, daleką od motywów folklorystycznych. Prace Schumanna są czymś „osobistym”. Harmonijny język jego dzieł jest bardziej złożony niż język jego współczesnych. Rytm twórczości Schumanna jest dość kapryśny i kapryśny.
Kompozytor zwrócił się także ku muzyce wokalnej. Centralne miejsce w dorobku wokalnym Schumanna zajmują dwa cykle „Miłość i życie kobiety” oraz „Miłość poety”.
Dodatek 5. R. Schumann „Nie gniewam się” z cyklu „Miłość poety”.
slajd 19. Fryderyk Chopin(1810-1849) – kompozytor romantyczny, założyciel polskiej narodowej szkoły kompozytorskiej. F. Chopin jest kompozytorem wyjątkowym, gdyż tworzył praktycznie wyłącznie muzykę fortepianową. Cechą charakterystyczną stylu „Chopin” jest połączenie kameralnej liryki, poetyckiej improwizacji z błyskotliwą wirtuozerską techniką. Styl kompozytorski Chopina charakteryzuje synteza tradycji romantycznej i klasycznej. Odwoływanie się do ludowych korzeni: stosowanie ludowych trybów, rytmów i harmonizacji. Fortepian często „naśladuje” orkiestrę ludową. Wiele kompozycji fortepianowych kompozytora ma melodię elegijną. Chopin stworzył wiele utworów w rytmie polskich tańców ludowych i miejskich (mazurek, polonez, walc).
Dodatek 6. F. Chopin Nokturn Es-dur.
Slajd 20. Opera w epoce romantyzmu rozwijała się dwutorowo – poprzez rozwój i odnowę tradycji ( Giuseppe Verdiego (1813-1901) we Włoszech, Jerzego Bizeta (1838-1875) we Francji) i poprzez reformę ( Richarda Wagnera (1813-1883) w Niemczech).
Opery Verdiego i Bizeta podsumowywały najlepsze dokonania opery włoskiej i francuskiej, znacząco aktualizując ich treść. Najważniejsze są nowi bohaterowie. Nie są to postacie mitologiczne i historyczne, ale zwykli ludzie, często „poniżani i znieważani”. Błazen w Rigoletcie, kurtyzana w Traviacie Verdiego, pracownik fabryki tytoniu i żołnierz w Carmen Bizeta. Ale to ich życiowe historie stają się podstawą fabuły, to ich uczucia i pasje wczuwają się w słuchacza. Jednocześnie charaktery bohaterów ujawniają się w dramatycznych, wręcz tragicznych warunkach.
Opery Verdiego i Bizeta są przykładami liryki psychologicznej w muzyce, łączącej w sobie cechy sztuki romantycznej i realistycznej.
Slajd 21. R. Wagnera- największa postać w historii muzyki XIX wieku. Jego osobowość i twórczość wywołały gorące dyskusje, które trwają niemal do dziś. Całe jego życie koncentrowało się na jednym – tworzeniu tego, co sam nazwał „dziełem sztuki przyszłości”.
Zasady reformy operowej R. Wagnera (sformułowane przez niego w licznych pracach teoretycznych, np. „Opera i dramat”):
1) Proces komponowania rozpoczyna się od sformułowania idei artystycznej.
2) Kompozytor i dramaturg to jedna osoba. Jest właścicielem pomysłu, pisze zarówno tekst, jak i muzykę do swojej opery. To jest w całości jego dzieło.
3) Fabuła oparta jest na mitach i legendach. To w nich można znaleźć idee wieczne, które przeszły wielowiekową próbę czasu, co oznacza, że są to idee zawsze aktualne.
4) Kompozytor rozwija język muzyczny, który stałby się „zmysłowym wyrazem myśli”.
Słuchacz nie tylko cieszy się pięknymi harmoniami, ale czyta muzykę jak tekst. W tym celu stosuje się system motywów przewodnich. Motyw przewodni (tj. powtarzający się motyw) może symbolizować uczucie (miłość, cierpienie), pojęcie (pokusa, los, śmierć), przedmiot (magiczny miecz, pierścień mocy), zjawisko naturalne (burza). Układając te motywy przewodnie w różnych sekwencjach, powtarzając je i zmieniając, kompozytor kieruje myślą słuchacza.
Ciekawe, że każda z reformistycznych oper Wagnera, mimo uogólnienia treści mitologicznych i doniosłości idei filozoficznych, ożywiona jest głęboko osobistymi przeżyciami, tj. oparty na motywach autobiograficznych. I to zdradza w nim typowego romantycznego artystę.
To już koniec naszej muzycznej podróży. Pokrótce zapoznaliśmy się z niektórymi z najważniejszych dla rozwoju sztuki epok. Mały quiz pomoże nam podsumować naszą podróż.
Slajdy 22, 23. Pytania i odpowiedzi:
Jakie epoki znamy dzisiaj? (barok, klasycyzm, romantyzm)
Jak nazywa się operowy styl wokalny, który słynął z niezwykłego piękna brzmienia, melodii i perfekcji technicznej? (bel canto - "piękny śpiew")
Jaka jest różnica między muzyką polifoniczną a muzyką homofoniczną? (W polifonii wszystkie głosy są równe, w homofonii jeden głos się wyróżnia, a pozostałe pełnią rolę akompaniamentu).
- Kto jest autorem cyklu koncertów instrumentalnych „Pory roku”? (A. Vivaldiego)
- Wielki niemiecki kompozytor epoki baroku – największa postać światowej kultury muzycznej? (JS Bach)
- Nazwij strukturę formy sonatowej. (ekspozycja, opracowanie, repryza)
- Wymień kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej. (J. Haydn, W.A. Mozart i L. Beethoven)
- Do jakich gatunków najczęściej zwracali się kompozytorzy romantyczni? (miniatura, piosenka, romans)
- Który niemiecki kompozytor w pracy teoretycznej „Opera i dramat” nakreślił swoje zasady reformy opery? (R. Wagnera)
Ale jest też okres „klasyczny” w historii muzyki, zwany klasycyzmem, Haydn i Mozart byli wybitnymi przedstawicielami klasycyzmu. To przede wszystkim pojawienie się pierwszych publicznych koncertów, powstawanie towarzystw muzycznych i orkiestr w stolicach i dużych miastach.
Późny klasycyzm związany z Oświeceniem, od mniej więcej połowy XVIII do początku XIX wieku, kojarzony jest przede wszystkim z wiedeńską szkołą klasyczną. Kierunek ten obejmuje w szczególności reformistyczne opery K. V. Glucka, wczesne szkoły wiedeńskie i mannheimskie.
Klasycyzm w muzyce – klasyka wiedeńska
W muzyce, jak w żadnej innej sztuce, pojęcie „klasyki” ma niejednoznaczną treść. Wybaczcie mi, miłośnicy muzyki dawnej, frywolne słowo „przebój”, ale przecież wielcy kompozytorzy pisali kiedyś muzykę popularną dla swoich współczesnych, bynajmniej nie z myślą o wieczności. W XVIII wieku rozpoczęła się nowa runda rozwoju świadomości społecznej - rozpoczęła się epoka oświecenia. Przepych i przepych baroku, bezpośredniego poprzednika klasycyzmu, został zastąpiony stylem opartym na prostocie i naturalności.
Estetyczne oprawy klasycyzmu
Idealnym wzorem dla artystów tego nurtu była starożytna estetyka z jej harmonijną logiką i harmonią. Wymogiem epoki klasycyzmu jest zachowanie proporcji, wykluczenie wszystkiego, co zbędne, drugorzędne.
Ogólna charakterystyka stylu
Rozwój nowej kultury muzycznej w połowie XVIII wieku spowodował powstanie wielu prywatnych salonów, towarzystw muzycznych i orkiestr, organizujących otwarte koncerty i przedstawienia operowe. Stolicą muzycznego świata był wówczas Wiedeń. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven to trzy wielkie nazwiska, które przeszły do historii jako wiedeńskie klasyki.
Wysoki styl muzyczny, w którym bogata treść figuratywna zawarta jest w prostej, ale doskonałej formie artystycznej, jest główną cechą twórczości klasyków wiedeńskich. Haydn i Beethoven skłaniali się bardziej w kierunku muzyki instrumentalnej - sonat, koncertów i symfonii. Kultura muzyczna klasycyzmu związana jest z powstaniem wielu gatunków muzyki instrumentalnej, takich jak sonata, symfonia, koncert.
W epoce klasycyzmu powstały główne typy zespołów kameralnych - trio, kwartet smyczkowy. Zastanówmy się krótko nad innowacjami charakterystycznymi dla klasycyzmu. Klasyczna forma sonatowa opiera się na opozycji 2 tematów (często przeciwstawnych, czasem sprzecznych) – głównego i drugorzędnego – oraz ich rozwinięciu. Z reguły pierwsze, szybkie części cyklu sonatowego lub symfonicznego pisane były w formie sonatowej, stąd nadano im nazwę allegro sonatowego.
Cykl sonatowo-symfoniczny
Utwór przeznaczony jest na orkiestrę i instrument solowy. Muzyka klasycyzmu w zaskakujący sposób łączy zewnętrzną prostotę i wyrazistość z głęboką wewnętrzną treścią, która nie jest obca silnym uczuciom i dramatyzmowi. Ponadto klasycyzm jest stylem pewnej epoki historycznej i styl ten nie jest zapomniany, ale ma poważne powiązania z muzyką naszych czasów (neoklasycyzm, polistylistyka).
Wszystko, co nie odpowiadało rozumowi, wszystko, co brzydkie, musiało pojawić się w sztuce K. oczyszczone i uszlachetnione
Termin „klasyczna” w muzyce używany jest głównie do określenia muzyki poważnej, artystycznej, tj. muzyka, która nie jest folkowa, popularna, jazzowa, rockowa itp. Klasycyzm rozpoczął się w epoce oświecenia – czasie radykalnych zmian w świadomości wartości ludzkich i społecznych oraz zasad zachowania się w społeczeństwie. Nowy skład orkiestry doprowadził do powstania symfonii - najważniejszego rodzaju muzyki, według standardu składającego się z trzech temp - szybkiego początku, wolnego środka i szybkiego końca.
Utwory tworzone są specjalnie na kwartet smyczkowy, z własnym standardem czterech temp, przypominającym symfonię. W tej samej epoce powstał fortepian lub pianoforte (właściwa nazwa). Pozwalało to klawiszowcom na odtwarzanie muzyki w różnych wariacjach, zarówno cichych (fortepian), jak i głośniejszych (forte), w zależności od użytych klawiszy.
Podobnie jak symfonie, sonaty stały się sposobem łączenia wielu różnych rodzajów muzyki instrumentalnej w jeden rodzaj. 1750 do 1820 Jestem bardziej skłonny uwierzyć, że epoka ta rozpoczęła się po rewolucji kapitalistycznej w Wielkiej Brytanii, a zakończyła wraz z wielką rewolucją burżuazyjną we Francji.
Istotne zmiany w tym czasie wyróżniają życie muzyczne Europy. Orkiestry rozrastają się składem, opuszczają je organy i klawesyn, powiększają się grupy instrumentów dętych, do użytku wchodzi klarnet swoim czułym, pełnym błogości brzmieniem. Z tego środowiska wykształcił się jeden z najważniejszych gatunków epoki klasycyzmu, kwartet smyczkowy. Pod względem głębi i aktualności obrazów, rozwiniętej techniki muzycznej tkanki i struktury formy jest w stanie konkurować z symfonią - tego rodzaju klasycystycznym dramatem instrumentalnym.
Druga połowa XVIII wieku - czas procesów reformatorskich, można powiedzieć rewolucyjnych przemian w operze. Kojarzone są one przede wszystkim z nazwiskami K.-V. Gluck i V.-A. Mozarta. Christoph Willibald Gluck (1714-1787) to austriacki kompozytor, którego dzieciństwo i młodość spędził w Czechach, następnie przeniósł się do Mediolanu, gdzie był kierownikiem kaplicy włoskiego arystokraty A. Melziego.
Jednocześnie wrodzony instynkt dramatopisarza i poczucie niezadowolenia z sena opery z jej kultem wirtuozowskich śpiewaków kierują kompozytora w stronę dramatu muzycznego, w stronę antycznego wzorca. A na przełomie lat 60. Gluck wkracza na drogę reformy: nie wyrafinowanej technicznie koloratury, ale dramatycznej akcji z ostrymi zderzeniami wyrażonej muzyką.
W muzyce jej najwybitniejszym przedstawicielem był J. B. Lully, twórca gatunku „tragedia liryczna”, który pod względem przedmiotowym i podstawowym. stylistyczny
Fabuła opery oparta jest na antycznym greckim micie o poecie-śpiewaku Orfeuszu, który siłą uczucia i umiejętnościami wzbudził furię podziemi do litości, w którą wpada jego zmarła żona Eurydyka. Postacie ze statycznych postaci zamieniają się w aktorów, którzy wchodzą w aktywne działania, konfliktowe relacje.
Jest to jedna z niewielu klasycznych oper, które są aktywnie zachowane w repertuarze współczesnych teatrów muzycznych. Klasycyzm (od łac. classicus - wzorowy), styl artystyczny, który istniał w XVII wieku - wczesny. XIX wiek w Europie literatura i sztuka. Podstawą sztuki klasycyzmu jest kult rozumu – racjonalizmu, harmonii i logiki. Najwyższe osiągnięcia klasycyzmu w muzyce związane są z działalnością wiedeńskiej szkoły klasycznej – z twórczością J. Haydna, W. A. Mozarta i L. van Beethovena.
Klasycyzm, który w kilku etapach zastąpił renesans, ukształtował się we Francji pod koniec XVII wieku, odzwierciedlając w swojej sztuce po części poważny rozwój monarchii absolutnej, po części zmianę światopoglądu z religijnego na świecki. W XVIII wieku rozpoczęła się nowa runda rozwoju świadomości społecznej - rozpoczęła się epoka oświecenia. Przepych i przepych baroku, bezpośredniego poprzednika klasycyzmu, został zastąpiony stylem opartym na prostocie i naturalności.
OPRAWY ESTETYCZNE KLASYCYZMU. Podstawą sztuki klasycyzmu jest kult rozumu – racjonalizmu, harmonii i logiki. Nazwa „klasycyzm” z pochodzenia kojarzy się ze słowem z języka łacińskiego - classicus, co oznacza - „wzorowy”. Idealnym wzorem dla artystów tego nurtu była starożytna estetyka z jej harmonijną logiką i harmonią. W klasycyzmie rozum przeważa nad uczuciami, indywidualizm nie jest mile widziany, aw każdym zjawisku nadrzędne znaczenie mają cechy ogólne, typologiczne. Każde dzieło sztuki musi być budowane według ścisłych kanonów. Wymogiem epoki klasycyzmu jest zachowanie proporcji, wykluczenie wszystkiego, co zbędne, drugorzędne.
Klasycyzm charakteryzuje się ścisłym podziałem na gatunki „wysokie” i „niskie”. Dzieła „wysokie” to dzieła odnoszące się do tematów starożytnych i religijnych, napisane podniosłym językiem (tragedia, hymn, oda). Gatunki „niskie” to te, które są prezentowane w języku potocznym i odzwierciedlają życie ludzi (bajka, komedia). Mieszanie gatunków było nie do przyjęcia.
KLASYCYZM W MUZYCE - KLASYKA WIEDEŃSKA. Rozwój nowej kultury muzycznej w połowie XVIII wieku spowodował powstanie wielu prywatnych salonów, towarzystw muzycznych i orkiestr, organizujących otwarte koncerty i przedstawienia operowe. Stolicą muzycznego świata był wówczas Wiedeń. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven to trzy wielkie nazwiska, które przeszły do historii jako wiedeńskie klasyki. Kompozytorzy szkoły wiedeńskiej po mistrzowsku opanowali różnorodne gatunki muzyczne – od pieśni codziennych po symfonie. Wysoki styl muzyczny, w którym bogata treść figuratywna zawarta jest w prostej, ale doskonałej formie artystycznej, jest główną cechą twórczości klasyków wiedeńskich. Kultura muzyczna klasycyzmu, podobnie jak literatura, a także sztuki piękne, gloryfikuje działania człowieka, jego emocje i uczucia, nad którymi panuje umysł. Artyści-twórcy w swoich pracach charakteryzują się logicznym myśleniem, harmonią i klarownością formy. Prostota i łatwość ekspresji kompozytorów klasycznych mogłaby wydawać się współczesnemu uchu banalna (w niektórych przypadkach oczywiście), gdyby ich muzyka nie była tak genialna. Każdy z wiedeńskich klasyków miał jasną, niepowtarzalną osobowość. Haydn i Beethoven skłaniali się bardziej w kierunku muzyki instrumentalnej - sonat, koncertów i symfonii. Mozart był uniwersalny we wszystkim - z łatwością tworzył w każdym gatunku. Miał wielki wpływ na rozwój opery, tworząc i udoskonalając jej różne odmiany – od operowego miłośnika po dramat muzyczny. Jeśli chodzi o preferencje kompozytorów dla pewnych sfer figuratywnych, Haydn bardziej charakterystyczny jest dla obiektywnych szkiców ludowych, sielankowych, rycerskich, Beethovenowi bliskie są heroizm i dramat, a także filozofia i oczywiście natura w niewielkim stopniu i wyrafinowane teksty. Mozart objął być może wszystkie istniejące sfery figuratywne.
GATUNKI KLASYCYZMU MUZYCZNEGO. Kultura muzyczna klasycyzmu związana jest z powstaniem wielu gatunków muzyki instrumentalnej, takich jak sonata, symfonia, koncert. Powstała wielogłosowa forma sonatowo-symfoniczna (cykl 4-głosowy), która do dziś stanowi podstawę wielu kompozycji instrumentalnych. W epoce klasycyzmu powstały główne typy zespołów kameralnych - trio, kwartet smyczkowy. System form opracowany przez szkołę wiedeńską jest nadal aktualny - jako podstawę nałożono na niego nowoczesne „dzwonki i gwizdki”. Zastanówmy się krótko nad innowacjami charakterystycznymi dla klasycyzmu.
FORMA SONATOWA Gatunek sonatowy istniał już na początku XVII wieku, ale forma sonatowa ukształtowała się ostatecznie w twórczości Haydna i Mozarta, a Beethoven doprowadził ją do perfekcji, a nawet zaczął łamać ścisłe kanony gatunku. Klasyczna forma sonatowa opiera się na opozycji 2 tematów (często przeciwstawnych, czasem sprzecznych) – głównego i drugorzędnego – oraz ich rozwinięciu. Forma sonatowa składa się z 3 głównych części: pierwsza to ekspozycja (przeprowadzenie głównych tematów), druga to rozwinięcie (rozwinięcie i porównanie tematów), a trzecia to repryza (zmodyfikowane powtórzenie ekspozycji, w której zwykle dochodzi do zbieżności tonalnej wcześniej przeciwstawnych tematów). Z reguły pierwsze, szybkie części cyklu sonatowego lub symfonicznego pisane były w formie sonatowej, stąd nadano im nazwę allegro sonatowego.
CYKL SONATA-SYMFONIA Pod względem struktury logika następstwa części, symfonie i sonaty są bardzo podobne, stąd potoczna nazwa ich integralnej formy muzycznej – cykl sonatowo-symfoniczny. Symfonia klasyczna prawie zawsze składa się z 4 części: I - szybka partia czynna w tradycyjnej dla niej formie allegra sonatowego; II - część wolna (jej forma z reguły nie jest ściśle uregulowana - możliwe są tu wariacje, formy trzyczęściowe złożone lub proste oraz sonaty rondowe i formy sonatowe wolne); III - menuet (czasami scherzo), tzw. część rodzajowa - w formie prawie zawsze złożona trzygłosowa; IV - część końcowa i końcowa szybka, dla której często wybierano też formę sonatową, czasem formę ronda lub sonaty ronda.
KONCERT Nazwa koncertu jako gatunku wywodzi się od łacińskiego słowa Concertare – „konkurencja”. Utwór przeznaczony jest na orkiestrę i instrument solowy. Koncert instrumentalny, stworzony w okresie renesansu i po prostu wspaniały rozwój w kulturze muzycznej baroku, uzyskał formę sonatowo-symfoniczną w twórczości klasyków wiedeńskich.
Kwartet smyczkowy Kwartet smyczkowy składa się zwykle z dwojga skrzypiec, altówki i wiolonczeli. Formę kwartetu, zbliżoną do cyklu sonatowo-symfonicznego, określił już Haydn. Mozart i Beethoven również wnieśli ogromny wkład i utorowali drogę do dalszego rozwoju tego gatunku. Kultura muzyczna klasycyzmu stała się swego rodzaju „kolebką” dla kwartetu smyczkowego, w późniejszych czasach i do dnia dzisiejszego kompozytorzy nie przestają pisać coraz więcej utworów z gatunku koncertowego – ten rodzaj twórczości okazał się tak cieszący się popytem. Muzyka klasycyzmu w zaskakujący sposób łączy zewnętrzną prostotę i wyrazistość z głęboką wewnętrzną treścią, która nie jest obca silnym uczuciom i dramatyzmowi. Ponadto klasycyzm jest stylem pewnej epoki historycznej i styl ten nie jest zapomniany, ale ma poważne powiązania z muzyką naszych czasów (neoklasycyzm, polistylistyka).
Klasycyzm (od łac. сlassicus - wzorowy) - styl w sztuce XVII - XVIII wieku. Nazwa „klasycyzm” pochodzi od odwołania się do klasycznej starożytności jako najwyższego standardu estetycznej doskonałości. Przedstawiciele klasycyzmu czerpali swój ideał estetyczny z próbek sztuki antycznej. Klasycyzm opierał się na wierze w sensowność bytu, w istnienie ładu i harmonii w przyrodzie i wewnętrznym świecie człowieka. Estetyka klasycyzmu zawiera w sobie sumę bezwzględnie obowiązujących reguł, którym musi odpowiadać dzieło sztuki. Najważniejsze z nich to postulat równowagi piękna i prawdy, logicznej klarowności, harmonii i kompletności kompozycji, ścisłych proporcji i wyraźnego rozróżnienia gatunków.
W rozwoju klasycyzmu odnotowuje się 2 etapy:
Klasycyzm XVII wieku, który rozwinął się po części w zmaganiach ze sztuką baroku, po części w interakcji z nią.
Oświeceniowy klasycyzm XVIII wieku.
Klasycyzm XVII wieku jest pod wieloma względami antytezą baroku. Najpełniejszy wyraz uzyskuje we Francji. Był to okres rozkwitu monarchii absolutnej, która zapewniała sztuce dworskiej najwyższy mecenat i wymagała od niej przepychu i przepychu. Tragedie Corneille'a i Racine'a, a także komedie Moliera, na których twórczości oparł się Lully, stały się szczytem francuskiego klasycyzmu w dziedzinie sztuki teatralnej. Jego „tragedie liryczne” noszą piętno wpływów klasycyzmu (ścisła logika konstrukcji, heroizm, powściągliwy charakter), choć mają też cechy baroku – przepych jego oper, obfitość tańców, procesji, chórów.
Klasycyzm XVIII wieku zbiegł się z epoką oświecenia. Oświecenie to szeroki ruch w filozofii, literaturze i sztuce, który ogarnął wszystkie kraje europejskie. Nazwę „Oświecenie” tłumaczy fakt, że filozofowie tej epoki (Wolter, Diderot, Rousseau) starali się edukować swoich współobywateli, próbowali rozwiązać kwestie struktury społeczeństwa ludzkiego, natury człowieka i jego praw. Oświeceni wywodzili się z idei wszechmocy ludzkiego umysłu. Wiara w osobę, w jego umyśle, determinuje jasny, optymistyczny nastrój nieodłącznie związany z poglądami postaci oświeceniowych.
Opera jest w centrum sporów muzycznych i estetycznych. Francuscy encyklopedyści uznali go za gatunek, w którym należy przywrócić syntezę sztuk, jaka istniała w antycznym teatrze. Pomysł ten stał się podstawą K.V. Gluk.
Wielkim osiągnięciem klasycyzmu oświeceniowego jest stworzenie gatunku symfonii (cykl sonatowo-symfoniczny) i formy sonatowej, co wiąże się z twórczością kompozytorów szkoły mannheimskiej. Szkoła Mannheim powstała w mieście Mannheim (Niemcy) w połowie XVIII wieku na bazie kaplicy dworskiej, w której pracowali głównie muzycy czescy (największym przedstawicielem był Czech Jan Stamitz). W twórczości kompozytorów szkoły mannheimskiej ukształtowała się 4-głosowa struktura symfonii i klasyczny skład orkiestry.
Szkoła Mannheim stała się prekursorem wiedeńskiej szkoły klasycznej – kierunku muzycznego nawiązującego do twórczości Haydna, Mozarta, Beethovena. W twórczości klasyków wiedeńskich ostatecznie ukształtował się cykl sonatowo-symfoniczny, który stał się klasykiem, a także gatunki zespołu kameralnego i koncertu.
Wśród gatunków instrumentalnych szczególną popularnością cieszyły się różne rodzaje codziennej muzyki rozrywkowej – serenady, divertissement rozbrzmiewające wieczorem pod gołym niebem. Divertimento (rozrywka francuska) – wielogłosowe utwory instrumentalne na zespół kameralny lub orkiestrę, łączące w sobie cechy sonaty i suity, zbliżone do serenady, nokturnu.
K. V. Gluck – wielki reformator opery
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - z urodzenia Niemiec (ur. w Erasbach (Bawaria, Niemcy)), jest jednak jednym z czołowych przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej.
Działania reformatorskie Glucka miały miejsce w Wiedniu i Paryżu i były prowadzone zgodnie z estetyką klasycyzmu. W sumie Gluck napisał około 40 oper - włoskich i francuskich, buffa i seria, tradycyjnych i nowatorskich. Dzięki temu ostatniemu zapewnił sobie znaczące miejsce w historii muzyki.
Zasady reformy Glucka są nakreślone w jego przedmowie do partytury opery Alceste. Sprowadzają się do tego:
Muzyka musi wyrażać poetycki tekst opery, nie może istnieć sama, poza akcją dramatyczną. Tym samym Gluck znacząco wzmacnia rolę literackiego i dramatycznego podłoża opery, podporządkowując dramatowi muzykę.
Opera powinna oddziaływać moralnie na człowieka, stąd apel do antycznych tematów z ich wysokim patosem i szlachetnością („Orfeusz i Eurydyka”, „Paryż i Helena”, „Ifigenia w Aulidzie”). G. Berlioz nazwał Glucka „Ajschylosem muzyki”.
Opera musi być zgodna z „trzema wielkimi zasadami piękna we wszystkich sztukach” – „prostotą, prawdą i naturalnością”. Konieczne jest oczyszczenie opery z nadmiernej wirtuozerii i ornamentacji wokalnej (nieodłącznej dla opery włoskiej), zawiłych wątków.
Nie powinno być ostrego kontrastu między arią a recytatywem. Gluck zastępuje recytatyw secco akompaniamentem, w wyniku czego zbliża się do arii (w tradycyjnej operze seria recytatywy służyły jedynie jako łącznik między numerami koncertów).
Gluck w nowy sposób interpretuje także arie: wprowadza cechy improwizacyjnej swobody, wiąże rozwój materiału muzycznego ze zmianą stanu psychicznego bohatera. Arie, recytatywy i chóry łączą się w duże dramatyczne sceny.
Uwertura powinna antycypować treść opery, wprowadzać słuchaczy w jej klimat.
Balet nie powinien być numerem śródmiąższowym, niezwiązanym z akcją opery. Jej wprowadzenie musi być zdeterminowane przebiegiem akcji dramatycznej.
Większość z tych zasad znalazła odzwierciedlenie w operze Orfeusz i Eurydyka (premiera 1762). Opera ta wyznacza początek nowego etapu nie tylko w twórczości Glucka, ale także w historii całej europejskiej opery. Po Orfeuszu pojawiła się kolejna z jego pionierskich oper, Alceste (1767).
W Paryżu Gluck napisał inne reformistyczne opery: Ifigenię w Aulidzie (1774), Armidę (1777), Ifigenię w Taurydzie (1779). Wystawienie każdego z nich przekształciło się w wielkie wydarzenie w życiu Paryża, wywołując gorący spór między „glukistami” a „picchinistami” – zwolennikami tradycyjnej opery włoskiej, której personifikacją był neapolitański kompozytor Nicolo Picchini (1728 - 1800). Zwycięstwo Glucka w tej kontrowersji zostało naznaczone triumfem jego opery Ifigenia in Tauris.
Tym samym Gluck uczynił z opery sztukę o wysokich ideałach wychowawczych, nasycając ją głęboką treścią moralną i ujawniając na scenie prawdziwe ludzkie uczucia. Reforma operowa Glucka wywarła owocny wpływ zarówno na jemu współczesnych, jak i na kolejne pokolenia kompozytorów (zwłaszcza klasyków wiedeńskich).
№ 5 Gatunki muzyczne epoki klasycyzmu
Najważniejszymi utworami solowymi okresu klasycznego były sonaty, pisane były na każdy instrument solowy, ale przede wszystkim na fortepian. Podobnie jak symfonie, sonaty stały się sposobem łączenia wielu różnych rodzajów muzyki instrumentalnej w jeden rodzaj.
Treść utworów muzycznych związana jest ze światem ludzkich uczuć, które nie podlegają ścisłej kontroli umysłu. Jednak kompozytorzy tej epoki stworzyli bardzo harmonijny i logiczny system reguł konstruowania dzieła. W epoce klasycyzmu powstały i osiągnęły doskonałość takie gatunki jak opera, symfonia, sonata. W teorii gatunki kościelne były nadal uważane za najbardziej wartościowe i szanowane, ale w praktyce znacznie bardziej znaczące i znaczące stały się najwyższe gatunki muzyki teatralnej i kameralnej: dramat muzyczny i symfonia.
Muzyczny teatr gatunków miał swoją własną hierarchię, zależną od zawartych w nim „afektów”. Dlatego „poważna opera” pozostała bardziej prestiżowa niż komiks. Gatunki komiksowe również zamieniają się w wysoką komedię ze złożonymi postaciami, wyrafinowanymi uczuciami i wysoce rozwiniętymi formami muzycznymi.
Opera rozszerzyła swoje wpływy na muzykę kościelną i instrumentalną. Hierarchia gatunków przedstawiała się następująco:
Pierwszą była symfonia, jako najwyższy stopień. We wczesnym okresie klasycznym wyróżniano symfonie „teatralne” (czyli uwertury, które można by też nazwać „partitas”) oraz symfonie „kameralne”. Symfonie kameralne były smyczkowe, orkiestrowe i koncertowe. Struny wyróżniały się wyrafinowaniem pisma, ponieważ były przeznaczone dla wyrafinowanego ucha koneserów. Symfonie orkiestrowe zawierały również instrumenty dęte. Muzyka orkiestrowa była głównie rozrywkowa. Divertimento, serenady, partity były znacznie niższe niż symfonia. Tutaj kompozytor mógł sobie pozwolić na hałas i efekty dźwiękowe, ekstrawaganckie żarty.
Na kolejnym "etapie" - koncerty łączące zasady orkiestrowo-kolektywne i solowo-osobowe.
Sonaty w XVIII wieku reprezentowały rozległą grupę gatunkową: wszystkie kombinacje zespołowe i solowe (od sonat klawesynowych po tria, kwartety, kwintety itp.) Głównymi „zasadami” odróżniania sonaty jako gatunku od symfonii były: Nieuregulowana liczba głosów (od dwóch do czterech, w zespołach i więcej); Wykonanie każdej ze stron jednym instrumentem;
W rezultacie indywidualizacja treści i możliwość wyrażania niezależnych subtelnych uczuć lub bardzo subiektywnych nastrojów.
Sonaty smyczkowe (kwartety i tria) przeżywały bezprecedensowy rozkwit i szybką ewolucję. Ta praca powinna być czysto „domowa”, dla wąskiego kręgu osób. Mamy tu do czynienia z dwoma trendami:
Muzyka dla amatorów, niezbyt skomplikowana technicznie;
Muzyka dla koneserów. Kompozytor mógł stosować dowolne techniki, także eksperymentalne.
Były też zespoły z udziałem klawesynu. Partię fortepianu mógł wykonać zarówno pianista amator, jak i pianista zawodowy. Jeszcze niższe były sonaty na dwa instrumenty i ich następujące odmiany gatunkowe:
Rodzaj sonaty na instrument solowy, zwłaszcza skrzypce, z klawesynem pełniącym funkcję continuo.
Sonaty na clavier z towarzyszeniem skrzypiec, fletu, wiolonczeli. Głos towarzyszący mógł być zapisany w ad libitum.
Sonaty, duety na dwa równorzędne instrumenty bez udziału klawesynu miały charakter bardziej kameralny.
Na samym dole znalazły się miniatury fortepianowe (do klasyki – ronda, menuety, bagatele), wariacje na tematy popularne, pieśni, opracowania pieśni ludowych na głos z zespołem instrumentalnym (Haydn, Beethoven); cykle taneczne - menuety, tańce ludowe, ekosazy - na fortepian, zespół i orkiestrę. Byli też zabawni.
GEOGRAFICZNE CENTRUM ROZWOJU.
KLUCZOWI PRZEDSTAWICIELE
twórcą klasycyzmu w teatrze muzycznym był J.B. Lully'ego (twórcy tragedii lirycznej), w gatunku opera seria łączą się cechy klasycyzmu i baroku; szczytowym etapem rozwoju klasycyzmu muzycznego była sztuka wiedeńskiej szkoły klasycznej.
Prawdziwą rewolucją była operowa reforma Christopha Glucka. Jego program twórczy to trzy wielkie zasady – prostota, prawda, naturalność. W dramacie muzycznym szukał sensu, a nie słodkiego głosu. Gluck usuwa z opery wszystko, co zbędne: dekoracje, wspaniałe efekty, nadaje poezji większą siłę wyrazu, a muzyka jest całkowicie podporządkowana ujawnieniu wewnętrznego świata postaci. Opera „Orfeusz i Eurydyka” była pierwszym dziełem, w którym Gluck wprowadził nowe idee i położył podwaliny pod reformę operową. Surowość, proporcjonalność formy, szlachetna prostota bez pretensjonalności, wyczucie artystycznej proporcji w pracach Glucka przywodzi na myśl harmonijne formy antycznej rzeźby. Arie, recytatywy, chóry tworzą obszerną kompozycję operową.
Rozkwit muzycznego klasycyzmu rozpoczął się w drugiej połowie XVIII wieku. Wiedeń, ówczesna stolica kultury muzycznej, stał się centralną platformą rozwoju tego kierunku. Najwyższym wyrazem klasycyzmu była twórczość Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta, Ludwiga van Beethovena, którzy działali w Wiedniu i ukształtowali kierunek w kulturze muzycznej - wiedeńską szkołę klasyczną. Twórczość klasyków wiedeńskich wyraża dynamiczne rozumienie procesów życiowych, które znalazło swoje najpełniejsze ucieleśnienie w formie sonatowej i zdeterminowało symfonię wielu ich kompozycji. Z szeroko rozumianym symfonizmem wiąże się rozkwit wiodących gatunków instrumentalnych epoki - symfonii, sonaty, koncertu i zespołu kameralnego, ostateczne ukształtowanie się 4-częściowego cyklu sonatowo-symfonicznego. Haydn nazywany jest twórcą klasycznej muzyki instrumentalnej, założycielem współczesnej orkiestry symfonicznej i ojcem symfonii. W klasycznej symfonii znaleziono idealną formę, która może pomieścić bardzo głęboką treść. W twórczości Haydna utrwala się także typ klasycznej sonaty trzyczęściowej. Dzieła kompozytora cechuje piękno, porządek, subtelna i szlachetna prostota. Sztuka Haydna wywarła ogromny wpływ na kształtowanie się stylu symfonicznego i kameralnego Mozarta. Opierając się na swoim dorobku w dziedzinie muzyki sonatowo-symfonicznej, Mozart wniósł wiele nowego i oryginalnego. Jego opery mają wielką wartość artystyczną. Od dwóch stuleci Wesele Figara i Don Giovanni cieszą się powodzeniem, uderzając urzekająco elegancką melodią, prostotą i luksusową harmonią. Twórczość operowa Mozarta otworzyła szerokie perspektywy rozwoju różnych rodzajów opery - komedii lirycznej i społecznie oskarżycielskiej, dramatu muzycznego, opery baśni filozoficznej i innych.
Beethoven zasłynął jako największy symfonista. Jego sztukę przesiąknięty jest patosem walki. Realizowała zaawansowane idee Oświecenia, które potwierdzały prawa i godność osoby ludzkiej. Świat obrazów Beethovena jest różnorodny. Jego bohater jest nie tylko odważny i namiętny, ale obdarzony doskonale rozwiniętym intelektem. Jest wojownikiem i myślicielem. W muzyce Beethovena życie w całej jego różnorodności - burzliwe namiętności i oderwane marzenia, dramatyczny patos i liryczne wyznanie, obrazy natury i sceny z życia codziennego. Zamykając epokę klasycyzmu, Beethoven otworzył jednocześnie drogę dla nadchodzącego stulecia, wyznaczając początek nowej epoki, zwanej w muzyce okresem romantyzmu.
№ 5 Realizm???
Shishkova Natalia Vitalievna
MOU DOD „Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 1”, Bałakowo
Epoki w muzyce, malarstwie, architekturze
Muzyka w renesansie XV-XVI wieku.
W średniowieczu muzyka była prerogatywą Kościoła, dlatego większość utworów muzycznych miała charakter sakralny, oparty na hymnach kościelnych (śpiew gregoriański).
Po średniowieczu nastąpił renesans, który był dla muzyków erą odkryć, innowacji i eksploracji – renesans wszystkich warstw kulturowego i naukowego przejawu życia od muzyki i malarstwa po astronomię i matematykę.
Wraz z wynalezieniem prasy drukarskiej stało się możliwe drukowanie i dystrybucja nut.
W tym czasie pojawiła się altówka, poprzedniczka skrzypiec. Były też instrumenty popularne i dęte - flet prosty, flet i róg. Najbardziej złożona muzyka została napisana na nowo powstały klawesyn i organy.
Purcell Henry (1659-1695), angielski kompozytor. Swoje życie zawodowe spędził niemal w całości w Kaplicy Królewskiej i Opactwie Westminsterskim. Dziedzictwo Purcella opiera się na kompozycjach tworzonych „przy okazji”, tj. związanych z rodziną królewską i nabożeństwami w Kaplicy iw Opactwie. Wśród dzieł duchowych kompozytora znajduje się co najmniej 60 hymnów, 5 kompletnych nabożeństw i wiele utworów na głosy solowe, 6 kompletnych oper i muzyka do 44 sztuk.
Rameau Jean Philippe (1683-1764), francuski kompozytor i teoretyk muzyki Na dziedzictwo Rameau składa się kilkadziesiąt książek i szereg artykułów z zakresu teorii muzyki i akustyki; cztery tomy utworów clavier, kilka motetów i kantat solowych; 29 kompozycji scenicznych - oper, oper-baletów i pastorałek.
Scarlatti, Domenico (1685-1757), syn Alessandro, kompozytor, największy mistrz włoskiej muzyki clavier. Oryginalność clavierowego stylu Scarlattiego ujawniła się w 555 sonatach. Katalog Kirkpatricka zawiera 14 oper, 9 oratoriów, 16 kameralnych kantat i arii oraz 13 kompozycji duchowych. Do najbardziej uderzających cech stylu kompozytora należy błyskotliwość dysonansowych harmonii i śmiałe modulacje, krzyżowanie lewej i prawej ręki, próby, tryle i inne rodzaje zdobnictwa.
Architektura w renesansie.
We Włoszech renesansowy gotyk nazywany był średniowieczną sztuką Europy Północnej – stylem artystycznym, który dominował w krajach Europy Zachodniej, Środkowej i częściowo Wschodniej od połowy XII wieku. i XV-XVI wieku. W okresie renesansu odkrycie starożytności wywoływało radość i zachwyt.
Malarstwo w renesansie.
B 
Otticelli, Sandro. Narodziny Wenus. Około 1482-1483. Renesans. Włochy. Florencja. Galeria Uffizi W każdym kraju renesans ma swoje własne cechy. We Włoszech, gdzie renesans najpełniej przejawiał się w formie klasycznej, obejmuje XIV-XVII wiek. (przełom XIII-XIV wieku - protorenesans; XV wiek - wczesny renesans; koniec XV - pierwsza ćwierć XVI wieku - wysoki renesans; XVI wiek.
Muzyka epoki baroku (1600-1750)
OD 
Słowo „barok” prawdopodobnie pochodzi od portugalskiego perola barroca – perły o dziwacznym kształcie. Rzeczywiście, sztuki wizualne i architektura tego okresu charakteryzowały się bardzo wyszukanymi formami, złożonością, przepychem i dynamiką. Później to samo słowo zostało zastosowane do muzyki tamtych czasów. W epoce baroku narodziły się tak genialne dzieła, jak fugi Jana Sebastiana Bacha, chór Alleluja z oratorium Mesjasz Georga Friedricha Haendla, Cztery pory roku Antonia Vivaldiego, Nieszpory Claudia Monteverdiego. Ornament muzyczny stał się bardzo wyrafinowany, pojawił się taki rodzaj kompozycji jak opera.
Stworzenie jego stylu recytatywnego przez włoskiego kompozytora Claudio Monteverdiego (1567-1643) i konsekwentny rozwój włoskiej opery można uznać za warunkowy punkt przejściowy między epokami baroku i renesansu.
Wybitnym przedstawicielem nadwornych kompozytorów dworu Ludwika XIV był Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Już w wieku 21 lat otrzymał tytuł „nadwornego kompozytora muzyki instrumentalnej”. Lully stworzył kompletny typ francuskiej opery; tak zwana tragedia liryczna we Francji
Kompozytor i skrzypek Arcangelo Corelli (1653-1713) znany jest ze swojej pracy nad rozwojem gatunku Concerto Grosso. Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, których utwory były publikowane i wykonywane w całej Europie.
W Anglii dojrzały barok odznaczał się genialnym geniuszem Henry'ego Purcella (1659-1695). Purcell pracował w wielu gatunkach; od prostych hymnów religijnych po muzykę marszową, od wielkoformatowych kompozycji wokalnych po muzykę inscenizowaną. Jego katalog zawiera ponad 800 prac.
Antonio Vivaldi (1678-1741) – włoski kompozytor urodzony w Wenecji. Sławę Vivaldiemu przyniosły publikacje jego dzieł, wśród których znalazły się jego sonaty triowe, sonaty skrzypcowe i koncerty (ponad 500). Niektórym swoim utworom nadał też programowe tytuły, jak słynne Cztery pory roku.
Ale chyba najsłynniejszym kompozytorem nadwornym był Georg Friedrich Handel (1685-1759). Urodził się w Niemczech, studiował we Włoszech, a swoją błyskotliwą i komercyjną karierę rozpoczął w Londynie. Handel przerabiał materiał innych kompozytorów i stale przerabiał własne kompozycje. Haendel łączył w swojej muzyce bogate tradycje improwizacji i kontrapunktu. Sztuka zdobnictwa muzycznego osiągnęła w jego twórczości bardzo wysoki poziom rozwoju.
Jan Sebastian Bach (1685-1750) Niemcy. W ciągu swojego życia skomponował ponad 1000 utworów z różnych gatunków, z wyjątkiem opery. Ale za życia nie osiągnął żadnego znaczącego sukcesu.
Malarstwo barokowe
Malarstwo barokowe lub malarstwo barokowe to obrazy okresu baroku w kulturze XVI-XVII wieku, natomiast politycznie okres historyczny dzieli się na absolutyzm i kontrreformację. Malarstwo barokowe charakteryzuje się dynamizmem, „cielesnością” i przepychem form, najbardziej charakterystycznymi cechami baroku są krzykliwa ekstrawagancja i dynamizm; uderzającym przykładem jest Rubens, Caravaggio.
Architektura baroku
Włoskie słowo „barok” dosłownie oznacza „dziwny”, „dziwaczny”. Styl barokowy skłaniał się ku ceremonialnej powadze i przepychu. Jednocześnie wyrażał postępowe idee dotyczące jedności, nieskończoności i różnorodności świata, jego złożoności, zmienności i ciągłego ruchu.
Muzyka epoki klasycznej.
Klasycyzm (z łac. classicus - przykładowy) to styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, odsłaniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Pojęcie klasycyzmu w muzyce trwale kojarzone jest z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, którzy nazywani są klasykami wiedeńskimi i wyznaczyli kierunek dalszego rozwoju kompozycji muzycznej.
Franz Joseph Haydn (1732-1809) – austriacki kompozytor, przedstawiciel wiedeńskiej szkoły klasycznej, jeden z twórców takich gatunków muzycznych jak symfonia i kwartet smyczkowy.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) – austriacki kompozytor, kapelmistrz, wirtuoz skrzypiec, klawesynista, organista. Jego wyjątkowość polega na tym, że działał we wszystkich formach muzycznych swoich czasów i ze wszystkich osiągnął największy sukces.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) był wielkim niemieckim kompozytorem, dyrygentem i pianistą. Pisał we wszystkich gatunkach, które istniały w jego czasach, w tym w operze, balecie, muzyce do spektakli dramatycznych, kompozycjach chóralnych. Za najważniejsze w jego spuściźnie uważane są dzieła instrumentalne: sonaty fortepianowe, skrzypcowe i wiolonczelowe, koncerty na fortepian, skrzypce, kwartety, uwertury, symfonie.
Malarstwo epoki klasycyzmu.
Największy teoretyk renesansu, Leon Batista Alberti, już w XV wieku. wyraził idee, które zapowiadały pewne zasady klasycyzmu i zostały w pełni zamanifestowane na fresku Rafaela „Szkoła ateńska” (1511). Odkrycie „prawdziwego” starożytnego malarstwa podczas wykopalisk w Pompejach, deifikacja starożytności przez niemieckiego krytyka sztuki Winckelmanna, w drugiej połowie XVIII wieku tchnęło nowy oddech w klasycyzm.
Architektura klasyczna.
Główną cechą architektury klasycyzmu było odwoływanie się do form architektury antycznej jako wzorca harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całość cechuje regularność rozplanowania i wyrazistość formy wolumetrycznej.
Muzyka epoki romantyzmu (1810-1910).
Muzyka epoki romantyzmu charakteryzuje się energią, intensywnością i pasją. Surowe formy muzyki klasycznej nabrały wyrazu i wyrazu. Muzyka zbliżyła się do sztuki, literatury i teatru. Głównym zadaniem romantyzmu był obraz świata wewnętrznego, życia duchowego.
Wielu kompozytorów zaczęło tworzyć symfonie, które miały jedną główną fabułę lub „program” (Symfonia fantastyczna Berlioza czy Symfonia faustowska Liszta, Marsz weselny Mendelssohna).
Okres romantyzmu był okresem narodzin wirtuozowskich solistów jako fenomenu, wykonawcy stali się gwiazdami swoich czasów. Na czele listy wirtuozów stoją pianiści Liszt i Chopin oraz skrzypek Paganini. Wszyscy byli muzycznymi diamentami epoki romantyzmu.
W Niemczech romantyzm stał się bardzo istotną częścią repertuaru muzyków - idealną formą romantyzmu, jako jedność muzyki i poezji. Schubert i Brahms stworzyli wiele romansów. Piosenki śpiewano głównie przy fortepianie.
W połowie epoki romantyzmu pojawiła się gwiazda Giuseppe Verdi, uznawany za jednego z największych kompozytorów wszechczasów. Wywrócił do góry nogami całą włoską operę, prezentując światu nowe wątki utworów, często o tematyce społecznej, politycznej czy patriotycznej.
W Niemczech reformatorem opery został Ryszard Wagner, który całkowicie zmienił operę niemiecką. Opery Wagnera pisane są jako długa, nieprzerwanie płynąca muzyka. Charaktery bohaterów i idee utworu opisują krótkie melodie zwane motywami przewodnimi.
Malarstwo epoki romantyzmu.
Romantyzm to ruch ideologiczny i artystyczny w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca XVIII i początku XIX wieku. Romantyzm przeciwstawiał utylitaryzmowi i zrównaniu jednostki z dążeniem do nieograniczonej wolności i nieskończoności, pragnieniem doskonałości i odnowy, patosem osobistej i obywatelskiej niezależności. Bolesny rozdźwięk między ideałem a rzeczywistością stał się podstawą światopoglądu romantycznego.
Przedstawienie silnych namiętności, uduchawianie natury, zainteresowanie przeszłością narodową, pragnienie syntetycznych form sztuki łączy się z motywami światowego smutku, chęcią eksploracji i odtworzenia „cieniowej”, „nocnej” strony świata. duszy ludzkiej, ze słynną „romantyczną ironią”.
Architektura epoki romantyzmu.
I 
zainteresowanie przeszłością narodową (często jej idealizacją), tradycjami folklorystycznymi i kulturowymi swoich i innych narodów, chęć stworzenia uniwersalnego obrazu świata (przede wszystkim historii i literatury), idea syntezy sztuki znalazła wyraz w ideologii i praktyce romantyzmu.
Muzyka XX wieku. Jazz.
Jazz jako forma sztuki muzycznej pojawił się w Stanach Zjednoczonych na przełomie XIX i XX wieku, łącząc tradycje muzyczne europejskich osadników i afrykańskie folklorystyczne wzorce melodyczne.
Charakterystyczna improwizacja, polirytmia melodyczna i ekspresyjność wykonania stały się znakiem rozpoznawczym pierwszych nowoorleańskich zespołów jazzowych (jazz-band) w pierwszych dekadach ubiegłego wieku.
Z biegiem czasu jazz przechodził okresy swojego rozwoju i formowania się, zmieniając schemat rytmiczny i orientację stylistyczną: od improwizowanego stylu ragtime (ragtime), przez taneczny swing orkiestrowy (swing) i niespieszny soft blues (blues).
Okres od początku lat 20. do lat 40. XX wieku związany jest z rozkwitem orkiestr jazzowych (big bandów), które składały się z kilku sekcji orkiestrowych saksofonów, puzonów, trąbek i sekcji rytmicznej. Szczyt popularności big bandów przypadł na połowę lat 30. ubiegłego wieku. Na parkietach iw radiu zabrzmiała muzyka w wykonaniu zespołów jazzowych Duke'a Ellingtona (Duke Ellington), Counta Basiego (Count Basie), Benny'ego Goodmana (Benny Goodman).
Impresjonizm.
Impresjonizm muzyczny to nurt muzyczny podobny do impresjonizmu w malarstwie i równoległy do symbolizmu w literaturze, który rozwinął się we Francji w ostatniej ćwierci XIX wieku i na początku XX wieku, przede wszystkim w twórczości Erica Satie, Claude'a Debussy'ego i Maurice'a Węzeł.
Sam termin „impresjonizm” jest zdecydowanie warunkowy. Środki malarskie, związane ze wzrokiem, i środki sztuki muzycznej, oparte na słyszeniu, można łączyć ze sobą za pomocą specjalnych, subtelnych paraleli asocjacyjnych, które istnieją tylko w umyśle.
Impresjonizm w malarstwie.
Impresjonizm to nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, którego mistrzowie, utrwalając swoje ulotne wrażenia, starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności.
Literatura.
Konen W. Purcell i Opera. M., 1978
Westrap JG Purcell. L., 1980
Bryantseva V.N. Jean Philippe Rameau i francuski teatr muzyczny. M., 1981
Malignon JJF Rameau. L., 1983
Okrainets, I.A. Domenico Scarlatti: przez instrumentalizm do stylu. M., 1994
Luchina E.I. Opera Alessandro Scarlattiego „Griselda”. Woroneż, 1998
W artykule wykorzystano informacje z witryn:
/index.php/Muzyka-v-epohu-Vozrozhdeniya.html
artwood.dp.ua/index.php?option=com_content&view=artykuł&id=4&Itemid=6
/txt/6barokko01.shtml
meget.kiev.ua/arhitektura/barokko/
/wiki/Music_Baroque
/wiki/Music_of_the_classicism_period
/wiki/Klasycyzm
/wp-content/uploads/2008/10/franz-schubert.jpg
/alb15954/ft505476/
arosh.at.ua/dir/
www.aze.az/news_v_centre_culture_53175.html
/sztuka/muzyka/kompozytor/weber/weber_816431914_tonnel.shtml
/2010/Notatki/Nomer5/BerkovicH2.php
/muzyka/klasyka/strona/21/
/community/musicworldnews/tag/%e4%e0%f2%fb
/showthread.php?p=2475118
meget.kiev.ua/arhitektura/romantizm/
meget.kiev.ua/arhitektura/gotika/
/info.php?id=44&s=9&PHPSESSID=n89n43q5fvu0gi3ilto64dbb16
