Philipp Otto (Runge, Philipp Otto) 1777, Waolgast, Pomorze - 1810, Hamburg. Niemiecki malarz, rysownik. Studiował w latach 1799-1801 w Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze u N. Albigora, następnie w Dreźnie (1801-1803). Od 1804 pracował w Hamburgu. We wczesnej pracy Runge'a Triumf miłości (1801, Hamburg, Kunsthalle) odwołanie się do monochromatycznej kompozycji w postaci płaskorzeźby z puttami, surowa akademicka maniera rysunku świadczy o wpływie maniery jego nauczyciela, profesora Akademii Kopenhaskiej Albigor. Podobnie jak w rysunkach Albigora, fabuła jest interpretowana przez młodego artystę głęboko emocjonalnie. Pod wpływem przebywającego we Włoszech znawcy sztuki antycznej Albigora ukształtowało się zainteresowanie artysty dziedzictwem klasycznym. W 1800 r. Runge zapoznał się z kopiami rysunków J. Flaxmana do dzieł Homera i Ajschylosa, które brat Daniel wysłał mu z Niemiec do Kopenhagi, przeczytał o nich artykuł A. V. Schlegela w czasopiśmie Ateneum (1799). Wpływ rysunku liniowego Flaxmana, a także ilustracji Korneliusza do Fausta Goethego (1808), jest wyczuwalny w ilustracjach Runge'a do Iliady Homera i pracach nad tematami pieśni Osjana. Artysta tworzy jednak własny styl rysowania piórkiem i pędzlem, w którym znaczącą rolę przypisuje się efektom światłocienia. Rysunki Runge'a odzwierciedlały przedromantyczne nastroje przełomu XVIII i XIX wieku. Znaczące miejsce w twórczości Runge zajmował portret. Portret naszej trójki (1805) i dwa autoportrety artysty (1805, 1806, wszystkie - Hamburg, Kunsthalle) wyrażają koncepcję portretu romantycznego. Przedstawia siebie w chwilach różnych duchowych poruszeń – głębokiego wzburzenia lub melancholii, pogrążonych w świecie myśli, jakby sam na sam ze sobą. Właściwie autoportret z bratem Danielem i żoną Poliną jest także portretem naszej trójki, gdzie poczucie melancholijnej harmonii ogólnego nastroju portretowanych potęguje poetycki pejzaż górski, na tle którego ukazane są trzy postacie. Jako artysta romantyczny Runge często wybiera formę portretu parowego (Moi rodzice, 1806, Hamburg, Kunsthalle), co pozwala mu oddać świat ludzkich uczuć poprzez zestawienie charakterów, temperamentów i nastrojów. Portrety artysty przedstawiające dzieci (Dzieci z rodziny Huelsenbeck, 1805-1806; Portret syna, Otto Sigismund Runge, 1805, oba - Hamburg, Kunsthalle) dzięki bezpośredniości obrazów, konkretnej reprodukcji natury i tła krajobrazu, antycypują twórczość niemieckich mistrzów wczesnego realizmu - Biedermeier. Dla kościołów niemieckich artysta stworzył płótna Odpoczynek w locie do Egiptu (1805-1806) i Chrystus chodzący po wodzie (1806-1807, oba - Hamburg, Kunsthalle). W gładkich konturach postaci, skrupulatnym odwzorowaniu szczegółów jasnego pejzażowego tła z fantastycznymi roślinami, powściągliwego, ale głębokiego wewnętrznego nastroju postaci, wyczuwalne są wpływy sztuki mistrzów północnego renesansu, studiowanie dzieł Dürera. W późniejszych latach, pod wpływem nauk niemieckiego mistyka J. Boehmego, artysta zainteresował się symboliką koloru, problematyką związku koloru z harmonią muzyczną. Runge wyraził te idee w swoim traktacie Koło kolorów. Płótna czteroczęściowego cyklu powstałego w 1807 roku (Poranek, Południe, Wieczór, Noc) miały służyć czytaniu muzyki i poezji. Artysta zamierzał wyrazić w nich ideę ciągłego ruchu w życiu natury i człowieka, harmonii ich współistnienia, która niepokoiła romantyków. Na płótnie cyklu stworzonym przez Runge (Poranek, 1808, mała wersja; Poranek, 1808-1809, duża wersja, oba - Hamburg, Kunsthalle) niebieskie, białe i różowe kolory widma symbolizują przebudzenie natury. Szybujące postacie kobiece otoczone puttami i wiosennymi kwiatami tworzą iluzję ruchów tanecznych, którym towarzyszy akompaniament muzyczny. Wiele rysunków artysty (Hamburg, Kunsthalle) poświęconych jest temu samemu motywowi romantycznemu. Twórczość Runge, jako największego artysty romantycznego, wywarła znaczący wpływ na późniejszy rozwój sztuki niemieckiej i europejskiej XIX wieku.
Dosł.: Einem H. Philipp Otto Runge. Das Bildnis der Eltern. Stuttgart, 1957; Fraeger I. Philipp Otto Runge und sein Werk. Monachium, 1975; Jensen J Ch. Filipa Otto Runge. Leben und Werk. Kolonia, 1977; Betthausen P. Philipp Otto Runge. Lipsk, 1980.
- - jednoetapowa metoda numerycznego rozwiązywania problemu Cauchy'ego dla układu równań różniczkowych zwyczajnych postaci Główną ideę R.-K. m. zaproponował K. Runge, a następnie rozwinął V. Kutta i in. ....
Encyklopedia matematyczna
- - dziedzina Runge'a pierwszego rodzaju, - dziedzina G w przestrzeni zmiennych zespolonych, która ma tę właściwość, że dla dowolnej funkcji f holomorficznej w G istnieje ciąg wielomianów zbiegających się w G do f...
Encyklopedia matematyczna
- – niemiecki malarz, grafik i teoretyk sztuki. Jeden z twórców romantyzmu w malarstwie niemieckim. Studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze i Dreźnie...
Encyklopedia sztuki
- - Philipp Otto 1777, Waolgast, Pomorze - 1810, Hamburg. Niemiecki malarz, rysownik. Studiował w latach 1799-1801 w Kopenhaskiej Akademii Sztuk Pięknych u N. Albigora, następnie w Dreźnie. Od 1804 pracował w Hamburgu...
Sztuka europejska: malarstwo. Rzeźba. Grafika: Encyklopedia
- - w nim. trupa Mir w Petersburgu. 1799-1800...
- - sztuka. śpiewaczka operowa i kameralna. Studiowała śpiew w Petersburgu u Z. Grenning-Vilde. W latach 1892-1901 była solistką Petersburga. Maryjski t-ra. Później występowała w prywatnych zespołach operowych. 1. hiszpański role: Brigitte, Tanya...
Wielka encyklopedia biograficzna
- - akademik Rosyjskiej Akademii Nauk Przyrodniczych; urodził się 24 czerwca 1937 roku w rejonie Moskwy...
Wielka encyklopedia biograficzna
- - rzeźbiarz, pracował w Pałacu Zimowym w 1838 roku....
Wielka encyklopedia biograficzna
Temat wykładu: Studia nad kolorem w XIX-wiecznej Europie. Philippe Otto Runge i Michel Eugene Chevreul.
Różne źródła, w większości Wikipedii oraz Hiszpańska Encyklopedia Kolorów. Na stronie o godz Michałkiewicz ta kwestia jest omówiona w minimalnym stopniu, więc nie cytuję jej w tym temacie.
Tak więc na ostatnim wykładzie rozważaliśmy kolorowa kula Filipa Otto Runge. Dodam trochę o nim.
Filipa Otto Runge (Niemiecki Philipp Otto Runge, 23 lipca 1777, Wolgast - 2 grudnia 1810, Hamburg)- niemiecki malarz romantyczny, największy - wraz z Caspara Davida Friedricha- przedstawiciel romantyzm w niemieckich sztukach plastycznych.
Autoportret Philipa Otto Runge, 1802-1803
Urodzony w wielodzietnej rodzinie stoczniowców na Pomorzu Zachodnim, będącym wówczas pod kontrolą Szwecji. Jego nauczycielem w szkole był Ludwig Kosegarten. Od 1799 roku, dzięki finansowemu wsparciu brata (później dzięki jego staraniom ukazywały się artykuły, listy i notatki artysty), studiował malarstwo u Jensa Yuela w akademii w Kopenhadze. W 1801 związał się w Dreźnie z KD Friedrich oraz przez Ludwiga Tika zagłębiał się w mistyczne traktaty Boehme zwrócono mu uwagę Tek. W 1803 poznał i zaprzyjaźnił się z Goethego, z którym dzielił zainteresowanie problematyką koloru, poszukiwania przyrodniczo-filozoficzne i przyrodnicze obu, żywiąc się różnymi źródłami, szły w podobnym kierunku: Goethego, który zawsze był bardziej niż powściągliwy romantyzm, mówił z niesłabnącą aprobatą o kreatywności i teoretyzowaniu Runda. W 1804 ożenił się i przeniósł do Hamburga. W 1810 roku opublikował traktat o separacji kolorów i klasyfikacji kolorów. „Kolorowa kula” (Goethego „Nauka o kolorze” pojawił się w tym samym roku). W ostatnich latach pracował nad wielką mistyczną i filozoficzną koncepcją obrazkową „Cztery pory dnia”, praca pozostała niedokończona. Zmarł na gruźlicę.
Kula koloru Runge.
Hiszpańska encyklopedia kolorów (str. 788, pełne szczegóły encyklopedii patrz profil społeczności) w sprawie badań mistycznych Runda w dziedzinie koloru (moje tłumaczenie, przepraszam za niezdarność, język encyklopedyczny jest bardzo specyficzny):
„Symboliczne spirytualistyczne zabarwienie, empiryczne, raczej Goethowskie niż Newtonowskie, które definiuje badania Runda w dziedzinie mieszania ruchomych dysków, przezroczystości i szkliw, nieodłącznie związanych z proporcją Runda pokolorować, począwszy od około 1803 roku (czas znajomości Runda Z Goethego i jego wyrażenie z mistyczny trójkąt relacje między podstawowe kolory subtraktywne oraz Święta Trójca w kształcie " niebieski - ojciec, czerwony - Syn, oraz żółty - Duch Święty).
Do 1809 roku Runda również mowa Zielony tonacja ( życie) do świata fizycznego i niebieski i fioletowy("zimno") do świata kobiet, jak również czerwony (miłość) do idealnego świata i pomarańczowy i żółty ("ciepły") męskiemu światu i przedstawił te skojarzenia w formie gwiazda sześcioramienna, który stanowi podstawę jego systemu kolorów. W następnym roku opublikował swoją słynną książkę „Farbenkugel” ( „Kolorowa kula”) , rozpoczęty pod koniec 1806 roku, w którym ostatecznie opisał swój system teorii kolorów.
Michel Eugene Chevreul
(Francuski Michel Eugène Chevreul; 31 sierpnia 1786 - 9 kwietnia 1889)- Francuski chemik organiczny, członek korespondent zagraniczny Akademii Nauk w Petersburgu (1853).
Biografia Chevreula
Chevreul urodził się w r Złość w rodzinie dziedzicznych lekarzy. w wieku 17 lat Chevreul udał się do Paryża i wstąpił tam do laboratorium chemicznego L.N. Vokelana później został jego asystentem w w ogród Botaniczny. w 1813 r Chevreul został mianowany profesorem chemii w Liceum Karolingów, a później został dyrektorem Manufaktura Gobelinów gdzie prowadził badania kontrast kolorów („Zasady jednoczesnego kontrastu kolorów, 1839)” . w 1826 r Chevreul został członkiem Akademia Nauk, aw tym samym roku Howl został wybrany członkami zagranicznymi Towarzystwo Królewskie w Londynie, którego medal (Medal Copleya) otrzymał w 1857 r. W 1829 został wybrany członkiem zagranicznym Szwedzka Królewska Akademia Nauk.
Chevreul zastąpił swojego pana, Wakelana, a jako profesor chemii organicznej w Narodowe Muzeum Historii Naturalnej w 1833 r., a 33 lata później został także jej dyrektorem i piastował tę funkcję do 1879 r., choć po odejściu z tego stanowiska zachował profesurę. Na stulecie w 1886 r szewrel został nagrodzony złotym medalem, stał się wydarzeniem ogólnopolskim. Otrzymał listy z podziękowaniami od wielu głów państw i monarchów, m.in królowa Wiktoria. Miał nagraną całą serię spotkań Feliks Nadar podczas którego syn Nadra Paweł sfotografował go, więc był to pierwszy wywiad fotograficzny w historii. Z pewnością był to odpowiedni hołd dla człowieka, który przetrwał to wszystko rewolucja Francuska i dożył dnia otwarcia Wieża Eiffla.
Ironicznie, Chevreul zaczął badać skutki starzenia się organizmu człowieka na krótko przed swoją śmiercią, która miała miejsce w Paryżu 9 kwietnia 1889 roku. Uhonorowano go publicznym pogrzebem. W 1901 roku w muzeum, któremu poświęcił tyle lat swojego życia, odsłonięto pomnik ku jego pamięci.
dzieła Chevreula
Prace naukowe Chevreul obejmował wiele dziedzin, ale najbardziej znany jest ze swoich klasycznych badań nad tłuszczami zwierzęcymi, opublikowanych w 1823 roku. („Badania cząstek tłuszczowych pochodzenia zwierzęcego”).
To pozwoliło mu odkryć prawdziwą naturę mydła; a także był w stanie otworzyć kompozycję stearyna, biała substancja znajdująca się w stałych częściach większości tłuszczów roślinnych i zwierzęcych oraz oleina, płynną część dowolnego tłuszczu i wyodrębnić kwasy stearynowy i oleinowy, których imiona też wymyślił. Ta praca doprowadziła do ważnych ulepszeń w produkcji świec.
Chevreul był nieprzejednanym wrogiem szarlataneria i absolutny sceptyk co do badań fizyki spirytyzm które wtedy się zaczęło (patrz jego praca „O magicznej różdżce i obrotowych stołach”, 1864). Jego badania nad magicznym wahadłem („magiczne wahadło”, chciałoby się przetłumaczyć jako „magiczne pendel”, przyp. tłumacza, czyli ja), różdżkarstwo i obrotnice są rewolucyjne. W jego pracy „O magicznej różdżce” Chevreula wyjaśnia, w jaki sposób reakcje mięśni człowieka, całkowicie mimowolne i podświadome, są odpowiedzialne za ruchy przypominające magię. Na końcu Chevreul odkrywa, że gdy tylko osoba trzymająca winorośl lub magiczne wahadło zdaje sobie sprawę z reakcji swojego mózgu, ruchy natychmiast ustają i nie mogą już być odtwarzane do woli.
Chevreul był również wpływowy w świecie sztuki. Po tym jak został mianowany dyrektorem zakładów farbiarskich przy ul Manufaktura Gobelinów w Paryżu otrzymał wiele skarg na używaną tam farbę. W szczególności, czarny kolory wyglądały inaczej obok niebieski. Ustalił, że na postrzegany kolor przędzy (nici) miały wpływ otaczające ją nici. To doprowadziło go do koncepcji jednoczesny kontrast.
OD Chevreul również związane z pojęciem „Iluzja Chevreula”- gdy jasny pasek pojawia się wzdłuż krawędzi kwiatów tego samego koloru, ale o różnym nasyceniu, położonych obok siebie.
Leonardo da Vinci, być może jako pierwsi zauważyli, że kolory obserwowane obok siebie wpływają na siebie. Goethego, jednak jako pierwszy zwrócił szczególną uwagę na te związane kontrasty, ale nadal upierał się, że pochodzą one z mózgu. Obserwator, który równocześnie patrząc na to samo czerwony, ale najpierw na żółtym tle, i wtedy na fioletowo, będzie miał dwa różne wrażenia: w pierwszym przypadku ciemniejsza czerwień, w sekundę - bardziej pomarańczowo-czerwony. Chevreul udało się ustalić różnicę między tymi dwoma sposobami występowania jednoczesny kontrast, a mówił zarówno o zmianach nasycenia, jak i różnicach w „zawartości optycznej”. Teraz wiemy na pewno o trzy czynniki, które mogą zastępować się nawzajem pod wpływem otoczenia o innym kolorze. Te trzy czynniki są związane z przestrzennym systemem kolorów i nazywane są jasność, odcień i nasycenie. Ten sam kolor będzie miał jaśniejszy efekt na ciemnym tle i ciemniejszy efekt na jasnym tle; czysta czerwień będzie miała bardziej czerwony efekt na żółtym tle i bardziej żółty efekt na bardziej czerwonym tle; szaro-czerwony będzie miał bardziej kolorowy efekt (mniej szarości) na szarym tle niż na kolorowym.
Wrócić do Chevreul, który w swojej pracy z 1839 roku pokazuje, że kolor nada sąsiedniemu kolorowi dodatkowy odcień. W rezultacie przeciwny kolor dopełniający będzie wydawał się jaśniejszy, a kolory dopełniające będą wyglądać na „brudne”, na przykład żółty obok zielonego nabierze fioletowego odcienia.
Obowiązywały prawa kontrastu kolorów Chevreul podczas poszukiwań odpowiedniej organizacji kolorystycznej wymaganej do produkcji tekstyliów. W tym celu się rozwinął koło 72 kolorowych segmentów, który jest określony.
Okrąg definiuje odcienie w oparciu o różne zmiany, jakim ulegają kolory w kierunku bieli (wyższa intensywność) lub czerni (mniejsza intensywność). Za pomocą Chevreul, możliwa jest gradacja 10 przejść.
Warto zauważyć, że w swoim kole kolorów, Chevreul umieszcza każdy z nasyconych kolorów w innym promieniu w swoim segmencie. Czysty żółty leży bliżej środka niż czysty niebieski. Czysta czerwień znajduje się w punkcie 15 na skali. W ten sposób wartości jasności odcienia dla różnych pigmentów są umieszczone w bardziej odpowiednim miejscu niż w poprzednich systemach.
W koło kolorów Chevreul znajdujemy 3 kolory drugorzędne (mieszanki podstawowe - pomarańczowy, zielony i fioletowy) wraz z trzema subtraktywnymi kolorami podstawowymi (czerwony, żółty, niebieski) oraz sześcioma domieszkami drugorzędnymi. Powstałe w ten sposób segmenty są zatem podzielone na sześć stref, a każdy promień jest podzielony na 20 sekcji na klatce schodowej, aby wskazać różne poziomy jasności.
W jego półkula Chevreul próbował przestrzennie przedstawić kolory jako dwukierunkowe (2D) koło kolorów. Czarna oś półkuli staje się wskazówką, kierującą na określony poziom skali. Numeracja będzie określać proporcje koloru, np. 9B/1C oznaczałoby, że 9/10 czerni i 1/10 odpowiedniego koloru tworzy dany odcień.
Chevreul był przekonany, że wiele różnych odcienie koloru i oni Harmonia można zdefiniować za pomocą relacji między liczbami, a on chciał, aby jego system kolorów był odpowiednim narzędziem, dostępnym dla wszystkich artystów i osób pracujących z kolorowym materiałem. Chociaż jego systemy harmonii, które opisał jako „Harmonia analogów” oraz „Harmonia kontrastów”, miał wielki wpływ, nie był w stanie odkryć prawa harmonii kolorów. Po prostu nie istnieje.
W następnym wykładzie opowiem o jeszcze 2-3 badaczach zajmujących się kolorem w XIX wieku. Mnóstwo rzeczy i osobowości.
Nie pozwolę mieć na swojej łodzi człowieka, który nie boi się wieloryba.
Niemiecki malarz romantyczny, grafik, zajmował się akwarelą, znany także jako utalentowany poeta i teoretyk sztuki. 
Urodzony w Wolgast (Meklemburgia). Podstawowe wykształcenie artystyczne otrzymał w Hamburgu.
Od 1799 do 1801 studiował w Akademii Kopenhaskiej u N. Abilgora. Na początku XIX wieku pracował pod wpływem nauczyciela. Jest to szczególnie odczuwalne w obrazie „Triumf miłości” (1801, Kunsthalle, Hamburg), napisanym w ściśle akademicki sposób. To płótno charakteryzuje się monotonią kompozycji. W tym czasie artysta zbliżył się do kręgu romantyków, na czele którego stali L. Tieck i F. Schlegel. Od 1801 do 1803 kontynuował naukę w Dreźnie. Ściśle komunikował się z drezdeńskimi romantykami. W tym okresie artysta poważnie przestudiował kopie ilustracji J. Flaxmana do dzieł Homera i Ajschylosa, zapoznał się z poświęconym im artykułem A. V. Schlegla, opublikowanym w czasopiśmie „Atenium” w 1799 r. Później, pod Wpływ tych rysunków i ilustracji Korneliusza na „Fausta” Goethego (1808) Runge wykonał serię obrazów do Iliady Homera. Indywidualny styl autora objawił się tu w szczególnej grze światła i cienia.
Runge miał szczególny sposób pisania, w którym wyczuwalny jest wpływ sztuki biedermeierowskiej. W swojej twórczości bliski był jeneńskiemu romantyzmowi. Pragnienie romantycznego przedstawienia świata znalazło odzwierciedlenie w portretach Runge, zwłaszcza w takich portretach jak „Nasza trójka” (1805, nie zachowany, dawniej – Kunsthalle, Hamburg), „Autoportret” (1805, 1806, Kunsthalle , Hamburg), „Portret syna, Otto Sigismund Runge” (1805, Kunsthalle, Hamburg), „Dzieci z Huelsenbeck” (1805-1806, Kunsthalle, Hamburg), „Moi rodzice” (1806, Kunsthalle, Hamburg). Bohaterowie portretów harmonijnie wyłaniają się na tle pejzażu, co pomaga ujawnić ich stan psychiczny, emocjonalny: niepokój, podniecenie, melancholię, smutek, zamyślenie. Manierę twórczą artysty cechuje szczerość, spontaniczność i realizm w przedstawianiu modeli i pejzaży. Sformułowane przez artystę motto: „Wszystko ciąży ku pejzażowi, który ogarnia wszechświat” odzwierciedla jego stosunek do pejzażu.
Będąc artystą romantycznym, Runge często sięga po formę portretu parowego, co daje mu możliwość ukazania złożonego świata ludzkich emocji i uczuć przeplatających się z różnorodnością charakterów i temperamentów.
W 1804 Runge przeniósł się do Hamburga, napisał szereg prac teoretycznych o sztuce.
Najbardziej znana była kompozycja „Color Sphere”, w której podana jest interpretacja symbolicznego znaczenia kolorów.
Późny okres twórczości Runge charakteryzuje się pojawieniem się szczególnej symboliki kolorystycznej oraz harmonijnym połączeniem muzyki i koloru, które wynikają z silnej pasji artysty do nauk niemieckiego mistyka J. Boehme. Do tego czasu przynależy idea cyklu składającego się z czterech płócien: „Poranek”, „Południe”, „Wieczór”, „Noc”. Zdaniem autora należało je odbierać za pomocą muzyki i czytania poezji. Cykl ten jest ciągłym ruchem, rozwojem, harmonijnym połączeniem życia człowieka i natury. Na przykład na obrazie „Poranek” (mała wersja, 1808; duża wersja, 1808-1809, oba w Kunsthalle w Hamburgu) kolory niebieski, biały i różowy symbolizują przebudzenie natury. Kobiety, otoczone aniołami i kwiatami, jakby unosiły się w powietrzu, tworzą atmosferę tańca.
FO Runge wpłynął na późniejszy rozwój sztuki niemieckiej i europejskiej.
SZCZEGÓŁ PHILIP OTTO (Szczegół Philipp Otto)
Autoportret, 1802-1803
Niemiecki artysta i teoretyk, jeden z liderów romantyzmu w niemieckich sztukach plastycznych.
Urodzony w Wolgast (miasto na terenie dzisiejszej Polski) w rodzinie handlowca-właściciela statku. W wieku osiemnastu lat przyjechał do Hamburga, aby studiować handel, ale wkrótce (w 1897 r.) poczuł zamiłowanie do malarstwa i zaczął pobierać prywatne lekcje rysunku.
W latach 1799-1801 studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze u słynnego duńskiego malarza i rysownika N. Abilgora, następnie w Dreźnie (1801-1803), gdzie poznał poetę i myśliciela Johanna Wolfganga Goethego.
W tych latach Duńczyk N. Abilgor wywarł na niego szczególny wpływ swoim wyraźnym klasycznym stylem rysowania. Doświadczyłem też zauważalnego wpływu J. Flaxmana.
Pod wpływem mieszkającego we Włoszech Abilgora ukształtowało się zainteresowanie Runge starożytnością i malarstwem klasycznym. We wczesnej pracy - obrazie „Triumf miłości” (1801, Kunsthalle, Hamburg) - kompozycja z postaciami puttów w formie płaskorzeźby jest wykonana w trybie monochromatycznym. Ściśle klasyczna konstrukcja kompozycji świadczy o wpływie tradycji akademickiej, w szczególności Abilgora.W 1800 roku artysta zapoznał się z rysunkami J. Flaxmana do dzieł Homera i Ajschylosa, czytał o nich artykuły A. V. Schlegla w magazyn Ateneum (1799). Wpływ linearnego rysunku angielskiego artysty przejawiał się w ilustracjach Runge do Iliady oraz na tematach popularnych wśród europejskich mistrzów epoki przedromantycznej Pieśni Osjana. Runge tworzy jednak swój własny styl rysowania piórkiem i pędzlem, który zbudowany jest na cienkiej efemerycznej linii, ale efekty światła i cienia odgrywają w nim znaczącą rolę. Rysunki Runge'a odzwierciedlały przedromantyczne nastroje w sztuce europejskiej końca XVIII wieku.
W latach 1802-03 R. pracował nad kompozycją alegoryczną The Times of the Day.
Po powrocie do Hamburga w 1803 malował i jednocześnie pracował w firmie handlowej swojego starszego brata Daniela. Od 1804 mieszkał głównie w Hamburgu.
Artysta przez całe życie zwracał się ku portretowi, który stał się ulubionym gatunkiem romantyków.
Na płótnie „My Three” (1805, zginęli w pożarze w 1931) i dwóch autoportretach artysty (1805, 1806, wszystkie z Kunsthalle w Hamburgu) koncepcja europejskiego portretu romantycznego jest wyraźnie wyrażona. Runge przedstawia siebie w chwilach różnych poruszeń duchowych – wzburzenia, melancholii, pogrążenia w zamyśleniu. Płótno „Nas troje” to także autoportret, na którym artysta przedstawił się ze swoim bratem Danielem i żoną Poliną (obraz nie zachował się). Poczucie melancholijnej harmonii ogólnego nastroju portretowanych potęguje górski pejzaż, na tle którego przedstawione są postaci.
Portret ten, podobnie jak często spotykane wśród romantyków portrety parowane, symbolizuje braterską przyjaźń, duchową bliskość, ale także podkreśla wewnętrzne duchowe różnice, indywidualność natur. Runge często odwołuje się do formy portretu parowego (Moi rodzice, 1806, Kunsthalle, Hamburg), który pozwala oddać świat ludzkich uczuć w zestawieniu charakterów i nastrojów. Portrety przedstawiające dzieci („Dzieci Huelsenbeck”, 1805-1806; „Portret syna”, 1805; oba - Kunsthalle, Hamburg) szczera bezpośredniość w reprodukcji natury wyprzedzają twórczość mistrzów wczesnego realizmu - Biedermeier.
Zgodnie z romantycznymi aspiracjami epoki i odwoływaniem się artysty do tradycji narodowej, motywy z historii narodowej. Dla kościołów niemieckich tworzy płótna „Odpoczynek podczas ucieczki do Egiptu” (1805-1806) i „Chrystus chodzący po wodach” (1806-1807; oba - Kunsthalle, Hamburg). W gładkim zarysie postaci, odwzorowaniu szczegółów jasnego tła krajobrazu z fantastycznymi roślinami, głębokiej duchowej koncentracji postaci, można wyczuć wpływ mistrzów północnego renesansu, studium dzieł Dürera.
Suma mistycznych nastrojów mistrza, z jednej strony inspirowana naukami J. Boehmego, z drugiej związana z poszukiwaniem estetycznego absolutu, charakterystyczna dla romantyzmu w ogóle, miała być czteroczęściowy cykl The Times of the Day, symbolizujący połączenie człowieka z naturą, miał być pokazany w formie ściennych paneli do czytania muzyki i poezji, ze specjalnym oświetleniem. Rysunki przygotowawcze do cyklu, z ich ornamentyczno-rytmicznymi emblematami, a także czarująco baśniowy Kolorowy poranek (jedyny szkic malarski wykonany w latach 1808-1809) należą do szeregu oryginalnych antycypacji symbolizmu i nowoczesności.
Już w 1802 roku Runge wymyślił obrazkowy cykl przedstawiający pory dnia. Zastępujące się ranek, popołudnie, wieczór i noc były dla romantyków symbolem zarówno życia ludzkiego, jak i ziemskich dziejów; uosabiali odwieczne prawo, zgodnie z którym wszystko na świecie rodzi się, rośnie, starzeje i odchodzi w zapomnienie - aby ponownie się odrodzić. Runge głęboko odczuwał tę uniwersalną jedność, a także wewnętrzne pokrewieństwo różnych rodzajów sztuki: zamierzał wystawić The Times of the Day w specjalnie zaprojektowanym budynku, któremu towarzyszyła muzyka i tekst poetycki. Runge nie miał dość życia, aby zrealizować swój plan: z czterech obrazów tylko jeden, „Poranek”, został ukończony. Jest naiwna i bystra, jak z bajki. Niemowlę leżące na żółto-zielonej łące symbolizuje wschodzący dzień; kobieca postać na tle złotego nieba i liliowych odległości - starożytna rzymska bogini poranka, Aurora. Pod względem świeżości barw i lekkości przejść tonalnych obraz ten znacznie przewyższa wcześniejsze prace artysty. „Czasami – pisał Runge – kolor ekscytuje swoją bladością, a czasem przyciąga głębią. Kiedy bardziej pociąga Cię zieleń łąki, bogactwo barw zroszonej trawy, delikatne listowie młodego buczyny lub przejrzysta zieleń fali? A kiedy znajdują się w błyszczących promieniach słońca lub w spokoju cienia? W różnorodności kolorów, w skomplikowanych relacjach koloru, światła i cienia artysta widział klucz do tajemnic Wszechświata, objawienie Ducha Świata - tak niektórzy romantycy nazywali Boga, który wydawał im się rozpuszczony w Natura. „Nie jesteśmy w stanie wyrazić, jak każdy kolor nas dotyka”, powiedział przyjaciel Runge, niemiecki pisarz romantyczny Ludwig Tieck, „ponieważ kolory przemawiają do nas łagodniejszym językiem. To jest Duch Świata i raduje się, że może dać wyobrażenie o sobie na tysiąc sposobów, ukrywając się przed nami ... Ale ogarnia nas tajemna magiczna radość, poznajemy siebie i pamiętamy jakąś starożytną, niezmierzoną błogie duchowe zjednoczenie.
Wielki poranek, 1809-10, Kunsthalle, Hamburg
Mały poranek, 1809-10, Kunsthalle, Hamburg
Uważając optykę kolorów za klucz do sztuki przyszłości, Runge korespondował na ten temat z Goethe. Wyróżniwszy trzy kolory podstawowe (żółty, czerwony, niebieski) i trzy pochodne (pomarańczowy, fioletowy i zielony), podsumował swoje przemyślenia i eksperymenty w książce „The Ball of Colors, or the Construction of Relationships between All Mutual Mixtures of Colors” i ich całkowite powinowactwo” (Farbenkugel oder Construction des Verhältnisses aller Mischungen der Farben zu einander und ihrer vollstandigen Affinität, 1810), co było niezwykłym etapem rozwoju optyki postnewtonowskiej, wciąż zachowującym zainteresowanie artystyczne i praktyczne.
Książka została opublikowana w 1810 roku, roku śmierci Runge'a.
Runge zmarł młodo, pozostając wiernym protestanckiej zasadzie, że sztuka piękna powinna mieć duchowy cel.
W latach 1840-1841 ukazały się dwa tomy jego pism (wraz z Balem kwiatowym - dwie baśnie skomponowane przez Runge w dialekcie dolnoniemieckim w Plattdeutsch i włączone do Opowieści braci Grimm: O rybaku, jego żonie i jałowcu, oba 1806, wraz z spuścizną epistolarną).
Runge wykonał kilka autoportretów
FO Runge. Rano (mała wersja). Masło. 1808. (Patrz załącznik 63) W XIX wieku niemiecki romantyk Philipp Otto Runge pracował nad serialem The Times of the Day. Najpierw pojawiły się rysunki, następnie na ich podstawie wydano dwukrotnie cztery ryciny „Poranek”, „Dzień”, „Wieczór” i „Noc”. Następnie artysta zamierzał stworzyć na podstawie tych motywów duże malownicze panele. Runge wywodził się z idei bliskości wszystkich sztuk, zwłaszcza malarstwa, literatury i muzyki. Jej ideę łatwiej zrozumieć z własnego komentarza autora, gdyż w obrazach tradycyjne figury alegoryczne połączono z obrazami generowanymi przez wyobraźnię artysty, a każdy element, w tym kwiat czy źdźbło trawy, miał znaczenie symboliczne. Ponadto w malowniczych panelach założono, że kolory będą miały również pewne znaczenie symboliczne. Program Runge'a świadczył o tym, że rozumie on pory dnia nie tylko jako zmianę poranka i dnia, wieczoru i nocy, ale jako odbicie boskiego Wszechświata, jego doskonałości, wszechprzenikającej i twórczej mocy. Obrazy miały więc swoisty „ikoniczny” początek, trzeba było stanąć przed nimi i z modlitwą wsłuchać się w tajemnicze dźwięki dochodzące z wyższych, niebiańskich sfer.
Główną warstwą alegorii są zmartwychwstałe obrazy starożytnych mitów, o których mówił Winckelmann. Tam, gdzie pojawiła się jedna alegoria, należy spodziewać się innej. Skrzydlaty młodzieniec przedstawiony jest z przewiązanymi wstążką oczami, u stóp róg obfitości. To Życzliwość, potomek szczęścia i piękna. Słowo „przysługa”, czyli przysługa, jest po łacinie rodzaju męskiego, dlatego ta alegoria jest reprezentowana przez postać młodzieńca. Róg obfitości wskazuje na bogactwo, a opaski na oczy to znak, że łaska może być ślepa. Młoda nimfa jest ukoronowana kwiatami, uskrzydlona, jej różowy rydwan jest ciągnięty przez Pegaza, w jej rękach są róże i gasnąca pochodnia. Widzimy Aurorę - bóstwo początku dnia...
Z symbolami sytuacja jest jeszcze trudniejsza. Ich świat jest znacznie szerszy. Są to rośliny, zwierzęta, przedmioty, kwiaty, litery i cyfry. Fałdy ubrań, postawa, wyraz twarzy mogą być symboliczne. Oto kilka przykładów. Zawilec to kwiat smutku i śmierci. Jego wizerunek pojawił się w legendzie o Adonisie, który zmarł na łożu ukwiałów, na płatkach których same pojawiały się czerwone plamy. W scenach ukrzyżowania Chrystusa jest to znak smutku Maryi, jego matki. Liczba jeden jest źródłem innych liczb, symbolem jedności. Dwa - wskazówka na ludzką i boską naturę Chrystusa, wskazanie na płeć żeńską, która jest podzielna, czyli reprodukuje potomstwo.
Symbole często pojawiają się w tych epokach, w których szerzy się idea podwójnych światów. Tak było w romantyzmie, w symbolice. Alegorie pojawiają się w renesansie, klasycyzmie. Tak czy inaczej, są istotną częścią naszego dziedzictwa kulturowego. Przez długi czas w naszym społeczeństwie traktowano ich z pogardą lub podejrzliwością. Wydawało się, że stoją w sprzeczności z potrzebą realistycznego odzwierciedlenia rzeczywistości, prowadzą świadomość w obce nam światy. Tak naprawdę zarówno symbole, jak i alegorie to inny sposób i inny poziom pojmowania rzeczywistości, a mistrzowie różnych epok chętnie się do nich zwracali.
