Preludium i fuga c-moll z pierwszego tomu The Well-Tempered Clavier
Wśród utworów Clavier Bacha dużą wartość artystyczną ma 48 preludiów i fug, które składają się na dwa tomy (po 24 preludia i fugi każdy). Ta praca została nazwana „The Well-Tempered Clavier”.
Liczba spektakli nie była przypadkowa. Bach napisał na klawesyn nowego projektu w tym czasie. Klawiatura tego instrumentu została podzielona na równe interwały - półtony, czyli równomiernie temperowane. Oktawa zaczęła zawierać 12 równych półtonów. Umożliwiło to utworzenie 12 tonacji durowych i 32 tonacji mollowych. Bach postawił sobie za cel praktyczne udowodnienie, że w systemie równomiernie temperowanym wszystkie 24 klawisze są jednakowe i brzmią równie dobrze. Udowodnił to dwukrotnie, pisząc 48 preludiów i fug we wszystkich tonacjach durowych i mollowych (przed Bachem używano tonacji z niewielką liczbą znaków tonacji. ( Ten materiał pomoże kompetentnie pisać na temat Preludium Bacha. Streszczenie nie pozwala na zrozumienie całego sensu pracy, dlatego materiał ten będzie przydatny do głębokiego zrozumienia twórczości pisarzy i poetów, a także ich powieści, opowiadań, opowiadań, dramatów, wierszy.) Powodem był nierówny temperament instrumentów. Oktawa nie była podzielona na równe interwały, klawisze z wieloma znakami brzmiały fałszywie. To znacznie ograniczało możliwości wykonawcze, hamowało kreatywność kompozytorów).
Preludium i fuga tworzą razem dwuczęściowy cykl polifoniczny. Podobnie jak tańce suity, preludium i fuga są w większości przypadków skontrastowane ze sobą. Wiele preludiów Bacha ma charakter improwizacyjny, ich konstrukcja nie jest związana z surowymi prawami. Często mają wyraźną podstawę akordową, homofoniczną. Fuga jest utworem stricte polifonicznym. Jednocześnie, podobnie jak suitę, preludium i fugę łączy nie tylko wspólna tonacja, ale także bardzo subtelne powiązania wewnętrzne, w każdym przypadku odmienne.
Takimi są na przykład preludium i fuga c-moll z pierwszego tomu The Well-Tempered Clavier.
Preludium wyróżnia się wyraźnym i energicznym rytmem. Szybkie tempo i jednolita faktura szesnastek) nadają muzyce wielką żywotność i ruchliwość. Właśnie taka ciągła płynność ruchu tkwi w preludiach magazynu polifonicznego.
W drugiej połowie preludium wyraźnie wyraźną część zastępuje szeroki „rozbieg” arpeggiowanych pasaży. Potem ruch ustaje - następuje krótki epizod (tylko jeden takt), przypominający solo recytatywne w utworze wokalnym. Wprowadza w preludium chwilę zadumy, zadumy. Ekspresyjne intonacje, zatrzymania w ruchu barwią muzykę patetyczną tonacją, nadają wypowiedzi ogromnego znaczenia. To niejako mądre „słowo” autora – kulminacja preludium. Potem przychodzi mały wniosek. Pasaże arpeggiowane stopniowo tracą asertywność, czemu sprzyja przedłużony bas w C. Ostatni dźwięk preludium - tercja wielka - maluje zakończenie w oświeconych tonach (w czasach Bacha triada durowa była postrzegana jako bardziej stabilna niż moll.).
Energiczna i żywa fuga wykazuje wyraźne podobieństwo do preludium. Słowo „fuga” po łacinie oznacza „bieg”. W muzyce fuga jest złożonym utworem polifonicznym, w którym jeden głos wydaje się doganiać inny lub odpowiadać na inny.
Większość fug opiera się na jednym temacie. Znacznie rzadziej spotykane są fugi podwójne i potrójne – dwu- i trzytematyczne. Fugu zawsze zaczyna się jednym głosem wprowadzającym temat. Podobnie jak w wynalazkach i „symfoniach”, temat fugi jest „ziarnem”, z którego wyrasta całe dzieło. W zależności od liczby głosów fuga może być dwugłosowa, trzygłosowa, czterogłosowa lub pięciogłosowa.
Fuga c-moll składa się z trzech części. Nazwy głosów fugi są takie same jak nazwy głosów w chórze: sopran, alt, bas. Fuga rozpoczyna się monofonicznym przedstawieniem tematu w głosie środkowym (altowym) w tonacji głównej. Trzykrotność głównego obrotu melodycznego, tempo bardziej umiarkowane niż w preludium, pewna taneczność rytmu, wdzięk i wdzięk sprawiają, że jest to szczególnie wytłoczone i dobrze zapamiętane.
Drugie prowadzenie powierzone jest głosowi wyższemu (sopranowemu) w dominującej tonacji g-moll. W tym miejscu temat otrzymuje nazwę „odpowiedź” lub „satelita”.
Po niewielkim, dwutaktowym interludium, zbudowanym na głównym zwrocie melodycznym tematu, zabrzmi po raz trzeci – basowym. Naprzemienne przedstawienie tematu w każdym z głosów stanowi pierwszą część fugi - jej ekspozycję (łac. Ekspozycja oznacza ekspozycję).
Drugie dwutaktowe interludium łączy ekspozycję ze środkową częścią fugi, rozwinięciem. Rozwój rozpoczyna się w Es-dur, tonacji równoległej do c-moll. Major maluje muzykę w jasnych kolorach. W fazie rozwoju temat rozgrywa się w różnych tonacjach. Ruch jest również aktywowany w przerywnikach.
Wraz z powrotem klucza głównego rozpoczyna się trzecia część fugi - repryza ("reprise" w tłumaczeniu z francuskiego - "wznowienie", "powtórzenie".). Temat brzmi tutaj tylko w tonacji głównej. Jego pojawienie się dalej w najniższym rejestrze nadaje dźwiękowi szczególnego znaczenia i odbierane jest jako zwieńczenie fugi. Bas podwaja oktawę, nadając muzyce moc brzmienia organów. Stopniowo ruch uspokaja się. Fuga kończy się akordem durowym, który po dramatycznej kulminacji brzmi szczególnie pouczająco.
Odmienny charakter preludium i fugi nie przeszkadza w postrzeganiu ich jako dwóch części jednego cyklu. Sprzyja temu oprócz jednolitej tonacji aktywność ruchu w obu utworach, ta sama lokalizacja i dramatyczny charakter kulminacji, wreszcie podobieństwo „zanikających” oświeconych konkluzji.
Jeśli praca domowa dotyczy tematu: » Preludium Bacha. Zagraniczni kompozytorzy Muzyka klasyczna okazał się dla Ciebie przydatny, będziemy wdzięczni za umieszczenie linku do tej wiadomości na swojej stronie w sieci społecznościowej.
(!LANG:Najnowsze wiadomości
Kategorie
Aktualności
Powiązane eseje
- Ważniejsze dzieła Sebastiana Bacha Dzieła wokalno-instrumentalne Msza h-moll „Pasja według Mateusza” i „Pasja według Jana” Kantaty świeckie i sakralne Dzieła orkiestrowe 4 Od 1708 Bach osiadł w Weimarze. Pełnił tu funkcję nadwornego muzyka i organisty miejskiego. W okresie weimarskim kompozytor stworzył Sebastiana Bacha Główne Nuty Dodatkowe Instrumentalne ^-instrumentalne-instrumentalne-wokal-instruAAntalny dodatkowe notatki Mesa h-moll „Pasja według św. Mateusza” i „Pasja według św. Jana” starożytnych Egipcjan, Greków, Rzymian. Pojawił się w krajach Europy Zachodniej w VII wieku.
- Test USE z chemii Odwracalne i nieodwracalne reakcje chemiczne Równowaga chemiczna Odpowiedzi
Odwracalne i nieodwracalne reakcje chemiczne. równowaga chemiczna. Przesunięcie równowagi chemicznej pod wpływem różnych czynników 1. Równowaga chemiczna w układzie 2NO(g).
Niob w stanie zwartym jest błyszczącym srebrno-białym (lub szarym w postaci proszku) metalem paramagnetycznym z sześcienną siecią krystaliczną skupioną na ciele.
Rzeczownik. Nasycenie tekstu rzeczownikami może stać się środkiem reprezentacji językowej. Tekst wiersza A. A. Feta „Szept, nieśmiały oddech ...”, w jego
Aby dowiedzieć się, jak iw jakich okolicznościach powstał mały cykl, należy prześledzić powstawanie każdego z jego elementów: samej fugi i preludium.
Praeludere (łac. „grać z wyprzedzeniem, przygotowywać się do gry”) powstało w improwizacjach organistów kościelnych, ustalając tryb (tryb) muzyki wykonywanej podczas nabożeństwa; z podobnymi improwizowanymi „wstępami” wykonawcy testowali strojenie i brzmienie swoich instrumentów. „Najwcześniejsze zachowane preludia organowe znajdują się w Tabulaturze Yleborga (1448), Fundamentum organisandi Paumanna (1452) i Buxheim Organ Book (1460-70).” Preludium nie charakteryzowało się określoną formą, dominował improwizacyjny początek, gdyż często pełniąc rolę instrumentu próbnego przed jakimkolwiek zagraniem, preludium nie tylko poprzedzało je muzycznie, ale często było z nim kontrastem. Cechami charakterystycznymi preludium są wykorzystanie od początku do końca jednego rodzaju faktury, swobodne opracowanie, figuratywne opracowanie materiału, często imitacja oraz elementy składu polifonicznego. W dojrzałych przejawach preludium jest „ważnym samodzielnym typem kompozycji, często bardzo rozwlekłej, której celem jest antycypacja charakteru i nastroju nabożeństwa, udzielenie poetyckiego komentarza muzycznego do tradycyjnego tekstu hymnu. Preludium chorałowe kultywowali północnoniemieccy poprzednicy Bacha, zwłaszcza Scheidt, Buxtehude, Pachelbel i Böhm.
Utwory podobne do preludiów miały też inne nazwy: preamble, intrada, richercar, fantasy, toccata.
Toccata, podobnie jak preludium, zrodziła się z „istoty gry instrumentalnej”, jednak nadal istnieją między nimi istotne różnice: „najprawdopodobniej toccata organowa i clavier wyrosła z fanfar trąbki, która otwierała uroczystości w późnym średniowieczu.. Pretorius ... wskazuje na magazyn akordów toccatas: grający na nim organista musi podawać proste, ale ozdobne akordy. W tym względzie należy zwrócić uwagę na różnicę między toccatą a preludium, którego charakter nie był z góry przesądzony przez uroczysty procesję, lecz miał swój początek w codziennym, liryczno-improwizacyjnym charakterze.
Gatunek fantasy jest jednym z najstarszych w muzyce instrumentalnej i sięga XVI wieku. W przeciwieństwie do wczesnych gatunków instrumentalnych, które miały ścisły związek z wokalnymi, fantastyka ma charakter improwizacyjny o charakterze właśnie instrumentalnym (bo pierwotnie była wykonywana na instrumentach szarpanych). Jego cechy „wyrażają się w odchyleniu norm konstrukcyjnych swoich czasów, niezwykłych kombinacjach„ terminów ”zwyczajnych dla tej epoki - strukturalnych i znaczących”. W interesującym nas okresie - epoce stylu surowego - gatunek fantasy odznaczał się wspaniałym rozkwitem.
Rozwijające się formy improwizacji (fantazje, preludia, toccaty) dzieliły się na dwa kierunki: „W XVIII wieku. zaczęto tworzyć preludia jako sztuki niezależne; jednocześnie... rozwinął się stabilny cykl preludium-fugi, w którym oba składowe wzajemnie się uruchamiają.
„Rezultatem ewolucji fantastyki pod koniec XVIII wieku… jest przemiana w preludium do fugi lub w samodzielną formę swobodną”.
Powstanie fugi, formy muzycznej, wobec której prawie żaden z kompozytorów różnych epok nie pozostał obojętny, przygotowała cała historia kontrapunktu, począwszy od XV wieku. Najstarszy typ rozwoju - wariacja - w renesansie rozwinął się w twórczości wielu kompozytorów w dobrze określone formy gatunkowe zarówno muzyki wokalnej, jak i instrumentalnej. Wszystkie łączyła dominująca wariacyjna zasada rozwoju. „Praktyka artystyczna końca XVI – pierwszej połowy XVII wieku dostarcza doskonałych przykładów wspólności form w takich gatunkach jak ricercar, canzona, fantastyka i wreszcie fuga… Ricercar stopniowo przekształcił się w fugę, canzone też częściowo połączona z fugą…., fantazja prowadziła zarówno do fugi, jak i do właściwej formy swobodnej fantazji, fugi, pierwotnie podporządkowanej zasadzie wariacji, pod wpływem dawnej sonaty, forma trzygłosowa i rondo, przezwyciężyło wariację i stało się manifestacją niezależnej zasady formy muzycznej.
Fuga (łac. - lot) początkowo oznaczała kanon, a kiedy termin „fuga” został ponownie przemyślany, nie można go dokładnie określić. Niektórzy badacze podają dokładniejsze daty, na przykład R. Gruber: „Giovanni Gabrieli przybliża bogatszy samochód do fugi za pomocą charakterystycznych motywów plastycznych i ich kontrapunktowego rozwoju… Słynny utwór organowy… 1595 jest zasadniczo pierwszym fuga, która do nas dotarła”. W dziele „Syntagma Musicum” (1619) niemieckiego teoretyka M. Pretoriusa fuga została już zdefiniowana we współczesnym znaczeniu: „Fuga to nic innego jak częste powtarzanie tego samego tematu w różnych miejscach. Nazywa się tak od słowa „biegać”, tj. jeden głos dogania drugi, śpiewając ten sam temat. Po włosku oznacza ricercare, co oznacza „odkrywać”, „szukać”, „znajdować”. Po tej właśnie figurze najlepiej ocenić talent muzyczny, czy potrafi on wydobyć dźwięki odpowiednie dla danego rodzaju melodii i połączyć je ze sobą w dobrą i godną pochwały sekwencję.
To było w ricercar z 16 wieku. określono cechy charakterystyczne dla fugi: komórka tematyczna, jej inwersje, podwyższenia, obniżki, ruchomy kontrapunkt, kombinacje stretta. Relacja temat-odpowiedź (lider-towarzysz) determinowała nie tylko sukcesję ekspozycyjną, ale także część kontynuacyjną. Później ricercar nabrał specyficznie instrumentalnego charakteru, aw „XVII wieku liczba zawartych w nim tematów została zredukowana do jednego – proces ten doprowadził bezpośrednio do fugi”. Jak widać, poszczególne składowe fugi szlifowano przez kilka wieków, wchłaniając (pochłaniając) zmiany charakterystyczne dla danego okresu historycznego i kulturowego.
„Jedną z tajemnic takiej odporności ujawnił ponad sto lat temu Ludwig Bussler, autor książki „Strict Style. Podręcznik prostego i złożonego kontrapunktu, imitacji, fug i kanonów w trybach kościelnych”: ze wszystkich form opartych na imitacji fuga jest najdoskonalsza, nie tylko dlatego, że może pomieścić w dalszym rozwoju wszystkie formy kontrapunktyczne, ale także dlatego, że łączy w sobie warunki największego rygoru i najbardziej nieograniczonej wolności.
„W epoce baroku głównymi formami cyklicznymi były suita, sonata da chiesa, Concerto grosso oraz forma składająca się z preludium (toccata, fantazja) i fugi”. Tak więc wielu badaczy zgadza się, że cykl preludium-fuga rozwinął się znacznie wcześniej niż w XVII wieku. A nawet „splatanie losów” preludium i fugi w iście polifonicznym stylu: przenikając się, oddziałując na wszelkie możliwe sposoby na przestrzeni wieków, te dwie różnorodne, heterogeniczne formy połączyły się w mocny tandem, błędne koło, „mikrowszechświat”. ”.
Wybitny współczesny kompozytor Valentin Silvestrov w jednym ze swoich wykładów muzycznych powiedział mniej więcej:"Фуга... Что такое этот музыкальный термин, можно понять, обратившись к Баху. Этого будет вполне достаточно".!}
Fuga: czym jest polifonia
Współczesny słuchacz postrzega fugę jako utwór świecki. Człowiek żyjący w XVII wieku był osobą głęboko religijną. Fugę wykonywano w kościele, kontynuowano rozmowę z Bogiem na modlitwie w zrozumiałym dla każdego języku o głębokich symbolach muzycznych i religijnych.
Dzieło Bacha związane jest z epoką reformacji, której głównym warunkiem jest myśl o zbawieniu i wierze. Życie świeckie przesiąknięte jest także protestantyzmem i ideami luteranizmu. Raczej obaj (duchowi i świeccy) ucieleśniali ludzkie pragnienie poznania boskiej istoty. Fuga to nie tylko złożona muzyka, ale rodzaj duchowego kodu niemieckiej kultury muzycznej końca XVII - początku XVIII wieku. Następnie stał się własnością całego świata.
„Nazywam się Bacha”
Postaramy się wyjaśnić, czym jest fuga na przykładzie z kina.
Na początku XXI wieku Szwajcarzy nakręcili film Nazywam się Bach. Ma niesamowity odcinek. Starzejący się Johann Sebastian Bach przyjeżdża do Poczdamu w odwiedziny do syna. Młody król Fryderyk (późniejszy Fryderyk Wielki) pokazujący kompozytorowi kolekcję instrumentów muzycznych. Od razu arogancko zaprasza mistrza do napisania fugi na trzy głosy na wcześniej wybrany przez siebie temat. Wtedy dochodzi do wniosku, że praca domowa kompozytora jest zbyt łatwa. Komplikuje to, deklarując, że woli posiadać sześciogłosową fugę. Król wyraźnie prowokuje gościa. Co jest powszechnie rozumiane w terminologii muzycznej pod pojęciem „fuga”? Co to jest sześć głosów? I dlaczego pozornie niewinna rozmowa jest upokarzająca dla mistrza?
Kanon
Na początek zwróćmy się do kanonika, wiernego pomocnika muzyków renesansu. Opisuje to Douglas Hofstadter, autor znanej na całym świecie książki Gödel, Escher, Bach: This Infinite Garland, za którą otrzymał nagrodę Pulitzera.
W kanonie temat jest odtwarzany i powtarzany wieloma głosami. Najprostszy jest okrężny, przy wejściu drugi głos kopiuje temat, potem kolejno dołączają kolejne. Kolejny krok: tematy różnią się tonacją, głosy wybrzmiewają w różnym tempie.
Kanony wykorzystują złożone odwrócone motywy. Bach w swojej twórczości często się do nich odwoływał. Ruchy wznoszące zamieniają się w opadające przy zachowaniu odstępów. Najbardziej dziwaczną formą takiego kanonu jest kanon „wsteczny”, w którym temat jest odtwarzany od tyłu. Nazywa się „rak”.
Kanon i fuga
Fuga jest podobna do kanonu w tym sensie, że główna melodia i imitacje są wykonywane przez głosy w różnych tonacjach, czasem w innym tempie. Ale nie jest tak surowa, bogatsza emocjonalnie. Jeden głos prowadzi temat do końca. Potem wchodzi następny, ale w innej tonacji. Pierwszy głos dopełnia temat, kontrastując z głównym. Kolejne tematy wzbogacają fugę o melodie. W końcu wszystkie głosy są wysłuchiwane bez respektowania zasad. Tak więc fugę definiuje się jako polifoniczną formę muzyczną, w której jeden temat jest grany różnymi głosami (zwykle 3) tonacjami i modyfikacjami.
Spośród 48 preludiów i fug Well-Tempered Clavier Bacha są tylko dwa na pięć części. Hofstadter uważa, że taka konstrukcja improwizacji jest podobna pod względem złożoności do gry w szachy w ciemno na 60 planszach jednocześnie. Ale wracając do fabuły filmu.
Prezent dla monarchy z zagadką
Bach wraca do Lipska, przesyła monarchy bogaty prezent muzyczny, w skład którego wchodzą między innymi 2 fugi na 3 i 6 głosów. Kanony wysłane jako ofiara były celowo niekompletne. Niegrzeczny Friedrich miał możliwość samodzielnego wymyślenia zakończenia, ale monarcha nie mógł tego zrobić. Zaledwie kilka lat później uzupełni je uczeń Bacha. Fugi mają wiele rozwiązań, więc nie można było postawić Friedricha w niezręcznej sytuacji.
Preludium i Toccata
Preludium Bacha to przedmowa poprzedzająca coś ważnego, znaczącego. Preludium chorałowe było grane na klawesynach lub organach kościelnych przed wykonaniem chorału przez wspólnotę parafian. Preludium i fuga kompozytora powstają zwykle w tym samym czasie. Preludium - swobodna improwizacja. Fuga to ważna maksyma, myśl. W preludiach nastrój jest przygotowywany przed rozpoczęciem bardziej znaczącego utworu muzycznego, z mocnymi obrazami.
Z czasem Bach, tworząc polifoniczne cykle, podniósł preludium, zrównał je z fugą. W przyszłości kompozytorzy coraz rzadziej zwracają się do preludium, chociaż mają je Chopin, Debussy, Skriabin, Szostakowicz, Szczedrin, Słonimski.
Jeśli fuga oznacza po włosku „bieg”, to toccata oznacza dotyk lub cios. Toccata i fuga d-moll Bacha są wszystkim znane. Zwykle odnosi się do utworu organowego BWV 565, choć kompozytor napisał bardzo wiele utworów tego rodzaju.
Leonard Bernstein: o trudnościach w zrozumieniu Bacha
Interesujące są argumenty amerykańskiego kompozytora i dyrygenta Leonarda Bursteina, popularyzatora muzyki klasycznej. Uważa, że niszczycielski styl muzyczny Bacha zachwyca kompozytorów, zachwyca wykonawców i zniechęca wszystkich innych niewtajemniczonych w muzyczne tajemnice.
W miarę jak zmieniały się jego własne poglądy (poglądy Bursteina) na twórczość Bacha, dochodzi do zrozumienia, że muzyka kompozytora kryje w sobie największe piękno ukryte przed pobieżną lekturą. „I pewnie nigdy nie słyszeliście tej muzyki…” Burstein kończy swoje rozważania prowokacyjnym stwierdzeniem. Na pierwszy rzut oka dziwny pomysł jest prosty i zrozumiały. Często można usłyszeć sceptyczne argumenty, jakby wszystkie te pojęcia były tak oklepane: fuga, mol, a sama muzyka mistrza brzmi niemal z każdego żelazka.
Fuga ... Co to jest, nie dla wszystkich jest jasne. A dzisiaj muzyki kompozytora, podobnie jak trzy wieki temu, słucha się trudno, trzeba wysiłku i wiedzy. I na pewno jest to dużo pracy. Burstein uważa, że słyszenie i słyszenie to różne pojęcia.
muzyka barokowa
Wiek XVII uważany jest za racjonalny. Do historii przeszedł, wraz z innymi osiągnięciami myśli ludzkiej, muzyką baroku. Ona, jak w lustrze, odbija radości i sprzeczności epoki. Preludium i fuga to dwa zunifikowane, wzajemnie powiązane utwory. Preludium - improwizacja i lot, fantazja, start.
Fuga to samo życie, wyważone, uporządkowane, uroczyste i nieco ociężałe. Pierwsza część jest jak młodość, lekka, uciekająca, wesoła. Druga jest poważna, polifoniczna, podlegająca prawom dojrzałego i złożonego świata. Fuga to gra „kto kogo dogoni”. Temat pojawia się jednym głosem, potem drugim, przeplatają się, znikają, ustępują miejsca stratom. Następnie (głosy) próbują się dogonić, dosłownie depcząc im po piętach.
Twórcze dziedzictwo Bacha jest ogromne i bezcenne. Pozostawił potomnym 1100 dzieł. Eksperci twierdzą, że to tylko jedna trzecia wszystkiego, co napisano.
„Dobrze temperowany Clavier”
Preludium i fuga C-dur, Preludium i fuga c-moll, Preludium i fuga Cis-dur, Preludium i fuga cis-moll - i tak dalej przez wszystkie dwanaście półtonów zawartych w oktawie. Rezultatem są łącznie 24 dwuczęściowe cykle „preludium i fugi” we wszystkich tonacjach durowych i mollowych. Tak zbudowane są oba tomy (łącznie 48 preludiów i fug) Bacha Well-Tempered Clavier. To wspaniałe dzieło jest uznawane za jedno z największych w światowej sztuce muzycznej. Preludia i fugi z tych dwóch tomów znajdują się w repertuarze szkoleniowym i koncertowym wszystkich zawodowych pianistów.
W czasach Bacha w strojeniu instrumentów klawiszowych stopniowo ustalał się ostatecznie jednolity temperament – podział oktawy na dwanaście równych półtonów. Wcześniej system dostosowywania był bardziej złożony. U niej, w tonacjach o więcej niż trzech lub czterech znakach, niektóre interwały i akordy brzmiały niespójnie. Dlatego kompozytorzy unikali używania takich kluczy. Bach jako pierwszy znakomicie udowodnił w The Well-Tempered Clavier, że przy jednakowym temperamencie wszystkie 24 klawisze mogą być używane z jednakowym powodzeniem. Otworzyło to przed kompozytorami nowe horyzonty, zwiększając np. możliwość dokonywania modulacji (przejść) z jednej tonacji do drugiej.
W Dobrze temperowanym Clavierze Bach ustalił typ dwuczęściowego cyklu „preludium i fuga”. Preludium jest budowane dowolnie. Znaczącą rolę może w nim odgrywać magazyn homofoniczno-harmoniczny oraz improwizacja. Tworzy to kontrast z fugą jako utworem ściśle polifonicznym. Jednocześnie części cyklu „preludium i fuga” łączy nie tylko wspólna tonacja. Pomiędzy nimi w każdym przypadku subtelne połączenia wewnętrzne manifestują się na swój własny sposób.
Te wspólne cechy można dostrzec m.in Preludia i fugi c-moll z pierwszego tomu The Well-Tempered Clavier. Preludium składa się z dwóch głównych części. Bardziej obszerna pierwsza jest całkowicie wypełniona szybkim, jednolitym ruchem szesnastek w obu rękach. Jest nasycona od środka wyrazistymi elementami melodycznymi i harmonicznymi. Wydaje się, jakby, ograniczony przez brzegi, szalał niespokojny strumień:
Po zgromadzeniu potężnej energii ten przepływ pod koniec pierwszego odcinka niejako przelewa się przez krawędź, a na początku następnego odcinka staje się jeszcze bardziej gwałtowny, grożąc zmieceniem wszystkiego na swojej drodze. Punkt kulminacyjny preludium wyznacza zmiana tempa na najszybsze (Pgesto) oraz użycie środka polifonicznego – kanonu dwugłosowego. Ale szalejące elementy zostają nagle zatrzymane przez władcze uderzenia akordów i znaczące frazy recytatywu. Nadchodzi druga zmiana tempa - na najwolniejsze (Adagio). A po trzeciej zmianie tempa na umiarkowanie szybkie A11eggo w końcowych taktach preludium, toniczny grot organowy w basie stopniowo spowalnia ruch szesnastek prawej ręki. Staje się miękko rozprzestrzeniający i zatrzymuje się na akordzie C-dur. Jest spokój, cisza.
Po tak swobodnym, improwizowanym zakończeniu preludium uwaga przenosi się na inną, kontrastową płaszczyznę. Rozpoczyna się trzygłosowa fuga.
To słowo po łacinie i włosku oznacza „bieg”, „lot”, „szybki prąd”. W muzyce fuga jest złożonym utworem polifonicznym, w którym głosy wydają się odbijać echem, doganiając się nawzajem. Większość fug opiera się na jednym temacie. Rzadziej spotykane są fugi dwu, jeszcze rzadziej trzy lub czterotematyczne. A według liczby głosów fugi są dwu-, trzy-, cztero- i pięciogłosowe.
Fugi jednociemne rozpoczynają się od prezentacji tematu w tonacji głównej jednym głosem. Temat jest następnie naśladowany na przemian przez inne głosy. Tak powstaje pierwsza część fugi, ekspozycja. W drugiej sekcji - deweloperskiej - motyw pojawia się tylko w innych tonacjach. A w trzecim, ostatnim fragmencie – repryzie 9 – znów jest prowadzony w tonacji głównej, ale już nie jest przedstawiony jednym głosem. Ekspozycja tutaj zdecydowanie się nie powtarza. W fugach szeroko stosuje się zachowane kontrapozycje i przerywniki.
Wspomniana fuga c-moll Bacha zaczyna się, występując w głosie środkowym, wyraźnym, wytłoczonym, dobrze zapamiętanym tematem z elastycznym tanecznym rytmem:
Monumentalny bachowski cykl preludiów i fug, znany jako dobrze temperowany klawesyn, słusznie uważany jest za jedno z najwyższych osiągnięć sztuki muzycznej. Tworząc ją, Bach postawił sobie bardzo konkretny cel – zapoznać grających na klawesynie ze wszystkimi 24 tonacjami durowymi i molowymi (wiele tonacji z dużą liczbą znaków tonacji nie było wówczas w użyciu). Chciał pokazać niewątpliwą przewagę nowego, temperowanego strojenia instrumentów klawiszowych nad strojeniem naturalnym, ogólnie przyjętym w dawnych czasach. Pomysł temperamentu przed Bachem był również twórczo wspierany przez innych muzyków, na przykład Pachelbel, Matteson, ale rozwiązanie tego problemu artystycznego przez Bacha stało się wyjątkowe pod względem umiejętności i inspiracji.
Pojawienie się pierwszego tomu „HTK” odnosi się do roku 1722, tomu drugiego do roku 1744; oba tomy zawierają utwory z różnych lat.
W obu częściach HTK preludia i fugi ułożone są parami w „małych cyklach” (preludium i fuga w tej samej tonacji) w kolejności rosnącej wzdłuż skali chromatycznej.
W „HTK” Bach podkreślał tę cechę semantyka różne tony. Na przykład D-dur uosabia energię i triumf, c-moll - surowy dramat i patos; H-moll Bacha kojarzy się z napiętym, namiętnym i żałobnym nastrojem; es-moll i b-moll - z obrazami pokory i smutku; E-dur i Fis-dur kojarzą się z łagodnymi obrazami pasterskimi. B-dur - ton „aniołów i dzieci”, bardzo delikatny i czysty.
Fuga jest zbudowana wyłącznie na fragmentach tematu, które tworzą liczne odcinki. Pierwsza stretta pojawia się już w obrębie ekspozycji (t. 7-8). Trzygłosowe i czterogłosowe stretta zawarte są w środkowej części fugi. Temat zmienia tu intonację: pojawiają się zmienione kroki, myśl 4 zamiast części 4. Spośród trzech rekapitulacji tematu 2 podane są również w formie stretta. Fugę dopełnia figura anabasis - wznosząca się skala pięciu dźwięków (symbol zmartwychwstania).
W cykl D-dur muzyka preludium wyróżnia się lekkością, wdziękiem, elastycznością rytmiczną, a bujna i majestatyczna muzyka fugi utrzymana jest w „teatralnym” stylu uwertury francuskiej (temat wyróżnia się gwałtownym skokiem w górę do szóstej i kropkowany rytm, które rozwijane są w szerokich przerywnikach). Bujna, majestatyczna muzyka fugi podtrzymywana jest w „teatralnym” stylu uwertury francuskiej (rytm przerywany, skok w górę do seksty).
Chopin (op. 28) i Skriabin (op. 11) ułożyli swoje preludia na zasadzie relacji tonalnej. Bach był oczywiście zainteresowany bardziej wizualnym rozmieszczeniem klawiszy systemu temperowanego.
Semantyka - znaczenie semantyczne.
Używano także innych tytułów tego rodzaju, np preambuła, intrada, ricercar, fantazja, capriccio, toccata itp.
Kwarty wznoszące od dawna używane są do wyrażania pogody ducha i wytrzymałości psychicznej. W starych pieśniach i kantatach motywy interwałów kwartowych często zawierają kluczowe słowa mówiące o wierze w Pana.
