Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com
Podpisy slajdów:
MALARSTWO ROKOKOWO „MISTRZ „GATUNKU GALANT” Antoine Watteau Boucher Francois Wykładowca historii, nauk społecznych, MHK MBOU „Liceum nr 48”, Władywostok Szabalina Swietłana Nikołajewna
Styl rokoko Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Francois Boucher (1703-1770) Plan
Termin „rococo”, wywodzący się z francuskiego „rocaille” (dosłownie: ozdoba diamentowa i muszlowa), pojawił się pod koniec XVIII wieku. Rokoko charakteryzuje się odejściem od życia w świat fantazji, teatralnej zabawy, wątków mitologicznych, sytuacji erotycznych. Rokoko
Wykwintne życie arystokracji „Waleczne uroczystości” Obrazy „z życia pasterskiego na tle dziewiczej przyrody Życie ludzkie jest ulotne, dlatego trzeba uchwycić „szczęśliwą chwilę” Główne wątki malarstwa rokoko
Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Elementy teatralne, maskarady są niezwykle charakterystyczne dla malarstwa Watteau. To właśnie rycerskie sceny przyniosły mu sławę. „Gallanta można nazwać elegancką bezczynną kampanią ludzi spędzających razem wolny czas, której ważnym elementem jest flirt i przygody miłosne. Oczywiście włączenie bohaterów commedia dell” Arte w komponowaniu takich scen należy uznać za genialny wynalazek. Piero, Colombina, Harlequin pomogły artyście zatrzeć granicę między teatrem a światem zewnętrznym, między fikcją a rzeczywistością, intencją a czynem.
Gamma of Love (ok. 1715), National Gallery, Londyn
Radości życia
Dzielny Arlekin i Kolombina 1716-1718. Kolekcja Wallace'a, Londyn.
Komedia francuska (1716)
Święto weneckie (ok. 1718)
Boucher Francois (Francois Boucher) (1703–1770) Francois Boucher, który oprócz malarstwa zajmował się wszystkimi rodzajami sztuki dekoracyjnej i użytkowej: tworzył tekturę na gobeliny, rysunki do porcelany Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury i obrazy dekoracyjne , w przyszłości malowane plafony, panele, obrazy ze scenami mitologicznymi, sielankowymi, rodzajowymi, elegancko zalotne portrety, idylliczne pejzaże, utrzymane w delikatnej srebrno-zielonej tonacji
Krajobraz w pobliżu Beauvais 1740-1745. Ermitaż, Petersburg.
Portret markizy de Pompadour 1756. Alte Pinakothek, Monachium
Młyn w Sharaton 1750s. Muzeum Sztuki, Orlean.
Artysta w swojej pracowni, lata 30. XVIII wieku. Luwr, Paryż.
Modistka 1746. Muzeum Narodowe, Sztokholm.
Porwanie Europy 1732-1734 . Kolekcja Wallace'a, Londyn.
Portret żony artysty Marie-Jeanne Busot 1743. Frick Collection, Nowy Jork
Śniadanie 1739. Luwr, Paryż.
Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie dworskiej arystokracji, „szalone uczty”, idylliczne obrazy „pasterskiego” życia na tle dziewiczej przyrody, świat skomplikowanych romansów i pomysłowych alegorii. Życie ludzkie jest chwilowe i ulotne, dlatego trzeba łapać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się, by żyć i czuć. „Duch uroczych i zwiewnych drobiazgów” (M. Kuźmin) staje się motywem przewodnim twórczości wielu artystów „stylu królewskiego”.
Dla większości malarzy rokoko Wenus, Diana, nimfy i amorki przyćmiewają wszystkie inne bóstwa. Wszelakie „kąpiele”, „poranne toalety” i doraźne przyjemności są teraz niemal głównym tematem obrazu. Wchodzą w modę egzotyczne nazwy kolorów: „kolor uda przerażonej nimfy” (cielesny), „kolor róży pływającej w mleku” (blady róż), „kolor straconego czasu” (niebieski). Przemyślane, smukłe kompozycje klasycyzmu ustępują miejsca eleganckiemu i wyrafinowanemu wzorowi.
Antoine Watteau (1684-1721) był nazywany przez współczesnych „poetą beztroskiego wypoczynku” i „dzielnych uroczystości”, „śpiewakiem wdzięku i piękna”. W swoich pracach uchwycił pikniki w wiecznie zielonych parkach, muzyczne i teatralne koncerty na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, sielankowe randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach wyczuwalny jest bolesny smutek, poczucie przemijania piękna i ulotności tego, co się dzieje.
Jednym ze słynnych obrazów artysty jest Pielgrzymka na wyspę Cyterę. Urocze damy i dzielni dżentelmeni zebrali się na ukwieconym brzegu zatoki morskiej. Popłynęli na wyspę Cyterę - wyspę bogini miłości i piękna Wenus, gdzie według legendy
Antoniego Watteau. Pielgrzymka na wyspę Cythera. 1717 Luwr, Paryż
wyłonił się z morskiej piany. Święto miłości zaczyna się od posągu przedstawiającego Wenus i amorki, z których jeden sięga w dół, by złożyć laurową girlandę na najpiękniejszej z bogiń. U stóp posągu ułożone są broń, zbroje, liry i księgi - symbole wojny, sztuki i nauki. Cóż, miłość naprawdę może pokonać wszystko!
Akcja rozwija się jak film, kolejno opowiadając o spacerze każdej z zakochanych par. W relacji bohaterów króluje język aluzji: nagle rzucane spojrzenia, zapraszający gest wachlarza w dłoniach dziewczyny, mowa urywana w pół zdania... Harmonia człowieka i natury jest wyczuwalna we wszystkim .
Ale jest już wieczór, złoty zachód słońca barwi niebo. Święto miłości przemija, wypełniając beztroską zabawę zakochanych par smutkiem. Już wkrótce wrócą na swój statek, który przeniesie ich ze świata nierzeczywistego do świata codzienności. Cudowna żaglówka - statek miłości - jest gotowa do wypłynięcia. Ciepłe, miękkie kolory, stonowane kolory, lekkie pociągnięcia pędzla, które ledwo dotykały płótna - wszystko to tworzy wyjątkową atmosferę uroku i miłości.
I znowu kocham ziemię za
Czym są promienie zachodu słońca tak uroczyste,
Lekkim pędzlem Antoine Watteau
Raz dotknęła mojego serca.
G. Iwanow
Jednym z prawdziwych arcydzieł jest obraz Watteau „Gilles” („Pierrot”), stworzony jako znak dla występów wędrownych komików.
Gilles to główny i ulubiony bohater francuskiej komedii masek, zgodny z Pierrotem, bohaterem włoskiej komedii dell'arte. Niezdarne, naiwne stworzenie wydaje się być specjalnie stworzone do ciągłego wyśmiewania i sztuczek zręcznego i przebiegłego Arlekina. Gilles jest przedstawiony w tradycyjnym białym garniturze z peleryną i okrągłym kapeluszem. Stoi nieruchomo i zagubiony przed widzem, podczas gdy inni komicy siadają do odpoczynku. Wygląda na to, że szuka 
sednik, który jest w stanie go wysłuchać i zrozumieć. Jest coś wzruszającego i niezabezpieczonego w śmiesznej pozie komika z bezwładnie opuszczonymi rękami, nieruchomym spojrzeniem. W zmęczonym i smutnym wyglądzie błazna czaiła się myśl o samotności człowieka zmuszonego do zabawiania i zabawiania znudzonej publiczności. Emocjonalna otwartość bohatera czyni go jednym z najgłębszych i najbardziej uderzających obrazów w historii malarstwa światowego.
François Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „Anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Inni postrzegali go jako artystę „hipokrytę”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważali: „Jego ręka zbiera róże tam, gdzie inni znajdują tylko ciernie”.
Pędzel artysty należy do szeregu ceremonialnych portretów kochanki króla Ludwika XV, markizy de Pompadour. Wiadomo, że patronowała Bushowi, niejednokrotnie zamawiała mu obrazy o tematyce religijnej do wiejskich rezydencji i paryskich rezydencji. Na obrazie Madame de Pompadour bohaterka ukazana jest w otoczeniu porozrzucanych kwiatów i luksusowych przedmiotów, przypominających o jej artystycznych upodobaniach i zainteresowaniach. Leży po królewsku na tle bujnych, uroczystych draperii. Książka w jej dłoni jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne.
Franciszka Busha. Pani de Pompadour. 1756 Alte Pinakothek, Monachium
Markiza de Pompadour hojnie podziękowała artyście, mianując go najpierw dyrektorem Manufaktury Gobelinów, a następnie prezesem Akademii Sztuk Pięknych, nadając mu tytuł „pierwszego malarza króla”.
Francois Boucher nieraz sięgał po przedstawienie frywolnych scen, których głównymi bohaterami były urocze, nieśmiałe pasterki lub pulchne nagie dziewczęta w postaci mitologicznej Wenus i Diany. Jego obrazy pełne są niejednoznacznych aluzji, pikantnych detali (podwyższony rąbek satynowej spódnicy pasterza, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, owieczki czepiające się nóg kochanków w miłość, symboliczne całowanie gołębi itp.). Cóż, artysta doskonale znał modę i gusta swojej epoki!
W historii malarstwa światowego Francois Boucher nadal pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wykwintnego rysunku. Dowcipne kompozycje, niezwykłe kąty pochylenia postaci, dziwaczne sylwetki w niemalże teatralnej scenerii, bogate akcenty kolorystyczne, jaskrawe refleksy przezroczystych barw nakładane drobnymi, lekkimi pociągnięciami, płynne, płynne rytmy - wszystko to czyni F. Bouchera niedoścignionym mistrzem malarstwa. Jego obrazy zamieniają się w dekoracyjne panele, zdobią bujne wnętrza przedpokojów i salonów, przywołują do świata szczęścia, miłości i pięknych marzeń.
Pytania i zadania
1. Dlaczego dzieło N. Poussina nazywane jest szczytem klasycyzmu w malarstwie? W czym i jak wyrażał swój ideał piękna? Czy zgadzasz się ze stwierdzeniem artysty, że wszystkie jego prace można tematycznie podzielić na "orgie" i "wzniosłe bohaterstwo"? Który z obrazów N. Poussina najbardziej Cię zainteresował? Czemu?
2. Czy można zgodzić się z opinią współczesnych, że w rzeźbiarskich dziełach A. Canovy „pulsuje samo życie”? Wyjaśnij swoją odpowiedź. Jak myślisz, dlaczego A. Canova i B. Thorvaldsen często sięgali po mitologiczne wątki i obrazy? Jakie są charakterystyczne cechy maniery twórczej A. Houdona?
3. Opowiedz nam o A. Watteau i F. Bushu - największych mistrzach „gatunku szarmanckiego” w malarstwie rokoko. Jakie są główne motywy ich pracy?
warsztat kreatywny
Porównaj obraz Poussina „Parnassus” z freskiem Rafaela o tym samym tytule. Co jest wspólne i czym różni się sposób twórczy tych artystów?
Przygotuj pokaz slajdów do wykładu na temat „Arcydzieła rzeźbiarskie klasycyzmu”. Do wybranego materiału dołącz krótkie adnotacje.
Przygotuj artykuł do ilustrowanego magazynu artystycznego o największych mistrzach „gatunku galant” (A. Watteau, F. Boucher i O. Fragonard). Spróbuj odzwierciedlić w nim charakterystyczne cechy artystycznego sposobu każdego z tych mistrzów.
Napisz krótki esej na temat „O czym mogli marzyć i rozmawiać bohaterowie obrazów Antoine Watteau? ".
4. Malarstwo epoki dzielności
Malarstwo szarmanckie we Francji istniało równolegle z nurtem rzymsko-hellenistycznym i wczesnym, wywodzącym się ze szkoły szkockiej, romantyzmem i dominowało aż do rewolucji francuskiej.
Życie artystyczne zaczęło wówczas nabierać kształtu w dziedzinie malarstwa w tych formach, w jakich przejawia się do dziś. Akademie, wystawy, krytyka sztuki zaczęły mieć ogromny wpływ na swobodny rozwój artystyczny. Wraz z Akademią Królewską, która przyciągała najlepsze siły, Akademia św. Łukasz w Paryżu, przekształcony ze starego warsztatu malarzy, rzadko mógł pochwalić się błyskotliwym nazwiskiem; a wraz z akademią paryską prowincjonalne wyższe uczelnie artystyczne, z których pierwsze miejsce zajęły akademie w Tuluzie, Montpellier i Lyonie, mogły z reguły zaspokajać tylko lokalne potrzeby artystyczne. Tylko „oddelegowani” do Królewskiej Akademii w Paryżu mieli prawo wystawiać w „Salonie” Luwru; kilka lat później, po przedstawieniu „zdjęcia za prawo do otrzymania”, otrzymali tytuł zwykłego akademika. Akademia ta nie zasługuje jednak na zarzut, że jest jednostronna. Przyjęła wśród swoich kolegów Claude'a Gillota, nauczyciela Watteau, jako „malarza modnych tematów”, samego Watteau jako „malarza uroczystości”, Greuze'a jako „malarza rodzajowego”; inni artyści są wymieniani na jej listach jako pejzażyści, malarze zwierząt, kwiatów itp. Wraz z wystawami akademickimi w „salonie kwadratowym” i „wielkiej galerii” Luwru, które były regularnie powtarzane od 1737 roku i osiągnęły swój szczyt limit w 1789 r., także i akademia św. Łukasza, a Związek Młodzieży zorganizował własne wystawy.
Spośród wszystkich malarzy, którzy podążali za „dzielnymi kanonami”, jest tradycyjnie kilka najbardziej znaczących postaci.
5. Jean-Marc Nattier (1685-1766)
Nattier jest jednym z najstarszych „dzielnych” malarzy, aw jego twórczości opisany kierunek przejawiał się w mniejszym stopniu.
Urodził się w rodzinie artystów: jego ojciec Mark był portrecistą, matka Marie Courtois malowała miniatury, a brat Jean-Baptiste zajmował się tworzeniem obrazów opartych na motywach historycznych.
Jean-Marc Nattier otrzymał pierwsze lekcje malarstwa od swojego ojca, a następnie uczęszczał na kursy rysunku w Akademii Królewskiej. W wieku piętnastu (!) Nattier otrzymał pierwszą nagrodę artystyczną Akademii Paryskiej.
W 1717 Nattier udał się w podróż do Holandii, gdzie spotkał Piotra I w Amsterdamie i malował portrety cara i rosyjskiej cesarzowej Katarzyny. Peter zaprosił Nattiera do opuszczenia Francji i wyjazdu z nim do Rosji, ale powołując się na miłość do ojczyzny, artysta odrzucił jego propozycję. Jean-Marc Nattier spędził prawie całe swoje życie w Paryżu.
Jean-Marc Nattier jest twórcą nowego stylu malarstwa - portretu historycznego (francuski portret historyczny), przedstawiającego głównie znane postacie francuskiej przeszłości.
Dla Petersburga powstały „Książę AB Kurakin”, „Car Piotr I”, „Katarzyna I”. W nich, podobnie jak w słynnej „Madame de Pompadour jako Diana Łowczyni”, pojawiają się już takie cechy, jak idealizacja wyglądu portretowanych, ukazywanie na obraz antycznego bohatera lub boga (portret kostiumowy), miękkość kolor. Zanikają psychologiczne cechy postaci, wyrażone bezpośrednio lub symbolicznie. „Twarz epoki” – osoba o spokojnym wyrazie twarzy, który nie odzwierciedla jego wewnętrznego świata (czego jednak artyście nie udało się lub nie chciał osiągnąć w „Księżniczce E.D. Golicynie”, wyrażającej oczywisty narcyzm dziewczyny) ; w tym aspekcie widać negatywną stronę nowego stylu: zwiewny „Rocaille” nie wymaga przemyślanych przemyśleń.
6. Jean-Antoine Watteau (1684-1721)
Watteau jest jednym z najsłynniejszych artystów w światowej historii sztuki i największym mistrzem „gatunku szarmanckiego”. Różnorodność nastrojów i charakterów przekazywanych przez jego obrazy (i nie dzieje się to kosztem cenionej przez współczesnych mu bardzo łatwej „rycerskości”!) często przeciwstawia się innym, „bezmyślnym” dziełom rokokowym (zwłaszcza dziełu F. Bush, zdaniem filozofów edukacji, „daleki od życia”).
Watteau przybył do Paryża w 1702 roku z północnej Francji, z Valenciennes, gdzie kiedyś urodził się w rodzinie dekarza. Od 1703 do 1708 Watteau pracował w warsztacie Claude'a Gillota, kopiując i przedstawiając wątki włoskiej komedii. Z tego ważnego etapu twórczej formacji artysty przetrwał tylko jeden obrazowy dowód - moskiewski obraz „Satyra na lekarzy”.
W kolejnych latach Watteau próbował się w różnych gatunkach, kontrowersyjna chronologia nielicznych zachowanych dzieł z tego okresu nie pozwala na wyciągnięcie jednoznacznych wniosków co do ewolucji jego zainteresowań, jednak jego maniera staje się swobodniejsza, pociągnięcie pędzla świeższe i lżejsze .
Od 1710 roku, po krótkiej wycieczce do Valenciennes, Watteau ponownie zamieszkał w Paryżu, w atmosferze malarstwa, muzyki i teatru, które tak bardzo kochał. Wśród jego bliskich przyjaciół są pisarz i redaktor francuskiego Mercurius Antoine de la Roque, handlarze obrazów, ram i szkła Gersin i Sirua, włoscy aktorzy komediowi, poeci i muzycy.
Uformowany poza sztywno uregulowanym systemem akademickim, Watteau spokojnie rozważał i wybierał porywające go historie, nie zważając na hierarchię gatunków, swobodnie poddając się woli uczuć i fantazji. Nie lubił pracować na zamówienie, preferując swobodę projektowania i grę wyobraźni. Malował pejzaże, maskarady w duchu Gillo, portrety włoskich aktorów, wakacje w parkach, dbając bardziej o nastrój, emocjonalne i malarskie bogactwo scen, niż o skrupulatne odwzorowanie portretu czy podniosłą wielkość. Wpływ „sztuki dzielnej” na niego został oddany nieco później niż na Nattiera, dlatego w tej pracy jest on podany później niż ten ostatni.
Subtelne, ale wyraźne cechy psychologiczne można prześledzić w jego portretach, takich jak „Portret pana Patera”. Widzimy więc na nim niezwykle skupionego, nawet nie patrzącego w stronę widza Anglika - umiarkowanie sztywnego przedstawiciela swojego narodu. Rzeźbiarski portret kobiety przedstawiony w prawej dolnej części obrazu najwyraźniej wskazuje na zawód mężczyzny - jest rzeźbiarzem.
To samo, ale w skali uniwersalnych nastrojów, które ogarniają wielu ludzi na raz, widzimy w słynnych „szalenckich uroczystościach”: „Pielgrzymka na wyspę Cyterę” i „Święto miłości”.
Trzeba powiedzieć, że Watteau sportretował wszystkie stany francuskie i nie mniej przekonujące niż portrety szlachty, zarówno „Sabaudczyka ze świstakiem”, jak i „Gilles” (wędrowny muzyk), a także licznych podróżników, robotników, chłopów – postaci szkice podróżnicze - ci ludzie, z których pochodził Watteau.
Watteau preferował malarstwo sztalugowe, ale był też mistrzem sztuki zdobniczej, sam wykonywał ozdobne płyciny do wnętrz rezydencji, malowane drzwi powozów, klawesyny i wachlarze, co wpłynęło na wystrój architektoniczny rokoka.
Zarówno dzieła dekoracyjne, jak i duże płótna odznaczają się cechami typowymi dla Watteau: niesamowitym malarstwem, drżącym i delikatnym, najwspanialszą gamą ulotnych nastrojów, stosowaniem technik rysunkowych w malarstwie (zob. umiejętność.
7. Franciszek Boucher (1703-1770)
„Jego rozpusta powinna urzekać dandysów, frywolne kobiety, młodzież, ludzi światła, czyli wszystkich, którym obcy jest prawdziwy smak, prawdomówność”
Francois Boucher urodził się w Paryżu w rodzinie artysty Nicolasa Bouchera, który wysłał go na studia ze swoim przyjacielem Francois Lemoine.
W wieku siedemnastu lat Boucher wszedł do warsztatu grawera Jean-Francois Karsa, co pozwoliło mu samodzielnie zarabiać na życie, a także nawiązywać przydatne kontakty - z wysoko postawionymi klientami swojego mentora.
Za pracę dyplomową otrzymuje pierwsze wyróżnienie – Nagrodę Naukową. Dalej Boucher jest zwolennikiem ultra-gładkiego, nieco nawet „eleganckiego” sposobu pisania, który zachwycił współczesnych i wyraźnie odróżnia go od Watteau. Udział w latach 1722-1723 w tworzeniu akwafort do „Kolekcji Juliena”, w której odtworzono wszystkie dzieła słynnego poprzednika w grawerowaniu, pozwolił mu zapoznać się z twórczością tego artysty, poznać jego techniki kompozytorskie.
W 1723 - nagroda rzymska. Podczas podróży do Włoch młody artysta poznaje delikatny światłocieniowy styl Cortony, mocny malarski początek Lanfranco i Tiepoli, nie akceptując jednak u podstaw głębokiego kontrastu i dynamizmu kompozycyjnego dzieł tych dwóch ostatnich – wszystko to poszło wbrew gustom francuskiego dworu. We wszystkich swoich pracach Boucher wykazuje tendencję nie do zróżnicowania kolorystycznego, ale do stosowania dużych lokalnych plam, ale z kunsztownymi przejściami między nimi. Krajobrazy „Widok na Tivoli” (Muzeum Sztuki i Architektury, Boulogne-sur-Mer) i „Widok na ogrody Farnese” (Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork) oparte są na impresjach włoskich.
Wraz z uznaniem i sławą Bush otrzymał także liczne zamówienia na dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej, które nie opuszczały go do końca życia.
W dalszej pracy Busha należy zwrócić uwagę na dwie rzeczy. Pierwszym z nich jest dalsze doskonalenie technik malarskich, opanowanie technik stylizacji w ekspresyjnym barokowym stylu G. Tiepolo („Nauczający Kupidyn”, „Leda i łabędź” i wiele innych prac o tematyce mitologicznej), pod porcelaną („Wenus pocieszający Kupidyna”, „Jowisz w przebraniu Diany, uwodzący Kallisto”). A drugi - niezmienność ideologicznego składnika jego dzieła, ta sama nieco przesadna „rycerskość”, za którą Voltaire i Diderot skarcili jego styl. Psychologiczne i emocjonalne cechy Busha są całkowicie nieobecne, jego miejsce zajmuje jego własny stosunek do przedstawionych poprzez nieskomplikowane cechy. Tak więc w „Wizycie Wenus u Wulkana” artystka jest nie mniej niż ta ostatnia zafascynowana bohaterką, co wyraża zarówno gracja jej chodu, jak i kokieteryjny obrót kędzierzawej głowy (i czy to Wenus – raczej współczesna fashionistka Bouchera). Pewna niezdolność Bouchera (a może nawet niechęć, co było zgodne z gustami dworskimi) do wewnętrznego psychologizmu jego dzieł pozbawia dramatyzmu takie sceny jak „Pan i Syringa” oraz „Jowisz w przebraniu Diany uwodzącej Kallisto”, które należą do historii o tragicznej fabule. Niemniej jednak w większości przypadków jego prace są postrzegane nie jako piękne obrazy, ale jako relaksujące płótna, jako przykłady łaski.
W różnorodności gatunkowej świata Busha należy zwrócić uwagę na kilka punktów.
Po pierwsze, co jest nieodzowną cechą jego twórczości, idealizacja wyglądu portretowanych, głównie kobiet (cykl portretów Madame de Pompadour, „Portret Madame Bergeret”). Po drugie, modernizacja twarzy starożytnych bogiń w dziełach mitologicznych (najbardziej charakterystyczna w tym względzie jest obraz „Toaleta Wenus” z 1751 r.: ciemne, popielate loki, modne w czasach artysty, w kształcie migdałów, lekko przymrużone oczy, usta-serce, małe ciałko - i już nie mogę uwierzyć, że mamy postać ze starożytnej mitologii). Wszystko to mówi o wpływie na autora szeroko rozpowszechnionego wówczas gatunku portretowego, jednej z głównych postaci, z których on sam był w rzeczywistości. Wraz z serią „odalisk” (portretów młodych dziewcząt nago), z których wyróżnia się „Odaliska ciemnowłosa” z 1745 r. i seksualności w twórczości Busha (nigdy jednak nawet blisko wulgarności).
A trzeci punkt był nieco płaski i „teatralny”, zdaniem wielu późniejszych malarzy, podejście Bouchera do pejzażu (co zresztą było wspólne dla większości ówczesnych artystów). Jego „scena” i „kurtyna” wyróżniają się stosunkowo wyraźnie; w mniejszym stopniu pojawia się to tylko w jego wczesnych „włoskich” krajobrazach. Pomimo stopnia dopracowania roślinności i architektury (zob. „Krajobraz w okolicach Beauvais”, „Młyn”, „Przejście przez most”), krajobrazy Bouchera zamieszkują zupełnie nierealne sztafaże, „jego„ wieśniacy ”to szlachta, jego byki - tego Zeusa przed porwaniem Europy", a pogoda to pogodny, lekko pochmurny dzień i to niezależnie od przedstawionej lokalizacji. Pomimo faktu, że główna praca nad pejzażem u Bouchera, podobnie jak u wszystkich innych malarzy jego czasów, odbywała się w pracowni, to samo „szarpliwie teatralne podejście” nigdy nie pozwala mistrzowi osiągnąć poczucia rzeczywistości miejsce (którego zadanie stoi, przez całą widoczność, a nie ustawione). „Jego Francja to„ mała Arkadia ”, nieskończenie odległa od rzeczywistości, a jednak piękna”.
Prawie nic w pracy nie mówi o scenach rodzajowych artysty.
W ten sposób Francois Boucher wszedł do światowej historii sztuki jako artysta malarstwa „słodkiego”, absolutnie realistycznego w sposobie przedstawiania i równie nierealistycznego w doborze przedstawianych; jako znakomity stylista i mistrz sztuki i rzemiosła.
Jego najzdolniejszy uczeń J. O. Fragonard odziedziczył po nim zewnętrzną elegancję, swobodę kompozycji i śmiałość koloru, ale spróbuje połączyć je z większą emocjonalną głębią wewnętrzną w przekazywaniu obrazów i fabuł; częściej stosuje się techniki wyraźnego kontrastu kolorów, których prawie nie ma u Bouchera, więcej uwagi poświęca się kontrastowi światła i cienia. Rozmaz jest znacznie większy niż u Bouchera, ale jest to odczuwalne dopiero po bliższym przyjrzeniu się, efekt porównawczej gładkości jest dziedziczony po nauczycielu. Ale nie będziemy się skupiać na jego twórczości, bo poza powyższymi, a także przewagą sceny rodzajowej nad mitologiczną, jego sztuka podążała „ścieżką” wytyczoną przez Busha, by odprężyć i zniewolić widza.
Współczesna francuska krytyka sztuki nie ceni wysoko sztuki Bouchera. Krytycy, uznając wyższą technikę artysty, zwracają uwagę na „słodycz” jego prac, często niedoskonały gust artystyczny (późniejsze prace, w większości niejasne, zawierają zestawienia podobnych kolorów w nadmiernym kontraście), a także ogólną „mieszczańską” stylistykę .
8. Maurice Quentin de Latour (1704-1788)
De Latour – „Król pasteli”
O „Portrecie sekretarza królewskiego Duvala de Lepina”
De Latour urodził się w skromnej rodzinie. W wieku dziewiętnastu lat opuścił rodzinne miasto Saint-Quentin i przybył do Paryża, gdzie studiował u przeciętnego malarza Dupucha i kilku innych artystów.
Pierwsze dwa wystawiane publicznie prace Latoura (portrety jego samego i żony malarza Bouchera), wystawione w paryskim salonie w 1737 r., przyniosły mu tytuł członka Akademii Sztuk Pięknych; w 1746 został wybrany do jej pełnoprawnych członków, aw 1750 otrzymał tytuł malarza królewskiego, który zachował przez 23 lata. W 1780 r. udał się na emeryturę do rodzinnego miasta.
Doświadczywszy wpływu ideologii Oświecenia, wywieranej przez J.B.S. Chardina i artystów angielskich, z którymi de Latour studiował od 1725 roku przez kilka lat, de Latour nigdy nie zaakceptował słodyczy i słodyczy większości sztuki „galant”, jednak jak on sam doświadczył trochę jego wpływu i miał na niego nie mniej.
M. K. de Latour to człowiek, który przejął od weneckiej artystki Rosalby Carriera pałeczkę w ważnej dla sztuk plastycznych sprawie – w poszerzaniu możliwości wizualnych pastelowych ołówków, rozpowszechnianiu rysunku jednocześnie pastelami o różnym stopniu miękkości, popularyzacji malarstwo pastelowe jako rodzaj sztuki plastycznej, która pozwala wyrazić niewyrażalne farby olejne. Co jest tak trudnego do wyrażenia techniką olejną? Na przykład absolutna gładkość malowania w malarstwie olejnym często prowadzi do „polerowania”, pewnej „martwy” przedstawianego, czego holenderscy „gładcy malarze” XVII wieku nie zawsze mogli uniknąć. Pełne gładkie malowanie w pastelach wręcz przeciwnie pozwala na osiągnięcie maksymalnego naturalizmu kiedy jest to konieczne, natomiast (!) Brak werniksu w jego składzie nie porównuje np. owoców w takiej pracy do manekinów, a twarzy do marionetek . „Będąc zaangażowanym w doskonalenie się w rysunku przez dwa lata, dzięki temu [de Latour] osiągnął w malarstwie pastelowym taką umiejętność, jakiej nie posiadał żaden z poprzedzających go pastelistów i być może tych, którzy po nim naśladowali.
Jego sława rosła coraz bardziej, czemu sprzyjała też moda na pastele, jaka rozpowszechniła się w ówczesnym społeczeństwie francuskim. „Na tym (i nie tylko) polega jego znaczący wkład w plastykę, wpływ na malarstwo” dzielnych malarzy Latour, pastel był postrzegany przez francuskich, w szczególności nadwornych artystów, nie tylko jako technika pomocnicza, ale także jako niezależna technika.
Z kolei de Latour pozostawał pod bezpośrednim wpływem rokoka: miękkość barwy jego obrazów, wizerunek portretowanych, choć nie wyidealizowany, ale w dobrym humorze, podobał się francuskiej szlachcie nie mniej niż duch oświecenia i psychologizm w swoich utworach - postaci literackie i filozofowie swoich czasów.
„Według współczesnych Latourowi, jak rzadko kto, wychwytywał podobieństwo; z tą cechą łączyła się siła, harmonia i przyjemność barw, które przetrwały do dziś na jego portretach, wbrew ich przepisom. Najliczniej wiele z nich znajduje się w muzeum Saint-Quentin, jest ich również dużo w Luwrze w Paryżu. Wiele prac Latoura zostało wyrytych przez wybitnych mistrzów jego czasów”. I choć de Latour nie jest tradycyjnie charakteryzowany jako artysta stylu „galant”, to jego „wzajemne skrzyżowanie” z rokokiem pozwala wspomnieć o tym wybitnym artyście.
Rodzaje i techniki sztuk plastycznych
Malarstwo jest płaską sztuką wizualną, której specyfika polega na przedstawianiu za pomocą farb nakładanych na powierzchnię obrazu świata rzeczywistego, przekształconego przez twórczą wyobraźnię artysty...
Wkład kultury i sztuki XX wieku w cywilizację światową
W historii kultury rosyjskiej początek XX wieku. został nazwany „srebrnym wiekiem” kultury rosyjskiej, który zaczyna się od „świata sztuki”, a kończy na symbolice. World of Art to organizacja założona w 1898 roku...
Gotyk. Zamrożona epoka minionych czasów
Kierunek gotycki w malarstwie rozwinął się kilkadziesiąt lat po pojawieniu się elementów stylu w architekturze i rzeźbie. Jednym z głównych nurtów malarstwa gotyckiego były witraże...
Wpływ próśb dworu wersalskiego był odczuwalny przede wszystkim w dziedzinie sztuk plastycznych, dekoracyjnych i użytkowych oraz architektury. Oprócz malarstwa sztalugowego, porcelany, wachlarzy i mody, styl „galant” przeniknął do wnętrz rezydencji...
KA Somow. Kultywowanie gatunku galant
2.1 Geneza gatunku „galant” w epoce rokoka Początek XX wieku to nostalgiczny „powrót” do estetyki rokoka, do obrazów z czasów Ludwika XIV, do minionej epoki galant...
Rewolucja kulturalna w ZSRR (1922-1941)
„Program partii w dziedzinie sztuki spotkał się z oporem artystów ściśle związanych z burżuazją, sprzeciwiających się reżimowi sowieckiemu. Reakcyjni artyści i teoretycy sztuki uciekali się do szkalowania bolszewików, oskarżając ich o...
Niezwykły rozkwit kultury narodowej w pierwszej połowie XIX wieku. pozwolono nazwać ten czas „złotym wiekiem”. Jeśli w rozwoju gospodarczym i społeczno-politycznym Rosja pozostawała w tyle za zaawansowanymi państwami europejskimi…
Rosyjskie malarstwo portretowe i grafika pierwszej połowy XIX wieku
Święta Inkwizycja w średniowieczu i jej odbicie w sztuce
W średniowieczu malarstwo stało się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki. Do nowego podejścia do malarstwa przyczyniło się również szereg nowinek religijnych...
Tył do przodu
Uwaga! Podgląd slajdu służy wyłącznie celom informacyjnym i może nie odzwierciedlać pełnego zakresu prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany tą pracą, pobierz pełną wersję.
Sztuki piękne XVIII wieku w najlepszych dziełach charakteryzują się analizą najsubtelniejszych ludzkich doświadczeń, reprodukcją niuansów uczuć i nastrojów. Intymność, liryzm obrazów, ale także analityczna obserwacja to cechy charakterystyczne sztuki XVIII wieku, zarówno w gatunku portretu, jak i malarstwa codziennego. Te właściwości artystycznego postrzegania życia są wkładem XVIII wieku w rozwój światowej kultury artystycznej, choć należy uznać, że osiągnięto to kosztem utraty uniwersalnej kompletności w przedstawianiu życia duchowego, integralności w ucieleśnienie estetycznych poglądów społeczeństwa, charakterystycznych dla malarstwa Rubensa, Velazqueza, Rembrandta, Poussina.
ROKOKO („osobliwy”, „kapryśny”; rokoko francuskie od rocaille – fragmenty kamieni, muszli), nurt stylistyczny, który zdominował sztukę europejską w pierwszych trzech ćwierćwieczach XVIII wieku. Był nie tyle samodzielnym zjawiskiem artystycznym, ile fazą, pewnym etapem ogólnoeuropejskiego stylu barokowego. Termin „rokoko” powstał we Francji pod koniec XVIII wieku, w okresie rozkwitu klasycyzmu, jako pogardliwy przydomek dla wszelkiej manieryjnej i pretensjonalnej sztuki XVIII wieku: zakrzywiona, kapryśna linia przypominająca zarysy muszli, jej główna cecha. Sztuka rokoka to świat fikcji i intymnych przeżyć, dekoracyjnej teatralności, wyrafinowania, wyrafinowania; nie ma w nim miejsca na heroizm i patos; zastępuje je gra miłości, fantazji i uroczych bibelotów. Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie dworskiej arystokracji, idylliczne obrazy „pasterskiego” życia na tle dziewiczej przyrody, świat skomplikowanych romansów i pomysłowych alegorii. Życie ludzkie jest chwilowe i ulotne, dlatego trzeba łapać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się, by żyć i czuć. „Duch uroczych i zwiewnych drobiazgów” staje się motywem przewodnim twórczości wielu artystów „królewskiego stylu”.
Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „Anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Inni widzieli w nim artystę - "hipokrytę", "który ma wszystko oprócz prawdy". Jeszcze inni sceptycznie zauważali: „Jego ręka zbiera róże tam, gdzie inni znajdują tylko ciernie”. François Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Pędzel artysty należy do wielu portretów kochanki króla Ludwika XV, markizy de Pompadour. Wiadomo, że patronowała Bushowi, niejednokrotnie zamawiała mu obrazy o tematyce religijnej do wiejskich rezydencji i paryskich rezydencji. W Madame de Pompadour bohaterka ukazana jest w otoczeniu porozrzucanych kwiatów i luksusowych przedmiotów, przypominających o jej artystycznych upodobaniach i zainteresowaniach. Leży po królewsku na tle bujnych, uroczystych draperii. Książka w jej dłoni jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne. Markiza hojnie podziękowała artyście. Mianując go dyrektorem Manufaktury Gobelinów, a następnie nadając mu tytuł „pierwszego malarza króla.
Francois Boucher nie raz sięgał po przedstawienie frywolnych scen, których głównymi bohaterami byli słodcy, nieśmiali pasterze lub pulchne nagie dziewczęta w postaci mitologicznej Wenus i Diany. Jego obrazy pełne są niejednoznacznych aluzji, pikantnych detali (podwyższony rąbek satynowej spódnicy pasterza, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do ust, wymowne, zapraszające spojrzenie, symbolicznie całujące się gołębie itp.). artysta doskonale znał modę i gusta swojej epoki!
W historii malarstwa Francois Boucher nadal pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i znakomitego rysunku. Dowcipne kompozycje, niezwykłe kąty pochylenia postaci, dziwaczne sylwetki w niemalże teatralnej scenerii, bogate akcenty kolorystyczne, jaskrawe refleksy przezroczystych barw nakładane drobnymi, lekkimi pociągnięciami, płynnie płynące rytmy - wszystko to czyni F. Bouchera niedoścignionym mistrzem malarstwa. Jego obrazy zamieniają się w dekoracyjne panele, zdobią bujne wnętrza przedpokojów i salonów, przywołują do świata szczęścia, miłości i pięknych marzeń.
FRAGONARD Jean Honore Francuski malarz i rytownik, największy mistrz epoki Ludwika XVI. zasłynął z mistrzowsko zrealizowanych szarmanckich i codziennych scen, w których elegancja rokoka łączy się z wiernością naturze, subtelnością efektów świetlnych i powietrznych oraz majestatycznymi antycznymi ruinami. Oprócz prac tworzonych na podstawie prawdziwych obserwacji, tworzy też improwizowane pastorały, odtwarza scenę z taką żywością, jakby była napisana z natury.
Antoniego Watteau- współcześni nazywani „poetą beztroskiego wypoczynku” i „dzielnych uroczystości”, „śpiewaczką wdzięku i piękna”. W swoich pracach uchwycił pikniki w wiecznie zielonych parkach, muzyczne i teatralne koncerty na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, sielankowe randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach jest przejmujący smutek. Poczucie przemijania piękna i ulotności tego, co się dzieje.
Watteau znalazł siebie, swój temat, kiedy przybył do Paryża: są to tak zwane galantowe uroczystości - arystokratyczne towarzystwo w parku, grające muzykę, tańczące, bezczynne; malarstwo, w którym wydaje się, że nie ma akcji, nie ma fabuły - sceny z beztroskiego życia, podane z wyrafinowanym wdziękiem. Wszystko to widzi jakby z boku chudy, nieco ironiczny obserwator z nutką melancholii i smutku. Kolorystyka Watteau - jedna z najsilniejszych cech jego talentu - zbudowana jest na subtelnych odcieniach szarości, brązu, bladoliliowego, żółto-różowego. W obrazach Watteau nigdy nie ma czystego tonu. Podobnie jak w kolorze, podane są wszystkie najsubtelniejsze odcienie uczuć miłosnych. W 1717 roku artysta stworzył jedno z największych dzieł „Pielgrzymka na wyspę Cythera”. Ten obraz odzwierciedla najlepszą paletę uczuć, którą tworzy przede wszystkim sam kolor. Ale to wszystko nie jest miłością, ale miłosną grą, teatrem.
Fiodor Stepanowicz Rokotow- słynny rosyjski portrecista, akademik malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (1765). Życie Fiodora Stiepanowicza Rokotowa, najbardziej poetyckiego portrecisty XVIII wieku, przez długi czas pozostawało tajemnicą. Artysta, który za życia cieszył się wielką sławą, po śmierci został zapomniany na całe stulecie.
Jego obrazy znajdują się w wielu muzeach dużych i małych miast w Rosji i niestety piękne portrety nazywane są „Portretem nieznanej kobiety”. Na kształtowanie się osobowości F.S. Rokotowa wpłynęła jego znajomość z M.V. Łomonosowem. Wydaje się, że temat ludzkiej godności, tak wyraźnie wybrzmiewający w portretach Rokotowa, został określony nie bez wpływu genialnego naukowca i pisarza, jakim był Łomonosow. Dopiero XX wiek przywrócił sztuce rosyjskiej nazwisko F.S. Rokotowa. Ale nawet teraz wiele osób wie o nim jako o autorze jednego lub dwóch obrazów.
Williama Hogartha- angielski grafik i malarz rodzajowy, założyciel i czołowy przedstawiciel narodowej szkoły malarstwa, Hogarth - wybitny ilustrator, autor rycin satyrycznych, odkrywca nowych gatunków w malarstwie i grafice. Zasłynął z rysunków satyrycznych i realistycznych portretów. Artysta, pozostając pod wpływem idei filozofów oświecenia, wiele swoich dzieł podporządkował zadaniu wychowania w człowieku zasad moralnych i wykorzenienia wad za pomocą twórczości artystycznej.
Najsłynniejsze dzieła Williama Hogartha: seria rycin „Modne małżeństwo”, „Kariera prostytutki”, „Kariera mot”, „Wybory parlamentarne”, ryciny „Ulica piwna”, „Gin Lane”, „Postacie i karykatury”, obrazy „Autoportret”, „Portret Kapitana Korema”, „Dziewczyna z krewetkami”.
Chyba w każdym stylu i gatunku plastycznym można wymienić tych jego przedstawicieli, którzy są ich uosobieniem. I tak na przykład Michał Anioł i Rafael triumfują w malarstwie renesansowym, Peter Paul Rubens w baroku, Gustav Klimt i Alfons Mucha w secesji.
A jeśli mówimy o sztuce rokoka, to przede wszystkim pamiętane są nazwiska takich mistrzów, jak Antoine Watteau i Francois BOUCHER.
Antoni WATTO
Franciszka BOUCHERA
Malarstwo rokokowe i najsłynniejsi mistrzowie tego stylu poświęcony jest temu wpisowi, który polecam wszystkim miłośnikom sztuki.
Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie dworskiej arystokracji, „szalone uroczystości”, sielankowe obrazy życia „pasterskiego” na tle dziewiczej przyrody (tzw. wiszący w domu prymasa szlachty Hipolita Matwiejewicza Worobianinowa, o którym udawał, że pamięta niezapomnianego Ostapa Bendera, gdy spotkał archiwistę Korobeinikowa?), świat skomplikowanych romansów i pomysłowych alegorii.
Życie człowieka jest krótkie i ulotne, więc trzeba łapać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się i czuć – tak uważało wielu francuskich arystokratów XVIII wieku, dalekich od idei filozofów oświecenia, którzy zbliżali się do tego, co stało się w 1789 r. Pogrążeni w hedonizmie i epikureizmie nie byli w stanie stawić praktycznie żadnego oporu rewolucyjnej fali, która porwała zarówno ich, jak i znany im świat „wyrafinowanych przyjemności”. I nie jest bynajmniej przypadkiem, że po rewolucji francuskiej 1789 roku i terrorze jakobińskim sztuka ponownie dokonała gwałtownego zwrotu, w wyniku którego wyłonił się taki styl jak Empire.
Nawiasem mówiąc, czy pewne historyczne podobieństwa nie są oczywiste?
W poprzednim poście o stylu rokoko pisałem już, że Art Nouveau można uznać za jego następcę o ponad wiek. Niezwykła popularność secesji w Rosji na początku XX wieku we wszystkim, od architektury i sztuk pięknych po literaturę i modę, wynika w dużej mierze z tego samego hedonizmu tym razem rosyjskiej arystokracji i inteligencji (przecież wiek XX, nie 18.). Do tego dochodzi jeszcze dekadencja, niezwykle modna wśród rosyjskiej młodzieży na początku XX wieku. Poeta M. Kuzmin, który w Rosji na początku ubiegłego wieku śpiewał „ducha pięknych i zwiewnych rzeczy”, jest z pewnością w tej samej fali semantycznej z kochanką Ludwika XV, markizą Pompadour, która oświadczyła: „ Po nas przynajmniej potop”.
Jak wiadomo, ani przedrewolucyjna Francja, ani przedrewolucyjna Rosja nie czekały długo na tę „potop”. A fakt, że ostatecznie w ZSRR, po eksperymentach z konstruktywizmem w duchu Corbusiera, zatriumfował zasadniczo eklektyczny styl zwany „stalinowskim stylem imperialnym”, również wiele mówi (choć oczywiście to, co nazywa się „imperium stalinowskim stylem”, architektonicznie nie do końca empirowym).
To jednak wprowadziło mnie nieco w paralelizm kulturowo-historyczny. Wróćmy do malarstwa rokokowego, czyli do XVIII wieku.
Dla większości malarzy rokokowych Wenus, Diana, nimfy i amorki przyćmiewają wszystkie inne bóstwa starożytnej mitologii, nie wspominając o tematach chrześcijańskich, które są całkowicie ignorowane. Wszelakie „kąpiele”, „poranne toalety” i doraźne przyjemności są teraz niemal głównym tematem obrazu.
Wchodzą w modę egzotyczne nazwy kolorów: „kolor uda przestraszonej nimfy” (cielesność), „kolor róży pływającej w mleku” (blady róż), „kolor straconego czasu” (niebieski) itp. Wyraźnie przemyślane, solidne kompozycje klasycyzmu ustępują miejsca pełnemu wdzięku i wyszukanemu wzorowi.
Antoine WATTO (1684 - 1721) współcześni nazywali go „poetą beztroskiego wypoczynku”, „śpiewakiem wdzięku i piękna”. W swoich pracach uchwycił pikniki w wiecznie zielonych parkach, muzyczne i teatralne koncerty na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, sielankowe randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach pojawia się przejmujący smutek, poczucie przemijania piękna i ulotności tego, co się dzieje.
Ale ten obraz Antoine'a Watteau, stworzony w 1720 roku jako znak dla występów wędrownych komików, jest jego prawdziwym arcydziełem. Nazywa się to Gilles.
Gilles to jeden z głównych bohaterów francuskiej komedii masek, współbrzmiący z Pierrotem, bohaterem włoskiej komedii dell'arte. Niezdarne, naiwne stworzenie, jakby stworzone specjalnie do ciągłego wyśmiewania i sztuczek zręcznego i przebiegłego Arlekina. W niedorzecznej pozie komika, stojącego zagubionego i nieruchomego przed publicznością, wyczuwa się jego bezsensowne poszukiwanie rozmówcy, który jest w stanie go wysłuchać i zrozumieć. Ale na próżno. W zmęczonym i smutnym wyglądzie błazna czaiła się myśl o samotności człowieka zmuszonego do zabawiania i zabawiania znudzonej publiczności. W tym obrazie Antoine Watteau zdawał się podejmować próbę przekroczenia hedonistycznych obyczajów panujących w jego współczesnym społeczeństwie, co jest wielkością jego talentu.
„Gilles” – główne dzieło zmarłego w wieku 36 lat Antoine Watteau, zostało napisane przez niego na krótko przed śmiercią. Myślę, że komentarze na ten temat są zbędne.
Francois BOUCHER (1703 - 1770) uważał się za wiernego ucznia Antoine Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „Anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Drugi widział w nim „artystę – hipokrytę”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważali: „Jego ręka zbiera róże tam, gdzie inni znajdują tylko ciernie”.
François Boucher namalował kilka ceremonialnych portretów słynnej kochanki Ludwika XV markizy Pompadour który patronował artystce.
Najbardziej znanym wizerunkiem markizy autorstwa F. Bouchera jest obraz „Pani Pompadour” 1756, na którym bohaterka przedstawiona jest w otoczeniu przedmiotów przypominających o jej gustach artystycznych i zainteresowaniach. Jednocześnie książka w jej rękach to wyraźna nuta oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne („Po nas chociaż potop!” Pamiętacie? Jest też intelektualistką i zwolenniczką oświaty!!!)
Markiza Pompadour szczodrze podziękowała artyście, mianując go najpierw dyrektorem fabryki gobelinów (bo inaczej skąd wziąłby się słynny gobelin Pasterka?), a następnie rektorem Akademii Sztuk Pięknych, nadając mu tytuł „ pierwszy malarz króla”.
Oprócz wykonywania poleceń francuskiego dworu królewskiego, François Boucher nieustannie zwracał się ku przedstawianiu różnego rodzaju frywolnych scen, których głównymi bohaterami byli słodcy, nieśmiali pasterze lub pulchne nagie damy w postaci mitologicznej Wenus i Diany.
Jego obrazy pełne są niejednoznacznych aluzji, pikantnych detali (podwyższony rąbek pasterskiej spódnicy, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, baranki czepiające się nóg zakochanych, całowanie gołębi itp.).
Cóż, Francois Boucher doskonale znał modę i gusta swojej epoki!
W historii malarstwa światowego Francois Boucher do dziś pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i kunsztownego rysunku, którego obrazy przywołują świat szczęścia, miłości i pięknych snów.
Ale dla każdego, kto uważnie przeczyta ten post, powinno być jasne, dokąd ostatecznie prowadzą te sny.
Dziękuję za uwagę.
Siergiej Worobow.
