Malarstwo holenderskie. Złoty wiek malarstwa holenderskiego

W naszym artykule porozmawiamy o dwóch artystach: Jan van Goyene oraz Jakub van Ruisdale.

Obaj żyli w epoce wyzwolenia Holandii spod obcego jarzma i był to Złoty Wiek malarstwa holenderskiego. To właśnie w sztuce holenderskiej zaczęły rozwijać się następujące gatunki: portret, pejzaż, gatunek codzienny, martwa natura. Nie obserwowano tego wówczas nawet w wybitnych ośrodkach sztuki – we Włoszech czy we Francji. Sztuka Holandii w XVII wieku. stał się osobliwym zjawiskiem w artystycznym świecie Europy w XVII wieku. Holenderscy mistrzowie utorowali drogę artystom z innych narodowych europejskich szkół artystycznych.

Jana van Goyena (1596-1656)

Terborch „Portret van Goyena” (ok. 1560)

Jan van Goyen jest jednym z pierwszych artystów, którzy przedstawiają naturę w sposób naturalny, prosty, bez upiększeń. Jest twórcą narodowego krajobrazu holenderskiego. Natura jego kraju dała mu dość tematów na całe życie.
Jan van Goyen urodził się w 1596 roku w Lejdzie w rodzinie szewca.
Choć Jan van Goyen w młodości spędził trochę czasu w Paryżu, zamiłowanie do prostego pejzażu było we Francji nieznane, więc trudno mówić o jakimkolwiek wpływie przedstawicieli francuskiego malarstwa na jego twórczość.
W swoim kraju miał kilku nauczycieli malarstwa, ale tylko w pracowni Isaiaha van de Velde spędził rok, a z resztą mentorów komunikował się jeszcze mniej.

Jan van Goyen „Krajobraz z wydmami” (1630-1635). Kunsthistorisches Museum (Wiedeń)

kreacja

Początkowo Goyen malował holenderskie wioski lub okolice z ich roślinnością, potem w jego obrazach zaczęły dominować widoki wybrzeża, gdzie większość obrazów zajmowała niebo i woda.

Jan van Goyen „Widok na rzekę” (1655). Mauritshuis (Haga)

Drzewa, chaty czy zabudowa miasta odgrywają w jego obrazach drugorzędną rolę, ale mają bardzo malowniczy wygląd, podobnie jak małe żaglowce i statki wiosłowe z postaciami rybaków, sterników i pasażerów.
Obrazy Goyena są przeważnie monotonne. Artysta kochał prostotę koloru, ale jednocześnie jego kolory są harmonijne. Nałożył farbę cienką warstwą.

Jan van Goyen Widok Merwede w pobliżu Dordrechtu (ok. 1645). Rijksmuseum (Amsterdam)

Późne prace artysty wyróżniają się niemal monochromatyczną paletą, a prześwitujące podłoże nadaje im szczególnej głębi i niepowtarzalnego uroku.

Jan van Goyen Krajobraz z dwoma dębami (1641). Rijksmuseum (Amsterdam)

Jego obrazy są przyjemne właśnie ze względu na swoją prostotę i realizm. Artysta stworzył całkiem sporo płócien artystycznych, ale jego praca nie zawsze była godnie nagradzana. Dlatego Goyen musiał zarobić dodatkowe pieniądze w inny sposób: handlował tulipanami, zajmował się wyceną i sprzedażą dzieł sztuki, nieruchomości i ziemi. Ale próby przedsiębiorczości zwykle nie kończyły się sukcesem.

Jan van Goyen „Zimowa scena na lodzie”

Teraz jego praca jest doceniana, a każde muzeum uważa jego obrazy za cenne eksponaty.
W Ermitażu znajduje się również kilka obrazów Jana van Goyena: „Widok na rzekę. Meuse, niedaleko Dortrechtu”, „Wybrzeże Scheveningen, niedaleko Hagi”, „Pejzaż zimowy”, „Widok na rzekę. Meuse”, „Widok wsi”, „Krajobraz z dębem” itp.

Jan van Goyen „Krajobraz z dębem”

Oprócz malarstwa Goyen zajmował się akwafortą (rodzaj grawerowania na metalu) i rysunkiem.

W 1632 roku Goyen przeniósł się wraz z rodziną do Hagi, gdzie mieszkał do końca życia – do 1656 roku.

Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)

Jacob Isaacs van Ruisdael urodził się i zmarł w Haarlem (Holandia). Nie ma jego dokładnych portretów. Ten portret jest tylko spekulacją.
Obecnie Ruisdael uważany jest za najważniejszego holenderskiego pejzażystę, jednak za życia jego talent nie został doceniony w należyty sposób. Jego nauczycielem mógłby być jego własny wujek – artysta Solomon van Ruysdael.
Ruisdael był również praktykującym chirurgiem z siedzibą w Amsterdamie.

kreacja

Artysta umiejętnie przekazał ludzkie emocje poprzez pejzaż. A dla niego każdy element krajobrazu był ważny: zgięta przez podmuch wiatru gałąź, zmiażdżone źdźbło trawy, burzowa chmura, wydeptana ścieżka… I wszystkie te elementy zostały harmonijnie połączone w jego obrazach w jeden NATURA.
Pisał małymi pociągnięciami. Lubił malować leśne zarośla, bagna, wodospady, małe holenderskie miasteczka czy wsie, a przede wszystkim triumfujące niebo. Krajobrazy Ruisdael są zrozumiałe dla każdej osoby dowolnej narodowości, ponieważ wyrażają wspólną dla wszystkich ludzi jedność z naturą.
Ruisdael stworzył około 450 obrazów. Inne źródła podają liczbę 600. Większość jego pejzaży jest poświęcona naturze jego rodzinnej Holandii, ale malował także lasy dębowe w Niemczech i wodospady w Norwegii.

Tymczasem jest to szczególny obszar kultury europejskiej, warty dokładniejszego zbadania, który odzwierciedla oryginalne życie ówczesnych Holendrów.

Historia wyglądu

Jasni przedstawiciele sztuki zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Kulturolodzy francuscy nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie jest kojarzona ze skalą talentów i oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do stylu „wielki” z dużymi płótnami o tematyce historycznej czy mitologicznej. Historia powstania malarstwa niderlandzkiego została szczegółowo opisana w XIX wieku, a autorzy prac o nim również używali tego terminu. „Mali Holendrzy” wyróżniali się świeckim realizmem, zwracali się ku otaczającemu ich światu i ludziom, posługiwali się malarstwem bogatym w tonację.

Kamienie milowe rozwoju

Historię powstania malarstwa niderlandzkiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy w sztuce narodowej zapanował realizm. Drugi okres malarstwa niderlandzkiego przypadł na lata 1640-1660. To czas, kiedy przypada prawdziwy rozkwit miejscowej szkoły artystycznej. Wreszcie okres trzeci, czas schyłku malarstwa niderlandzkiego – od roku 1670 do początku XVIII wieku.

Warto zauważyć, że ośrodki kultury zmieniały się przez ten czas. W pierwszym okresie w Haarlemie działali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Halsa. Następnie ośrodek przeniósł się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze prace wykonali Rembrandt i Vermeer.

sceny z życia codziennego

Wymieniając najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, należy zdecydowanie zacząć od życia codziennego – najbardziej uderzającego i oryginalnego w historii. To Flamandowie otworzyli na świat sceny z codziennego życia zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego następcy Oudenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Holenderskie malarstwo tamtych czasów opowiada również o scenach pokojowych: w niektórych obrazach chłopi rozmawiają przy fajce i kuflu piwa, spędzają czas na jarmarku lub z rodzinami. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego złotego światłocienia. Sceny miejskie zainspirowały takich artystów jak Hals, Leyster, Molenaer i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, Każda fabuła miała być zabawna, czasem groteskowo dydaktyczna. Niektórzy mistrzowie skłaniali się ku poetyckości codzienności, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki czy flirtowania. Metsu użył jasnych kolorów, zamieniając codzienność w święto, a de Hooch inspirował się prostotą życia rodzinnego, zalanego rozproszonym światłem dziennym. Późni przedstawiciele gatunku, tacy jak holenderscy mistrzowie Van der Werf i Van der Neer, często tworzyli nieco pretensjonalne tematy w pogoni za eleganckim przedstawieniem.

Przyroda i krajobrazy

Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażu. Po raz pierwszy wywodzi się z prac takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać wiejskie zakątki w pewnym srebrzystym świetle. Materialna jedność natury doszła do głosu w dziełach. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do malarzy morskich XVII wieku należeli Porcellis, de Vlieger i van de Capelle. Nie tyle starali się przekazać pewne sceny morskie, co starali się przedstawić samą wodę, grę światła na niej i na niebie.

W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła z ideami filozoficznymi. Jan van Ruisdael zmaksymalizował piękno holenderskiego krajobrazu, przedstawiając go w całej jego dramaturgii, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, stał się spadkobiercą jego tradycji. Koninck malował panoramy, natomiast van der Neer zajmował się tworzeniem nocnych pejzaży oraz transmisją światła księżyca, wschodu i zachodu słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystami. Później artyści zaczęli angażować się w obcą przyrodę – Bot, van Laer, Venix, Berchem i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Pionierem gatunku był Sanredam, którego najlepszymi naśladowcami są bracia Berkheide i Jan van der Heyden.

Obraz wnętrz

Sceny przedstawiające pomieszczenia kościelne, pałacowe i domowe można nazwać odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności. Wnętrza pojawiły się w obrazach drugiej połowy XVII wieku mistrzów z Delft – Haukgesta, van der Vlieta i de Witte, którzy stali się głównym przedstawicielem tego kierunku. Wykorzystując technikę Vermeera, artyści przedstawili sceny skąpane w słońcu, pełne emocji i objętości.

Malownicze naczynia i sztućce

Wreszcie innym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza obraz śniadań. Po raz pierwszy tą sztuką zajęli się Klas i Kheda z Harlemu, którzy malowali nakryte stoły luksusową zastawą stołową. Malowniczy bałagan i szczególne oddanie przytulnego wnętrza wypełnia srebrzystoszare światło, charakterystyczne dla srebrnych i cynowych naczyń. Artyści z Utrechtu malowali bujne kwiatowe martwe natury, aw Hadze mistrzowie odnosili szczególne sukcesy w przedstawianiu ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry sąsiadują z symbolami zmysłowej rozkoszy czy ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Demokratyczne kuchenne martwe natury stały się znakiem rozpoznawczym szkoły artystycznej w Rotterdamie.

Kultura holenderska w XVII wieku

Zwycięstwo rewolucji burżuazyjnej w północnych Niderlandach doprowadziło do powstania niepodległego państwa - Republiki Siedmiu Zjednoczonych Prowincji - Holandii (od nazwy najważniejszej z tych prowincji); po raz pierwszy w jednym z krajów Europy ustanowiono ustrój burżuazyjno-republikański. Siłą napędową rewolucji byli chłopi i najbiedniejsze warstwy ludności miejskiej, ale burżuazja, która doszła do władzy, wykorzystała swoje podboje.
Wyzwolenie spod jarzma absolutyzmu hiszpańskiego i Kościoła katolickiego, zniesienie szeregu ograniczeń feudalnych otworzyło drogę do szybkiego wzrostu sił wytwórczych republiki, która według Marksa „była wzorcowym krajem kapitalistycznym XVII w. Tylko w ówczesnej Holandii ludność miejska dominowała nad wiejską, ale głównym źródłem zysków nie był przemysł (choć rozwijała się tu produkcja włókiennicza, a zwłaszcza stoczniowy), ale handel pośredniczący, który rozwinął się dzięki polityce kolonialnej. Wraz z bogaceniem się klas panujących rosła bieda ludu pracującego, rujnowali się chłopi i rzemieślnicy, a do połowy XVII wieku nasiliły się sprzeczności klasowe.
Jednak w pierwszych dziesięcioleciach po powstaniu republiki żywe były demokratyczne tradycje epoki rewolucyjnej. Rozległość ruchu narodowowyzwoleńczego, wzrost samoświadomości ludu, radość wyzwolenia spod obcego jarzma zjednoczyły najrozmaitsze warstwy ludności. Kraj stworzył warunki do rozwoju nauki i sztuki. Zaawansowani myśliciele tamtych czasów, w szczególności francuski filozof Kartezjusz, znaleźli tu schronienie i ukształtował się fundamentalnie materialistyczny system filozoficzny Spinozy. Największe osiągnięcia osiągnęli artyści holenderscy, tacy malarze jak Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst i wielu innych mistrzów malarstwa. Artyści holenderscy jako pierwsi w Europie wyzwolili się spod opresyjnego wpływu kręgów dworskich i Kościoła katolickiego i stworzyli sztukę demokratyczną i realistyczną, bezpośrednio odzwierciedlającą rzeczywistość społeczną.

Malarstwo holenderskie XVII wieku

Charakterystyczną cechą rozwoju sztuki niderlandzkiej była znacząca przewaga wśród wszystkich jej rodzajów malarstwa. Obrazy zdobiły domy nie tylko przedstawicieli rządzącej elity społeczeństwa, ale także biednych mieszczan, rzemieślników i chłopów; sprzedawano je na aukcjach i jarmarkach; czasami artyści używali ich jako środka do płacenia rachunków. Zawód artysty nie był rzadkością, malarzy było wielu i zaciekle ze sobą konkurowali. Niewielu z nich mogło wyżywić się malowaniem, wielu podejmowało się różnych zajęć: Sten był karczmarzem, Hobbema urzędnikiem akcyzowym, Jacob van Ruysdael był lekarzem.
Szybki rozwój malarstwa niderlandzkiego w XVII wieku tłumaczył nie tylko popyt na obrazy ze strony tych, którzy chcieli ozdobić nimi swoje domy, ale także ich postrzeganie jako towaru, środka zysku, źródła spekulacji. Pozbywając się bezpośredniego klienta – Kościoła katolickiego czy wpływowego filantropa feudalnego – artysta był całkowicie zależny od wymagań rynku. Gusta społeczeństwa burżuazyjnego z góry wyznaczały ścieżki rozwoju sztuki holenderskiej, a sprzeciwiający się im artyści, broniący swojej niezależności w sprawach twórczości, znajdowali się w izolacji, umierając przedwcześnie w potrzebie i samotności. Co więcej, byli to z reguły najbardziej utalentowani mistrzowie. Wystarczy wymienić nazwiska Halsa i Rembrandta.
Głównym przedmiotem obrazu dla holenderskich artystów była otaczająca ich rzeczywistość, która nigdy wcześniej nie znalazła tak pełnego odzwierciedlenia w pracach malarzy innych szkół narodowych. Odwoływanie się do najróżniejszych dziedzin życia doprowadziło do umocnienia się tendencji realistycznych w malarstwie, w którym wiodące miejsce zajmował gatunek codzienny oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im bardziej zgodnie z prawdą, im głębiej artyści odzwierciedlali otwierający się przed nimi rzeczywisty świat, tym większe znaczenie miały ich prace.
Każdy gatunek miał swoje własne gałęzie. I tak na przykład wśród malarzy pejzażystów byli malarze maryniści (przedstawiający morze), malarze preferujący widoki miejsc płaskich lub leśnych zarośli, byli mistrzowie specjalizujący się w pejzażach zimowych i pejzażach przy świetle księżyca: wśród malarzy rodzajowych artyści, którzy przedstawiali chłopów, mieszczan, sceny z uczt i życia domowego, sceny myśliwskie i jarmarki; byli mistrzowie wnętrz kościelnych i różnego rodzaju martwych natur - „śniadań”, „deserów”, „sklepów” itp. Wpłynęły na to cechy ograniczeń malarstwa holenderskiego, zawężając liczbę zadań dla jego twórców. Ale jednocześnie koncentracja każdego z artystów na określonym gatunku przyczyniła się do udoskonalenia warsztatu malarza. Tylko najwięksi z holenderskich artystów pracowali w różnych gatunkach.
Kształtowanie się realistycznego malarstwa holenderskiego odbywało się w walce z nurtem italianizacji i manieryzmu. Przedstawiciele tych nurtów, każdy na swój sposób, ale czysto powierzchownie, zapożyczyli techniki włoskich artystów, głęboko obcych tradycjom narodowego malarstwa holenderskiego. We wczesnej fazie formowania się malarstwa niderlandzkiego, obejmującego lata 1609-1640, tendencje realistyczne przejawiały się wyraźniej w gatunku portretowym i codziennym.

Krajobraz Holandii

Zasady realistycznego krajobrazu holenderskiego ukształtowały się w pierwszej połowie XVII wieku. Zamiast warunkowych kanonów i wyidealizowanej, wyimaginowanej natury w obrazach mistrzów kierunku italianizującego, twórcy realistycznego pejzażu zwrócili się ku przedstawieniu prawdziwej natury Holandii z jej wydmami i kanałami, domami i wioskami. Nie tylko uchwycili charakter okolicy ze wszystkimi znakami, tworząc typowe motywy narodowego pejzażu, ale także starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotnego powietrza i przestrzeni. Przyczyniło się to do rozwoju malarstwa tonalnego, podporządkowania wszystkich elementów obrazu jednemu tonowi.
Jednym z największych przedstawicieli niderlandzkiego pejzażu realistycznego był Jan van Goyen (1596-1656). Pracował w Lejdzie i Hadze. Ulubione motywy artysty Jana van Goyena w jego małych pejzażach: doliny i tafle wody szerokich rzek z miastami i wioskami na brzegach w szare, pochmurne dni. Dużo miejsca (około dwóch trzecich obrazu) Jan van Goyen opuścił niebo z wirującymi chmurami nasyconymi wilgocią. Taki jest obraz „Widok rzeki Vaal w pobliżu Nijmegen” (1649, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), utrzymany w cienkiej brązowo-szarej gamie kolorów.
Szczególny rodzaj krajobrazu przedstawiający zwierzęta, pastwiska z krowami, owce stworzył Paul Potter (1625-1654). Artysta, doskonale przestudiowawszy zwyczaje zwierząt, często robił im zbliżenia, starannie wypisując fakturę każdego materiału, miękką wełnę i najdrobniejsze detale. Takie są obrazy „Byk” (1647, Haga, Mauritshuis), „Pies na łańcuchu” (St. Petersburg, Ermitaż).

Holenderska martwa natura

Wraz z malarstwem pejzażowym martwa natura, która odznaczała się intymnym charakterem, rozpowszechniła się w Holandii w XVII wieku. Artyści holenderscy do swoich martwych natur wybierali różnorodne obiekty, umieli je doskonale komponować, wydobywać cechy każdego obiektu i jego życie wewnętrzne, nierozerwalnie związane z życiem człowieka.
XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claesz (ok. 1597-1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne warianty „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, placki z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem, z niesamowitym umiejętnym oddaniem koloru, objętości, faktury każdego elementu. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie, przypadkowym układzie rzeczy, które przed chwilą mu służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana i znaleziona. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna jednoczy tematy i nadaje szczególnego brzmienia tym czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękki jedwab niebieskiej wstążki.
Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy, ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beierena są surowe w kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i martwe natury, arystokratyczny w doborze wykwintnych drogocennych przedmiotów, pełen powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypalaniem barw .
W dalszym rozwoju martwa natura podąża tymi samymi drogami, co cała sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura zamienia się w ozdobę domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i umiejętności wykonania późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego.
Degeneracja społeczna, znana arystokratyzacja mieszczaństwa holenderskiego w ostatniej tercji XVII wieku, dają początek tendencji do zbieżności z poglądami estetycznymi francuskiej szlachty, prowadzą do idealizacji obrazów artystycznych, ich wyrafinowania. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci swoje realistyczne podstawy i wkracza w okres długiego schyłku. Wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.

Sztuka francuska XVII wieku

W sztuce francuskiej XVII wieku najpełniejsze odzwierciedlenie znalazły wyobrażenia o człowieku i jego miejscu w społeczeństwie, zrodzone w okresie kształtowania się scentralizowanych monarchii w Europie. Klasyczny kraj absolutyzmu, który zapewnił rozwój stosunków burżuazyjnych, Francja przeżyła boom gospodarczy i stała się potężną potęgą europejską. Walka o zjednoczenie narodowe z feudalną samowolą i anarchią pomogła wzmocnić wysoką dyscyplinę umysłową, poczucie odpowiedzialności jednostki za swoje czyny i zainteresowanie problemami państwa. Filozof Kartezjusz rozwinął teorię woli, głosząc dominację ludzkiego umysłu. Nawoływał do samopoznania i podboju natury, uznając świat za racjonalnie zorganizowany mechanizm. Racjonalizm stał się cechą charakterystyczną kultury francuskiej. Do połowy XVII wieku rozwinął się narodowy język literacki, który potwierdzał zasady logicznej jasności, dokładności i poczucia proporcji. W twórczości Corneille'a i Racine'a francuska tragedia klasyczna osiągnęła swoje apogeum. W swoich dramatach Molière odtwarza „ludzką komedię”. Francja przeżywała rozkwit kultury narodowej, to nie przypadek, że Voltaire nazwał XVII wiek „wielkim”.
Kultura francuska XVII wieku ukształtowała się w warunkach ustanowienia absolutyzmu. Jednak jego różnorodność i niespójność zdeterminowały szeroki ruch na rzecz zjednoczenia narodowego. Znalazł żywe reakcje na ostre konflikty społeczne, które towarzyszyły narodzinom nowego społeczeństwa. W pierwszej połowie XVII wieku fundamentami państwa zachwiały powstania chłopskie i miejskie, wielki ruch demokratyczny parlamentarnej Frondy. Na tej podstawie rodziły się utopie, marzenia o idealnym społeczeństwie opartym na prawach rozsądku i sprawiedliwości oraz wolnomyślna krytyka absolutyzmu. Rozwój sztuki francuskiej w XVII wieku przebiegał w dwóch etapach, przypadających na pierwszą i drugą połowę wieku.

Sztuka Europy Zachodniej w XVIII wieku

Wiek XVIII to w Europie Zachodniej ostatni etap długiego przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. W połowie stulecia zakończył się proces pierwotnej akumulacji kapitału, toczyła się walka we wszystkich sferach świadomości społecznej, dojrzewała sytuacja rewolucyjna. Później doprowadziło to do dominacji klasycznych form rozwiniętego kapitalizmu. Na przestrzeni stulecia dokonano gigantycznego rozbicia wszelkich społecznych i państwowych podstaw, koncepcji i kryteriów oceny starego społeczeństwa. Powstało cywilizowane społeczeństwo, ukazała się prasa periodyczna, powstały partie polityczne, toczyła się walka o wyzwolenie człowieka z kajdan feudalno-religijnego światopoglądu.
W sztukach wizualnych wzrosło znaczenie bezpośrednio realistycznego przedstawienia życia. Sfera sztuki rozszerzyła się, stała się aktywnym rzecznikiem idei wyzwoleńczych, przepełniona aktualnością, bojowym duchem, potępiała przywary i absurdy nie tylko feudalnego, ale i rodzącego się społeczeństwa burżuazyjnego. Proponował także nowy pozytywny ideał nieskrępowanej osobowości osoby, wolnej od hierarchicznych wyobrażeń, rozwijającej indywidualne zdolności, a jednocześnie obdarzonej szlachetnym poczuciem obywatelskim. Sztuka stała się narodowa, przemawiała nie tylko do kręgu wyrafinowanych koneserów, ale do szerokiego środowiska demokratycznego.

Główne kierunki rozwoju społecznego i ideowego Europy Zachodniej w XVIII wieku przejawiały się nierównomiernie w różnych krajach. Jeśli w Anglii rewolucja przemysłowa, która miała miejsce w połowie XVIII wieku, umocniła kompromis między burżuazją a szlachtą, to we Francji ruch antyfeudalny miał bardziej masowy charakter i przygotowywał rewolucję burżuazyjną. Wspólny dla wszystkich krajów był kryzys feudalizmu, jego ideologii, powstanie szerokiego ruchu społecznego – Oświecenia, z jego kultem pierwotnej nietkniętej Natury i chroniącego ją Umysłu, z jego krytyką współczesnej zepsutej cywilizacji i marzeniami harmonii dobroczynnej natury i nowej cywilizacji demokratycznej, ciążącej ku naturze.
Wiek XVIII to wiek Rozumu, niszczącego wszystko sceptycyzmu i ironii, wiek filozofów, socjologów, ekonomistów; rozwinęły się nauki ścisłe, geografia, archeologia, historia i związana z techniką filozofia materialistyczna. Wdzierając się w życie mentalne epoki, wiedza naukowa stworzyła podwaliny pod trafną obserwację i analizę rzeczywistości dla sztuki. Oświeceniowcy głosili, że celem sztuki jest naśladowanie natury, ale natury uporządkowanej, udoskonalonej (Didero, A. Pope), oczyszczonej rozumem ze szkodliwych skutków stworzonej przez człowieka cywilizacji stworzonej przez absolutystyczny reżim, nierówności społecznych, próżniactwa i luksusu. Racjonalizm myśli filozoficznej i estetycznej XVIII wieku nie stłumił jednak świeżości i szczerości uczuć, lecz zrodził dążenie do proporcjonalności, wdzięku i harmonijnej kompletności zjawisk artystycznych sztuki, od zespołów architektonicznych po Sztuka użytkowa. Oświeceni przywiązywali wielką wagę w życiu i sztuce do uczucia - ogniska najszlachetniejszych dążeń ludzkości, uczucia, które tęskni za celowym działaniem, zawiera w sobie siłę rewolucjonizującą życie, uczucie zdolne do ożywienia pierwotnych cnót „człowieka naturalnego” ( Defoe, Rousseau, Mercier), zgodnie z prawami natury.
Aforyzm Rousseau „Człowiek jest wielki tylko w swoich uczuciach” wyrażał jeden z niezwykłych aspektów życia społecznego XVIII wieku, który dał początek dogłębnej, wyrafinowanej analizie psychologicznej w realistycznym portrecie i gatunku, liryczny pejzaż jest przepojona poezją uczuć (Gainsborough, Watteau, Bernay, Robert) „powieścią liryczną”, „wierszami prozą” (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), osiąga swój najwyższy wyraz w powstaniu muzyki (Handel , Bach, Gluck, Haydn, Mozart, włoscy kompozytorzy operowi). Z jednej strony „mali ludzie” stali się bohaterami artystycznych dzieł malarstwa, grafiki, literatury i teatru XVIII wieku – ludzie, jak wszyscy inni, umieszczeni w zwykłych warunkach epoki, nie zepsuci dobrobytem i przywilejami, podlegają zwykłym naturalnym poruszeniom duszy, zadowalając się skromnym szczęściem. Artyści i pisarze podziwiali ich szczerość, naiwną bezpośredniość duszy, bliskość natury. Z drugiej strony, w centrum uwagi znajduje się ideał wyemancypowanego, cywilizowanego człowieka intelektualnego, wygenerowany przez kulturę oświeceniową, analiza jego indywidualnej psychiki, sprzecznych stanów psychicznych i uczuć z ich subtelnymi niuansami, nieoczekiwanymi impulsami i refleksyjnymi nastrojami.
Bystra obserwacja, wyrafinowana kultura myśli i uczuć są charakterystyczne dla wszystkich gatunków artystycznych XVIII wieku. Artyści starali się uchwycić sytuacje z życia codziennego w różnych odcieniach, oryginalne indywidualne obrazy, ciągnące się w kierunku zabawnych narracji i czarującego spektaklu, ostrych sprzecznych akcji, dramatycznych intryg i komediowych wątków, wyrafinowanej groteski, błazeństwa, pełnych wdzięku sielanek, szarmanckich uroczystości.
Pojawiły się także nowe problemy w architekturze. Znaczenie budownictwa sakralnego zmalało, a wzrosła rola architektury cywilnej, niezwykle prostej, unowocześnionej, uwolnionej od nadmiernego imponowania. W niektórych krajach (Francja, Rosja, częściowo Niemcy) problemy planowania miast przyszłości zostały rozwiązane. Narodziły się architektoniczne utopie (graficzne pejzaże architektoniczne – Giovanni Battista Piranesi i tzw. „papierowa architektura”). Charakterystyczny stał się typ prywatnej, zazwyczaj kameralnej zabudowy mieszkalnej oraz miejskich zespołów budynków użyteczności publicznej. Jednocześnie w sztuce XVIII wieku, w porównaniu z poprzednimi epokami, zmniejszyła się syntetyczna percepcja i kompletność relacji z życia. Dawny związek malarstwa i rzeźby monumentalnej z architekturą został zerwany, nasiliły się w nich cechy malarstwa sztalugowego i dekoracyjności. Przedmiotem szczególnego kultu była sztuka życia codziennego, formy zdobnicze. Jednocześnie wzrastało wzajemne oddziaływanie i wzbogacanie się różnych rodzajów sztuki, dorobek jednego rodzaju sztuki był swobodniej wykorzystywany przez inne. Wpływ teatru na malarstwo i muzykę był więc bardzo owocny.
Sztuka XVIII wieku przechodziła dwa etapy. Pierwsza trwała do lat 1740-1760. Charakteryzuje się modyfikacją form późnobarokowych w dekoracyjny styl rokoko. Oryginalność sztuki pierwszej połowy XVIII wieku - w połączeniu dowcipnego i szyderczego sceptycyzmu z wyrafinowaniem. Ta sztuka z jednej strony jest wyrafinowana, analizująca niuanse uczuć i nastrojów, dążąca do eleganckiej intymności, powściągliwego liryzmu, z drugiej strony skłaniająca się ku „filozofii przyjemności”, ku baśniowym wizerunkom Wschodu – Arabów, Chińczycy, Persowie. Równolegle z rokokiem rozwinął się nurt realistyczny, który dla niektórych mistrzów nabrał ostro oskarżycielskiego charakteru (Hogarth, Swift). Walka kierunków artystycznych w szkołach narodowych manifestowała się otwarcie. Drugi etap wiąże się z pogłębianiem sprzeczności ideologicznych, wzrostem samoświadomości, aktywnością polityczną burżuazji i mas. Na przełomie lat 1760-1770. Akademia Królewska we Francji sprzeciwiała się sztuce rokokowej i próbowała ożywić ceremonialny, idealizujący styl sztuki akademickiej końca XVII wieku. Gatunki rycerskie i mitologiczne ustąpiły miejsca gatunkowi historycznemu z wątkami zapożyczonymi z historii rzymskiej. Wezwano ich do podkreślania wielkości monarchii, która utraciła władzę, zgodnie z reakcyjną interpretacją idei „absolutyzmu oświeconego”. Przedstawiciele zaawansowanej myśli zwrócili się ku dziedzictwu starożytności. We Francji hrabia de Caylus otworzył naukową erę badań w tej dziedzinie („Kolekcja starożytności”, 7 tomów, 1752-1767). W połowie XVIII wieku niemiecki archeolog i historyk sztuki Winckelmann (History of the Art of Antiquity, 1764) nawoływał artystów do powrotu do „szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości sztuki antycznej, noszącej w sobie odbicie wolności Grecy i Rzymianie epoki republiki”. Francuski filozof Diderot znalazł w historii starożytnej spiski, które potępiały tyranów i wzywały do ​​powstania przeciwko nim. Powstał klasycyzm, kontrastujący dekoracyjność rokoka z naturalną prostotą, subiektywną dowolnością namiętności - znajomością praw realnego świata, poczuciem proporcji, szlachetnością myśli i czynów. Artyści najpierw studiowali starożytną sztukę grecką przy nowo odkrytych zabytkach. Głoszenie idealnego, harmonijnego społeczeństwa, prymat obowiązku nad uczuciem, patos rozumu to wspólne cechy klasycyzmu XVII i XVIII wieku. Jednak klasycyzm XVII wieku, który powstał na gruncie zjednoczenia narodowego, rozwinął się w warunkach rozkwitu społeczeństwa szlacheckiego. Klasycyzm XVIII wieku charakteryzuje się antyfeudalną orientacją rewolucyjną. Miał on na celu zjednoczenie postępowych sił narodu do walki z absolutyzmem. Poza Francją klasycyzm nie miał charakteru rewolucyjnego, jaki miał we wczesnych latach rewolucji francuskiej.
Równolegle z przeżywającym wpływy klasycyzmem żył nurt realistyczny. Zarysowano w nim tendencje racjonalistyczne: artyści dążyli do uogólnienia zjawisk życiowych.
W drugiej połowie XVIII wieku narodził się sentymentalizm z kultem uczucia i namiętności, podziwem dla wszystkiego, co proste, naiwne, szczere. Powstał pokrewny nurt przedromantyczny w sztuce, pojawiło się zainteresowanie średniowieczem i formami sztuki ludowej. Przedstawiciele tych ruchów podkreślali wartość szlachetnych i aktywnych uczuć człowieka, ujawniali dramatyzm jego konfliktów z otoczeniem, skłaniając go do ingerowania w realne sprawy publiczne w imię triumfu sprawiedliwości. Torowali drogę „do poznania ludzkiego serca i magicznej sztuki przedstawiania oczom genezy, rozwoju i upadku wielkiej namiętności” (Lessing) oraz wyrażali rosnące zapotrzebowanie na wzburzoną, patetyczną sztukę.

sztuka XIX wieku

W XIX wieku kapitalizm stał się formacją dominującą nie tylko w Europie, ale także na innych kontynentach. To właśnie w tym okresie doszło do gwałtownej eskalacji walki między dwiema kulturami – postępową demokracją i reakcyjną burżuazją. Wyrażając zaawansowane idee tamtych czasów, sztuka realistyczna XIX wieku potwierdzała walory estetyczne rzeczywistości, gloryfikowała piękno prawdziwej natury i pracującego człowieka. Realizm XIX wieku różnił się od poprzednich wieków tym, że bezpośrednio odzwierciedlał w sztuce główne sprzeczności epoki, społeczne warunki życia ludzi. Stanowiska krytyczne wyznaczały podstawy metody sztuki realistycznej w XIX wieku. Jego najbardziej konsekwentnym wcieleniem była sztuka realizmu krytycznego – najcenniejszego wkładu w kulturę artystyczną epoki.
Różne dziedziny kultury XIX wieku rozwijały się nierównomiernie. Literatura światowa (Victor Hugo, Honoré Balzac, Henri Stendhal, Fiodor Dostojewski, Lew Tołstoj), muzyka (Johann Beethoven, Fryderyk Chopin, Ryszard Wagner) osiąga najwyższe wyżyny. Jeśli chodzi o architekturę i sztukę użytkową, po powstaniu, które zdefiniowało styl Empire, obie te sztuki przeżywają kryzys. Następuje rozpad form monumentalnych, jedność stylistyczna jako integralny system artystyczny, obejmujący wszystkie rodzaje sztuki. Najpełniej rozwijają się sztalugowe formy malarstwa, grafiki i częściowo rzeźby, które w swoich najlepszych przejawach skłaniają się ku formom monumentalnym.

Wraz z tożsamością narodową w sztuce dowolnego kraju kapitalistycznego wzmacniają się cechy wspólne: krytyczna ocena zjawisk życiowych, historyzm myślenia, czyli głębsze i obiektywne zrozumienie sił napędowych rozwoju społecznego, zarówno przeszłych etapów historycznych, jak i teraźniejszość. Jednym z głównych osiągnięć sztuki XIX wieku jest rozwój wątków historycznych, w których po raz pierwszy ujawnia się rola nie tylko pojedynczych bohaterów, ale także mas ludowych, a środowisko historyczne jest bardziej szczegółowo odtworzone. Powszechnie stosowane są wszystkie rodzaje portretów, codzienne gatunki, krajobrazy o wyraźnym charakterze narodowym. Okres świetności przeżywa satyryczna grafika.
Wraz ze zwycięstwem kapitalizmu wielka burżuazja staje się główną siłą zainteresowaną ograniczaniem i tłumieniem realistycznych i demokratycznych tendencji w sztuce. Twórczość czołowych postaci kultury europejskiej Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet była często prześladowana. Wystawy wypełniały dopracowane prace tzw. artystów salonowych, czyli takich, którzy na salonach plastycznych zajmowali dominujące miejsce. Aby zadowolić gusta i wymagania burżuazyjnych klientów, kultywowali powierzchowne opisy, motywy erotyczne i rozrywkowe, ducha przeprosin za burżuazyjne fundamenty i militaryzm.
Już w latach sześćdziesiątych XIX wieku Karol Marks zauważył, że „produkcja kapitalistyczna jest wroga niektórym gałęziom produkcji duchowej, takim jak sztuka i poezja”. Sztuka interesuje burżuazję głównie jako opłacalna inwestycja (kolekcjonowanie) lub jako przedmiot luksusowy. Oczywiście byli kolekcjonerzy, którzy naprawdę rozumieli sztukę i jej cel, ale to były nieliczne wyjątki od reguł. Ogólnie rzecz biorąc, burżuazja, będąc prekursorem i głównym konsumentem sztuki, narzucała artystom swoje ograniczone rozumienie sztuki. Rozwój masowej produkcji na dużą skalę z jej bezosobowością i zależnością od rynku pociągał za sobą stłumienie kreatywności. Podział pracy w produkcji kapitalistycznej kultywuje jednostronny rozwój jednostki i pozbawia samą pracę twórczej integralności. Mówiąc o wrogości kapitalizmu do sztuki, Marks i Engels nie mieli na myśli ogólnej niemożności postępu artystycznego w XIX i XX wieku. Założyciele naukowego komunizmu chwalili w swoich pismach osiągnięcia np. krytycznego realizmu XIX wieku.
Demokratyczna linia sztuki, ukazująca rolę ludu jako siły napędowej historii i potwierdzająca walory estetyczne demokratycznej kultury narodu, przechodzi przez szereg etapów rozwoju. Na pierwszym etapie, od Wielkiej Rewolucji Francuskiej 1789-1794 do 1815 r. (czas narodowo-wyzwoleńczej walki narodów przeciwko napoleońskiej agresji), wyzyskowa istota społeczeństwa burżuazyjnego nie została jeszcze w pełni zrealizowana. Sztuka demokratyczna kształtuje się w walce z pozostałościami szlacheckiej kultury artystycznej, a także z przejawami ograniczeń ideologii burżuazyjnej. Najwyższe osiągnięcia ówczesnej sztuki wiązały się z rewolucyjnym patosem mas, które wierzyły w zwycięstwo ideałów wolności, równości i braterstwa. To okres rozkwitu rewolucyjnego klasycyzmu i narodzin sztuki romantycznej i realistycznej.
Drugi etap, od 1815 do 1849 roku, przypada na czas ustanowienia systemu kapitalistycznego w większości krajów europejskich. W zaawansowanej sztuce demokratycznej tego etapu dokonuje się przejście do zdecydowanej krytyki wyzyskującej istoty społeczeństwa burżuazyjnego. Jest to okres największego rozkwitu rewolucyjnego romantyzmu i kształtowania się sztuki krytycznego realizmu.
Wraz z zaostrzeniem się sprzeczności klasowych między burżuazją a proletariatem, które osiągnęło apogeum w okresie Komuny Paryskiej (1871), antagonizm między reakcyjnymi kulturami burżuazyjnymi i demokratycznymi jest jeszcze bardziej wyraźny. Pod koniec XIX wieku krytyka kapitalistycznego sposobu życia, zarówno w literaturze, jak iw dziełach sztuki, prowadzona jest z punktu widzenia rosnącego światopoglądu rewolucyjnego proletariatu.

Podobne informacje.

Historia każdego kraju znajduje swój wyraz w sztuce, a wzór ten jest szczególnie charakterystyczny na przykładzie malarstwa. W szczególności na przykładzie malarstwa Holandii, które przetrwało rewolucję, która w ogromnym stopniu wpłynęła na przyszłe losy zjednoczonego niegdyś państwa. W wyniku rewolucji XVII w Holandia została podzielona na dwie części: do Holandii i Flandrii (terytorium współczesnej Belgii), które pozostały pod panowaniem Hiszpanii.

historyczny rozwijały się na różne sposoby. jak i kulturowe. Oznacza to, że możliwe stało się podzielenie powszechnej niegdyś koncepcji malarstwa niderlandzkiego na niderlandzkie i flamandzkie.

Malarstwo holenderskie

Kultura Holandii w XVII wieku jest żywym ucieleśnieniem triumfu państwa, które uzyskało niepodległość. Zainspirowani smakiem wolności artyści wypełnili ten czas patosem społecznej i duchowej odnowy i po raz pierwszy zwrócili baczną uwagę na swoje otoczenie. - natura, wizerunek człowieka. Holenderscy artyści gatunkowi czerpią inspirację rutyna, małe codzienne epizody, co staje się jedną z charakterystycznych cech niderlandzkiego realizmu.

Ponadto głównymi odbiorcami sztuki stali się nie tylko przedstawiciele elitarnej elity, ale także kupcy i chłopi. Częściowo wpłynęło to na rozwój malarstwa jako elementu wyposażenia wnętrz, a także przyczyniło się do wzrostu zainteresowania opinii publicznej tematami życia codziennego.

Sztuka holenderska XVII wieku słynie z rozgałęziony system gatunkowy malarstwa.

Na przykład wśród pejzażystek byli malarze marynarze, artyści przedstawiający widoki miejsc płaskich czy leśnych zarośli, byli też mistrzowie pejzaży zimowych czy obrazów przy świetle księżyca; byli malarze gatunkowi specjalizujący się w postaciach chłopów, mieszczan i scenach z życia domowego; byli mistrzami różnego rodzaju martwych natur - „śniadań”, „deserów”, „sklepów”.

Ścisła koncentracja malarza na jednym podsystemie gatunku przyczyniła się do uszczegółowienia i udoskonalenia całego malarstwa holenderskiego jako całości.

XVII wiek jest naprawdę Złoty wiek malarstwa holenderskiego.

Cechy artystyczne

Lekkie i subtelne wyczucie koloru odgrywają główną rolę w obrazach artystów holenderskich.

Na przykład jak na zdjęciach Rembrandta - artysta, który stał się uosobieniem całej epoki malarstwa holenderskiego. Rembrandt się nie bał realistyczne szczegóły, sprzeczne z kanonami obrazu rzeczywistości, a więc wśród współczesnych był znany jako „malarz brzydoty”.

Rembrandt jako pierwszy zwrócił na to uwagę gra światła co pozwoliło mu wymyślić coś innego niż wszystkie styl pisania. Według Andrzej Felibien,„… często po prostu nakładał szerokie pociągnięcia pędzlem i nakładał grube warstwy farby jedna po drugiej, nie zadając sobie trudu, aby uzyskać gładsze i bardziej miękkie przejścia od jednego tonu do drugiego”.

„Powrót syna marnotrawnego”, 1666-1669

Jana Vermeera(Vermeer/Vermeer z Delft ) - malarz harmonii i klarowność widzenia świata. Znany ze swojej siły pomysłowe rozwiązania i trend wizerunkowy poetycka atmosfera codzienności, zwrócił szczególną uwagę kolorowy niuans, co pozwoliło oddać charakter przestrzeni świetlno-powietrznej.

„Młoda kobieta z dzbanem wody”, 1660-1662

Jacob van Ruisdael napisał monumentalne krajobrazy w zimnych kolorach który ucieleśniał jego subtelne poczucie dramatyzmu, a nawet posępności zmienność świata.

„Cmentarz żydowski”, 1657 r

Alberta Cuypa słynie z niezwykłej wizji kompozycja krajobraz - z nim jest z reguły podawany z niskiego punktu widzenia, co pozwala oddać ogrom obserwowanej przestrzeni.

„Krowy nad brzegiem rzeki”, 1650

Frans Hals (Hals/Hals) sławny wybitne portrety rodzajowe i grupowe, które są atrakcyjne ze względu na swoją specyfikę.

„Cygan”, 1628-1630

Malarstwo flamandzkie

We Flandrii tło kulturowe znacznie różniło się od holenderskiego. Szlachta feudalna a Kościół katolicki nadal odgrywali ważną rolę w życiu kraju, będąc głównymi odbiorcami sztuki . Dlatego głównymi typami dzieł malarstwa flamandzkiego pozostały obrazy do zamków, do miejskich domów bogatych i majestatyczne ołtarze do kościołów katolickich. Sceny starożytnej mitologii i sceny biblijne, ogromne martwe natury, portrety wybitnych klientów, obrazy wspaniałych uroczystości to główne gatunki sztuki we Flandrii w XVII wieku.

Flamandzka sztuka barokowa (pogodna, materialno-zmysłowa, wspaniała w obfitości form) ukształtowała się z cech włoskiego i hiszpańskiego renesansu w załamaniu jej barwy narodowej, co szczególnie przejawiało się w malarstwie.

Flamandzka żywotność jest inna monumentalność form, dynamiczny rytm i triumf stylu zdobniczego. Było to szczególnie widoczne w pracy Piotra Pawła Rubensa, który stał się centralną postacią malarstwa flamandzkiego.

Jego styl charakteryzuje się bujnym, żywym obrazem duże ciężkie postacie w szybkim ruchu. Rubens charakteryzuje się ciepłymi, bogatymi kolorami, ostrymi kontrastami światła i cienia, ogólnym duchem zwycięskiego święta. Eugene Delacroix powiedział:

„Jego główna cecha, jeśli wolisz go od wielu innych, - to jest przeszywający duch, to znaczy przenikliwe życie; bez tego żaden artysta nie może być wielki... Tycjana i Pawła Veronese wydają się strasznie ciche obok niego.

Wszystko, co tkwiło w jego pędzlu, stało się wspólną cechą całej szkoły.

„Unia ziemi i wody”, 1618

Sztuka Jakuba Jordaensa przyciąga wesołość, monumentalność, ale jednocześnie ze szczerą bezpośredniością - miłość Jordansa do obrazu bogate święta(potwierdza to wielokrotne powtórzenie fabuły „Króla Fasoli”. Nawiasem mówiąc, każdy, kto znalazł fasolkę po bretońsku w swoim kawałku ciasta, był wybierany na króla fasoli na ucztach), a bohaterowie chrześcijańskich legend jako zdrowi Flamandowie ucieleśniają ducha kultury Flandrii XVII wieku.

„Święto Króla Fasoli”, 1655

Anthony Van Dyck- portrecista, który stworzył typ portretu arystokratycznego, przepełnionego najdoskonalszym psychologizmem, wyrażonym w dbałości o dynamikę sylwetki i ogólną ekspresję postaci.

„Portret Karola I na polowaniu”, 1635

Fransa Snydersa znany z przedstawiania zmysłowej natury rzeczy, reprezentowanej przez barwność i monumentalność dekoracyjnych martwych natur, obrazów zwierzęcych.

Sklep z owocami, 1620

Jana Brueghela Młodszego- wnuk artysty Pietera Brueghela Starszego, zapamiętany z umiejętnego łączenia pejzażu i malarstwa codziennego, pejzaży i alegorycznych tematów mitologicznych, a także z talentu przekazywania efektu panoramy dzięki wysokiemu horyzontowi.

„Flora na tle pejzażu”, 1600-1610

Główne różnice między malarstwem holenderskim a flamandzkim

1. W Holandii staje się głównym odbiorcą art ludność klasy robotniczej we Flandrii – dwór królewski i szlachta.
2. Działki. Różni klienci proszą o różne rzeczy. Prości ludzie zainteresowany malarstwem przedstawiającym otaczającą go codzienność, wśród szlachty oczekuje się, że będzie popyt sceny antyczne i biblijne, demonstracja luksusu.
3. Sposób pisania. Charakterystyka subtelne poczucie światłocienia staje się cechą malarstwa holenderskiego. Od teraz to główne narzędzie, które pozwala uszlachetnić obraz nieestetycznej rzeczywistości. W malarstwie flamandzkim centralne miejsce zajmujeśrodki wyrazu artystycznego charakterystyczne dla baroku - przepych form, olśniewający kolor, obfitość i przepych.

Koniec ery malarstwa niderlandzkiego i flamandzkiego można nazwać podobnym – pod wpływem francuskich gustów i poglądów świadomość narodowa zarówno holenderska, jak i flamandzka stopniowo słabnie, w związku z czym pojęcie malarstwa flamandzkiego i niderlandzkiego staje się historyczną przeszłością.

Wydarzenia XVII wieku w Holandii i Flandrii dały światu wybitnych autorów i świeże spojrzenie na ogólny rozwój światowych prądów malarskich.

Źródła:

1. Mała historia sztuki. Sztuka Europy Zachodniej XVII.

2. Sztuka flamandzka i holenderska XVII wieku. Jako dwa bieguny światopoglądu dnia // banauka.ru/6067.html.

3. Era sztuki renesansowej w Holandii // http://m.smallbay.ru/article/later_renaiss_niderland.html.

W XVII wieku holenderska szkoła malarstwa stała się jedną z wiodących w Europie. To tutaj po raz pierwszy w historii sztuki światowej przedmioty otaczającej rzeczywistości okazały się źródłem twórczej inspiracji i artystycznego projektowania. W sztuce holenderskiej tego czasu zakończono tworzenie całego systemu gatunków, który rozpoczął się w renesansie. W portretach, obrazach codziennych, pejzażach i martwych naturach artyści z rzadkim kunsztem i ciepłem przekazali swoje wrażenia z otaczającej przyrody i bezpretensjonalnego życia. Odzwierciedlały one zbiorowy obraz Holandii – młodej republiki, która obroniła swoją niepodległość w wojnie z Hiszpanią.

„Poranek młodej damy” 1660 Frans Miris Starszy. Drewno, olej. Ermitaż państwowy

Obrazy artystów o tematyce codziennej (lub obrazy rodzajowe) przedstawiające osobę w znajomym, codziennym otoczeniu, odzwierciedlały utrwalone formy życia, zachowania i komunikowania się ludzi należących do różnych warstw społeczeństwa holenderskiego. Przeznaczone do dekoracji wnętrz domów kupców, rzemieślników czy zamożnych chłopów, obrazy holenderskich artystów były niewielkich rozmiarów. Artyści zarabiali na sprzedaży namalowanych obrazów z możliwością szczegółowego obejrzenia z bliska. To z kolei dało początek szczególnie starannemu, delikatnemu sposobowi pisania.

Towarzystwo Tarasowe. 1620 Esais Van De Velde. Drewno, olej. Ermitaż państwowy

W XVII wieku niderlandzkie malarstwo rodzajowe przeszło znaczną ewolucję. W okresie jej powstawania, na początku stulecia, powszechne były wątki o tematyce rekreacyjnej, rozrywkowej młodych zamożnych Holendrów czy sceny z życia oficerów. Takie obrazy nazywano „bankietami”, „towarzystwami”, „koncertami”. Ich malarstwo wyróżniało się pstrokatym kolorem, podniesionym radosnym tonem. Do dzieł tego rodzaju należy obraz „Towarzystwo na tarasie” Esaiasa van de Velde.

Na początku lat 30. zakończono formowanie się holenderskiego malarstwa rodzajowego. Zatłoczone „towarzystwa” ustąpiły miejsca małoliczbowym kompozycjom. Ważną rolę zaczął odgrywać obraz otoczenia otaczającego człowieka. Nastąpił podział malarstwa rodzajowego według linii społecznych: wątki o tematyce z życia mieszczaństwa oraz sceny z życia chłopów i miejskiej biedoty. Zarówno te, jak i inne obrazy miały ozdobić wnętrze.

"Bić się". 1637 Adrian van Ostade. Drewno, olej. Ermitaż państwowy

Jednym z najbardziej znanych artystów, którzy pracowali w „gatunku chłopskim”, był Adrian van Ostade. We wczesnym okresie twórczości obraz chłopów w jego obrazach odznaczał się zaakcentowaną komizmem, sięgającą niekiedy karykatury. Tak więc na obrazie „Walka”, oświetlonym ostrym światłem, walczący ludzie wydają się nie być żywymi ludźmi, ale marionetkami, których twarze są jak maski zniekształcone grymasami złośliwości. Opozycja barw zimnych i ciepłych, ostre kontrasty światła i cienia potęgują wrażenie groteskowości sceny.

Wiejscy muzycy. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Olej na drewnie. Ermitaż państwowy

W latach pięćdziesiątych XVII wieku nastąpiła zmiana w malarstwie Adriana Ostade'a. Artysta zwrócił się ku spokojniejszym tematom, przedstawiającym osobę podczas zwykłych czynności, najczęściej w chwilach odpoczynku. Takim przykładem jest obraz wnętrza „Muzycy ze wsi”. Ostade umiejętnie oddaje skupienie „muzyków”, których porywa zawód, przedstawiając dzieci obserwujące ich przez okno z ledwie zauważalnym humorem. Różnorodność i miękkość gry światła i cienia, zielonkawo-brązowa kolorystyka łączą ludzi i ich otoczenie w jedną całość.

„Zimowy widok”. 1640 Izaak Van Ostade. Drewno, olej. Ermitaż państwowy

Brat Adriana, Isaac van Ostade, który zmarł wcześnie, również pracował w „gatunku chłopskim”. Przedstawił życie wiejskiej Holandii, w której naturze człowiek czuł się jak w domu. Obraz „Zimowy widok” przedstawia typowy holenderski pejzaż z szarym niebem wiszącym ciężko nad ziemią, zamarzniętą rzeką, nad brzegiem której położona jest wieś.

„Pacjent i lekarz”. 1660 Jan Steen. Drewno, olej. Ermitaż państwowy

Wątek gatunkowy sztuki braci Ostade kontynuował Jan Steen, utalentowany mistrz, który z poczuciem humoru dostrzegał charakterystyczne szczegóły z życia i relacji bohaterów na swoich obrazach. Na obrazie „Biesiadnicy” sam artysta wesoło i chytrze patrzy na widza siedzącego obok żony, która zasnęła po wesołej uczcie. W filmie „Pacjent i lekarz” poprzez mimikę i gestykulację bohaterów Jan Steen umiejętnie odsłania fabułę wyimaginowanej choroby.

„Pokój w holenderskim domu”. Petera Janssensa. Płótno, olej. Ermitaż państwowy

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XVII wieku tematyka malarstwa rodzajowego stopniowo się zawężała. Zmienia się struktura figuratywna obrazów. Stają się spokojniejsze, bardziej intymne, bardziej liryczne kontemplacje, pojawia się w nich spokojna myśl. Ten etap reprezentują prace takich artystów jak: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Ich prace ucieleśniały poetycki i nieco wyidealizowany obraz codziennego życia holenderskiej burżuazji, która kiedyś walczyła o swoje prawa i niezależność, a teraz osiągnęła trwały dobrobyt. I tak na obrazie wnętrza „Pokój w domu holenderskim” Petera Janssensa przytulny pokój zalany światłem słonecznym jest przedstawiony z promieniami słońca igrającymi na podłodze i ścianach, na obrazie „Starsza pani przy kominku” Jakuba Wrehla, ukazany jest pokój z kominkiem pogrążony w miękkim półmroku. Dobór kompozycji w pracach obu artystów podkreśla jedność człowieka i jego otoczenia.

„Szklanka lemoniady”. 1664 Gerarda Terborcha. Hostia (tłumaczenie z drewna), olej. Ermitaż państwowy

W tych latach holenderscy malarze rodzajowi po raz pierwszy starali się oddać w swoich pracach głębię życia wewnętrznego człowieka. W codziennych sytuacjach znaleźli okazję do odzwierciedlenia różnorodnego świata najsubtelniejszych doświadczeń. Ale możesz to zobaczyć tylko po uważnym i uważnym zbadaniu obrazu. Tak więc w obrazie Gerarda Terborcha „Kieliszek lemoniady” subtelny język gestów, dotyku dłoni, kontaktu wzrokowego ujawnia całą gamę uczuć i relacji między bohaterami.

"Śniadanie". 1660 Gabriel Metsu. Drewno, olej. Ermitaż państwowy

Świat przedmiotowy zaczyna odgrywać dużą rolę w malarstwie rodzajowym tego okresu. Charakteryzuje nie tylko materialne i emocjonalne środowisko życia człowieka, ale także wyraża różnorodność relacji człowieka ze światem zewnętrznym. Zespół przedmiotów, ich układ, złożony system symboli, a także gesty postaci - wszystko to odgrywa rolę w tworzeniu figuratywnej struktury obrazu.

„Biesiadnicy”. 1660 Jan Steen. Drewno, olej. Ermitaż państwowy

Holenderskie malarstwo rodzajowe nie wyróżniało się szeroką gamą tematów. Artyści ograniczyli się do przedstawienia tylko pewnego kręgu postaci i ich zajęć. Ale z ich pomocą holenderskie malarstwo rodzajowe było w stanie przekazać wiarygodny obraz obyczajów, zwyczajów i wyobrażeń o życiu człowieka w XVII wieku.

W przygotowaniu publikacji wykorzystano materiały z otwartych źródeł.